რომელიც მოიცავს ბევრ ტექნიკას და სტილს. თავისი ისტორიის მანძილზე მან განიცადა დიდი რაოდენობით ცვლილებები. დაემატა ახალი ტრადიციები და ჟანრები და დარჩა ორიგინალური იაპონური პრინციპები. იაპონიის გასაოცარ ისტორიასთან ერთად, ნახატი ასევე მზად არის წარმოადგინოს მრავალი უნიკალური და საინტერესო ფაქტი.
უძველესი იაპონია
პირველი სტილები ჩნდება ქვეყნის უძველეს ისტორიულ პერიოდში, ქრისტეშობამდეც კი. ე. მაშინ ხელოვნება საკმაოდ პრიმიტიული იყო. ჯერ 300 წ. ე., გაჩნდა სხვადასხვა გეომეტრიული ფიგურები, რომლებსაც ჭურჭელზე ამზადებდნენ ჯოხებით. არქეოლოგების ასეთი აღმოჩენა, როგორც ბრინჯაოს ზარების ორნამენტი, გვიანდელ დროს განეკუთვნება.
ცოტა მოგვიანებით, უკვე 300 წ. ე., ჩნდება კლდის ნახატები, რომლებიც ბევრად უფრო მრავალფეროვანია, ვიდრე გეომეტრიული ორნამენტი. ეს უკვე სრულფასოვანი სურათებია სურათებით. ისინი იპოვეს საძვალეებში და, სავარაუდოდ, მათზე დახატული ადამიანები დაკრძალეს ამ სამარხებში.
VII საუკუნეში. ე. იაპონია იღებს დამწერლობას, რომელიც მოდის ჩინეთიდან. დაახლოებით ამავე დროს, პირველი ნახატები იქიდან მოდის. შემდეგ მხატვრობა ხელოვნების ცალკეულ სფეროდ გვევლინება.
ედო
ედო შორსაა პირველი და არა უკანასკნელი ნახატისაგან, მაგრამ სწორედ მან შემოიტანა კულტურაში ბევრი ახალი რამ. პირველ რიგში, ეს არის სიკაშკაშე და ბრწყინვალება, რომელიც დაემატა ჩვეულ ტექნიკას, შესრულებული შავი და ნაცრისფერი ტონებით. სოტასუ ამ სტილის ყველაზე გამორჩეულ მხატვრად ითვლება. მან შექმნა კლასიკური ნახატები, მაგრამ მისი პერსონაჟები ძალიან ფერადი იყო. მოგვიანებით ის ბუნებაზე გადავიდა და პეიზაჟების უმეტესობა მოოქროვილის ფონზე გაკეთდა.
მეორეც, ედოს პერიოდში გაჩნდა ეგზოტიკური, ნამბანის ჟანრი. იგი იყენებდა თანამედროვე ევროპულ და ჩინურ ტექნიკას, რომლებიც გადაჯაჭვული იყო ტრადიციულ იაპონურ სტილებთან.
და მესამე, ჩნდება ნანგის სკოლა. მასში მხატვრები ჯერ მთლიანად ბაძავენ ან აკოპირებენ ჩინელი ოსტატების ნამუშევრებს. შემდეგ ჩნდება ახალი ფილიალი, რომელსაც ბუნჯინგი ჰქვია.
მოდერნიზაციის პერიოდი
ედოს პერიოდი ცვლის მეიჯს და ახლა იაპონური მხატვრობა იძულებულია განვითარების ახალ ეტაპზე გადავიდეს. ამ დროს მთელ მსოფლიოში პოპულარული ხდებოდა ისეთი ჟანრები, როგორიცაა ვესტერნი და მსგავსი, ამიტომ ხელოვნების მოდერნიზაცია გახდა საერთო მდგომარეობა. თუმცა, იაპონიაში, ქვეყანაში, სადაც ყველა ადამიანი პატივს სცემს ტრადიციებს, ამ დროს სიტუაცია მნიშვნელოვნად განსხვავდებოდა სხვა ქვეყნებისგან მომხდარისგან. აქ მკვეთრად იძაბება კონკურენცია ევროპულ და ადგილობრივ ტექნიკოსებს შორის.
მთავრობა ამ ეტაპზე უპირატესობას ანიჭებს ახალგაზრდა ხელოვანებს, რომლებიც დიდ გპირდებიან დასავლურ სტილში კვალიფიკაციის ამაღლებას. ამიტომ მათ აგზავნიან ევროპისა და ამერიკის სკოლებში.
მაგრამ ეს მხოლოდ პერიოდის დასაწყისში იყო. ფაქტია, რომ ცნობილი კრიტიკოსები საკმაოდ მკაცრად აკრიტიკებდნენ დასავლურ ხელოვნებას. ამ საკითხის ირგვლივ დიდი აჟიოტაჟის თავიდან ასაცილებლად, ევროპული სტილისა და ტექნიკის აკრძალვა დაიწყო გამოფენებზე, შეწყდა მათი ჩვენება და ასევე მათი პოპულარობა.
ევროპული სტილის გაჩენა
შემდეგ მოდის ტაიშოს პერიოდი. ამ დროს სამშობლოში ბრუნდებიან უცხოურ სკოლებში სასწავლებლად წასული ახალგაზრდა ხელოვანები. ბუნებრივია, მათ თან მოაქვთ იაპონური მხატვრობის ახალი სტილები, რომლებიც ძალიან ჰგავს ევროპულს. ჩნდება იმპრესიონიზმი და პოსტიმპრესიონიზმი.
ამ ეტაპზე ყალიბდება მრავალი სკოლა, რომლებშიც ძველი იაპონური სტილის აღორძინება ხდება. მაგრამ დასავლური ტენდენციებისგან სრულად მოშორება შეუძლებელია. აქედან გამომდინარე, აუცილებელია რამდენიმე ტექნიკის გაერთიანება, რათა მოეწონოს როგორც კლასიკის მოყვარულებს, ასევე თანამედროვე ევროპული ფერწერის მოყვარულებს.
ზოგიერთ სკოლას სახელმწიფო აფინანსებს, რის წყალობითაც ბევრი ეროვნული ტრადიციაა შენარჩუნებული. მეორეს მხრივ, კერძო მოვაჭრეები იძულებულნი არიან მიჰყვნენ მომხმარებელთა მაგალითს, რომელთაც სურთ რაღაც ახალი, ისინი დაიღალნენ კლასიკისგან.
მეორე მსოფლიო ომის ნახატი
ომის დაწყების შემდეგ, იაპონური მხატვრობა გარკვეული დროით მოშორებული დარჩა მოვლენებისგან. იგი განვითარდა ცალკე და დამოუკიდებლად. მაგრამ ასე სამუდამოდ ვერ გაგრძელდებოდა.
დროთა განმავლობაში, როდესაც ქვეყანაში პოლიტიკური ვითარება უარესდება, მაღალი და პატივცემული მოღვაწეები იზიდავს ბევრ ხელოვანს. ზოგიერთი მათგანი, თუნდაც ომის დასაწყისში, იწყებს პატრიოტულ სტილში შექმნას. დანარჩენები ამ პროცესს მხოლოდ ხელისუფლების ბრძანებით იწყებენ.
