იაპონელი მხატვრები. კაცუშიკა ჰოკუსაი "დიდი ტალღა კანაგავას მიღმა"

იაპონური მხატვრობა ხელოვნების უძველესი ფორმაა. იგი მოიცავს სხვადასხვა ფორმებს, ჟანრებს და მრავალფეროვან შინაარსს.

იაპონური მხატვრობახელოვნების უძველესი ფორმაა. იგი მოიცავს სხვადასხვა ფორმებს, ჟანრებს და მრავალფეროვან შინაარსს. ელეგანტური ხელოვნება სამყაროს წარუდგენს ნახატებს, რომლებიც არის ეკრანები, კედლის მხატვრობა, აბრეშუმის ან ქაღალდის გრაგნილები, გულშემატკივრები, დაზგური ნახატები და გრავიურები.

იაპონური მხატვრობა გამოირჩევა ჟანრისა და სტილის მრავალფეროვნებით. წამყვანი ადგილი იაპონურ მხატვრობაში, ისევე როგორც ლიტერატურაში, ბუნებას უჭირავს. იგი წარმოდგენილია როგორც ღვთაებრივი პრინციპის მცველი. იაპონური მხატვრობა წარმოიშვა ჩინურ ხელოვნებაში, ამიტომ მისი ჟანრები ძალიან ჰგავს ციური იმპერიის ჟანრებს. დღესდღეობით ბევრი იაპონელი მხატვარი ჩინეთში სწავლას ამჯობინებს.

მხატვრობა იაპონიაშიაქვს რამდენიმე ეტაპი მის ისტორიაში. თითოეულ მათგანს აქვს საკუთარი მახასიათებლები და განსაკუთრებული თვისებები.

განვითარების საწყის ეტაპად ითვლება პერიოდი VII საუკუნის შუა წლებიდან VIII საუკუნის ბოლომდე, ე.წ. ნარა. ამ პერიოდში მოხატეს ჰორიუჯის ტაძარი, რომელიც იაპონურ კულტურაზე ინდური და ჩინური ტრადიციების გავლენის შესანიშნავი მტკიცებულებაა.

იაპონური მხატვრობის განვითარების შემდეგი პერიოდი ე.წ ჰეიანი. იგი ცნობილია ტაძრის მხატვრობის აქტიური აყვავებით და საერო გამოსახულების ხელოვნების ნიმუშებით. ამ პერიოდში შეიქმნა ილუსტრაციები რომანებისა და მოთხრობებისთვის, რომლებიც შექმნილია კეთილშობილური ბატონების გასართობად.

პერიოდი კამაკურა(უკავია დრო მე-12 საუკუნის ბოლოდან მე-14 საუკუნის პირველ ნახევრამდე), რომელსაც ეკავა დრო მეთორმეტე საუკუნის ბოლოდან XIV საუკუნის პირველ ნახევრამდე, ხასიათდება სტილის ცვლილებით. , ცხოვრების ასახვის ახალი გზების ძიება. იაპონური ფერწერის განწყობა მკვეთრად იცვლება. ადრე ნახატები ოპტიმისტურ, მსუბუქ და ხალისიან ატმოსფეროს გადმოსცემდნენ. ამ პერიოდში დიდი ნაბიჯი გადაიდგა რეალისტური იმიჯისკენ, ასევე ნახატს მიეცა თითქმის სამხედრო ხასიათი. ფერწერის დამახასიათებელი საგნებია საბრძოლო სცენები მითებიდან და ისტორიიდან, რელიგიური სცენები ბუდისტური ტრადიციიდან. გავრცელებულია მნიშვნელოვანი სახელმწიფო მოღვაწეების პორტრეტების გამოსახულება.

დროს მურომაჩი(დროი მე-14 საუკუნის პირველი ნახევრიდან მე-16 საუკუნის მეორე ნახევრამდე), წინა პლანზე მოდის ტენდენცია, რომელიც ადიდებდა იაპონურ მხატვრობას მთელ მსოფლიოში. ზენ ბუდიზმის ფილოსოფიას მნიშვნელოვანი გავლენა მოახდინა ფერწერაზე, რის შედეგადაც ლანდშაფტის ხელოვნებამ პოპულარობა მოიპოვა. მონოქრომული ტექნიკამ განსაკუთრებული ელეგანტურობა მიიღო. ამ პერიოდში იაპონურ ფერწერას ჩინეთის გავლენა მოახდინა. Ყველაზე ცნობილი იაპონელი მხატვარიიმ დროს ტოიო ოდამ, რომელიც სპეციალიზირებული იყო პეიზაჟების ხატვაში, შექმნა პირველი ნახატები, როდესაც მოგზაურობდა შუა სამეფოში. მიმართულება მან უკვე სახლში შეიმუშავა.

ზემოაღნიშნული ტენდენცია აქტიურად განვითარდა და დაემატა იაპონური ფერწერის განვითარებაში მომდევნო ორი პერიოდის განმავლობაში - მონოიამადა ედო. მონოქრომული ტექნიკა უფრო დახვეწილი ვარიანტი იყო. ყურადღებით შეიმუშავა და დახატა დეტალები. მხატვრებს არ ეშინოდათ ექსპერიმენტების და დაიწყეს იმ ტექნიკის გამოყენება, რომელიც ადრე გამოიყენებოდა გრაგნილებზე და ეკრანებზე, კედლის მხატვრობაში. პეიზაჟები და ბრბოს სცენები დაემატა ფსიქოლოგიურ ისტორიებს, რომლებიც აჩვენებენ გმირს ძლიერი ემოციური სტრესის მომენტში. იაპონიაში ტრადიციული მხატვრობის გარდა, აქტიურად გავრცელდა ხეზე გრავიურა. იგი იყოფა ორ ტიპად: თეატრალური გრავიურა და ყოველდღიური წერითი გრავიურა. თეატრალური პრინტების ყველაზე ცნობილი ოსტატია ჩოშუსაი სიარაკუ. ყოველდღიური ცხოვრების გრავიურა აქტიურად განვითარდა სუზუკი ჰარუნობუსა და კიტაგავა უტამაროს შემოქმედებაში.

თუ ფიქრობთ, რომ ყველა დიდი ხელოვანი წარსულშია, მაშინ წარმოდგენაც არ გაქვთ, რამდენად ცდებით. ამ სტატიაში გაეცნობით ჩვენი დროის ყველაზე ცნობილ და ნიჭიერ მხატვრებს. და მერწმუნეთ, მათი ნამუშევრები თქვენს მეხსიერებაში არანაკლებ ღრმად დარჩება, ვიდრე წარსული ეპოქის მაესტროს ნამუშევრები.

ვოიცეჩ ბაბსკი

ვოიცეხ ბაბსკი თანამედროვე პოლონელი მხატვარია. დაამთავრა სილეზიის პოლიტექნიკური ინსტიტუტი, მაგრამ დაუკავშირდა საკუთარ თავს. ბოლო დროს ძირითადად ქალებს ხატავს. ფოკუსირებულია ემოციების გამოვლინებაზე, ცდილობს მიიღოს მაქსიმალური ეფექტი მარტივი საშუალებებით.

უყვარს ფერი, მაგრამ ხშირად იყენებს შავი და ნაცრისფერი ჩრდილებს საუკეთესო შთაბეჭდილების მისაღწევად. არ ეშინია ექსპერიმენტების ახალი ტექნიკით. ბოლო დროს ის სულ უფრო მეტ პოპულარობას იძენს საზღვარგარეთ, ძირითადად დიდ ბრიტანეთში, სადაც წარმატებით ყიდის თავის ნამუშევრებს, რომლებიც უკვე ბევრ კერძო კოლექციაშია ნაპოვნი. გარდა ხელოვნებისა, იგი დაინტერესებულია კოსმოლოგიით და ფილოსოფიით. უსმენს ჯაზს. ამჟამად ცხოვრობს და მუშაობს კატოვიცეში.

უორენ ჩანგი

უორენ ჩანგი თანამედროვე ამერიკელი მხატვარია. დაიბადა 1957 წელს და გაიზარდა მონტერეიში, კალიფორნია, მან დაამთავრა დიდი პატივით 1981 წელს პასადენას ხელოვნების ცენტრის დიზაინის კოლეჯი, სახვითი ხელოვნების ბაკალავრის ხარისხით სახვითი ხელოვნებაში. მომდევნო ორი ათწლეულის განმავლობაში ის მუშაობდა ილუსტრატორად სხვადასხვა კომპანიებში კალიფორნიასა და ნიუ-იორკში, სანამ 2009 წელს პროფესიონალი მხატვრის კარიერას დაიწყებდა.

