რენესანსის მხატვრობა

რენესანსის მხატვრობის დასაწყისად ითვლება დუჩენტოს ეპოქა, ე.ი. XIII საუკუნე. პროტო-რენესანსი კვლავ მჭიდროდ არის დაკავშირებული შუა საუკუნეების რომაულ, გოთურ და ბიზანტიურ ტრადიციებთან. XIII საუკუნის ბოლოს - XIV საუკუნის დასაწყისის მხატვრები. ჯერ კიდევ შორს არიან გარემომცველი რეალობის მეცნიერული შესწავლისგან. ისინი გამოხატავენ თავიანთ იდეებს ამის შესახებ, კვლავ იყენებენ ბიზანტიური ვიზუალური სისტემის პირობით გამოსახულებებს - კლდოვან ბორცვებს, სიმბოლურ ხეებს, პირობით კოშკებს. მაგრამ ზოგჯერ არქიტექტურული სტრუქტურების გარეგნობა იმდენად ზუსტად არის რეპროდუცირებული, რომ ეს მიუთითებს ბუნების ესკიზების არსებობაზე. ტრადიციული რელიგიური პერსონაჟების გამოსახვა იწყება რეალობის თვისებებით დაჯილდოებულ სამყაროში - მოცულობა, სივრცითი სიღრმე, მატერიალური მატერიალურობა. იწყება გადაცემის მეთოდების ძიება მოცულობისა და სამგანზომილებიანი სივრცის სიბრტყეზე. ამ დროის ოსტატები აცოცხლებენ ფორმების ქიაროსკუროს მოდელირების ცნობილ ანტიკურ პრინციპს. მისი წყალობით ფიგურები და შენობები იძენენ სიმკვრივესა და მოცულობას.

როგორც ჩანს, პირველი, ვინც გამოიყენა უძველესი პერსპექტივა, იყო ფლორენციელი Cenny di Pepo (მონაცემები 1272 წლიდან 1302 წლამდე), მეტსახელად Cimabue. სამწუხაროდ, მისი ყველაზე მნიშვნელოვანი ნამუშევარი - ნახატების სერია აპოკალიფსის თემაზე, მარიამის და მოციქულ პეტრეს ცხოვრება ასისის სან ფრანჩესკოს ეკლესიაში, ჩვენამდე თითქმის დანგრეულ მდგომარეობაში მოვიდა. მისი საკურთხევლის კომპოზიციები, რომლებიც ფლორენციაში და ლუვრის მუზეუმშია, უკეთ არის შემონახული. ისინი ასევე უბრუნდებიან ბიზანტიურ პროტოტიპებს, მაგრამ ნათლად აჩვენებს რელიგიური მხატვრობის ახალი მიდგომის თავისებურებებს. ციმაბუე ბრუნდება იტალიური მხატვრობიდან

XIII საუკუნე, რომელმაც მიიღო ბიზანტიური ტრადიციები, მათ უშუალო წარმოშობამდე. მან იგრძნო მათში ის, რაც მიუწვდომელი დარჩა მისი თანამედროვეებისთვის - ჰარმონიული დასაწყისი გამოსახულებათა ამაღლებული ელინური სილამაზისა.

სიმკაცრე და სქემატურობა ადგილს უთმობს ხაზების მუსიკალურ სიგლუვეს. მადონას ფიგურა უსხეულო აღარ ჩანს. შუა საუკუნეების მხატვრობაში ანგელოზები განიმარტებოდა, როგორც ნიშნები, როგორც ღვთისმშობლის ატრიბუტები, ისინი გამოსახული იყო როგორც პატარა სიმბოლური ფიგურები. Cimabue-სთან ერთად ისინი იძენენ სრულიად ახალ მნიშვნელობას, ისინი შედიან სცენაში, ეს არის მშვენიერი ახალგაზრდა არსებები, რომლებიც ელიან იმ მოხდენილ ანგელოზებს, რომლებიც გამოჩნდებიან მე -15 საუკუნის ოსტატებთან.

ციმაბუეს ნამუშევარი იყო იმ ახალი პროცესების საწყისი წერტილი, რამაც განსაზღვრა ფერწერის შემდგომი განვითარება. მაგრამ ხელოვნების ისტორია არ შეიძლება აიხსნას მხოლოდ ევოლუციური თვალსაზრისით. ზოგჯერ მასში მკვეთრი ნახტომებია. დიდი ხელოვანები ჩნდებიან როგორც გაბედული ნოვატორები, რომლებიც უარყოფენ ტრადიციულ სისტემას. მეთოთხმეტე საუკუნის იტალიურ მხატვრობაში ასეთ რეფორმატორად უნდა იყოს აღიარებული ჯოტო დი ბონდონე (1266-1337). ეს არის გენიოსი, რომელიც მაღლა დგას თავის თანამედროვეებზე და მის ბევრ მიმდევარზე.

დაბადებიდან ფლორენციელი, მუშაობდა იტალიის ბევრ ქალაქში. ჩვენამდე მოღწეული ჯოტოს ნამუშევრებიდან ყველაზე ცნობილია ფრესკების ციკლი პადუაში, სამლოცველო დელ არენაში, რომელიც ეძღვნება სახარების ისტორიებს ქრისტეს ცხოვრების შესახებ. ეს უნიკალური ფერწერული ანსამბლი ევროპული ხელოვნების ისტორიაში ერთ-ერთი მნიშვნელოვანი ნამუშევარია. შუა საუკუნეების მხატვრობისთვის დამახასიათებელი განსხვავებული ცალკეული სცენებისა და ფიგურების ნაცვლად, ჯოტომ შექმნა ერთი ეპიკური ციკლი. ქრისტესა და მარიამის ცხოვრებიდან 38 სცენა („მარიამისა და ელისაბედის შეხვედრა“, „იუდას კოცნა“, „გოდება“ და სხვ.) მხატვრობის ენით ერთ ნარატივს უკავშირდება. ჩვეულებრივი ოქროს ბიზანტიური ფონის ნაცვლად, ჯოტო შემოაქვს ლანდშაფტის ფონს. ფიგურები აღარ დაცურავენ სივრცეში, მაგრამ იძენენ მყარ ნიადაგს ფეხქვეშ. და მიუხედავად იმისა, რომ ისინი ჯერ კიდევ უმოქმედო არიან, ისინი აჩვენებენ სურვილს გადმოსცენ ადამიანის სხეულის ანატომია და მოძრაობის ბუნებრიობა. ჯოტო ფორმებს აძლევს თითქმის სკულპტურულ აღქმადობას, სიმძიმეს, სიმკვრივეს. იგი ახდენს რელიეფის მოდელირებას, თანდათან ხაზს უსვამს მთავარ ფერად ფონს. სინათლისა და ჩრდილის მოდელირების ეს პრინციპი, რამაც შესაძლებელი გახადა სუფთა, ნათელ ფერებთან მუქი ჩრდილების გარეშე მუშაობა, დომინანტი გახდა იტალიურ მხატვრობაში მე-16 საუკუნემდე.

ჯოტოს ნახატში გაკეთებულმა რეფორმამ ღრმა შთაბეჭდილება მოახდინა მის ყველა თანამედროვეზე.

ჯოტოს გავლენამ ძალა და ნაყოფიერება მხოლოდ საუკუნის შემდეგ შეიძინა. კვატროჩენტოს მხატვრებმა შეასრულეს ჯოტოს მიერ დასახული ამოცანები. ადრეული რენესანსის ეტაპს ხელოვნების ისტორიაში ტრიუმფალურ პერიოდს უწოდებენ. მე-15 საუკუნეში იტალიაში მხატვრული შემოქმედების კეთილშობილება და მასშტაბები მოქანდაკეებისა და მხატვრების უპრეცედენტო შემოქმედებითი საქმიანობის შთაბეჭდილებას ტოვებს.

ფერწერის კვატროჩენტოს დამაარსებლის დიდება ეკუთვნის ფლორენციელ მხატვარს მასაჩოს, რომელიც გარდაიცვალა ძალიან ახალგაზრდა (1401-1428). მის ფრესკებზე ანატომიის კანონების მიხედვით დახატული ფიგურები ერთმანეთთან და ლანდშაფტთან არის დაკავშირებული. მისი ბორცვები და ხეები შორს მიდიან და ქმნიან ბუნებრივ ჰაერის გარემოს. ადამიანებისა და ბუნების ცხოვრება დაკავშირებულია ერთ მთლიანობად, ერთ დრამატულ მოქმედებად. ეს ახალი სიტყვაა მსოფლიო მხატვრობის ხელოვნებაში.

ფლორენციული სკოლა დიდი ხნის განმავლობაში ლიდერობდა იტალიის ხელოვნებაში. მას ასევე უფრო კონსერვატიული ტენდენცია ჰქონდა. ამ მიმართულების მხატვრები ბერები იყვნენ, ამიტომ ხელოვნების ისტორიაში მათ სამონასტრო უწოდეს. მათ შორის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი იყო ჯოვანი ბეატო ანჯელიკო და ფიესოლის ძმა (1387-1455).

გვიანდელი კვატროჩენტოს მხატვრობის დამახასიათებელი თვისებაა სკოლებისა და ტენდენციების მრავალფეროვნება. ამ დროს ჩამოყალიბდა ფლორენციული, უმბიური (Piero dela Francesca, Pinturicchio, Perugino), ჩრდილოეთ იტალიური (Mantegni), ვენეციური (Giovanni Bellini) სკოლები.

კვატროჩენტოს ერთ-ერთი ყველაზე გამორჩეული მხატვარი - სანდრო ბოტიჩელი (1445-1510) - ცნობილი ტირანის, პოლიტიკოსის, მფარველის, პოეტისა და ფილოსოფოსის ლორენცო დე მედიჩის, მეტსახელად დიდებულის სასამართლოს ესთეტიკური იდეალების გამომხატველი. ამ უგვირგვინო სუვერენის სასამართლო იყო მხატვრული კულტურის ცენტრი, რომელიც აერთიანებდა ცნობილ ფილოსოფოსებს, მეცნიერებს და ხელოვანებს.

ბოტიჩელის ხელოვნებაში ხდება შუა საუკუნეების მისტიკის ერთგვარი სინთეზი უძველეს ტრადიციებთან, გოთიკისა და რენესანსის იდეალებთან. მის მითოლოგიურ გამოსახულებებში სიმბოლიზმის აღორძინებაა. ის ასახავს ლამაზ უძველეს ქალღმერთებს არა მიწიერი სილამაზის სენსუალური ფორმებით, არამედ რომანტიული, სულიერი, ამაღლებული გამოსახულებებით. ნახატი, რომელიც მას ადიდებდა, არის ვენერას დაბადება. აქ ჩვენ ვხედავთ ბოტიჩელის თავისებურ ქალურ გამოსახულებას, რომელიც არ შეიძლება აგვერიოს სხვა მხატვრების ნამუშევრებთან. ბოტიჩელი საოცრად აერთიანებდა წარმართულ სენსუალურობას და გაზრდილ სულიერებას, სკულპტურულ ქალურობას და დელიკატურ მყიფეობას, დახვეწილობას, ხაზოვან სიზუსტეს და ემოციურობას, ცვალებადობას. ის ხელოვნების ისტორიაში ერთ-ერთი ყველაზე პოეტური მხატვარია. უპირატესობას ანიჭებს სიმბოლურ, ალეგორიულ თემებს, უყვარს ოცნება, გამოხატვა მინიშნებით.

ადრეული რენესანსი დაახლოებით ერთი საუკუნის განმავლობაში გაგრძელდა. იგი სრულდება მაღალი რენესანსის პერიოდით, რომელიც მხოლოდ დაახლოებით 30 წელია. ამ დროს რომი გახდა მხატვრული ცხოვრების მთავარი ცენტრი.

თუ კვატროჩენტოს ხელოვნება არის ანალიზი, ძიება, აღმოჩენები, ახალგაზრდული მსოფლმხედველობის სიახლე, მაშინ მაღალი რენესანსის ხელოვნება არის შედეგი, სინთეზი, ბრძნული სიმწიფე. კვატროჩენტოს პერიოდში მხატვრული იდეალის ძიებამ ხელოვნება მიიყვანა განზოგადებამდე, ზოგადი ნიმუშების გამჟღავნებამდე. მთავარი განსხვავება მაღალი რენესანსის ხელოვნებას შორის არის ის, რომ ის უარყოფს დეტალებს, დეტალებს, დეტალებს განზოგადებული გამოსახულების სახელით. მთელი გამოცდილება, წინამორბედების ყველა ძიება შეკუმშულია Cinquecento-ს დიდი ოსტატების მიერ გრანდიოზული განზოგადებით.

ლამაზი, ძლიერი ნებისყოფის ადამიანის გამოსახულება იმდროინდელი ხელოვნების მთავარი შინაარსია. მე-15 საუკუნის ხელოვნებისგან განსხვავებით, მას ახასიათებს ცხოვრებისეული ფენომენების ზოგადი კანონზომიერების გააზრებისა და განსახიერების სურვილი.

ეს იყო რენესანსის ტიტანების ეპოქა, რომელმაც მსოფლიო კულტურას მისცა ლეონარდოს, რაფაელის, მიქელანჯელოს მოღვაწეობა. მსოფლიო კულტურის ისტორიაში ეს სამი გენიოსი, მიუხედავად მათი განსხვავებებისა, შემოქმედებითი ინდივიდუალობა განასახიერებს იტალიური რენესანსის მთავარ ღირებულებას - სილამაზის, ძალაუფლებისა და ინტელექტის ჰარმონიას. მათი ცხოვრება ადასტურებს საზოგადოების დამოკიდებულების ცვლილებას მხატვრის შემოქმედებითი პიროვნების მიმართ, რაც დამახასიათებელია რენესანსისთვის. ხელოვნების ოსტატები გახდნენ საზოგადოების გამოჩენილი და ღირებული ფიგურები, ისინი სამართლიანად ითვლებოდნენ თავიანთი დროის ყველაზე განათლებულ ადამიანებად.

ეს მახასიათებელი, ალბათ უფრო მეტი, ვიდრე რენესანსის სხვა მოღვაწეები, შესაფერისია ლეონარდო და ვინჩისთვის (1452 - 1519). იგი აერთიანებდა მხატვრულ და მეცნიერულ გენიოსობას. ლეონარდო იყო მეცნიერი, რომელიც სწავლობდა ბუნებას არა ხელოვნებისთვის, არამედ მეცნიერებისთვის. ამიტომ, ლეონარდოს ამდენი დასრულებული ნამუშევარი მოვიდა ჩვენამდე. მან დაიწყო სურათები და მიატოვა ისინი, როგორც კი პრობლემა გამოკვეთილი მოეჩვენა. მისი მრავალი დაკვირვება ელის ევროპული მეცნიერებისა და მხატვრობის განვითარებას საუკუნეების განმავლობაში. თანამედროვე სამეცნიერო აღმოჩენები იწვევს ინტერესს მისი სამეცნიერო-ფანტასტიკური საინჟინრო ნახატების მიმართ.

მისი "მადონა გროტოში" არის მაღალი რენესანსის პირველი მონუმენტური სამსხვერპლო. ეს არის რენესანსის მხატვრობაში გავრცელებული ფორმატის დიდი ნახატი, რომელიც წააგავს ზედა მომრგვალებულ ფანჯარას.

ხელოვნებაში ახალი ეტაპი იყო სანტა მარია დელ გრაზიეს მონასტრის სატრაპეზოს კედლის მოხატვა ბოლო ვახშმის ნაკვეთზე, რომელიც დახატა კვატროჩენტოს ბევრმა მხატვარმა. "უკანასკნელი ვახშამი" არის კლასიკური ხელოვნების ქვაკუთხედი, იგი ახორციელებდა მაღალი რენესანსის პროგრამას. ლეონარდო ამ ნამუშევარზე 16 წელი მუშაობდა. უზარმაზარი ფრესკა, სადაც ფიგურები ბუნებრივ ზომაზე ერთნახევარჯერ არის დახატული, გახდა მონუმენტური მხატვრობის კანონების გონივრული გაგების მაგალითი, რომელიც დაკავშირებულია ინტერიერის რეალურ სივრცესთან. იგი განასახიერებდა მხატვრის მეცნიერულ კვლევას ფიზიკის, ოპტიკის, მათემატიკის, ანატომიის სფეროში, რაც აუცილებელია პროპორციების და პერსპექტივების პრობლემების გადასაჭრელად უზარმაზარ ფერწერულ სივრცეში. რაც მთავარია, ლეონარდოს ბრწყინვალე მოღვაწეობას უზარმაზარი ფსიქოლოგიური ძალა აქვს. ლეონარდომდე ბოლო ვახშმის ამსახველი არც ერთი მხატვარი არ დაუსვამს ასეთ რთულ ამოცანას - სხვადასხვა ადამიანების რეაქციის, პიროვნების, ტემპერამენტის, ემოციური რეაქციების საშუალებით, ამ დიდი მომენტის ერთიანი მნიშვნელობის ჩვენება. სულიერი აჯანყების მომენტში 12 მოციქული, 12 განსხვავებული პერსონაჟი სხვადასხვაგვარად იჩენს თავს. მოძრაობაში გამოხატული მათი ემოციური რეაქციების საშუალებით ვლინდება ადამიანის მარადიული კითხვები: სიყვარულისა და სიძულვილის, ერთგულებისა და ღალატის, კეთილშობილებისა და ბოროტების შესახებ.

მსოფლიოში ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი ნახატი იყო ლეონარდოს ნამუშევარი "La Gioconda". ვაჭარი დელ ჯოკონდოს მეუღლის ეს პორტრეტი საუკუნეების განმავლობაში იპყრობდა ყურადღებას, მასზე ასობით გვერდი იყო დაწერილი კომენტარი, ის გაიტაცეს, გააყალბეს, დააკოპირეს, მას ჯადოქრობის ძალა მიაწერეს. მონა ლიზას სახის გამომეტყველება ეწინააღმდეგება ზუსტ აღწერას და რეპროდუქციას. ეს პორტრეტი რენესანსის ხელოვნების შედევრად იქცა.

პირველად მსოფლიო ხელოვნების ისტორიაში პორტრეტის ჟანრი იმავე დონეზე ავიდა, როგორც რელიგიურ თემაზე შექმნილი კომპოზიციები.

რენესანსის მონუმენტური ხელოვნების იდეებმა ნათელი გამოხატულება ჰპოვა რაფაელ სანტის (1483-1520) შემოქმედებაში. ლეონარდომ შექმნა კლასიკური სტილი, რაფაელმა დაამტკიცა და პოპულარიზაცია მოახდინა. რაფაელის ხელოვნება ხშირად განისაზღვრება, როგორც "ოქროს შუალედი".

რაფაელის შემოქმედება გამოირჩევა კლასიკის თვისებებით - სიცხადით, კეთილშობილური უბრალოებით, ჰარმონიით. მთელი თავისი არსით იგი დაკავშირებულია რენესანსის სულიერ კულტურასთან. ის ლეონარდოზე 30 წლით უმცროსი იყო და თითქმის მასთან ერთად გარდაიცვალა, იმდენი რამ გააკეთა ხელოვნების ისტორიაში, რომ ძნელი წარმოსადგენია, რომ ერთ ადამიანს შეეძლო ეს ყველაფერი. მრავალმხრივი მხატვარი, არქიტექტორი, ფრესკა, პორტრეტისა და მრავალფიგურიანი კომპოზიციის ოსტატი, ნიჭიერი დეკორატორი, ის იყო ცენტრალური ფიგურა რომის მხატვრულ ცხოვრებაში. მისი ოსტატობის მწვერვალი იყო "სიქსტე მადონა", რომელიც დაიწერა 1516 წელს პიაჩენცაში ბენედიქტინების მონასტრისთვის (ახლა სურათი დრეზდენშია). ბევრისთვის ეს არის ყველაზე ლამაზი საზომი, რაც ხელოვნებას შეუძლია შექმნას.

ეს საკურთხევლის კომპოზიცია საუკუნეების მანძილზე აღიქმებოდა, როგორც სილამაზისა და ჰარმონიის ფორმულა. ტრაგიკული განცდა მომდინარეობს მადონას და ჩვილი ღმერთის საოცრად სულიერებული სახეებიდან, რომელსაც ის აძლევს ადამიანური ცოდვების გამოსყიდვას. მადონას მზერა მიმართულია, თითქოსდა, მაყურებლის მეშვეობით სავსეა სამწუხარო შორსმჭვრეტელობით. ეს სურათი განასახიერებს სილამაზის უძველესი იდეალის სინთეზს ქრისტიანული იდეალის სულიერებასთან.

რაფაელის ხელოვნების ისტორიული დამსახურებაა ის, რომ მან ორი სამყარო ერთ მთლიანობაში დააკავშირა – ქრისტიანული სამყარო და წარმართული სამყარო. მას შემდეგ ახალი მხატვრული იდეალი მტკიცედ დამკვიდრდა დასავლეთ ევროპის რელიგიურ ხელოვნებაში.

რენესანსის ქანდაკება

რაფაელის ნათელი გენიოსი შორს იყო ადამიანის შინაგან სამყაროში ფსიქოლოგიური სიღრმისგან, ლეონარდოს მსგავსად, მაგრამ კიდევ უფრო უცხო იყო მიქელანჯელოს ტრაგიკული მსოფლმხედველობისთვის. მიქელანჯელო ბუონაროტიმ (1475-1564) გრძელი, რთული და გმირული ცხოვრებით იცხოვრა. მისი გენიალურობა გამოიხატა არქიტექტურაში, ფერწერაში, პოეზიაში, მაგრამ ყველაზე ნათლად ქანდაკებაში. სამყაროს პლასტიკურად აღიქვამდა, ხელოვნების ყველა სფეროში უპირველესად მოქანდაკეა. ადამიანის სხეული მას გამოსახულების ყველაზე ღირსეულ საგანად ეჩვენება. მაგრამ ეს არის განსაკუთრებული, ძლიერი, გმირული ჯიშის ადამიანი. მიქელანჯელოს ხელოვნება ეძღვნება ადამიანთა მებრძოლის განდიდებას, მის გმირულ მოღვაწეობას და ტანჯვას. მის ხელოვნებას ახასიათებს გიგანტომანია, ტიტანური დასაწყისი. ეს არის მოედნების, საზოგადოებრივი შენობების ხელოვნება და არა სასახლის დარბაზები, ხელოვნება ხალხისთვის და არა სასამართლო არისტოკრატებისთვის.

მე-15 საუკუნე იტალიაში მონუმენტური ქანდაკების აყვავების დღეა. იგი ტოვებს ინტერიერებს ეკლესიებისა და სამოქალაქო შენობების ფასადებზე, ქალაქის მოედანზე, ხდება ქალაქის ანსამბლის ნაწილი.

მიქელანჯელოს ერთ-ერთი ყველაზე ადრეული და ცნობილი ნამუშევარი არის დავითის ხუთმეტრიანი ქანდაკება ფლორენციის მოედანზე, რომელიც სიმბოლოა ახალგაზრდა დავითის გამარჯვება გიგანტ გოლიათზე. ძეგლის გახსნა ეროვნულ დღესასწაულად გადაიქცა, რადგან ფლორენციელებმა დავითში დაინახეს ახლობელი გმირი, რესპუბლიკის მოქალაქე და დამცველი.

რენესანსის მოქანდაკეები მიმართეს არა მხოლოდ ტრადიციულ ქრისტიანულ გამოსახულებებს, არამედ ცოცხალ ადამიანებს, თანამედროვეებს. ნამდვილი თანამედროვეს იმიჯის გაგრძელების ამ სურვილს უკავშირდება სკულპტურული პორტრეტის, საფლავის ქვის, პორტრეტის მედლის, საცხენოსნო ქანდაკების ჟანრის განვითარება. ეს ქანდაკებები ამშვენებდა ქალაქების მოედნებს, ცვლიდნენ მათ გარეგნობას.

რენესანსის ქანდაკება უბრუნდება პლასტიკური ხელოვნების უძველეს ტრადიციებს. უძველესი ქანდაკების ძეგლები ხდება შესწავლის ობიექტი, პლასტიკური ენის მაგალითი. ქანდაკება, მხატვრობამდე, შორდება შუა საუკუნეების კანონებს და ადგას განვითარების ახალ გზას. ალბათ ეს გამოწვეულია იმ ადგილით, რომელიც მან დაიკავა შუა საუკუნეების ტაძრებში. დიდი ტაძრების მშენებლობის დროს შეიქმნა სახელოსნოები, რომლებიც ავარჯიშებდნენ მოქანდაკე-დეკორატორებს, რომლებიც აქ კარგად იყვნენ მომზადებულნი. მოქანდაკეების სახელოსნოები წარმოადგენდნენ მხატვრული ცხოვრების წამყვან ცენტრებს და მნიშვნელოვან როლს ასრულებდნენ ანტიკურობისა და ადამიანის სხეულის ანატომიის შესწავლაში. ადრეული რენესანსის ქანდაკების მიღწევებმა დიდი გავლენა მოახდინა მხატვრებზე, რომლებიც ცოცხალ ადამიანს პლასტიურობის პრიზმაში აღიქვამდნენ. რენესანსის მოქანდაკეები აღწევენ ადამიანის სხეულის სრულ მნიშვნელობას, ისინი ათავისუფლებენ მას ტანსაცმლის მასის ქვეშ, რომელშიც ფიგურებს მალავდა შუა საუკუნეების გოთიკა. გზა, რომელიც ჰელასმა გაიარა სამ საუკუნეში, დაასრულა რენესანსის ოსტატთა სამი თაობა.

ევროპის ხალხები ცდილობდნენ აღედგინათ გაუთავებელი ომების გამო დაკარგული საგანძური და ტრადიციები. ომებმა ადამიანები დედამიწის პირისაგან წაართვეს და დიდებული ნივთები, რაც ადამიანებმა შექმნეს. ძველი სამყაროს მაღალი ცივილიზაციის აღორძინების იდეამ წარმოშვა ფილოსოფია, ლიტერატურა, მუსიკა, საბუნებისმეტყველო მეცნიერებების აღზევება და, უპირველეს ყოვლისა, ხელოვნების აყვავება. ეპოქა მოითხოვდა ძლიერ, განათლებულ ადამიანებს, რომლებსაც არავითარი საქმის არ ეშინოდათ. სწორედ მათ შორის გახდა შესაძლებელი იმ რამდენიმე გენიოსის გაჩენა, რომლებსაც „რენესანსის ტიტანებს“ უწოდებენ. მათ, ვისაც მხოლოდ სახელით ვუწოდებთ.

რენესანსი ძირითადად იტალიური იყო. ამიტომ გასაკვირი არ არის, რომ სწორედ იტალიაში მიაღწია ხელოვნებამ ამ პერიოდში უმაღლეს აღმავლობასა და აყვავებას. აქ არის ათობით სახელი ტიტანების, გენიოსების, დიდი და უბრალოდ ნიჭიერი მხატვრების.

მუსიკა ლეონარდო.

რა იღბლიანი კაცია! ბევრი იტყვის მის შესახებ. იშვიათი სიჯანსაღით იყო დაჯილდოებული, სიმპათიური, მაღალი, ცისფერთვალება. ახალგაზრდობაში ეცვა ქერა კულულები, ამაყი აღნაგობით, რომელიც დონატელას წმინდა გიორგის მოგვაგონებდა. მას გააჩნდა გაუგონარი და გაბედული ძალა, მამაკაცური ოსტატობა. შესანიშნავად მღეროდა, მაყურებლის წინაშე აწყობდა მელოდიებს და ლექსებს. ნებისმიერ მუსიკალურ ინსტრუმენტზე უკრავდა, მეტიც, თავად ქმნიდა მათ.

ლეონარდო და ვინჩის ხელოვნებისთვის თანამედროვეებმა და შთამომავლებმა ვერსად იპოვნეს სხვა განმარტებები, გარდა "ბრწყინვალე", "ღვთაებრივი", "დიდი". იგივე სიტყვები ეხება მის სამეცნიერო გამოცხადებებს: მან გამოიგონა ტანკი, ექსკავატორი, ვერტმფრენი, წყალქვეშა ნავი, პარაშუტი, ავტომატური იარაღი, მყვინთავის ჩაფხუტი, ლიფტი, გადაჭრა აკუსტიკის, ბოტანიკის, მედიცინის, კოსმოგრაფიის ურთულესი პრობლემები. , შექმნა პროექტი მრგვალი თეატრისთვის, მოიფიქრა გალილეოზე ერთი საუკუნით ადრე, საათის ქანქარა, დახატა მიმდინარე წყლის თხილამურები, შეიმუშავა მექანიკის თეორია.