შესაბამისად, მეორე მსოფლიო ომის დროს იაპონურმა სახვითმა ხელოვნებამ განსაკუთრებით ვერ განვითარდა. ამიტომ, ფერწერისთვის მას შეიძლება ეწოდოს სტაგნაცია.
მარადიული სუიბოკუგა
იაპონური სუმი-ე ფერწერა, ან სუიბოკუგა ნიშნავს "მელნით ნახატს". ეს განსაზღვრავს ამ ხელოვნების სტილს და ტექნიკას. ის ჩინეთიდან მოვიდა, მაგრამ იაპონელებმა გადაწყვიტეს დაერქვათ მას საკუთარი სახელი. და თავდაპირველად ტექნიკას არ ჰქონდა რაიმე ესთეტიკური მხარე. მას ბერები თვითგანვითარებისთვის იყენებდნენ ზენის შესწავლისას. უფრო მეტიც, თავიდან ხატავდნენ ნახატებს, მოგვიანებით კი ავარჯიშებდნენ კონცენტრაციას ყურებისას. ბერები თვლიდნენ, რომ მკაცრი ხაზები, ბუნდოვანი ტონები და ჩრდილები ხელს უწყობს გაუმჯობესებას - ყველაფერს, რასაც მონოქრომული ეწოდება.
იაპონური მელნით მხატვრობა, ნახატებისა და ტექნიკის მრავალფეროვნების მიუხედავად, არ არის ისეთი რთული, როგორც ერთი შეხედვით ჩანს. იგი დაფუძნებულია მხოლოდ 4 ნაკვეთზე:
- ქრიზანთემა.
- ორქიდეა.
- ქლიავის ტოტი.
- ბამბუკი.
ნაკვეთების მცირე რაოდენობა არ აჩქარებს ტექნოლოგიის განვითარებას. ზოგიერთი ოსტატი თვლის, რომ სწავლა გრძელდება მთელი ცხოვრება.
მიუხედავად იმისა, რომ სუმი-ე დიდი ხნის წინ გამოჩნდა, ის ყოველთვის მოთხოვნადია. უფრო მეტიც, დღეს ამ სკოლის ოსტატებს შეხვდებით არა მხოლოდ იაპონიაში, ის ასევე ფართოდ არის გავრცელებული მის საზღვრებს მიღმა.
თანამედროვე პერიოდი
მეორე მსოფლიო ომის დასასრულს იაპონიაში ხელოვნება მხოლოდ დიდ ქალაქებში აყვავდა, სოფლის მოსახლეობას და სოფლის მოსახლეობას საკმარისი საზრუნავი ჰქონდა. უმეტესწილად, მხატვრები ცდილობდნენ ზურგი მოექციათ ომის დანაკარგებს და ტილოზე გამოეხატათ თანამედროვე ქალაქური ცხოვრება მთელი თავისი შემკულობითა და მახასიათებლებით. ევროპული და ამერიკული იდეები წარმატებით იქნა მიღებული, მაგრამ ეს მდგომარეობა დიდხანს არ გაგრძელებულა. ბევრმა ოსტატმა თანდათან დაიწყო მათგან დაშორება იაპონური სკოლებისკენ.
ის ყოველთვის მოდურად რჩებოდა. ამიტომ, თანამედროვე იაპონური ფერწერა შეიძლება განსხვავდებოდეს მხოლოდ შესრულების ტექნიკით ან პროცესში გამოყენებული მასალებით. მაგრამ მხატვრების უმეტესობა კარგად ვერ აღიქვამს სხვადასხვა სიახლეებს.
შეუძლებელია არ ვახსენო მოდური თანამედროვე სუბკულტურები, როგორიცაა ანიმე და მსგავსი სტილი. ბევრი მხატვარი ცდილობს გააფუჭოს ზღვარი კლასიკასა და დღეს მოთხოვნადს შორის. უმეტესწილად, ეს მდგომარეობა განპირობებულია კომერციით. კლასიკასა და ტრადიციულ ჟანრებს რეალურად არ ყიდულობენ, შესაბამისად, წამგებიანია მხატვრად მუშაობა საყვარელ ჟანრში, საჭიროა მოდას მოერგოს.
დასკვნა
უდავოა, იაპონური მხატვრობა სახვითი ხელოვნების საგანძურია. შესაძლოა, მოცემული ქვეყანა დარჩა ერთადერთი, რომელიც არ მიჰყვებოდა დასავლურ ტენდენციებს, არ მოერგებოდა მოდას. ახალი ტექნიკის გამოჩენის დროს მრავალი დარტყმის მიუხედავად, იაპონელმა მხატვრებმა მაინც მოახერხეს ეროვნული ტრადიციების დაცვა მრავალ ჟანრში. ალბათ ამიტომაა, რომ თანამედროვე დროში კლასიკურ სტილში შესრულებულ ნახატებს ძალიან აფასებენ გამოფენებზე.
ნაკლებად სავარაუდოა, რომ იაიოი კუსამა შეძლებს უპასუხოს, თუ რა დაედო საფუძვლად მის, როგორც მხატვრის კარიერას. ის 87 წლისაა, მისი ხელოვნება მთელ მსოფლიოშია აღიარებული. მისი ნამუშევრების დიდი გამოფენები მალე მოეწყობა აშშ-სა და იაპონიაში, მაგრამ მან მსოფლიოს ყველაფერი ჯერ არ უამბო. „ჯერ კიდევ გზაშია. მე ვაპირებ ამის შექმნას მომავალში“, - ამბობს კუსამა. მას იაპონიაში ყველაზე წარმატებულ მხატვრად უწოდებენ. გარდა ამისა, ის ყველაზე ძვირადღირებული ცოცხალი მხატვარია: 2014 წელს მისი ნახატი „თეთრი No28“ 7,1 მილიონ დოლარად გაიყიდა.
კუსამა ტოკიოში ცხოვრობს და თითქმის ორმოცი წელია ნებაყოფლობით იმყოფება ფსიქიატრიულ საავადმყოფოში. დღეში ერთხელ ის ტოვებს თავის კედლებს ხატვისთვის. ის დილის სამ საათზე დგება, ვერ იძინებს და სურს სამსახურში დრო კარგად გამოიყენოს. „ახლა ბებერი ვარ, მაგრამ მაინც ვაპირებ მეტი ნამუშევრის შექმნას და უკეთესი ნამუშევრის შექმნას. იმაზე მეტი, ვიდრე წარსულში გავაკეთე. ჩემი გონება სავსეა სურათებით“, - ამბობს ის.
(სულ 17 ფოტო)
იაიოი კუსამა თავისი ნამუშევრების გამოფენაზე ლონდონში 1985 წელს. ფოტო: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock
ცხრადან ექვს წლამდე კუსამა მუშაობს თავის სამსართულიან სტუდიაში ინვალიდის ეტლის კომფორტული ადგილიდან. მას შეუძლია სიარული, მაგრამ ძალიან სუსტია. ქალი მუშაობს მაგიდებზე გაშლილ ან იატაკზე დამაგრებულ ტილოზე. სტუდია სავსეა ახალი ნახატებით, პატარა ლაქებით მოფენილი ნათელი ნამუშევრებით. მხატვარი ამას უწოდებს „თვითგაჩუმებას“ – გაუთავებელ გამეორებას, რომელიც ახშობს მის თავში არსებულ ხმაურს.
