|
საქორწინო ზარდახშა. იტალია. მე-17 საუკუნე |
 |
|
სკულპტურული ჯგუფი "ზამთარი". სერიიდან "ოთხი სეზონი". გერმანია. მაისენი |
 |
 |
|
სერვისის ნივთები. საფრანგეთი. სევრ. 1780-1784 წწ. რბილი ფაიფური, ფერწერა. საყინულე |
 |
|
მე-18-19 საუკუნეების ფრანგული ხელოვნების დარბაზი |
 |
|
კაბინეტი. აუგსბურგი. XVII საუკუნე. ხე, კვეთა, თეთრი მეტალი, მოოქროვილი, 196x135x61 |
 |
|
ბიურო-ცილინდრი. რუსეთი. მე-18 საუკუნის დასასრული. |
 |
|
Ვაზა. რუსეთი. XIX საუკუნის პირველი მეოთხედი. მინა, ოქროს მხატვრობა. სიმაღლე 35.5 |
 |
 |
|
საყინულე. რუსეთი. იმპერიული ფაიფურის ქარხანა. XIX საუკუნის პირველი მეოთხედი. ფაიფური, ფერწერა. სიმაღლე 40 |
დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნების კოლექციები ასევე ასოცირდება A.P. ბოგოლიუბოვის სახელთან, რომელმაც მუზეუმის გახსნაზე ძველი ფაიფურის 40 ნივთი, უმეტესად საქსონური აჩუქა. სხვადასხვა ჭურჭელი და ავეჯი მაშინ სულ 92 ნივთს შეადგენდა. 1897 წელს, ბოგოლიუბოვის გარდაცვალების შემდეგ, მისი ანდერძის თანახმად, მიიღეს ნივთების სხვა ჯგუფი, მათ შორის ავეჯი, მინა, ბრინჯაო და ვერცხლი.
ბოგოლიუბოვის კოლექციები, განსაკუთრებით ფაიფური, საგრძნობლად იქნა შევსებული პირველ პოსტრევოლუციურ წლებში სახელმწიფო მუზეუმის ფონდიდან, სადაც იყრიდა თავს ყველა ნაციონალიზებული ხელოვნების ნიმუში. 1970 წელს მუზეუმმა მიიღო რუსული და დასავლეთ ევროპის ფაიფურის ნიმუშები (300-ზე მეტი ნივთი), რომელიც ანდერძით იყო ცნობილი სარატოვის ოფთალმოლოგ ო.ა. გორდეევას.
ამ დახვეწილი და დახვეწილი ხელოვნების ისტორია საუკუნეებს ითვლის. ფაიფური წარმოიშვა VII-VIII საუკუნეების მიჯნაზე ჩინეთში. ევროპაში მათ ამის შესახებ XIII საუკუნეში შეიტყვეს. ცნობილმა ვენეციელმა მოგზაურმა მარკო პოლომ აღმოსავლეთიდან რამდენიმე ფაიფურის ჭურჭელი ჩამოიტანა. ევროპა „ფაიფურის ციებ-ცხელებამ“ შეიპყრო, ყველას სურდა ამ თეთრი მბზინავი მასალისგან პროდუქცია ჰქონოდა, ნათელი, გაუფერულებელი ფერებით შეღებილი. შემორჩენილია ინფორმაცია, რომ როდესაც ფაიფურის ნივთებს მსხვრევდნენ, ისინი კვლავ ინახავდნენ, ხშირად ნამსხვრევებს ძვირფას ლითონებში აწყობდნენ და ატარებდნენ სამკაულებად. ფაიფური ფასდებოდა არა მხოლოდ სილამაზისთვის, არამედ ისეთი თვისებებით, რომლებიც აქამდე არასდროს უნახავთ. მოჭიქული ფაიფურის ზედაპირი არ ექვემდებარებოდა ქიმიურ შეტევას და იყო შეუღწევადი. იყო ლეგენდები ფაიფურის შესახებ. მისი წარმოების საიდუმლო მე-18 საუკუნის დასაწყისამდე ვერ გაირკვა. მაგრამ გზაზე აღმოაჩინეს მრავალი ახალი მასალა, გარეგნულად მსგავსი ჩინელი ოსტატების პროდუქციისა. ასე გაჩნდა რძიანი მინა ვენეციაში, ესპანურ-მავრიული კერამიკა, ფაიანსი ინგლისსა და ჰოლანდიაში.
ევროპაში პირველი, ვინც მიიღო ფაიფური იყო I.F. Betger, რომელმაც აღმოაჩინა თეთრი თიხის (კაოლინის) საბადოები საქსონიის მაისენთან ახლოს. გაირკვა ფაიფურის წარმოების საიდუმლო, რომელსაც ევროპაში საუკუნეების მანძილზე ებრძოდნენ. მალე მეისენის ქარხნის ფაიფური ცნობილი გახდა მთელ ევროპაში. ახლა კი ამ მცენარის პროდუქტები პოპულარულია ხელოვნების მოყვარულებში.
ჩვენი მუზეუმის კოლექციაში მეისენის ფაიფური ძალიან კარგად და სრულადაა წარმოდგენილი. ეს მოიცავს ბოგოლიუბოვის მიერ ანდერძებულ ნივთებს და ფაიფურის ნივთებს O.A. Gordeeva-ს კოლექციიდან, ისევე როგორც სხვა ექსპონატებს.
ყველაზე დიდ ინტერესს იწვევს მე-18 საუკუნის მაისენის ფაიფური. ეს ეპოქა ითვლება კლასიკურ პერიოდად ევროპული ფაიფურის განვითარებაში. ამ დროს ოსტატი ცდილობს ხაზი გაუსვას ფაიფურის სითეთრეს და დახვეწილობას, წარუდგენს მასალას მისი ბუნებრივი თვისებების გათვალისწინებით.
Meissen-ის განსაკუთრებული დიდება - პირველი ევროპული ფაიფურის წარმოება - არის პატარა პლასტმასი. ქალბატონების, ბატონების, ალეგორიული კომპოზიციებისა და პასტორალების გამოსახულებებში განსაკუთრებული ძალით გამოიხატა როკოკოს სტილის ერთ-ერთი თვისება - ხაზის უწყვეტი გლუვი დინების ილუზია. იოჰან იოახიმ კაენდლერისა და პიტერ რეინიკეს სახელები დაკავშირებულია მაისენის ქანდაკების ჩამოყალიბებასთან. მათი ნამუშევრები აერთიანებდა ქანდაკებისა და ხელოვნებისა და ხელოსნობის ელემენტებს. ახირებული კონტურები და ფერის სილამაზე - აი, რა ახასიათებს მათი მოდელების მიხედვით შესრულებულ ქანდაკებებს.
ორი ალეგორიული ფიგურა "ოთხი სეზონის" სერიიდან - "ზამთარი" და "გაზაფხული", რომლებიც დამზადებულია იოჰან იოახიმ კაენდლერის მოდელების მიხედვით, ავლენს ფაიფურში როკოკოს სტილის დამახასიათებელ თვისებებს. სეზონები წარმოდგენილია ღრუბლებზე მსხდომი უძველესი ღმერთების გამოსახულებებში. ზამთარი წარმოდგენილია სატურნი და ჰებე, გაზაფხული მარსი და ფლორა. სკულპტურულ ჯგუფებს ამშვენებს ნათელ ფერებში შეღებილი წვრილად შეფუთული ყვავილები, რომლითაც მეისენის ქარხანა მე-18 საუკუნეში იყო ცნობილი.
მაღალი მხატვრული თვისებები განასხვავებს ბერლინის ქარხნის პროდუქციის მცირე კოლექციას. ეს არის ძირითადად ჭურჭელი და ინტერიერის დეკორაციის ნივთები. ყველაზე ნაზი იასამნისფერი, რაც ამ ნაწარმოების დიდება იყო, ა. ვატოს "მწვრთნელის თასის" მოტივებზეა დახატული. ჩაიდანის, ყავის ქოთნების, დეკორატიული ვაზების კორპუსები მორთულია მე-18 საუკუნეში საყვარელი პასტორალებით, ყვავილების ორნამენტებით.
ვენის ქარხნის ნივთების ჯგუფი წარმოდგენილია მე-18 - მე-19 საუკუნის დასაწყისში, როდესაც ევროპულ ფაიფურში ჩამოყალიბდა ახალი სტილის, იმპერიის სტილის მახასიათებლები. გაზრდილ დეკორატიულობაზე ზრუნავდნენ ვენელმა ოსტატებმა ნახატის საკუთარი ვერსია. ორნამენტის მდიდარ ოქროს ჩარჩოში ფირფიტების სარკეში ყველაზე ხშირად მოთავსებული იყო რენესანსის ოსტატების ნახატების ასლები.
თითოეულმა ქვეყანამ თავისი გზა გაიარა ფაიფურისკენ, შეიმუშავა როგორც სპეციალური ტექნოლოგია, ასევე ორნამენტის განსაკუთრებული ხასიათი, ზოგჯერ იმავე სტილში. ფერადი ფონის მქონე ფრანგული კერძები ცნობილი იყო მთელ ევროპაში: ფირუზისფერი, ვარდისფერი, ლურჯი, შეღებილი მედალიონებში მოოქროვილი ორნამენტებით. ასეთ ფაიფურს ამზადებდნენ სევრის ქარხანაში - ფაიფურის მთავარი წარმოება საფრანგეთში.
ასე იღებება ლურჯი ნაყინის მწარმოებელი, უჯრა და სანელებლების მწარმოებელი, რომლებიც პრინცი იუსუპოვის კუთვნილი სერვისის ნაწილი იყო. ეს სერვისი მრავალი წლის განმავლობაში კეთდებოდა და ამშვენებდა უმსხვილეს ფაიფურის მხატვრებს. ნაყინის მწარმოებელი დახატა ვინსენტ უმცროსმა, ნახატის ავტორმა ეკატერინე II-ის მიერ სევრის მიერ შეკვეთილი ცნობილი კამეოს სერვისზე და ახლა ინახება ერმიტაჟში. იუსუპოვის სერვისი "რბილი ფაიფურის" იყო. და ამ მასალის სპეციფიკური თვისებები შესანიშნავად შეესაბამებოდა როკოკოს სტილს მისი ჩვეულებრივი რბილი კონტურებით და ტალღოვანი ხაზებით. სევრის მასის თავისებურებებმა ასევე განსაზღვრა ნახატის ბუნება: არცერთი კერამიკული მასალა არ იძლევა ასეთ ხმოვან ღრმა ტონებს მრავალი ჩრდილით.
რუსეთში ფაიფური პირველად მოიპოვა მე-18 საუკუნის შუა წლებში დ.ი.ვინოგრადოვის მიერ სანკტ-პეტერბურგის საიმპერატორო ფაიფურის ქარხანაში (IPM). მუზეუმის კოლექციაში რუსული ფაიფური წარმოდგენილია მრავალი კერძო საწარმოს პროდუქციით. მუზეუმს შეუძლია იამაყოს IPM-ის ბრწყინვალე ნიმუშებით, გარდნერის, პოპოვის, კორნილოვის, გულინის, საფრონოვის ქარხნებით, რომლებსაც თავისი უნიკალური ხიბლი აქვთ.
ცნობილია რუსი ოსტატების მიღწევები კლასიციზმის სტილში XIX საუკუნის დასაწყისის ანუ იმპერიის. ამ სტილის რუსული ფაიფური, ისევე როგორც გამოყენებითი ხელოვნების სხვა დარგები, შესანიშნავ მაგალითებს იძლევა.
იმპერია შთაგონებული იყო ანტიკურობით. დეკორაციის მოტივებში დომინირებს დაფნის გვირგვინები, ლომები, გრიფინები, სამხედრო ატრიბუტები და სხვ. ფორმებში გამოვლინდა მასების სიმყარე, მათი სტატიკური ხასიათი. ამ სტილის კანონების მიხედვით, IPM-ის ხელოსნებმა დაამზადეს მაგიდის დეკორაციის ვაზა ორი კლასიკური ფიგურის სახით, რომელიც ეყრდნობა ოვალური ფორმის თასს. ბისკვიტისგან (უჭიქული ფაიფურის) ფიგურების თეთრი ფერი კონტრასტია ლურჯი ტონით და ძირის მოოქროვილით. გავლენას ახდენს იმპერიის სიყვარული ფერის სიკაშკაშისა და კონტრასტის მიმართ. კიდევ ერთი ვაზა ასევე სკულპტურული ჯგუფია: ვენერა კუპიდონს ისრებით აყენებს კვერს. ასეთ ვაზებს ამზადებდნენ დიდი საზეიმო ან საიუბილეო მსახურებისთვის და ათავსებდნენ საზეიმო მაგიდის ცენტრში.
ამავე სტილის თვისებები მკაფიოა ნაყინის მწარმოებელში, მუქი ფერის სამ ლომის თათზე, ძველი ბრინჯაოს ქვეშ. მისი ფერი ლამაზად იყო შერწყმული მოოქროვილის ბრჭყვიალთან.
კერძო ქარხნების პროდუქცია უფრო გამორჩეულია. შეგიძლიათ ისაუბროთ სამღვდელო, გარდნერის ან საფრონოვის ფაიფურზე. ეს ქარხნები წარმოდგენილია არა უნიკალური ნივთებით, IPM-ისგან განსხვავებით, არამედ ეგრეთ წოდებული ჩვეულებრივი ჭურჭლით, რომელიც დაკავშირებულია კონკრეტული კლასის ცხოვრებასთან. ადვილი მისახვედრია 1830-1850-იან წლებში პოპოვის ქარხანაში შექმნილი ეგრეთ წოდებული "ტავერნის" ნათელი ელეგანტური ჩაიდანების სოციალური კუთვნილება, მორთული უპრეტენზიო ყვავილების ნახატით.
წყარო, საიდანაც ხელოსნებმა დახატეს კერძების ფორმები და ფერწერის მოტივები, არის ტრადიციული რუსული ხალხური ხელოვნება. ეს გზა იქნება ყველაზე ნაყოფიერი მოახლოებული ინტერსტილის დროს, ის დიდწილად გადაარჩენს რუსულ კერძო ქარხნებს ამ რთულ დროს ეკლექციზმის ეპოქაში გარდაუვალი "კერამიკის" დაკარგვისგან. კორნილოვის ქარხნის ყავის ქვაბში, მოხატული. თეთრ ფონზე პატარა ოქროს ფოთლებითა და ვარდებით, მღვდელმთავრის ქარხნის ხელოსნების მიერ დამზადებულ ნათელ მწვანე თასებში, არ დაიკარგა მთავარი: საგნის ფორმისა და ფუნქციური დანიშნულების წონასწორობა.
საბჭოთა ფაიფურის კოლექცია შედარებით მცირეა. იგი წარმოდგენილია პროპაგანდისტული ჩინეთით, რომელიც 1920-იან წლებში იყო რევოლუციური პროპაგანდის ერთ-ერთი საშუალება.
ს.ჩეხონინისა და ნ.ალტმანის ნახატების მიხედვით დახატული ჭურჭელი და ჭიქები, ნ.დანკოს სკულპტურები, ა.შჩეკატიხინა-პოტოცკაიას თეფშები რევოლუციური ლოზუნგებითა და ახალგაზრდა საბჭოთა სახელმწიფოს ემბლემებით - საბჭოთა ქვეყნის პირველი ფაიფური ენაზე საუბრობდა. თავისი დროის. იგი გამოიფინა სპეციალურ ვიტრინებში მოსკოვში კუზნეცკის ხიდზე და პეტროგრადში ნევსკის. ”ეს ფაიფური იყო სიახლე მშვენიერი მომავლის შესახებ, რომლისთვისაც საბჭოთა ქვეყანა იბრძოდა საშინელ ბრძოლებში შიმშილით, განადგურებითა და ჩარევით”, - წერდა ე.ია დანკო, ლომონოსოვის ქარხნის მხატვარი და ისტორიოგრაფი (ყოფილი იმპერიული ფაიფურის ქარხანა). მემუარები.