რა იღბლიანი კაცია! - ბევრი იტყვის მასზე და დაიწყებს მისი საყვარელი მთავრებისა და მეფეების გახსენებას, რომლებიც ეძებდნენ მასთან ნაცნობებს, სპექტაკლებს და დღესასწაულებს, რომლებიც მან გამოიგონა, როგორც მხატვარი, დრამატურგი, მსახიობი, არქიტექტორი და ბავშვივით მხიარულობდა მათთან.

თუმცა, ბედნიერი იყო დაუღალავი ღვიძლი ლეონარდო, რომლის ყოველი დღე ადამიანებსა და სამყაროს აძლევდა განზრახვას და გამჭრიახობას? მან იწინასწარმეტყველა თავისი შემოქმედების საშინელი ბედი: „უკანასკნელი ვახშმის“ განადგურება, ფრანჩესკა სფორცას ძეგლის დახვრეტა, დაბალი ვაჭრობა და მისი დღიურების, სამუშაო წიგნების ბოროტი ქურდობა. მთლიანობაში დღემდე შემორჩენილია მხოლოდ თექვსმეტი ნახატი. რამდენიმე ქანდაკება. მაგრამ ბევრი ნახატი, დაშიფრული ნახატი: თანამედროვე სამეცნიერო ფანტასტიკის გმირების მსგავსად, მან შეცვალა დეტალები თავის დიზაინში, თითქოს ისე, რომ სხვამ ვერ გამოიყენოს იგი.

ლეონარდო და ვინჩი ხელოვნების სხვადასხვა ტიპსა და ჟანრში მუშაობდა, მაგრამ მხატვრობამ მას უდიდესი პოპულარობა მოუტანა.

ლეონარდოს ერთ-ერთი ადრეული ნახატია მადონა ყვავილით ან ბენუა მადონა. უკვე აქ მხატვარი ნამდვილ ნოვატორად გვევლინება. ის გადალახავს ტრადიციული სიუჟეტის საზღვრებს და გამოსახულებას ანიჭებს უფრო ფართო, უნივერსალურ მნიშვნელობას, რაც არის დედობრივი სიხარული და სიყვარული. ამ ნაწარმოებში აშკარად გამოიკვეთა მხატვრის ხელოვნების მრავალი მახასიათებელი: ფიგურების მკაფიო კომპოზიცია და ფორმების მოცულობა, ლაკონურობისა და განზოგადების სურვილი და ფსიქოლოგიური ექსპრესიულობა.

დაწყებული თემის გაგრძელება იყო ნახატი „მადონა ლიტა“, სადაც ნათლად გამოიკვეთა მხატვრის შემოქმედების კიდევ ერთი თავისებურება - თამაში კონტრასტებზე. თემა დასრულდა ნახატით "მადონა გროტოში", რომელიც აღნიშნავს იდეალურ კომპოზიციურ გადაწყვეტას, რომლის წყალობითაც გამოსახული მადონას, ქრისტესა და ანგელოზების გამოსახული ფიგურები ერწყმის ლანდშაფტს მშვიდი წონასწორობითა და ჰარმონიით დაჯილდოებულ ერთ მთლიანობაში.

ლეონარდოს შემოქმედების ერთ-ერთი მწვერვალია ბოლო ვახშმის ფრესკა სანტა მარია დელა გრაციეს მონასტრის სატრაპეზოში. ეს ნამუშევარი შთაბეჭდილებას ახდენს არა მხოლოდ მისი საერთო კომპოზიციით, არამედ მისი სიზუსტითაც. ლეონარდო არა მხოლოდ გადმოსცემს მოციქულთა ფსიქოლოგიურ მდგომარეობას, არამედ აკეთებს იმ მომენტში, როდესაც ის კრიტიკულ წერტილს აღწევს, გადადის ფსიქოლოგიურ აფეთქებასა და კონფლიქტში. ეს აფეთქება გამოწვეულია ქრისტეს სიტყვით: „ერთი თქვენგანი გამცემს მე“. ამ ნამუშევარში ლეონარდომ სრულად გამოიყენა ფიგურების კონკრეტული შეჯვარების მეთოდი, რომლის წყალობითაც თითოეული პერსონაჟი ჩნდება როგორც უნიკალური ინდივიდუალობა და პიროვნება.

ლეონარდის შემოქმედების მეორე მწვერვალი იყო მონა ლიზას ცნობილი პორტრეტი, ანუ „ლა ჯოკონდა“. ამ ნამუშევარმა საფუძველი ჩაუყარა ევროპულ ხელოვნებაში ფსიქოლოგიური პორტრეტის ჟანრს. მისი შექმნისას დიდმა ოსტატმა ბრწყინვალედ გამოიყენა მხატვრული გამოხატვის საშუალებების მთელი არსენალი: მკვეთრი კონტრასტები და რბილი ტონები, გაყინული უძრაობა და ზოგადი სითხე და ცვალებადობა, ყველაზე დახვეწილი ფსიქოლოგიური ნიუანსი და გადასვლები. ლეონარდოს მთელი გენიოსი მდგომარეობს მონა ლიზას საოცრად ცოცხალ გამოხედვაში, მის იდუმალ და იდუმალ ღიმილში, მისტიურ ნისლში, რომელიც ფარავს პეიზაჟს. ეს ნამუშევარი ხელოვნების ერთ-ერთი უიშვიათესი შედევრია.

ყველას, ვინც ნახა მოსკოვის ლუვრიდან ჩამოტანილი ჯოკონდა, ახსოვს მათი სრული სიყრუის წუთები ამ პატარა ტილოს მახლობლად, საკუთარ თავში ყოველივე საუკეთესოს დაძაბულობა. ჯოკონდა თითქოს "მარსიელი" იყო, უცნობის წარმომადგენელი - ეს უნდა იყოს მომავალი, და არა წარსული ადამიანთა ტომის, ჰარმონიის განსახიერება, რომლის ოცნებაც სამყაროს არ ეცალა და არც არასოდეს დაიღლება. .

მის შესახებ კიდევ ბევრია სათქმელი. მიკვირს, რომ ეს არ არის ფიქცია ან ფანტაზია. აი, მაგალითად, შეგვიძლია გავიხსენოთ, როგორ შესთავაზა მან სან-ჯოვანის ტაძრის გადატანა - ასეთი ნამუშევარი გვაოცებს ჩვენ, მეოცე საუკუნის მცხოვრებლებს.

ლეონარდომ თქვა: „კარგ მხატვარს ორი მთავარი რამის დახატვა უნდა შეეძლოს: პიროვნება და მისი სულის წარმოდგენა. თუ პეტერბურგის ერმიტაჟის „კოლუმბინზე“ არის ნათქვამი? ზოგიერთი მკვლევარი მას და არა ლუვრის ტილოს "ლა ჯოკონდას" უწოდებს.

ბიჭი ნარდო, ასე ერქვა ვინჩიში: ნოტარიუსის კლერკის უკანონო შვილი, რომელიც ფრინველებსა და ცხენებს დედამიწის საუკეთესო არსებებად თვლიდა. ყველასათვის საყვარელი და მარტოსული, ფოლადის ხმლებს ღუნავს და ჩამოკიდებულ კაცებს ხატავს. გამოიგონა ხიდი ბოსფორზე და იდეალური ქალაქი, უფრო ლამაზი ვიდრე კორბუზიე და ნიმეიერი. ნაზი ბარიტონის ხმით მღეროდა და მონა ლიზას ღიმილს ანიჭებდა. ერთ-ერთ ბოლო ბლოკნოტში ეს იღბლიანი კაცი წერდა: „მეჩვენებოდა, რომ ცხოვრებას ვსწავლობდი, მაგრამ ვსწავლობდი სიკვდილს“. თუმცა, მან შემდეგ შეაჯამა: "კარგად გატარებული ცხოვრება გრძელი სიცოცხლეა".

შესაძლებელია თუ არა არ დაეთანხმო ლეონარდოს?

სანდრო ბოტიჩელი.

სანდრო ბოტიჩელი დაიბადა ფლორენციაში 1445 წელს, ტყავის მთრიმლავის ოჯახში.

ბოტიჩელის პირველ ორიგინალურ ნაწარმოებად მიჩნეულია მოგვების თაყვანისცემა (დაახლოებით 1740 წ.), სადაც მისი ორიგინალური მანერის, მეოცნებეობისა და დახვეწილი პოეზიის მთავარი თვისება უკვე სრულად აისახა. დაჯილდოვებული იყო პოეზიის თანდაყოლილი გრძნობით, მაგრამ ჩაფიქრებული სევდის აშკარა შეხება მასში სიტყვასიტყვით ყველაფერში ანათებდა. წმიდა სებასტიანიც კი, თავისი მტანჯველების ისრებით გატანჯული, გააზრებულად და განცალკევებით უყურებს მას.

1470-იანი წლების ბოლოს ბოტიჩელი დაუახლოვდა ფლორენციის ნამდვილი მმართველის, ლორენცო მედიჩის, მეტსახელად დიდებულის წრეს. ლორენცოს მდიდრულ ბაღებში შეიკრიბა ხალხის საზოგადოება, ალბათ ყველაზე განმანათლებლები და ნიჭიერი ფლორენციაში. იყვნენ ფილოსოფოსები, პოეტები, მუსიკოსები. მშვენიერებით აღტაცების ატმოსფერო სუფევდა და ფასდებოდა არა მარტო ხელოვნების, არამედ ცხოვრების მშვენიერებაც. ანტიკურობა, აღქმული, თუმცა, გვიანდელი ფილოსოფიური ფენების პრიზმაში, ითვლებოდა იდეალური ხელოვნებისა და იდეალური ცხოვრების პროტოტიპად. ეჭვგარეშეა, ამ ატმოსფეროს გავლენით შეიქმნა ბოტიჩელის პირველი დიდი ნახატი "პრიმავერა (გაზაფხული)". ეს არის მარადიული ციკლის, ბუნების მუდმივი განახლების საოცნებო, დახვეწილი, საოცრად ლამაზი ალეგორია. მასში გაჟღენთილია ყველაზე რთული და ახირებული მუსიკალური რიტმი. ყვავილებით მორთული ფლორის ფიგურა, ედემის ბაღში მოცეკვავე მადლი, იყო იმ მშვენიერების გამოსახულებები, რომლებიც იმ დროისთვის ჯერ არ იყო ნანახი და, შესაბამისად, განსაკუთრებული შთაბეჭდილება მოახდინა. ახალგაზრდა ბოტიჩელმა მაშინვე დაიკავა თვალსაჩინო ადგილი თავისი დროის ოსტატებს შორის.

სწორედ ახალგაზრდა მხატვრის მაღალმა რეპუტაციამ უზრუნველყო მას ბიბლიური ფრესკების შეკვეთა ვატიკანის სიქსტინის კაპელასთვის, რომელიც მან შექმნა რომში 1480-იანი წლების დასაწყისში. მან დახატა „სცენები მოსეს ცხოვრებიდან“, „კორას, დათანისა და ავირონის სასჯელი“, აჩვენა საოცარი კომპოზიციური ოსტატობა. უძველესი ნაგებობების კლასიკური სიმშვიდე, რომლის წინააღმდეგაც ბოტიჩელმა ახსნა მოქმედება, მკვეთრად ეწინააღმდეგება გამოსახული პერსონაჟებისა და ვნებების დრამატულ რიტმს; ადამიანის სხეულების მოძრაობა რთული, რთული, ფეთქებადი ძალით გაჯერებულია; დროისა და ადამიანის ნების სწრაფი შემოტევის წინ ჩნდება ჰარმონიის რყევის, ხილული სამყაროს დაუცველობის შთაბეჭდილება. სიქსტის კაპელის ფრესკებმა პირველად გამოხატა ღრმა შფოთვა, რომელიც ცხოვრობდა ბოტიჩელის სულში, რომელიც დროთა განმავლობაში ძლიერდებოდა. ბოტიჩელის, როგორც პორტრეტის მხატვრის საოცარი ნიჭი აისახა ამ ფრესკებში: მრავალი დახატული სახეებიდან თითოეული სრულიად ორიგინალური, უნიკალური და დაუვიწყარია...

1480-იან წლებში, ფლორენციაში დაბრუნებისას, ბოტიჩელი დაუღალავად განაგრძობდა მუშაობას, მაგრამ "მაგალითების" მშვიდი სიცხადე უკვე შორს იყო. ათწლეულის შუა პერიოდში მან დაწერა თავისი ცნობილი ვენერას დაბადება. მკვლევარები ოსტატის გვიანდელ ნაშრომებში აღნიშნავენ მორალიზმს, რელიგიურ ამაღლებას, რომელიც ადრე მისთვის უჩვეულო იყო.

შესაძლოა, გვიანდელ ფერწერაზე უფრო მნიშვნელოვანი, ბოტიჩელის 90-იანი წლების ნახატები დანტეს ღვთაებრივი კომედიის ილუსტრაციებია. აშკარა და დაუფარავი სიამოვნებით ხატავდა; დიდი პოეტის ხედვები სიყვარულით და გულდასმით არის გადმოცემული მრავალრიცხოვანი ფიგურების პროპორციების სრულყოფილებით, სივრცის გააზრებული ორგანიზებით, ამოუწურავი მარაგით პოეტური სიტყვის ვიზუალური ეკვივალენტების ძიებაში...

მიუხედავად ნებისმიერი ფსიქიკური ქარიშხლისა და კრიზისისა, ბოტიჩელი ბოლომდე (გარდაიცვალა 1510 წელს) დარჩა დიდ მხატვრად, თავისი ხელოვნების ოსტატად. ამას ნათლად მოწმობს სახის კეთილშობილური მოდელირება „ახალგაზრდა კაცის პორტრეტში“, მოდელის ექსპრესიული დახასიათება, რომელიც ეჭვს არ ტოვებს მის მაღალ ადამიანურ ღირსებებში, ოსტატის მტკიცე ნახატში და მის კეთილგანწყობილ გამომეტყველებაში.

სურათების დათვალიერებისას რენესანსი, არ შეიძლება აღფრთოვანებული არ იყოს ხაზების სიცხადით, ფერების შესანიშნავი პალიტრით და, რაც მთავარია, გადაცემული სურათების წარმოუდგენელი რეალიზმით. თანამედროვე მეცნიერები დიდი ხნის განმავლობაში ფიქრობდნენ, თუ როგორ ახერხებდნენ იმ დროის ოსტატებმა ასეთი შედევრების შექმნა, რადგან არ არსებობს წერილობითი მტკიცებულება შესრულების ტექნიკის სირთულეებისა და საიდუმლოებების შესახებ. ინგლისელი მხატვარი და ფოტოგრაფი დევიდ ჰოკნი ირწმუნება, რომ მან აღმოაჩინა რენესანსის ეპოქის მხატვრების საიდუმლო, რომლებმაც იცოდნენ „ცოცხალი“ სურათების დახატვა.

თუ შევადარებთ მხატვრობის ისტორიის სხვადასხვა პერიოდს, ცხადი ხდება, რომ რენესანსის დროს (მე-14-15 საუკუნეების მიჯნა) ნახატები „მოულოდნელად“ ბევრად უფრო რეალისტური გახდა, ვიდრე ადრე. მათი შემხედვარე ჩანს, რომ გმირები კვნესას აპირებენ და მზის სხივები დაუკრავს ობიექტებს.

ჩნდება კითხვა: მოულოდნელად ისწავლეს რენესანსის მხატვრებმა უკეთესი ხატვა და ნახატები უფრო მოცულობითი გახდა? ამ კითხვაზე პასუხის გაცემას ცნობილი მხატვარი, გრაფიკოსი და ფოტოგრაფი დევიდ ჰოკნი ცდილობდა ( დევიდ ჰოკნი).

ამ კვლევაში მას დაეხმარა იან ვან ეიკის ნახატი "არნოლფინების პორტრეტი". ტილოზე შეგიძლიათ იპოვოთ ბევრი კურიოზული დეტალი, მაგრამ ის დაწერილია 1434 წელს. განსაკუთრებულ ყურადღებას იქცევს სარკე კედელზე და სასანთლე ჭერის ქვეშ, რომელიც საოცრად რეალისტურად გამოიყურება. დევიდ ჰოკნიმ მოახერხა მსგავსი სანთლის მიღება და მისი დახატვა სცადა. მხატვრის გასაკვირად, საკმაოდ რთული აღმოჩნდა ამ ობიექტის პერსპექტივაში გამოსახვა და სინათლის ელვარებაც კი ისე უნდა იყოს გადმოცემული, რომ ცხადი იყოს, რომ ეს ლითონის ბრწყინვალებაა. სხვათა შორის, რენესანსამდე არავინ იღებდა მბზინავი გამოსახულებას ლითონის ზედაპირზე.

როდესაც სასანთლეს 3D მოდელი ხელახლა შეიქმნა, ჰოკნიმ დარწმუნდა, რომ ვან ეიკის ნახატმა იგი პერსპექტიულად აჩვენა ერთი გაქრობის წერტილით. მაგრამ დაჭერა ის იყო, რომ მე-15 საუკუნეში არ იყო კამერა ობსკურა ლინზებით (ოპტიკური მოწყობილობა, რომლითაც შეგიძლიათ შექმნათ პროექცია).

დევიდ ჰოკნი საგონებელში ჩავარდა იმაზე, თუ როგორ მოახერხა ვან ეიკმა ასეთი რეალიზმის მიღწევა თავის ტილოებში. მაგრამ ერთ დღეს მან ყურადღება მიიპყრო სურათზე სარკის გამოსახულებაზე. ამოზნექილი იყო. აღსანიშნავია, რომ იმ დღეებში სარკეები ჩაზნექილი იყო, რადგან ოსტატებმა ჯერ კიდევ ვერ შეძლეს თუნუქის საფარის „წებება“ შუშის ბრტყელ ზედაპირზე. მე-15 საუკუნეში სარკის მისაღებად გამდნარ თუნუქს ასხამდნენ შუშის კოლბაში, შემდეგ კი ზემოდან ჭრიდნენ და ტოვებდნენ ჩაზნექილ მბზინავ ფსკერს. დევიდ ჰოკნიმ გააცნობიერა, რომ ვან ეიკმა გამოიყენა ჩაზნექილი სარკე, რომლითაც ის გამოიყურებოდა, რათა საგნები მაქსიმალურად რეალისტურად დაეხატა.

1500-იან წლებში ხელოსნებმა ისწავლეს დიდი ხარისხის ლინზების დამზადება. ისინი ჩასვეს კამერის ობსკურაში, რამაც შესაძლებელი გახადა ნებისმიერი ზომის პროექციის მიღება. ეს იყო ნამდვილი რევოლუცია რეალისტური სურათების ტექნიკაში. უბრალოდ, სურათებზე გამოსახული ადამიანების უმეტესობა მემარცხენე გახდა. საქმე იმაშია, რომ კამერის ობსკურას გამოყენებისას ლინზის პირდაპირი პროექცია ასახულია. პიტერ გერიც ვან როესტრატენის ნახატში "სიყვარულის დეკლარაცია (მოძალადე მზარეული)", რომელიც დაიწერა დაახლოებით 1665-1670 წლებში, ყველა პერსონაჟი მემარცხენეა. კაცსა და ქალს მარცხენა ხელში ჭიქა და ბოთლი უჭირავთ, ფონზე მოხუციც მათ მარცხენა თითს აქნევს. მაიმუნიც კი იყენებს მარცხენა თათს ქალის კაბის ქვეშ შესახედაად.

სწორი, პროპორციული გამოსახულების მისაღებად, საჭირო იყო სარკის ზუსტად დაყენება, რომელზეც ობიექტივი იყო მიმართული. მაგრამ ყველა მხატვარმა ვერ შეძლო ამის გაკეთება სრულყოფილად, შემდეგ კი რამდენიმე მაღალი ხარისხის სარკე იყო. ამის გამო, ზოგიერთ ნახატში ხედავთ, თუ როგორ არ იყო დაცული პროპორციები: პატარა თავები, დიდი მხრები ან ფეხები.

მხატვრების მიერ ოპტიკური მოწყობილობების გამოყენება არანაირად არ აკნინებს მათ ნიჭს. რენესანსის ნახატების მიღწეული რეალიზმის წყალობით, თანამედროვე მაცხოვრებლებმა ახლა იციან, როგორ გამოიყურებოდა იმდროინდელი ხალხი და საყოფაცხოვრებო ნივთები.

შუა საუკუნეების მხატვრები ცდილობდნენ არა მარტო რეალიზმის მიღწევას თავიანთ ნახატებში, არამედ მათში სპეციალური სიმბოლოების დაშიფვრას. ასე რომ, ტიციანის შესანიშნავი შედევრი

რენესანსი ფენომენალური მოვლენაა კაცობრიობის ისტორიაში. არასოდეს ყოფილა ასეთი ბრწყინვალე შუქი ხელოვნების სფეროში. რენესანსის მოქანდაკეებმა, არქიტექტორებმა და მხატვრებმა (სია გრძელია, მაგრამ ჩვენ შევეხებით ყველაზე ცნობილს), რომელთა სახელები ყველასთვის ცნობილია, მსოფლიოს ფასდაუდებელი მიანიჭეს. გამორჩეულმა და გამორჩეულმა ადამიანებმა თავი გამოიჩინეს არა ერთ სფეროში, არამედ რამდენიმე სფეროში. ერთდროულად.

ადრეული რენესანსის მხატვრობა

რენესანსს აქვს შედარებითი დროის ჩარჩო. იგი პირველად იტალიაში დაიწყო - 1420-1500 წლებში. ამ დროს მხატვრობა და ზოგადად მთელი ხელოვნება დიდად არ განსხვავდება ახლო წარსულისგან. თუმცა, კლასიკური ანტიკურობიდან ნასესხები ელემენტები პირველად ჩნდება. და მხოლოდ მომდევნო წლებში, რენესანსის მოქანდაკეები, არქიტექტორები და მხატვრები (რომელთა სია ძალიან დიდია), თანამედროვე ცხოვრების პირობებისა და პროგრესული ტენდენციების გავლენის ქვეშ, საბოლოოდ მიატოვებენ შუა საუკუნეების საფუძვლებს. ისინი თამამად იღებენ ანტიკური ხელოვნების საუკეთესო ნიმუშებს თავიანთი ნამუშევრებისთვის, როგორც ზოგადად, ისე ცალკეულ დეტალებში. მათი სახელები ბევრისთვის ცნობილია, მოდით ყურადღება გავამახვილოთ ყველაზე ნათელ პიროვნებებზე.

მასაჩიო - ევროპული მხატვრობის გენიოსი

სწორედ მან შეიტანა უდიდესი წვლილი ფერწერის განვითარებაში, გახდა დიდი რეფორმატორი. ფლორენციელი ოსტატი დაიბადა 1401 წელს ხელოვანთა ოჯახში, ამიტომ გემოვნების გრძნობა და შემოქმედების სურვილი მის სისხლში იყო. 16-17 წლის ასაკში გადავიდა ფლორენციაში, სადაც მუშაობდა სახელოსნოებში. მის მასწავლებლებად ითვლებიან დონატელო და ბრუნელესკი, დიდი მოქანდაკეები და არქიტექტორები. მათთან ურთიერთობა და შეძენილი უნარები არ იმოქმედა ახალგაზრდა მხატვარზე. პირველიდან მასაჩომ ისესხა ქანდაკებისთვის დამახასიათებელი ადამიანის პიროვნების ახალი გაგება. მეორე ოსტატთან - საფუძველი მკვლევარები თვლიან სან ჯოვენალეს ტრიპტიქს (პირველ ფოტოზე) პირველ სანდო ნამუშევრად, რომელიც აღმოაჩინეს პატარა ეკლესიაში, ქალაქთან ახლოს, რომელშიც მასაჩიო დაიბადა. მთავარი ნამუშევარია წმინდა პეტრეს ცხოვრების ისტორიისადმი მიძღვნილი ფრესკები. მხატვარი მონაწილეობდა ექვსი მათგანის შექმნაში, ესენია: "სასწაული სტატერით", "სამოთხიდან განდევნა", "ნეოფიტების ნათლობა", "ქონების განაწილება და ანანიას სიკვდილი", "აღდგომა". თეოფილეს ძისა“, „წმინდა პეტრე თავისი ჩრდილით კურნავს ავადმყოფებს“ და „წმინდა პეტრე ამბიონზე“.

რენესანსის იტალიელი მხატვრები არიან ადამიანები, რომლებმაც თავი მთლიანად მიუძღვნეს ხელოვნებას, ყურადღებას არ აქცევდნენ ჩვეულებრივ ყოველდღიურ პრობლემებს, რაც ზოგჯერ მათ ღარიბ არსებობამდე მიჰყავდა. გამონაკლისი არც მასაჩიოა: ბრწყინვალე ოსტატი გარდაიცვალა ძალიან ადრე, 27-28 წლის ასაკში, დატოვა დიდი სამუშაოები და დიდი რაოდენობით ვალები.

ანდრეა მანტენია (1431-1506)

ეს არის პადუას მხატვართა სკოლის წარმომადგენელი. მან მიიღო უნარების საფუძვლები მშვილებლისგან. სტილი ჩამოყალიბდა მასაჩიოს, ანდრეა დელ კასტანიოს, დონატელოსა და ვენეციური ფერწერის ნამუშევრების გავლენით. ამან განსაზღვრა ანდრეა მანტენიას გარკვეულწილად მკაცრი და მკაცრი მანერა ფლორენციელებთან შედარებით. ის იყო ანტიკური პერიოდის კულტურული ნაწარმოებების შემგროვებელი და მცოდნე. თავისი სტილის წყალობით, სხვებისგან განსხვავებით, ცნობილი გახდა, როგორც ნოვატორი. მისი ყველაზე ცნობილი ნამუშევრებია: „მკვდარი ქრისტე“, „კეისრის ტრიუმფი“, „იუდიტი“, „ზღვის ღმერთების ბრძოლა“, „პარნასი“ (სურათზე) და ა.შ. 1460 წლიდან სიკვდილამდე მუშაობდა სასამართლოს მხატვრად გონზაგას ჰერცოგების ოჯახში.

სანდრო ბოტიჩელი (1445-1510)

ბოტიჩელი ფსევდონიმია, ნამდვილი სახელია ფილიპეპი. მან მაშინვე არ აირჩია მხატვრის გზა, მაგრამ თავდაპირველად სწავლობდა სამკაულების დამზადებას. პირველ დამოუკიდებელ ნაწარმოებებში (რამდენიმე მადონა) იგრძნობა მასაჩიოსა და ლიპის გავლენა. მომავალში მან ასევე განადიდა თავი, როგორც პორტრეტის მხატვარი, შეკვეთების უმეტესი ნაწილი ფლორენციიდან მოდიოდა. მისი ნამუშევრის დახვეწილი და დახვეწილი ბუნება სტილიზაციის ელემენტებით (გამოსახულებების განზოგადება ჩვეულებრივი ტექნიკის გამოყენებით - ფორმის სიმარტივე, ფერი, მოცულობა) განასხვავებს მას იმ დროის სხვა ოსტატებისგან. ლეონარდო და ვინჩისა და ახალგაზრდა მიქელანჯელოს თანამედროვემ დატოვა ნათელი კვალი მსოფლიო ხელოვნებაში ("ვენერას დაბადება" (ფოტო), "გაზაფხული", "მოძღვრების თაყვანისცემა", "ვენერა და მარსი", "შობა" და ა. .). მისი ნახატი გულწრფელი და მგრძნობიარეა, ცხოვრების გზა კი რთული და ტრაგიკულია. სამყაროს რომანტიული აღქმა ახალგაზრდა ასაკში შეცვალა მისტიციზმმა და რელიგიურმა ამაღლებამ სიმწიფეში. სიცოცხლის ბოლო წლები სანდრო ბოტიჩელი სიღარიბესა და დავიწყებაში ცხოვრობდა.

პიერო (პიეტრო) დელა ფრანჩესკა (1420-1492)

იტალიელი მხატვარი და ადრეული რენესანსის კიდევ ერთი წარმომადგენელი, წარმოშობით ტოსკანიიდან. ავტორის სტილი ჩამოყალიბდა ფლორენციული მხატვრობის სკოლის გავლენით. მხატვრის ნიჭის გარდა, პიერო დელა ფრანჩესკას ჰქონდა გამორჩეული შესაძლებლობები მათემატიკის სფეროში და სიცოცხლის ბოლო წლები მიუძღვნა მას, ცდილობდა დაეკავშირებინა იგი მაღალ ხელოვნებასთან. შედეგი იყო ორი სამეცნიერო ტრაქტატი: "პერსპექტივა ფერწერაში" და "ხუთი სწორი სოლიდის წიგნი". მისი სტილი გამოირჩევა გამოსახულების საზეიმოდ, ჰარმონიულობითა და კეთილშობილებით, კომპოზიციური ბალანსით, ზუსტი ხაზებითა და კონსტრუქციით, ფერთა რბილი დიაპაზონით. პიერო დელა ფრანჩესკა ფლობდა საოცარ ცოდნას ფერწერის ტექნიკური მხარისა და იმდროინდელი პერსპექტივის თავისებურებების შესახებ, რამაც მას მაღალი პრესტიჟი მოუტანა მის თანამედროვეებში. ყველაზე ცნობილი ნაწარმოებები: "შება დედოფლის ისტორია", "ქრისტეს დროშება" (სურათზე), "მონტეფელტროს საკურთხეველი" და ა.შ.

