XIX საუკუნის პირველი ნახევრის მხატვრობა. XIX საუკუნის პირველი ნახევრის რუსი მხატვრები XIX საუკუნის პირველი ნახევრის ხელოვნება

XIX საუკუნის პირველი ნახევრის მხატვრობა

მე-19 საუკუნის დასაწყისს ტრადიციულად რუსული კულტურის ოქროს ხანას უწოდებენ. ეს ის დროა, როცა ბრწყინავდა ა.პუშკინის, ა.გრიბოედოვისა და ნ.გოგოლის გენიალურობა, ხოლო რუსულმა ფერწერის სკოლამ კ.ბრაილოვის პიროვნებაში მიიღო ევროპული აღიარება. ამ ისტორიული პერიოდის ოსტატები, ცხოვრების დრამატული გარემოებების მიუხედავად, ხელოვნებაში ცდილობდნენ მშვიდი ჰარმონიისა და ნათელი სიზმრისკენ, თავს არიდებდნენ მიწიერი ვნებების გამოსახვას. ეს დიდწილად განპირობებული იყო იმედგაცრუების ზოგადი განწყობით აქტიურ ბრძოლაში, რომელიც ჭარბობდა დასავლეთ ევროპასა და რუსეთში დიდი საფრანგეთის რევოლუციის იდეების დაშლის შემდეგ. ადამიანები იწყებენ „თავის თავში გაყვანას“, განმარტოებულ ოცნებებს. მოდის რომანტიზმის ეპოქა, რომელიც რუსეთში დაემთხვა ახალი იმპერატორის ალექსანდრე I-ის მეფობის დასაწყისს და ნაპოლეონთან ომს.

მე-19 საუკუნის დასაწყისის პორტრეტული ხელოვნება ასახავს ემოციური გამოცდილების, სევდასა და იმედგაცრუების ფარულ სამყაროს. ორესტ ადამოვიჩ კიპრენსკი (1782-1836) გახდა რომანტიკული ტენდენციის მთავარი წარმომადგენელი რუსულ პორტრეტულ ხელოვნებაში. სანქტ-პეტერბურგის სამხატვრო აკადემიის კურსდამთავრებულმა კიპრენსკიმ მშფოთვარე ცხოვრებით იცხოვრა, რომელშიც ყველაფერი იყო: გიჟური რომანტიკული იმპულსები, ვნებიანი სიყვარული, დიდების აწევა და სიკვდილი სიღარიბეში უცხო ქვეყანაში. მისი ცხოვრების პირველი, პეტერბურგის პერიოდიდან დარჩა ძვირფასი მემკვიდრეობა - ბრწყინვალე ნამუშევრები მხატვრობაში პორტრეტის ჟანრში ("A.K. Schwalbe-ს პორტრეტი", "E.V. Davydov პორტრეტი", "გრაფინია ე.პ. როსტოპჩინას პორტრეტი", "პორტრეტი". დ.ნ. ხვოსტოვოის "და სხვათა). კიპრენსკის პორტრეტების გმირები ხაზგასმული არიან თავშეკავებულნი, არ აჩვენებენ თავიანთ ემოციებს, მაგრამ თითოეული მათგანის სახეზე დევს რომანტიზმისთვის დამახასიათებელი "მომზადების" ბეჭედი ბედის განსაცდელებისთვის, ადამიანის პიროვნების მნიშვნელობა, განურჩევლად კლასისა. სქესი და ასაკი.

მე-19 საუკუნის პირველ წლებში, იმპერიის სტილი რუსეთში მოვიდა ნაპოლეონის საფრანგეთიდან - კლასიციზმის ახალი დაბრუნება. რაციონალური სიცხადე, ჰარმონიული წონასწორობა, დიდებული სიმძიმე, მიწიერი ვნებების დაძლევა პატრიოტული სიმამაცის იდეალების გულისთვის - კლასიკური სტილის ყველა ეს თვისება მოთხოვნადი იყო ნაპოლეონთან სამამულო ომის დროს. რუსული მხატვრობის კლასიციზმის ყველაზე გამორჩეული წარმომადგენელი იყო ფიოდორ პეტროვიჩ ტოლსტოი (1783–1873), გამორჩეული მოქანდაკე, მხატვარი და მხატვარი. მის მომხიბვლელ ნატურმორტებში ხილი და ყვავილები ჩნდება როგორც „შემოქმედების მარგალიტი“, როგორც ჰარმონიული სრულყოფილების უძველესი იდეალი, გაწმენდილი ყველაფრისგან „მიწიერი“ და შემთხვევითი.