მისი რეალისტური ნახატები შეიძლება დაიყოს ორ ძირითად კატეგორიად: ბიოგრაფიული ინტერიერის ნახატები და ნახატები, რომლებიც ასახავს მშრომელ ადამიანებს. მისი ინტერესი ამ სტილის მხატვრობისადმი სათავეს იღებს მე-16 საუკუნის მხატვრის იან ვერმეერის შემოქმედებაში და ვრცელდება ობიექტებზე, ავტოპორტრეტებზე, ოჯახის წევრების, მეგობრების, სტუდენტების, სტუდიის, საკლასო ოთახისა და სახლის ინტერიერებზე. მისი მიზანია შექმნას განწყობა და ემოცია თავის რეალისტურ ნახატებში სინათლის მანიპულირებისა და მდუმარე ფერების გამოყენებით.

ჩანგი ცნობილი გახდა ტრადიციულ ვიზუალურ ხელოვნებაზე გადასვლის შემდეგ. გასული 12 წლის განმავლობაში მან მოიპოვა მრავალი ჯილდო და ჯილდო, მათ შორის ყველაზე პრესტიჟული ოსტატის ხელმოწერა ამერიკის ზეთის მხატვრების ასოციაციისგან, ნავთობის მხატვრობის ყველაზე დიდი საზოგადოება შეერთებულ შტატებში. 50-დან მხოლოდ ერთ ადამიანს აქვს ამ ჯილდოს მიღების შესაძლებლობა. ამჟამად უორენი ცხოვრობს მონტერეიში და მუშაობს თავის სტუდიაში, ის ასევე ასწავლის (ცნობილია როგორც ნიჭიერი მასწავლებელი) სან-ფრანცისკოს ხელოვნების აკადემიაში.

აურელიო ბრუნი

აურელიო ბრუნი იტალიელი მხატვარია. დაიბადა ბლერში, 1955 წლის 15 ოქტომბერს. დაამთავრა სპოლეტოს ხელოვნების ინსტიტუტის სცენოგრაფიის ხარისხი. როგორც ხელოვანი, ის თვითნასწავლია, რადგან სკოლაში ჩადებულ საძირკველზე დამოუკიდებლად „აშენდა ცოდნის სახლი“. ზეთში ხატვა 19 წლის ასაკში დაიწყო. ამჟამად ცხოვრობს და მუშაობს უმბრიაში.

ბრუნის ადრეული ნახატი საფუძვლად უდევს სიურეალიზმს, მაგრამ დროთა განმავლობაში ის იწყებს ფოკუსირებას ლირიკული რომანტიზმისა და სიმბოლიზმის სიახლოვეზე, აძლიერებს ამ კომბინაციას მისი პერსონაჟების დახვეწილობითა და სიწმინდით. ცოცხალი და უსულო საგნები თანაბარ ღირსებას იძენენ და თითქმის ჰიპერრეალისტურად გამოიყურებიან, მაგრამ ამავე დროს, ისინი არ იმალებიან ფარდის მიღმა, არამედ საშუალებას გაძლევთ დაინახოთ თქვენი სულის არსი. მრავალმხრივობა და დახვეწილობა, სენსუალურობა და მარტოობა, გააზრებულობა და ნაყოფიერება არის აურელიო ბრუნის სული, რომელიც საზრდოობს ხელოვნების ბრწყინვალებით და მუსიკის ჰარმონიით.

ალექსანდრე ბალოსი

ალკასანდ ბალოსი თანამედროვე პოლონელი მხატვარია, რომელიც სპეციალიზირებულია ზეთის ფერწერაში. დაიბადა 1970 წელს პოლონეთში, გლივიცეში, მაგრამ 1989 წლიდან ცხოვრობს და მუშაობს აშშ-ში, კალიფორნიის ქალაქ შასტაში.

ბავშვობაში სწავლობდა ხელოვნებას მამის ჯანის, თვითნასწავლი მხატვრისა და მოქანდაკის ხელმძღვანელობით, ამიტომ ადრეული ასაკიდანვე მხატვრულმა საქმიანობამ ორივე მშობლის სრული მხარდაჭერა მიიღო. 1989 წელს, თვრამეტი წლის ასაკში, ბალოსმა დატოვა პოლონეთი შეერთებულ შტატებში, სადაც მისმა სკოლის მასწავლებელმა და ნახევარ განაკვეთზე მხატვარმა კეტი გაგლიარდიმ ალკასანდერს სამხატვრო სკოლაში ჩარიცხვა მოუწოდა. შემდეგ ბალოსმა მიიღო სრული სტიპენდია მილუოკის ვისკონსინის უნივერსიტეტში, სადაც სწავლობდა ფერწერას ფილოსოფიის პროფესორ ჰარი როსინთან.

სწავლის დასრულების შემდეგ 1995 წელს ბაკალავრის ხარისხით, ბალოსი გადავიდა ჩიკაგოში სასწავლებლად სახვითი ხელოვნების სკოლაში, რომლის მეთოდები ეფუძნება ჟაკ-ლუი დევიდის ნაშრომს. ფიგურული რეალიზმი და პორტრეტი შეადგენდა ბალოსის ნამუშევრების დიდ ნაწილს 90-იან და 2000-იანი წლების დასაწყისში. დღეს ბალოსი იყენებს ადამიანის ფიგურას ადამიანის არსებობის თავისებურებებისა და ნაკლოვანებების ხაზგასასმელად, ყოველგვარი გადაწყვეტის შეთავაზების გარეშე.

მისი ნახატების სიუჟეტური კომპოზიციები მიზნად ისახავს დამთვალიერებლის მიერ დამოუკიდებლად ინტერპრეტაციას, მხოლოდ ამის შემდეგ შეიძენს ტილოები თავის ნამდვილ დროებით და სუბიექტურ მნიშვნელობას. 2005 წელს მხატვარი გადავიდა ჩრდილოეთ კალიფორნიაში, მას შემდეგ მისი ნამუშევრების არეალი მნიშვნელოვნად გაფართოვდა და ახლა მოიცავს ფერწერის უფრო თავისუფალ მეთოდებს, მათ შორის აბსტრაქციას და სხვადასხვა მულტიმედიურ სტილებს, რაც ეხმარება მხატვრობის საშუალებით ყოფნის იდეებისა და იდეალების გამოხატვას.

ალისა მონკსი

ალისა მონკსი თანამედროვე ამერიკელი მხატვარია. იგი დაიბადა 1977 წელს რიჯვუდში, ნიუ ჯერსიში. მხატვრობით ჯერ კიდევ ბავშვობაში დაინტერესდა. იგი დაესწრო ნიუ-იორკში The New School-სა და Montclair State University-ს და დაამთავრა ბოსტონის კოლეჯი 1999 წელს ბაკალავრის ხარისხით. პარალელურად სწავლობდა მხატვრობას ფლორენციის ლორენცო მედიჩის აკადემიაში.

შემდეგ მან განაგრძო სწავლა ნიუ-იორკის ხელოვნების აკადემიის მაგისტრატურაში, ფიგურული ხელოვნების განყოფილებაში, რომელიც დაამთავრა 2001 წელს. დაამთავრა ფულერტონის კოლეჯი 2006 წელს. იგი მოკლედ კითხულობდა ლექციებს ქვეყნის მასშტაბით უნივერსიტეტებსა და საგანმანათლებლო დაწესებულებებში და ასწავლიდა მხატვრობას ნიუ-იორკის ხელოვნების აკადემიაში, ასევე მონკლერის სახელმწიფო უნივერსიტეტში და ლაიმის აკადემიის ხელოვნების კოლეჯში.

„ფილტრების გამოყენებით, როგორიცაა მინა, ვინილი, წყალი და ორთქლი, მე ვამახინჯებ ადამიანის სხეულს. ეს ფილტრები საშუალებას გაძლევთ შექმნათ აბსტრაქტული დიზაინის დიდი არეები, მათში მოჩანს ფერის კუნძულები - ადამიანის სხეულის ნაწილები.

ჩემი ნახატები ცვლის თანამედროვე სახეს ბანაობის ქალების უკვე ჩამოყალიბებულ, ტრადიციულ პოზებსა და ჟესტებზე. მათ შეეძლოთ ყურადღებიანი მაყურებლისთვის ბევრი რამ ეთქვათ ისეთი ერთი შეხედვით ცხადი რაღაცეების შესახებ, როგორიცაა ცურვის, ცეკვის და ა.შ. ჩემი პერსონაჟები საშხაპე კაბინის ფანჯრის მინაზე არიან დაჭერილი, ამახინჯებენ საკუთარ სხეულს და ხვდებიან, რომ ამით გავლენას ახდენენ შიშველი ქალის ყბადაღებულ მამაკაცურ მზერაზე. საღებავის სქელი ფენები ერთმანეთშია შერეული, რათა შორიდან მიბაძოს მინა, ორთქლი, წყალი და ხორცი. თუმცა, ახლოდან აშკარა ხდება ზეთის საღებავის საოცარი ფიზიკური თვისებები. საღებავისა და ფერის ფენების ექსპერიმენტებით ვხვდები მომენტს, როდესაც აბსტრაქტული შტრიხები სხვაგვარად იქცევა.