მაღალი რენესანსის მხატვრობა

თუ პროტო-რენესანსი და ადრეული ეპოქა გაგრძელდა, შესაბამისად, თითქმის საუკუნენახევარი და საუკუნე, მაშინ ეს პერიოდი მოიცავს მხოლოდ რამდენიმე ათწლეულს (იტალიაში 1500 წლიდან 1527 წლამდე). ეს იყო კაშკაშა, კაშკაშა ციმციმა, რომელმაც მსოფლიოს დიდი, მრავალმხრივი და ბრწყინვალე ადამიანების მთელი გალაქტიკა მისცა. ხელოვნების ყველა დარგი ხელიხელჩაკიდებული იყო, ამიტომ ბევრი ოსტატი ასევე არის მეცნიერი, მოქანდაკე, გამომგონებელი და არა მხოლოდ რენესანსის მხატვრები. სია გრძელია, მაგრამ რენესანსის მწვერვალი აღინიშნა ლ.და ვინჩის, მ.ბუანაროტისა და რ.სანტის შემოქმედებით.

და ვინჩის არაჩვეულებრივი გენიოსი

ალბათ ეს არის ყველაზე არაჩვეულებრივი და გამორჩეული პიროვნება მსოფლიო მხატვრული კულტურის ისტორიაში. ის იყო უნივერსალური პიროვნება ამ სიტყვის სრული მნიშვნელობით და ფლობდა ყველაზე მრავალმხრივ ცოდნას და ნიჭს. მხატვარი, მოქანდაკე, ხელოვნების თეორეტიკოსი, მათემატიკოსი, არქიტექტორი, ანატომი, ასტრონომი, ფიზიკოსი და ინჟინერი - ეს ყველაფერი მასზეა. უფრო მეტიც, თითოეულ სფეროში ლეონარდო და ვინჩიმ (1452-1519) თავი გამოიჩინა, როგორც ნოვატორი. ჯერჯერობით მისი ნახატიდან მხოლოდ 15, ისევე როგორც მრავალი ჩანახატია შემორჩენილი. უზარმაზარი სიცოცხლისუნარიანობის და ცოდნის წყურვილის მქონე, მოუთმენელი იყო, ხიბლავდა ცოდნის პროცესი. ძალიან ახალგაზრდა ასაკში (20 წლის) მიიღო კვალიფიკაცია წმინდა ლუკას გილდიის მაგისტრის წოდებით. მისი ყველაზე მნიშვნელოვანი ნამუშევრები იყო ფრესკა "უკანასკნელი ვახშამი", ნახატები "მონა ლიზა", "მადონა ბენუა" (სურათი ზემოთ), "ქალბატონი ერმინით" და ა.შ.

რენესანსის მხატვრების პორტრეტები იშვიათია. მათ ამჯობინეს თავიანთი გამოსახულებები დაეტოვებინათ ნახატებში მრავალსახიანი. ასე რომ, და ვინჩის ავტოპორტრეტის გარშემო (სურათზე), კამათი დღემდე არ ცხრება. გამოდის ვერსიები, რომ მან ეს 60 წლის ასაკში გააკეთა. ბიოგრაფის, მხატვრისა და მწერლის ვაზარის თქმით, დიდი ოსტატი იღუპებოდა ახლო მეგობრის, მეფე ფრანცის I-ის მკლავებში, თავის კლოს ლუსის ციხესიმაგრეში.

რაფაელ სანტი (1483-1520)

მხატვარი და არქიტექტორი წარმოშობით ურბინოდან. მისი სახელი ხელოვნებაში უცვლელად ასოცირდება ამაღლებული სილამაზისა და ბუნებრივი ჰარმონიის იდეასთან. საკმაოდ ხანმოკლე ცხოვრების განმავლობაში (37 წელი) მან შექმნა მრავალი მსოფლიოში ცნობილი ფერწერა, ფრესკები და პორტრეტები. ნაკვეთები, რომლებიც მან ასახავდა, ძალიან მრავალფეროვანია, მაგრამ მას ყოველთვის იზიდავდა ღვთისმშობლის გამოსახულება. აბსოლუტურად გამართლებულად რაფაელს უწოდებენ "მადონების ოსტატს", განსაკუთრებით ცნობილია ის, რაც მან რომში დახატა. ვატიკანში იგი მუშაობდა 1508 წლიდან სიცოცხლის ბოლომდე, როგორც ოფიციალური მხატვარი პაპის კარზე.

ყოვლისმომცველი ნიჭიერი, ისევე როგორც რენესანსის მრავალი სხვა დიდი მხატვარი, რაფაელი ასევე იყო არქიტექტორი და ასევე მონაწილეობდა არქეოლოგიურ გათხრებში. ერთ-ერთი ვერსიით, ბოლო ჰობი პირდაპირ კავშირშია ნაადრევ სიკვდილთან. სავარაუდოდ, გათხრების დროს მას რომაული ცხელება დაემართა. დიდი ოსტატი პანთეონშია დაკრძალული. ფოტო მისი ავტოპორტრეტია.

მიქელანჯელო ბუანაროტი (1475-1564)

ამ კაცის გრძელი 70 წელი ნათელი იყო, მან შთამომავლებს დაუტოვა უხრწნელი შემოქმედება არა მხოლოდ ფერწერის, არამედ ქანდაკების. რენესანსის სხვა დიდი მხატვრების მსგავსად, მიქელანჯელო ცხოვრობდა ისტორიული მოვლენებითა და აჯანყებებით სავსე დროში. მისი ხელოვნება მთელი რენესანსის მშვენიერი ბოლო ნოტაა.

ოსტატმა ქანდაკება ყველა სხვა ხელოვნებაზე მაღლა დააყენა, მაგრამ ბედის ნებით იგი გახდა გამოჩენილი მხატვარი და არქიტექტორი. მისი ყველაზე ამბიციური და უჩვეულო ნამუშევარია ნახატი (სურათზე) ვატიკანის სასახლეში. ფრესკის ფართობი აღემატება 600 კვადრატულ მეტრს და შეიცავს 300 ადამიანის ფიგურას. ყველაზე შთამბეჭდავი და ნაცნობი ბოლო განკითხვის სცენაა.

იტალიელი რენესანსის მხატვრები მრავალმხრივი ნიჭი იყვნენ. ასე რომ, ცოტამ თუ იცის, რომ მიქელანჯელო ასევე დიდი პოეტი იყო. მისი გენიალურობის ეს სახე სრულად გამოვლინდა სიცოცხლის ბოლოს. დღემდე შემორჩენილია 300-მდე ლექსი.

გვიანი რენესანსის მხატვრობა

ბოლო პერიოდი მოიცავს 1530 წლიდან 1590-1620 წლამდე პერიოდს. Encyclopædia Britannica-ს მიხედვით, რენესანსი, როგორც ისტორიული პერიოდი, დასრულდა რომის დაცემით 1527 წელს. დაახლოებით ამავე დროს, სამხრეთ ევროპაში კონტრრეფორმაციამ გაიმარჯვა. კათოლიკური მიმდინარეობა შიშით უყურებდა ნებისმიერ თავისუფალ აზროვნებას, მათ შორის ადამიანის სხეულის სილამაზის გალობას და ანტიკური პერიოდის ხელოვნების აღორძინებას - ანუ ყველაფერს, რაც იყო რენესანსის საყრდენი. ამან გამოიწვია განსაკუთრებული ტენდენცია - მანერიზმი, რომელიც ხასიათდება ჰარმონიის დაკარგვით სულიერსა და ფიზიკურს, ადამიანსა და ბუნებას შორის. მაგრამ ამ რთულ პერიოდშიც კი, ზოგიერთმა ცნობილმა რენესანსის მხატვარმა შექმნა თავისი შედევრები. მათ შორის არიან ანტონიო და კორეჯო, (ითვლება კლასიციზმისა და პალადიანიზმის ფუძემდებლად) და ტიციანი.

ტიციან ვესელიო (1488-1490 - 1676)

იგი სამართლიანად ითვლება რენესანსის ტიტანად მიქელანჯელოსთან, რაფაელთან და და ვინჩისთან ერთად. ჯერ კიდევ 30 წლამდე ტიციანი ცნობილი იყო როგორც "მხატვართა მეფე და მეფეთა მხატვარი". ძირითადად, მხატვარი ხატავდა ნახატებს მითოლოგიურ და ბიბლიურ თემებზე, უფრო მეტიც, იგი ცნობილი გახდა, როგორც ბრწყინვალე პორტრეტი. თანამედროვეებს მიაჩნდათ, რომ დიდი ოსტატის ფუნჯით აღბეჭდილი უკვდავების მოპოვებას ნიშნავს. და მართლაც ასეა. ტიციანს ბრძანებები მოდიოდა ყველაზე პატივცემული და კეთილშობილი პირებისგან: პაპების, მეფეების, კარდინალების და ჰერცოგების. აქ არის მხოლოდ რამდენიმე, ყველაზე ცნობილი, მისი ნამუშევრები: "ურბინოს ვენერა", "ევროპის გატაცება" (სურათზე), "ჯვრის ტარება", "კორონაცია ეკლებით", "პესარო მადონა", "ქალი სარკე" და ა.შ.

ორჯერ არაფერი მეორდება. რენესანსის ეპოქამ კაცობრიობას ბრწყინვალე, არაჩვეულებრივი პიროვნებები მისცა. მათი სახელები ოქროს ასოებით არის ჩაწერილი ხელოვნების მსოფლიო ისტორიაში. რენესანსის არქიტექტორები და მოქანდაკეები, მწერლები და მხატვრები - მათი სია ძალიან გრძელია. ჩვენ შევეხეთ მხოლოდ ტიტანებს, რომლებმაც შექმნეს ისტორია, შემოიტანეს განმანათლებლობისა და ჰუმანიზმის იდეები მსოფლიოში.

მაღალი რენესანსის ეპოქა (მე-15 საუკუნის დასასრული - XVI საუკუნის პირველი მეოთხედი) არის სრულყოფილების და თავისუფლების დრო. ამ ეპოქის ხელოვნების სხვა ფორმების მსგავსად, მხატვრობა გამოირჩევა ადამიანის ღრმა რწმენით, მისი შემოქმედებითი ძალების და გონების ძალის მიმართ. მაღალი რენესანსის ოსტატების ნახატებში სუფევს სილამაზის, ჰუმანიზმისა და ჰარმონიის იდეალები, მათში ადამიანი სამყაროს საფუძველია.

ამ დროის მხატვრები ადვილად იყენებენ გამოსახვის ყველა საშუალებას: ფერს, ჰაერით, სინათლითა და ჩრდილით გამდიდრებულს და ნახატს, თავისუფალს და მკვეთრს; მათ შესანიშნავად ფლობენ პერსპექტივასა და მოცულობას. ხალხი სუნთქავს და მოძრაობს მხატვრების ტილოებზე, მათი გრძნობები და გამოცდილება ღრმად ემოციური ჩანს.

ამ ეპოქამ მსოფლიოს მისცა ოთხი გენიოსი - ლეონარდო და ვინჩი, რაფაელი, მიქელანჯელო, ტიციანი. მათ მხატვრობაში ყველაზე ნათლად გამოიხატა მაღალი რენესანსის თვისებები - იდეალურობა და ჰარმონია, სურათების სიღრმესა და სიცოცხლისუნარიანობასთან ერთად.

ლეონარდო და ვინჩი

1452 წლის 15 აპრილს იტალიის პატარა ქალაქ ვინჩიში, რომელიც ფლორენციის მახლობლად მდებარეობს, ნოტარიუს პიერო და ვინჩის უკანონო ვაჟი შეეძინა. დაარქვეს ლეონარდო დი სერ პიერო დ'ანტონიო. ბიჭის დედა, ვიღაც კატერინა, ცოტა მოგვიანებით გლეხზე გათხოვდა. მამამ უკანონო ბავშვი არ მიატოვა, წაიყვანა და კარგი განათლება მისცა. ლეონარდოს ბაბუის, ანტონიოს გარდაცვალებიდან ერთი წლის შემდეგ, 1469 წელს, ნოტარიუსი ოჯახთან ერთად გაემგზავრება ფლორენციაში.

ლეონარდოს ადრეული ასაკიდანვე უღვიძებს ვნება ხატვისადმი. ამის შემჩნევისას მამა ბიჭს აგზავნის სასწავლებლად იმდროინდელი ქანდაკების, ფერწერისა და სამკაულების ერთ-ერთ ყველაზე ცნობილ ოსტატთან, ანდრეა ვეროკიოსთან (1435-1488). ვერროკიოს სახელოსნოს დიდება უჩვეულოდ დიდი იყო. ქალაქის კეთილშობილური მაცხოვრებლებისგან მუდმივად იღებდნენ მრავალ შეკვეთას ნახატებისა და ქანდაკებების შესასრულებლად. შემთხვევითი არ იყო, რომ ანდრეა ვეროკიო თავის სტუდენტებს შორის დიდი პრესტიჟით სარგებლობდა. თანამედროვეები მას ფლორენციული რენესანსის იდეების ყველაზე ნიჭიერ მემკვიდრედ მიიჩნევდნენ ფერწერასა და ქანდაკებაში.

ვეროკიოს, როგორც მხატვრის, ინოვაცია, პირველ რიგში, დაკავშირებულია გამოსახულების გადახედვასთან, რომელიც მხატვრისგან ნატურალისტურ თვისებებს იძენს. ვეროკიოს სახელოსნოდან დღემდე ძალიან ცოტა ნამუშევარია შემორჩენილი. მკვლევარები მიიჩნევენ, რომ ამ სახელოსნოში შეიქმნა ცნობილი „ქრისტეს ნათლობა“. გარდა ამისა, დადგინდა, რომ ნახატის ფონზე პეიზაჟი და მის მარცხენა ნაწილში ანგელოზები ლეონარდოს ფუნჯს ეკუთვნის.

უკვე ამ ადრეულ ნამუშევარში გამოიხატა მომავალი ცნობილი მხატვრის შემოქმედებითი ინდივიდუალობა და სიმწიფე. ლეონარდოს ხელით დახატული პეიზაჟი მკვეთრად განსხვავდება თავად ვეროკიოს ბუნების ნახატებისაგან. ახალგაზრდა მხატვრის კუთვნილება, თითქოს მსუბუქ ნისლშია გახვეული და სივრცის უსასრულობისა და უსასრულობის სიმბოლოა.

ორიგინალურია ლეონარდოს მიერ შექმნილი სურათებიც. ადამიანის სხეულის, ისევე როგორც მისი სულის ანატომიის ღრმა ცოდნამ მხატვარს საშუალება მისცა შექმნა ანგელოზების უჩვეულოდ გამოხატული გამოსახულებები. სინათლისა და ჩრდილის თამაშის ოსტატობა მხატვარს ეხმარებოდა ცოცხალი, დინამიური ფიგურების გამოსახვაში. თითქოს ანგელოზები მხოლოდ ცოტა ხნით გაიყინნენ. გაივლის კიდევ რამდენიმე წუთი - და ისინი გაცოცხლდებიან, გადაადგილდებიან, ისაუბრებენ ...

ხელოვნებათმცოდნეები და და ვინჩის ბიოგრაფები ამტკიცებენ, რომ 1472 წლისთვის ლეონარდო ტოვებს ვეროკიოს სახელოსნოს და ხდება მხატვრების სახელოსნოს ოსტატი. 1480 წლიდან იგი მიმართა ქანდაკებას, რომელიც ლეონარდოს აზრით, ადამიანის სხეულის მოძრაობის დინამიკის გამოხატვის უმარტივესი გზა იყო. ამ დროიდან ის მუშაობს სამხატვრო აკადემიაში - ასე ერქვა ლორენცო ბრწყინვალეს ინიციატივით შექმნილ სახელოსნოს სან მარკოს მოედანზე მდებარე ბაღში.

1480 წელს ლეონარდომ მიიღო შეკვეთა სან დონატო სკოპეტოს ეკლესიიდან მხატვრული კომპოზიციისთვის "მოძღვრების თაყვანისცემა".

ლეონარდო დიდხანს არ ცხოვრობდა ფლორენციაში. 1482 წელს გაემგზავრება მილანში. ალბათ, ამ გადაწყვეტილებაზე დიდი გავლენა იქონია იმან, რომ მხატვარი რომში არ მიიწვიეს სიქსტის კაპელას მხატვრობაზე. ასეა თუ ისე, მალე ოსტატი ცნობილი იტალიური ქალაქის ჰერცოგის ლუდოვიკო სფორცას წინაშე წარსდგა. მილანელები ლეონარდოს თბილად შეხვდნენ. ის დასახლდა და დიდხანს ცხოვრობდა პორტა ტიცინესის კვარტალში. და მომდევნო წელს, 1483 წელს, მან დაწერა სამსხვერპლო, რომელიც შეკვეთილი იყო იმაკოლატას სამლოცველოსთვის სან ფრანჩესკო გრანდეს ეკლესიაში. ეს შედევრი მოგვიანებით გახდა ცნობილი, როგორც კლდეების მადონა.

დაახლოებით ამავე დროს, ლეონარდო მუშაობს ფრანჩესკო სფორცას ბრინჯაოს ძეგლზე. თუმცა, ვერც ესკიზებმა, ვერც საცდელმა ჩანახატებმა და კასტინგებმა ვერ გამოხატა მხატვრის განზრახვა. სამუშაო დაუმთავრებელი დარჩა.

1489 წლიდან 1490 წლამდე ლეონარდო და ვინჩიმ დახატა კასტელო სფორზესკო ჯან გალეაცო სფორცას ქორწინების დღეს.

ლეონარდო და ვინჩის თითქმის მთელი 1494 წელი მიუძღვნა თავის ახალ ოკუპაციას - ჰიდრავლიკას. ამავე Sforza-ს ინიციატივით ლეონარდო შეიმუშავებს და ახორციელებს პროექტს ლომბარდის დაბლობის ტერიტორიის გაშრობის მიზნით. თუმცა, უკვე 1495 წელს სახვითი ხელოვნების უდიდესი ოსტატი მხატვრობას დაუბრუნდა. ეს არის ეს წელი, რომელიც ხდება საწყისი ეტაპი ცნობილი ფრესკის შექმნის ისტორიაში "ბოლო ვახშამი", რომელიც ამშვენებდა მონასტრის სატრაპეზო ოთახის კედლებს, რომელიც მდებარეობს სანტა მარია დელე გრაზიეს ეკლესიის მახლობლად.

1496 წელს, საფრანგეთის მეფის ლუი XII-ის მიერ მილანის საჰერცოგოში შემოსევასთან დაკავშირებით, ლეონარდომ დატოვა ქალაქი. ის ჯერ მანტუაში გადადის, შემდეგ კი ვენეციაში დასახლდება.

1503 წლიდან მხატვარი ცხოვრობს ფლორენციაში და მიქელანჯელოსთან ერთად მუშაობდა პალაცო სინორიაში დიდი საბჭოს დარბაზის მოხატვაზე. ლეონარდოს უნდა გამოეხატა „ანგიარის ბრძოლა“. თუმცა გამუდმებით შემოქმედებით ძიებაში მყოფი ოსტატი ხშირად მიატოვებს დაწყებულ საქმეს. ასე მოხდა „ანგიარის ბრძოლასთან“ - ფრესკა დაუმთავრებელი დარჩა. ხელოვნებათმცოდნეები ვარაუდობენ, რომ სწორედ მაშინ შეიქმნა ცნობილი ჯოკონდა.

1506 წლიდან 1507 წლამდე ლეონარდო კვლავ ცხოვრობს მილანში. 1512 წლიდან იქ მეფობდა ჰერცოგი მაქსიმილიან სფორცა. 1512 წლის 24 სექტემბერი ლეონარდო გადაწყვეტს დატოვოს მილანი და თავის სტუდენტებთან ერთად დასახლდეს რომში. აქ ის არა მხოლოდ ხატავს, არამედ მიმართავს მათემატიკის და სხვა მეცნიერებების შესწავლას.

1513 წლის მაისში საფრანგეთის მეფის ფრანცისკე I-ისგან მოწვევის შემდეგ, ლეონარდო და ვინჩი გადავიდა ამბუაზში. აქ ის სიკვდილამდე ცხოვრობს: ხატავს, ამშვენებს დღესასწაულებს და მუშაობს პროექტების პრაქტიკულ გამოყენებაზე, რომლებიც მიზნად ისახავს საფრანგეთის მდინარეების გამოყენებას.

1519 წლის 2 მაისს გარდაიცვალა დიდი მხატვარი. ლეონარდო და ვინჩი დაკრძალულია სან-ფიორენტინოს ამბუაზის ეკლესიაში. თუმცა რელიგიური ომების მწვერვალზე (XVI ს.) მხატვრის საფლავი განადგურდა და მთლიანად განადგურდა. მისი შედევრები, რომლებიც მე-15-16 საუკუნეებში სახვითი ხელოვნების მწვერვალად ითვლებოდა, დღემდე ასეთია.

და ვინჩის ნახატებს შორის განსაკუთრებული ადგილი უკავია ბოლო ვახშმის ფრესკას. საინტერესო და გასაოცარია ცნობილი ფრესკის ისტორია. მისი შექმნა 1495-1497 წლებით თარიღდება. იგი დაუკვეთეს დომინიკის ორდენის ბერებს, რომელთაც სურდათ გაეფორმებინათ სატრაპეზოს კედლები თავიანთ მონასტერში, რომელიც მდებარეობს მილანში, სანტა მარია დელე გრაზიეს ეკლესიის მახლობლად. ფრესკა ასახავდა საკმაოდ ცნობილ სახარების ამბავს: იესო ქრისტეს ბოლო ტრაპეზს თავის თორმეტ მოციქულთან ერთად.

ეს შედევრი აღიარებულია მხატვრის ყველა შემოქმედების მწვერვალად. ოსტატის მიერ შექმნილი ქრისტესა და მოციქულების გამოსახულებები უჩვეულოდ ნათელი, გამომხატველი და ცოცხალია. მიუხედავად გამოსახული სიტუაციის კონკრეტულობისა და რეალობისა, ფრესკის შინაარსი ღრმა ფილოსოფიური მნიშვნელობითაა სავსე. აქ ხორცშესხმული იყო სიკეთისა და ბოროტების, თვითკმაყოფილებისა და სულიერი სიმამაცის, სიმართლისა და სიცრუის კონფლიქტის მარადიული თემა. მიღებული გამოსახულებები არა მხოლოდ ინდივიდუალური ხასიათის თვისებების ერთობლიობაა (თითოეული ადამიანი თავისი ტემპერამენტის მთელი მრავალფეროვნებით), არამედ ერთგვარი ფსიქოლოგიური განზოგადებაც.

სურათი ძალიან დინამიურია. მაყურებელი ნამდვილად გრძნობს იმ მღელვარებას, რომელიც მოიცვა ტრაპეზზე ყველა დამსწრე ქრისტეს მიერ წარმოთქმული წინასწარმეტყველური სიტყვების მოახლოებული ღალატის შესახებ, რომელიც ერთ-ერთმა მოციქულმა უნდა ჩაიდინოს. ტილო აღმოჩნდება ერთგვარი ენციკლოპედია ადამიანის ემოციებისა და განწყობების ყველაზე დახვეწილი ჩრდილების შესახებ.

ლეონარდო და ვინჩიმ სამუშაო საოცრად სწრაფად დაასრულა: მხოლოდ ორი წლის შემდეგ სურათი მთლიანად დასრულდა. თუმცა, ბერებს ეს არ მოეწონათ: მისი შესრულების წესი ძალიან განსხვავდებოდა ფერწერული წერის ადრე მიღებული სტილისგან. ოსტატის ინოვაცია შედგებოდა არა მხოლოდ და არც ისე ახალი კომპოზიციის საღებავების გამოყენებაში. განსაკუთრებულ ყურადღებას იქცევს სურათზე პერსპექტივის გამოსახვის ხერხი. სპეციალური ტექნიკით შესრულებული ფრესკა, როგორც იქნა, აფართოებს და აფართოებს რეალურ სივრცეს. როგორც ჩანს, სურათზე გამოსახული ოთახის კედლები მონასტრის სატრაპეზოს კედლების გაგრძელებაა.

ბერები არ აფასებდნენ და არ ესმით მხატვრის შემოქმედებითი განზრახვა და მიღწევები, ამიტომ ზედმეტად არ ზრუნავდნენ ნახატის შენარჩუნებაზე. ფრესკის მოხატვიდან უკვე ორი წლის შემდეგ, მისმა საღებავებმა დაიწყო გაფუჭება და გაცვეთილი, კედლის ზედაპირი მასზე გამოსახული გამოსახულებით თითქოს ყველაზე თხელი მატერიით იყო დაფარული. ეს მოხდა, ერთის მხრივ, ახალი საღებავების უხარისხობის გამო, მეორე მხრივ კი მონასტრის სამზარეულოდან შემოსული ნესტის, ცივი ჰაერისა და ორთქლის მუდმივი ზემოქმედების გამო. ნახატის გარეგნობა მთლიანად გაფუჭდა, როდესაც ბერებმა გადაწყვიტეს სატრაპეზოს დამატებითი შესასვლელი კედელში ფრესკით მოეჭრათ. შედეგად, სურათი ბოლოში გაწყდა.

შედევრის აღდგენის მცდელობები მე-13 საუკუნიდან დაიწყო. თუმცა, ყველა მათგანი უშედეგო აღმოჩნდა, საღებავი აგრძელებს გაფუჭებას. ამის მიზეზი ამჟამად გარემოსდაცვითი მდგომარეობის გაუარესებაა. ფრესკის ხარისხზე გავლენას ახდენს ჰაერში გამონაბოლქვი აირების გაზრდილი კონცენტრაცია, ასევე ქარხნებისა და ქარხნების მიერ ატმოსფეროში გამოსხივებული აქროლადი ნივთიერებები.

ახლა კი შეგვიძლია ვთქვათ, რომ ნახატის აღდგენაზე ადრეული სამუშაოები არათუ ზედმეტი და უაზრო აღმოჩნდა, არამედ თავისი უარყოფითი მხარეც ჰქონდა. რესტავრაციის პროცესში მხატვრები ხშირად უმატებდნენ ფრესკას, ცვლიდნენ ტილოზე წარმოდგენილი პერსონაჟების იერსახეს და გამოსახულ ინტერიერს. ასე რომ, ახლახან ცნობილი გახდა, რომ ერთ-ერთ მოციქულს თავდაპირველად არ ჰქონდა გრძელი, მოხრილი წვერი. გარდა ამისა, სატრაპეზოს კედლებზე გამოსახული შავი ტილოები სხვა არაფერი აღმოჩნდა, თუ არა პატარა ხალიჩები. მხოლოდ
მე-20 საუკუნეში მოახერხეს მათი ორნამენტის გარკვევა და ნაწილობრივ აღდგენა.

თანამედროვე რესტავრატორებმა, რომელთა შორის შესამჩნევად გამოირჩეოდა ჯგუფი, რომელიც მუშაობდა კარლო ბერტელის ხელმძღვანელობით, გადაწყვიტეს აღედგინათ ფრესკის თავდაპირველი იერსახე, გაათავისუფლეს იგი მოგვიანებით გამოყენებული ელემენტებისაგან.

დედობის თემა, ახალგაზრდა დედის გამოსახულებები, რომელიც აღფრთოვანებულია თავისი შვილით, დიდი ოსტატის შემოქმედებაში საკვანძო დარჩა დიდი ხნის განმავლობაში. ნამდვილი შედევრებია მისი ნახატები "მადონა ლიტა" და "მადონა ყვავილით" ("მადონა ბენუა"). ამჟამად „მადონა ლიტა“ ინახება პეტერბურგის სახელმწიფო ერმიტაჟის მუზეუმში. ნახატი იყიდა რუსეთის იმპერატორმა ალექსანდრე II-მ 1865 წელს იტალიის ჰერცოგის ანტონიო ლიტას ოჯახიდან, რომელსაც ადრე ვისკონტის ჰერცოგები აჩუქეს. რუსეთის მეფის ბრძანებით ნახატი ხიდან ტილოზე გადაიტანეს და სანკტ-პეტერბურგის ცნობილი მუზეუმის ერთ-ერთ დარბაზში ჩამოკიდეს.

ხელოვნებათმცოდნეები თვლიან (და მეცნიერულმა კვლევამ ეს დაადასტურა), რომ სურათის შექმნაზე მუშაობა თავად ავტორს არ დაუსრულებია. იგი დაასრულა ლეონარდოს ერთ-ერთმა სტუდენტმა, ბოლტრაფიომ.