A.N. რადიშჩევის მუზეუმში შენახული მინის ნაწარმი ფაიფურის მსგავსად გამოვიდა: 1897 წელს, A.P. Bogolyubov-ის ანდერძის თანახმად, სახელმწიფო მუზეუმის ფონდის მეშვეობით, კერძო კოლექციებიდან.
მე -18 საუკუნის ბოლოს - მე -19 საუკუნის დასაწყისის რუსული შუშის პატარა, მაგრამ საინტერესო კოლექცია 1973 წელს ანდერძით გადაეცა E.P. Razumova მუზეუმს.
რუსული მინის ქარხნები, სახელმწიფო და კერძო, მე-18 საუკუნის დასაწყისში გაჩნდა მოსკოვსა და პეტერბურგში, სმოლენსკთან და კალუგასთან. მინის ჭურჭელზე მოთხოვნა იზრდება. იზრდება ქარხნების რაოდენობაც. ცნობილი მალცევის ქარხანა ჩნდება მდინარე გუსზე ვლადიმირთან, ხოლო ბახმეტიევის ქარხანა პენზასთან სოფელ ნიკოლსკის მახლობლად.
მე-18 საუკუნის მინის ინდუსტრიის ყველაზე ადრეული ნამუშევრები ჩვენს კოლექციაში არის კერძო ქარხნების პროდუქტები. უპირველეს ყოვლისა, ეს არის მწვანე შუშის დამასკი, უპრეტენზიო ყვავილოვანი ორნამენტით და წარწერით: „გააკეთე ეს ჭურჭელი გავრილოვის ქარხანაში 726 წელს. ეს არის რუსული ჩვეულებრივი კერძების ადრეული მაგალითი, რომელსაც დიდი რაოდენობით ამზადებდნენ, არ ზოგავდნენ და არ უვლიდნენ. დაკარგული და გატეხილის ნაცვლად ახალი იყიდეს. ამიტომ ასეთი კერძები ცოტაა შემორჩენილი. შტოფი იმითაც არის საინტერესო, რომ ხელმოწერილია. იგი აჩვენებს დამზადების თარიღს და ადგილს. ცნობილია, რომ 1724 წელს მოსკოვის რაიონში დაარსდა გავრილოვისა და ლოგინოვის ქარხანა. სხვა ინფორმაცია ამ წარმოების შესახებ არ არსებობს. ჩვენი დამასკი იძლევა წარმოდგენას ნაკლებად ცნობილი საწარმოს პროდუქციის ბუნების შესახებ.
რუსეთში მინა პრაქტიკულად არ იყო მარკირებული. მხოლოდ მე-19 საუკუნის 20-იანი წლებიდან (ნიკოლოზ I-ის ეპოქიდან) დაიწყო საიმპერატორო მინის ქარხანამ პროდუქციაზე მარკების დადება. შტამპის არსებობა, რა თქმა უნდა, არ არის ერთადერთი გზა ნივთის დამზადების ადგილისა და დროის დასადგენად. შუშის ჭურჭლის ღირსშესანიშნავი ძეგლებია მაღალი, კონუსური თასები, ხშირად სახურავებით, ორნამენტირებული მეფობის პირთა მოჩუქურთმებული გერბებით ან მონოგრამებით. ბენზელებს აკრავენ მცენარის ყლორტებითა და კულულებით, რომლებსაც „როკაილი“ ეძახდნენ. თასების თავზე, კიდესთან, თაღებით ამოტვიფრული და გაპრიალებული „ორმოების“ ნიმუშია. ფეხების თაროები მზადდებოდა ბალუსტერის სახით "ვაშლებით", რომლებსაც თაროზე აკრავდნენ, ზოგჯერ ხუთ ცალამდე. ამ პროდუქტებში გრავიურა ზედაპირული და ფართო იყო. ეს თვისებები განასხვავებს რუსეთის თასებს მუზეუმში დაცული ბოჰემიისა და გერმანიის თასებისგან.
ცხადია, კერძო ქარხნებში ამზადებდნენ მრავალრიცხოვან ფერად ჭიქებს, დეკანტერებს, ბოთლებს. ფერადი მინა რუსეთში ძალიან პოპულარული იყო. დასავლეთ ევროპისგან განსხვავებით, კერძებს ამზადებდნენ მყარი ფერადი მინისგან, რომელიც მე-18 საუკუნის შუა ხანებში დიდი რაოდენობით გამოჩნდა. ეს განპირობებულია მ.ლომონოსოვის წარმატებული ექსპერიმენტებით.
მე -18 საუკუნის ბოლოს - მე -19 საუკუნის დასაწყისში, გამოჩნდა მაღალი ფაზის დეკანტები სხვადასხვა ფორმის საცობებით, თხელ ფეხებზე წამოწეული სათვალეები, ელეგანტური სათვალეები ცქრიალა კიდეებით - ელეგანტური კერძები, რომლებიც ამშვენებდა სადღესასწაულო სუფრებს და მარაგებს. სახიანი კერძები მზადდება უფერო მინისგან ტყვიის დამატებით, რაც განსაკუთრებულ ბზინვარებას ანიჭებს. კრისტალი ჰქვია და ე.წ „ბრილიანტის სახე“ ჭრიან. ეს ტექნიკა დღესაც გამოიყენება მინის წარმოებაში.
მე-19 საუკუნის მეორე ნახევარი იყო ხელოვნებისა და ხელნაკეთობებისადმი ინტერესის გაზრდის დრო, განსაკუთრებით მისი ისტორიით. ფართოდაა გავრცელებული სიძველეების კოლექცია. შემთხვევითი არ არის, რომ ანტიკვარული ავეჯის მიმართ გაზრდილი ინტერესიც დადგინდა ამავე დროს. კოლექციონერები აგროვებენ მე-18 საუკუნის მოჩუქურთმებულ მოოქროვილ ავეჯს, უჯრის კომოდებს, კარადებს, იტალიურ და გერმანულ საქორწილო ყუთებს, მუხის და კაკლის კაბინეტებს მე-17 საუკუნის გერმანიიდან. მსგავსი ნივთები იყო ბოგოლიუბოვის კოლექციაში.
ანტიკური ავეჯით გატაცება იწვევს ყალბებს, რომლებმაც დატბორა ანტიკვარიატი მაღაზიები. ერთმანეთის მიყოლებით პარიზში, ვენეციაში, პეტერბურგში იქმნება სახელოსნოები, რომლებიც აწარმოებენ ანტიკვარულ ავეჯს, ზოგჯერ ორიგინალისგან არ განსხვავდებიან - ხე ისე რბილად არის გაპრიალებული, ისე სწორად არის დაცული მისი სტრუქტურული ნაწილების პროპორციები.
მუზეუმის კოლექციაში ყველაზე ადრეული ავეჯი მე-16-17 საუკუნეებით თარიღდება. ეს არის ავეჯი გერმანიიდან, საფრანგეთიდან, იტალიიდან, ჰოლანდიიდან, აწყობილი A.P. Bogolyubov-ის მიერ. რა თქმა უნდა, ჩვენი მაშინდელი ავეჯის კოლექცია არ იძლევა საფუძველს ვისაუბროთ არსებულ ინტერიერზე, მაგრამ გვაძლევს საშუალებას წარმოვადგინოთ სხვადასხვა ქვეყნის ავეჯის ხელოვნების ეროვნული ნიშნები საკმაოდ ფართო ქრონოლოგიურ ჩარჩოში.
ავეჯი ხანმოკლეა, მისი დამზადების მასალაა ხე, რომელიც ადვილად ექვემდებარება სხვადასხვა ზემოქმედებას. ბევრი მათგანი გარდაიცვალა როგორც სტიქიური უბედურებების, ისე ომების შედეგად, ასევე მოდის გავლენის გამო. ავეჯი არის საქონელი. ეს ნიშნავს, რომ დროთა განმავლობაში ის ცვდება და უნდა შეიცვალოს ახლით. შემორჩენილია პატარა ავეჯი ჩვეულებრივი ადამიანების საცხოვრებლიდან. მიუხედავად ამისა, ევროპის ზოგიერთ ქვეყანაში ავეჯის ხელოვნების ისტორიის ძირითადი ეტაპები ჩვენი კოლექციის ობიექტებშიც ჩანს.
მე-16 საუკუნის იტალიაში სკამი მზადდებოდა მყარი ხისგან მოჩუქურთმებული ზურგით, საქორწინო ზარდახშა, ვენეციური ნამუშევრების ნაკრები, საკურთხეველი. ამ ავეჯის დასამზადებლად გამოიყენებოდა ყავისფერი კაკალი, იტალიისთვის დამახასიათებელი მასალა, რომელიც ოსტატს საშუალებას აძლევს მიაღწიოს დიდ მხატვრულ ეფექტს. კვეთის მოტივები შედგენილი იყო უძველესი ხელოვნების მემკვიდრეობიდან. საქორწილო ზარდახშაში, აშკარად ფლორენციული ნამუშევრის, გაკვირვებულია ფორმისა და ორნამენტის იშვიათი ერთიანობა, რომელიც გამოირჩეოდა მე-16 - მე-17 საუკუნის დასაწყისის იტალიელი ავეჯის მწარმოებლებით.
ამ ეპოქის ავეჯი თავისი კონსტრუქციული ლოგიკით ჰგავს არქიტექტურულ ნაგებობებს. საკურთხეველი გაკეთებულია პორტალის სახით ვაზებთან გადაჯაჭვული სვეტებით, ღვთისმშობლის ფიგურის ნიშში პოდიუმით - ეს არქიტექტურული ელემენტები უკიდურესად დამახასიათებელია მე-16-მე-17 საუკუნეების ავეჯისთვის. ეს განსაკუთრებით იგრძნობა სამხრეთ გერმანიაში დამზადებულ კაბინეტის ავეჯში. კარადა იქცევა ერთგვარ ორსართულიან ნაგებობად, რომლის ყოველი სართული გამოყოფილია კარნიზით. იარუსები მორთულია სვეტებით ან პილასტრებით. კარები წააგავს პორტალებს ან ფანჯრებს, რომლებსაც თავზე არქიტრავები ან ფრონტონები აქვთ. ყველა ეს არქიტექტურული დეტალი გამაგრებულია წებოთი და, ფაქტობრივად, არის დეკორაცია, რომელიც მალავს ორი სკივრისაგან შემდგარი კაბინეტის დიზაინს. ამ შთაბეჭდილებას აძლიერებს მის გვერდით ფასადებზე მკერდის დასაკეცი სახელურები. ასეა შექმნილი გარდერობი, რომელიც მორთულია ბუჩქით (ნაზარდი ხეზე, ხის დეფექტი, რომელიც აძლევს მდიდარ, ლამაზ ტექსტურას). კარადები აუცილებლად მომარაგებული იყო თაროებით, მათში ტანსაცმელი ინახებოდა დაკეცილი. ისინი ასევე შეიძლება ემსახურებოდეს სხვადასხვა ჭურჭლის შესანახად.
დასაკეცი, ე.წ. ძველთათვის ეს იყო ძალაუფლების სიმბოლო. მხოლოდ ასეთ სავარძელზე ჯდომით იყო შესაძლებელი განკითხვისა და შურისძიების განხორციელება. ასეთ სკამს ჩვეულებრივ ატარებდნენ კონსულების, უფროსი სამხედრო ლიდერების, დიქტატორების უკან. რბილად მოხრილი ფეხის თაროები, რომლებიც დამზადებულია რამდენიმე ვიწრო ფიცრისგან, გადაკვეთილია და დაკავშირებულია ჯვარედინი ზოლებით სიმტკიცისთვის, ხოლო მოსახსნელი დაფა, რომელიც ჩასმულია სკამის ზედა ნაწილში, როგორც შუამავალი, ქმნის საზურგეს.
მე-16 საუკუნიდან გერმანიაში გაჩნდა სკამის თავისებური ფორმა, რომელიც მე-17 საუკუნეში ფართოდ გავრცელდა ამ ქვეყნის ავეჯის ხელოვნებაში - გლეხის სკამი ე.წ. ჩვენს მუზეუმს ასევე აქვს მსგავსი ნივთების მთელი სერია ერთი და იგივე ორნამენტის სხვადასხვა ვარიანტებით. ასეთი სკამის პროტოტიპი თავდაპირველად უბრალოდ ხის ღერო იყო, ტოტებისაგან გასუფთავებული და სამ ფეხზე სტაბილურობისთვის გამაგრებული. და კომფორტული ურბანული საცხოვრებლისთვის გაკეთდა სკამები ოთხი ფეხით - მაღალი ოსტატობის მაგალითები. მათ ამშვენებს მხოლოდ დაფით, რომელიც ზურგის ფუნქციას ასრულებს. ეს შეიძლება იყოს არა მხოლოდ კაკალი, არამედ მუხა და ფიჭვი. ეს დამოკიდებულია იმაზე, თუ სად დამზადდა ნივთი. კვეთაში, როგორც წესი, გამოიყენება გროტესკული ორნამენტის მოტივები, რომლებიც ხშირად ოსტატის წარმოსახვით ზღაპრულ ნიმუშად იქცევა.
მე-17 საუკუნემ ბევრი ახალი რამ მოაქვს ავეჯის ხელოვნებაში. ეს, უპირველეს ყოვლისა, განპირობებულია ევროპაში სოციალური გარდაქმნებით, რამაც გამოიწვია მესამე ქონების პოზიციის შეცვლა. ხელისუფლებაში მოსვლის შემდეგ ავითარებს მოკრძალებას, უბრალოებას, ოჯახური კერის სიწმინდეს. ჰოლანდიურ ავეჯს დიდი მოთხოვნა აქვს, ექსპორტირებულია ყველა ქვეყანაში. მეორე უკიდურესობაში არის საფრანგეთი, რომლის ხელოვნებაში ბრწყინვალე, საზეიმო სტილი იმარჯვებს.
ჩვენს ავეჯის კოლექციაში არის მხოლოდ ერთი ნივთი, რომელიც დამახასიათებელია მე-17 საუკუნის სასახლის საზეიმო ავეჯეულობაზე. ეს არის ეგრეთ წოდებული კაბინეტი - კაბინეტი მრავალი უჯრით, კუპეებით, მოცურების დაფით. იგი დაამზადეს ქალაქ აუგსბურგის ხელოსნებმა, ფასადზე შემკული ცხოველების ამსახველი ლითონის ფირფიტებით, გრეხილი მოოქროვილი სვეტებით. დაფა დამზადებულია ძვირფასი ხისგან.
ასეთი კაბინეტები მე-16 საუკუნეში გამოჩნდა. მათი სამშობლო ესპანეთია. პირველი კარადები იყო ყუთები ჩარჩოზე. მე-17 საუკუნეში ეს იყო უკვე დიდი კაბინეტები, რომლებიც გახდა ოთახის დეკორაციის ნაწილი, რომელსაც ოფისი ერქვა. კარადებში ინახებოდა მედლები, წერილები, სამკაულები.