2006 წლის Praemium Imperiale Art Awards-მდე ტოკიოში. ფოტო: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock
ახალი გალერეა გაიხსნება ქუჩის გადაღმა, ხოლო მისი ხელოვნების კიდევ ერთი მუზეუმი შენდება ტოკიოს ჩრდილოეთით. გარდა ამისა, იხსნება მისი ნამუშევრების ორი მთავარი გამოფენა. Yayoi Kusama: Infinite Mirrors, მისი 65-წლიანი კარიერის რეტროსპექტივა, გაიხსნა ჰირშჰორნის მუზეუმში ვაშინგტონში 23 თებერვალს და გაგრძელდება 14 მაისამდე, რის შემდეგაც გაემგზავრება სიეტლში, ლოს ანჯელესში, ტორონტოში და კლივლენდში. ექსპოზიცია მოიცავს კუსამას 60 ნახატს.
მისი ბარდა მოიცავს ყველაფერს, Louis Vuitton-ის კაბებიდან დაწყებული, მშობლიურ ქალაქში ავტობუსებამდე. კუსამას ნამუშევრები რეგულარულად იყიდება მილიონობით დოლარად და გვხვდება მთელ მსოფლიოში - ნიუ-იორკიდან ამსტერდამამდე. იაპონელი მხატვრის ნამუშევრების გამოფენები იმდენად პოპულარულია, რომ საჭიროა ზომების მიღება ჭყლეტისა და არეულობის თავიდან ასაცილებლად. მაგალითად, ჰირშჰორნის გამოფენაზე ბილეთები იყიდება გარკვეული დროით, რათა როგორმე დარეგულირდეს ვიზიტორთა ნაკადი.
Louis Vuitton-ისა და Yayoi Kusama-ს ერთობლივი დიზაინის პრეზენტაცია ნიუ-იორკში 2012 წელს. ფოტო: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
მაგრამ კუსამას ჯერ კიდევ სჭირდება გარე დამტკიცება. როდესაც ინტერვიუში ჰკითხეს, მიაღწია თუ არა მიზანს გამდიდრება და ცნობილი ათწლეულების წინ, მან გაკვირვებულმა თქვა: „როცა პატარა ვიყავი, ძალიან მიჭირდა დედაჩემის დარწმუნება, რომ მინდოდა მხატვარი გავმხდარიყავი. მართალია, რომ მდიდარი და ცნობილი ვარ?"
კუსამა დაიბადა მაცუმოტოში, ცენტრალური იაპონიის მთებში, 1929 წელს, მდიდარ და კონსერვატიულ ოჯახში, რომელიც ყიდდა ნერგებს. მაგრამ ეს არ იყო ბედნიერი სახლი. დედამ აბუჩად იგდო მისი მოღალატე ქმარი და გაგზავნა პატარა კუსამა მის დასაზვერად. გოგონამ მამა სხვა ქალებთან ერთად დაინახა და ამან მასში სექსისადმი უწყვეტი ზიზღი გამოიწვია.
Louis Vuitton-ის მაღაზიის ვიტრინა შექმნილია კუსამას მიერ 2012 წელს. ფოტო: ჯო შილჰორნი/BFA/REX/Shutterstock
ბავშვობაში მან დაიწყო ვიზუალური და სმენითი ჰალუცინაციები. პირველად რომ დაინახა გოგრა, წარმოიდგინა, რომ მას ელაპარაკებოდა. მომავალი მხატვარი გაუმკლავდა ხილვებს განმეორებითი შაბლონების შექმნით, რათა დაემხო აზრები მის თავში. ასეთ პატარა ასაკშიც კი ხელოვნება მისთვის ერთგვარ თერაპიად იქცა, რომელსაც მოგვიანებით „ხელოვნების მედიცინას“ უწოდებდა.
იაიოი კუსამას ნამუშევარი გამოფენილია უიტნის თანამედროვე ხელოვნების მუზეუმში 2012 წელს. ფოტო: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
კუსამას დედა კატეგორიულად ეწინააღმდეგებოდა ქალიშვილის სურვილს გამხდარიყო მხატვარი და დაჟინებით მოითხოვდა, რომ გოგონა ტრადიციულ გზას გაჰყოლოდა. ”ის არ მაძლევდა დახატვის უფლებას. მას უნდოდა ჩემი გათხოვება“, - თქვა მხატვარმა ინტერვიუში. მან გადააგდო ჩემი ნამუშევარი. მატარებლის ქვეშ გადაგდება მინდოდა. ყოველდღე დედასთან ვჩხუბობდი და ამიტომ გონება დამიზიანდა.
1948 წელს, ომის დასრულების შემდეგ, კუსამა გაემგზავრა კიოტოში, რათა შეესწავლა ტრადიციული იაპონური ნიჰონგა მხატვრობა მკაცრი წესებით. მას სძულდა ხელოვნების ეს ფორმა.
იაიოი კუსამას გამოფენის ერთ-ერთი ექსპონატი უიტნის თანამედროვე ხელოვნების მუზეუმში 2012 წელს. ფოტო: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
როდესაც კუსამა მაცუმოტოში ცხოვრობდა, მან იპოვა ჯორჯია ო'კიფის წიგნი და გაოცებული დარჩა მისი ნახატებით. გოგონა ტოკიოში ამერიკის საელჩოში წავიდა, რათა დირექტორიაში ეპოვა სტატია ო'კიფის შესახებ და გაეგო მისი მისამართი. კუსამამ მას წერილი მისწერა და რამდენიმე ნახატი გაუგზავნა და მისდა გასაკვირად ამერიკელმა მხატვარმა მას უპასუხა.
„ვერ ვიჯერებდი ჩემს იღბალს! ის ისეთი კეთილი იყო, რომ უპასუხა მოკრძალებული იაპონელი გოგონას გრძნობების უეცარ გაღვივებას, რომელსაც ცხოვრებაში არასდროს შეხვედრია და არც კი სმენია“, - წერს მხატვარი თავის ავტობიოგრაფიაში, Infinity Net.
იაიოი კუსამა ფანჯარაში, რომელიც მან დააპროექტა Louis Vuitton-ისთვის ნიუ-იორკში 2012 წელს. ფოტო: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock
მიუხედავად ო'კიფის გაფრთხილებისა, რომ ახალგაზრდა მხატვრებს აშშ-ში უჭირთ, რომ აღარაფერი ვთქვათ ახალგაზრდა მარტოხელა გოგონებზე იაპონიიდან, კუსამა შეუჩერებელი იყო. 1957 წელს მან მოახერხა პასპორტის და ვიზის აღება. მან კაბებში დოლარი შეკერა, რათა ომის შემდგომი მკაცრი სავალუტო კონტროლის თავიდან აცილება.
პირველი გაჩერება იყო სიეტლი, სადაც მან გამოფენა გამართა პატარა გალერეაში. შემდეგ კუსამა ნიუ-იორკში წავიდა, სადაც მწარედ იმედგაცრუებული იყო. ”განსხვავებით ომისშემდგომი მაცუმოტოსგან, ნიუ-იორკი ყოველმხრივ ბოროტი და ძალადობრივი ადგილი იყო. ჩემთვის ეს ძალიან სტრესული იყო და მალევე ჩავვარდი ნევროზში. უფრო უარესი, კუსამა სრულ სიღარიბეში აღმოჩნდა. ძველი კარი მისთვის საწოლს ემსახურებოდა და ნაგვის ურნებიდან თევზაობდა თევზის თავებს და დამპალ ბოსტნეულს, რომ მათგან წვნიანი გაეკეთებინა.