ტილო არის დედობის თემის ყველაზე ნათელი გამოხატულება რენესანსის პერიოდის მხატვრობაში. მადონას დედის გამოსახულება ნათელი და სულიერია. ბავშვისკენ მიმართული მზერა უჩვეულოდ ნაზია, ის ერთდროულად გამოხატავს
მწუხარება და სიმშვიდე და შინაგანი სიმშვიდე. აქ დედა-შვილი თითქოს ქმნიან საკუთარ, უნიკალურ სამყაროს, ქმნიან ერთიან ჰარმონიულ მთლიანობას. სურათის აზროვნება შეიძლება გამოიხატოს შემდეგი სიტყვებით: ორი ცოცხალი არსება, დედა და შვილი, შეიცავს ცხოვრების საფუძველს და აზრს.

მონუმენტურია მადონას გამოსახულება ბავშვით ხელში. დასრულება და დახვეწა აძლევს მას სინათლისა და ჩრდილის განსაკუთრებულ, გლუვ გადასვლას. ფიგურის სინაზესა და მყიფეობას ხაზს უსვამს ქალის მხრებზე გადაყრილი მოსასხამის ფარდები. ფანჯრის ნახატები გამოსახულია ფონზე და ავსებს კომპოზიციას, ხაზს უსვამს ორი ახლო ადამიანის დანარჩენ სამყაროს განცალკევებას.

ტილო "მადონა ყვავილით" ("Madonna Benois"), დაახლოებით 1478 წელს, იყიდა მისი უკანასკნელი რუსი მფლობელებისგან ცარ ნიკოლოზ II-მ 1914 წელს სპეციალურად ერმიტაჟისთვის. მისი ადრეული მფლობელები უცნობია. არსებობს მხოლოდ ლეგენდა, რომ იტალიელმა მოხეტიალე მსახიობმა ჩამოიტანა ნახატი რუსეთში, რის შემდეგაც იგი 1824 წელს სამარაში იყიდა ვაჭარმა საპოჟნიკოვმა. მოგვიანებით, ტილო მემკვიდრეობით გადაეცა მამისაგან ქალიშვილს, M.A. Sapozhnikova-ს (მისი ქმარი - ბენოა), რომლისგანაც იმპერატორმა იყიდა. მას შემდეგ ნახატს ორი სახელი ჰქონდა: „მადონა ყვავილით“ (ავტორი) და „მადონა ბენუა“ (ბოლო მფლობელის სახელის მიხედვით).

ნახატზე, რომელზეც ღვთისმშობელი პატარასთან ერთადაა გამოსახული, ასახულია შვილთან თამაშისას დედის ჩვეულებრივი, მიწიერი განცდები. მთელი სცენა კონტრასტზეა აგებული: სიცილი დედა და ბავშვი სერიოზულად სწავლობენ ყვავილს. მხატვარი, რომელიც ყურადღებას ამახვილებს ამ კონკრეტულ ოპოზიციაზე, აჩვენებს ადამიანის ცოდნის სურვილს, მის პირველ ნაბიჯებს ჭეშმარიტების გზაზე. ეს არის ტილოს მთავარი იდეა.

სინათლისა და ჩრდილის თამაში მთელ კომპოზიციას განსაკუთრებულ, ინტიმურ ტონს ანიჭებს. დედა და ბავშვი საკუთარ სამყაროში არიან, მიწიერი ამაოებისგან მოწყვეტილი. გამოსახული ფარდების გარკვეული კუთხისა და სიმკაცრის მიუხედავად, ლეონარდო და ვინჩის ფუნჯი საკმაოდ ადვილად ამოსაცნობია გამოყენებული ფერების ჩრდილების გლუვი, რბილი გადასვლებით და სინათლისა და ჩრდილის კომბინაციით. ტილო დახატულია რბილი, მშვიდი ფერებით, შენარჩუნებულია ერთი ფერის სისტემაში და ეს ანიჭებს სურათს რბილ ხასიათს და იწვევს არამიწიერი, კოსმიური ჰარმონიისა და სიმშვიდის განცდას.

ლეონარდო და ვინჩი პორტრეტის აღიარებული ოსტატია. მის ყველაზე ცნობილ ნახატებს შორისაა "ქალბატონი ერმინით" (დაახლოებით 1483-1484 წწ.) და "მუსიკოსის პორტრეტი".

ხელოვნებათმცოდნეები და ისტორიკოსები ვარაუდობენ, რომ ტილოზე "ქალბატონი ერმინით" გამოსახულია სესილია გალერანი, რომელიც ქორწინებამდე იყო მილანის ჰერცოგის ლუდოვიკ მოროს ფავორიტი. შემორჩენილია ინფორმაცია, რომ სესილია ძალიან განათლებული ქალი იყო, რაც იმ დროს იშვიათობა იყო. გარდა ამისა, ცნობილი მხატვრის ისტორიკოსები და ბიოგრაფები ასევე თვლიან, რომ იგი მჭიდროდ იცნობდა ლეონარდო და ვინჩის, რომელმაც ერთხელ გადაწყვიტა მისი პორტრეტის დახატვა.

ეს ტილო ჩვენამდე მხოლოდ გადაწერილი ვერსიით მოვიდა და ამიტომ მეცნიერები დიდი ხანია ეჭვობენ ლეონარდოს ავტორობაში. თუმცა, კარგად შემონახული ნახატის ნაწილები, რომლებიც ასახავს ერმინეს და ახალგაზრდა ქალის სახეს, საშუალებას გვაძლევს დარწმუნებით ვისაუბროთ დიდი ოსტატის და ვინჩის სტილებზე. ასევე საინტერესოა, რომ მკვრივი მუქი ფონი, ისევე როგორც თმის ვარცხნილობის ზოგიერთი დეტალი, შემდგომში შესრულებული დამატებითი ნახატებია.

„ქალბატონი ერმინით“ ერთ-ერთი ყველაზე ნათელი ფსიქოლოგიური ტილოა მხატვრის პორტრეტების გალერეაში. გოგონას მთელი ფიგურა გამოხატავს დინამიზმს, წინსვლას, მოწმობს უჩვეულოდ ძლიერი ნებისყოფის და ძლიერი ადამიანის ხასიათზე. სახის სწორი ნაკვთები მხოლოდ ამას ხაზს უსვამს.

პორტრეტი მართლაც რთული და მრავალმხრივია, გამოსახულების ჰარმონიულობა და სისრულე მიიღწევა რამდენიმე ელემენტის შერწყმით: სახის გამომეტყველება, თავის ბრუნვა, ხელის პოზიცია. ქალის თვალები ასახავს არაჩვეულებრივ გონებას, ენერგიას, გამჭრიახობას. მჭიდროდ შეკუმშული ტუჩები, სწორი ცხვირი, ბასრი ნიკაპი - ყველაფერი ხაზს უსვამს ნებას, მონდომებას, დამოუკიდებლობას. თავის მოხდენილი შემობრუნება, ღია კისერი, ხელი გრძელი თითებით მოხდენილ ცხოველს ეფერება, ხაზს უსვამს მთელი ფიგურის სისუსტესა და ჰარმონიას. შემთხვევითი არ არის, რომ ქალბატონს ხელში ეშმაკი უჭირავს. ცხოველის თეთრი ბეწვი, პირველი თოვლის მსგავსი, აქ სიმბოლოა ახალგაზრდა ქალის სულიერ სიწმინდეს.

პორტრეტი საოცრად დინამიურია. ოსტატმა მოახერხა ზუსტად დაეფიქსირებინა ის მომენტი, როდესაც ერთი მოძრაობა შეუფერხებლად უნდა გადასულიყო მეორეზე. ამიტომ, როგორც ჩანს, გოგონა გაცოცხლდება, თავი მოაბრუნოს და ხელი ცხოველის რბილ ბეწვზე გადაიჩეხოს...

კომპოზიციის არაჩვეულებრივ ექსპრესიულობას იძლევა ფიგურების შემქმნელი ხაზების სიცხადე, ასევე სინათლის ჩრდილში გადასვლის ტექნიკის ოსტატობა და გამოყენება, რომლის დახმარებითაც ტილოზე იქმნება ფორმები.

"მუსიკოსის პორტრეტი" ერთადერთი მამაკაცის პორტრეტია ლეონარდო და ვინჩის შედევრებს შორის. ბევრი მკვლევარი იდენტიფიცირებს მოდელს მილანის საკათედრო ტაძრის რეგენტთან, ფრანცინო გაფურიოსთან. თუმცა, რიგი მეცნიერები უარყოფენ ამ მოსაზრებას და ამბობენ, რომ აქ რეგენტი კი არ არის გამოსახული, არამედ ჩვეულებრივი ახალგაზრდა, მუსიკოსი. და ვინჩის წერის ტექნიკისთვის დამახასიათებელი ზოგიერთი დეტალის არსებობის მიუხედავად, ხელოვნებათმცოდნეები მაინც ეჭვობენ ლეონარდოს ავტორობაში. ალბათ, ეს ეჭვები დაკავშირებულია ტილოზე ლომბარდი პორტრეტთა მხატვრული ტრადიციებისთვის დამახასიათებელი ელემენტების გამოყენებასთან.

პორტრეტის ტექნიკა მრავალი თვალსაზრისით მოგვაგონებს ანტონელო და მესინას შემოქმედებას. აყვავებულ ხვეული თმის ფონზე, სახის მკაფიო, მკაცრი ხაზები გარკვეულწილად მკვეთრად გამოირჩევა. მაყურებლის წინაშე ჩნდება ძლიერი ხასიათის მქონე ინტელექტუალური ადამიანი, თუმცა ამავდროულად მის მზერაში რაღაც არამიწიერი, სულიერებული შეიძლება დაიჭიროს. შესაძლოა, სწორედ ამ წუთში იბადება მუსიკოსის სულში ახალი, ღვთაებრივი მელოდია, რომელიც გარკვეული დროის შემდეგ ბევრი ადამიანის გულს მოიგებს.

თუმცა, არ შეიძლება ითქვას, რომ ხელოვანი ცდილობს ადამიანის ხელოვნურად ამაღლებას. ოსტატი დახვეწილად და ოსტატურად გადმოსცემს ადამიანის სულის მთელ სიმდიდრეს და სიგანეს, ჰიპერბოლისა და პათოსის გარეშე.

და ვინჩის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი ნახატია ცნობილი კლდეების მადონა (1483-1493). ის ლეონარდომ მილანის სან ფრანჩესკო გრანდეს ეკლესიის ბერების დაკვეთით დაამზადა. კომპოზიცია გამიზნული იყო იმაკოლატას სამლოცველოში საკურთხევლის გაფორმებისთვის.

ნახატის ორი ვერსია არსებობს, რომელთაგან ერთი ინახება პარიზის ლუვრში, ხოლო მეორე ლონდონის ეროვნულ გალერეაში.

სწორედ ლუვრის „მადონა კლდეებში“ ამშვენებდა ეკლესიის საკურთხეველი. მეცნიერები ვარაუდობენ, რომ მხატვარმა იგი თავად აჩუქა საფრანგეთის მეფეს ლუი XII-ს. მან ეს გააკეთა, როგორც ისტორიკოსები ამბობენ, მადლიერების ნიშნად მეფის მონაწილეობისთვის ნახატების მომხმარებლებსა და შემსრულებელ მხატვრებს შორის წარმოქმნილი კონფლიქტის მოგვარებაში.

შემოწირული ვერსია შეიცვალა სხვა ნახატით, რომელიც ახლა ლონდონის ეროვნულ გალერეაშია. 1785 წელს ვიღაც ჰამილტონმა იყიდა და ინგლისში ჩამოიტანა.

„მადონას კლდეებში“ გამორჩეული თვისებაა ადამიანის ფიგურების შერწყმა ლანდშაფტთან. ეს არის დიდი მხატვრის პირველი სურათი, სადაც წმინდანთა გამოსახულებები ჰარმონიულად არის გადაჯაჭვული მათი ყოფნით შთაგონებულ ბუნებასთან. პირველად ოსტატის ნამუშევრებში ფიგურები გამოსახულია არა არქიტექტურული სტრუქტურის რომელიმე ელემენტის ფონზე, არამედ ისე, თითქოს ისინი მკაცრ კლდოვან ლანდშაფტშია მოქცეული. ეს განცდა კომპოზიციაშიც შუქისა და ჩამოვარდნილი ჩრდილების განსაკუთრებული თამაშის გამო იქმნება.

მადონას გამოსახულება აქ წარმოდგენილია, როგორც უჩვეულოდ სულიერი და არამიწიერი. რბილი შუქი ეცემა ანგელოზების სახეებს. მხატვარმა ბევრი ჩანახატი და ჩანახატი გააკეთა, სანამ მისი პერსონაჟები გაცოცხლდნენ და მათი გამოსახულებები გახდნენ ნათელი და ექსპრესიული. ერთ-ერთ ჩანახატზე ანგელოზის თავია გამოსახული. არ ვიცით გოგოა თუ ბიჭი. მაგრამ ერთი რამ დარწმუნებით შეიძლება ითქვას: ეს არის არამიწიერი არსება, სავსე სინაზით, სიკეთით, სიწმინდით. მთელი სურათი გამსჭვალულია სიმშვიდის, სიმშვიდისა და სიმშვიდის გრძნობით.

მოგვიანებით ოსტატის მიერ დახატული ვერსია პირველისგან არაერთი დეტალით განსხვავდება: წმინდანთა თავებზე ჰალოები ჩნდება, პატარა იოანე ნათლისმცემელს უჭირავს ჯვარი, იცვლება ანგელოზის პოზიცია. და თავად შესრულების ტექნიკა გახდა ლეონარდოს მოსწავლეებისთვის ნახატის ავტორობის მიკუთვნების ერთ-ერთი მიზეზი. აქ ყველა ფიგურა უფრო ახლოს, უფრო ფართო მასშტაბით არის წარმოდგენილი და გარდა ამისა, ხაზები, რომლებიც მათ ქმნიან, უფრო შესამჩნევი, კიდევ უფრო მძიმე, უფრო მახვილი აღმოჩნდება. ეს ეფექტი იქმნება ჩრდილების გასქელებით და კომპოზიციაში გარკვეული ადგილების ხაზგასმით.

სურათის მეორე ვერსია, ხელოვნებათმცოდნეების აზრით, უფრო ამქვეყნიური და ამქვეყნიურია. ამის მიზეზი ალბათ ის იყო, რომ ნახატი ლეონარდოს მოსწავლეებმა დაასრულეს. თუმცა ეს არ აკლებს ტილოს ღირებულებას. მასში ნათლად ჩანს მხატვრის განზრახვა, კარგად არის გამოკვეთილი ოსტატის ტრადიცია სურათების შექმნისა და გამოხატვისას.

არანაკლებ საინტერესოა ლეონარდო და ვინჩის ცნობილი ნახატის „ხარება“ (1470-იანი წლები). ნახატის შექმნა მხატვრის შემოქმედების ადრეულ პერიოდს, ანდრეა ვეროკიოს სახელოსნოში სწავლისა და მუშაობის პერიოდს ეკუთვნის.

წერის ტექნიკის რიგი ელემენტები შესაძლებელს ხდის დარწმუნებით განვაცხადოთ, რომ ცნობილი შედევრის ავტორი ლეონარდო და ვინჩია და გამოვრიცხოთ ვერროკიოს ან მისი სხვა სტუდენტების მონაწილეობა მის ნაწერებში. თუმცა კომპოზიციაში ზოგიერთი დეტალი დამახასიათებელია ვეროკიოს სკოლის მხატვრული ტრადიციისთვის. ეს იმაზე მეტყველებს, რომ ახალგაზრდა მხატვარი, იმ დროს უკვე გამოვლენილი ორიგინალურობისა და ნიჭის მიუხედავად, გარკვეულწილად მაინც განიცდიდა მასწავლებელს.

სურათის კომპოზიცია საკმაოდ მარტივია: პეიზაჟი, სოფლის ვილა, ორი ფიგურა - მარიამი და ანგელოზი. ფონზე
ჩვენ ვხედავთ გემებს, ზოგიერთ შენობას, პორტს. ასეთი დეტალების არსებობა მთლად არ ახასიათებს ლეონარდოს შემოქმედებას და ისინი აქ არ არიან მთავარი. მხატვრისთვის უფრო მნიშვნელოვანია ნისლიან ნისლში ჩაფლული მთების ჩვენება, რომლებიც შორსაა და ნათელი, თითქმის გამჭვირვალე ცა. სასიხარულო ცნობის მოლოდინში ახალგაზრდა ქალისა და ანგელოზის სულიერი გამოსახულებები უჩვეულოდ ლამაზი და სათუთია. მათი ფორმების ხაზები შექმნილია და ვინჩის წესით, რამაც შესაძლებელი გახადა ტილო განემარტა, როგორც ადრეული ლეონარდოს ფუნჯის შედევრი.

ცნობილი ოსტატის ტრადიციისთვის დამახასიათებელია მეორადი დეტალების შესრულების ტექნიკა: გაპრიალებული სკამები, ქვის პარაპეტი, წიგნების სტენდი, მორთული ზღაპრული მცენარეების რთულად მოღუნული ტოტებით. ამ უკანასკნელის პროტოტიპი, სხვათა შორის, არის ჯოვანისა და პიერო დე მედიჩის საფლავის სარკოფაგი, რომელიც სან-ლორენცოს ეკლესიაშია დამონტაჟებული. ეს ელემენტები, რომლებიც დამახასიათებელია ვერროკიოს სკოლისთვის და დამახასიათებელია ამ უკანასკნელის შემოქმედებისთვის, გარკვეულწილად გადააზრებულია და ვინჩის მიერ. ისინი ცოცხალი, მოცულობითი, ჰარმონიულად ჩაქსოვილი საერთო კომპოზიციაში. როგორც ჩანს, ავტორმა საკუთარ თავს დაისახა მიზანი, მასწავლებლის რეპერტუარი აეღო საფუძვლად, გამოეჩინა თავისი ნიჭის სამყარო, საკუთარი ტექნიკისა და მხატვრული გამოხატვის საშუალებების გამოყენებით.

ამჟამად ნახატის ერთი ვერსია ფლორენციის უფიზის გალერეაშია. კომპოზიციის მეორე ვერსია ინახება პარიზის ლუვრში.

ლუვრის ნახატი გარკვეულწილად უფრო რთულია, ვიდრე მისი ადრინდელი ვერსია. აქ ნათლად ჩანს ქვის პარაპეტის კედლების გეომეტრიულად სწორი ხაზები, რომელთა ნიმუშს იმეორებს მარიამის ფიგურის უკან მდებარე სკამები. წინა პლანზე წამოსული სურათები კომპოზიციაში სათანადოდ და ლოგიკურადაა მოთავსებული. მარიამის და ანგელოზის სამოსი, პირველ ვერსიასთან შედარებით, უფრო გამომხატველად და თანმიმდევრულადაა დახატული. მარია, დაბლა დახრილი, მუქ ლურჯ კაბაში გამოწყობილი, ცისფერი მოსასხამით მხრებზე შემოსილი, არამიწიერ არსებას ჰგავს. სამოსის მუქი ფერები ხაზს უსვამს უფრო ნათელს და გამოხატავს მისი სახის სითეთრეს. არანაკლებ გამომხატველია ანგელოზის გამოსახულება, რომელმაც სასიხარულო ცნობა მოუტანა მადონას. მოყვითალო ხავერდოვანი, მდიდრული წითელი მოსასხამი ფარდები შეუფერხებლად ჩამოდის, ავსებს კეთილი ანგელოზის ზღაპრულ გამოსახულებას.

გვიანდელი კომპოზიციის განსაკუთრებული ინტერესია ოსტატის მიერ დახვეწილად მოხატული პეიზაჟი: ყოველგვარი კონვენციის გარეშე, შორიდან ამოსული თითქმის აშკარა ხეები, ღია ცისფერი, გამჭვირვალე ცა, მსუბუქი ნისლით დამალული მთები, ახალი ყვავილები ფეხქვეშ. ანგელოზი.

ნახატი „წმინდა იერონიმე“ ეხება ლეონარდო და ვინჩის მუშაობის პერიოდს ანდრეა ვეროკიოს სახელოსნოში (მხატვრის შემოქმედების ე.წ. ფლორენციული პერიოდი). ნახატი დაუმთავრებელი დარჩა. კომპოზიციის მთავარი თემა მარტოსული გმირი, მონანიებული ცოდვილია. მისი სხეული შიმშილისგან გამომშრალია. თუმცა, მისი მონდომებითა და ნებისყოფით სავსე მზერა ადამიანის გამძლეობისა და სულიერი სიძლიერის ნათელი გამოხატულებაა. ლეონარდოს მიერ შექმნილ არცერთ სურათში არ ვიპოვით ორმაგობას, მხედველობის გაურკვევლობას.

მისი ნახატების გმირები ყოველთვის გამოხატავენ ღრმა ვნებისა და გრძნობის უმაღლეს ხარისხს.

ლეონარდოს ავტორობაზე მოწმობს მოღუშულის ოსტატურად მოხატული თავიც. არც ისე ჩვეული შემობრუნება საუბრობს ფერწერის ტექნიკის შესანიშნავ ცოდნაზე და ოსტატის ცოდნაზე ადამიანის სხეულის ანატომიის სირთულეებზე. მიუხედავად იმისა, რომ აუცილებელია მცირე დაჯავშნა: მრავალი თვალსაზრისით, მხატვარი მიჰყვება ანდრეა დელ კასტანიოს და დომენიკო ვენეზიანოს ტრადიციებს, რომლებიც, თავის მხრივ, ანტონიო პოლაიოლოდან არიან.

იერონის ფიგურა უჩვეულოდ გამომხატველია. როგორც ჩანს, მუხლმოდრეკილი ჰერმიტი სულ წინ არის მიმართული. მარჯვნივ
ხელში უჭირავს ქვა, კიდევ ერთი წამი - და მკერდში დაარტყამს თავის თავს, ტანს და ლანძღავს ჩადენილი ცოდვებისთვის სულს...

საინტერესოა ნახატის კომპოზიციაც. ეს ყველაფერი, თითქოს, სპირალშია ჩასმული, რომელიც იწყება კლდეებით, გრძელდება ლომის ფიგურით, რომელიც მდებარეობს მომნანიეს ფეხებთან და მთავრდება მოღუშულის ფიგურით.

მსოფლიო სახვითი ხელოვნების ყველა შედევრს შორის, ალბათ, ყველაზე პოპულარულია ჯოკონდა. საინტერესო ფაქტია, რომ პორტრეტზე მუშაობის დასრულების შემდეგ, მხატვარი სიკვდილამდე არ დაშორებულა. მოგვიანებით, ნახატი მივიდა საფრანგეთის მეფე ფრანცის I-თან, რომელმაც ის ლუვრში მოათავსა.

ყველა ხელოვნებათმცოდნე თანხმდება, რომ სურათი 1503 წელს არის დახატული. თუმცა, პორტრეტზე გამოსახული ახალგაზრდა გოგონას პროტოტიპთან დაკავშირებით ჯერ კიდევ არსებობს კამათი. ზოგადად მიღებულია (ტრადიცია მოდის ცნობილი ბიოგრაფის ჯორჯო ვაზარისგან), რომ პორტრეტზე გამოსახულია ფლორენციელი მოქალაქის ფრანჩესკო დი ჯოკონდოს ცოლი, მონა ლიზა.

სურათის დათვალიერებისას დარწმუნებით შეგვიძლია ვთქვათ, რომ მხატვარმა სრულყოფილებას მიაღწია ადამიანის იმიჯის შექმნისას. აქ ოსტატი შორდება პორტრეტის შესრულების ადრე მიღებულ და ფართოდ გავრცელებულ მანერას. ჯოკონდა მსუბუქ ფონზეა დაწერილი და მეტიც, შემობრუნების სამი მეოთხედია, მზერა პირდაპირ მაყურებლისკენ არის მიმართული – ეს ახალი იყო მაშინდელ პორტრეტულ ხელოვნებაში. გოგონას უკან ღია ლანდშაფტის წყალობით, ამ უკანასკნელის ფიგურა აღმოჩნდება, თითქოს ლანდშაფტის ნაწილი, ჰარმონიულად ერწყმის მას. ეს მიიღწევა ლეონარდოს მიერ შექმნილი განსაკუთრებული მხატვრული და ვიზუალური ტექნიკის წყალობით, რომელიც მის ნამუშევრებში გამოიყენა - სფუმატო. მისი არსი მდგომარეობს იმაში, რომ კონტურის ხაზები მკაფიოდ არ არის გამოკვეთილი, ისინი ბუნდოვანია და ეს ქმნის კომპოზიციაში მისი ცალკეული ნაწილების შერწყმის, ურთიერთშეღწევის განცდას.

პორტრეტში ეს ტექნიკა (ადამიანის ფიგურისა და ფართომასშტაბიანი ბუნებრივი ლანდშაფტის შერწყმა) ხდება ფილოსოფიური იდეის გამოხატვის საშუალება: ადამიანის სამყარო ისეთივე უზარმაზარი, მასშტაბური და მრავალფეროვანია, როგორც ჩვენს გარშემო არსებული ბუნებრივი სამყარო. მაგრამ, მეორე მხრივ, კომპოზიციის მთავარი თემა ასევე შეიძლება წარმოდგენილი იყოს როგორც ადამიანის გონების მიერ ბუნებრივი სამყაროს სრული ცოდნის შეუძლებლობა. სწორედ ამ აზრს უკავშირებს ბევრი ხელოვნებათმცოდნე მონა ლიზას ტუჩებზე გაყინულ ირონიულ ღიმილს. როგორც ჩანს, ის ამბობს: ”ადამიანის ყველა მცდელობა, რომ შეიცნოს სამყარო, აბსოლუტურად ამაო და ამაოა”.

მონა ლიზას პორტრეტი, ხელოვნებათმცოდნეების აზრით, ლეონარდო და ვინჩის ერთ-ერთი უმაღლესი მიღწევაა. მასში მხატვარს ნამდვილად შეეძლო განესახიერებინა და ყველაზე სრულად გამოეხატა ჰარმონიისა და სამყაროს უკიდეგანობის იდეა, აზრისა და ხელოვნების პრიორიტეტის იდეა.

მიქელანჯელო ბუონაროტი

მიქელანჯელო ბუონაროტი, იტალიელი მხატვარი, მოქანდაკე, არქიტექტორი და პოეტი, დაიბადა ქალაქ კაპრეზეში, ფლორენციის მახლობლად, 1475 წლის 6 მარტს. მიქელანჯელოს მამა, ლოდოვიკო ბუონაროტი, ქალაქ კაპრეზეს მერი იყო. ის ოცნებობდა, რომ მისი შვილი მალე შეცვლიდა მას თანამდებობაზე. თუმცა, მამის სურვილის საწინააღმდეგოდ, მიქელანჯელო გადაწყვეტს სიცოცხლე დაუთმოს მხატვრობას.

1488 წელს მიქელანჯელო გაემგზავრა ფლორენციაში და ჩაირიცხა იქ სამხატვრო სკოლაში, რომელსაც მაშინ ხელმძღვანელობდა სახვითი ხელოვნების ცნობილი ოსტატი დომენიკო გირლანდაიო. ერთი წლის შემდეგ, 1489 წელს, ახალგაზრდა მხატვარი უკვე მუშაობს ლორენცო მედიჩის მიერ დაარსებულ სახელოსნოში. აქ ახალგაზრდა სწავლობს მხატვრობას თავისი დროის კიდევ ერთი ცნობილი მხატვრისა და მოქანდაკისგან, ბერტოლდო დი ჯოვანისგან, რომელიც დონატელოს სტუდენტი იყო. ამ სახელოსნოში მიქელანჯელო მუშაობდა ანჯელო პოლიციანოსთან და პიკო დელა მირანდოლასთან, რომლებმაც დიდი გავლენა მოახდინეს ახალგაზრდა მხატვრის მხატვრული მეთოდის განვითარებაზე. თუმცა, მიქელანჯელოს შემოქმედება არ აღმოჩნდა დახურული ლორენცო მედიჩის წრის სივრცეში. მისი ნიჭი მუდმივად ვითარდება. მხატვრის ყურადღება სულ უფრო მეტად მიიპყრო დიდი ჯოტოს და მასაჩიოს ნამუშევრების დიდი გმირული გამოსახულებები.

90-იანი წლების პირველ ნახევარში. მე-15 საუკუნეში გამოჩნდა მიქელანჯელოს მიერ შესრულებული პირველი ქანდაკებები: "მადონა კიბეზე" და "კენტავრების ბრძოლა".