მოსკოვის ხანძარი, პარტიზანული მოძრაობა, ნაპოლეონთან ომის გამარჯვებული დასრულება - ამ ყველაფერმა პირველად აიძულა თავადაზნაურობა ახალი შეხედოს ხალხს, გააცნობიეროს მათი პოზიცია და აღიაროს მათი ადამიანური ღირსება. ალექსეი გავრილოვიჩ ვენეციანოვის (1780–1847) შემოქმედებაში პირველად ჩნდება ყმების სამყარო. ეს მხატვარი ეწინააღმდეგებოდა დამკვიდრებულ აკადემიურ რუტინას - მან დაიწყო ხატვა არა აკადემიური სქემების მიხედვით, არამედ „ა ლა ბუნების“ მიხედვით, რაც იმ დღეებში დიდი გამბედაობა იყო. მისი ყმები პოზირებდნენ ვენეციანოვს - ტვერის პროვინციის სოფელ საფონკოვოს მცხოვრებლებს. გლეხური სამყარო ვენეციანოვის ნახატებში ჩანს თითქოს რომანტიკული კეთილშობილური მამულის ფანჯრიდან: ადგილი არ არის სოციალური უსამართლობის კრიტიკისთვის, ზედმეტი სამუშაოსთვის. ვენეციანოვის სამყარო სავსეა ჰარმონიული სრულყოფილებით, მშვიდი, ნათელი სიმშვიდით, ადამიანებისა და ბუნების ერთიანობით. მშვიდი ჩრდილოეთ რუსული ბუნების მოკრძალებული, მშვიდი ხიბლი, რომელიც ქმნის მისი ნახატების განსაკუთრებულ ხიბლს, პირველად შეაღწია ვენეციანოვის პოეტურად პირობით გლეხურ ჟანრში. საკუთარი ხარჯებით, თავის მამულში, ვენეციანოვმა დააარსა სკოლა მხატვრებისთვის, რომლებიც ძირითადად ყმებისგან იბარებდა. მისმა ზოგიერთმა სტუდენტმა ღირსეულად განაგრძო მისი ხაზი ხელოვნებაში. ამრიგად, ყურადღებას იმსახურებს კაპიტონ ალექსეევიჩ ზელენცოვის (1790–1845) პოეტური ინტერიერები, გრიგორი ვასილიევიჩ სოროკას (1823–1864) და ევგრაფი ფედოროვიჩ კრენდოვსკის (1810–1853 წლის შემდეგ) პეიზაჟები. ა.ბენოის თქმით, „მარტო ვენეციანოვმა აღძრა მთელი სკოლა, მთელი თეორია, დათესა რუსული ხალხური მხატვრობის პირველი თესლები“.

სამხატვრო აკადემიის საუკეთესო კურსდამთავრებულებმა მიიღეს სტაჟირების უფლება იტალიაში - "ცოცხალი" ანტიკურობისა და რენესანსის ულამაზესი შედევრების ქვეყანაში. ბევრი მხატვარი, რომელიც გაემგზავრა იტალიაში, დარჩა ამ ქვეყანაში მრავალი წლის განმავლობაში, არ ცდილობდა რუსეთში დაბრუნებას, სადაც მეფობდა ხელოვნების სახელმწიფო რეგულირების სული, მხატვრები დამოკიდებული იყვნენ იმპერიული სასამართლოს ბრძანებებზე.