ინსტალაცია Infinity Mirror Room - Love Forever ("ოთახი უსასრულობის სარკეებით - სიყვარული სამუდამოდ"). ფოტო: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock
ამ რთულმა მდგომარეობამ აიძულა კუსამა კიდევ უფრო ჩაეფლო თავის საქმეში. მან დაიწყო თავისი პირველი ნახატების შექმნა Infinity Web სერიიდან, რომელიც ფარავდა უზარმაზარ ტილოებს (ერთ-ერთი მათგანი 10 მეტრს აღწევდა) პატარა მარყუჟების მომხიბლავი ტალღებით, რომლებიც თითქოს არასდროს მთავრდებოდა. თავად მხატვარმა ისინი შემდეგნაირად აღწერა: „თეთრი ბადეები, რომლებიც ფარავს ჩუმი სიკვდილის შავ წერტილებს არაფრის უიმედო სიბნელის ფონზე“.
ინსტალაცია იაიოი კუსამას მიერ 2015 წელს მოსკოვის გორკის კულტურისა და კულტურის ცენტრალურ პარკში თანამედროვე ხელოვნების ავტოფარეხის მუზეუმის ახალი შენობის გახსნაზე. ფოტო: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock
ეს აკვიატებულ-კომპულსიური გამეორება დაეხმარა ნევროზის განდევნას, მაგრამ ეს ყოველთვის არ ზოგავდა. კუსამა მუდმივად იტანჯებოდა ფსიქოზის შეტევებით და მთავრდებოდა ნიუ-იორკის საავადმყოფოში. ამბიციური და გადამწყვეტი და სიამოვნებით იღებდა კიმონოში ეგზოტიკური აზიელის როლს, იგი შეუერთდა ხელოვნებაში გავლენიან ადამიანებს და ურთიერთობდა ისეთ დამკვიდრებულ მხატვრებთან, როგორებიც არიან მარკ როტკო და ენდი უორჰოლი. მოგვიანებით კუსამამ თქვა, რომ უორჰოლმა მის ნამუშევრებს მიბაძა.
კუსამამ მალე მოიპოვა გარკვეული პოპულარობა და გამოიფინა ხალხმრავალ გალერეებში. გარდა ამისა, მხატვრის პოპულარობა სკანდალური გახდა.
1960-იან წლებში, როდესაც კუსამა გატაცებული იყო პოლკა წერტილებით, მან დაიწყო ნიუ-იორკში მოვლენების მოწყობა: მან პროვოცირება მოახდინა ხალხის გაშიშვლებისკენ ისეთ ადგილებში, როგორიცაა ცენტრალური პარკი და ბრუკლინის ხიდი, და მათ სხეულებს პოლკა წერტილებით ხატავდა.
წინასწარი ნახვა Art Basel ჰონგ კონგში 2013. ფოტო: ბილი ფარელი/BFA/REX/Shutterstock
მოძრაობის Occupy Wall Street-ის აღზევებამდე ათწლეულებით ადრე, კუსამამ მოაწყო მოვლენა ნიუ-იორკის ფინანსურ უბანში, სადაც თქვა, რომ მას სურდა "უოლ სტრიტის კაცების განადგურება პოლკა წერტილებით". დაახლოებით ამავე დროს, მან დაიწყო სხვადასხვა საგნების დაფარვა - სკამი, ნავი, ვაგონი - ფალოსური გამონაყარებით. „დავიწყე პენისების შექმნა ჩემი სექსუალური ზიზღის განსაკურნებლად“, - წერს მხატვარი და აღწერს, როგორ აქცევდა ამ შემოქმედებითმა პროცესმა თანდათან საზარელი რაღაც ნაცნობად.
გავლის ზამთრის ინსტალაცია ლონდონის Tate Gallery-ში. ფოტო: ჯეიმს გურლი/REX/Shutterstock
კუსამა არასოდეს ყოფილა დაქორწინებული, თუმცა ნიუ-იორკში ცხოვრებისას მას ათი წლის განმავლობაში ქორწინების მსგავსი ურთიერთობა ჰქონდა მხატვარ ჯოზეფ კორნელთან. ”მე არ მომწონდა სექსი და ის იმპოტენტური იყო, ამიტომ ჩვენ ძალიან კარგად ვიყავით ერთმანეთისთვის”, - თქვა მან Art Magazine-თან ინტერვიუში.
კუსამა სულ უფრო ცნობილი ხდებოდა თავისი ხრიკებით: მან შესთავაზა დაძინება აშშ-ს პრეზიდენტ რიჩარდ ნიქსონთან, თუ ის დაასრულებდა ვიეტნამის ომს. „მოდით, ერთმანეთს პოლკა წერტილებით მოვრთოთ“, - წერდა მას წერილში. უშუალოდ მისი ხელოვნებისადმი ინტერესი გაქრა, ის კეთილგანწყობილი დაეცა და ფულის პრობლემები კვლავ დაიწყო.
იაიოი კუსამა მისი ნამუშევრების რეტროსპექტივის დროს ნიუ-იორკში უიტნის თანამედროვე ხელოვნების მუზეუმში 2012 წელს. ფოტო: სტივ ეიხნერი/პენსკე მედია/REX/Shutterstock
კუსამას გაქცევის შესახებ ცნობებმა იაპონიაში მიაღწია. მას "ეროვნული კატასტროფა" უწოდეს, დედამ კი თქვა, რომ უკეთესი იქნება, თუ მისი ქალიშვილი ბავშვობაში ავადმყოფობით გარდაცვლილიყო. 1970-იანი წლების დასაწყისში გაღატაკებული და წარუმატებელი კუსამა იაპონიაში დაბრუნდა. იგი დარეგისტრირდა ფსიქიატრიულ საავადმყოფოში, სადაც ის ჯერ კიდევ ცხოვრობს და ჩაიძირა მხატვრულ ბუნდოვანებაში.
1989 წელს ნიუ-იორკში თანამედროვე ხელოვნების ცენტრმა უმასპინძლა მისი ნამუშევრების რეტროსპექტივას. ეს იყო კუსამას ხელოვნებისადმი ინტერესის ნელი, მაგრამ აღორძინების დასაწყისი. მან სარკის ოთახი გოგრით შეავსო ინსტალაციისთვის, რომელიც 1993 წელს იყო წარმოდგენილი ვენეციის ბიენალეზე, ხოლო 1998 წელს მოაწყო დიდი გამოფენა ნიუ-იორკის MoMa-ს თანამედროვე ხელოვნების მუზეუმში. ერთხელ მან მოაწყო მოვლენა.
ჩემი მარადიული სულის გამოფენაზე ტოკიოს ეროვნულ ხელოვნების ცენტრში, 2017 წლის თებერვალში. ფოტო: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
ბოლო რამდენიმე წლის განმავლობაში იაიოი კუსამა საერთაშორისო ფენომენად იქცა. თანამედროვე ტეიტ გალერეამ ლონდონში და უიტნის მუზეუმმა ნიუ-იორკში გამართეს ძირითადი რეტროსპექტივები, რომლებმაც მიიპყრო უზარმაზარი ხალხი და გახადა მისი ხატოვანი პოლკა წერტილოვანი ნიმუში ძალიან ცნობადი.