„მადონაში“ ჩანს იმდროინდელ ხელოვნებაში საყოველთაოდ მიღებული მხატვრული წარმოდგენის მანერის გავლენა. მიქელანჯელოს შემოქმედებაში პლასტიკური ფიგურების იგივე დეტალებია. თუმცა, უკვე აქ ჩანს ახალგაზრდა მოქანდაკის წმინდა ინდივიდუალური ტექნიკა, რომელიც გამოიხატა ამაღლებული, გმირული სურათების შექმნით.

რელიეფში „კენტავრების ბრძოლა“ არ შეიმჩნევა გარე გავლენის კვალი. ეს ნამუშევარი ნიჭიერი ოსტატის პირველი დამოუკიდებელი ნამუშევარია, რომელიც აჩვენებს მის ინდივიდუალურ სტილს. რელიეფზე მაყურებლის წინაშე შინაარსის სისრულეში გამოსახულია ლაპითების ბრძოლის მითოლოგიური სურათი კენტავრებთან. სცენა გამოირჩევა არაჩვეულებრივი დრამატიზმითა და რეალიზმით, რაც გამოსახულია გამოსახული ფიგურების ზუსტად გადმოცემული პლასტიკურობით. ეს ქანდაკება შეიძლება ჩაითვალოს გმირის, ადამიანის სიძლიერისა და სილამაზის ჰიმნად. სიუჟეტის მთელი დრამატიზმის მიუხედავად, საერთო კომპოზიცია ღრმა შინაგან ჰარმონიას შეიცავს.

ხელოვნებათმცოდნეები მიქელანჯელოს შემოქმედების ამოსავალ წერტილად მიიჩნევენ „კენტავრების ბრძოლას“. ამბობენ, რომ მხატვრის გენიალურობა სწორედ ამ ნაწარმოებიდან იღებს სათავეს. რელიეფი, რომელიც ეხება ოსტატის ადრეულ ნამუშევრებს, ერთგვარი ანარეკლია მიქელანჯელოს მხატვრული მანერის სიმდიდრისა.

1495 წლიდან 1496 წლამდე მიქელანჯელო ბუონაროტი ბოლონიაშია. აქ ის ეცნობა Jacopo della Quercia-ს ტილოებს, რომლებმაც ახალგაზრდა მხატვრის ყურადღება შექმნილი სურათების მონუმენტურობით მიიპყრო.

1496 წელს ოსტატი დასახლდა რომში, სადაც შეისწავლა ახლახან აღმოჩენილი უძველესი ქანდაკებების პლასტიურობა და შესრულების წესი, მათ შორის ლაოკოონი და ბელვედერ ტორსო. ძველი ბერძენი მოქანდაკეების მხატვრული მანერა აისახა მიქელანჯელომ ბაკუსში.

1498 წლიდან 1501 წლამდე მხატვარი მუშაობდა მარმარილოს ჯგუფის შექმნაზე, სახელწოდებით "პიეტა" და პოპულარობა მოუტანა მიქელანჯელოს, როგორც იტალიის ერთ-ერთ პირველ ოსტატს. მთელი სცენა, რომელიც ასახავს ახალგაზრდა დედას, რომელიც ტირის მოკლული შვილის სხეულზე, გაჟღენთილია არაჩვეულებრივი კაცთმოყვარეობისა და სინაზის გრძნობით. შემთხვევითი არ არის, რომ მხატვარმა მოდელად ახალგაზრდა გოგონა აირჩია - გამოსახულება, რომელიც განასახიერებს სულიერ სიწმინდეს.

ახალგაზრდა ოსტატის ეს ნამუშევარი, სადაც ნაჩვენებია იდეალური გმირები, მნიშვნელოვნად განსხვავდება მე-15 საუკუნეში შექმნილი ქანდაკებებისგან. მიქელანჯელოს სურათები უფრო ღრმა და ფსიქოლოგიურია. მწუხარებისა და სევდის განცდა დახვეწილად არის გადმოცემული დედის სახის განსაკუთრებული გამომეტყველებით, ხელების პოზიციით, ტანით, რომლის მოსახვევებზე ხაზგასმულია ტანსაცმლის რბილი ფარდები. ამ უკანასკნელის გამოსახულება, სხვათა შორის, შეიძლება ჩაითვალოს ერთგვარი უკანდახევად ოსტატის მუშაობაში: კომპოზიციის ელემენტების დეტალური დეტალიზაცია (ამ შემთხვევაში, კაბის და კაპოტის ნაკეცები) დამახასიათებელი თვისებაა. წინარენესანსის ხელოვნების შესახებ. საერთო კომპოზიცია უჩვეულოდ გამომხატველი და პათეტიკურია, რაც ახალგაზრდა მოქანდაკის შემოქმედების გამორჩეული თვისებაა.

1501 წელს მიქელანჯელო, უკვე ცნობილი ქანდაკების ოსტატი იტალიაში, კვლავ გაემგზავრება ფლორენციაში. სწორედ აქ არის მისი მარმარილოს „დავითი“. მისი წინამორბედებისგან (დონატელო და ვეროკიო) განსხვავებით, მიქელანჯელომ ახალგაზრდა გმირი მხოლოდ ბრძოლისთვის ემზადებოდა. უზარმაზარი ქანდაკება (სიმაღლე 5,5 მ) გამოხატავს ადამიანის უჩვეულოდ ძლიერ ნებას, მისი სხეულის ფიზიკურ ძალას და სილამაზეს. მიქელანჯელოს გონებაში ადამიანის გამოსახულება მსგავსია მითოლოგიური გიგანტური ტიტანების ფიგურებს. დავითი აქ ჩნდება, როგორც სრულყოფილი, ძლიერი და თავისუფალი ადამიანის იდეის განსახიერება, რომელიც მზად არის გადალახოს ნებისმიერი დაბრკოლება მის გზაზე. გმირის სულში მღვრიე ყველა ვნება გადმოცემულია სხეულის მობრუნებით და დავითის სახის გამომეტყველებით, რაც მის გადამწყვეტ და ნებისყოფის ხასიათზე მეტყველებს.

შემთხვევითი არ არის, რომ დავითის ქანდაკება პალაცო ვეკიოს (ფლორენციის ქალაქის მთავრობის შენობა) შესასვლელს ამშვენებდა, როგორც ქალაქ-სახელმწიფოს ძალაუფლების, არაჩვეულებრივი სიძლიერისა და დამოუკიდებლობის სიმბოლოს. მთელი კომპოზიცია გამოხატავს ძლიერი ადამიანის სულისა და თანაბრად ძლიერი სხეულის ჰარმონიას.

1501 წელს დავითის ქანდაკებასთან ერთად გამოჩნდა მონუმენტური ("კაშინის ბრძოლა") და დაზგური ("მადონა დონი", მრგვალი ფორმატი) მხატვრობის პირველი ნამუშევრები. ეს უკანასკნელი ამჟამად ინახება ფლორენციის უფიზის გალერეაში.

1505 წელს მიქელანჯელო ბრუნდება რომში. აქ ის მუშაობს რომის პაპ იულიუს II-ის საფლავის შექმნაზე. გეგმის მიხედვით, საფლავი უნდა ყოფილიყო გრანდიოზული არქიტექტურული ნაგებობა, რომლის ირგვლივ მარმარილოსა და ბრინჯაოს რელიეფებისგან გამოკვეთილი 40 ქანდაკება იქნებოდა. თუმცა, გარკვეული პერიოდის შემდეგ, რომის პაპმა იულიუს II-მ უარი თქვა მის ბრძანებაზე და მიქელანჯელოს გრანდიოზული გეგმები განხორციელებული არ იყო. წყაროები მოწმობენ, რომ მომხმარებელი საკმაოდ უხეშად მოექცა ოსტატს, რის შედეგადაც მან, გულში განაწყენებულმა, გადაწყვიტა დაეტოვებინა დედაქალაქი და კიდევ ერთხელ დაბრუნებულიყო ფლორენციაში.

თუმცა, ფლორენციის ხელისუფლებამ დაარწმუნა ცნობილი მოქანდაკე რომის პაპთან მშვიდობის დამყარებაში. მალე მიქელანჯელოს ახალი წინადადებით მიუბრუნდა - სიქსტეს კაპელის ჭერის გაფორმება. ოსტატმა, რომელიც თავს პირველ რიგში მოქანდაკედ თვლიდა, უხალისოდ მიიღო შეკვეთა. ამის მიუხედავად, მან შექმნა ტილო, რომელიც დღემდე მსოფლიო ხელოვნების აღიარებულ შედევრად რჩება და მხატვარს მრავალი თაობის მეხსიერება დაუტოვა.

აღსანიშნავია, რომ მიქელანჯელო ჭერის მოხატვაზე მუშაობდა, რომლის ფართობი 600 კვადრატულ მეტრზე მეტია. მ, სრულიად მარტო, დამხმარეების გარეშე. თუმცა, ოთხი წლის შემდეგ ფრესკა მთლიანად დასრულდა.

მხატვრობისთვის ჭერის მთელი ზედაპირი რამდენიმე ნაწილად იყო დაყოფილი. ცენტრალური ადგილი უკავია ცხრა სცენას, რომლებიც ასახავს სამყაროს შექმნას, ასევე პირველი ადამიანების ცხოვრებას. ყოველი ასეთი სცენის კუთხეში შიშველი ახალგაზრდების ფიგურებია. ამ კომპოზიციის მარცხნივ და მარჯვნივ არის ფრესკები შვიდი წინასწარმეტყველისა და ხუთი მჭევრმეტყველის გამოსახულებით. ჭერი, თაღოვანი სარდაფები და ზოლები შემკულია ინდივიდუალური ბიბლიური სცენებით. უნდა აღინიშნოს, რომ აქ მიქელანჯელოს ფიგურები სხვადასხვა მასშტაბისაა. ამ სპეციალურმა ტექნიკამ ავტორს საშუალება მისცა მაყურებლის ყურადღება მიექცია ყველაზე მნიშვნელოვან ეპიზოდებსა და სურათებზე.

აქამდე ხელოვნებათმცოდნეებს აწუხებდათ ფრესკის იდეოლოგიური დიზაინის პრობლემა. ფაქტია, რომ მასში შემავალი ყველა ნაკვეთი იწერება ბიბლიური შეთქმულების განვითარების ლოგიკური თანმიმდევრობის დარღვევით. ასე, მაგალითად, ნახატი „ნოეს სიმთვრალე“ წინ უსწრებს კომპოზიციას „სინათლის დაშორება სიბნელეს“, თუმცა ეს პირიქით უნდა იყოს. თუმცა, ნაკვეთების ასეთი გაფანტვა არანაირად არ იმოქმედებდა მხატვრის მხატვრულ უნარზე. როგორც ჩანს, მხატვრისთვის მაინც უფრო მნიშვნელოვანი იყო არა თხრობის შინაარსის გამჟღავნება, არამედ ისევ (როგორც დავითის ქანდაკებაში) ადამიანის მშვენიერი, ამაღლებული სულისა და მისი ძლიერი, ძლიერი სხეულის ჰარმონიის ჩვენება.
ამას ადასტურებს საბაოთის ტიტანის მსგავსი უხუცესის გამოსახულება (ფრესკა „მზისა და მთვარის შექმნა“), რომელიც ქმნის მნათობებს.

თითქმის ყველა ფრესკაზე, რომელიც სამყაროს შექმნის შესახებ მოგვითხრობს, მაყურებლის წინაშე ჩნდება გიგანტური ადამიანი, რომელშიც შემოქმედის თხოვნით იღვიძებს სიცოცხლე, მონდომება, ძალა და ნება. დამოუკიდებლობის იდეა გადის ნახატში „დაცემა“, სადაც ევა, აკრძალული ხილისკენ მიმავალი, თითქოს ბედის გამოწვევისკენ, გამოხატავს თავისუფლების მტკიცე სურვილს. იგივე მოუქნელობითა და სიცოცხლის წყურვილით სავსეა ფრესკის „წყალდიდობის“ გამოსახულებები, რომლის გმირებსაც სჯერათ სიცოცხლის გაგრძელებისა და სიკეთის.

სიბილებისა და წინასწარმეტყველების გამოსახულებები წარმოდგენილია ხალხის ფიგურებით, რომლებიც ახასიათებენ ძლიერ გრძნობებს და პერსონაჟების ნათელ ინდივიდუალურობას. ბრძენი იოელი აქ სასოწარკვეთილი ეზეკიელის საპირისპიროა. მაყურებელი გაოცებულია სულიერი ესაიასა და მშვენიერი, წინასწარმეტყველების მომენტში ნაჩვენები დელფური სიბილის სურათებით, დიდი ნათელი თვალებით.

ზემოთ, მიქელანჯელოს მიერ შექმნილი სურათების პათოსი და მონუმენტურობა არაერთხელ აღინიშნა. საინტერესო ფაქტია, რომ თუნდაც ე.წ. დამხმარე ფიგურები ოსტატის მიერ ისეთივე თვისებებით არის დაჯილდოვებული, როგორც მთავარი გმირები. ცალკეული ნახატების კუთხეებში განლაგებული ახალგაზრდების გამოსახულებები არის ადამიანის მიერ განცდილი სიცოცხლის ხალისის განსახიერება და საკუთარი სულიერი და სხეულებრივი სიძლიერის ცნობიერება.

ხელოვნებათმცოდნეები სამართლიანად მიიჩნევენ სიქსტეს კაპელას მხატვრობას იმ ნაწარმოებად, რომელმაც დაასრულა მიქელანჯელოს შემოქმედებითი განვითარების პერიოდი. აქ ოსტატმა ისე წარმატებით დაყო ჭერი, რომ მიუხედავად საგნების მრავალფეროვნებისა, მთლიანობაში ფრესკა მხატვრის მიერ შექმნილი სურათების ჰარმონიისა და ერთიანობის შთაბეჭდილებას ტოვებს.

მიქელანჯელოს ფრესკაზე მუშაობის მთელი პერიოდის განმავლობაში ოსტატის მხატვრული მეთოდი თანდათან იცვლებოდა. მოგვიანებით პერსონაჟები წარმოდგენილია უფრო დიდი - ეს მნიშვნელოვნად აძლიერებს მათ მონუმენტურობას. გარდა ამისა, გამოსახულების ასეთმა მასშტაბმა განაპირობა ის, რომ ფიგურების პლასტიურობა გაცილებით გართულდა. თუმცა, ამან არ იმოქმედა სურათების ექსპრესიულობაზე. ალბათ აქ, უფრო მეტად, ვიდრე სადმე სხვაგან, გამოვლინდა მოქანდაკის ნიჭი, რომელიც ახერხებდა ადამიანის ფიგურის მოძრაობის ყოველი ხაზის დახვეწილად გადმოცემას. იქმნება შთაბეჭდილება, რომ ნახატები საღებავებით კი არ არის დახატული, არამედ ოსტატურად ჩამოსხმული სამგანზომილებიანი რელიეფებია.

ჭერის სხვადასხვა ნაწილში ფრესკების ბუნება განსხვავებულია. თუ ცენტრალური ნაწილი გამოხატავს ყველაზე ოპტიმისტურ განწყობას, მაშინ თაღოვან სარდაფებში არის გამოსახულებები, რომლებიც განასახიერებს პირქუში გრძნობების ყველა ჩრდილს: მშვიდობა, სევდა და შფოთვა აქ იცვლება დაბნეულობით და დაბუჟებით.

ასევე საინტერესოა მიქელანჯელოს მიერ წარმოდგენილი ქრისტეს წინაპრების გამოსახულებების ინტერპრეტაცია. ზოგიერთი მათგანი ნათესაური ერთიანობის გრძნობას გამოხატავს. სხვები კი, პირიქით, სავსეა ბოროტებითა და სიძულვილით ერთმანეთის მიმართ, რაც არ არის დამახასიათებელი ბიბლიური გმირებისთვის, რომლებიც მოწოდებულნი არიან სამყაროში სინათლისა და სიკეთის შემოტანისთვის. ხელოვნებათმცოდნეები სამლოცველოს გვიანდელ ნახატებს თვლიან ახალი მხატვრული მეთოდის გამოვლინებად, ხარისხობრივად ახალი პერიოდის დასაწყისად ცნობილი ოსტატი მხატვრის შემოქმედებაში.

20-იან წლებში. მე-16 საუკუნეში გამოჩნდა მიქელანჯელოს ნამუშევრები, რომლებიც გამიზნული იყო პაპ იულიუს II-ის საფლავის გასაფორმებლად. ამ უკანასკნელის აგების შეკვეთა ცნობილმა მოქანდაკემ მიიღო პაპის მემკვიდრეებისგან. ამ ვერსიაში, საფლავს უნდა ჰქონოდა ოდნავ მცირე ზომის ქანდაკებების მინიმალური რაოდენობა. მალე ოსტატმა დაასრულა მუშაობა სამი ქანდაკების: ორი მონის და მოსეს ქანდაკებაზე.

მიქელანჯელო ტყვეების სურათებზე მუშაობს 1513 წლიდან. ამ ნაწარმოების მთავარი თემაა ადამიანი, რომელიც ებრძვის მის მიმართ მტრულ ძალებს. აქ გამარჯვებული გმირების მონუმენტური ფიგურები ჩანაცვლებულია ბოროტების წინააღმდეგ უთანასწორო ბრძოლაში დაღუპული პერსონაჟებით. უფრო მეტიც, ეს სურათები ექვემდებარება არა მხატვრის რომელიმე მიზანს და ამოცანას, არამედ წარმოადგენს ემოციებისა და გრძნობების შერწყმას.

გამოსახულების მრავალფეროვნება გამოიხატება ოსტატის მიერ გამოყენებული ერთგვარი მხატვრული და ვიზუალური მეთოდის დახმარებით. თუ ამ დრომდე მიქელანჯელო ცდილობდა ფიგურის ან სკულპტურული ჯგუფის ჩვენებას ერთი მხრიდან, ახლა მხატვრის მიერ შექმნილი სურათი ხდება პლასტიკური, იცვლება. იმის მიხედვით, თუ ქანდაკების რომელ მხარეს არის მაყურებელი, ის გარკვეულ მონახაზებს იღებს, ხოლო ესა თუ ის პრობლემა მძაფრდება.

ზემოაღნიშნულის ილუსტრაცია შეიძლება იყოს „შეკრული პატიმარი“. ასე რომ, თუ მაყურებელი სკულპტურას საათის ისრის მიმართულებით შემოუვლის, ის ადვილად დაინახავს შემდეგს: პირველი, შეკრული ტყვეს ფიგურა უკან გადაგდებული თავით და უმწეო სხეულით გამოხატავს არაადამიანურ ტანჯვას საკუთარი უძლურების შეგნებით, ადამიანის სულისა და სხეულის სისუსტე. თუმცა, რაც უფრო მოძრაობთ ქანდაკების გარშემო, გამოსახულება მნიშვნელოვნად იცვლება. პატიმრის ყოფილი სისუსტე ქრება, მისი კუნთები ძალით ივსება, თავი ამაყად აწია. ახლა კი მაყურებლის წინაშე აღარ არის დაქანცული მოწამე, არამედ ტიტანის გმირის ძლიერი ფიგურა, რომელიც რაღაც აბსურდული შემთხვევის შედეგად აღმოჩნდა ბორკილი. როგორც ჩანს, კიდევ ერთი წამი - და ბორკილები გატყდება. თუმცა ეს არ ხდება. წინ მიდის, მაყურებელი ხედავს, როგორ სუსტდება ადამიანის სხეული, თავი ძირს იძირება. და აი, ისევ გვყავს უბედური პატიმარი, ბედზე გადამდგარი.

იგივე ცვალებადობა შეინიშნება ქანდაკებაში „მომაკვდავი პატიმარი“. წინსვლისას მაყურებელი ხედავს, თუ როგორ ცემდა აგონიაში მყოფი სხეული, თანდათან მშვიდდება და დუნდება, მარადიული სიმშვიდისა და სიმშვიდის აზრს აღძრავს.

ტყვეთა სკულპტურები უჩვეულოდ გამომხატველია, რაც იქმნება ფიგურების მოძრაობის პლასტიურობის რეალისტური გადაცემის გამო. ისინი ცოცხლდებიან მაყურებლის თვალწინ. აღსრულების ძალის თვალსაზრისით, ტყვეების ქანდაკებები შეიძლება მხოლოდ ოსტატის ადრეულ ქანდაკებას - "კენტავრების ბრძოლას" შევადაროთ.

მოსეს ქანდაკება, ტყვეებისგან განსხვავებით, გარკვეულწილად უფრო თავშეკავებული ხასიათისაა, მაგრამ არანაკლებ ექსპრესიული. აქ მიქელანჯელო კვლავ მიუთითებს ტიტანური ადამიანის გმირის იმიჯის შექმნაზე. მოსეს ფიგურა არის ლიდერის, ლიდერის, უჩვეულოდ ძლიერი ნებისყოფის მქონე ადამიანის განსახიერება. მისი არსი ყველაზე სრულად ვლინდება დავითთან შედარებით. თუ ეს უკანასკნელი სიმბოლოა საკუთარი ძალისა და დაუმარცხებლობისადმი ნდობას, მაშინ მოსე აქ არის იმ იდეის პერსონიფიკაცია, რომ გამარჯვება დიდ ძალისხმევას მოითხოვს. გმირის ამ სულიერ დაძაბულობას ოსტატი გადმოსცემს არა მხოლოდ სახის საშინელი გამომეტყველებით, არამედ ფიგურის პლასტიურობის დახმარებით: ტანსაცმლის ნაკეცების მკვეთრად გატეხილი ხაზები, მოსეს წვერის ძაფები აწეული. .

1519 წლიდან მიქელანჯელო ტყვეთა კიდევ ოთხი ქანდაკების შექმნაზე მუშაობს. თუმცა ისინი დაუმთავრებელი დარჩა. შემდგომში მათ დაამშვენეს გროტო ბობოლის ბაღებში, რომელიც მდებარეობს ფლორენციაში. ამჟამად ქანდაკებები ინახება ფლორენციის აკადემიაში. ამ ნამუშევრებში მიქელანჯელოსთვის ახალი თემა ჩნდება: კავშირი სკულპტურულ ფიგურასა და საწყის მასალად აღებულ ქვის ბლოკს შორის. მოქანდაკე აქ წამოაყენებს მხატვრის მთავარი მიზნის იდეას: გამოსახულების გათავისუფლება ქვის ბორკილებიდან. იმის გამო, რომ ქანდაკებები დაუმთავრებელი აღმოჩნდა და მათ ქვედა ნაწილში აშკარად ჩანს ქვის ნედლი ნატეხები, მაყურებელს შეუძლია დაინახოს გამოსახულების შექმნის მთელი პროცესი. აქ ნაჩვენებია ახალი მხატვრული კონფლიქტი: ადამიანი და სამყარო მის გარშემო. უფრო მეტიც, ეს კონფლიქტი არ წყდება პიროვნების სასარგებლოდ. მის ყველა გრძნობას და ვნებას გარემო თრგუნავს.

ფლორენციის მედიჩის სამლოცველოს მხატვრობა იყო ნამუშევარი, რომელმაც აღნიშნა მაღალი რენესანსის დასასრული და ამავე დროს ახალი ეტაპი მიქელანჯელოს შემოქმედებაში. ნამუშევარი ტარდებოდა 15 წლის განმავლობაში, 1520 წლიდან 1534 წლამდე. გარკვეული პერიოდის განმავლობაში, მხატვარი იძულებული გახდა შეეჩერებინა მუშაობა იმდროინდელ იტალიაში მიმდინარე პოლიტიკურ მოვლენებთან დაკავშირებით. 1527 წელს რომის დამარცხების საპასუხოდ ფლორენციამ თავი რესპუბლიკად გამოაცხადა.

მიქელანჯელო, როგორც რესპუბლიკური სახელმწიფო სისტემის მომხრე, აირჩიეს საფორტიფიკაციო სამუშაოების ხელმძღვანელად და დიდი წვლილი შეიტანა ქალაქის დაცვაში. როდესაც ფლორენცია დაეცა და მედიჩები კვლავ მოვიდნენ ხელისუფლებაში, სიკვდილის სერიოზული საფრთხე დაემუქრა ცნობილ მხატვარს, ახლა კი პოლიტიკოსს. ხსნა სრულიად მოულოდნელად მოვიდა. რომის პაპმა კლემენტ VII მედიჩმა, როგორც ამაყი და ამაო ადამიანი, გამოთქვა სურვილი, შთამომავლობას დაეტოვებინა საკუთარი და ახლობლების ხსოვნა. ვის შეეძლო ამის გაკეთება მიქელანჯელოს გარდა, რომელიც განთქმული იყო შესანიშნავი სურათების დახატვისა და შესანიშნავი ქანდაკებების ხელოვნებით?

ასე რომ, მედიჩის სამლოცველოს მშენებლობაზე მუშაობა განახლდა. ეს უკანასკნელი არის პატარა ნაგებობა მაღალი კედლებით, ზედა ნაწილში გუმბათით დაგვირგვინებული. სამლოცველოში ორი სამარხია: ნემორის ჰერცოგი ჯულიანო და ურბინოს ლორენცო, რომლებიც კედლების გასწვრივ მდებარეობს. მესამე კედელთან, საკურთხევლის მოპირდაპირედ, დგას მადონას ქანდაკება. მის მარცხნივ და მარჯვნივ არის ქანდაკებები, რომლებიც წარმოადგენენ წმინდანთა კოსმასა და დამიანეს გამოსახულებებს. დადგენილია, რომ ისინი დიდი ოსტატის მოსწავლეებმა დაამზადეს. მკვლევარები ვარაუდობენ, რომ სწორედ მედიჩების საფლავისთვის გაკეთდა აპოლონის (სხვა სახელია დავითი) და ჩახშობილი ბიჭის ქანდაკებებიც.

ჰერცოგების სკულპტურების გვერდით, რომლებსაც არ ჰქონდათ გარეგნული მსგავსება მათ პროტოტიპებთან, მოთავსებული იყო ალეგორიული ფიგურები: „დილა“, „დღე“, „საღამო“ და „ღამე“. ისინი აქ წარმოდგენილია მიწიერი დროისა და ადამიანური ცხოვრების წარმავლობის სიმბოლოებად. ვიწრო ნიშებში განლაგებული ქანდაკებები დეპრესიის, რაღაც საშინელისა და საშინელის გარდაუვალი მოსვლას იწვევს. ჰერცოგების მოცულობითი ფიგურები, რომლებიც ქვის კედლებით ყველა მხრიდან დაჭერილი აღმოჩნდა, გამოსახულებების სულიერ რღვევას და შინაგან სიცარიელეს გამოხატავს.

ამ ანსამბლში ყველაზე ჰარმონიული მადონას გამოსახულებაა. არაჩვეულებრივად გამოხატული და ლირიზმით სავსე, ცალსახაა და არ არის დამძიმებული პირქუში ხაზებით.

მედიჩის სამლოცველო განსაკუთრებულ ინტერესს იწვევს არქიტექტურული და სკულპტურული ფორმების მხატვრული ერთიანობის თვალსაზრისით. შენობისა და ქანდაკებების ხაზები აქ მხატვრის ერთ იდეას ემორჩილება. სამლოცველო არის ორი ხელოვნების - სკულპტურისა და არქიტექტურის ურთიერთქმედების სინთეზისა და ჰარმონიის ყველაზე ნათელი მაგალითი, სადაც ერთის ნაწილები ჰარმონიულად ავსებენ და ავითარებენ მეორის ელემენტების მნიშვნელობას.

1534 წლიდან მიქელანჯელომ დატოვა ფლორენცია და დასახლდა რომში, სადაც სიცოცხლის ბოლომდე დარჩა. დიდი ოსტატის შემოქმედების რომაული პერიოდი გაიარა რენესანსის მწერლების, მხატვრებისა და მოქანდაკეების მიერ ნამღერი იდეების წინააღმდეგ კონტრრეფორმაციის ბრძოლის პირობებში. ამ უკანასკნელის შემოქმედებას ცვლის მანერისტების ხელოვნება.

რომში მიქელანჯელო უახლოვდება იმ ადამიანებს, რომლებიც შეადგენდნენ რელიგიურ და ფილოსოფიურ წრეს, რომელსაც ხელმძღვანელობდა იმ დროის ცნობილი იტალიელი პოეტი, ვიტორია კოლონა. თუმცა, ისევე როგორც ახალგაზრდობაში, მიქელანჯელოს აზრები და იდეები შორს იყო იმისგან, რაც წრის თავებში ტრიალებდა. ფაქტობრივად, ოსტატი რომში ცხოვრობდა და მუშაობდა გაუგებრობისა და სულიერი მარტოობის გარემოში.

სწორედ ამ დროს (1535-1541 წწ.) გამოჩნდა უკანასკნელი განკითხვის ფრესკა, რომელიც ამშვენებდა სიქსტის კაპელის საკურთხევლის კედელს.