როდესაც პირველად დავიწყე ადამიანის სხეულის ხატვა, მაშინვე მოვიხიბლე და შეპყრობილიც კი ვიგრძენი, რომ ჩემი ნახატები მაქსიმალურად რეალისტური უნდა გამეხადა. რეალიზმს „ვაჟღერებდი“ მანამ, სანამ არ დაიწყო საკუთარი თავის ამოხსნა და დეკონსტრუქცია. ახლა მე ვიკვლევ მხატვრობის სტილის შესაძლებლობებსა და პოტენციალს, სადაც რეპრეზენტაციული ფერწერა და აბსტრაქცია ერთმანეთს ხვდება - თუ ორივე სტილს შეუძლია თანაარსებობა დროის ერთსა და იმავე მომენტში, მე ამას გავაკეთებ.

ანტონიო ფინელი

იტალიელი მხატვარი - დროის დამკვირვებელი” – ანტონიო ფინელი დაიბადა 1985 წლის 23 თებერვალს. ამჟამად ცხოვრობს და მუშაობს იტალიაში რომსა და კამპობასოს შორის. მისი ნამუშევრები გამოიფინა რამდენიმე გალერეაში იტალიაში და მის ფარგლებს გარეთ: რომში, ფლორენციაში, ნოვარაში, გენუაში, პალერმოში, სტამბოლში, ანკარაში, ნიუ-იორკში, ასევე შეგიძლიათ იხილოთ კერძო და საჯარო კოლექციებში.

ფანქრის ნახატები" დროის დამკვირვებელიანტონიო ფინელი გვიგზავნის მარადიულ მოგზაურობაში ადამიანის დროებითობის შინაგან სამყაროში და მასთან დაკავშირებული ამ სამყაროს მკაცრ ანალიზში, რომლის მთავარი ელემენტია დროში გავლა და კვალი, რომელსაც ის აყენებს კანზე.

ფინელი ხატავს ნებისმიერი ასაკის, სქესის და ეროვნების ადამიანების პორტრეტებს, რომელთა სახის გამომეტყველება მიუთითებს დროში გავლაზე და მხატვარი ასევე იმედოვნებს, რომ დროის დაუნდობლობის მტკიცებულებებს აღმოაჩენს მისი პერსონაჟების სხეულებზე. ანტონიო თავის ნამუშევრებს ერთი ზოგადი სათაურით განსაზღვრავს: „ავტოპორტრეტი“, რადგან ფანქრის ნახატებში იგი არა მხოლოდ ასახავს ადამიანს, არამედ საშუალებას აძლევს მაყურებელს იფიქროს ადამიანის შიგნით დროის გავლის რეალურ შედეგებზე.

ფლამინია კარლონი

Flaminia Carloni არის 37 წლის იტალიელი მხატვარი, დიპლომატის ქალიშვილი. სამი შვილი ჰყავს. თორმეტი წელი ცხოვრობდა რომში, სამი წელი ინგლისსა და საფრანგეთში. მიიღო დიპლომი ხელოვნების ისტორიაში BD ხელოვნების სკოლისგან. შემდეგ მან მიიღო დიპლომი ხელოვნების ნიმუშების რესტავრატორის სპეციალობაში. სანამ თავის მოწოდებას იპოვიდა და მთლიანად მხატვრობას დაუთმობდა, მუშაობდა ჟურნალისტად, კოლორიტისტად, დიზაინერად და მსახიობად.

ფლამინიას ხატვისადმი გატაცება ბავშვობაში გაჩნდა. მისი მთავარი საშუალება ზეთია, რადგან უყვარს "coiffer la pate" და ასევე თამაშობს მასალასთან. მსგავსი ტექნიკა მან მხატვარ პასკალ ტორუას შემოქმედებაში ისწავლა. ფლამინია შთაგონებულია ფერწერის ისეთი დიდი ოსტატებით, როგორებიც არიან ბალტუსი, ჰოპერი და ფრანსუა ლეგრანი, ისევე როგორც სხვადასხვა ხელოვნების მოძრაობები: ქუჩის ხელოვნება, ჩინური რეალიზმი, სიურეალიზმი და რენესანსის რეალიზმი. მისი საყვარელი მხატვარი კარავაჯოა. მისი ოცნებაა აღმოაჩინოს ხელოვნების თერაპიული ძალა.

დენის ჩერნოვი

დენის ჩერნოვი ნიჭიერი უკრაინელი მხატვარია, დაიბადა 1978 წელს სამბირში, ლვოვის რეგიონი, უკრაინა. ხარკოვის სამხატვრო კოლეჯის დამთავრების შემდეგ 1998 წელს დარჩა ხარკოვში, სადაც ამჟამად ცხოვრობს და მუშაობს. ასევე სწავლობდა ხარკოვის დიზაინისა და ხელოვნების სახელმწიფო აკადემიაში, გრაფიკის განყოფილებაში, რომელიც დაამთავრა 2004 წელს.

ის რეგულარულად მონაწილეობს ხელოვნების გამოფენებში, ამ დროისთვის მათგან სამოცზე მეტია, როგორც უკრაინაში, ასევე მის ფარგლებს გარეთ. დენის ჩერნოვის ნამუშევრების უმეტესობა ინახება კერძო კოლექციებში უკრაინაში, რუსეთში, იტალიაში, ინგლისში, ესპანეთში, საბერძნეთში, საფრანგეთში, აშშ-ში, კანადასა და იაპონიაში. ნამუშევრების ნაწილი Christie's-ში გაიყიდა.

დენისი მუშაობს გრაფიკული და ფერწერის ტექნიკის ფართო სპექტრში. ფანქრით ნახატები მისი ხატვის ერთ-ერთი საყვარელი მეთოდია, მისი ფანქრით ნახატების თემების ჩამონათვალიც ძალიან მრავალფეროვანია, ხატავს პეიზაჟებს, პორტრეტებს, შიშველს, ჟანრულ კომპოზიციებს, წიგნის ილუსტრაციებს, ლიტერატურულ და ისტორიულ რეკონსტრუქციებსა და ფანტაზიებს.

გიყვართ იაპონური მხატვრობა? რამდენად იცით ცნობილი იაპონელი მხატვრების შესახებ? მოდით, ამ სტატიაში გადავხედოთ ყველაზე ცნობილ იაპონელ მხატვრებს, რომლებმაც შექმნეს თავიანთი ნამუშევრები ukiyo-e სტილში (浮世絵). მხატვრობის ეს სტილი ედო პერიოდიდან განვითარდა. იეროგლიფები, რომლებიც წერენ ამ სტილს 浮世絵 სიტყვასიტყვით ნიშნავს "ცვალებად სამყაროს სურათებს (სურათებს), შეგიძლიათ მეტი წაიკითხოთ ფერწერის ამ მიმართულების შესახებ.

ჰისიკავა მორონობუ(菱川師宣, 1618-1694). იგი ითვლება ukiyo-e ჟანრის ფუძემდებლად, თუმცა, ფაქტობრივად, ის მხოლოდ პირველი ოსტატია, რომლის ცხოვრების შესახებ ბიოგრაფიული ინფორმაციაა შემონახული. მორონობუ დაიბადა ქსოვილის შეღებვისა და ოქროსა და ვერცხლის ძაფებით ქარგვის ოსტატის ოჯახში და დიდი ხანია ოჯახურ ხელობას ეწევა, ამიტომ მისი შემოქმედების ნიშანია ლამაზმანების ლამაზად მორთული სამოსი, რაც შესანიშნავ მხატვრულ ეფექტს აძლევს. .

ედოში გადასვლის შემდეგ ჯერ დამოუკიდებლად შეისწავლა ხატვის ტექნიკა, შემდეგ კი მხატვარმა კამბუნმა განაგრძო სწავლა.

ძირითადად მორონობუს ალბომები მოვიდა ჩვენამდე, რომლებშიც ის ასახავს ისტორიულ და ლიტერატურულ საგნებს და წიგნებს კიმონოს ნიმუშებით. ოსტატი შუნგას ჟანრშიც მუშაობდა და ცალკეულ ნამუშევრებს შორის შემორჩენილია რამდენიმე ლამაზი ქალის ამსახველი.