იტალიაში, ნიჭიერმა მხატვარმა მიხაილ ივანოვიჩ ლებედევმა (1811–1837), რომელიც ადრე გარდაიცვალა, დახატა თავისი საუკეთესო რომანტიული პეიზაჟები. მომხიბვლელმა იტალიურმა ბუნებამ და დიდსულოვანმა სამხრეთის მზემ შთააგონა ამ თაობის ყველაზე ნიჭიერი პეიზაჟისტი, სილვესტერ ფეოდოსევიჩ შჩედრინი (1791-1830). შჩედრინი საპენსიო მოგზაურობით გაემგზავრა იტალიაში 1818 წელს და იქ ცხოვრობდა ავადმყოფობის გამო 1837 წლამდე სიკვდილამდე. მან არაერთხელ გაიმეორა იგივე მოტივები - რომის დიდებული პანორამები, კლდეებისა და ზღვის მშვიდი ხედები იტალიის სამხრეთ სანაპიროზე ნეაპოლისა და სორენტოს მიდამოებში. შჩედრინი იყო პირველი, ვინც დაიწყო ლანდშაფტის ხატვა ღია ცის ქვეშ (ღია ცის ქვეშ), გაათავისუფლა იგი ფერთა ტრადიციული აკადემიური კონვენციურობისაგან. მის პეიზაჟებში ვერ შევხვდებით რომანტიკულ შტორმებს და წვიმიან ცუდ ამინდს, მის პეიზაჟებში სუფევს კაშკაშა მზე და მშვიდი სიმშვიდე, ადამიანები ცხოვრობენ ერთ ცხოვრებით გარემომცველ ბუნებასთან, ბუნება კი ადამიანებს ანიჭებს ნეტარებას, დასვენებას, "ეხმარება" ყოველდღიურ საქმეში.

კარლ პავლოვიჩ ბრაილოვი (1799-1852) იყო ყველაზე ცნობილი მხატვარი XIX საუკუნის დასაწყისის ყველა რუს ოსტატს შორის. იტალიაში შექმნილი მისი გრანდიოზული ტილო "პომპეის უკანასკნელი დღე" დიდი წარმატება იყო ევროპასა და რუსეთში. სამშობლოში ბრაილოვს ეროვნულ გმირად დახვდნენ. ვირტუოზმა მხატვარმა, შეყვარებულმა სამყაროს გარეგნულ სილამაზეზე, ბრაილოვმა მოახერხა „ახალი სისხლის შეყვანა“ მომაკვდავ აკადემიზმში, აავსო იგი ნათელი რომანტიკული გამოცდილებით. როგორც სიუჟეტურ ნახატებში, ასევე პორტრეტებში, ბრაილოვი წარმოადგენს ცხოვრებას თეატრის ფორმებში. მომხმარებლებთან დიდი წარმატებით სარგებლობდა მისი დიდი საზეიმო პორტრეტები, სადაც ადამიანი ისეა გამოსახული, თითქოს დაჭერილი იყო „როლური“ მოქმედების მომენტში („ცხენოსანი“, „ნ.ვ. კუკოლნიკის პორტრეტი“ და სხვ. მხატვარს არ დაუყენებია პიროვნების უნიკალური ინდივიდუალობის გადმოცემის დავალება, ის უპირველეს ყოვლისა დაკავებულია ქალების გარეგანი მიმზიდველი სილამაზით, ძვირადღირებული ტანსაცმლის ბრწყინვალებით, ინტერიერის დეკორაციის ფუფუნებით. მისი მუშაობის ბოლო წლებში ბრაილოვი ტოვებს "მშვიდი" გარეგანი ბრწყინვალების იდეალს, მისი პორტრეტები უფრო ინტიმური და ფსიქოლოგიურად ღრმა ხდება ("ა. ნ. სტრუგოვშჩიკოვის პორტრეტი", "ავტოპორტრეტი" 1848 წ.).

XIX საუკუნის პირველი ნახევრის ყველა ხელოვანზე მაღლა დგას ბრწყინვალე ოსტატის ალექსანდრე ანდრეევიჩ ივანოვის (1806–1858) ფიგურა. ა.ბენუას თქმით, „მასში ცხოვრობდა ბავშვური, ანგელოზური, ცნობისმოყვარე სული, წინასწარმეტყველის ნამდვილი სული, რომელიც სწყუროდა ჭეშმარიტებას და არ ეშინოდა მოწამეობისა“. იტალიაში, სადაც ივანოვი საპენსიო მოგზაურობით გაგზავნეს სამხატვრო აკადემიის დამთავრების შემდეგ, დაახლოებით ოცი წლის განმავლობაში მუშაობდა გრანდიოზულ ტილოზე "ქრისტეს გამოჩენა ხალხს" და სამშობლოში დაბრუნდა მხოლოდ სიკვდილამდე ცოტა ხნით ადრე. რუსულმა საზოგადოებამ არ დააფასა ეს სურათი და მისი ავტორი მალე გარდაიცვალა ქოლერით პეტერბურგში, არ ჰქონდა დრო, მიეღო ფული იმპერატორის მიერ შეძენილი მისი ცხოვრების მთავარი ნახატისთვის.