ბიბლიური ამბავი აქ ავტორის მიერ არის გადააზრებული. ბოლო განკითხვის სურათს მაყურებელი აღიქვამს არა როგორც პოზიტიურ დასაწყისს, უზენაესი სამართლიანობის ტრიუმფს, არამედ როგორც მთელი ოჯახის სიკვდილის საყოველთაო ტრაგედიას, როგორც აპოკალიფსი. ხალხის უზარმაზარი ფიგურები აძლიერებს კომპოზიციის დრამატულობას.

სურათის ელემენტარული ბუნება სრულად შეესაბამება მხატვრის ამოცანას - აჩვენოს ზოგად მასაში დაკარგული ადამიანი. მხატვრული იმიჯის ამ გადაწყვეტილების წყალობით მაყურებელს უჩნდება მარტოობის განცდა ამქვეყნად და უძლურება მტრული ძალების წინაშე, რომლებთან ბრძოლას აზრი არ აქვს. ტრაგიკული ნოტები უფრო გამჭოლი ჟღერადობას იძენს იმის გამო, რომ ოსტატს აქ არ აქვს ადამიანთა ჯგუფის ინტეგრალური, მონოლითური გამოსახულება (როგორც ეს გვიანი რენესანსის მხატვრების ტილოებზე იქნება წარმოდგენილი), თითოეული მათგანი ცხოვრობს საკუთარი ცხოვრებით. თუმცა, მხატვრის უდავო დამსახურებად უკვე შეიძლება ჩაითვალოს ის ფაქტი, რომ მან აჩვენა ადამიანური მასა, თუმცა ჯერ კიდევ არათანმიმდევრული, მაგრამ არა უპიროვნო.

ბოლო განაჩენში მიქელანჯელო წარმოგიდგენთ უჩვეულოდ ექსპრესიულ კოლორისტულ ტექნიკას. მსუბუქი შიშველი სხეულებისა და ბნელი, შავ-ლურჯი ცის კონტრასტი აძლიერებს კომპოზიციაში ტრაგიკული დაძაბულობისა და დეპრესიის შთაბეჭდილებას.

მიქელანჯელო. საშინელი განაჩენი. ფრესკა სიქსტის კაპელაში ვატიკანში. ფრაგმენტი. 1535-1541 წწ

1542 წლიდან 1550 წლამდე მიქელანჯელო ვატიკანში პაოლინას სამლოცველოს კედლების მოხატვაზე მუშაობდა. დიდმა ოსტატმა მხატვარმა დახატა ორი ფრესკა, რომელთაგან ერთს მოგვიანებით "პავლეს მოქცევა" უწოდეს, მეორეს კი - "პეტრეს ჯვარცმა". ამ უკანასკნელში, პეტრეს სიკვდილით დასჯას თვალს ადევნებენ გმირებს, სრულად არის წარმოდგენილი ადამიანის ჩუმად თანხმობის, უმოქმედობისა და მისი ბედისადმი მორჩილების იდეა. ადამიანებს არ აქვთ არც ფიზიკური და არც გონებრივი ძალა, რომ როგორმე წინააღმდეგობა გაუწიონ ძალადობასა და ბოროტებას.

1530-იანი წლების ბოლოს. არის მიქელანჯელოს კიდევ ერთი სკულპტურა - ბრუტუსის ბიუსტი. ეს ნამუშევარი ცნობილი ოსტატის ერთგვარი პასუხი იყო დესპოტური ჰერცოგის ალესანდრო დე მედიჩის მკვლელობაზე, რომელიც ჩაიდინა მისმა ნათესავმა ლორენცომ. მიუხედავად ნამდვილი მოტივებისა, ამ უკანასკნელის საქციელს სიამოვნებით შეხვდა მხატვარი - რესპუბლიკელების მხარდამჭერი. სამოქალაქო პათოსი ივსება ბრუტუსის იმიჯით, რომელსაც წარმოადგენს კეთილშობილი, ამაყი, დამოუკიდებელი ოსტატი, დიდი ინტელექტისა და თბილი გულის კაცი. აქ მიქელანჯელო, როგორც იქნა, უბრუნდება მაღალი სულიერი და ინტელექტუალური თვისებების მქონე იდეალური ადამიანის იმიჯს.

მიქელანჯელოს მოღვაწეობის ბოლო წლებმა მეგობრებისა და ნათესავების დაკარგვისა და საზოგადოების კიდევ უფრო გამწვავებული რეაქციის ატმოსფეროში ჩაიარა. კონტრრეფორმისტების ინოვაციებმა არ შეიძლება გავლენა მოახდინოს ოსტატის ნამუშევრებზე, რომლებშიც გამოიხატა რენესანსის ყველაზე პროგრესული იდეები: ჰუმანიზმი, თავისუფლების სიყვარული, ბედისადმი მეამბოხე. საკმარისია ითქვას, რომ კონტრრეფორმების ერთ-ერთი სასტიკი თაყვანისმცემლის, პავლე IV კარაფას გადაწყვეტილებით, ცნობილი მხატვრის მიერ უკანასკნელი განკითხვის კომპოზიციაში ცვლილებები შევიდა. პაპმა განიხილა უხამსი შიშველი ფიგურები, რომლებიც გამოსახულია ხალხის ფრესკაზე. მისი ბრძანებით, მიქელანჯელოს სტუდენტმა დანიელ და ვოლტერამ დამალა მიქელანჯელოს ზოგიერთი სურათის სიშიშვლე კონცხების ფარდებით.

მარტოობის პირქუში და მტკივნეული განწყობილება და ყველა იმედის ნგრევა გამსჭვალულია მიქელანჯელოს ბოლო ნამუშევრებით - ნახატებისა და ქანდაკებების სერიით. სწორედ ეს ნამუშევრები ყველაზე ნათლად ასახავს აღიარებული ოსტატის შინაგან წინააღმდეგობებს.

ამრიგად, იესო ქრისტე პალესტრინის „პიეტაში“ წარმოდგენილია როგორც გმირი, გატეხილი გარე ძალების შემოტევის ქვეშ. იგივე სურათი ფლორენციის საკათედრო ტაძრიდან "პიეტაში" ("საფლავები") უკვე უფრო ამქვეყნიური და ჰუმანიზებულია. ეს აღარ არის ტიტანი. თურმე მხატვრისთვის აქ უფრო მნიშვნელოვანია პერსონაჟების სულიერი სიძლიერის, ემოციებისა და გამოცდილების ჩვენება.

ქრისტეს სხეულის გატეხილი კონტურები, დედის გამოსახულება, რომელიც იხრება შვილის გარდაცვლილ სხეულზე, ნიკოდემოსი, რომელიც სხეულს ასწევს.
იესო საფლავში - ყველაფერი ექვემდებარება ერთ ამოცანას: ასახოს ადამიანური გამოცდილების სიღრმე. გარდა ამისა, მართალია
ამ ნამუშევრების უპირატესობა არის ოსტატის მიერ გამოსახულების დაშლის დაძლევა. სურათზე გამოსახულ ადამიანებს აერთიანებს ღრმა თანაგრძნობა და დაკარგვის სიმწარე. მიქელანჯელოს ეს ტექნიკა განვითარდა იტალიის ხელოვნების ფორმირების შემდეგ ეტაპზე, გვიანი რენესანსის მხატვრებისა და მოქანდაკეების ნამუშევრებში.

მიქელანჯელოს შემოქმედების ბოლო ეტაპის მწვერვალად შეიძლება ჩაითვალოს ქანდაკება, რომელსაც მოგვიანებით პიეტა რონდანინი უწოდეს. აქ ნაჩვენები სურათები წარმოდგენილია, როგორც სინაზის, სულიერების, ღრმა მწუხარების და სევდის განსახიერება. აქ, როგორც არასდროს, მწვავედ ჟღერს ადამიანის მარტოობის თემა სამყაროში, სადაც ამდენი ადამიანია.

იგივე მოტივები ჟღერს დიდი ოსტატის გვიანდელ გრაფიკულ ნამუშევრებში, რომელიც თვლიდა ქანდაკების, ფერწერისა და არქიტექტურის ფუნდამენტურ პრინციპს.

მიქელანჯელოს გრაფიკული ნამუშევრების გამოსახულებები არაფრით განსხვავდება მისი მონუმენტური კომპოზიციების გმირებისგან: აქ წარმოდგენილია იგივე დიდებული ტიტანური გმირები. შემოქმედების ბოლო პერიოდში მიქელანჯელო მიმართავს ხატვას, როგორც დამოუკიდებელ მხატვრულ და ვიზუალურ ჟანრს. ასე რომ, 30-40-იანი წლებისთვის. მე-16 საუკუნეს ეკუთვნის ოსტატის ყველაზე თვალსაჩინო და გამომხატველი კომპოზიციების გამოჩენა, როგორიცაა: „ფაეტონის დაცემა“ და „ქრისტეს აღდგომა“.

ოსტატის მხატვრული მეთოდის ევოლუცია ადვილად ჩანს გრაფიკული ნამუშევრების მაგალითებზე. თუ კალმით შესრულებული პირველი ნახატები შეიცავს ფიგურების საკმაოდ სპეციფიკურ გამოსახულებებს კონტურების საკმაოდ მკვეთრი მოხაზულობებით, შემდეგ გამოსახულებები უფრო ბუნდოვანი და რბილი ხდება. ეს სიმსუბუქე იქმნება იმის გამო, რომ მხატვარი იყენებს ან სანგვინს, ან იტალიურ ფანქარს, რომლის დახმარებით იქმნება უფრო თხელი და ნატიფი ხაზები.

თუმცა, მიქელანჯელოს გვიანდელი ნამუშევარი აღინიშნება არა მხოლოდ ტრაგიკულად უიმედო გზებით. დიდი ოსტატის არქიტექტურული ნაგებობები, რომლებიც ამ დროით თარიღდება, თითქოს აგრძელებს რენესანსის ტრადიციებს. მისი წმინდა პეტრეს ტაძარი და რომის კაპიტოლიუმის არქიტექტურული ანსამბლი მაღალი ჰუმანიზმის რენესანსული იდეების განსახიერებაა.

მიქელანჯელო ბუონაროტი გარდაიცვალა რომში 1564 წლის 18 თებერვალს. მისი ცხედარი, უმკაცრესად, დედაქალაქიდან გაიტანეს და ფლორენციაში გაგზავნეს. დიდი მხატვარი სანტა კროჩეს ეკლესიაში დაკრძალეს.

მხატვრობისა და ქანდაკების ოსტატის შემოქმედებამ დიდი როლი ითამაშა მიქელანჯელოს მრავალი მიმდევრის მხატვრული მეთოდის ჩამოყალიბებასა და განვითარებაში. მათ შორის არიან რაფაელი, მანერისტები, რომლებიც ხშირად აკოპირებდნენ ცნობილი მხატვრის მიერ შექმნილ სურათებს. ბაროკოს ეპოქის წარმომადგენლებისთვის არანაკლებ მნიშვნელოვანი იყო მიქელანჯელოს ხელოვნება. თუმცა, არასწორი იქნება იმის თქმა, რომ ბაროკოს გამოსახულებები (ადამიანი, რომელიც წინ მიიწევს არა შინაგანი იმპულსებით, არამედ გარე ძალებით) ჰგავს მიქელანჯელოს გმირებს, რომლებიც ადიდებენ ჰუმანიზმს, ადამიანის ნებას და შინაგან ძალას. არასწორი იქნებოდა.

რაფაელ სანტი

რაფაელ სანტი დაიბადა 1483 წელს დაბა ურბინოში. დიდი მხატვრის დაბადების ზუსტი თარიღის დადგენა ვერ მოხერხდა. ერთ-ერთი წყაროს ცნობით, ის დაიბადა 26 ან 28 მარტს. სხვა მეცნიერები ამტკიცებენ, რომ რაფაელის დაბადების თარიღი იყო 1483 წლის 6 აპრილი.

მე-15 საუკუნის ბოლოს ურბინო გახდა ქვეყნის ერთ-ერთი უდიდესი კულტურული ცენტრი. ბიოგრაფები ვარაუდობენ, რომ რაფაელი სწავლობდა მამამისთან, ჯოვანი სანტისთან. 1495 წლიდან ახალგაზრდა მუშაობს ურბინოს ოსტატის ტიმოტეო დელა ვიტეს სამხატვრო სახელოსნოში.

რაფაელის ყველაზე ადრე შემორჩენილ ნამუშევრებად ითვლება მინიატურები "რაინდის სიზმარი" და "სამი მადლი". უკვე ამ ნაწარმოებებში სრულად არის ასახული რენესანსის ეპოქის ოსტატების მიერ ქადაგებული ჰუმანისტური იდეალები.

„რაინდის სიზმარში“ არის ჰერკულესის მითოლოგიური თემის ერთგვარი გადახედვა, არჩევანის წინაშე: ვაჟკაცობა თუ სიამოვნება?.. რაფაელი ჰერკულესს ასახავს როგორც მძინარე ახალგაზრდა რაინდს. მის წინ ორი ახალგაზრდა ქალია: ერთი - წიგნით და მახვილით ხელში (ცოდნის, ვაჟკაცობისა და იარაღის ღვაწლის სიმბოლოები), მეორე - აყვავებული ტოტით, რომელიც ახასიათებს სიამოვნებას და სიამოვნებას. მთელი კომპოზიცია მოთავსებულია ულამაზესი პეიზაჟის ფონზე.

"სამი მადლი" კვლავ წარმოგიდგენთ ანტიკურ სურათებს, რომლებიც, დიდი ალბათობით, ძველი ბერძნული კამეოდანაა (გამოსახულება ძვირფას ან ნახევრად ძვირფას ქვაზე).

მიუხედავად იმისა, რომ ახალგაზრდა მხატვრის ადრეულ ნამუშევრებში ბევრი ნასესხებია, ავტორის შემოქმედებითი ინდივიდუალობა აქ უკვე საკმაოდ მკაფიოდ ვლინდება. იგი გამოიხატება გამოსახულების ლირიკაში, ნაწარმოების განსაკუთრებულ რიტმულ ორგანიზაციაში, ხაზების სირბილეში, რომლებიც ქმნიან ფიგურებს. როგორც მაღალი რენესანსის მხატვარი, რაფაელის ადრეული ნამუშევრებისთვის დამახასიათებელი დახატული გამოსახულებების არაჩვეულებრივი ჰარმონია, ასევე კომპოზიციური სიცხადე და სიცხადე მეტყველებს მხატვარზე.

1500 წელს რაფაელი ტოვებს მშობლიურ ქალაქს და მიდის პერუჯაში, უმბრიის მთავარ ქალაქში. აქ ის სწავლობს მხატვრობას პიეტრო პერუჯინოს სახელოსნოში, რომელიც იყო უმბრიის სამხატვრო სკოლის დამფუძნებელი. რაფაელის თანამედროვეები მოწმობენ: ნიჭიერმა მოსწავლემ იმდენად ღრმად მიიღო მასწავლებლის წერის სტილი, რომ მათი ტილოები ვერც კი გამოირჩეოდა. ძალიან ხშირად რაფაელი და პერუჯინო ასრულებდნენ შეკვეთას, ერთად მუშაობდნენ ნახატზე.

თუმცა, არასწორი იქნება იმის თქმა, რომ ახალგაზრდა ხელოვანის ორიგინალური ნიჭი ამ პერიოდში საერთოდ არ განვითარდა. ამას ადასტურებს ცნობილი Conestabile Madonna, რომელიც შეიქმნა დაახლოებით 1504 წელს.

ამ ტილოში პირველად ჩნდება მადონას გამოსახულება, რომელიც მომავალში მხატვრის შემოქმედებაში ერთ-ერთ წამყვან ადგილს დაიკავებს. მადონა დახატულია მშვენიერი პეიზაჟის ფონზე ხეებით, ბორცვებითა და ტბებით. გამოსახულებებს აერთიანებს ისიც, რომ მადონას და ბავშვის მზერა წიგნზეა მიმართული, რომლის კითხვითაც ახალგაზრდა დედაა დაკავებული. კომპოზიციის სისრულეს გადმოსცემს არა მხოლოდ მთავარი გმირების ფიგურები, არამედ თავად სურათის ფორმა - ტონდო (მრგვალი), რაც სულაც არ ზღუდავს სურათების თავისუფლებას. ისინი მოცულობითი და მსუბუქია. ბუნებრიობისა და რეალიზმის შთაბეჭდილება იქმნება კომპოზიციაში ღია ცივი ფერების გამოყენებით და მათი განსაკუთრებული კომბინაციებით: მადონას ღრმა ცისფერი მოსასხამი, გამჭვირვალე ლურჯი ცა, მწვანე ხეები და ტბის წყალი, დათოვლილი მთები თეთრი მწვერვალებით. ეს ყველაფერი, ნახატის ყურებისას, სიწმინდის და სინაზის განცდას ქმნის.

რაფაელის კიდევ ერთი არანაკლებ ცნობილი ნამუშევარი, რომელიც ასევე დაკავშირებულია მისი მოღვაწეობის ადრეულ პერიოდთან, არის 1504 წელს შექმნილი ტილო, სახელწოდებით „მარიამობის ნიშნობა“. ნახატი ამჟამად ინახება მილანის ბრერას გალერეაში. აქ განსაკუთრებით საინტერესოა კომპოზიციური სტრუქტურა. ნიშნობის რელიგიური და რიტუალური აქტი მხატვარმა ეკლესიის კედლებიდან, შორიდან ჩანს, ქუჩაში გადაიტანა. ზიარება სრულდება ნათელი ცის ქვეშ. სურათის ცენტრში არის მღვდელი, მისგან მარცხნივ და მარჯვნივ მარიამი და იოსები, რომელთა გვერდით მცირე ჯგუფებად ახალგაზრდა გოგონები და ბიჭები დგანან. კომპოზიციის პერსპექტივაში მოთავსებული ეკლესია ერთგვარი ფონია, რომლის წინააღმდეგაც ხდება ნიშნობა. ის არის ღვთაებრივი განწყობისა და კეთილგანწყობის სიმბოლო მარიამის და იოსების მიმართ. სურათის ლოგიკურ სისრულეს იძლევა ტილოს მის ზედა ნაწილში ნახევარწრიული ჩარჩო, რომელიც იმეორებს ეკლესიის გუმბათის ხაზს.

სურათზე გამოსახული ფიგურები უჩვეულოდ ლირიკული და ამავდროულად ბუნებრივია. აქ ძალიან ზუსტად და დახვეწილად არის გადმოცემული მოძრაობები, ადამიანის სხეულის პლასტიურობა. ამის თვალსაჩინო მაგალითია კომპოზიციის წინა პლანზე მდებარე ბიჭის ფიგურა, რომელიც მუხლზე ჯოხს ამტვრევს. მოხდენილი, თითქმის ეთერული, მარიამი და იოსები მაყურებელს ეჩვენებათ. მათი სულიერი სახეები სავსეა სიყვარულითა და სინაზით. ფიგურების განლაგების გარკვეული სიმეტრიის მიუხედავად, ტილო არ კარგავს ლირიკულ ჟღერადობას. რაფაელის მიერ შექმნილი სურათები არ არის სქემები, ისინი ცოცხალი ადამიანები არიან თავიანთი გრძნობების მრავალფეროვნებით.

სწორედ ამ ნაწარმოებში პირველად, წინა ნამუშევრებთან შედარებით, ახალგაზრდა ოსტატის ნიჭი ყველაზე ნათლად გამოიხატა კომპოზიციის რიტმის დახვეწილი ორგანიზების უნარში. ამ ქონების წყალობით, საერთო სურათში ჰარმონიულად შედის არქიტექტურული სტრუქტურების გამოსახულებები, რომლებიც არა მხოლოდ რაფაელის ლანდშაფტის ელემენტია, არამედ ხდება მთავარი გმირების ტოლფასი, ავლენს მათ არსს და ხასიათს.

ნაწარმოებში განსაკუთრებული რიტმის შექმნის სურვილს მხატვრის მიერ გარკვეული ტონალობის საღებავების გამოყენებაც ნაკარნახევია. ასე რომ, „მარიამის ნიშნობის“ კომპოზიცია მხოლოდ ოთხ ფერზეა აგებული.

ოქროსფერ-ყვითელი, მწვანე და წითელი ტონები, რომლებიც შერწყმულია გმირების სამოსში, ლანდშაფტში, არქიტექტურაში და ქმნის საერთო კომპოზიციის აუცილებელ რიტმს, ქმნის ჰარმონიას ცის ღია ცისფერ ჩრდილებთან.

ძალიან მალე პერუჯინოს სამხატვრო სახელოსნო ზედმეტად პატარა ხდება მხატვრის ნიჭის შემდგომი ზრდისთვის. 1504 წელს რაფაელი გადაწყვეტს გადავიდეს ფლორენციაში, სადაც ვითარდება მაღალი რენესანსის ხელოვნების იდეები და ესთეტიკა. აქ რაფაელი ეცნობა მიქელანჯელოსა და ლეონარდო და ვინჩის შემოქმედებას. თამამად შეიძლება ითქვას, რომ ისინი იყვნენ ახალგაზრდა მხატვრის მასწავლებლები მისი შემოქმედებითი მეთოდის ფორმირების ამ ეტაპზე. ამ ოსტატების ნამუშევრებში ახალგაზრდა მხატვარმა აღმოაჩინა ის, რაც არ იყო უმბრიის სკოლაში: სურათების შექმნის ორიგინალური სტილი, გამოსახული ფიგურების ექსპრესიული პლასტიურობა, რეალობის უფრო მოცულობითი წარმოდგენა.

ახალი მხატვრული და ვიზუალური გადაწყვეტილებები უკვე აისახა რაფაელის მიერ 1505 წელს შექმნილ ნამუშევრებში. ანჯელო დონის, იმდროინდელი ხელოვნების ცნობილი მფარველის ფლორენციიდან და მისი მეუღლის პორტრეტები ამჟამად ინახება პიტის გალერეაში. სურათები მოკლებულია ყოველგვარ გმირულ პათოსს და ჰიპერბოლიზაციას. ეს არის უბრალო ხალხი, დაჯილდოებული, თუმცა, საუკეთესო ადამიანური თვისებებით, რომელთა შორის არის მონდომება და ძლიერი ნება.

აქ, ფლორენციაში, რაფაელი ხატავს ნახატების ციკლს, რომელიც ეძღვნება მადონას. ჩნდება მისი ტილოები "მადონა მწვანეში", "მადონა ოქროსფერით", "მადონა მებაღე". ეს კომპოზიციები ერთი და იგივე ნაწილის ვარიანტებია. ყველა ტილოზე გამოსახულია მადონა და ბავშვი პატარა იოანე ნათლისმცემელთან ერთად. ფიგურები მოთავსებულია ზღაპრულად ლამაზი პეიზაჟის ფონზე. რაფაელის გამოსახულებები უჩვეულოდ ლირიკულია, რბილი და ნაზი. მისი მადონა არის ყოვლისშემძლე, მშვიდი დედობრივი სიყვარულის განსახიერება. ამ ნამუშევრებში შეიმჩნევა გარკვეული სენტიმენტალურობა და გადაჭარბებული აღფრთოვანება პერსონაჟების გარეგანი სილამაზის მიმართ.

ამ პერიოდის მხატვრის მხატვრული მეთოდის გამორჩეული თვისებაა ფერთა მკაფიო ხედვის ნაკლებობა, რომელიც თან ახლავს ფლორენციული სკოლის ყველა ოსტატს. ტილოებზე დომინანტური ფერები არ არის. სურათები შესრულებულია პასტელ ფერებში. მხატვრისთვის აქ მთავარი არ არის ფერი. მისთვის უფრო მნიშვნელოვანია რაც შეიძლება ზუსტად გადმოსცეს ხაზები, რომლებიც ქმნიან ფიგურას.

ფლორენციაში შეიქმნა რაფაელის მონუმენტური მხატვრობის პირველი ნიმუშები. მათ შორის ყველაზე საინტერესო იქმნება 1506 წლიდან 1507 წლამდე პერიოდში „მადონა იოანე ნათლისმცემელთან და წმ. ნიკოლოზი“ (ან „ანსიდეის მადონა“). მხატვრის შემოქმედებით მეთოდზე დიდი გავლენა მოახდინა ფლორენციელი მხატვრების, ძირითადად ლეონარდო და ვინჩისა და ფრა ბარტოლომეოს ტილოებმა.

1507 წელს, ფლორენციული სკოლის საუკეთესო ოსტატებთან შედარება რომ სურდათ, ესენი იყვნენ ლეონარდო და ვინჩი და მიქელანჯელო, რაფაელმა შექმნა საკმაოდ დიდი ტილო, სახელწოდებით "საფლავი". კომპოზიციის გამოსახულების ცალკეული ელემენტებია ცნობილი მხატვრების გამეორებები. ასე რომ, ქრისტეს თავი და სხეული ნასესხებია მიქელანჯელოს სკულპტურიდან „პიეტა“ (1498-1501 წწ.), ხოლო ქალის გამოსახულება, რომელიც მარიამის მხარდამჭერია, ამავე ოსტატის „მადონა დონის“ ტილოდან. ბევრი ხელოვნებათმცოდნე არ თვლის რაფაელის ამ ნამუშევარს ორიგინალურად, რაც ავლენს მის ორიგინალურ ნიჭს და მხატვრული და ვიზუალური მეთოდის თავისებურებებს.

მიუხედავად ბოლო წარუმატებელი ნაწარმოებისა, რაფაელის მიღწევები ხელოვნებაში მნიშვნელოვანი იყო. მალე თანამედროვეები ამჩნევენ და ცნობენ ახალგაზრდა მხატვრის ნამუშევრებს, თავად ავტორი კი რენესანსის გამოჩენილ ოსტატებთან ტოლფასია. 1508 წელს, ცნობილი არქიტექტორის, ბრამანტეს, თანამემამულე რაფაელის მფარველობით, მხატვარი მიემგზავრება რომში, სადაც ის არის პაპის კარზე მიწვეულთა შორის.

იულიუს II, რომელიც იმ დროს პაპის ტახტზე იმყოფებოდა, ცნობილი იყო, როგორც ამაო, მტკიცე და ნებისყოფის მქონე პიროვნება.
მისი მეფობის დროს პაპის საკუთრება მნიშვნელოვნად გაფართოვდა ომების დახმარებით. იგივე „შეტევითი“ პოლიტიკა ხორციელდებოდა კულტურისა და ხელოვნების განვითარებასთან დაკავშირებით. ასე რომ, პაპის კარზე მიიწვიეს ყველაზე ცნობილი მხატვრები, მოქანდაკეები და არქიტექტორები. მრავალრიცხოვანი არქიტექტურული ნაგებობებით შემკული რომი შესამჩნევად შეიცვალა: ბრამანტემ ააგო წმინდა პეტრეს ტაძარი; მიქელანჯელომ, რომელმაც დროებით შეაჩერა იულიუს II-ის საფლავის მშენებლობა, დაიწყო სიქსტის კაპელის ჭერის მოხატვა. თანდათან პაპის ირგვლივ ჩამოყალიბდა პოეტთა და მეცნიერთა წრე, რომლებიც ქადაგებდნენ მაღალ ჰუმანისტურ პრინციპებსა და იდეებს. ასეთ ატმოსფეროში ჩავარდა ფლორენციიდან ჩამოსული რაფაელ სანტი.

რომში ჩასვლისას რაფაელმა დაიწყო მუშაობა პაპის ბინების (ე.წ. სტროფების) მოხატვაზე. ფრესკები შეიქმნა 1509-1517 წლებში. ისინი გამოირჩევიან სხვა ოსტატების მსგავსი ხასიათის ნამუშევრებისგან მთელი რიგი მახასიათებლებით. პირველ რიგში, ეს არის ნახატების მასშტაბები. თუ წინა მხატვრების ნამუშევრებში იყო რამდენიმე პატარა კომპოზიცია ერთ კედელზე, მაშინ რაფაელს აქვს ცალკე კედელი თითოეული ნახატისთვის. შესაბამისად, გამოსახული ფიგურებიც „გაიზარდნენ“.

გარდა ამისა, აუცილებელია აღინიშნოს რაფაელის ფრესკების გაჯერება მრავალფეროვანი დეკორატიული ელემენტებით: ხელოვნური მარმარილოთი და მოოქროვილი ჭერი, ფრესკები და მოზაიკური კომპოზიციები და იატაკი, რომელიც მოხატულია ლამაზი ნიმუშით. ასეთი მრავალფეროვნება არ ქმნის, თუმცა ჭარბი და ქაოსის შთაბეჭდილებას. მათ ადგილებზე განლაგებული და ოსტატურად მოწყობილი დეკორატიული ელემენტები იწვევს ჰარმონიის, წესრიგისა და ოსტატის მიერ დადგენილ გარკვეულ რიტმს. ასეთი შემოქმედებითი და ტექნიკური სიახლეების შედეგად, მხატვრის მიერ ნახატებში შექმნილი გამოსახულებები ნათლად ჩანს მნახველისთვის და ამიტომ იძენს აუცილებელ სიცხადეს და სიცხადეს.