რუსული ავეჯის კოლექციის უმეტესი ნაწილი, რომელიც მოიცავს მე-18-მე-19 საუკუნეების ნამუშევრებს, მზადდებოდა ან მცირე კერძო სახელოსნოებში, ან კეთილშობილური მამულების ავეჯის მწარმოებლების მიერ. ოსტატებმა თავიანთ ნამუშევრებში შეიტანეს მრავალფეროვანი მხატვრული გემოვნება, ყველა დაგროვილი ცოდნა და უნარები, ხის დამუშავების მეთოდები, გაფორმება და გაფორმება. ისინი პირველ რიგში აისახა იმდროინდელი საყოფაცხოვრებო ავეჯის ფორმებში, რომლებზეც დიდი გავლენა იქონია ხალხურმა ხელოვნებამ. ეს გამოიხატა არა მხოლოდ ფორმებსა და დეკორში, არამედ ხის არჩევასა და დამუშავებაში. მე-18 საუკუნის ბოლოს კარელიური არყი და ვერხვი საყვარელი მასალა გახდა. ისინი მხოლოდ რუსეთში ვრცელდება.
ავეჯის ხელოვნებაში თითოეული ქვეყანა იყო ან გარკვეული სტილის წინაპარი, მაგალითად, იტალია რენესანსში, ან ისეთი ცნობილი ავეჯის მწარმოებლის დაბადების ადგილი, როგორიც იყო ტ. ჩიპენდეილი ინგლისში ან ჯ. იაკობი საფრანგეთში.
რუსული ავეჯი ძირითადად წარმოდგენილია XIX საუკუნის პირველი მესამედის კეთილშობილური ინტერიერის დეკორაციის ნივთებით. ეს იყო ერთ-ერთი ყველაზე ბრწყინვალე ეპოქა რუსული ხელოვნებისა და ხელნაკეთობების, კერძოდ ავეჯის ისტორიაში. მე-19 საუკუნის პირველი ათწლეულების ხელოვნებაში დომინირებს იმპერიის სტილი, რომელიც წარმოიშვა საფრანგეთში და გახდა მთელი ევროპის საკუთრება. რუსეთი იძლევა ამ სტილის თავის სპეციალურ, ორიგინალურ ვერსიას, რომელშიც ის გახდა მაღალი და პროგრესული იდეების წარმომადგენელი. იმპერიის სტილისთვის დამახასიათებელი დეკორატიულობა, მონუმენტურობის სურვილი და ფორმების განზოგადება განაპირობებს ავეჯში თავად მასალის არჩევანს და ფორმასთან და დეკორთან მისი ურთიერთქმედების ბუნებას. რუსი ავეჯის მწარმოებლების მთავარი მასალა იქნება მაჰაგანი და კარელიური არყი, რომელიც მათ უყვართ ხის ლამაზი ტექსტურის გამო.
ჩვენს მუზეუმში დაცული ავეჯი, ძირითადად, ყმის ხელოსნების ხელით არის დამზადებული და წარმოადგენს იმპერიის სტილის იმ ვერსიას, რომელიც ფართოდ იყო შეტანილი რუსი თავადაზნაურობის ცხოვრებაში. ეს უფრო მარტივია, ვიდრე სასახლის ავეჯი. ეს ავეჯი მუზეუმში მოვიდა დიდი ოქტომბრის სოციალისტური რევოლუციის შემდეგ მიმდებარე მამულებიდან, ქალაქის სახლებიდან და აქვს არა მხოლოდ მხატვრული, არამედ ისტორიული ღირებულებაც.
განსაკუთრებით მრავალფეროვანი დასაჯდომი ავეჯი. ორი ტყუპი სავარძელი აჟურული მოჩუქურთმებული ზურგით, მოოქროვილი ლირიებით მორთული, მე-19 საუკუნის პირველი მეოთხედის რუსული საყოფაცხოვრებო ავეჯის მაგალითია. არის ფორმები, რომლებიც თითქმის მოკლებულია დეკორაციებს, მოპირკეთებული ოქროსფერი კარელიური არყით შავი თვალებით.
ამ დროს სათავადაზნაურო მამულის ინტერიერში გაჩნდა კიდევ ერთი ოთახი, ეგრეთ წოდებული დივანი, მისი შეუცვლელი აქსესუარი კი დივანია. როგორც წესი, ეს დივნები რბილია, მართკუთხა ფორმის, ზურგისა და იდაყვის ზედა ნაწილი მოპირკეთებულია კარელიური არყით ან მაჰოგანით, რომელიც იმ წლებში იყო გავრცელებული. ინტერიერში დივანი შერწყმული იყო სავარძლებით და დივნის წინ მდგომი მაგიდით. ასეთი ვარიაციები გვხვდება ჩვენს ექსპოზიციაშიც და მოწმობს იმპერიის ეპოქაში უკვე ჩამოყალიბებულ ინტერიერს. ეს ავეჯი წინასგან განსხვავდება: ნაკლებია მოოქროვილი, ბრინჯაოს ნაცვლად გამოყენებულია გესოს შემდეგ მოოქროვილი ხე, შემორჩენილია ხის დამუშავების ერთ-ერთი ტრადიციული მეთოდი, ასე საყვარელი რუსი ოსტატებისთვის - კვეთა.
მუზეუმის საკოლექციო საქმიანობა გრძელდება. ბოლო წლებში ხელოვნებისა და ხელნაკეთობების კოლექციები შეივსო საინტერესო ექსპონატებით, რომელთაგან საუკეთესოებმა იპოვეს ადგილი ექსპოზიციაში.
ცვლილებები ყოველდღიურ ცხოვრებაში და მათი გავლენა ხელოვნებასა და ხელნაკეთობებზე. ბაროკოს, როკოკოს, კლასიციზმის მხატვრული სტილის ორნამენტისა და დეკორის თავისებურებები.
ვერცხლის და ოქროს ბიზნესი: პეტერბურგის სკოლა, მოსკოვის ხელოსნები და მანუფაქტურები, ველიკი უსტიუგის შავი ვერცხლი. ძვირფასი და ფერადი ლითონებისგან დამზადებული ჭურჭლის ახალი სახეობები: ჩაიდანი, ყავის ჭურჭელი, ბულიოტი, სამოვარი. საყოფაცხოვრებო და საეკლესიო ჭურჭელი. სახელმწიფო რეგალია. ორდენები და მედლები. მინანქრები. მინანქრის მხატვრები A.G. Ovsov, G.S. Musikisky.
რუსული ფაიფურის გაჩენა. დ.ი. ვინოგრადოვი. იმპერიული და კერძო ფაიფურის ქარხნები. მაჯოლიკა, ფაიანსი. ხელოვნების მინა. დეკორატიული ქსოვილები და გობელენები. ახალი ტანსაცმელში. კარადა და ტიპაჟის ავეჯი. მარკეტი. ხეზე კვეთა სამოქალაქო და ეკლესიის ინტერიერში. ეკიპაჟები. დეკორატიული ქვა. კამეოები.
მხატვრული ხალხური რეწვა. გოროდეცის მოჩუქურთმებული და ჩასმული დონები. ძვლის კვეთა ხოლმოგორი. ტვერის პროვინციის ოქროს ნაქარგები. გალიჩისა და ვოლოგდას მაქმანი. გჟელის კერამიკა.
მუსიკა და თეატრი მე-18 საუკუნეში
მრავალხმიანი საგუნდო სიმღერა. კანცი. ინსტრუმენტული მუსიკა და ორკესტრი. საოპერო ხელოვნება. ბალეტი. მუსიკა სასამართლოში, ქალაქურ და გლეხურ ცხოვრებაში. კომპოზიტორთა ეროვნული სკოლის გაჩენა. ეი ფომინი. ი.ე.ხანდოშკინი. დ.ს. ბორტნიანსკი. M.S. ბერეზოვსკი. A.O. კოზლოვსკი.
პეტრე დიდის დროს სახალხო საზოგადოებრივი თეატრის შექმნის მცდელობები. სამოყვარულო წარმოდგენები სასამართლოში. სასკოლო თეატრები სულიერ და საერო საგანმანათლებლო დაწესებულებებში. უცხოელი მსახიობების პროფესიონალური დასი.
რუსული კლასიციზმის დრამატურგია: ტრაგედიები და კომედიები. სენტიმენტალიზმის გავლენა თეატრის რეპერტუარზე. დრამისა და კომიკური ოპერის გამოჩენა რუსულ სცენაზე. A.P. Sumarokov - დრამატურგი და თეატრალური მოღვაწე. რუსული პროფესიული თეატრის დამფუძნებელი, მსახიობი და რეჟისორი ფ.გ.ვოლკოვი. მისი მეგობარი და მიმდევარი I.A. Dmitrevsky. მასობრივი თეატრალური წარმოდგენები.
ციხის თეატრი. გრაფი P.B. შერემეტევის დასი. P.I. კოვალევა-ჟემჩუგოვა, T.V. შლიკოვა-გრანატოვა და სხვა მხატვრები. სასახლე-თეატრი ოსტანკინოში. სახალხო თეატრი.
კულტურული ძეგლების სიაში მოხსენიებული მთავარი მუზეუმის კოლექციების სახელების შემოკლებები
BAN - რუსეთის მეცნიერებათა აკადემიის ბიბლიოთეკა (სანქტ-პეტერბურგი)
VMDPNI - დეკორატიული, გამოყენებითი და ხალხური ხელოვნების სრულიად რუსული მუზეუმი (მოსკოვი)
GIM - სახელმწიფო ისტორიული მუზეუმი (მოსკოვი)
GMGS - ურბანული ქანდაკების სახელმწიფო მუზეუმი (სანქტ-პეტერბურგი)
GMMK - მოსკოვის კრემლის სახელმწიფო მუზეუმები (მოსკოვი)
GNIMA - არქიტექტურის სახელმწიფო კვლევითი მუზეუმი (მოსკოვი)
GOP - სახელმწიფო შეიარაღების პალატა (მოსკოვი)
სახელმწიფო რუსული მუზეუმი - სახელმწიფო რუსული მუზეუმი (სანქტ-პეტერბურგი)
სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა - სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა (მოსკოვი)
სახელმწიფო ერმიტაჟის მუზეუმი (სანქტ-პეტერბურგი)
ZIKhMZ - ყოფილი ზაგორსკის (ახლანდელი სერგიევ-პოსადი) ისტორიული და ხელოვნების მუზეუმ-ნაკრძალი (სერგიევ პოსადი, მოსკოვის რეგიონი)
MIDU - უკრაინის ისტორიული საგანძურის მუზეუმი (კიევი)
MPIB - მე -17 საუკუნის გამოყენებითი ხელოვნებისა და ცხოვრების მუზეუმი "თორმეტი მოციქულის საკათედრო ტაძარი და საპატრიარქო პალატები მოსკოვის კრემლში" (მოსკოვი)
NGM - ნოვგოროდის გაერთიანებული სახელმწიფო მუზეუმ-ნაკრძალი (ნოვგოროდი)
NGP - ნოვგოროდის მხარეთა პალატა (ნოვგოროდი)
SHM - სამარას ხელოვნების მუზეუმი (სამარა)
რუსული კულტურის ძეგლები
ნაწილი I. ძველი და შუა საუკუნეების რუსული კულტურის ისტორია
(XVII საუკუნის ბოლომდე)
ხალხური ხის არქიტექტურა
რელიგიური შენობები
1. კლეტის ეკლესიები:ლაზარეს ეკლესია მირომის მონასტრიდან (XIV-XVI სს.) - ქიჟის ნაკრძალი; კვართის ტაძარი სოფელ ბოროდავადან (XV ს.) - კირილო-ბელოზერსკის მუზეუმ-ნაკრძალი; ფერისცვალების ეკლესია სოფელ სპას-ვეჟიდან (XVII ს.) - კოსტრომის მუზეუმ-ნაკრძალი; წმინდა ნიკოლოზის ეკლესია სოფელ ტუხოლიადან (XVII ს.) - ნოვგოროდის მუზეუმ-ნაკრძალი „ვიტოსლავლიცი“; მიქაელ მთავარანგელოზის სამლოცველო სოფელ ლელიკოზეროდან (XVIII ს.) - ქიჟის მუზეუმ-ნაკრძალი; წმინდა ნიკოლოზის ეკლესია სოფელ გლოტოვადან (XVIII ს.) - სუზდალის მუზეუმ-ნაკრძალი.
2. კარვის ეკლესიები:წმინდა ნიკოლოზის ეკლესია სოფელ ლიავლიაში (XVI ს.); გიორგის ეკლესია სოფელ ვერშინადან (XVII ს.) - არხანგელსკის მუზეუმ-ნაკრძალი „პატარა კორელი“; აღდგომის ეკლესია სოფელ პატაკინოდან (XVIII ს.) - სუზდალის მუზეუმ-ნაკრძალი; ღვთისმშობლის მიძინების ეკლესია (XVIII საუკუნე) ქალაქ კონდოპოგაში.
რუსეთის ისტორია მე-17 საუკუნის ბოლოს - მე-18 საუკუნის პირველი მეოთხედი განუყოფელია რუსეთის ერთ-ერთი უდიდესი პოლიტიკური მოღვაწის - პეტრე I-ის სახელისგან. მნიშვნელოვანი სიახლეები ამ დროს შემოიჭრება არა მხოლოდ კულტურისა და ხელოვნების სფეროში. , არამედ მრეწველობა - მეტალურგია, გემთმშენებლობა და ა.შ. მე-18 საუკუნის დასაწყისში გამოჩნდა ლითონის დამუშავების პირველი მექანიზმები და ჩარხები. ამ სფეროში ბევრი რამ გააკეთეს რუსმა მექანიკოსებმა ნარტოვმა, სურნინმა, სობაკინმა და სხვებმა.
პარალელურად ეყრება საფუძვლები ზოგადი და სპეციალური განათლების სახელმწიფო სისტემას. 1725 წელს დაარსდა მეცნიერებათა აკადემია, რომლის ფარგლებშიც გაიხსნა მხატვრული ხელოსნობის განყოფილება.
ა.ნარტოვი.ლათე. პეტრეს ეპოქა. მე -18 საუკუნე
XVIII საუკუნეში ჩამოყალიბდა არქიტექტურისა და ურბანული დაგეგმარების ახალი პრინციპები, ეს პერიოდი აღინიშნა დასავლეთევროპული ბაროკოს (ჰოლანდია, ინგლისი) დამახასიათებელი პროდუქციის ფორმირების ზრდით.
პეტრე I-ის წამოწყების შედეგად, ტრადიციული რუსული ფორმების ნივთები სწრაფად ქრება სასახლის სამეფო და არისტოკრატიული ცხოვრებიდან, კვლავ რჩება სოფლისა და ქალაქის მოსახლეობის მასების საცხოვრებლებში, ასევე ეკლესიის გამოყენებაში. XVIII საუკუნის პირველ მეოთხედში გამოიკვეთა მნიშვნელოვანი განსხვავება სტილისტურ განვითარებაში, რომელიც დიდი ხნის განმავლობაში რჩებოდა დამახასიათებელი პროფესიული შემოქმედებისა და ხალხური რეწვისთვის. ამ უკანასკნელში უშუალოდ და ორგანულად არის განვითარებული რუსული, უკრაინული, ესტონური და ა.შ გამოყენებითი ხელოვნების მრავალსაუკუნოვანი ტრადიციები.