(鳥居清長, 1752-1815). მე-18 საუკუნის ბოლოს აღიარებული სეკი (სეკიგუჩი) ოსტატი შინსუკე (იშიბეი) ატარებდა ფსევდონიმს ტორიი კიიონაგა, რომელიც მან აიღო მას შემდეგ, რაც მემკვიდრეობით მიიღო უკიიო-ე ტორიის სკოლა ტორი კიიომიცუსგან ამ უკანასკნელის გარდაცვალების შემდეგ.

კიიონაგა დაიბადა წიგნის გამყიდველის შირაკოია იშიბეის ოჯახში. ბიჯინგას ჟანრმა მას უდიდესი პოპულარობა მოუტანა, თუმცა დაიწყო იაკუშა-ე-ით. ბიჯინგას ჟანრში გრავიურების ნაკვეთები აღებულია ყოველდღიური ცხოვრებიდან: გასეირნება, სადღესასწაულო მსვლელობა, ბუნებაში გასვლა. მხატვრის მრავალ ნამუშევრებს შორის, სერია "მოდური ლამაზმანების კონკურსი მხიარული უბნებიდან", რომელიც ასახავს მინამის, ერთ-ერთ "მხიარულ უბანს" ედოს სამხრეთით, "სამხრეთელი ლამაზმანების 12 პორტრეტი", "ჩაის 10 სახეობა". გამორჩეული. ოსტატის გამორჩეული თვისება იყო ფონის ხედის დეტალური შესწავლა და დასავლეთიდან შემოსული ტექნიკის გამოყენება სინათლისა და სივრცის გამოსახატავად.

კიიონაგამ თავდაპირველი პოპულარობა მოიპოვა 1782 წელს სერიის "მოდების მოდელები: მოდელები ახალი, როგორც საგაზაფხულო ფოთლები" განახლებით, რომელიც დაიწყო კორიუსაიმ 1770-იან წლებში გამომცემლის Nishimurai Yohachi-სთვის.

(喜多川歌麿, 1753-1806). ამ გამოჩენილ უკიიო-ე ოსტატზე მნიშვნელოვანი გავლენა მოახდინეს ტორი კიიონაგამ და გამომცემელმა ცუტაი ჯუზაბურომ. ამ უკანასკნელთან ხანგრძლივი თანამშრომლობის შედეგად გამოიცა მრავალი ალბომი, წიგნი ილუსტრაციებით და გრავიურების სერია.

იმისდა მიუხედავად, რომ უტამარომ აიღო ისტორიები უბრალო ხელოსნების ცხოვრებიდან და ცდილობდა ბუნების გამოსახვას ("მწერების წიგნი"), მას პოპულარობა მოუვიდა, როგორც გეიშებისადმი მიძღვნილი ნამუშევრების მხატვარი იოშივარას კვარტალში ("Yoshiwara Green Houses Yearbook" ).

უტამარომ მიაღწია მაღალ დონეს ფურცელზე გონებრივი მდგომარეობის გამოხატვისას. პირველად იაპონურ ხის ჭრაში დაიწყო მკერდის კომპოზიციების გამოყენება.

სწორედ უტამაროს ნამუშევრებმა მოახდინა გავლენა ფრანგ იმპრესიონისტებზე და ხელი შეუწყო ევროპელების ინტერესს იაპონური ბეჭდვით.

(葛飾北斎, 1760-1849). ჰოკუსაის ნამდვილი სახელია ტოკიტარო. ალბათ ყველაზე ფართოდ ცნობილი ukiyo-e ოსტატი მთელს მსოფლიოში. მთელი თავისი მუშაობის განმავლობაში მან ოცდაათზე მეტი ფსევდონიმი გამოიყენა. ხშირად ისტორიკოსები ფსევდონიმებს იყენებენ მისი ნაწარმოებების პერიოდიზაციისთვის.

თავიდან ჰოკუსაი მუშაობდა კარვერად, რომლის ნამუშევარი შეზღუდული იყო მხატვრის განზრახვით. ამ ფაქტმა დაამძიმა ჰოკუსაი და მან დაიწყო საკუთარი თავის, როგორც დამოუკიდებელი მხატვრის ძებნა.

1778 წელს იგი გახდა კაცუკავა შუნშოს სტუდიაში, რომელიც სპეციალიზირებული იყო იაკუშა-ე პრინტებში. ჰოკუსაი იყო ნიჭიერი და ძალიან მონდომებული მოსწავლე, რომელიც ყოველთვის პატივს სცემდა მასწავლებლის მიმართ და ამიტომაც სარგებლობდა შუნშოს განსაკუთრებული კეთილგანწყობით. ამრიგად, ჰოკუსაის პირველი დამოუკიდებელი ნამუშევრები იყო იაკუშა-ე ჟანრში დიპტიქებისა და ტრიპტიქების სახით და მოსწავლის პოპულარობა დაეწია მასწავლებლის პოპულარობას. ამ დროს ახალგაზრდა ოსტატს უკვე ისე ჰქონდა განვითარებული თავისი ნიჭი, რომ ერთ სკოლაში ხალხმრავლობა გახდა, ხოლო მასწავლებლის გარდაცვალების შემდეგ ჰოკუსაიმ დატოვა სტუდია და შეისწავლა სხვა სკოლების მიმართულებები: კანო, სოტაცუ (სხვაგვარად კოეცუ). რინპა, ტოსა.

ამ პერიოდში მხატვარი მნიშვნელოვან ფინანსურ სირთულეებს განიცდის. მაგრამ ამავდროულად ხდება მისი ოსტატად ჩამოყალიბება, რომელიც უარს ამბობს ჩვეულ იმიჯზე, რომელსაც საზოგადოება მოითხოვდა და საკუთარ სტილს ეძებს.

1795 წელს გამოიცა ილუსტრაციები პოეტური ანთოლოგიისთვის კეკა ედო მურასაკი. შემდეგ ჰოკუსაიმ დახატა სურიმონოს ნახატები, რომლებიც მაშინვე პოპულარული გახდა და ბევრმა მხატვარმა დაიწყო მათი მიბაძვა.

ამ პერიოდიდან ტოკიტარომ დაიწყო თავისი ნამუშევრების ხელმოწერა სახელწოდებით ჰოკუსაი, თუმცა მისი ზოგიერთი ნამუშევარი გამოიცა ფსევდონიმებით Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku.

1800 წელს ოსტატმა თავის თავს გაკეჯინ ჰოკუსაი უწოდა, რაც ნიშნავს "შეშლილი ჰოკუსაის ხატვას".

ილუსტრაციების ცნობილ სერიას მიეკუთვნება „ფუჯის მთის 36 ხედები“, რომელთაგან „გამარჯვებული ქარი. წმინდა დღე" ან "წითელი ფუჯი" და "კანაგავას დიდი ტალღა", "ფუჯის მთის 100 ხედები", გამოშვებული სამ ალბომში "Hokusai Manga" (北斎漫画), რომელსაც უწოდებენ "იაპონელი ხალხის ენციკლოპედიას". . მხატვარმა „მანგაში“ ჩადო მთელი თავისი შეხედულება შემოქმედებაზე, ფილოსოფიაზე. „მანგა“ ყველაზე მნიშვნელოვანი წყაროა იმდროინდელი იაპონიის ცხოვრების შესასწავლად, რადგან ის მრავალ კულტურულ ასპექტს მოიცავს. სულ თორმეტი ნომერი გამოიცა მხატვრის სიცოცხლეში, ხოლო მისი გარდაცვალების შემდეგ - კიდევ სამი:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (მხატვრის გარდაცვალების შემდეგ)

ჰოკუსაის ხელოვნებამ გავლენა მოახდინა ისეთ ევროპულ მოძრაობებზე, როგორიცაა არტ ნუვო და ფრანგული იმპრესიონიზმი.

(河鍋暁斎, 1831-1889). ის იყენებდა ფსევდონიმებს Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin, სწავლობდა კანოს სკოლაში.

ჰოკუსაისგან განსხვავებით, კიოსაი საკმაოდ თავხედი იყო, რის გამოც იგი მხატვარ ცუბოიამა ტოზანთან დაშორდა. სკოლის დამთავრების შემდეგ ის დამოუკიდებელი ოსტატი გახდა, თუმცა ხანდახან კიდევ ხუთი წლის განმავლობაში სტუმრობდა მას. ამ დროს კიოგას, ეგრეთ წოდებულ „გიჟურ ნახატებს“ ხატავდა.

გამორჩეულ გრავიურებს შორის გამოირჩევა „კიოსაის ასი ნახატი“. როგორც ილუსტრატორი, Kyosai თანამშრომლობს სხვა მხატვრებთან, რათა შექმნას ილუსტრაციები მოთხრობებისა და რომანებისთვის.