ჩემი მარადიული სულის გამოფენაზე ტოკიოს ეროვნულ ხელოვნების ცენტრში, 2017 წლის თებერვალში. ფოტო: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
მხატვარი არ აპირებს მუშაობის შეწყვეტას, მაგრამ მან დაიწყო ფიქრი მის სიკვდილზე. „არ ვიცი რამდენ ხანს ვიცოცხლებ სიკვდილის შემდეგაც კი. არის მომავალი თაობა, რომელიც ჩემს კვალს მიჰყვება. ჩემთვის დიდი პატივი იქნება, თუ ხალხი სიამოვნებით უყურებს ჩემს ნამუშევრებს და თუ ისინი აღფრთოვანებული იქნებიან ჩემი ხელოვნებით“.
ჩემი მარადიული სულის გამოფენაზე ტოკიოს ეროვნულ ხელოვნების ცენტრში, 2017 წლის თებერვალში. ფოტო: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
მიუხედავად მისი ხელოვნების კომერციალიზაციისა, კუსამა ფიქრობს საფლავზე მაცუმოტოში - არა საოჯახო სარდაფში, რომელიც მან უკვე მიიღო მშობლებისგან - და როგორ არ გადააქციოს იგი სალოცავად. ”მაგრამ მე ჯერ არ ვკვდები. ვფიქრობ, კიდევ 20 წელი ვიცოცხლებ“, - ამბობს ის.
ჩემი მარადიული სულის გამოფენაზე ტოკიოს ეროვნულ ხელოვნების ცენტრში, 2017 წლის თებერვალში. ფოტო: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
იაპონური მხატვრობა აბსოლუტურად უნიკალური მიმართულებაა მსოფლიო ხელოვნებაში. ის არსებობდა უძველესი დროიდან, მაგრამ როგორც ტრადიცია არ დაუკარგავს პოპულარობა და გაოცების უნარი.
ყურადღება ტრადიციებზე
აღმოსავლეთი არ არის მხოლოდ პეიზაჟები, მთები და ამომავალი მზე. ეს ის ხალხია, ვინც შექმნა მისი ისტორია. სწორედ ეს ხალხი ინარჩუნებდა იაპონური მხატვრობის ტრადიციას მრავალი საუკუნის განმავლობაში, ავითარებდა და ამრავლებდა თავის ხელოვნებას. მათ, ვინც მნიშვნელოვანი წვლილი შეიტანა იაპონელი მხატვრების ისტორიაში. მათი წყალობით თანამედროვეებმა შეინარჩუნეს ტრადიციული იაპონური მხატვრობის ყველა კანონი.
ფერწერის სტილი
ევროპისგან განსხვავებით, იაპონელი მხატვრები ამჯობინებდნენ გრაფიკასთან უფრო ახლოს ხატვას, ვიდრე ფერწერას. ასეთ ნახატებში ვერ ნახავთ ზეთის უხეშ, უყურადღებო შტრიხებს, რაც ასე დამახასიათებელია იმპრესიონისტებისთვის. როგორია ისეთი ხელოვნების გრაფიკული ბუნება, როგორიცაა იაპონური ხეები, კლდეები, ცხოველები და ფრინველები - ამ ნახატებში ყველაფერი დახატულია რაც შეიძლება ნათლად, მყარი და თავდაჯერებული მელნის ხაზებით. კომპოზიციის ყველა ობიექტს უნდა ჰქონდეს მონახაზი. კონტურის შიგნით შევსება ჩვეულებრივ ხდება აკვარელით. ფერი ირეცხება, სხვა ჩრდილები ემატება და სადღაც ქაღალდის ფერი რჩება. დეკორატიულობა არის ზუსტად ის, რაც განასხვავებს იაპონურ ნახატებს მთელი მსოფლიო ხელოვნებისგან.
კონტრასტები ფერწერაში
კონტრასტი არის კიდევ ერთი დამახასიათებელი ტექნიკა, რომელსაც იყენებენ იაპონელი მხატვრები. ეს შეიძლება იყოს განსხვავება ტონში, ფერში ან თბილი და ცივი ჩრდილების კონტრასტში.
მხატვარი მიმართავს ტექნიკას, როდესაც სურს, ხაზი გაუსვას საგნის რომელიმე ელემენტს. ეს შეიძლება იყოს ვენა მცენარეზე, ერთი ფურცელი ან ხის ტოტი ცისკენ. შემდეგ გამოსახულია ობიექტის მსუბუქი, განათებული ნაწილი და მის ქვეშ არსებული ჩრდილი (ან პირიქით).
გადასვლები და ფერები
იაპონური ნახატების დახატვისას ხშირად გამოიყენება გადასვლები. ისინი განსხვავდებიან: მაგალითად, ერთი ფერიდან მეორეზე. წყლის შროშანების, პეონების ფურცლებზე შეგიძლიათ შეამჩნიოთ გადასვლა ღია ჩრდილიდან მდიდარ, ნათელ ფერზე.
ასევე, გადასვლები გამოიყენება წყლის ზედაპირის, ცის გამოსახულებაში. მზის ჩასვლიდან ბნელ, გაღრმავებულ ბინდიზე გლუვი გადასვლა ძალიან ლამაზად გამოიყურება. ღრუბლების ხატვისას ასევე გამოიყენება გადასვლები სხვადასხვა ჩრდილებიდან და ანარეკლებიდან.
იაპონური მხატვრობის მთავარი მოტივები
ხელოვნებაში ყველაფერი ურთიერთკავშირშია რეალურ ცხოვრებასთან, იმ ადამიანების გრძნობებთან და ემოციებთან, ვინც მასში მონაწილეობს. როგორც ლიტერატურაში, მუსიკაში და შემოქმედების სხვა გამოვლინებებში, მხატვრობაში რამდენიმე მარადიული თემაა. ეს არის ისტორიული ნაკვეთები, ადამიანებისა და ბუნების გამოსახულებები.
იაპონური პეიზაჟები მრავალფეროვანია. ხშირად ნახატებში არის აუზების გამოსახულებები - იაპონელების ინტერიერის საყვარელი საგანი. მახლობლად დეკორატიული აუზი, რამდენიმე წყლის შროშანა და ბამბუკი - ასე გამოიყურება მე-17-18 საუკუნის ტიპიური ნახატი.
ცხოველები იაპონურ ფერწერაში
ცხოველები ასევე განმეორებადი ელემენტია აზიურ ფერწერაში. ტრადიციულად, ეს არის ჩახშობილი ვეფხვი ან შინაური კატა. ზოგადად, აზიელებს ძალიან უყვართ და ამიტომ მათი წარმომადგენლები აღმოსავლური ხელოვნების ყველა ფორმაში გვხვდება.
ფაუნის სამყარო კიდევ ერთი თემაა, რომელსაც მოსდევს იაპონური მხატვრობა. ჩიტები - წეროები, დეკორატიული თუთიყუშები, მდიდრული ფარშევანგი, მერცხლები, შეუმჩნეველი ბეღურები და მამლებიც კი - ყველა მათგანი აღმოსავლური ოსტატების ნახატებშია ნაპოვნი.