კეთილშობილური ცხოვრების ნორმები მოითხოვს სუვერენული ადამიანის ცხოვრებაში სიმდიდრის, დახვეწილობისა და ბრწყინვალების დემონსტრირებას. ძველი ცხოვრების წესის ფორმები, მათ შორის პეტრეს (ჯერ კიდევ საქმიანი, მკაცრი), საბოლოოდ აიძულა XVIII საუკუნის შუა ხანებში. რუსულ ხელოვნებაში დომინანტური პოზიცია იკავებს ეგრეთ წოდებულ როკოკოს სტილს, რომელმაც ლოგიკურად დაასრულა გვიანი ბაროკოს ტენდენციები. ამ დროის საზეიმო ინტერიერები, მაგალითად, პეტერჰოფისა და ცარსკოე სელოს სასახლეების ზოგიერთი ოთახი, თითქმის მთლიანად მორთულია დახვეწილი ჩუქურთმებით.
როკაილის ორნამენტის ზოგადი მახასიათებლები (ხაზების გამრუდება, სტილიზებული ან ცოცხალი ყვავილების უხვი და ასიმეტრიული განლაგება, ფოთლები, ჭურვები, თვალები და ა. და ა.შ. თუმცა რუსული გამოყენებითი ხელოვნების განვითარებამ მაინც სრულიად დამოუკიდებელი გზა აიღო. ჩვენი საკუთარი პროდუქციის ფორმების დასავლეთ ევროპულთან უდაო მსგავსების მიუხედავად, მათ შორის განსხვავებების შემჩნევა რთული არ არის. ასე რომ, მაგრამ ფრანგულთან შედარებით, რუსულ ავეჯის პროდუქტებს აქვთ ბევრად უფრო თავისუფალი ფორმები და უფრო რბილია მოხაზულობითა და ნახატით. ოსტატებმა კვლავ შეინარჩუნეს ხალხური კვეთის უნარები, უფრო დიდი და განზოგადებული, ვიდრე დასავლეთში. არანაკლებ დამახასიათებელია რუსული პროდუქციის პოლიქრომიულობა და მოოქროვილი და მოხატვის კომბინაცია, რაც იშვიათია საფრანგეთში, მაგრამ ყველგან მიღებულია რუსეთში.
XVIII საუკუნის 60-იანი წლებიდან რუსულ არქიტექტურაში დაიწყო გადასვლა კლასიციზმზე თავისი ლაკონური და მკაცრი ფორმებით, ანტიკურობისკენ მიბრუნებული და დიდი თავშეკავებითა და მადლით აღინიშნა. იგივე პროცესი ხდება გამოყენებით ხელოვნებაში.
ქალაქის სასახლეებისა და სასახლეების დაგეგმარების, აღჭურვილობისა და გაფორმებისას (არქიტექტორები კოკორინოვი, ბაჟენოვი, კვარენგი, სტაროვი და სხვ.) აშკარა სიმეტრია, პროპორციული სიცხადეა. შენობის კედლები (ფანჯრებს შორის ან მათ მოპირდაპირე მხარეს) იმალება აბრეშუმის დამასკის, დეკორატიული ბამბის ქსოვილისა და ქსოვილისგან დამზადებული სარკეებითა და პანელებით.
.
დივანი - როკოკოს სტილში. რუსეთი (დეტალურად). მე -18 საუკუნის შუა ხანები
კლასიკური სტილის სავარძელი. რუსეთი. მე-18 საუკუნის მეორე ნახევარი
იატაკი დამზადებულია სხვადასხვა ჯიშის ხისგან, ზოგჯერ დაფარულია ტილოთი ან ქსოვილით; ჭერი მოხატულია (მაგალითად, გრისალის ტექნიკა რელიეფური ჩამოსხმის იმიტაციით). დაწყობილი პარკეტის ნაცვლად გამოყენებულია ნაძვის ფიცარი „ცვილის ქვეშ“ იატაკები. კედლები და ჭერი ხშირად დაფარულია ქსოვილით ან ფონით. თუ წინა ოთახებში შთამბეჭდავი ზომის მარმარილოს ბუხრებია მოწყობილი, მაშინ ინტიმურ პალატებში აღმართულია უფრო ტრადიციული ღუმელები კვარცხლბეკებზე ან ფეხებზე, ფილებით გაფორმებული. ნათურებს შორის განსხვავებაც ისეთივე შესამჩნევია: დარბაზებში - ეს არის სამკაულებით დამზადებული და ძვირადღირებული ჭაღები, სანთლები, სკივრები, კამერებში - ბევრად უფრო მოკრძალებული სასანთლეები და ნათურები. კიდევ უფრო მეტი კონტრასტია წინა და საყოფაცხოვრებო ავეჯის ფორმებში. ეს ყველაფერი საუბრობს არა იმდენად სასახლეების და სასახლეების მფლობელების ფულის დაზოგვის სურვილზე, არამედ ობიექტური გარემოს, როგორც ფსიქოლოგიურად შესაფერის ატმოსფეროს მნიშვნელოვან ფაქტორად განხილვაზე.
ავეჯის უმეტესობა და რიგი სხვა პროდუქტები მე-18 საუკუნის ბოლოს-მე-19 საუკუნის პირველ ნახევარში მუდმივად არ იყო საჭირო; თუ საჭირო არ იყო, ისინი ან ამოღებულ იქნა ან გადაიტანეს შენობის არააქტიურ ნაწილებში. დასაჯდომი ავეჯი უნდა იყოს დაფარული. ამავე კავშირში, ტრანსფორმირებადი ავეჯი სამუშაო თვითმფრინავით - ჩაის და ბარათის მაგიდები, დასაკეცი სასადილო მაგიდა, მაგიდა ხელსაქმისთვის, სხვადასხვა სიმაღლის მაგიდების სისტემა, რომლებიც ერგებიან ერთმანეთს და ა.შ. ყოველდღიური სიტუაციები. ამავდროულად, გამოიკვეთა მთელი რიგი საშინაო პროცესები, რომლებიც თბილ სეზონზე მიმდინარეობდა შენობის გარეთ - ტერასაზე და პარკში. შედეგად, გავრცელდა ახალი ტიპის პროდუქცია - ლანდშაფტური მებაღეობის ავეჯი, ქოლგის ჩარდახები, პარკის ნათურები და ა.შ. მე-18 საუკუნეში ცალკეულ მამულებში მოეწყო ყმების სახელოსნოები, რომლებიც აწარმოებდნენ ავეჯის, ფაიფურის, ფარდაგების და სხვა პროდუქტების საკმაოდ დიდ პარტიებს.
მე-18 საუკუნის ბოლოს, დიდი სასახლეების აღჭურვილობისას, პროდუქციის (ავეჯი, ნათურები, საათები, გობელენები და სხვა ჭურჭელი და დეკორაციები) ფაქტობრივი დიზაინის გამოყოფა, როგორც შემოქმედებითი საქმიანობის განსაკუთრებული სფერო. მათი ხელნაკეთი წარმოება უკვე მნიშვნელოვნად მოქმედებს. დიზაინერები ძირითადად არქიტექტორები და პროფესიონალი მხატვრები არიან. მასობრივი ბაზრისთვის პროდუქციის წარმოებაში გამოიყენება მანქანები და მასალების დამუშავების მექანიკური მეთოდები, რაც ინჟინერს წარმოების წამყვან ფიგურად აქცევს. ეს იწვევს სამომხმარებლო საქონლის თანდაყოლილი მაღალი ესთეტიკური თვისებების დამახინჯებას და დაკარგვას, ინდუსტრიის ხელოვნებისგან გამიჯვნას. ეს ტენდენცია ბუნებრივი იყო საზოგადოების კაპიტალისტური განვითარების პირობებში და ერთ-ერთი მთავარი მთელი XIX საუკუნისთვის.
მე-19 საუკუნეში რუსეთში კაპიტალისტური ურთიერთობების ინტენსიური განვითარების დროს გაიზარდა სამრეწველო წარმოების შესაძლებლობები. მე-19 საუკუნის შუა ხანებისთვის უკვე მწვავედ იგრძნობოდა პროდუქტის შემქმნელებისა და ხელოსნების მხატვრულად პროფესიონალი კადრების საჭიროება. მათი მომზადებისთვის სპეციალიზებული საგანმანათლებლო დაწესებულებები იხსნება მოსკოვში (გრაფი სტროგანოვი) და პეტერბურგში (ბარონი შტიგლიცი). მათი სახელი - "ტექნიკური ხატვის სკოლები" - მეტყველებს ახალი ტიპის მხატვრის გაჩენაზე. 1860 წლიდან ვითარდება ოსტატი შემსრულებლების სპეციალური ხელოსნობის განათლება. გამოდის მრავალი წიგნი სხვადასხვა მასალის დამუშავების ტექნოლოგიაზე: ხის, ბრინჯაოს, რკინის, ოქროთი და ა.შ. გამოდის სავაჭრო კატალოგები, რომლებიც ცვლის ადრე გამოცემულ ჟურნალს „ეკონომიკური მაღაზია“. XIX საუკუნის შუა ხანებიდან ჩამოყალიბდა მეცნიერებები, რომლებიც დაკავშირებულია შრომის ჯანმრთელობისა და საყოფაცხოვრებო ნივთების გამოყენების საკითხებთან. თუმცა, მთელი მე-19 საუკუნის განმავლობაში, მთელი მასობრივი ქარხნული წარმოება მხატვრული თვალსაზრისით მთლიანად ექვემდებარებოდა სილამაზის განუყოფლად დომინანტურ იდეას, როგორც პროდუქციის დეკორატიულ და ორნამენტულ დიზაინს. ამის შედეგი იყო კლასიციზმის სტილის ელემენტების უმეტესი პროდუქტის ფორმაში შეტანა: რთული პროფილის დასრულებები, ფლეიტის სვეტები, როზეტები, გირლანდები, ანტიკური მოტივებით დაფუძნებული ორნამენტები და ა.შ. რიგ შემთხვევებში ეს ელემენტები იყო. დაინერგა თუნდაც სამრეწველო აღჭურვილობის - ჩარხების ფორმებში.
მე-19 საუკუნეში გამოყენებითი ხელოვნებისა და საყოფაცხოვრებო ნაწარმის სტილისტურ განვითარებაში ქრონოლოგიურად პირობითად გამოიყოფა სამი ძირითადი პერიოდი: კლასიციზმის ტენდენციების გაგრძელება ე.წ. იმპერიის სტილთან (საუკუნის პირველი მეოთხედი); გვიანი კლასიციზმი (დაახლოებით 1830-1860) და ეკლექტიზმი (1860-იანი წლების შემდეგ).
XIX საუკუნის პირველი მეოთხედი აღინიშნა რუსულ არქიტექტურაში იდეოლოგიური და სამშენებლო მოცულობის ზოგადი აღმავლობით, რამაც მნიშვნელოვანი აღორძინება გამოიწვია გამოყენებით ხელოვნებაშიც.
იმპერიის სტილის სავარძელი. მეცხრამეტე საუკუნის პირველი მეოთხედი.
1812 წლის ომში გამარჯვება გარკვეულწილად აჩქარებს და ასრულებს რუსული ეროვნული კულტურის ფორმირების პროცესს, რომელიც იძენს პანეევროპულ მნიშვნელობას. ყველაზე ცნობილი არქიტექტორების - ვორონიხინის, კვარენგის, კაზაკოვის საქმიანობა, რომელიც მჭიდროდ არის დაკავშირებული წინა პერიოდის კლასიციზმთან, მოდის მხოლოდ საუკუნის პირველ ათწლეულზე. მათ ცვლის ისეთი შესანიშნავი ოსტატების გალაქტიკა, როგორებიც არიან როსი, სტასოვი, გრიგორიევი, ბოვე, რომლებმაც ახალი იდეები და განსხვავებული სტილისტური სული შემოიტანეს რუსულ ხელოვნებაში.
სიმკაცრე და მონუმენტურობა არის იმპერიის სტილის სხვადასხვა საყოფაცხოვრებო ნივთების არქიტექტურისა და ფორმების დამახასიათებელი ნიშნები. ამ უკანასკნელში შესამჩნევად იცვლება დეკორატიული მოტივები, უფრო სწორედ, მათი ტიპოლოგია ფართოვდება ძველი ეგვიპტისა და რომის დეკორატიული სიმბოლოების - გრიფინების, სფინქსების, ფასციების, სამხედრო ატრიბუტების („ტროფეები“), გვირგვინების შეამკო და ა.შ. ადრეული კლასიციზმი ზოგადად იზრდება დეკორის რაოდენობა, მისი „ვიზუალური წონა“ პროდუქტების კომპოზიციურ ხსნარში. მონუმენტალიზაცია, ზოგჯერ, თითქოს ფორმების უხეში, ხდება კლასიკური ორნამენტული მოტივების უფრო დიდი განზოგადებისა და გეომეტრიზაციის გამო - კიდეები, გვირგვინები, ლირები, ჯავშანი და ა.შ., რომლებიც სულ უფრო და უფრო შორდებიან თავიანთ რეალურ პროტოტიპებს. თითქმის მთლიანად ქრება ობიექტების თვალწარმტაცი (სცენები, პეიზაჟები, თაიგულები) ფერწერა. ორნამენტი მიისწრაფვის ადგილის, კონტურის, გამოსაყენებლად. პროდუქტები უმეტესწილად, განსაკუთრებით ავეჯი, ხდება დიდი, მასიური, მაგრამ მრავალფეროვანი ზოგადი კონფიგურაციით და სილუეტით. იმპერიის სტილის სიმძიმე ავეჯის ნაჭრებში თითქმის გაქრა უკვე 1830-იან წლებში.
XIX საუკუნის შუა ხანებიდან დაიწყო ახალი ძიება არქიტექტურის, გამოყენებითი და ინდუსტრიული შემოქმედების სფეროში.
დაიბადა პან-ევროპული მხატვრული მოძრაობა, სახელწოდებით „ბიდერმაიერი“, გერმანელი მწერლის ლ. ეიქროდტის ერთ-ერთი პერსონაჟის ბურჟუას (ნაწარმოები გამოიცა 1870-იან წლებში) თავისი კომფორტის, ინტიმურობის იდეალით.
ქარხნული რკინა. რუსეთი. მე-19 საუკუნის მეორე ნახევარი
მე-19 საუკუნის მეორე ნახევარში ხელით შრომა კიდევ უფრო განდევნეს უტილიტარული საყოფაცხოვრებო ნივთების წარმოებიდან. საუკუნეების მანძილზე მათი მხატვრული გადაწყვეტის მეთოდები და ტექნიკა, ფორმირების პრინციპები, რომლებიც საუკუნეების განმავლობაში ვითარდებოდა, ეწინააღმდეგება ახალ ეკონომიკურ ტენდენციებს ბაზარზე ნივთების წარმოების მასობრივი ხასიათისა და მომგებიანობის შესახებ. ცვალებად სიტუაციაზე რეაგირება ორგვარია. ზოგიერთი ოსტატი - მათი უმრავლესობა - მიდის კომპრომისზე. ურღვევად მიაჩნიათ ყველა ყოველდღიური ნივთის ტრადიციულ ხედვას, როგორც დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნების ობიექტს, ისინი იწყებენ კლასიციზმის ორნამენტული მოტივების ადაპტირებას მანქანისა და სერიული ტექნოლოგიების შესაძლებლობებთან. ჩნდება პროდუქტების დეკორაციისა და დეკორაციის „ეფექტური“ ტიპები. ჯერ კიდევ 1830-იან წლებში ინგლისში ჰენრი კულმა წამოაყენა გარეგნულად რეფორმისტული სლოგანი ქარხნული პროდუქციის გაფორმების ელემენტებით "სახვითი ხელოვნების ფორმების სამყაროდან". ბევრი მრეწველები მოუთმენლად იღებენ სლოგანს, ცდილობენ ისარგებლონ სამომხმარებლო მასის მიჯაჭვულობით სახლის ავეჯის გარეგნულად გაფორმებულ, ორნამენტულად გამდიდრებულ ფორმებთან.