მე-19 საუკუნის ბოლოს ევროპელები ხშირად სტუმრობდნენ იაპონიას. მხატვარი იცნობდა ზოგიერთ მათგანს და მისი რამდენიმე ნამუშევარი ახლა ბრიტანეთის მუზეუმშია.

(歌川広重, 1797-1858). ის მუშაობდა ფსევდონიმით ანდო ჰიროშიგე (安藤広重) და ცნობილია ბუნებრივი მოტივების და ბუნებრივი ფენომენების დახვეწილი გადმოცემით. პირველი ნახატი "ფუჯი მთა თოვლში", რომელიც ახლა ინახება ტოკიოს სანტორის მუზეუმში, მან დაწერა ათი წლის ასაკში. ადრეული ნამუშევრების სიუჟეტები ეფუძნებოდა ქუჩებში მიმდინარე რეალურ მოვლენებს. მისი ცნობილი ციკლები: "ედოს 100 ხედი", "ფუჯის მთის 36 ხედი", "ტოკაიდოს 53 სადგური", "კიმოკაიდოს 69 სადგური", "ედოს 100 ცნობილი ხედი". მონესა და რუს მხატვარ ბილიბინზე დიდი გავლენა მოახდინეს ტოკაიდოს გზის 53 სადგურმა, რომელიც დახატა აღმოსავლეთის ზღვისპირა გზის გასწვრივ მოგზაურობის შემდეგ, ასევე ედოს 100 ხედმა. კაჩო-გას 25 გრავიურის სერიიდან ყველაზე ცნობილი ფურცელია "ბეღურები თოვლით დაფარული კამელიაზე".

(歌川 国貞, ასევე ცნობილი როგორც Utagawa Toyokuni III (იაპონ. 三代歌川豊国)). ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი ukiyo-e მხატვარი.

მან განსაკუთრებული ყურადღება დაუთმო კაბუკის მსახიობებს და თავად თეატრს - ეს არის ყველა ნამუშევრის დაახლოებით 60%. ასევე ცნობილია ბიჯინგას ჟანრის ნამუშევრები და სუმოისტების პორტრეტები. ცნობილია, რომ მან შექმნა 20-დან 25 ათასამდე მოთხრობა, რომელიც მოიცავდა 35-40 ათას ფურცელს. ის იშვიათად მიმართავდა პეიზაჟებს და მეომრებს. უტაგავა კუნიიოში (歌川 国芳, 1798 - 1861) დაიბადა აბრეშუმის მღებავების ოჯახში. კუნიიოშმა ხატვის სწავლა ათი წლის ასაკში დაიწყო, როდესაც ცხოვრობდა მხატვარ კუნინაოს ოჯახში. შემდეგ მან განაგრძო სწავლა კაცუკავა შუნეისთან და 13 წლის ასაკში შევიდა ტოკუიონის სახელოსნოში. ახალგაზრდა ხელოვანის პირველი წლები კარგად არ მიდის. მაგრამ მას შემდეგ, რაც მიიღო შეკვეთა გამომცემლისგან კაგაია კიტიბეისაგან 108 Suikoden Heroes სერიისთვის ხუთი ბეჭდვისთვის, ყველაფერი ავიდა. ის ქმნის ამ სერიის დანარჩენ გმირებს, შემდეგ აგრძელებს სხვა სხვადასხვა სამუშაოებს და თხუთმეტი წლის შემდეგ ის უტოლდება უტაგავა ჰიროშიგესა და უტაგავა კუნისადას.

1842 წელს თეატრალური სცენების, მსახიობების, გეიშების და კურტიზანების გამოსახულების აკრძალვის შემდეგ, კუნიიოში წერს თავის "კატის" სერიას, აკეთებს გრავიურებს საგანმანათლებლო სერიებიდან დიასახლისებისთვის და ბავშვებისთვის, ასახავს ეროვნულ გმირებს სერიაში "ტრადიციები, მორალი და წესიერება" და 1840 წლის ბოლოს - X - 1850-იანი წლების დასაწყისი, აკრძალვების შემსუბუქების შემდეგ, მხატვარი უბრუნდება კაბუკის თემას.

(渓斎英泉, 1790-1848). ცნობილია თავისი ნამუშევრებით სატენდერო ჟანრში. მის საუკეთესო ნამუშევრებში შედის ოკუბი-ე ("დიდი თავები") ტიპის პორტრეტები, რომლებიც განიხილება ბუნსეის ეპოქის (1818-1830) ოსტატობის ნიმუშად, როდესაც უკიიო-ე ჟანრი დაკნინდებოდა. მხატვარმა დაწერა მრავალი ლირიკული და ეროტიული სურიმონო, ასევე პეიზაჟების ციკლი „კისოკაიდოს სამოცი ცხრა სადგური“, რომელიც მან ვერ დაასრულა და ჰიროშიგემ დაასრულა.

ბიჯინგას გამოსახვის სიახლე იყო სენსუალურობა, რომელიც სხვა მხატვრებს აქამდე არ ჰქონიათ. მისი ნამუშევრებიდან შეგვიძლია გავიგოთ იმდროინდელი მოდა. მან ასევე გამოაქვეყნა ორმოცდაშვიდი რონინის ბიოგრაფიები და დაწერა რამდენიმე სხვა წიგნი, მათ შორის Ukiyo-e Prints-ის ისტორია (Ukiyo-e ruiko), რომელიც შეიცავს მხატვრების ბიოგრაფიებს. და უსახელო უხუცესის შენიშვნებში მან თავი აღწერა, როგორც გარყვნილი მთვრალი და ნეზუს ბორდელის ყოფილი მფლობელი, რომელიც დაიწვა 1830-იან წლებში.

სუზუკი ჰარუნობუ (鈴木春信, 1724-1770) მხატვრის ნამდვილი სახელია ჰოზუმი ჯირობეი. ის არის ukiyo-e პოლიქრომული ბეჭდვის პიონერი. სწავლობდა კანოს სკოლაში და სწავლობდა ფერწერას. შემდეგ, შიგენაგა ნიშიმურასა და ტორია კიიომიცუს გავლენით, ხის ჭრა მისი გატაცება გახდა. მე-18 საუკუნის დასაწყისიდან გაკეთდა ორ-სამ ფერში ბეჭდვა და ჰარუნობუმ დაიწყო ათ ფერში ნახატების დახატვა, სამი დაფის გამოყენებით და სამი ფერის შერწყმით - ყვითელი, ლურჯი და წითელი.

იგი გამოირჩეოდა ქუჩის სცენებისა და შუნგას ჟანრის ნახატების გამოსახვით. და 1760-იანი წლებიდან ის იყო ერთ-ერთი პირველი, ვინც დაიწყო კაბუკის თეატრის მსახიობების ასახვა. მისმა ნამუშევრებმა გავლენა მოახდინა ე. მანესა და ე. დეგაზე.

(小原古邨, 1877 - 1945). მისი ნამდვილი სახელია მატაო ოჰარა. გამოსახულია სცენები რუსეთ-იაპონიის და სინო-იაპონიის ომებიდან. თუმცა, ფოტოგრაფიის გაჩენის შემდეგ, მისმა ნამუშევრებმა ცუდად გაიყიდა და ტოკიოს სახვითი ხელოვნების სკოლაში სწავლებით დაიწყო შემოსავლის გამომუშავება. 1926 წელს ერნესტ ფელოზამ, იაპონური ხელოვნების კურატორმა ბოსტონის მუზეუმში, დაარწმუნა ოჰარა მხატვრობას დაუბრუნდა და მხატვარმა დაიწყო ფრინველებისა და ყვავილების გამოსახვა და მისი ნამუშევრები კარგად გაიყიდა საზღვარგარეთ.

(伊藤若冲, 1716 - 1800 წწ.). იგი გამოირჩეოდა სხვა ხელოვანთა შორის თავისი ექსცენტრიულობითა და ცხოვრების წესით, რაც შედგებოდა იმ დროის მრავალ კულტურულ და რელიგიურ მოღვაწესთან მეგობრობაში. ძალიან ეგზოტიკურად ასახავდა ცხოველებს, ყვავილებს და ფრინველებს. ის ძალიან ცნობილი იყო და შეკვეთებს იღებდა ეკრანებისა და ტაძრების მოხატულობაზე.