თევზი თანაბრად აქტუალური თემაა იაპონელი მხატვრებისთვის. კოი ოქროს თევზის იაპონური ვერსიაა. ეს არსებები ცხოვრობენ აზიაში ყველა აუზში, თუნდაც პატარა პარკებსა და ბაღებში. კოი კობრი ერთგვარი ტრადიციაა, რომელიც კონკრეტულად იაპონიას ეკუთვნის. ეს თევზი სიმბოლოა ბრძოლა, განსაზღვრა, მიზნის მიღწევა. გასაკვირი არ არის, რომ ისინი გამოსახულნი არიან როგორც მცურავი ნაკადით, ყოველთვის დეკორატიული ტალღის ღეროებით.
იაპონური ნახატები: ადამიანების გამოსახვა
ადამიანები იაპონურ ფერწერაში განსაკუთრებული თემაა. მხატვრები გამოსახავდნენ გეიშებს, იმპერატორებს, მეომრებს და უხუცესებს.
გეიშები გამოსახულია ყვავილებით გარშემორტყმული, ყოველთვის ეცვათ დახვეწილი სამოსი მრავალი ნაკეცებითა და ელემენტებით.
ბრძენი კაცები გამოსახულნი არიან მჯდომარეში ან რაღაცას უხსნიან თავიანთ მოსწავლეებს. ძველი მეცნიერის გამოსახულება აზიის ისტორიის, კულტურისა და ფილოსოფიის სიმბოლოა.
მეომარი გამოსახული იყო, როგორც ძლიერი, ზოგჯერ დამაშინებელი. გრძელები დეტალურად იყო დახატული და მავთულს ჰგავდა.
როგორც წესი, ჯავშნის ყველა დეტალი იხვეწება მელნით. ხშირად შიშველ მეომრებს აღმოსავლური დრაკონის გამოსახული ტატუ ამშვენებს. ეს არის იაპონიის ძლიერებისა და სამხედრო ძალაუფლების სიმბოლო.
მმართველები იმპერიული ოჯახებისთვის იყო გამოსახული. ლამაზი სამოსი, ორნამენტები მამაკაცის თმაში - ასეთი ხელოვნების ნიმუშები უხვადაა.
პეიზაჟები
ტრადიციული იაპონური პეიზაჟი - მთები. აზიელმა მხატვრებმა მიაღწიეს სხვადასხვა პეიზაჟების გამოსახვას: მათ შეუძლიათ ერთი და იგივე მწვერვალი გამოსახონ სხვადასხვა ფერებში, სხვადასხვა ატმოსფეროში. ერთადერთი, რაც უცვლელი რჩება, არის ყვავილების სავალდებულო ყოფნა. როგორც წესი, მთებთან ერთად მხატვარი წინა პლანზე გამოსახავს რაიმე სახის მცენარეს და დაწვრილებით ხატავს. მთები და ალუბლის ყვავილი ლამაზად გამოიყურება. და თუ დახატავთ ცვივა ფურცლებს - სურათი აღფრთოვანებულია სევდიანი სილამაზით. ნახატის ატმოსფეროში არსებული კონტრასტი იაპონური კულტურის კიდევ ერთი შესანიშნავი თვისებაა.
იეროგლიფები
ხშირად იაპონურ ფერწერაში სურათის კომპოზიცია ასოებით არის შერწყმული. იეროგლიფები ისეა მოწყობილი, რომ კომპოზიციურად ლამაზად გამოიყურებოდეს. ჩვეულებრივ, ისინი დახატულია სურათის მარცხნივ ან მარჯვნივ. იეროგლიფებს შეუძლიათ მიუთითონ რა არის გამოსახული სურათზე, მისი სახელი ან მხატვრის სახელი.
იაპონია ერთ-ერთი ყველაზე მდიდარი ქვეყანაა ისტორიით და კულტურით. მთელ მსოფლიოში, ჩვეულებრივად არის მიჩნეული იაპონელები, როგორც პედანტი ადამიანები, რომლებიც პოულობენ ესთეტიკას ცხოვრების აბსოლუტურად ყველა გამოვლინებაში. მაშასადამე, იაპონური ნახატები ყოველთვის ძალიან ჰარმონიულია ფერითა და ტონით: თუ არის რაიმე ნათელი ფერის ჩანართები, მაშინ მხოლოდ სემანტიკურ ცენტრებში. აზიელი მხატვრების ნახატების მაგალითზე შეიძლება შეისწავლოს ფერის თეორია, გრაფიკის გამოყენებით ფორმის სწორი გადაცემა და კომპოზიცია. იაპონური ნახატების შესრულების ტექნიკა იმდენად მაღალია, რომ შეიძლება მაგალითი იყოს აკვარელებთან მუშაობისა და გრაფიკული ნამუშევრების „გარეცხვის“ შესასრულებლად.
თითოეულ ქვეყანას ჰყავს თანამედროვე ხელოვნების საკუთარი გმირები, რომელთა სახელები ცნობილია, რომელთა გამოფენები აგროვებს გულშემატკივრებს და ცნობისმოყვარე ადამიანებს და რომელთა ნამუშევრები ნაწილდება კერძო კოლექციებში.
ამ სტატიაში გაგაცნობთ იაპონიის ყველაზე პოპულარულ თანამედროვე მხატვრებს.
კეიკო ტანაბე
კიოტოში დაბადებულმა კეიკომ ბავშვობაში მრავალი ხელოვნების კონკურსი მოიგო, მაგრამ მისი უმაღლესი განათლება სულაც არ იყო ხელოვნებაში. იგი მუშაობდა ტოკიოში იაპონური თვითმმართველი სავაჭრო ორგანიზაციის საერთაშორისო ურთიერთობების განყოფილებაში, სან-ფრანცისკოში მსხვილ იურიდიულ ფირმაში და სან დიეგოში კერძო საკონსულტაციო ფირმაში და ბევრს მოგზაურობდა. 2003 წლიდან მან დატოვა სამსახური და სან დიეგოში აკვარელის მხატვრობის საფუძვლების შესწავლის შემდეგ, თავი ექსკლუზიურად ხელოვნებას მიუძღვნა.
იკენაგა იასუნარი (იკენაგა იასუნარი)
იაპონელი მხატვარი იკენაგა იასუნარი ხატავს თანამედროვე ქალების პორტრეტებს ძველი იაპონური ფერწერის ტრადიციით, გამოყენებით Menso ფუნჯი, მინერალური პიგმენტები, ნახშირბადის შავი, მელანი და თეთრეული, როგორც საფუძველი. მისი გმირები ჩვენი დროის ქალები არიან, მაგრამ ნიჰონგას სტილის წყალობით, არსებობს განცდა, რომ ისინი ჩვენთან უძველესი დროიდან მოვიდნენ.
აბე ტოშიიუკი
აბე ტოშიუკი რეალისტი მხატვარია, რომელიც სრულყოფილად დაეუფლა აკვარელის ტექნიკას. აბეს შეიძლება ეწოდოს მხატვარი-ფილოსოფოსი: ის ფუნდამენტურად არ ხატავს ცნობილ ღირშესანიშნაობებს, უპირატესობას ანიჭებს სუბიექტურ კომპოზიციებს, რომლებიც ასახავს იმ ადამიანის შინაგან მდგომარეობას, ვინც მათ უყურებს.