ივანოვის მოსამზადებელი ლანდშაფტის ესკიზები „ქრისტეს გამოცხადება ხალხში“ ნამდვილ შედევრად იქცა. ღია ცის ქვეშ რომის მიდამოებში მუშაობისას მხატვარმა, ფერის ჭეშმარიტების ძიებაში, საოცარი ფერების აღმოჩენები გააკეთა, ფრანგი იმპრესიონისტების მიღწევების მოლოდინში. ივანოვი იყო რელიგიური გრძნობის ნამდვილი მხატვარი-ბრძენი, რომელმაც მოახერხა ახალი სიტყვის თქმა რელიგიური მხატვრობის ისტორიაში აკვარელის ციკლში „ბიბლიური ჩანახატები“, წარმოედგინა ყველაზე გრანდიოზული და გაუგებარი „ჭეშმარიტად აღდგომის საზეიმოდ“ (ა. ბენოა). ).

ვასილი ანდრეევიჩ ტროპინინი (1776 (?) - 1857) გახდა პირველი პროფესიონალი მოსკოვის პორტრეტი მხატვარი, მოსკოვის ფერწერის სკოლის დამფუძნებელი. ყმის მხატვრისთვის მას ბედნიერი ბედი ჰქონდა: მისმა ბატონმა, გრაფ მორკოვმა, სამხატვრო აკადემიაში სწავლის საფასური გადაიხადა, ხელი შეუწყო მის მოღვაწეობას და 1823 წელს თავისუფლება მიანიჭა. ამის შემდეგ დაუყოვნებლივ, ტროპინინმა, რომელიც უკვე პოპულარული იყო მოსკოვში, მიიღო ტიტული "აკადემიკოსებზე დანიშნულ". მხატვარმა დაგვიტოვა ხანძრის შემდგომი მოსკოვის სახეების მთელი გალერეა, რომელშიც სუფევდა თავისუფლების განსაკუთრებული ატმოსფერო, მაცხოვრებლების სტუმართმოყვარეობა, ცხოვრების სიხარულის უნარი. ტროპინინის პორტრეტები გაოცებულია სიცოცხლისუნარიანობით და ამავდროულად ადამიანისადმი მოსიყვარულე, კეთილი მზერით.

პაველ ანდრეევიჩ ფედოტოვი (1815–1852) იყო ფინეთის პოლკის მცველი, მაგრამ 1844 წელს 29 წლის ასაკში მან მიატოვა სამხედრო სამსახური და მთლიანად მიუძღვნა ხელოვნებას. ბედმა მას საშუალება მისცა ემუშავა დაახლოებით რვა წლის განმავლობაში - ფედოტოვი გარდაიცვალა 37 წლის ასაკში ფსიქიატრიულ საავადმყოფოში, რომელმაც მოახერხა არც ისე ბევრი ნახატის დახატვა, მაგრამ თითოეული მათგანი ძვირფასი მარგალიტია, რომელიც შევიდა რუსული ხელოვნების საგანძურში. მხატვარი მუშაობდა ყოველდღიური ჟანრის სფეროში, მისცა მას ახალი სიმაღლე და სიმკვეთრე. ის ავსებს სცენებს ვაჭრებისა და თავადაზნაურების ცხოვრებიდან რბილი იუმორით, თანამედროვე ზნე-ჩვეულებებით ხუმრობით („მაიორის მაჭანკლობა“, „რჩეული პატარძალი“ და ა.შ.). ფედოტოვი ასახავს ადამიანთა სამყაროს და მათ ობიექტურ გარემოს საოცარი ფერწერული სრულყოფილებით, სიყვარულის შეღწევადობით, სინაზით და სიმართლით. მძიმედ დაავადებული მხატვრის ბოლო სურათი "წამყვანი, მეტი წამყვანი!", სასოწარკვეთილად მშვიდი და პირქუში, ჰგავს ციებ-ცხელების მოღრუბლულ სიზმრებს. მასში ქრება სამყაროს აღფრთოვანება და კაშკაშა სიმშვიდე - ისტორიულ ასპარეზზე შემოდის რეალობის ახალი, ფხიზელი და ღრმად კრიტიკული სურათი - რეალიზმი.