(鳥居清信, 1664-1729). ადრეული უკიიო-ე პერიოდის ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი წარმომადგენელი. მიუხედავად მისი მასწავლებლის ჰისიკავა მონორობუს დიდი გავლენისა, ის გახდა იაკუშა-ე ჟანრის ფუძემდებელი პლაკატებისა და პლაკატების გამოსახულებაში და გამოიგონა საკუთარი სტილი. მსახიობები გამოსახავდნენ განსაკუთრებულ პოზებში, როგორც მამაც გმირებს და ხატავდნენ
კეთილშობილური ნარინჯისფერი ფერი და ბოროტმოქმედები დახატული იყვნენ ლურჯ ფერებში. ვნების გამოსახატავად, მხატვარმა გამოიგონა მიმიზუგაკის ნიმუშის განსაკუთრებული ტიპი - ეს არის გრაგნილი ხაზები მონაცვლეობით თხელი და სქელი შტრიხებით და შერწყმულია კიდურების კუნთების გროტესკული გამოსახულებით.

თორი კიიონობუ არის ტორიის მხატვართა დინასტიის დამაარსებელი. მისი მოსწავლეები იყვნენ ტორიი კიომასუ, ტორიი კიოშიგე I, ტორიი კიიომიცუ.

ვინ არის თქვენი საყვარელი ukiyo-e მხატვარი?

იაპონური ენა თავისი სტრუქტურით განსხვავდება ნებისმიერი ევროპული ენისგან, რამაც შეიძლება გამოიწვიოს გარკვეული სირთულეები სწავლაში. თუმცა, არ ინერვიულო! სპეციალურად თქვენთვის, თქვენ შეიმუშავეთ კურსი "", რომელზეც შეგიძლიათ დარეგისტრირდეთ ახლავე!

იაპონიის მონოქრომული მხატვრობა აღმოსავლეთის ხელოვნების ერთ-ერთი უნიკალური ფენომენია. მას უამრავი ნაშრომი და კვლევა ეძღვნება, მაგრამ ხშირად აღიქმება, როგორც ძალიან პირობითი, ზოგჯერ კი დეკორატიული. ეს ასე არ არის, იაპონელი მხატვრის სულიერი სამყარო ძალიან მდიდარია და ის ზრუნავს არა იმდენად ესთეტიკურ კომპონენტზე, არამედ სულიერზე. აღმოსავლეთის ხელოვნება არის გარეგანი და შინაგანი, ექსპლიციტური და იმპლიციტურის სინთეზი.

ამ პოსტში მინდა ყურადღება მივაქციო არა მონოქრომული მხატვრობის ისტორიას, არამედ მის არსს. ეს იქნება განხილული.

ეკრანი "ფიჭვი" ჰასეგავა ტოჰაკუ, 1593 წ.

რასაც მონოქრომული ნახატებში ვხედავთ, მხატვრის ფიჭვის ტრიადასთან ურთიერთქმედების შედეგია: ქაღალდი, ფუნჯი, მელანი. მაშასადამე, ნაწარმოების სწორად გასაგებად უნდა გაიგოთ თავად მხატვარი და მისი დამოკიდებულება.

"პეიზაჟი" სეშუ, 1398 წ

ქაღალდიიაპონელი ოსტატისთვის ეს არ არის მხოლოდ ხელთ არსებული მასალა, რომელსაც იგი ემორჩილება თავის ახირებას, არამედ, პირიქით, ეს არის "ძმა", შესაბამისად, მის მიმართ დამოკიდებულებაც შესაბამისად განვითარდა. ქაღალდი გარემომცველი ბუნების ნაწილია, რომელსაც იაპონელები ყოველთვის პატივისცემით ეპყრობოდნენ და ცდილობდნენ არა დაემორჩილებინათ, არამედ მშვიდობიანად ეცხოვრათ მასთან. ქაღალდი წარსულში არის ხე, რომელიც იდგა გარკვეულ ადგილას, გარკვეული დროით, რაღაცას „ხედავდა“ მის გარშემო და ინახავს ყველაფერს. ასე აღიქვამს მასალას იაპონელი მხატვარი. ხშირად, მუშაობის დაწყებამდე, ოსტატები დიდხანს უყურებდნენ ცარიელ ფურცელს (ჭვრეტდნენ მას) და მხოლოდ ამის შემდეგ აგრძელებდნენ ხატვას. დღესაც კი, თანამედროვე იაპონელი მხატვრები, რომლებიც ნიჰონ-გას (ტრადიციული იაპონური მხატვრობა) იყენებენ, ყურადღებით ირჩევენ თავიანთ ქაღალდს. შეკვეთით ყიდულობენ ქაღალდის ქარხნებიდან. გარკვეული სისქის, ტენიანობისა და ტექსტურის თითოეული მხატვრისთვის (ბევრი მხატვარი ქარხნის მფლობელთანაც კი აფორმებს შეთანხმებას, რომ ეს ქაღალდი სხვა მხატვრებს არ მიჰყიდოს) - ამიტომ, თითოეული ნახატი აღიქმება, როგორც რაღაც უნიკალური და ცოცხალი.

"კითხვა ბამბუკის კორომში" შუბუნი, 1446 წ.

ამ მასალის მნიშვნელობაზე საუბრისას, ღირს იაპონური ლიტერატურის ისეთი ცნობილი ძეგლების აღნიშვნა, როგორიცაა სეი შიონაგონის „შენიშვნები სათავეში“ და მურასაკი შიკიბუს „გენჯი მონოგოტარი“: როგორც „ნოტებში“, ასევე „გენჯიში“ შეიძლება. იპოვნეთ ნაკვეთები, როდესაც კარისკაცები ან საყვარლები ცვლიან შეტყობინებებს. ქაღალდი, რომელზედაც ეს შეტყობინებები იწერებოდა, შესაბამისი სეზონის, ჩრდილის იყო და ტექსტის წერის მანერა შეესაბამებოდა მის ტექსტურას.

"მურასაკი შიკიბუ იშიამას სალოცავში" კიოსენი

ფუნჯი- მეორე კომპონენტი არის ოსტატის ხელის გაგრძელება (ისევ ეს ბუნებრივი მასალაა). ამიტომ, ფუნჯებიც შეკვეთით მზადდებოდა, მაგრამ ყველაზე ხშირად თავად მხატვრის მიერ. მან შეარჩია საჭირო სიგრძის თმები, შეარჩია ფუნჯის ზომა და ყველაზე კომფორტული სახელური. ოსტატი წერს მხოლოდ საკუთარი ფუნჯით და არა სხვა. (პირადი გამოცდილებიდან: მე ვიყავი ჩინელი მხატვრის ჯიანგ შილუნის მასტერკლასზე, აუდიტორიას სთხოვეს ეჩვენებინათ, რისი გაკეთება შეუძლიათ მასტერკლასზე დამსწრე მის სტუდენტებს და თითოეულმა მათგანმა, აიღო ოსტატის ფუნჯი, თქვა, რომ აღმოჩნდება არა ის, რასაც ისინი ელოდნენ, რადგან ფუნჯი მათი არ არის, ისინი არ არიან მიჩვეულები და არ იციან როგორ გამოიყენონ ის სწორად).

კაცუშიკა ჰოკუსაის "ფუჯი" მელნის ესკიზი

მელანიმესამე მნიშვნელოვანი ელემენტია. ტუში შეიძლება იყოს სხვადასხვა სახის: მას შეუძლია გაშრობის შემდეგ მისცეს პრიალა ან მქრქალი ეფექტი, შეიძლება შერეული იყოს ვერცხლის ან ოხრის ფერებში, ამიტომ ტუშის სწორი არჩევანი ასევე არ არის უმნიშვნელო.

იამამოტო ბაიცუ, მე-18-მე-19 საუკუნის ბოლოს.

მონოქრომული ფერწერის ძირითადი საგნებია პეიზაჟები. რატომ არ აქვთ ფერი?

ორმაგი ეკრანი "Pines", ჰასეგავა ტოჰაკუ

ჯერ ერთი, იაპონელი მხატვარი არ არის დაინტერესებული თავად ობიექტით, არამედ მისი არსით, გარკვეული კომპონენტით, რომელიც საერთოა ყველა ცოცხალი არსებისთვის და იწვევს ჰარმონიას ადამიანსა და ბუნებას შორის. მაშასადამე, სურათი ყოველთვის მინიშნებაა, ის მიმართულია ჩვენს გრძნობებს და არა ხედვას. გაუგებრობა არის დიალოგის სტიმული და, შესაბამისად, კავშირი. გამოსახულებაში მნიშვნელოვანია ხაზები და ლაქები - ისინი ქმნიან მხატვრულ ენას. ეს არ არის ბატონის თავისუფლება, რომელმაც იქ, სადაც უნდოდა, იქ ცხიმიანი კვალი დატოვა და სხვაგან, პირიქით, კარგად არ დახატა - სურათზე ყველაფერს თავისი მნიშვნელობა და მნიშვნელობა აქვს და არ ატარებს. შემთხვევითი პერსონაჟი.