ჰიროკო საკაი
მხატვრის ჰიროკო საკაის კარიერა 90-იანი წლების დასაწყისში ქალაქ ფუკუოკაში დაიწყო. Seinan Gakuin-ის უნივერსიტეტისა და ნიჰონის ფრანგული ინტერიერის დიზაინის სკოლის დამთავრების შემდეგ დიზაინისა და ვიზუალიზაციის მიმართულებით, მან დააარსა "Atelier Yume-Tsumugi Ltd". და წარმატებით მართავდა ამ სტუდიას 5 წლის განმავლობაში. მისი მრავალი ნამუშევარი ამშვენებს იაპონიის საავადმყოფოების, მსხვილი კორპორაციების ოფისების და რამდენიმე მუნიციპალური შენობის ლობიებს. შეერთებულ შტატებში გადასვლის შემდეგ ჰიროკომ ზეთებში ხატვა დაიწყო.
რიუსუკე ფუკაჰორი
რიუსუკი ფუკაჰორის სამგანზომილებიანი ნამუშევრები ჰოლოგრამას ჰგავს. ისინი დამზადებულია აკრილის საღებავის მრავალ ფენით და გამჭვირვალე ფისოვანი სითხით, ეს ყველაფერი ტრადიციულ მეთოდებთან ერთად, როგორიცაა დაჩრდილვა, კიდეების დარბილება, გამჭვირვალობის კონტროლი, რიუსუკის საშუალებას აძლევს შექმნას სკულპტურული ნახატები და შემატოს სიღრმე და რეალიზმი ნამუშევარში.
ნაცუკი ოტანი
ნაცუკი ოტანი ნიჭიერი იაპონელი ილუსტრატორია, რომელიც ცხოვრობს და მუშაობს ინგლისში.
მაკოტო მურამაცუ
მაკოტო მურამაცუმ თავისი ნამუშევრის საფუძვლად მომგებიანი თემა აირჩია - ის კატებს ხატავს. მისი ნახატები პოპულარულია მთელ მსოფლიოში, განსაკუთრებით თავსატეხების სახით.
ტეცუია მიშიმა
თანამედროვე იაპონელი მხატვრის მიშიმას ნახატების უმეტესობა შესრულებულია ზეთებით. 90-იანი წლებიდან პროფესიონალურად ეწევა მხატვრობას, აქვს რამდენიმე პერსონალური გამოფენა და უამრავი კოლექტიური გამოფენა, როგორც იაპონური, ასევე უცხოური.
იაპონურ კლასიკურ მხატვრობას გრძელი და საინტერესო ისტორია აქვს. იაპონიის სახვითი ხელოვნება წარმოდგენილია სხვადასხვა სტილში და ჟანრში, რომელთაგან თითოეული თავისებურად უნიკალურია. დოტაკუს ბრინჯაოს ზარებსა და ჭურჭლის ნატეხებზე აღმოჩენილი უძველესი მოხატული ფიგურები და გეომეტრიული მოტივები 300 წლით თარიღდება.
ხელოვნების ბუდისტური ორიენტაცია
იაპონიაში კედლის მხატვრობის ხელოვნება საკმაოდ კარგად იყო განვითარებული, მე-6 საუკუნეში განსაკუთრებით პოპულარული იყო გამოსახულებები ბუდიზმის ფილოსოფიის თემაზე. იმ დროს ქვეყანაში შენდებოდა დიდი ტაძრები და მათ კედლებს ყველგან ამშვენებდა ბუდისტური მითებისა და ლეგენდების მიხედვით დახატული ფრესკები. აქამდე იაპონიის ქალაქ ნარას მახლობლად მდებარე ჰორიუჯის ტაძარში კედლის მხატვრობის უძველესი ნიმუშებია შემორჩენილი. ჰორიუჯის ფრესკები ასახავს სცენებს ბუდასა და სხვა ღმერთების ცხოვრებიდან. ამ ფრესკების მხატვრული სტილი ძალიან ახლოს არის ჩინეთში პოპულარულ ფერწერულ კონცეფციასთან სონგის დინასტიის დროს.
ტანგის დინასტიის თვალწარმტაცი სტილმა განსაკუთრებული პოპულარობა მოიპოვა ნარას პერიოდის შუა პერიოდში. ტაკამაცუზუკას სამარხში აღმოჩენილი ფრესკები სწორედ ამ პერიოდს განეკუთვნება და დაახლოებით VII საუკუნით თარიღდება. მხატვრული ტექნიკა, რომელიც ჩამოყალიბდა ტანგის დინასტიის გავლენით, შემდგომში ჩამოყალიბდა კარა-ე ფერწერის ჟანრის საფუძველი. ამ ჟანრმა შეინარჩუნა პოპულარობა იამატო-ე სტილში პირველი ნამუშევრების გამოჩენამდე. ფრესკებისა და ფერწერული შედევრების უმეტესობა უცნობი მხატვრებისაა, დღეს იმ პერიოდის მრავალი ნამუშევარი ინახება სესოინის ხაზინაში.
ახალი ბუდისტური სკოლების მზარდმა გავლენამ, როგორიცაა ტენდაი, გავლენა მოახდინა იაპონური ვიზუალური ხელოვნების ფართო რელიგიურ ფოკუსზე მე-8 და მე-9 საუკუნეებში. მე-10 საუკუნეში, რომლის დროსაც განსაკუთრებით განვითარდა იაპონური ბუდიზმი, გამოჩნდა რაიგოზუს ჟანრი, "მისასალმებელი ნახატები", რომლებიც ასახავს ბუდას ჩამოსვლას დასავლეთ სამოთხეში. რაიგოზუს ადრეული მაგალითები, რომლებიც თარიღდება 1053 წლით, შეგიძლიათ ნახოთ ბედო-ინ ტაძარში, რომელიც დაცულია ქალაქ უჯიში, კიოტოს პრეფექტურაში.
სტილის შეცვლა
ჰეიანის პერიოდის შუა ხანებში ჩინური კარა-ე სტილი შეიცვალა იამატო-ე ჟანრით, რომელიც დიდი ხნის განმავლობაში გახდა იაპონური მხატვრობის ერთ-ერთი ყველაზე პოპულარული და მოთხოვნადი ჟანრი. ახალი ფერწერული სტილი ძირითადად გამოყენებული იყო დასაკეცი ეკრანებზე და მოცურების კარებზე. დროთა განმავლობაში იამატო-ე გადავიდა ემაკიმონოს ჰორიზონტალურ გრაგნილებზე. მხატვრები, რომლებიც მუშაობდნენ ემაკის ჟანრში, ცდილობდნენ თავიანთ ნამუშევრებში გადმოეცათ არჩეული სიუჟეტის მთელი ემოციურობა. Genji monogatari გრაგნილი შედგებოდა ერთმანეთთან დაკავშირებული რამდენიმე ეპიზოდისგან, იმდროინდელი მხატვრები იყენებდნენ სწრაფ შტრიხებს და ნათელ, გამომხატველ ფერებს.