სხვა თეორეტიკოსები და გამოყენებითი ხელოვნების პრაქტიკოსები (D. Reskin, W. Morris), პირიქით, გვთავაზობენ ინდუსტრიის ბოიკოტის მოწყობას. მათი კრედო არის შუა საუკუნეების ხელნაკეთობების ტრადიციების სიწმინდე.
დასავლეთ ევროპის ქვეყნებში და რუსეთში, პირველად, თეორეტიკოსებისა და პროფესიონალი მხატვრების ყურადღება მიიპყრო ხელნაკეთი არტელები და ხელოსნები, რომელთა შემოქმედებაში ჯერ კიდევ იყო დაცული ღრმა ხალხური ტრადიციები. რუსეთში, 1870-1890-იანი წლების ნიჟნი ნოვგოროდის ბაზრობები აჩვენებს ამ ტრადიციების სიცოცხლისუნარიანობას ახალ პირობებში. ბევრი პროფესიონალი მხატვარი - ვ. ვასნეცოვი, მ. ვრუბელი, ე. პოლენოვა, კ. კოროვინი, ნ. როერიხი და სხვები - ენთუზიაზმით მიმართავს დეკორატიული ხელოვნების ხალხურ საწყისებს. რუსეთის სხვადასხვა რეგიონებსა და პროვინციებში, ისეთ ქალაქებში, როგორებიცაა პსკოვი, ვორონეჟი, ტამბოვი, მოსკოვი, კამენეც-პოდოლსკი და სხვა, ჩნდება ხელნაკეთი საწარმოები, რომელთა საფუძველია ხელით შრომა. მოსკოვის მახლობლად აბრამცოვოში, სმოლენსკის მახლობლად ტალაშკინოში, პეტერბურგის მახლობლად მდებარე პ. ვაულინის საწარმოსა და მოსკოვში მურავას კერამიკული არტელის მუშაობას განსაკუთრებული მნიშვნელობა ჰქონდა შემოქმედებითი ხელოსნობის აღორძინებისთვის, რომელიც კვდებოდა.
სამოვარი. მე-19 საუკუნე
რუსეთი. Მეორე ნახევარი
სამრეწველო ტუმბო. მე-19 საუკუნე
ამასთან, ყველა ამ სახელოსნოს პროდუქცია შეადგენდა მთლიანი მოხმარების ისეთ უმნიშვნელო ნაწილს, რომ მათ არ შეეძლოთ რაიმე შესამჩნევი გავლენა მოახდინონ მასობრივ წარმოებაზე, თუმცა მათ დაამტკიცეს დეკორატიული ხელოვნების არსებობის ლეგიტიმაცია, რომელიც ინარჩუნებს ხალხურ ტრადიციებს მასობრივი მანქანების წარმოებასთან ერთად. ნივთების. მოგვიანებით ეს დადასტურდა მანქანათმშენებლობის შემოჭრით დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნების ისეთ სფეროებში, როგორიცაა სამკაულები (სამკაულები), ხალიჩების ქსოვა, სამკერვალო, რამაც გამოიწვია მათი მხატვრული ხარისხის მკვეთრი ვარდნა.
მე-19 საუკუნის მეორე ნახევრის წარმოებული პროდუქციის დიდი ნაწილის სახით, პრაქტიკულად არაფერი ახალი არ ვითარდება. თუმცა, უკვე ამ დროისთვის ყველაზე ზოგადი სიტუაციის სიახლე ხელს უწყობს ინოვაციური ძიების შიდა წინაპირობების დამატებას - სტილისტური ძიების, როგორც მნიშვნელოვანი შემოქმედებითი საჭიროების გაცნობიერებას, როგორც ოსტატის მხატვრული ინდივიდუალურობის გამოვლინებას. თუ აქამდე სტილისტური ტენდენციები (გოთიკა, რენესანსი, ბაროკო, კლასიციზმი და ა.შ.) იბადებოდა და გავრცელდა, როგორც წესი, მსოფლიოს ესთეტიკური განვითარების ზოგადი, თითქმის „გლობალური“, სპონტანურად კრისტალიზებული ტენდენციების შედეგად, მაშინ XIX საუკუნის შუა ხანებში სტილისტური ორიგინალობა განიხილება, როგორც ინდივიდუალური ხელოვანის, არქიტექტორის უშუალო შემოქმედებითი მიღწევა. ამ მხრივ მკვეთრად აქტიურდება ინტერესი ყველა დროისა და ხალხის ხელოვნების მემკვიდრეობისადმი. ეს უმდიდრესი მემკვიდრეობა ხდება იმიტაციების, პირდაპირი სესხების წყარო ან განიცდის უცნაურ შემოქმედებით დამუშავებას.
მაგიდა თანამედროვე სავარძლით. მე-19 საუკუნის დასასრული
შედეგად, პროდუქციის უმეტესი ნაწილი არის უჩვეულოდ ჭრელი სურათი, რომელშიც ციმციმებს ანტიკური, რომაული ეპოქის, გოთური, იტალიური ან ფრანგული რენესანსის, ბიზანტიისა და ძველი რუსეთის ხელოვნება, ბაროკო და ა.შ. მკაფიო ან დახვეწილი მოგონებები. , ხშირად ეკლექტიკური შერევა ერთი პროდუქტის, ინტერიერის, შენობის დიზაინში. ამიტომ არქიტექტურისა და გამოყენებითი ხელოვნების ისტორიაში ამ პერიოდს ეკლექტიკური ეწოდა. მიუხედავად ამისა, ნაწარმი (ნათურები, ლითონის თაიგულები, ღარები, ჭურჭელი, სკამი და ა.შ.) შედარებით იაფია, მაგრამ დამზადებულია ყოველგვარი მხატვრული დანიშნულების გარეშე, ხშირად მახინჯი ფორმებით და უხარისხო.
ახალი სტილის ძიება ხორციელდება მანქანათმშენებლობის პირობებში რეალური საჭიროების გათვალისწინებით, ფუნდამენტურად ახალი მიდგომით პროდუქციის ფორმირებასთან, ერთი მხრივ, და წარსულის დეკორატიული ტრადიციების შენარჩუნებით. სხვა. ბურჟუაზია, რომელმაც მე-19 საუკუნის ბოლოს დაიკავა ძლიერი პოზიცია რუსეთის ეკონომიკაში, იბრძოდა საკუთარი მხატვრული იდეოლოგიისთვის არქიტექტურასა და დიზაინში - რაციონალური, ფარდობითი თავისუფლების კულტი კეთილშობილური კულტურის არქაიზმისგან, ხელს უწყობს ყველაფერს. ხელოვნება, რომელსაც შეეძლო კონკურენცია გაუწიოს წარსულის სტილებს. ასეთი იყო მე-19 საუკუნის ბოლოს არტ ნუვოს სტილი - „ახალი ხელოვნება“ ბელგიაში, დიდ ბრიტანეთში და აშშ-ში, „იუგენდსტილი“ გერმანიაში, „სეცესიის სტილი“ ავსტრიაში, „თავისუფალი სტილი“ იტალიაში. მისი სახელი - "თანამედროვე" (ფრანგულიდან moderne) ნიშნავდა "ახალ, თანამედროვე" - ლათ. მოდო - "ახლა, ახლახან." მისი სუფთა სახით, ქრება და სხვა სტილისტურ ტენდენციებთან შერევით, იგი დიდხანს არ გაგრძელებულა, დაახლოებით 1920 წლამდე, ანუ დაახლოებით 20-25 წლამდე, ისევე როგორც მე-17-მე-20 საუკუნეების თითქმის ყველა სტილისტური ტენდენცია.
Art Nouveau მრავალფეროვანია სხვადასხვა ქვეყანაში და ცალკეული ოსტატების მუშაობაში, რაც ართულებს მის მიერ გადაწყვეტილი ამოცანების გაგებას. თუმცა, დამახასიათებელი იყო ყველა ადრე გამოყენებული დეკორატიული და ორნამენტული მოტივისა და ტექნიკის თითქმის სრული მოსპობა, მათი რადიკალური განახლება. ტრადიციული კარნიზები, როზეტები, კაპიტელები, ფლეიტები, „შემავალი ტალღის“ ქამრები და ა.შ. ჩანაცვლებულია სტილიზებული ადგილობრივი მცენარეებით (შროშანები, ირისი, მიხაკი და ა.შ.), ქალის თავები გრძელი ხვეული თმით და ა.შ. ხშირად დეკორაცია საერთოდ არ არის. , ხოლო მხატვრული ეფექტი მიიღწევა სილუეტის ექსპრესიულობის, ფორმის არტიკულაციის, ხაზების გამო, როგორც წესი, თხლად მიკვლეული, თითქოს თავისუფლად მიედინება, პულსირებადი. არტ ნუვოს პროდუქტების ფორმებში თითქმის ყოველთვის იგრძნობა მხატვრის რაღაც ახირებული ნება, მჭიდროდ დაჭიმული სიმის დაძაბულობა, გადაჭარბებული პროპორციები. ექსტრემალურ გამოვლინებებში ეს ყველაფერი მკვეთრად მწვავდება, პრინციპამდე ამაღლებულია. ზოგჯერ ჩნდება ფორმის კონსტრუქციული ლოგიკის უგულებელყოფა, თითქმის მოჩვენებითი ვნება ამოცანის სანახაობრივი მხარის მიმართ, განსაკუთრებით ინტერიერის გადაჭრისას, ხშირად ეფექტურად თეატრალური.
ყველა სისუსტესთან ერთად - პრეტენზიულობა, ზოგჯერ ფორმების ხმამაღალი, წარმოიშვა ახალი მიდგომა შენობის, ინტერიერის, ავეჯის გადაჭრის ფუნქციური, კონსტრუქციული და ტექნოლოგიური გადაწყვეტის ლოგიკით.
თანამედროვე სტილის სასანთლე. მე-20 საუკუნის დასაწყისი
კერძების ნაკრები. XIX საუკუნის დასასრული.
თანამედროვე გასახდელი მაგიდა. მე-20 საუკუნის დასაწყისი
არტ ნუვომ თავისი ნიმუშების აბსოლუტურ უმრავლესობაში არ მიატოვა პროდუქტების გაფორმება, არამედ მხოლოდ შეცვალა ძველი დეკორატიული მოტივები და ტექნიკა ახლით. უკვე მე-20 საუკუნის დასაწყისში, ახალი სტილის ტრიუმფების დროს, ისევ, თავიდან მორცხვად, შემდეგ ფართოდ, დაბრუნდა ძველი სტილის მოდა, რომელსაც გარკვეული კავშირი ჰქონდა სადღესასწაულო სამზადისთან. 1812 წლის სამამულო ომის ასი წლისთავი. 1903 წელს სანქტ-პეტერბურგში მოწყობილი გამოფენა „თანამედროვე ხელოვნება“ ნათლად აჩვენა „თანამედროვეობის კლასიფიკაციის“ დაბადება.
თანამედროვეობის შედეგები რთულია. ეს არის გამოყენებითი ხელოვნების გაწმენდა ეკლექტიზმისა და ხელნაკეთი ხელოსნობის ჩემპიონების „ანტი-მაჩინიზმისგან“ და წარსულის სტილის აღდგენის წარუმატებელი მცდელობებისაგან. ეს არის არქიტექტურისა და გამოყენებითი ხელოვნების გასვლის პირველი სიმპტომები ფუნქციონალიზმისა და კონსტრუქტივიზმის გზაზე, თანამედროვე დიზაინის გზაზე. ამავდროულად, მალევე აღმოაჩინა სტილის ნაციონალიზაციის ტენდენცია, არტ ნუვომ გამოიწვია წმინდა დეკორატიული ძიების ახალი ტალღა. ბევრი მხატვარი მიმართავს გამოყენებით ხელოვნებას და ინტერიერის დიზაინს (ს. მალიუტინი, ვ. ვასნეცოვი, ა. ბენუა, ს. გოლოვინი და ა. შემდგომი ისტორიული პროცესის, მასობრივი სამრეწველო წარმოების გადაუდებელი პრობლემების გადაწყვეტისას, ამგვარ ექსპერიმენტებს არ შეიძლება ჰქონდეს სერიოზული იდეოლოგიური და მხატვრული მნიშვნელობა, თუმცა მათ ბიძგი მისცეს გამოყენებითი ხელოვნების სხვა დარგის განვითარებას - ხელოვნების ხელოსნობას და, კერძოდ, თეატრალურ და დეკორატიულ ხელოვნებას. .
არტ ნუვომ, როგორც იქნა, გაასუფთავა და მოამზადა გზა ახალი ესთეტიკური და შემოქმედებითი პრინციპების დასამკვიდრებლად ყოველდღიური ნივთების შექმნის ხელოვნებაში, დააჩქარა ახალი მხატვრული პროფესიის - მხატვრული დიზაინის (დიზაინის) გაჩენა.
ფუნქციონალიზმისა და კონსტრუქტივიზმის ფორმირება დასავლეთის ქვეყნების არქიტექტურასა და მხატვრულ დიზაინში სპეციალურ მიმართულებებად მოხდა 1910-იანი წლების ბოლოს, პირველი მსოფლიო ომის შემდეგ ცხოვრების სტაბილიზაციასა და ეკონომიკის წარმატებასთან დაკავშირებით. მაგრამ ახალი თანამედროვე არქიტექტურის ფუნდამენტური საფუძვლები განისაზღვრა ომამდელ პერიოდში ისეთი არქიტექტორების შემოქმედებაში, როგორებიც არიან ტ. გარნიე და ო. პერეტი (საფრანგეთი), ქს. ბერენსი (გერმანია), ფ.რაიტი (აშშ), ი.შეხტელი, ი.რერბერგი (რუსეთი) და სხვები.თითოეულმა მათგანმა თავისებურად დაძლია თანამედროვეობის გავლენა და იბრძოდა.
1918 წელს განათლების სახალხო კომისარიატის სახვითი ხელოვნების დეპარტამენტის დაქვემდებარებაში შეიქმნა არქიტექტურისა და ხელოვნების ინდუსტრიის სპეციალური განყოფილებები. სერიოზული ყურადღება ეთმობა სპეციალისტების მომზადებას. 1920 წელს ვ.ი.ლენინმა ხელი მოაწერა ბრძანებულებას უმაღლესი სახელმწიფო მხატვრული და ტექნიკური სახელოსნოების (VKHUTEMAS) დაარსების შესახებ. კურსდამთავრებულებმა შექმნეს ქსოვილების, ავეჯის, ჭურჭლის ახალი ნიმუშები და ა.შ.
სწავლება სახელოსნოებში (1927 წელს გადაკეთდა VKhUTEIN საკავშირო სამხატვრო-ტექნიკურ ინსტიტუტად), მიმდინარეობდა ფაკულტეტებზე: არქიტექტურა, კერამიკა, ტექსტილი და სხვ. ხის და ლითონის დამუშავების ფაკულტეტზე ა. როდჩენკო, დ . ლისიცკი, ვ.ტატლინი და სხვა ოსტატები ეძებდნენ სხვადასხვა ობიექტების ახალ ფორმებსა და დიზაინებს. VKHUTEMAS-ის ყველა აქტივობა მიზნად ისახავდა მოსწავლეებში განუვითარდეს ინტეგრირებული მიდგომის უნარები ყოველდღიური ცხოვრებისა და წარმოების საგნობრივი გარემოს შემუშავებაში.