მეორეც, ფერი ყოველთვის ატარებს რაიმე სახის ემოციურ კონოტაციას და განსხვავებულად აღიქმება სხვადასხვა მდგომარეობაში მყოფი ადამიანების მიერ, ამიტომ ემოციური ნეიტრალიტეტი საშუალებას აძლევს მაყურებელს ყველაზე ადეკვატურად შევიდეს დიალოგში, განათავსოს იგი აღქმისთვის, ჭვრეტისთვის, აზროვნებისთვის.

მესამე, ეს არის იინისა და იანგის ურთიერთქმედება, ნებისმიერი მონოქრომული სურათი ჰარმონიულია მელნის თანაფარდობისა და მასში ქაღალდის ხელუხლებელი ფართობის თვალსაზრისით.

რატომ არ გამოიყენება ქაღალდის სივრცის უმეტესი ნაწილი?

"პეიზაჟი" სიუბუნი, XV საუკუნის შუა ხანები.

უპირველეს ყოვლისა, სივრცის ვაკანსია ჩაძირავს მაყურებელს გამოსახულებაში; მეორეც, გამოსახულება იქმნება ისე, თითქოს ერთი წუთით ამოფრინდა ზედაპირზე და გაქრება - ეს მსოფლმხედველობასა და მსოფლმხედველობას უკავშირდება; მესამე, იმ ადგილებში, სადაც მელანი არ არის, ქაღალდის ტექსტურა და ჩრდილი გამოდის წინა პლანზე (ეს ყოველთვის არ ჩანს რეპროდუქციებზე, მაგრამ სინამდვილეში ეს ყოველთვის არის ორი მასალის ურთიერთქმედება - ქაღალდი და მელნი).

სეშუ, 1446 წ

რატომ პეიზაჟი?

"ჩანჩქერის ჭვრეტა" გაიამი, 1478 წ

იაპონური მსოფლმხედველობის მიხედვით, ბუნება უფრო სრულყოფილია ვიდრე ადამიანი, ამიტომ მან უნდა ისწავლოს მისგან, დაიცვას იგი ყველანაირად და არ გაანადგუროს ან დაიმორჩილოს. ამიტომ, ბევრ პეიზაჟში შეგიძლიათ იხილოთ ადამიანების პატარა გამოსახულებები, მაგრამ ისინი ყოველთვის უმნიშვნელოა, მცირეა თავად ლანდშაფტთან მიმართებაში, ან ქოხების გამოსახულებები, რომლებიც ჯდება მათ ირგვლივ სივრცეში და არც კი ყოველთვის შესამჩნევია - ეს ყველაფერი სიმბოლოა. მსოფლმხედველობა.

"სეზონები: შემოდგომა და ზამთარი" სეშუ. "პეიზაჟი" სეშუ, 1481 წ

დასასრულს, მინდა ვთქვა, რომ იაპონური მონოქრომული მხატვრობა არ არის შემთხვევით გაწურული მელანი, ეს არ არის მხატვრის შინაგანი ეგოს ახირება - ეს არის სურათებისა და სიმბოლოების მთელი სისტემა, ეს არის ფილოსოფიური აზროვნების საცავი და რაც მთავარია, საკუთარი თავის და სამყაროს კომუნიკაციისა და ჰარმონიზაციის გზა.

აქ, ვფიქრობ, არის პასუხები იმ მთავარ კითხვებზე, რაც მაყურებელს უჩნდება მონოქრომული იაპონური მხატვრობის წინაშე. იმედია დაგეხმარებიან მის ყველაზე სწორად გაგებაში და შეხვედრისას აღქმაში.

გამარჯობა, ძვირფასო მკითხველებო - ცოდნისა და სიმართლის მაძიებლებო!

იაპონელი მხატვრები გამოირჩევიან უნიკალური სტილით, დახვეწილი ოსტატების თაობების მიერ. დღეს ვისაუბრებთ იაპონური მხატვრობის ყველაზე ნათელ წარმომადგენლებზე და მათ ნახატებზე, უძველესი დროიდან თანამედროვეობამდე.

აბა, მოდით ჩავუღრმავდეთ ამომავალი მზის ქვეყნის ხელოვნებას.

ხელოვნების დაბადება

იაპონიაში მხატვრობის უძველესი ხელოვნება უპირველეს ყოვლისა ასოცირდება დამწერლობის თავისებურებებთან და ამიტომ ეფუძნება კალიგრაფიის საფუძვლებს. პირველი მაგალითები მოიცავს გათხრების დროს ნაპოვნი ბრინჯაოს ზარების, ჭურჭლისა და საყოფაცხოვრებო ნივთების ფრაგმენტებს. ბევრი მათგანი შეღებილი იყო ბუნებრივი საღებავებით და კვლევები ვარაუდობენ, რომ პროდუქტები დამზადდა 300 წელზე ადრე.

იაპონიაში ჩასვლით დაიწყო ხელოვნების განვითარების ახალი ეტაპი. ემაკიმონოზე - სპეციალური ქაღალდის გრაგნილები - ბუდისტური პანთეონის ღვთაებების გამოსახულებები, მასწავლებლისა და მისი მიმდევრების ცხოვრებიდან სცენები იყო გამოყენებული.

მხატვრობაში რელიგიური თემების გაბატონება შეიძლება შუა საუკუნეების იაპონიაში, კერძოდ, მე-10-მე-15 საუკუნეებში. იმ ეპოქის მხატვრების სახელები დღემდე, სამწუხაროდ, არ არის შემონახული.

15-18 საუკუნეებში იწყება ახალი დრო, რომელიც ხასიათდება განვითარებული ინდივიდუალური სტილის მქონე მხატვრების გამოჩენით. მათ აღნიშნეს სახვითი ხელოვნების შემდგომი განვითარების ვექტორი.

წარსულის ნათელი წარმომადგენლები

დაძაბული შუბუნი (მე-15 საუკუნის დასაწყისი)

იმისათვის, რომ გამხდარიყო გამოჩენილი ოსტატი, ქსუბონგმა შეისწავლა ჩინელი სუნგის მხატვრების წერის ტექნიკა და მათი შემოქმედება. შემდგომში იგი გახდა იაპონიაში მხატვრობის ერთ-ერთი ფუძემდებელი და სუმი-ე-ს შემქმნელი.

Sumi-e არის ხელოვნების სტილი, რომელიც დაფუძნებულია მელნით ნახატზე, რაც ნიშნავს ერთ ფერს.

შუბუნმა ბევრი რამ გააკეთა იმისთვის, რომ ახალი სტილი მხატვრულ წრეებში დაემკვიდრებინა.მან ასწავლა ხელოვნება სხვა ნიჭიერებს, მათ შორის მომავალ ცნობილ მხატვრებს, როგორიცაა სეშუ.

შუბუნის ყველაზე პოპულარულ ნახატს ჰქვია "კითხვა ბამბუკის გროვში".

დაძაბული შუბუნის "კითხვა ბამბუკის გროვში".

ჰასეგავა ტოჰაკუ (1539-1610)

ის გახდა სკოლის შემოქმედი, რომელსაც მისი სახელი ჰქვია - ჰასეგავა. თავიდან ის ცდილობდა კანოს სკოლის კანონებს მიჰყოლოდა, მაგრამ თანდათან მის ნამუშევრებში დაიწყო მისი ინდივიდუალური „ხელწერა“. ტოჰაკუ სეშუს გრაფიკით ხელმძღვანელობდა.

სამუშაოს საფუძველი იყო მარტივი, ლაკონური, მაგრამ რეალისტური პეიზაჟები გაურთულებელი სახელებით:

• "ფიჭვები";
• "ნეკერჩხალი";
• ფიჭვები და აყვავებული მცენარეები.

ფიჭვები, ჰასეგავა ტოჰაკუ

ძმები ოგატა კორინი (1658-1716) და ოგატა კენზანი (1663-1743)

ძმები მე-18 საუკუნის შესანიშნავი ხელოსნები იყვნენ. უფროსმა, ოგატა კორინმა, მთლიანად მიუძღვნა მხატვრობას და დააარსა რიმპას ჟანრი. ის გაურბოდა სტერეოტიპულ სურათებს, ამჯობინებდა იმპრესიონისტულ ჟანრს.

ოგატა კორინმა დახატა ბუნება ზოგადად და ყვავილები განსაკუთრებით ნათელი აბსტრაქციების სახით. მისი ფუნჯები ეკუთვნის ნახატს:

• "ქლიავის ყვავილი წითელი და თეთრი";
• "მაცუშიმას ტალღები";
• "ქრიზანთემები".