E-maki არის otoko-e, მამაკაცის პორტრეტის ჟანრის ერთ-ერთი უძველესი და ყველაზე თვალსაჩინო მაგალითი. ონნა-ე-ს ცალკე ჟანრად გამოიყოფა ქალის პორტრეტები. ამ ჟანრებს შორის, ფაქტობრივად, ისევე როგორც მამაკაცებსა და ქალებს შორის, საკმაოდ მნიშვნელოვანი განსხვავებებია. ონნა-ე სტილი ფერადად არის წარმოდგენილი გენჯის ზღაპრის დიზაინში, სადაც ნახატების მთავარი თემაა რომანტიული ნაკვეთები, სცენები სასამართლო ცხოვრებიდან. ოტოკო-ე-ს მამრობითი სტილი უპირატესად წარმოადგენს ისტორიული ბრძოლებისა და იმპერიის ცხოვრებაში სხვა მნიშვნელოვანი მოვლენების მხატვრულ ასახვას.
კლასიკური იაპონური ხელოვნების სკოლა გახდა ნოყიერი ნიადაგი თანამედროვე იაპონური ხელოვნების იდეების განვითარებისა და პოპულარიზაციისთვის, რაც ნათლად აჩვენებს პოპ კულტურისა და ანიმეს გავლენას. ჩვენი დროის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი იაპონელი მხატვარია ტაკაში მურაკამი, რომლის ნამუშევარი ეძღვნება ომისშემდგომ პერიოდში იაპონიის ცხოვრებიდან სცენების ასახვას და სახვითი ხელოვნებისა და მეინსტრიმის მაქსიმალური შერწყმის კონცეფციას.
კლასიკური სკოლის ცნობილი იაპონელი მხატვრებიდან შეიძლება აღინიშნოს შემდეგი.
დაძაბული შუბუნი
შუბუნი მუშაობდა მე -15 საუკუნის დასაწყისში, რომელმაც დიდი დრო დაუთმო სონგის დინასტიის ეპოქის ჩინელი ოსტატების ნამუშევრების შესწავლას, ეს ადამიანი იდგა იაპონური ფერწერული ჟანრის საწყისებზე. შუბუნი ითვლება სუმი-ე, მონოქრომული მელნით ფერწერის ფუძემდებლად. მან დიდი ძალისხმევა გამოიჩინა ახალი ჟანრის პოპულარიზაციისთვის, გადააქცია იგი იაპონური მხატვრობის ერთ-ერთ წამყვან ტენდენციად. შუბუნის მოსწავლეები იყვნენ მრავალი მხატვარი, რომლებიც მოგვიანებით გახდნენ ცნობილი, მათ შორის სეშუ და ცნობილი ხელოვნების სკოლის დამფუძნებელი კანო მასანობუ. შუბუნს მრავალი პეიზაჟი მიაწერეს, მაგრამ მისი ყველაზე ცნობილი ნამუშევარი ტრადიციულად ითვლება ბამბუკის ჭალებში კითხვა.
ოგატა კორინი (1658-1716)
ოგატა კორინი არის იაპონური მხატვრობის ისტორიაში ერთ-ერთი უდიდესი მხატვარი, რიმპას ხელოვნების სტილის დამაარსებელი და ერთ-ერთი ყველაზე ნათელი წარმომადგენელი. კორინმა თავის ნამუშევრებში თამამად დატოვა ტრადიციული სტერეოტიპები, ჩამოაყალიბა საკუთარი სტილი, რომლის ძირითადი მახასიათებლები იყო მცირე ფორმები და სიუჟეტის ნათელი იმპრესიონიზმი. კორინი ცნობილია ბუნების გამოსახვისა და აბსტრაქტულ ფერთა კომპოზიციებთან მუშაობის განსაკუთრებული ოსტატობით. "ქლიავის ყვავილი წითელი და თეთრი" არის ოგატა კორინის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი ნამუშევარი, ასევე ცნობილია მისი ნახატები "ქრიზანთემები", "მაცუშიმას ტალღები" და მრავალი სხვა.
ჰასეგავა ტოჰაკუ (1539-1610)
ტოჰაკუ არის იაპონური ხელოვნების სკოლის ჰასეგავას დამფუძნებელი. ტოჰაკუს შემოქმედების ადრეული პერიოდი ხასიათდება იაპონური ფერწერის ცნობილი სკოლის გავლენით. 
კანო, მაგრამ დროთა განმავლობაში მხატვარმა ჩამოაყალიბა საკუთარი უნიკალური სტილი. მრავალი თვალსაზრისით, ტოჰაკუს შემოქმედებაზე გავლენა მოახდინა აღიარებული ოსტატის სეშუს ნამუშევრებმა, ჰოსეგავა საკუთარ თავსაც კი თვლიდა ამ დიდი ოსტატის მეხუთე მემკვიდრედ. ჰასეგავა ტოჰაკუს ნახატმა „ფიჭვის ხეები“ მსოფლიო პოპულარობა მოიპოვა, ასევე ცნობილია მისი ნამუშევრები „ნეკერჩხალი“, „ფიჭვის ხეები და აყვავებული მცენარეები“ და სხვა.
კანო ეიტოკუ (1543-1590)
კანოს სკოლის სტილი დომინირებდა იაპონიის ვიზუალურ ხელოვნებაში დაახლოებით ოთხი საუკუნის განმავლობაში და კანო ეიტოკუ, ალბათ, ამ ხელოვნების სკოლის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი და გამორჩეული წარმომადგენელია. ეიტოკუს მხარი დაუჭირა ხელისუფლებას, არისტოკრატებისა და მდიდარი მფარველების მფარველობა არ შეიძლებოდა არ შეუწყოს ხელი მისი სკოლის გაძლიერებას და ამ, უდავოდ, ძალიან ნიჭიერი მხატვრის ნამუშევრების პოპულარობას. ეიტოკუ კანოს "კვიპაროსის" რვა პანელიანი მოცურების ეკრანი არის ნამდვილი შედევრი და მონოიამას სტილის მასშტაბისა და ძალის მთავარი მაგალითი. არანაკლებ საინტერესოდ გამოიყურება ოსტატის სხვა ნამუშევრები, როგორიცაა "ოთხი სეზონის ჩიტები და ხეები", "ჩინური ლომები", "მოღვაწეები და ფერია" და მრავალი სხვა.
კაცუშიკა ჰოკუსაი (1760-1849)
ჰოკუსაი უკიიო-ე (იაპონური ხის ჭრის) ჟანრის უდიდესი ოსტატია. ჰოკუსაის ნამუშევრებმა მსოფლიო აღიარება მოიპოვა, მისი პოპულარობა სხვა ქვეყნებში არ არის შედარებული აზიელი მხატვრების უმეტესობის პოპულარობით, მისი ნამუშევარი "დიდი ტალღა კანაგავადან" გახდა იაპონური სახვითი ხელოვნების ერთგვარი ნიშანი მსოფლიო ხელოვნების სცენაზე. თავის შემოქმედებით გზაზე ჰოკუსაიმ გამოიყენა ოცდაათზე მეტი ფსევდონიმი, სამოცი წლის შემდეგ მხატვარმა მთლიანად მიუძღვნა თავი ხელოვნებას და სწორედ ეს დრო ითვლება მისი შემოქმედების ყველაზე ნაყოფიერ პერიოდად. ჰოკუსაის ნამუშევრებმა გავლენა მოახდინა დასავლელი იმპრესიონისტი და პოსტიმპრესიონისტი ოსტატების მუშაობაზე, მათ შორის რენუარის, მონესა და ვან გოგის შემოქმედებაზე.