1920-იან წლებში განვითარდა "წარმოების ხელოვნების" ტენდენცია, რომელიც ავითარებდა ფუნქციონალიზმისა და კონსტრუქტივიზმის პრინციპებს, ცდილობდა დაემკვიდრებინა მხატვრების გონებაში რაციონალურად ორგანიზებული მატერიალური წარმოების ესთეტიკური იდეალი. ხელოვნების ნებისმიერი ყოფილი ფორმა "მწარმოებლებმა" გამოაცხადეს ბურჟუაზიულად, მიუღებლად პროლეტარიატისთვის. აქედან გამომდინარეობს მათი უარყოფა არა მხოლოდ „პრაქტიკულად უსარგებლო“ სახვითი ხელოვნების, არამედ მთელი წმინდა დეკორატიული ხელოვნების შესახებ, როგორიცაა სამკაულები. 1920-იან წლებში მათ იდეების განხორციელების ტექნიკური და ეკონომიკური პირობები ჯერ კიდევ არ იყო მომწიფებული ჩვენს ქვეყანაში.
VKHUTEMAS და 1920-იანი წლების „წარმოების მუშაკები“ იდეოლოგიურად და ესთეტიურად მჭიდროდ იყვნენ დაკავშირებული „ბაუჰაუსთან“ და რიგ მნიშვნელოვან მომენტებში წარმოადგენდნენ მას, არსებითად, იმდროინდელი მხატვრული დიზაინის ერთ ტენდენციას. ამ ახალი მოძრაობის ფარგლებში ჩამოყალიბდა თანამედროვე დიზაინის ესთეტიკა, რომელმაც დაძლია წინა პერიოდის გამოყენებით ხელოვნებაში არსებული წინააღმდეგობები. დიზაინის დამფუძნებლების პრაქტიკული მხატვრული საქმიანობა იყო აგრეთვე ნივთების შექმნის ხელოვნების მხატვრული და ექსპრესიული საშუალებების არსენალის განვითარება. მათ ნამუშევრებში (ავეჯი, ნათურები, ჭურჭელი, ქსოვილები და ა.შ.) ყველაზე დიდი ყურადღება დაეთმო მასალებისა და ფორმების ისეთ თვისებებს, როგორიცაა ტექსტურა, ფერი, პლასტიკური ექსპრესიულობა, რიტმული სტრუქტურა, სილუეტი და ა.შ., რომლებიც გადამწყვეტი გახდა კომპოზიციური პროდუქტები კონსტრუქციული ლოგიკის მოთხოვნებთან კონფლიქტის გარეშე და ფორმის დამზადების უნარი. კიდევ ერთი სფერო, რომელიც წარმატებით განვითარდა ჩვენს ქვეყანაში 1920-იან წლებში, არის საინჟინრო დიზაინი. 1925 წელს მოსკოვში, გამოჩენილი ინჟინრის ვ. შუხოვის პროექტის მიხედვით, აშენდა ცნობილი რადიო კოშკი, რომლის ღია სილუეტი დიდი ხნის განმავლობაში იქცა საბჭოთა რადიოს სიმბოლოდ. ერთი წლით ადრე ჯ.გაკელმა უახლესი ტექნოლოგიური მიღწევების საფუძველზე შექმნა პირველი საბჭოთა დიზელის ლოკომოტივი, რომლის ფორმა დღესაც საკმაოდ თანამედროვედ გამოიყურება. 1920-იან წლებში მის მიერ ხელოვნურად შექმნილ ობიექტურ გარემოში ადამიანის საქმიანობის კანონების მეცნიერული კვლევის აუცილებლობა გაირკვეს. ეწყობა შრომის ცენტრალური ინსტიტუტი, მის კედლებში მიმდინარეობს კვლევები შრომის სამეცნიერო ორგანიზაციის, წარმოების კულტურის საკითხებზე. მეცნიერთა და დიზაინერების ყურადღებას იპყრობს ბიომექანიკის, ორგანოლეპტიკის და ა.შ კითხვები. იმ წლების ნამუშევრებს შორის აღსანიშნავია ტრამვაის მძღოლის სამუშაო ადგილის პროექტი (ნ. ბერნშტეინი).
ი.გაკელი.ლოკომოტივი. 1930-იანი წლების დასაწყისი
XVIII საუკუნის მეორე ნახევარში რუსული გამოყენებითი ხელოვნება მნიშვნელოვან აღმავლობას მიაღწია. ამას ხელი შეუწყო ეკონომიკის, ვაჭრობის, მეცნიერებისა და ტექნოლოგიების განვითარებამ და დიდწილად მჭიდრო კავშირმა არქიტექტურასთან და სახვით ხელოვნებასთან. გაიზარდა მსხვილი და პატარა ქარხნების, ქარხნების, საამქროების რაოდენობა, რომლებიც აწარმოებდნენ ქსოვილებს, მინის, ფაიფურის და ავეჯს. მიწის მესაკუთრეებმა თავიანთ მამულებში მოაწყვეს სხვადასხვა სახელოსნო, რომელიც ეფუძნებოდა ყმების შრომას.
განმანათლებლობის ჰუმანისტური იდეები თავისებურად აისახა XVIII საუკუნის დასასრულის გამოყენებით ხელოვნებაში. ამ დროის ოსტატები გამოირჩეოდნენ ადამიანის პირადი გემოვნებისა და საჭიროებების ყურადღებით, გარემოში მოხერხებულობის ძიებით.
ახალი სტილი - რუსული კლასიციზმი - 1770-1780-იანი წლების მიჯნაზე დამკვიდრდა გამოყენებითი ხელოვნების ყველა სახეობაში. არქიტექტორებმა M.F. Kazakov, I. E. Starov, D. Quarenghi, C. Cameron, A. N. Voronikhin შექმნეს ინტერიერები კეთილშობილური სიმარტივისა და თავშეკავების სულისკვეთებით, ნაწილების მკაფიო დაყოფით, როგორც პლასტიკური, ასევე თვალწარმტაცი არქიტექტურული დეკორის სტრუქტურულად გამართლებული მოწყობით.
ავეჯი, სანთლები, ჭაღები სასახლის შენობებისთვის იმავე პრინციპებით იყო შექმნილი. მკაფიო რიტმში აგებული ავეჯის, ჭურჭლის, ქსოვილების ორნამენტში გამოჩნდა ანტიკური მოტივები - აკანტუსი, მეანდრი, იონიკა, ნათლად ინტერპრეტირებული ყვავილები, გირლანდები, კუპიდების გამოსახულებები, სფინქსები. მოოქროვილი ფერები უფრო რბილი და თავშეკავებული გახდა, ვიდრე მე-18 საუკუნის შუა ხანებში.
მე -18 საუკუნის ბოლოს, ანტიკურობისადმი გატაცებამ აიძულა დაეტოვებინა რთული და ბრწყინვალე კოსტუმიც კი. მოდაში შემოვიდა მსუბუქი თავისუფალი კაბები ნაკეცებით, ანტიკური სტილის მაღალი ქამრით (V. L. Borovikovsky. "Portrait of M. I. Lopukhina." 1797 წ.).
რუსულ კლასიციზმში ხელოვნების სინთეზი ემყარება ყველა სახის ხელოვნების ჰარმონიული კომბინაციის პრინციპს.
ავეჯი. კლასიციზმის პერიოდში მისი ფორმები მარტივია, გაწონასწორებული, მკაფიოდ აგებული, რიტმები მშვიდი. კონტურები მაინც ინარჩუნებდნენ გარკვეულ რბილობას, სიმრგვალეს, მაგრამ ვერტიკალური და ჰორიზონტალური ხაზები უკვე გამოირჩეოდა. ორნამენტები (დაბალი ჩუქურთმები, ნახატები, ბრინჯაოს და სპილენძის ონლეი) ხაზს უსვამდა სტრუქტურების ექსპრესიულობას. უფრო მეტი ზრუნვა იყო მოხერხებულობისთვის. სხვადასხვა დანიშნულების წინა ოთახებისთვის შეიქმნა კომპლექტები: მისაღები ოთახი, ოფისი, წინა საძინებელი, დარბაზი. გაჩნდა ავეჯის ახალი ფორმები: მაგიდები კარტის თამაშებისთვის, ხელნაკეთი ნივთები, მსუბუქი გადასატანი ბობის მაგიდები (ლობიოს ფორმის სახურავით), სხვადასხვა ტიპის კომოდები. ფართოდ გამოიყენებოდა დივანები, ხოლო საოფისე ავეჯის ბიურო-მდივნებში, ბიურო ცილინდრული მოძრავი სახურავით.
როგორც წინა პერიოდებში, რუსული ავეჯი უფრო მასიური, უფრო განზოგადებული, დეტალებით უფრო მარტივია, ვიდრე დასავლური ავეჯი. მისთვის მასალა იყო მერქნის ადგილობრივი სახეობები - ცაცხვი, არყი (მოოქროვილი და ღია ფერებში შეღებვით), კაკალი, მუხა, ვერხვი, იფანი, მსხალი, ჭაობის მუხა. მე-18 საუკუნის ბოლოს მათ დაიწყეს კარელიური არყის გამოყენება და შემოიტანეს მაჰოგანის, ამარანტის, ვარდის მერქნის და სხვა სახეობების ფერადი ხე. ოსტატებმა შეძლეს აჩვენონ თავიანთი სილამაზე, სტრუქტურა, ფერი, ბრწყინვალება, რომლებიც ოსტატურად ხაზს უსვამდნენ გაპრიალებით.
რუსმა ხელოსნებმა დიდ წარმატებებს მიაღწიეს ბეჭდვის (მარკეტირების) ტექნიკაში. მისი არსი არის ორნამენტებისა და მთლიანი სურათების კომპოზიციაში (ჩვეულებრივ გრავიურებიდან) ხის საგნების ზედაპირზე ფერადი ხის ნაჭრებისგან. ასეთი ნამუშევრები ცნობილია არა მხოლოდ დედაქალაქის სასამართლოს ავეჯის მწარმოებლებს შორის, არამედ მოსკოვსა და მოსკოვის რეგიონში მოღვაწე ყოფილ ყმებს შორის: ნიკიფორ ვასილიევი (სურ. 78), მატვეი ვერეტენნიკოვი და ტვერის უსახელო ოსტატები, არხანგელსკი, რომლებმაც გააცნეს. ვალრუს სპილოს ძვლის ნაკრებში. ოსტანკინოს სასახლის ავეჯის კვეთის მაღალი ხელოვნების ნიმუშები ეკუთვნის ყმებს ივან მოჩალინს, გავრილა ნემკოვს და სხვებს. პეტერბურგში ცნობილი იყო ოხტას ხელოსნების ავეჯი და ჩუქურთმები, რომლებიც პეტრე I-ის დროს სხვადასხვა ადგილიდან გადმოიტანეს დედაქალაქში.
ქსოვილები. XVIII საუკუნის მეორე ნახევრის ყველა ინდუსტრიიდან ყველაზე წარმატებულად განვითარდა ტექსტილის მრეწველობა (მოსკოვი, ივანოვო, იაროსლავლი, ვლადიმირის პროვინცია). მისი აღზევება განისაზღვრა არა მხოლოდ მსხვილი მანუფაქტურებით, არამედ მცირე გლეხური საწარმოებით. განსაკუთრებულ სრულყოფილებას ხელოსნებმა მიაღწიეს ახალი ნიმუშიანი თეთრეულის ქსოვილებში რთული ქსოვილებით, თეთრეულის ბუნებრივი მოვერცხლისფრო-თეთრი ჩრდილების თამაშით. აქ იმოქმედა გლეხური ქსოვის ტრადიციებზე, მასალის ღრმა გაგებაზე. მასობრივად იაფფასიანი ჭრელი და კრაშენინაც იწარმოებოდა. საგრძნობლად გაუმჯობესდა ფერადი ქსოვილისა და შალის ქსოვილების დეკორატიული თვისებები.
სწრაფად განვითარდა აბრეშუმის ქსოვილების კაბებისა და დეკორატიული ქსოვილების წარმოება, შარფები, ლენტები (ილ. 80). მე-18 საუკუნის ბოლოს ისინი ხარისხით არ ჩამოუვარდებოდა ფრანგებს - საუკეთესო ევროპაში. რუსმა მქსოველებმა ისწავლეს სხვადასხვა ძაფების გამოყენება, ყველაზე რთული ქსოვა, რომელიც მოგვაგონებს ნაქარგს. კომპოზიციური ტექნიკა, დეკორატიულ ქსოვილებში პალიტრის სიმდიდრემ მიაღწია სივრცის გადაცემას, ტონის გადასვლების დახვეწილობას, ყვავილების, ფრინველების, პეიზაჟების ნიმუშის სიზუსტეს. ასეთ ქსოვილებს იყენებდნენ სასახლეების გაფორმებაში, საჩუქრად გაგზავნილი საზღვარგარეთ.
1780-იან და 1790-იან წლებამდე რთული, ტალღოვანი ყვავილების გირლანდების, ლენტებისა და მძივების ნიმუშები გამოიყენებოდა ტანსაცმლის ქსოვილებში, განსაკუთრებით კი ტანსაცმლის ქსოვილებში. მაგრამ თანდათან გირლანდები შეიცვალა ზოლებით, ნიმუშები გამარტივდა, მათი რიტმები უფრო გლუვი, ფერის სქემა უფრო მსუბუქი, რბილი.
1750-1760-იან წლებში პეტერბურგში, შემდეგ კი მოსკოვში, სოფ. ივანოვომ (ახლანდელი ქალაქი ივანოვო) შეიმუშავა ჩინცის წარმოება (ბამბის ქსოვილი ნაბეჭდი ნიმუშით, კრემით, გაუფერულებელი საღებავებით და შემდგომი შეღებვით). ჩინცის ნიმუშებში ხელოსნები, განსაკუთრებით ივანოვოდან, აბრეშუმის ქსოვილების მოტივებს თავისებურად ამუშავებდნენ. ხალხური ქუსლების საფუძველზე მათ აერთიანებდნენ წვნიანი თვალწარმტაცი ლაქა და გრაფიკული ჭრა (ნიმუშის კონტურები, გისოსები, ფონის წერტილები). თავიდან კალიკო ძალიან ძვირი ღირდა. მე-18 საუკუნის ბოლოს დაიწყო მათი იაფი ჯიშების წარმოება.
ფაიფური. მე-18 საუკუნის ბოლოს რუსული ფაიფური ევროპაში ერთ-ერთი საუკეთესო გახდა. პეტერბურგში წარმატებით მუშაობდა სახელმწიფო ფაიფურის ქარხანა. მისი პროდუქცია გამოირჩეოდა ოდნავ თბილი სითეთრით, ბრწყინვალე მინანქრით და მაღალი ტექნიკური ხარისხით. ჭურჭლის ფორმები, ვაზები, მათი მხატვრობა არ ჩამოუვარდებოდა დასავლურს.