მაცუშიმას ტალღები კორინ ოგატას მიერ

უმცროს ძმას - ოგატა კენზანს - ბევრი მეტსახელი ჰქონდა. ყოველ შემთხვევაში მხატვრობით იყო დაკავებული, მაგრამ უფრო ცნობილი კერამიკოსი იყო.

ოგატა კენზანი დაეუფლა კერამიკის ბევრ ტექნიკას. იგი გამოირჩეოდა არასტანდარტული მიდგომით, მაგალითად, კვადრატის სახით ქმნიდა ფირფიტებს.

საკუთარი მხატვრობა არ გამოირჩეოდა ბრწყინვალებით - ეს იყო მისი თავისებურებაც. მას უყვარდა კალიგრაფიის დადება პროდუქტებზე, როგორიცაა გრაგნილი ან ნაწყვეტები პოეზიიდან. ხანდახან ძმასთან ერთად მუშაობდნენ.

კაცუშიკა ჰოკუსაი (1760-1849)

მუშაობდა უკიიო-ე სტილში - ერთგვარი ხის კვეთა, სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, გრავიურა. შემოქმედების მთელი დროის განმავლობაში მან შეცვალა 30-მდე სახელი. ყველაზე ცნობილი ნამუშევარია კანაგავას დიდი ტალღა, რომლის წყალობითაც იგი ცნობილი გახდა სამშობლოს ფარგლებს გარეთ.

ჰოკუსაი კაცუშიკას "დიდი ტალღა კანაგავადან".

განსაკუთრებით მძიმე ჰოკუსაიმ დაიწყო მუშაობა 60 წლის შემდეგ, რამაც კარგი შედეგი მოიტანა. ვან გოგი, მონე, რენუარი იცნობდნენ მის შემოქმედებას და გარკვეულწილად მან გავლენა მოახდინა ევროპელი ოსტატების მუშაობაზე.

ანდო ჰიროშიგე (1791-1858)

მე-19 საუკუნის ერთ-ერთი უდიდესი მხატვარი. დაიბადა, ცხოვრობდა, მუშაობდა ედოში, განაგრძო ჰოკუსაის მოღვაწეობა, შთაგონებული იყო მისი საქმიანობით. ის, თუ როგორ ასახავდა ბუნებას, თითქმის ისეთივე გასაოცარია, როგორც თავად ნამუშევრების რაოდენობა.

ედო ტოკიოს ყოფილი სახელია.

აქ არის რამდენიმე ფიგურა მისი შემოქმედების შესახებ, რომლებიც წარმოდგენილია ნახატების ციკლით:

• 5,5 ათასი - ყველა გრავიურის რაოდენობა;
• „ედოს 100 ხედვა;
• „ფუჯის 36 ხედები“;
• "69 კისოკაიდო სადგური";
• "ტოკაიდოს 53 სადგური".

ანდო ჰიროშიგეს ნახატი

საინტერესოა, რომ გამოჩენილმა ვან გოგმა დაწერა მისი გრავიურების რამდენიმე ეგზემპლარი.

თანამედროვეობა

ტაკაში მურაკამი

მხატვარი, მოქანდაკე, მოდის დიზაინერი, მან სახელი უკვე მე-20 საუკუნის ბოლოს მოიპოვა. თავის ნამუშევრებში ის იცავს მოდის ტენდენციებს კლასიკის ელემენტებით და შთაგონებას იღებს ანიმესა და მანგას მულტფილმებიდან.

ტაკაში მურაკამის ნახატი

ტაკაში მურაკამის ნამუშევრები კლასიფიცირდება როგორც სუბკულტურა, მაგრამ ამავე დროს ისინი წარმოუდგენლად პოპულარულია. მაგალითად, 2008 წელს მისი ერთ-ერთი ნამუშევარი აუქციონზე 15 მილიონ დოლარზე მეტს იყიდეს. ერთ დროს თანამედროვე შემოქმედი მოდის სახლებთან „Marc Jacobs“ და „Louis Vuitton“-თან ერთად მუშაობდა.

ტიხო ასიმა

წინა მხატვრის თანამოაზრე, იგი ქმნის თანამედროვე სიურეალისტურ ნახატებს. ისინი ასახავს ქალაქების ხედებს, მეგაპოლისების ქუჩებს და არსებებს, თითქოს სხვა სამყაროდან - მოჩვენებები, ბოროტი სულები, უცხო გოგონები. ნახატების ფონზე ხშირად შეგიძლიათ იხილოთ ხელუხლებელი, ზოგჯერ შემაშინებელი ბუნებაც.

მისი ნახატები დიდ ზომებს აღწევს და იშვიათად შემოიფარგლება ქაღალდით. ისინი გადადიან ტყავზე, პლასტმასის მასალებზე.

2006 წელს, ბრიტანეთის დედაქალაქში გამოფენის ფარგლებში, ქალმა შექმნა 20-მდე თაღოვანი ნაგებობა, რომელიც ასახავდა სოფლისა და ქალაქის ბუნების სილამაზეს დღედაღამ. ერთ-ერთმა მათგანმა მეტროს სადგური მორთო.

ჰეი არაკავა

ახალგაზრდას არ შეიძლება ეწოდოს მხოლოდ მხატვარი ამ სიტყვის კლასიკური გაგებით - ის ქმნის 21-ე საუკუნის ხელოვნებაში ასე პოპულარულ ინსტალაციას. მისი გამოფენების თემები ნამდვილად იაპონურია და ეხება როგორც მეგობრულ ურთიერთობებს, ასევე მთელი გუნდის მუშაობას.

ეი არაკავა ხშირად მონაწილეობს სხვადასხვა ბიენალეში, მაგალითად, ვენეციაში, გამოფენილია მისი სამშობლოს თანამედროვე ხელოვნების მუზეუმში და დამსახურებულად იღებს სხვადასხვა ჯილდოებს.

იკენაგა იასუნარი

თანამედროვე მხატვარმა იკენაგა იასუნარიმ მოახერხა ორი ერთი შეხედვით შეუთავსებელი რამის შერწყმა: დღევანდელი გოგონების ცხოვრება პორტრეტულ ფორმაში და იაპონიის ტრადიციული ტექნიკა ანტიკურობიდან მოდის. თავის ნამუშევრებში მხატვარი იყენებს სპეციალურ ფუნჯებს, ბუნებრივ პიგმენტურ საღებავებს, მელანს და ნახშირს. ჩვეულებრივი თეთრეულის ნაცვლად - თეთრეულის ქსოვილი.

იკენაგა იასუნარის ნახატი

გამოსახული ეპოქისა და ჰეროინების გარეგნობის კონტრასტის ეს ტექნიკა ქმნის შთაბეჭდილებას, რომ ისინი წარსულიდან დაგვიბრუნდნენ.

ნიანგის ცხოვრების სირთულეების შესახებ ნახატების სერია, რომელიც ბოლო დროს პოპულარული გახდა ინტერნეტ საზოგადოებაში, იაპონელმა კარიკატურისტმა კეიგომაც შექმნა.

დასკვნა

ასე რომ, იაპონური მხატვრობა წარმოიშვა ჩვენს წელთაღრიცხვამდე III საუკუნეში და მას შემდეგ ბევრი რამ შეიცვალა. პირველი გამოსახულებები გამოიყენეს კერამიკაზე, შემდეგ ხელოვნებაში დაიწყო ბუდისტური მოტივების გაბატონება, მაგრამ ავტორების სახელები დღემდე არ შემორჩენილა.

ახალი ეპოქის ეპოქაში ფუნჯის ოსტატები სულ უფრო მეტ ინდივიდუალობას იძენენ, შექმნეს სხვადასხვა მიმართულებები, სკოლები. დღევანდელი ვიზუალური ხელოვნება არ შემოიფარგლება მხოლოდ ტრადიციული მხატვრობით - გამოიყენება ინსტალაციები, კარიკატურები, მხატვრული ქანდაკებები, სპეციალური სტრუქტურები.

დიდი მადლობა ყურადღებისთვის, ძვირფასო მკითხველებო! ვიმედოვნებთ, რომ ჩვენი სტატია თქვენთვის სასარგებლო აღმოჩნდა და ისტორიებმა ხელოვნების ყველაზე ნათელი წარმომადგენლების ცხოვრებისა და მოღვაწეობის შესახებ შესაძლებელი გახადა მათი უკეთ გაცნობა.

რა თქმა უნდა, ძნელია ერთ სტატიაში გითხრათ ყველა მხატვრის შესახებ ანტიკურ დროიდან დღემდე. ამიტომ, ეს იყოს პირველი ნაბიჯი იაპონური ფერწერის ცოდნისკენ.

და შემოგვიერთდით - გამოიწერეთ ბლოგი - ჩვენ ერთად შევისწავლით ბუდიზმს და აღმოსავლეთის კულტურას!