ყველა ფრესკა უნდა დამორჩილებოდა საერთო თემას: კათოლიკური ეკლესიისა და მისი თავის განდიდებას. ამასთან დაკავშირებით, ნახატები აგებულია ბიბლიურ სცენებზე და პაპის ისტორიის სცენებზე (იულიუს II-ისა და მისი მემკვიდრე ლეო X-ის გამოსახულებებით). ამასთან, რაფაელში ასეთი სპეციფიკური გამოსახულებები იძენს განზოგადებულ ალეგორიულ მნიშვნელობას, ავლენს რენესანსის ჰუმანისტური იდეების არსს.

ამ თვალსაზრისით განსაკუთრებით საინტერესოა Stanza della Senyatura (ხელმოწერის ოთახი). კომპოზიციის ფრესკები ადამიანის სულიერი მოღვაწეობის ოთხი სფეროს გამოხატულებაა. ამრიგად, ფრესკა „დავა“ გვიჩვენებს თეოლოგიას, „ათენის სკოლა“ - ფილოსოფია, „პარნასუსი“ - პოეზია, „სიბრძნე, ზომიერება და ძალა“ - სამართლიანობა. თითოეული ფრესკის ზედა ნაწილი დაგვირგვინებულია ფიგურის ალეგორიული გამოსახულებით, რომელიც წარმოადგენს კონკრეტული ტიპის საქმიანობას. სარდაფების კუთხეებში პატარა კომპოზიციებია, თემატიკით ამა თუ იმ ფრესკის მსგავსი.

ნახატის კომპოზიცია Stanza della Senyatura-ში დაფუძნებულია ბიბლიური და ძველი ბერძნული თემების ერთობლიობაზე (ბიბლიური - "დაცემა", ანტიკური - "აპოლონის გამარჯვება მარსიაზე"). თვით ის ფაქტი, რომ მითოლოგიური, წარმართული და საერო თემების ერთობლიობა გამოიყენებოდა პაპის ოთახების დეკორაციისთვის, მოწმობს იმდროინდელი ხალხის დამოკიდებულებაზე რელიგიურ დოგმებთან. რაფაელის ფრესკები გამოხატავდა საერო დასაწყისის პრიორიტეტს საეკლესიო-რელიგიურზე.

რელიგიური საკულტო ფრესკა ყველაზე თვალშისაცემი და სრულად ამსახველი იყო ნახატი „დავა“. აქ კომპოზიცია, როგორც ჩანს, იყოფა ორ ნაწილად: ცა და დედამიწა. ქვემოთ, ადგილზე გამოსახულია ეკლესიის მამათა ფიგურები, ასევე სასულიერო პირები, უხუცესები და ახალგაზრდები. მათი გამოსახულებები უჩვეულოდ ბუნებრივია, რაც იქმნება სხეულების პლასტიურობის რეალისტური გადაცემის, მოხვევებისა და ფიგურების მოძრაობის დახმარებით. აქ ხალხის მასებს შორის ადვილად ამოიცნობთ დანტეს, სავონაროლას, მხატვარს ფრა ბეატო ანჯელიკოს.

ადამიანების ფიგურების ზემოთ არის სამების სიმბოლო: ღმერთი მამა, მასზე ოდნავ დაბალი - იესო ქრისტე ღვთისმშობელთან და იოანე ნათლისმცემელთან ერთად, მათ ქვემოთ - მტრედი - სულიწმიდის პერსონიფიკაცია. საერთო კომპოზიციის ცენტრში, როგორც ზიარების სიმბოლო, მასპინძელია.

„დავაში“ რაფაელი კომპოზიციის შეუდარებელ ოსტატად გვევლინება. მრავალი სიმბოლოს მიუხედავად, სურათი გამოირჩევა გამოსახულების არაჩვეულებრივი სიცხადით და ავტორის აზრების სიცხადით. კომპოზიციის ზედა ნაწილში ფიგურების განლაგების სიმეტრიას არბილებს მის ქვედა ნაწილში თითქმის ქაოტურად მოთავსებული ფიგურები. და ამიტომ, პირველის გამოსახულების გარკვეული ესკიზობა ძლივს შესამჩნევი ხდება. ჯვარედინი კომპოზიციური ელემენტი აქ არის ნახევარწრიული: ნახევარწრი, რომელიც მდებარეობს წმინდანთა და მოციქულთა ზედა ნაწილში ღრუბლებზე და როგორც მისი გამოძახილი, სურათის ქვედა ნაწილში ადამიანების თავისუფალი და უფრო ბუნებრივი ფიგურების ნახევარწრიული.

რაფაელის შემოქმედების ამ პერიოდის ერთ-ერთი საუკეთესო ფრესკა და ნამუშევარია ნახატი "ათენის სკოლა". ეს ფრესკა წარმოადგენს იმ მაღალი ჰუმანისტური იდეალების განსახიერებას, რომელიც დაკავშირებულია ძველი საბერძნეთის ხელოვნებასთან. მხატვარმა გამოსახა ცნობილი უძველესი ფილოსოფოსები და მეცნიერები. კომპოზიციის ცენტრალურ ნაწილში მოთავსებულია პლატონისა და არისტოტელეს ფიგურები. პლატონის ხელი დედამიწაზე მიუთითებს, არისტოტელე კი - ცაზე, რომელიც სიმბოლოა უძველესი ფილოსოფოსების სწავლებაზე.

პლატონის მარცხენა მხარეს გამოსახულია სოკრატეს ფიგურა, რომელიც ესაუბრება ადამიანთა ჯგუფს, რომელთა შორის შესამჩნევად გამოირჩევა ახალგაზრდა ალკიბიადესის სახე, რომლის სხეულს ჭურვი იცავს, თავი კი დაფარულია ჭურვით. ჩაფხუტი. კინიკების ფილოსოფიური სკოლის დამფუძნებელი დიოგენე მოთავსებულია კიბეებზე. იგი აქ წარმოდგენილია, როგორც ტაძრის შესასვლელთან მდგარი მათხოვარი და მოწყალებას ითხოვს.

კომპოზიციის ბოლოში ხალხის ორი ჯგუფია. მარცხენა მხარეს ნაჩვენებია პითაგორას ფიგურა, რომელიც გარშემორტყმულია სტუდენტებით. მარჯვნივ - ევკლიდე, რომელიც რაღაცას ხატავს ფიქალის დაფაზე, ასევე გარშემორტყმული სტუდენტებით. ბოლო ჯგუფის მარჯვნივ არის ზოროასტერი და გვირგვინი პტოლემეოსი ხელში სფეროებით. იქვე ავტორმა განათავსა თავისი ავტოპორტრეტი და მხატვრის სოდომის ფიგურა (სწორედ მან დაიწყო მუშაობა სტანზა დელა სენიატურას ნახატზე). ცენტრის მარცხნივ მხატვარმა მოათავსა მოაზროვნე ჰერაკლიტე ეფესელი.

დავის ფრესკების სურათებთან შედარებით, ათენის სკოლის ფიგურები გაცილებით დიდი და მონუმენტურია. ესენი არიან არაჩვეულებრივი გონებითა და დიდი სიმტკიცით დაჯილდოებული გმირები. ფრესკის მთავარი გამოსახულებებია პლატონი და არისტოტელე. მათი მნიშვნელობა განისაზღვრება არა მხოლოდ და არა იმდენად კომპოზიციაში არსებული ადგილით (ისინი იკავებენ ცენტრალურ ადგილს), არამედ სახის გამომეტყველებითა და სხეულების განსაკუთრებული პლასტიურობით: ამ ფიგურებს აქვთ მართლაც სამეფო პოზა და სიარული. საინტერესო ფაქტია, რომ ლეონარდო და ვინჩი გახდა პლატონის გამოსახულების პროტოტიპი. ევკლიდეს გამოსახულების დაწერის მოდელი იყო არქიტექტორი ბრამანტი. ჰერაკლიტეს პროტოტიპი იყო მიქელანჯელოს მიერ გამოსახული ფიგურა სიქსტის კაპელის ჭერზე. ზოგიერთი მეცნიერი ვარაუდობს, რომ ჰერაკლიტეს გამოსახულება ოსტატმა გადაწერა თავად მიქელანჯელოსგან.

აქაც იცვლება თემა: ფრესკა ერთგვარ ჰიმნად ჟღერს ადამიანის გონებასა და ადამიანის ნებას. სწორედ ამიტომ, ყველა პერსონაჟი განლაგებულია გრანდიოზული არქიტექტურული შენობების ფონზე, რაც სიმბოლოა ადამიანის გონებისა და შემოქმედებითი აზროვნების უსასრულობისა. თუ „დავების“ გმირები პასიურები არიან, მაშინ „ათენის სკოლაში“ წარმოდგენილი გამოსახულებები მათი ცხოვრების აქტიური და ენერგიული მშენებლები, მსოფლიო სოციალური წესრიგის ტრანსფორმატორები არიან.

საინტერესოა ფრესკის კომპოზიციური გადაწყვეტილებებიც. ასე რომ, პლატონისა და არისტოტელეს ფონზე განთავსებული ფიგურები, იმის გამო, რომ ისინი მოძრაობაშია ნაჩვენები, სურათზე მთავარია. გარდა ამისა, ისინი ქმნიან კომპოზიციის დინამიურ ცენტრს. სიღრმიდან გამოსული ისინი თითქოს წინ მიდიან, მაყურებლისკენ, რაც ქმნის დინამიკის, კომპოზიციის განვითარების შთაბეჭდილებას, რომელიც ნახევარწრიული თაღითაა შემოსაზღვრული.

Stanza d'Eliodoro-ს ბეჭდების ოთახის მიღმა ნახატზე მუშაობა რაფალმა შეასრულა 1511-1514 წლებში. ამ ოთახის ფრესკების თემა იყო ბიბლიური ლეგენდები და ფაქტები პაპის ისტორიიდან, შემკული ისტორიებით, რომელშიც მთავარი ადგილი დაეთმო საღვთო განგებულებას და სასწაულს.

ოთახმა მიიღო სახელი ფრესკაზე "ელიოდორის განდევნა" დეკორატიული სამუშაოების დასრულების შემდეგ, რომლის სიუჟეტი ეფუძნებოდა სირიელი მეთაურის ელიოდორის ისტორიას, რომელსაც სურდა იერუსალიმის ციხეში შენახული სიმდიდრის მოპარვა. თუმცა ცის მხედარმა ხელი შეუშალა. ფრესკა ემსახურებოდა იმის შეხსენებას, თუ როგორ დაამარცხეს პაპ იულიუს II-ის ჯარებმა და სამარცხვინოდ განდევნეს საფრანგეთის არმია პაპის ქვეყნებიდან.

თუმცა ეს ფრესკა არ გამოირჩევა მხატვრის შემოქმედებითი ჩანაფიქრის გამოხატვის ძალით. ეს ალბათ იმით არის განპირობებული, რომ მთლიანი შემადგენლობა ორ ცალკეულ ნაწილად იყოფა. მარცხნივ არის ლამაზი მხედარი, რომელიც ორ ანგელოზთან ერთად ცდილობს ელიოდორს დაარტყას. ფრესკის მარჯვენა მხარეს გამოსახულია იულიუს II, საკაცეზე მიწოლილი. საკაცის მხარდამჭერთა შორის მხატვარმა განასახიერა ცნობილი გერმანელი მხატვარი ალბრეხტ დიურერი. სიუჟეტის სავარაუდო გმირული პათოსის მიუხედავად, რაფაელის გამოსახულებები აქ სრულიად მოკლებულია დინამიკასა და დრამას.

გარკვეულწილად უფრო ძლიერი ხასიათით და კომპოზიციური სტრუქტურით სრულყოფილია ფრესკა სახელწოდებით "მასები ბოლსენაში". მისი სიუჟეტი ეფუძნება ისტორიას ურწმუნო მღვდელზე, რომლის ვაფლი ზიარების დროს სისხლით იყო შეღებილი. რაფაელის ტილოზე ამ სასწაულის მოწმეები იყვნენ მის უკან მდებარე პაპი იულიუს II, კარდინალები და შვეიცარიელი მცველებიდან.

ცნობილი მხატვრის ამ ნამუშევრის გამორჩეული თვისება იყო დიდი, წინა ნამუშევრებთან შედარებით, ბუნებრიობისა და ბუნებრიობის ხარისხი პერსონაჟების გამოსახულებაში. ეს აღარ არიან აბსტრაქტული ფიგურები, რომლებიც აოცებენ თავიანთი გარეგნული სილამაზით, არამედ საკმაოდ რეალური ადამიანები. ამის ყველაზე ნათელი მტკიცებულებაა შვეიცარიელთა გამოსახულებები პაპის მცველებისგან, რომელთა სახეები სავსეა შინაგანი ენერგიით, გამოხატავს ძლიერ ადამიანურ ნებას. თუმცა, მათი გრძნობები არ არის მხატვრის შემოქმედებითი გამოგონება. ეს არის ძალიან რეალური ადამიანური ემოციები.

ამ ნაწარმოებში ავტორი დიდ ყურადღებას აქცევს ფერს, ტილოსა და გამოსახულებების კოლორისტულ სისრულეს. მხატვარი ახლა ზრუნავს არა მხოლოდ ფიგურების კონტურული ხაზების ზუსტი გადაცემით, არამედ გამოსახულების ფერთა გაჯერებით, მათი შინაგანი სამყაროს გარკვეული ტონით ჩვენებით.

თანაბრად გამოხატულია ფრესკა "პეტრეს წარმოება", რომელიც ასახავს პეტრე მოციქულის ანგელოზის მიერ განთავისუფლების სცენას. ხელოვნებათმცოდნეები თვლიან, რომ ეს სურათი არის პაპის ლეგატის ლეო X-ის (რომელიც მოგვიანებით გახდა პაპი) საფრანგეთის ტყვეობიდან ზღაპრული განთავისუფლების სიმბოლო.

ამ ფრესკაში განსაკუთრებით საინტერესოა ავტორის მიერ ნაპოვნი კომპოზიციური და ფერადი გადაწყვეტა. ის იმეორებს ღამის განათებას, რაც აძლიერებს საერთო კომპოზიციის დრამატულ ხასიათს. საგულდაგულოდ შერჩეული არქიტექტურული ფონი ასევე ხელს უწყობს სურათის შინაარსისა და უფრო დიდი ემოციური შინაარსის გამჟღავნებას: მასიური აგურით აგებული დუნდული, მძიმე თაღოვანი სარდაფი და გისოსების სქელი ზოლები.

მეოთხე და ბოლო ფრესკა Stanza d'Eliodoro-ში, რომელსაც მოგვიანებით უწოდეს "პაპ ლეო I-ის შეხვედრა ატილასთან", რაფაელის ესკიზების მიხედვით შესრულდა მისმა სტუდენტებმა, ჯულიო რომანომ და ფრანჩესკო პენიმ. ნამუშევარი შესრულდა 1514 წლიდან 1517 წლამდე პერიოდში. თავად ოსტატმა, რომელიც იმ დროისთვის უჩვეულოდ პოპულარული მხატვარი გახდა, რომლის პოპულარობა მთელ იტალიაში გავრცელდა და უამრავი შეკვეთა მიიღო, ვერ დაასრულა პაპის პალატების დეკორაცია. გარდა ამისა, რაფაელი იმ დროს დაინიშნა წმინდა პეტრეს ტაძრის მთავარ ხუროთმოძღვრად, ასევე კურირებდა არქეოლოგიურ გათხრებს, რომლებიც მაშინ ტარდებოდა რომისა და მის შემოგარენში.

ნახატები, რომლებიც ამშვენებდა Stanzas del Incendio-ს, ეფუძნებოდა პაპის ისტორიის ისტორიებს. ყველა ფრესკს შორის, ალბათ, მხოლოდ ერთი იმსახურებს განსაკუთრებულ ყურადღებას - "ცეცხლი ბორგოში". იგი მოგვითხრობს ხანძრის შესახებ, რომელიც გაჩნდა რომის ერთ-ერთ კვარტალში 847 წელს. პაპი ლეო IV-მ მაშინ მონაწილეობა მიიღო ხანძრის ჩაქრობაში. ეს ფრესკა გადაჭარბებული პათოსითა და ხელოვნური დრამატიზმით გამოირჩევა იმ ადამიანების გამოსახულებით, რომლებიც სტიქიისგან თავის დაღწევას ცდილობენ: ვაჟი, რომელსაც მამა ატარებს, ახალგაზრდა მამაკაცი კედელზე ცოცავს, გოგონა ხელში დოქით.

ვატიკანის სტროფების ფრესკები კარგად აჩვენებს რაფაელის შემოქმედების ევოლუციას: მხატვარი თანდათან გადადის ადრეული ნამუშევრების იდეალური გამოსახულებებიდან დრამაზე და, ამავდროულად, ცხოვრებასთან დაახლოება გვიანდელი პერიოდის ნამუშევრებში (სიუჟეტური კომპოზიციები და პორტრეტები) .

რომში ჩასვლისთანავე, 1509 წელს, რაფაელმა, რომელიც აგრძელებდა მადონას თემას, დაწერა ტილო "მადონა ალბა". კონესტაბილ მადონას ფიგურებთან შედარებით, ალბა მადონას გამოსახულებები გაცილებით რთულია. მარია აქ არის გამოსახული, როგორც ახალგაზრდა ქალი ძლიერი ხასიათით, ენერგიული და თავდაჯერებული. ბავშვის მოძრაობები ისეთივე ძლიერია. ნახატი ტონდოს სახითაა. თუმცა, აქ ფიგურები სრულად არის დაწერილი, რაც არ იყო დამახასიათებელი მრგვალი ტილოებისთვის. თუმცა, ფიგურების ასეთი განლაგება არ იწვევს სტატიკური გამოსახულების გამოჩენას. ისინი, ისევე როგორც მთლიანი კომპოზიცია, ნაჩვენებია დინამიკაში. ეს გრძნობა იქმნება იმის გამო, რომ ოსტატი დახვეწილად და ზუსტად გადმოსცემს ადამიანის სხეულის მოძრაობების პლასტიურობას.

მხატვრის შემოქმედებითი მეთოდის ჩამოყალიბებისთვის განსაკუთრებული მნიშვნელობა ჰქონდა ნახატს „მადონა სავარძელში“ (ანუ „Madonna della sedia“), რომლის ნამუშევარი დასრულდა დაახლოებით 1516 წელს. მადონას გარკვეულწილად იდეალიზებული გამოსახულება აქ არის დედამიწაზე. კომპოზიციაში კონკრეტული, რეალური ელემენტების შეტანა. ასე, მაგალითად, მარიამის მკერდი დაფარულია ფართო კაშკაშა შარფით, რომელსაც აქვს ფარდა. ასეთი შარფები იმ დროს ყველა იტალიელი გლეხის ქალის საყვარელი სამოსი იყო.

მადონას, ქრისტეს შვილისა და პატარა იოანე ნათლისმცემლის ფიგურები ერთმანეთთან ახლოსაა განთავსებული. როგორც ჩანს, სურათები შეუფერხებლად მიედინება ერთმანეთში. მთელი სურათი გამსჭვალულია უჩვეულოდ ნათელი ლირიკული გრძნობით. დედობრივი სიყვარულის მარად ცოცხალი თემა აქ არამარტო მარიამის მზერაშია გადმოცემული, არამედ მისი ფიგურის პლასტიურობაშიც. ტონდოს ფორმა მთელ კომპოზიციას ლოგიკურ სისრულეს ანიჭებს. მრგვალ ტილოზე მოთავსებული მარიამის და ბავშვის ფიგურები ორი უახლოესი ადამიანის: დედისა და შვილის ერთიანობის სიმბოლოა. ეს
რაფაელის სურათი მისმა თანამედროვეებმა აღიარეს, როგორც დაზგური მხატვრობის მწვერვალი, არა მხოლოდ კომპოზიციური კონსტრუქციის თვალსაზრისით, არამედ გამოსახულების პლასტიკური ხაზების დახვეწილი გადაცემის გამო.

10-იანი წლებიდან. მე-16 საუკუნე რაფაელი მუშაობს საკურთხევლის კომპოზიციებზე. ასე რომ, 1511 წელს ჩნდება ფოლინიო მადონა. 1515 წელს კი ცნობილი მხატვარი იწყებს ტილოს შექმნას, რომელიც მოგვიანებით მხატვარს დიდი ოსტატის დიდებას მოუტანს და ერთზე მეტი თაობის ადამიანთა გულებს მოიგებს. "სიქსტე მადონა" არის ნახატი, რომელმაც დაასრულა რაფაელის მხატვრული მეთოდის ჩამოყალიბების ბოლო ეტაპი. დედობის თემამ აქ მიიღო, წინა ნაწარმოებებთან შედარებით, უდიდესი განვითარება და ყველაზე სრულყოფილი განსახიერება.

ტაძარში შესვლისთანავე მაყურებლის თვალი მაშინვე მიიპყრობს მადონას დიდებულ ფიგურას, რომელსაც ხელში ატარებს ჩვილი იესო ქრისტე. ეს ეფექტი მიიღწევა პერსონაჟების სპეციალური კომპოზიციური განლაგებით. ნახევრად ღია ფარდა, წმინდა სიქსტუსის და ბარბარეს თვალები, მარიამს მიუბრუნდა - ეს ყველაფერი მიზნად ისახავს გამოკვეთოს და ახალგაზრდა დედის კომპოზიციის ცენტრში გახადოს.

მადონას გამოსახულების გამოვლენისას რაფაელი შორს წავიდა რენესანსის მხატვრებისგან. მადონა აქ პირდაპირ ესაუბრება მაყურებელს. ის არ არის დაკავებული ბავშვით (როგორც ლეონარდო და ვინჩის მადონა) და არ არის ჩაძირული საკუთარ თავში (როგორც ოსტატის ადრეული ნამუშევრების გმირები). ეს მარიამი, რომელიც თოვლივით თეთრ ღრუბლებში მაყურებლისკენ მიიწევს, მას ესაუბრება. მის ფართოდ გახელებულ თვალებში ჩანს დედობრივი სიყვარული და გარკვეული დაბნეულობა, უიმედობა, თავმდაბლობა და ღრმა შეშფოთება შვილის მომავალი ბედით. მან, როგორც მხილველმა, იცის ყველაფერი, რაც მის შვილს მოუვა. თუმცა, ხალხის გადარჩენის მიზნით, დედა მზადაა გასწიროს იგი. ასეთივე სერიოზულობით არის დაჯილდოებული ჩვილი ქრისტეს გამოსახულებაც. მის თვალებში, თითქოს მთელი სამყაროა შემოსილი, ის წინასწარმეტყველივით გვიამბობს კაცობრიობის და საკუთარის ბედს.

რაფაელი. სიქსტე მადონა. 1515-1519 წწ

მარიამის სურათი სავსეა დრამატულობით და უჩვეულოდ გამოხატული. თუმცა, იგი მოკლებულია იდეალიზაციას და არ არის დაჯილდოებული ჰიპერბოლური თვისებებით. სისრულის, გამოსახულების სისრულის განცდა აქ იქმნება კომპოზიციის დინამიზმის გამო, რაც გამოიხატება ფიგურების პლასტიურობის ზუსტი და ერთგული გადაცემით, გმირების ტანსაცმლის ფარდობით. ყველა ფიგურა წარმოდგენილია, ცოცხალი, მობილური, ნათელი. მარიამის სახე, ისევე როგორც ჩვილი ქრისტე, არაბავშვურად სევდიანი თვალებით, გამოხატავს გრძნობების მთელ სპექტრს, რომლებიც ერთმანეთის მიყოლებით იცვლება სიტყვასიტყვით მაყურებლის თვალწინ: სევდა, შფოთვა, თავმდაბლობა და, ბოლოს და ბოლოს, მონდომება.

ხელოვნებათმცოდნეებს შორის კვლავ ღია რჩება საკითხი სიქსტინის მადონას პროტოტიპის შესახებ. ზოგიერთი მკვლევარი ამ სურათს აიგივებს ახალგაზრდა ქალის გამოსახულებით, რომელიც გამოსახულია პორტრეტზე "ქალბატონი ფარშით" (1514 წ.). თუმცა, მხატვრის თანამედროვეთა ჩვენებით, მერი ტილოზე "სიქსტე მადონა" უფრო მეტად განზოგადებული ტიპის ქალია, რაფაელიური იდეალი, ვიდრე ვინმეს კონკრეტული გამოსახულება.

რაფაელის პორტრეტულ ნამუშევრებს შორის დიდი ინტერესია 1511 წელს დახატული რომის პაპ იულიუს II-ის პორტრეტი, რომელიც აქ ერთგვარ იდეალადაა ნაჩვენები რეალური პიროვნება, რაც მხატვრის შემოქმედებითი მეთოდის დამახასიათებელი ნიშანი იყო.

განსაკუთრებით აღსანიშნავია გრაფი ბალდასარე კასტილიონეს პორტრეტი, შექმნილი 1515 წელს, რომელიც ასახავს მშვიდ, გაწონასწორებულ, ჰარმონიულად განვითარებულ ადამიანს. რაფაელი აქ ჩნდება, როგორც ფერის მშვენიერი ოსტატი. ის იყენებს კომპლექსურ ფერთა კომბინაციებს და ტონალურ გადასვლებს. შეფერილობის იგივე ოსტატობა გამოირჩევა მხატვრის კიდევ ერთი ნამუშევრითაც: ქალის პორტრეტი „ქალბატონი ფარშით“ („La donna velata“, 1514 წ.), სადაც დომინანტური ფერი თეთრი საღებავია (ქალის თოვლივით თეთრი კაბა იშლება. მსუბუქი ფარდა).

რაფაელის შემოქმედებაში მნიშვნელოვანი ნაწილი მონუმენტურ ნამუშევრებს უჭირავს. მის შემდგომ მსგავს ნამუშევრებს შორის, უპირველეს ყოვლისა, ყველაზე საინტერესოა ფრესკა, რომელიც ამშვენებდა ვილა ფარნესინას კედლებს 1515 წელს (ყოფილი მდიდარი ჩიგის საკუთრება) "გალატეას ტრიუმფი". ეს სურათი უჩვეულოდ მხიარული განწყობით გამოირჩევა. სურათები ფაქტიურად სავსეა ბედნიერებით. მსგავსი ტონი იქმნება ნათელი, გაჯერებული ფერების სპეციალური კომბინაციის გამოყენებით: შიშველი თეთრი სხეულები აქ ჰარმონიულად არის შერწყმული გამჭვირვალე ლურჯი ცა და ზღვის ლურჯი ტალღები.

რაფაელის ბოლო მონუმენტური ნამუშევარი იყო თაღოვანი გალერეის კედლების გაფორმება, რომელიც მდებარეობს ვატიკანის სასახლის მეორე სართულზე. დარბაზების დეკორი გაფორმებული იყო ხელოვნური მარმარილოს ნახატებითა და მოზაიკებით. ფრესკებისთვის ნაკვეთები მხატვარმა დახატა ბიბლიური ლეგენდებიდან და ე.წ. გროტესკები (ძველ ბერძნულ სამარხებზე აღმოჩენილი ნახატი - გროტოები). სულ 52 ნახატია. მოგვიანებით ისინი გაერთიანდნენ ციკლში ზოგადი სახელწოდებით "რაფაელის ბიბლია". საინტერესოა ისიც, რომ ცნობილმა მხატვარმა თავის სტუდენტებთან ერთად ვატიკანის სასახლის დარბაზების გაფორმებაზე მუშაობა შეასრულა, რომელთა შორის გამორჩეული ადგილი ჯულიო რომანოს, ფრანჩესკო პენის, პერინო დელ ვაგას, ჯოვანი და უდინეს ეკავა.

რაფაელის შემდგომი დაზგური ნახატები იყო ოსტატის თანდათან მზარდი შემოქმედებითი კრიზისის ერთგვარი ანარეკლი და გამოხატულება. მიჰყვება მაღალი რენესანსის ოსტატების მიერ შექმნილი სურათების მუდმივად მზარდი დრამატიზაციის გზას, მაგრამ ამავე დროს რჩება მხატვრული წარმოდგენის საკუთარი, უკვე დამკვიდრებული მეთოდების ერთგული, რაფაელი მოდის სტილის წინააღმდეგობებთან. მისი აზრების გამოხატვის საშუალებები და ხერხები ძალიან ცოტაა, რათა შეიქმნას თვისობრივად ახალი, უფრო სრულყოფილი გამოსახულებები მათი შინაგანი სამყაროსა და გარეგანი სილამაზის გადმოცემის თვალსაზრისით. რაფაელის მოღვაწეობის ამ პერიოდის ამსახველი ნათელი მაგალითებია „ჯვრის ტარება“ (1517), ციკლი „წმინდა ოჯახები“ (დაახლოებით 1518 წ.), საკურთხევლის კომპოზიცია „ფერისცვალება“.