იქმნება მომსახურებებიდან ყველაზე მნიშვნელოვანი - არაბესკი სასამართლოს მიღებისთვის (1784, ილ. 77). ცხრა ალეგორიული ქანდაკების ამ ნაკრების სუფრის გაფორმება განადიდებს საქართველოსა და ყირიმის ანექსიას, ეკატერინე II-ის (მოქანდაკე ჟ. დ. რაშეტი) „სათნოებათ“. მასში დომინირებს მე-18 საუკუნის ბოლოს კლასიციზმისთვის დამახასიათებელი მშვიდი პოზები, მსუბუქი მოოქროვილი, არაბესკების სახით მოხატული სერვისის კერძების მკაცრი პროპორციები, ანტიკვარული ორნამენტებით.
1780-იან წლებში შეიქმნა ქანდაკებების სერია "რუსეთის ხალხები" (გრავირების კრეატიული დამუშავება) - კაშკაშა დეკორატიული, დამახასიათებელი გამოსახულებებით - ცალკეული ეროვნების წარმომადგენლები (იაკუტი, სამოიდი, თათარი). დამზადდა ქუჩის მოვაჭრეების, ხელოსნების სკულპტურული ფიგურები, რომლებიც გამოსახული იყო მოძრაობაში და სამუშაოზე. ფაიფურის ქანდაკება მრავალი ათწლეულის განმავლობაში გახდა კეთილშობილური ინტერიერის საყვარელი გაფორმება.
კერძო ფაიფურის ქარხნებიდან ყველაზე ეფექტურია ფრანც გარდნერის ქარხანა (1765 წ.) (სოფელი ვერბილკი მოსკოვის მახლობლად). უკვე მე-18 საუკუნის მიწურულს მან სამეფო სახლის კომპლექტები დაამზადა ნახატებში რუსული შეკვეთების ორიგინალური მოტივებით. გარდნერის საკმაოდ იაფფასიანი ჭურჭელი, რომელიც გამოირჩეოდა ფორმის სიმარტივით და ხალხურ ტრადიციებთან მიახლოებული ყვავილების მდიდარი მხატვრობით, წარმატებული იყო როგორც დედაქალაქში, ასევე პროვინციებში (ილ. 79).
შუშა. ფერადი მინა ნამდვილ დიდებას ანიჭებს რუსულ მინას მე-18 საუკუნის ბოლო მესამედში. ლომონოსოვმა ფერების თეორიაზე და ფერადი სათვალეების ტექნოლოგიაზე ნაშრომით ახალი გზები გაუხსნა რუსული მინის დამზადებას, გაამდიდრა მინის პალიტრა და გააცოცხლა რუსული მოზაიკა. პეტერბურგის პროვინციის სოფელ უსტ-რუდიცაში მან მოაწყო ქარხანა სლატის, მძივების და მინის წარმოებისთვის. პეტერბურგის სახელმწიფო საკუთრებაში არსებული ქარხნის ოსტატები დრუჟინინი და კირილოვი ლომონოსოვის მიერ გაწვრთნილი იყვნენ ფერადი მინის დნობაში. ქარხანა ეუფლება ღრმა და სუფთა ტონების შუშის წარმოებას - ლურჯი, იისფერი, ვარდისფერ-წითელი, ზურმუხტისფერი მწვანე. ახლა მის წარმოებაში აღარ დომინირებს გრავირებული ბროლი, არამედ თხელი ფერადი და უფერო მინა. სათვალეები, თასები, დეკანტერები იღებენ გლუვ ფორმებს, რომლებშიც სხეული შეუფერხებლად გადადის ფეხში და ქმნის რბილ, მოხდენილ კონტურებს. გირლანდების, მშვილდების, ვარსკვლავების, მონოგრამების ოქროსა და ვერცხლის ნახატები მშვიდი რიტმია და ხაზს უსვამს ჭურჭლის პლასტიკურ მოცულობას.
ასევე იწარმოება ეგრეთ წოდებული რძიან-თეთრი მინა (ჭიქები, კარაფები, საეკლესიო ნივთები), რომელიც მოგვაგონებს უფრო ძვირადღირებული ფაიფურის ფრესკების გარეგნობას და ბუნებას.
მე-18 საუკუნის ბოლოსათვის ბახმეტიევის კერძო მინის ქარხნები პენზას პროვინციაში, მალცევები ვლადიმირისა და ორიოლის პროვინციებში და მრავალი სხვა ვითარდებოდა და დიდ წარმატებას აღწევდა. მათი უფერო და ფერადი მინა, ბროლი ფართოდ არის გავრცელებული მთელ რუსეთში.
ლითონის მხატვრული დამუშავება. რუსეთში საიუველირო ხელოვნების აყვავება მე-18 საუკუნის შუა ხანებიდან იწყება და მთელი საუკუნის განმავლობაში გრძელდება. მას აქვს არაჩვეულებრივი სილამაზის მხატვრული მასალები: ბრილიანტი, ზურმუხტი, საფირონები და სხვა ძვირფასი და ნახევრადძვირფასი ქვები, მოხატული მინანქრები, ფერადი ლითონები (ოქრო, ვერცხლი, პლატინი, შენადნობები). ქვების ჭრის ხელოვნება სრულყოფილების მაღალ ხარისხს აღწევს. ქვის თამაშის გასაუმჯობესებლად, იუველირები პოულობენ სხვადასხვა მხატვრულ და ტექნიკურ ტექნიკას სამონტაჟო, მოძრავი ნაწილებისთვის. საიუველირო მხატვრები ქმნიან ახირებულ ფორმებს, მრავალფეროვან სამკაულებს: საყურეებს, ბეჭდებს, სნუფის ყუთებს, ბალთებს ფეხსაცმლისთვის, ღილაკებისთვის მდიდრული კოსტუმებისთვის, როგორც მამაკაცებისთვის, ასევე ქალებისთვის.
მე-18 საუკუნის ბოლო მესამედში სამკაულების ფორმები წონასწორობას იძენს, ძვირფასი ქვების ფერთა დიაპაზონი მკაცრდება.
ამ პერიოდში ვერცხლის მწარმოებლებმა დიდ წარმატებას მიაღწიეს. ახალი გემოვნების შესაბამისად, ვერცხლის ნაკრების ფორმები მარტივი და ნათელია. მათ ამშვენებს ფლეიტები, ანტიკური ორნამენტები. ვერცხლის ჭიქებზე და სნუფის ყუთებზე, ველიკი უსტიუგის ოსტატები გრავიურებიდან ამრავლებენ უძველესი სცენების სურათებს, რუსული ჯარების გამარჯვებებს.
მე-18 საუკუნის გამოყენებითი ხელოვნების გამორჩეული ფენომენი არის ტულას ოსტატების ფოლადის ხელოვნების პროდუქტები: ავეჯი, ყუთები, სასანთლეები, ღილები, ბალთები, ყუთები. ისინი აშენებენ თავიანთი ნამუშევრების დეკორატიულ ეფექტს გლუვი მსუბუქი ფოლადისა და დეკორაციების ოპოზიციაზე, ბრილიანტივით ცქრიალა ნაჭრების სახით. ხელოსნები იყენებენ ლითონის დამუშავებას (ღუმელში სითბოს დამუშავებას სხვადასხვა ტემპერატურაზე), რომელიც იძლევა სხვადასხვა ჩრდილს - მწვანე, ლურჯი, მეწამული, სქელიდან ნათელამდე. ხალხური ხელოვნების ტრადიციები აისახება ნათელი ფერის სიყვარულში, მასალის ღრმა გაგებაში.
ფერადი ქვა. მე-18 საუკუნის მეორე ნახევარში აღმოაჩინეს მარმარილოს საბადოები, ალუბლისფერი-ვარდისფერი არწივი ურალში, მრავალფეროვანი იასპი, ჭრელი ბრეჩიები, ალთაის პორფირიები და ლურჯი ბაიკალის ლაპის ლაზული. პეტერჰოფისა (1722-1723) და ეკატერინბურგის (1730-იანი წლების დასაწყისი) გარდა, ალთაის შუაგულში, ლოკტევსკაიას ქარხანამ დაიწყო მუშაობა 1787 წელს (1802 წლიდან იგი შეცვალა კოლივანსკაიამ). სასახლის ინტერიერის მონუმენტური და დეკორატიული ნამუშევრების დეკორაციისა და გაფორმებისას ფერადი ქვის გამოყენების უამრავი შესაძლებლობა არსებობს.
მასალის ესთეტიკური თვისებების გამოვლენის უნარი ყოველთვის გამოირჩეოდა რუსი ოსტატებით, მაგრამ ეს განსაკუთრებით მკაფიოდ გამოიხატა ქვის ჭრის ხელოვნებაში. არქიტექტორების პროექტების მიხედვით მუშაობისას, ქვის მჭრელი მხატვრულად ავლენს ქვის ზღაპრულ სილამაზეს, მის ბუნებრივ ნიმუშს, ფერის უჩვეულო ჩრდილებს, ბრწყინვალებას, აძლიერებს მათ შესანიშნავი გაპრიალებით. მოოქროვილი ბრინჯაო სახელურების სახით, პომელი მხოლოდ ავსებს და ხაზს უსვამს ფორმას. ქვის საჭრელი ნაკეთობების, ობელისკების, ვაზების პროექტები, რომლებიც დაფუძნებული იყო უძველეს ფორმებზე, შექმნეს კვარენგიმ და ვორონიხინმა.
მე -18 საუკუნის რუსული გამოყენებითი ხელოვნების აყვავება დაკავშირებული იყო არქიტექტორების კაზაკოვის, სტაროვის, კვარენგის, კამერონის, ვორონიკინისა და მრავალი გაწვრთნილი ხალხური მხატვრების შემოქმედებასთან. მაგრამ მისი ნამდვილი დიდება უმეტესწილად შექმნეს დარჩენილმა უცნობმა ხელოსნებმა - ავეჯის მწარმოებლებმა, ჩუქურთმებმა, მქსოველებმა, ქვის მჭრელებმა, იუველირებმა, მინის მწარმოებლებმა, კერამიკოსებმა.
დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნების განვითარებახელი შეუწყო ხელოსნობისა და მანუფაქტურული წარმოების ტექნიკის გაუმჯობესებას, ხელოვნების ინდუსტრიის წარმოქმნას (გობელენის, ხელოვნების შუშის, ფაიანსის, ქვის ჭრის, აბრეშუმის და ქსოვილის წარმოება), მოდური ნივთების, ფუფუნების საქონლის წარმოება, საბადოების აღმოჩენა და განვითარება. სპილენძის, კალის, ვერცხლის, ფერადი ქვის, მაღალი ხარისხის თიხისგან.
მნიშვნელოვანია მეცნიერებათა აკადემიის როლი „თავისუფალი ხელოვნებისა და მანუფაქტურების აყვავებაში“, რომელიც ასახავს ახალ ბუნებრივ-მეცნიერულ და ტექნიკურ ინტერესებს დეკორატიულ და გამოყენებით ხელოვნებაში. მე-18 საუკუნის პირველ ნახევარში გამოჩნდა ხელოვნების მანუფაქტურებში ოსტატების განათლებისა და მომზადების ახალი ფორმები; რუსეთში არსებობს ხელოსანთა გილდიური ორგანიზაციები, რაც არ უარყოფს უცხოელი ოსტატების ფართო გავრცელებას დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნების სხვადასხვა სფეროში.
ხელოვნებასა და ხელნაკეთობებში (ინტერიერის ნივთები, ავეჯი, დეკორი) სტილი აქტიურად არის ნაკარნახევი მოდაში. შედეგად, ჩნდება ახალი ტიპის ობიექტები, განახლებულია ესთეტიკური იდეები ხელოვნებასა და ხელნაკეთობებში. მე-18 საუკუნის შუა ხანის დეკორატიულ და გამოყენებით ხელოვნებაში შეიმჩნევა ხელოვნების სინთეზის ტენდენცია, სადაც არქიტექტურა, ქანდაკება, ფერწერა და გამოყენებითი ხელნაკეთობები შერწყმულია დეკორატიულ ანსამბლში.
შედეგად, ინტერიერის დიზაინის ხელოვნება ხდება მე-18 საუკუნის არქიტექტორების შემოქმედებაში განსაკუთრებული სახის მხატვრული საქმიანობა. ამ ტიპის მხატვრული აქტივობა იწვევს ახალი ტიპის შენობების გაჩენას (სასწავლებელი, წინა ოთახები, საძინებლები, მისაღები ოთახები, "სურათების დარბაზები") და მათი შინაარსი (საზაფხულო სასახლე, ა.დ.
ეს ყველაფერი ხელს უწყობს ავეჯის ბიზნესის განვითარებას, ჩნდება ავეჯის ახალი ტიპები და ფორმები, მასალები და მისი გაფორმების გზები. აქ ძალიან ძლიერია ინგლისური და ჰოლანდიური ავეჯის გავლენა. ევროპის გავლენით რუსეთში ავეჯში ბაროკოსა და როკოკოს სტილიც კი ყალიბდება.
კლასიციზმის ავეჯს აქვს დამახასიათებელი ხასიათი და ფორმა. უმეტესწილად, ანტიკური მოტივები შეიძლება ნახოთ ავეჯის ფორმებსა და გაფორმებაში. XVIII საუკუნის შუა ხანებში არქიტექტორები ჩაერთნენ ახალი ტიპის ავეჯის შემუშავებაში, რუსეთში გამოჩნდა ავეჯის ხელოვნება და საავტორო ავეჯი (ბრენა, ლვოვი, კამერონი, ვორონიხინი). XVIII საუკუნის მეორე ნახევარში გაჩნდა პირველი ავეჯის სახელოსნოები (გ.გამბსის და ი.ოტის სახელოსნო). ავეჯის ხელოვნებაში ამ პერიოდისთვის დამახასიათებელია "იაკობის" სტილი. მე-18 საუკუნის მეორე ნახევრისთვის ავეჯის ხელოვნებაში მასალები იცვლებოდა: აქ გამოჩნდა მაჰაგანი, მოოქროვილი ხე, ვერხვი, კარელიური არყი; ავეჯის წარმოებაში სულ უფრო ხშირად გამოიყენება ქსოვილები და ნაქარგები.
კერამიკასა და ფაიანსს განსაკუთრებული ადგილი უჭირავს დეკორატიულ და გამოყენებით ხელოვნებაში. ეს თავდაპირველად ხდება ინგლისიდან და ჰოლანდიიდან ფაიანსის პროდუქციის იმპორტის გაფართოების გამო. თუმცა, მალე მოსკოვში გაჩნდა ა. გრებენშჩიკოვის პირველი კერძო ქარხანა, რომელიც აწარმოებდა რუსულ წვრილ ფაიანსს. მოგვიანებით ჩამოყალიბდა საზეიმო სასახლის კერძების სტილი მქრქალი გრავიურებით და გავრცელდა ბროლის, როგორც ინტერიერის ნივთის მოდა. ეს გულისხმობს მალცოვის პირველი კერძო მინის და ბროლის ქარხნის გახსნას მოჟაისკის რაიონში.
მე-18 საუკუნეში, ხელოვნებისა და ხელოსნობის, ინტერიერის დეკორის მზარდი პოპულარობის გამო, გაიზარდა შუშის მოხმარება, რომელიც გამოიყენებოდა სხვადასხვა სარკეებისა და განათების მოწყობილობების შესაქმნელად.
XVIII საუკუნის მეორე ნახევრის ქანდაკება და მხატვრობა.
მე-18 საუკუნის მხატვრობის განვითარებაში მნიშვნელოვანი როლი ითამაშა შექმნა ვლადიმერ ლუკიჩ ბოროვიკოვსკი. იმისდა მიუხედავად, რომ მხატვარი ოფიციალურად არ იყო ჩამოთვლილი აკადემიის სტუდენტად, მან უდავოდ გამოიყენა მისი მასწავლებლების და, უპირველეს ყოვლისა, ლევიცკის რჩევა. ახალგაზრდა მხატვრის ბუნებრივმა ნიჭმა და რკინის გამძლეობამ მალე განაპირობა ის, რომ ბოროვიკოვსკი მე -18 საუკუნის ბოლოს პირველი ოსტატების რიგებში დაწინაურდა. მან შექმნა თავისი თანამედროვეების შესანიშნავი პორტრეტების სერია, მათ შორის გ. დერჟავინი, ვ. არსენიევა, მ. ლოპუხინა, ო. ფილიპოვა და მრავალი სხვა. პიროვნების სულიერი გამოცდილებისადმი მუდმივი ინტერესი, ხაზგასმული ლირიზმი და ჭვრეტა, სენტიმენტალურობის ნისლით გაჟღენთილი, ეპოქისთვის ასე დამახასიათებელი, დამახასიათებელია ბოროვიკოვსკის ნაწარმოებების უმეტესობისთვის. მხატვარი არასოდეს მიჰყვებოდა გამოსახულების გარეგანი, ზედაპირული მახასიათებლების გზას, მუდმივად ცდილობდა გადმოეცა გამოსახული სახეების ყველაზე დახვეწილი სულიერი მოძრაობები.
მის შემოქმედებაში დომინირებს კამერული პორტრეტი. ბოროვიკოვსკი ცდილობს დაადასტუროს პიროვნების თვითშეფასება და მორალური სიწმინდე (ლიზინკასა და დაშინკას პორტრეტი, ე.ნ. არსენიევას პორტრეტი და ა.შ.). მე-18-19 საუკუნეების მიჯნაზე ბოროვიკოვსკი იზიდავდა ძლიერ, ენერგიულ პიროვნებებს, ის ყურადღებას ამახვილებს მოქალაქეობაზე, კეთილშობილებაზე და გამოსახულთა ღირსებაზე. მისი მოდელების გარეგნობა უფრო თავშეკავებული ხდება, ლანდშაფტის ფონი ენაცვლება ინტერიერის იმიჯს (A.A. Dolgorukov, M.I. Dolgoruka და ა.შ. პორტრეტები).
ბოროვიკოვსკი ასევე არის პორტრეტული მინიატურების აღიარებული ოსტატი. რუსეთის მუზეუმის კოლექცია შეიცავს მის ფუნჯს - ა.ა. მენელას, ვ.ვ.კაპნისტის, ნ.ი.ლვოვას და სხვათა პორტრეტებს. მხატვარი ხშირად იყენებდა თუნუქის საფუძვლად მინიატურებს.
მე -18 საუკუნის რუსული პორტრეტული მხატვრობა თავის ნამდვილ სიმაღლეს აღწევს შემოქმედებაში დ.გ.ლევიცკი . უკვე ერთ-ერთ ადრეულ ნამუშევარში - არქიტექტორ ა.კოკორინოვის პორტრეტში - ლევიცკიმ გამოავლინა მხატვრის გამორჩეული შესაძლებლობები. დიდი ფრანგი მატერიალისტი ფილოსოფოსის დ.დიდროს პორტრეტი, რომელიც ლევიცკის მიერ 1773 წელს დახატა პეტერბურგში და მხატვრის მიერ შექმნილი სმოლნის ინსტიტუტის მოსწავლეთა პორტრეტების სერია მაღალი მხატვრული დამსახურებაა. ამ გოგოების გამოსახულებები გულწრფელობით და სითბოთი გამოირჩევა, თითოეული მათგანის ორიგინალურობა ოსტატურადაა გადმოცემული.
შემდგომი წლების პორტრეტები - ლვოვა, მხატვრის მამა, ბაკუნინები, ანა დავია და ლევიცკის მრავალი სხვა შედევრი - აშკარა მტკიცებულებაა მისი ბრწყინვალე ნიჭის შესახებ.
ლევიცკიმ შექმნა თავისი თანამედროვეების პორტრეტების ვრცელი გალერეა, სადაც აღბეჭდა ეპოქის ხალხის ცოცხალი გამოსახულებები ისევე ფართოდ და სრულად, როგორც სხვები. ლევიცკის ხელოვნება ავსებს XVIII საუკუნეში რუსული პორტრეტული მხატვრობის განვითარების ისტორიას. ამასთან, უნდა აღინიშნოს მისი შემოქმედების ისტორიულად განსაზღვრული შეზღუდვებიც: თავისი დროის სხვა გამორჩეული მხატვრების მსგავსად, ლევიცკი ვერ ასახავდა რეალობის სოციალურ წინააღმდეგობებს. მხატვრის მიერ გამოსახული ადამიანები, გაბატონებული ესთეტიკური იდეების შესაბამისად, ყოველთვის გარკვეულწილად პოზირებენ, თითქოს ცდილობენ მაყურებელს საკუთარი თავი „ყველაზე სასიამოვნო“ შუქზე გამოაჩინონ. თუმცა, რიგ ნამუშევრებში მხატვარი აღწევს საოცარ სიმარტივეს და სიცოცხლისუნარიანობას.
ლევიცკის მემკვიდრეობა უზარმაზარია და დღემდე იწვევს მაყურებელში პირდაპირი ესთეტიკური სიამოვნების განცდას. მისი ნამუშევრების პროფესიული ბრწყინვალება და მათი რეალისტური ორიენტაცია მხატვარს აყენებს ერთ-ერთ ყველაზე საპატიო ადგილზე რუსული ხელოვნების მთელ ისტორიაში.
დ.გ. ლევიცკის ყველაზე ცნობილ ნამუშევრებს შორისაა შემდეგი: "ე.ა. ვორონცოვას პორტრეტი", "არქიტექტორი ა.ფ. კოკორინოვის პორტრეტი", "ნ.ა. ლვოვის პორტრეტი", "მ.ა. დიაკოვას პორტრეტი", "ურსულა მნიზეკის პორტრეტი", " აგაშის ქალიშვილის პორტრეტი რუსული კოსტუმით“ და ა.შ.
პორტრეტის სფეროში მე-18 საუკუნის მეორე ნახევრის რუსმა მხატვრებმაც თავიანთი ახალი სიტყვა თქვეს. გასაოცარია ფსიქოლოგიური მახასიათებლების სიმკვეთრე, რომელიც ამ დროის ბევრ პორტრეტს აღნიშნავდა - საუკეთესო რუსი ოსტატების ფუნჯი სულ უფრო მიზიდულობს პიროვნების გამოსახულების ჭეშმარიტი გადაცემისკენ. საგულისხმოა, რომ ამ დროს უკვე იქმნებოდა პორტრეტები არა მხოლოდ თავადაზნაურებისა და „ამქვეყნიური ძლევამოსილებისა“, არამედ მთელი რიგი პროგრესული საზოგადო მოღვაწეების. ამ პორტრეტებში ბრწყინვალებისა და გარეგანი სიპრიალის ელემენტები სრულიად არ არის; მხატვრები ყურადღებას აქცევენ ადამიანის შინაგანი შინაარსის გადაცემას, მისი გონების სიძლიერის გამჟღავნებას, მისი აზრებისა და მისწრაფებების კეთილშობილებას.
რუსული პორტრეტის განვითარებამ გამოხატულება ჰპოვა ფ.როკოტოვის ნაშრომი.
ფედორ სტეპანოვიჩ როკოტოვი- ერთ-ერთი საუკეთესო რუსი პორტრეტი. მიიღო სამხატვრო განათლება ლ.-ჯ. ლე ლორენი და გრაფი პიეტრო როტარი ამ უკანასკნელის წესით მუშაობდნენ, მაგრამ ის მასზე მეტად ბუნებაში იკვლევდა და მონდომებული იყო აღსრულებაში. 1762 წელს მიიღეს ახლად დაარსებულ პეტერბურგში დამხმარედ. სამხატვრო აკადემია მისთვის წარდგენილი ნახატისთვის "ვენერა" და იმპერატორ პეტრე III-ის პორტრეტისთვის.
დახვეწილი ფერწერული ოსტატობა განასხვავებს ამ მხატვრის პორტრეტებს. გამოსახულების ინტიმურ სულიერებას, განსაკუთრებით ქალის პორტრეტებში, როკოტოვს მოაქვს დიდი ექსპრესიულობა და ძალა. მხატვრის ნამუშევრების უაღრესად ტექნიკური სრულყოფილება - ხატვის ხასიათისა და ფერწერული ოსტატობის თვალსაზრისით, მხოლოდ ლევიცკის შეიძლება შედარება. როკოტოვის მიერ შექმნილი პორტრეტები გამოირჩევა ნახატის დახვეწითა და ფერის ელეგანტურობით.
როკოტოვის ყველაზე ცნობილი ნამუშევრებია: "უცნობი ქალის პორტრეტი ვარდისფერ კაბაში", "ა.ი. ვორონცოვის პორტრეტი", "გ.გ. ორლოვის პორტრეტი ჯავშანში", "ეკატერინე II-ის კორონაციის პორტრეტი", "A.P. სტრუისკაიას პორტრეტი". , "პოეტ V.I. მაიკოვის პორტრეტი", "სუროვცევას პორტრეტი" და ა.შ.
XVIII საუკუნის მეორე ნახევარში. რუსულ ფერწერაში დაიწყო განვითარება საყოფაცხოვრებო ჟანრი. თუმცა, ჟანრულ მხატვრობას სამხატვრო აკადემიის ხელმძღვანელობა და საზოგადოების პრივილეგირებული ფენა თვლიდა, როგორც რაღაც ამაზრზენი, მხატვრის ფუნჯის უღირსს. ამის მიუხედავად, ე. პუგაჩოვის მეთაურობით გლეხთა ომის შემდეგ, როგორც ლიტერატურაში, თეატრსა და მუსიკაში, ასევე 1770-1780-იანი წლების ფერწერაში. დაიწყო ინტერესი გლეხობის, მისი ცხოვრების წესის, ცხოვრების წესის მიმართ. ხშირად ეს იყო იდილიური მწყემსებისა და მწყემსების სენტიმენტალური გამოსახულებები, რომლებსაც არაფერი ჰქონდათ საერთო გლეხის ნამდვილ ცხოვრებასთან. თუმცა იყო გამონაკლისებიც.
ერთ-ერთი პირველი რუსულ მხატვრობაში, გლეხის თემა შეიმუშავა ყმა პრინცმა გ.ა. პოტიომკინმა. მიხეილ შიბანოვი . მან დახატა ნახატები "გლეხური ვახშამი", "საქორწინო პაქტის დღესასწაული" და ა.შ. შიბანოვის ნახატებში არ არის ბატონობის დენონსაცია, თუმცა ამ ტილოებში არ არის გლეხური ცხოვრების იდეალიზაცია. მხატვარი გამოირჩევა რუსი გლეხის ცხოვრებისა და ხასიათის ცოდნითა და გაგებით.
გლეხის თემა აისახა მხატვრის ი.მ.ტანკოვის (1739 - 1799 წწ.), ნახატის ავტორის "დღესასწაული სოფელში" და ი. მათხოვრები მომღერლები“ და სხვ.). პირველად რუსული ხელოვნების ისტორიაში, მხატვარმა გადმოსცა ხალხური ცხოვრების პირქუში მხარე, სიღარიბის სიღარიბე.
XVIII საუკუნის მეორე ნახევარში. იწყება რუსული ქანდაკების ნამდვილი აყვავება. იგი ნელა განვითარდა, მაგრამ რუსული განმანათლებლობის აზროვნება და რუსული კლასიციზმი იყო უდიდესი სტიმული დიდი სამოქალაქო იდეების ხელოვნების განვითარებისათვის, ფართომასშტაბიანი პრობლემები, რამაც გამოიწვია ამ პერიოდში ქანდაკებისადმი ინტერესი. შუბინი, გორდეევი, კოზლოვსკი, შჩედრინი, პროკოფიევი, მარტოსი - თითოეული თავისთავად იყო ყველაზე ნათელი ინდივიდუალობა, დატოვა თავისი კვალი ხელოვნებაზე. მაგრამ ყველა მათგანს აერთიანებდა საერთო შემოქმედებითი პრინციპები, რაც მათ ისწავლეს პროფესორ ნიკოლას ჟილეტისგან, რომელიც ხელმძღვანელობდა აკადემიის ქანდაკების კლასს 1758 წლიდან 1777 წლამდე, მოქალაქეობისა და პატრიოტიზმის საერთო იდეებით და ანტიკურობის მაღალი იდეალებით.
განზოგადებული მშვენიერების ძიება არ გამორიცხავს ადამიანის ხასიათის აღქმის სრულ სიღრმეს, მისი მრავალფეროვნების გადმოცემის სურვილს. ეს მისწრაფება შესამჩნევია საუკუნის მეორე ნახევრის მონუმენტურ და დეკორატიულ ქანდაკებასა და დაზგური ქანდაკებაში, მაგრამ განსაკუთრებით პორტრეტის ჟანრში.
მისი უმაღლესი მიღწევები, პირველ რიგში, შემოქმედებითობას უკავშირდება. ფედოტ ივანოვიჩ შუბინი (1740-1805), თანამემამულე ლომონოსოვი, რომელიც სანკტ-პეტერბურგში ჩავიდა უკვე როგორც მხატვარი, რომელმაც ესმოდა ძვლის კვეთის სირთულეები. შუბინის პირველი ნამუშევარი სამშობლოში არის ა.მ.-ის ბიუსტი. გოლიცინი უკვე მოწმობს ოსტატის სრულ სიმწიფეს. მოდელის მახასიათებლების მთელი მრავალფეროვნება ვლინდება მისი წრიული დათვალიერებისას, თუმცა უდავოდ არსებობს ქანდაკების მთავარი თვალსაზრისი.
შუბინი მუშაობდა არა მხოლოდ პორტრეტის მხატვრად, არამედ დეკორატორად. მან გააკეთა 58 ოვალური მარმარილოს ისტორიული პორტრეტი ჩესმეს სასახლისთვის (მდებარეობს შეიარაღებაში), ქანდაკებები მარმარილოს სასახლისთვის და პეტერჰოფისთვის, ეკატერინე II-ის ქანდაკება - კანონმდებელი (1789-1790). ეჭვგარეშეა, რომ შუბინი მე -18 საუკუნის რუსული მხატვრული კულტურის უდიდესი ფენომენია. ფრანგი მოქანდაკე ეტიენ-მორის ფალკონე რუს ოსტატებთან ერთად მუშაობდა რუსეთში, პეტერბურგში, სენატის მოედანზე პეტრე დიდის ძეგლზე მან გამოხატა თავისი გაგება პეტრეს პიროვნებისა და მისი ისტორიული როლის შესახებ რუსეთის ბედში.
ფიოდორ ფიოდოროვიჩ შჩედრინი(1751-1825 წწ.). მან გაიარა აკადემიაში მომზადების იგივე ეტაპები და პენსიაზე გავიდა იტალიასა და საფრანგეთში, როგორც შუბინმა. მის მიერ 1776 წელს შესრულებული „მარსიასი“ სავსეა მღელვარე მოძრაობითა და ტრაგიკული მსოფლმხედველობით. კლასიკური ეპოქის ყველა მოქანდაკის მსგავსად, შჩედრინი მოხიბლულია უძველესი სურათებით ("მძინარე ენდიმიონი"; "ვენერა"), ხოლო მათ სამყაროში განსაკუთრებით პოეტურ შეღწევას აჩვენებს.