სავსებით შესაძლებელია, რომ ისეთი ნიჭიერი მხატვარი, როგორიც რაფაელია, იპოვა გამოსავალი ასეთი შემოქმედებითი ჩიხიდან, რომ არა უეცარი სიკვდილი, რომელმაც შოკში ჩააგდო ოსტატის ყველა თანამედროვე. რაფაელ სანტი გარდაიცვალა 1520 წლის 6 აპრილს 37 წლის ასაკში. მდიდრული პანაშვიდი გაიმართა. დიდი მხატვრის ფერფლი რომის პანთეონშია დაკრძალული.

რაფაელის ნამუშევრები დღემდე რჩება მსოფლიო ხელოვნების შედევრად. ეს ნახატები, როგორც კლასიკური ხელოვნების მაგალითი, მიზნად ისახავდა კაცობრიობის წარმოჩენას სრულყოფილი, არამიწიერი სილამაზისთვის. მათ მაყურებელს წარუდგინეს სამყარო, სადაც ადამიანებს აქვთ მაღალი გრძნობები და აზრები. რაფაელის შემოქმედება ხელოვნების ერთგვარი ჰიმნია, რომელიც გარდაქმნის ადამიანს, ხდის მას უფრო სუფთას, ნათელს, ლამაზს.

ტიციანი (ტიზიანო ვეჩელიო)

Tiziano Vecellio დაიბადა სამხედრო ოჯახში პატარა ქალაქ Pieve di Cadore-ში, რომელიც მდებარეობს მთებში და ვენეციური საკუთრების ნაწილი. მეცნიერებმა ზუსტად ვერ დაადგინეს ტიციანის დაბადების თარიღი და წელი. ზოგი თვლის, რომ ეს არის 1476-1477 წლები, სხვები - 1485-1490 წლები.

მეცნიერები ვარაუდობენ, რომ ვესელიოს ოჯახი უძველესი და საკმაოდ გავლენიანი იყო ქალაქში. დაინახეს ბიჭის ადრეული მხატვრობის ნიჭი, მშობლებმა გადაწყვიტეს ტიზიანო ვენეციელი მოზაიკის ოსტატის სახელოსნოსთვის გადაეცათ. გარკვეული პერიოდის შემდეგ, ახალგაზრდა ვესელიოს დაევალა სწავლა სახელოსნოში, ჯერ ჯენტილ ბელინის, შემდეგ კი ჯოვანი ბელინის. ამ დროს ახალგაზრდა მხატვარი ჯორჯიონეს შეხვდა, რომლის გავლენა მის ადრეულ ნამუშევრებზეც აისახა.

მხატვრის მთელი შემოქმედება შეიძლება დაიყოს ორ პერიოდად: პირველი - ე.წ. ჯორჯონევსკი - 1515-1516 წლამდე (როდესაც ჯორჯონის გავლენა ყველაზე მძაფრად არის გამოხატული მხატვრის შემოქმედებაში); მეორე - 40-იანი წლებიდან. მე-16 საუკუნე (ამ დროს ტიციანი უკვე ჩამოყალიბებული ოსტატია, რომელიც წარმოადგენს გვიანი რენესანსის ხელოვნებას).

ადრეულ ეტაპზე ჯორჯონისა და რენესანსის მხატვრების მხატვრული მეთოდის მიყოლებით, ტიციანი ხელახლა განიხილავს მხატვრული პრობლემების გადაჭრის გზებს. მხატვრის ფუნჯის ქვეშ ახალი გამოსახულებები გამოდის, რომლებიც მნიშვნელოვნად განსხვავდება ისეთი ამაღლებული და დახვეწილი ფიგურებისგან, როგორებიცაა რაფაელი და ლეონარდო და ვინჩი. ტიციანის გმირები არიან ამქვეყნიური, სრულფასოვანი, სენსუალური, მათ დიდწილად წარმართული დასაწყისი აქვთ. მხატვრის ადრეული ტილოები გამოირჩევა საკმაოდ მარტივი კომპოზიციით, რომელიც, მიუხედავად ამისა, გაჟღენთილია უჩვეულოდ მხიარული განწყობით და უღრუბლო ბედნიერების, სისავსისა და მიწიერი ცხოვრების უსაზღვროობის ცნობიერებით.

ამ პერიოდის ნამუშევრებს შორის, რომლებიც ყველაზე სრულად გამოხატავს მხატვრის შემოქმედებით მეთოდს, ერთ-ერთი ყველაზე თვალშისაცემია 10-იანი წლებით დათარიღებული ნახატი „სიყვარული დედამიწასა და ზეცაში“. მე-16 საუკუნე. ავტორისთვის მნიშვნელოვანია არა მხოლოდ სიუჟეტის გადმოცემა, არამედ მშვენიერი პეიზაჟის ჩვენებაც, რომელიც აღძრავს ფიქრებს სიმშვიდისა და ყოფნის ბედნიერებაზე და ქალის სენსუალურ სილამაზეზე.

ქალის ფიგურები უდავოდ ამაღლებულია, მაგრამ ისინი არ არიან აბსტრაქტული ცხოვრებისგან და არ არიან იდეალიზებულნი ავტორის მიერ. რბილი ფერებით მოხატული და ფონზე მოთავსებული პეიზაჟი შესანიშნავ ფონს ემსახურება მოხდენილი და ელეგანტური, მაგრამ ამავე დროს საკმაოდ რეალური, სპეციფიკური ქალის სურათებისთვის: მიწიერი სიყვარული და ზეციური სიყვარული. ოსტატურად შედგენილი კომპოზიცია და ფერის დახვეწილი გრძნობა დაეხმარა მხატვარს უჩვეულოდ ჰარმონიული ნაწარმოების შექმნაში, რომლის თითოეული ელემენტი ექვემდებარება ავტორის სურვილს, აჩვენოს მიწიერი ბუნებისა და ადამიანის ბუნებრივი სილამაზე.

ტიციანის გვიანდელ ნაშრომში ასუნტა (ან მარიამის ამაღლება), რომელიც დათარიღებულია 1518 წლით, არ არის ისეთი მშვიდი ჭვრეტა და სიმშვიდე, რომელიც ჟღერს ნაწარმოებში მიწიერი და ზეციური სიყვარული. მეტია დინამიკა, ძალა, ენერგია. კომპოზიციის ცენტრალური ფიგურა მარიამია, რომელიც მიწიერი სილამაზითა და ძალით აღსავსე ახალგაზრდა ქალია. მისკენ არის მიმართული მოციქულთა შეხედულებები, რომელთა გამოსახულებები გამოხატავს იმავე შინაგან სიცოცხლისუნარიანობას და ენერგიას. ადამიანის სილამაზისა და ძლიერი ადამიანური განცდის ერთგვარი ჰიმნი არის კომპოზიცია „ბაქუსი და არიადნე“ (ციკლიდან „ბაკანალია“, 1523 წ.).

მიწიერი ქალის სილამაზის განდიდება გახდა ტიციანის კიდევ ერთი ნაწარმოების თემა, სახელწოდებით „ურბინოს ვენერა“. იგი შეიქმნა 1538 წელს. მიუხედავად იმისა, რომ არ არსებობს გამოსახულების ამაღლება და სულიერება, ეს უკანასკნელი მაინც არ ამცირებს ტილოს ესთეტიკურ ღირებულებას. ვენერა აქ მართლაც ლამაზია. თუმცა მისი სილამაზე ამქვეყნიური და ბუნებრივია, რაც განასხვავებს ტიციანის მიერ შექმნილ გამოსახულებას ბოტიჩელის ვენერასგან.

თუმცა, არასწორი იქნება იმის თქმა, რომ მხატვრის შემოქმედების განვითარების ადრეული პერიოდის სურათები ადიდებდა მხოლოდ ადამიანის გარეგნულ სილამაზეს. მათი მთელი გარეგნობა ასახავს ჰარმონიულ პიროვნებას, რომლის გარეგნული სილამაზე გაიგივებულია სულიერთან და თანაბრად ლამაზი სულის საპირისპირო მხარეა.

ამ თვალსაზრისით, ყველაზე დიდ ინტერესს იწვევს იესო ქრისტეს გამოსახულება ტილოზე „კეისრის დენარი“, შექმნილი 1515-1520 წლებში. ტიციანის იესო სულაც არ არის ნაჩვენები, როგორც ღვთაებრივი, ამაღლებული, ზეციური არსება. მისი სახის სულიერი გამომეტყველება იმაზე მეტყველებს, რომ მაყურებლის წინაშე არის კეთილშობილი ადამიანი, რომელსაც აქვს სრულყოფილი გონებრივი ორგანიზაცია.

1519-1526 წლებში დაწერილი საკურთხევლის კომპოზიციაში „მადონა პესარო“ შექმნილი გამოსახულებები იგივე სულიერებითაა სავსე, ეს გმირები არ არიან სქემები და აბსტრაქციები. ცოცხალი, რეალური სურათის შექმნას დიდწილად ხელს უწყობს ოსტატის გამოყენება სხვადასხვა ფერის დიაპაზონში: მარიამის თოვლის თეთრი ფარდა, ცისფერი, ალისფერი, ნათელი წითელი, გმირების ოქროსფერი სამოსი, მდიდარი მწვანე ხალიჩა. ტონების ასეთი მრავალფეროვნება კომპოზიციაში არ შემოაქვს ქაოსს, პირიქით, ეხმარება მხატვარს შექმნას გამოსახულების ჰარმონიული და ჰარმონიული სისტემა.

1520-იან წლებში ტიციანმა შექმნა დრამატული ხასიათის პირველი ნამუშევარი. ეს არის ცნობილი ნახატი "საფლავი". ქრისტეს გამოსახულება აქ ისეა ინტერპრეტირებული, როგორც ნახატში „კეისრის დენარი“. იესო წარმოდგენილია არა როგორც არსება, რომელიც ზეციდან ჩამოვიდა კაცობრიობის გადასარჩენად, არამედ როგორც სრულიად მიწიერი გმირი, რომელიც დაეცა უთანასწორო ბრძოლაში. სიუჟეტის მთელი ტრაგედიისა და დრამატიზმის მიუხედავად, ტილო მაყურებელს უიმედო გრძნობას არ იწვევს. პირიქით, ტიციანის მიერ შექმნილი სურათი არის ოპტიმიზმისა და გმირობის სიმბოლო, რომელიც განასახიერებს ადამიანის შინაგან სილამაზეს, კეთილშობილებას და მისი სულის სიმტკიცეს.

ეს პერსონაჟი მნიშვნელოვნად განასხვავებს მხატვრის ამ ნამუშევარს მისი შემდგომი ამავე სახელწოდების ნაწარმოებისაგან, დათარიღებული 1559 წლით, რომელშიც ოპტიმისტური განწყობები ჩანაცვლებულია უიმედო ტრაგედიით. აქ, ისევე როგორც ტიციანის სხვა ნახატში - „მკვლელობა წმ. პეტრე მოწამე”, რომლის შექმნა 1528 წლიდან 1530 წლამდე თარიღდება, ოსტატი იყენებს მხატვრული გამოსახვის ახალ მეთოდს. ტილოებზე წარმოდგენილი ბუნების სურათები (მზის ჩასვლა „სამარხში“ მუქი, პირქუში ფერებით გადმოცემული და ხეები, რომლებიც ქარის ძლიერი აფეთქების ქვეშ მოხრილი „წმინდა პეტრე მოწამის მკვლელობაში“) ერთგვარი გამოდის. ადამიანური გრძნობებისა და ვნებების გამოხატვა. დიდი დედაბუნება აქ ემორჩილება სუვერენულ ადამიანს. ტიციანი ზემოხსენებულ კომპოზიციებში, თითქოსდა, ადასტურებს აზრს, რომ ყველაფერი, რაც ბუნებაში ხდება, ადამიანის ქმედებებით არის გამოწვეული. ის არის სამყაროს (მათ შორის ბუნების) მბრძანებელი და მბრძანებელი.

მხატვრის მრავალფიგურიანი კომპოზიციების შექმნის უნარის განვითარების ახალ საფეხურს წარმოადგენდა ტილო სათაურით „შესავალი ტაძარში“, დათარიღებული 1534-1538 წწ. იმისდა მიუხედავად, რომ ტიციანმა აქ უამრავი სურათი დაწერა, ისინი ყველა კომპოზიციურ მთლიანობაში გაერთიანებულია მათი თვალწინ მომხდარი მნიშვნელოვანი მოვლენის ინტერესით - მარიამის ტაძარში შეყვანა. მთავარი გმირის ფიგურა გამოყოფილია მცირე (მაგრამ არანაკლებ მნიშვნელოვანი) პერსონაჟებისგან სივრცითი პაუზებით: იგი გამოყოფილია ცნობისმოყვარე ადამიანებისა და მღვდლების ბრბოსგან კიბის საფეხურებით. ჟესტებითა და ფიგურების პლასტიურობით კომპოზიციაში იქმნება სადღესასწაულო განწყობა, მომხდარის მნიშვნელობის განცდა. თუმცა, წინა პლანზე მოთავსებული კვერცხის გამყიდველის ფიგურის სურათში ჩართვის გამო მცირდება ნაწარმოების გადაჭარბებული პათოსი და ძლიერდება მხატვრის მიერ აღწერილი სიტუაციის რეალიზმისა და ბუნებრიობის შთაბეჭდილება.

ხალხური გამოსახულებების კომპოზიციაში შესავალი ტიციანის მხატვრული და ვიზუალური მეთოდის დამახასიათებელი თვისებაა 30-იანი წლებიდან. XVI საუკუნე. სწორედ ეს სურათები ეხმარება ოსტატს შექმნას სასიცოცხლოდ ჭეშმარიტი სურათი.

ყველაზე სრულყოფილი კრეატიული იდეა ჰარმონიული ადამიანის, სულითაც და სხეულითაც მშვენიერის გამოსაჩენად, ტიციანის პორტრეტულ ნამუშევრებში იყო განსახიერებული. ამ ხასიათის ერთ-ერთი პირველი ნამუშევარია „ხელთათმანით ახალგაზრდა კაცის პორტრეტი“. ტილოს შექმნა 1515-დან 1520 წლამდე პერიოდს ეხება. ახალგაზრდის გამოსახულება იმდროინდელი ხალხის მთელ თაობას - რენესანსს წარმოადგენს. პორტრეტი განასახიერებს ადამიანის სულისა და სხეულის ჰარმონიის იდეას. ფართო მხრები, სხეულის ფხვიერი პლასტიურობა, პერანგის შემთხვევით გახსნილი საყელო, მშვიდი თავდაჯერებულობა გამოხატული ახალგაზრდა მამაკაცის მზერით - ყველაფერი მიზნად ისახავს ავტორის მთავარი იდეის გადმოცემას ადამიანის არსებობის სიხარულისა და ჩვეულებრივი ბედნიერების შესახებ. ადამიანი, რომელმაც არ იცის სევდა და არ არის მოწყვეტილი შინაგანი წინააღმდეგობებით.

იგივე ტიპის ჰარმონიულად მოწყობილი ბედნიერი ადამიანი ჩანს ტილოებზე „ვიოლანტეს“ და „ტომაზო მოსტიის პორტრეტზე“ (ორივე - 1515-1520 წწ.).

გაცილებით გვიან შექმნილ პორტრეტებში მაყურებელი ვეღარ აღმოაჩენს გამოსახულების ბუნების იმ პირდაპირობას და ნათელ დარწმუნებას, რაც დამახასიათებელი იყო 1515-1520 წლების პერიოდის მსგავსი ნამუშევრებისთვის. ტიციანის გვიანდელი პერსონაჟების არსი, ადრეულებთან შედარებით, გაცილებით რთული და მრავალმხრივია. ავტორის მხატვრული მეთოდის ცვლილების თვალსაჩინო მაგალითია 1540-იანი წლების ბოლოს შექმნილი ნახატი „იპოლიტო რიმინალდის პორტრეტი“. პორტრეტზე გამოსახულია ახალგაზრდა მამაკაცი, რომლის სახე, რომელსაც პატარა წვერით ესაზღვრება, გამოხატავს გრძნობებისა და ემოციების ღრმა შინაგან ბრძოლას.

ტიციანის მიერ ამ პერიოდში შექმნილი სურათები არ არის დამახასიათებელი მაღალი რენესანსის ხელოვნებისთვის: ისინი რთულია, მრავალი თვალსაზრისით წინააღმდეგობრივი და დრამატული. ესენი არიან კომპოზიციის გმირები, სახელწოდებით „პაპ პავლე III-ის პორტრეტი ალესანდროსთან და ოტავიო ფარნეზესთან ერთად“. ტილო შეიქმნა 1545 წლიდან 1546 წლამდე პერიოდში. პაპი პავლე III ნაჩვენებია როგორც ცბიერი და უნდობელი ადამიანი. ის შეშფოთებითა და ბოროტებით უყურებს ოტავიოს, მის ძმისშვილს, ცნობილ მაამებელს და თვალთმაქცს სასამართლოში.

ტიციანმა თავი გამოიჩინა, როგორც მხატვრული კომპოზიციის შესანიშნავი ოსტატი. ადამიანების პერსონაჟების არსი ამ ნაწარმოებში ვლინდება პერსონაჟების ერთმანეთთან ურთიერთქმედებით, მათი ჟესტებითა და პოზებით.

ჩარლზ V-ის ამსახველი პორტრეტი (1548) აშენდა დიდებული დეკორატიული და რეალისტური ელემენტების კომბინაციაზე. მოდელის შინაგანი სამყარო ნაჩვენებია ოსტატური სიზუსტით. მაყურებელს ესმის, რომ მის წინაშე დგას კონკრეტული ადამიანი რთული ხასიათით, რომლის მთავარი ნიშნებია როგორც დიდი გონება და სიმტკიცე, ასევე ეშმაკობა, სისასტიკე, თვალთმაქცობა.

ტიციანის მიერ შექმნილ პორტრეტებში, რომლებიც კომპოზიციური კონსტრუქციის თვალსაზრისით უფრო მარტივია, მაყურებლის მთელი ყურადღება გამოსახულების შინაგან სამყაროზეა მიმართული. მაგალითად, შეიძლება მოვიყვანოთ ტილო „არეტინოს პორტრეტი“, დათარიღებული 1545 წ. მოდელი აირჩია მხატვარმა, როგორც იმდროინდელ ვენეციაში ცნობილმა ადამიანმა პიეტრო არეტინომ, რომელიც ცნობილი გახდა ფულისადმი და მიწიერი არაჩვეულებრივი სიხარბით. სიამოვნებები. თუმცა, ამის მიუხედავად, იგი ძალიან აფასებდა ხელოვნებას, ის თავად იყო არაერთი ჟურნალისტური სტატიის, დიდი რაოდენობით კომედიების, მოთხრობებისა და ლექსების ავტორი (თუმცა არა ყოველთვის
ღირსეული შინაარსი).

ტიციანმა გადაწყვიტა ასეთი ადამიანის ხელში ჩაგდება ერთ-ერთ ნამუშევარში. მისი არეტინო რთული რეალისტური გამოსახულებაა, რომელიც შეიცავს ყველაზე მრავალფეროვან, ზოგჯერ კი ურთიერთსაწინააღმდეგო გრძნობებსა და ხასიათის თვისებებს.

ადამიანის ტრაგიკული კონფლიქტი მის მიმართ მტრულად განწყობილ ძალებთან ნაჩვენებია 1543 წელს დახატულ ნახატში „აჰა ადამიანი“. სიუჟეტი შთაგონებული იყო კონტრრეფორმაციის მომხრეების მზარდი საზოგადოებრივი რეაქციით რენესანსის ჰუმანისტური იდეების წინააღმდეგ. იმ დროს იტალიაში. კომპოზიციაში ქრისტეს, როგორც მაღალი უნივერსალური იდეალების მატარებლის გამოსახულება, ეწინააღმდეგება პილატეს, რომელიც ნაჩვენებია როგორც ცინიკური, მანკიერი და მახინჯი. Იმაში
ნაწარმოებში პირველად ჩნდება გრძნობითი, მიწიერი სიამოვნებისა და სიხარულის უარყოფის ნოტები.

ტიციანი. პაპ პავლე III-ის პორტრეტი ალესანდროსთან და ოტავიო ფარნეზესთან ერთად. 1545-1546 წწ

იგივე გასაოცარი კონტრასტი გამოიკვეთა ტილოს "დანაეს" გამოსახულებებზე, რომელიც დაიწერა დაახლოებით 1554 წელს. ნამუშევარი გამოირჩევა მაღალი დრამატულობით. მასში ავტორი, როგორც ადრე, უმღერის ადამიანის სილამაზესა და ბედნიერებას. თუმცა ბედნიერება გარდამავალი და წამიერია. სურათზე არ არის განწყობის უცვლელობა და პერსონაჟების მშვიდი დამშვიდება, რომლებიც განასხვავებენ ადრე შექმნილ სურათებს („სიყვარული დედამიწაზე და ზეცაზე“, „ურბინოს ვენერა“).

ნაწარმოებში მთავარი თემაა ლამაზისა და მახინჯის, მაღალისა და დაბალის შეჯახება. და თუ ახალგაზრდა გოგონა გამოხატავს ყველაფერს ყველაზე ამაღლებულს, რაც ადამიანშია, მაშინ მოხუცი მოახლე, რომელიც ცდილობს ოქროს წვიმის მონეტების დაჭერას, განასახიერებს ყველაზე დაბალ ადამიანურ თვისებებს: ინტერესი, სიხარბე, ცინიზმი.

დრამა კომპოზიციაში ხაზგასმულია მუქი და ღია ტონების გარკვეული კომბინაციით. სწორედ საღებავის დახმარებით ათავსებს მხატვარი სურათზე სემანტიკურ აქცენტებს. ასე რომ, ახალგაზრდა გოგონა სიმბოლოა სილამაზე და ნათელი გრძნობები. და მოხუცი ქალი, რომელიც გარშემორტყმულია ბნელი მუქი ტონებით, შეიცავს ძირეული საწყისის გამოხატულებას.

ტიციანის შემოქმედების ეს პერიოდი ხასიათდება არა მხოლოდ დრამატულობით სავსე ურთიერთგამომრიცხავი სურათების შექმნით. ამავდროულად, მხატვარი არაერთ ნამუშევარს ხატავს, რომელთა თემაც ქალის მომაჯადოებელი სილამაზეა. თუმცა, მაინც უნდა აღინიშნოს ის ფაქტი, რომ ეს ნამუშევრები მოკლებულია იმ ოპტიმისტურ და სიცოცხლის დამამტკიცებელ განწყობას, რომელიც ჟღერს, მაგალითად, Love on Earth and Heaven-ში და Bacchanalia-ში. ყველაზე დიდი ინტერესის მქონე ნახატებს შორისაა "დიანა და აქტეონი", "მწყემსი და ნიმფა" (1559), "ვენერა ადონისთან ერთად".

ტიციანის ერთ-ერთი საუკეთესო ნამუშევარია ნახატი სახელწოდებით "კაიუშდა მარიამ მაგდალინელი", შექმნილი 60-იან წლებში. მე-16 საუკუნე. ბევრი რენესანსის მხატვარი მიუბრუნდა ამ ბიბლიურ ისტორიას. თუმცა, ტიციანი ხელახლა ინტერპრეტაციას უკეთებს მონანიებული მარიამ მაგდალინელის გამოსახულებას. ახალგაზრდა ქალის, სილამაზითა და სიჯანსაღით სავსე ფიგურა უფრო გამოხატავს ქრისტიანულ მონანიებას, მაგრამ სამუდამოდ დაკარგულ მწუხარებას და ბედნიერების ლტოლვას. ადამიანი, როგორც ყოველთვის, ლამაზია ტიციანში, მაგრამ მისი კეთილდღეობა, სიმშვიდე და სიმშვიდე დამოკიდებულია გარე ძალებზე. სწორედ ისინი ერევიან ადამიანის ბედში, ანადგურებენ სულის ჰარმონიას. შემთხვევითი არ არის, რომ მაგდალინელის გამოსახულება, მწუხარებით გაჟღენთილი, ნაჩვენებია ბნელი პეიზაჟის ფონზე, რომელიც გვირგვინდება ბნელ ცას მოახლოებული შავი ღრუბლებით - წინასწარ გემოს.
ჭექა-ქუხილი.

იგივე ადამიანური ტანჯვის თემა ისმის ცნობილი ოსტატის გვიანდელ ნაწარმოებებშიც: „კორონაცია ეკლის გვირგვინით“ (1570 წ.) და „წმ. სებასტიანი“ (1570).

„ეკლებით დაგვირგვინებაში“ იესო მხატვრის მიერ არის წარმოდგენილი ჩვეულებრივი ადამიანის სახით, რომელიც აჭარბებს თავის მტანჯველებს ფიზიკური და რაც მთავარია, მორალური თვისებებით.

თუმცა ის მარტოა და მხოლოდ ამიტომ ვერ იქნება გამარჯვებული. სცენის დრამატულ, ემოციურ ინტენსივობას აძლიერებს ბნელი, მუქი ფერი.

გარე სამყაროსთან კონფლიქტში მარტოსული გმირის თემა ისმის ნაწარმოებში „წმ. სებასტიანი“. მთავარი გმირი აქ ნაჩვენებია როგორც დიდებული ტიტანი - რენესანსის ხელოვნებისთვის დამახასიათებელი გამოსახულება. თუმცა, ის მაინც დამარცხებულია.

პეიზაჟი, რომელიც სიმბოლოა პერსონაჟისადმი მტრული ძალების, აქ დამოუკიდებელ როლს ასრულებს. სიუჟეტის დრამატულობის მიუხედავად, კომპოზიცია მთლიანობაში გაჟღენთილია სიცოცხლის დამადასტურებელი განწყობით.

ადამიანის გონების, სიბრძნისა და მიღებული იდეალებისადმი ერთგულების ერთგვარი ჰიმნი არის ოსტატის ავტოპორტრეტი, შექმნილი 60-იან წლებში. მე-16 საუკუნე

ტიციანის ერთ-ერთი ყველაზე ექსპრესიული ნახატი აღიარებულია, როგორც "პიეტა" (ანუ "ქრისტეს გოდება"), დაწერილი დაახლოებით 1576 წელს. მწუხარე ქალების ფიგურები აქ არის გამოსახული ქვის ნიშისა და პირქუში პეიზაჟის ფონზე. მარიამი ქანდაკებასავით გაიყინა მწუხარებისგან. მაგდალინელის გამოსახულება უჩვეულოდ კაშკაშა და დინამიურია: ქალის ფიგურა, რომელიც წინ მიისწრაფვის, ხელი მაღლა აწეული, ცეცხლოვანი წითელი თმა ასწია, ოდნავ გაშლილი პირი, საიდანაც სასოწარკვეთილების ძახილი უნდა ამოვარდეს. იესო ნაჩვენებია არა როგორც ღვთაებრივი ზეციური არსება, არამედ როგორც ძალიან რეალური პიროვნება, დამარცხებული უთანასწორო ბრძოლაში ადამიანთა სამყაროსადმი მტრულ ძალებთან. გამოსახულებების ტრაგედია ნახატში ტონალური და შუქ-ჩრდილოვანი გადასვლების დახმარებით არის გამოხატული. მთავარი გმირები აღმოჩნდებიან, თითქოს, ღამის სიბნელიდან სინათლის სხივებმა გამოტაცეს.

ტიციანის ეს ნამუშევარი განადიდებს ღრმა გრძნობებით დაჯილდოებულ კაცს. ნახატი „პიეტა“ იყო ერთგვარი გამოსამშვიდობებელი სიმღერა, რომელიც ეძღვნებოდა რენესანსში შექმნილ მსუბუქ, ამაღლებულ და დიდებულ გმირებს.

დიდი მხატვარი, რომელმაც მსოფლიოს ულამაზესი სურათები აჩუქა, გარდაიცვალა 1576 წლის 27 აგვისტოს, სავარაუდოდ, ჭირისგან. მან დატოვა მრავალი ტილო, რომელიც დღემდე აოცებს მაყურებელს შესრულების ოსტატობითა და ფერის დახვეწილი გრძნობით. ტიციანი ჩვენს წინაშე ჩნდება, როგორც მშვენიერი ფსიქოლოგი, ადამიანის სულის მცოდნე. მის სტუდენტებს შორის იყვნენ ისეთი მხატვრები, როგორებიცაა იაკოპო ნიგრეტი (პალმა უფროსი), ბონიფაციო დე პიტატი, პარი ბორდონე, იაკოპო პალმა უმცროსი.