სილვესტერ შჩედრინი. ახალი რომი. წმინდა ანგელოზის ციხე.1824. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

შჩედრინის პეიზაჟში მარადიული ქალაქის გამოსახულება დიდებულია და ინტიმური. წმიდა ანგელოზის ციხის მძიმე ქვის ნაწილი დაბალანსებულია ტიბრის მარცხენა სანაპიროზე შენობებითა და ნავებით. მდინარის დიდებული, გლუვი დინება მნახველის მზერას უძველეს თაღოვან ხიდს და წმინდა პეტრეს ტაძრის სილუეტს - რომის სიდიადე სიმბოლოს „აქვს“. წინა პლანზე, ქალაქელების ყოველდღიური ცხოვრება მშვიდად და აუჩქარებლად მიედინება: ისინი ნავს ნაპირზე ათრევენ, ემზადებიან გასასვლელად, ჩქარობენ თავიანთ საქმეს... ლანდშაფტის ყველა დეტალი ცოცხალია, ბუნებაში ჩანს, აკადემიური პირობითობის გარეშე. . ნახატი თავისთავად ძალიან ლამაზია: ყველაფერი ჰაერშია გახვეული, დილის რბილი, გაფანტული სინათლე შემოიჭრება.

სილვესტერ შჩედრინი. მატრომანიოს გროტო კუნძულ კაპრიზე.

გროტოს დაჩრდილული გამოქვაბული გთავაზობთ მიმზიდველ ხედს ზღვის ყურის წყლებზე და კლდეებზე, რომლებიც თითქოს მზის კაშკაშა კაშკაშა სხივებით იძირებიან. გროტოს თაღი აყალიბებს ერთგვარ სცენებს, რომლებიც ეფექტურად აშორებენ ზღვის ყურის შორს მაყურებელთან ახლოს მყოფი ყოველდღიური ცხოვრების სამყაროსგან.

სილვესტერ შჩედრინი. პატარა ნავსადგური სორენტოში, რომელიც გადაჰყურებს კუნძულებს Ischia და Procido.1826. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

შჩედრინის სორენტოს მრავალი ხედიდან, ეს პეიზაჟი სულით ყველაზე ელინურია. მზის სხივები "საგრძნობლად" ეშვება ზეციდან, არეკლილი ყურის მშვიდ ვერცხლისფერ ზედაპირზე, რბილად ანათებს სანაპირო ქოხებსა და ნავებს, ხაზს უსვამს მოძრაობის სინელეს და კანონზომიერებას მეთევზეების პატარა ფიგურებში, რომლებიც დაკავებული არიან ყოველდღიური სამუშაოებით. პეიზაჟის ფერები მანათობელია, ჩრდილები გამჭვირვალეა, ყველაფერი ჰაერით არის სავსე.

სილვესტერ შჩედრინი. ყურძნით დაფარული ვერანდა.

ნეაპოლის მიდამოებში დაწერილი მხატვრის ერთ-ერთი საუკეთესო პეიზაჟი გაჟღენთილია წმინდა მშვიდობისა და მსუბუქი ჰარმონიის ელინური სულით. ბუნება შჩედრინში ჩნდება, როგორც სამოთხის გამოსახულება დედამიწაზე. სუნთქავს ზღვის სუფთა და ნოტიო სუნთქვით, გახურებული ყურძნის ფოთლების არომატით. მცხუნვარე მზისგან ვერანდაზე მიმალული ხალხი ბედნიერად ისვენებს. მზის ოქროს სხივები შეაღწევს ვაზის ერთმანეთში გადახლართულ ტოტებში, აბრწყინდება ვერანდის ქვის საყრდენებზე, აირეკლება დამწვარ ბალახზე კაშკაშა ანარეკლებით... შჩედრინი ოსტატურად გადმოსცემს ყველაზე რთულ განათების ეფექტს, აღწევს სინათლის, ფერის და ჰაერის ელემენტის ერთიანობა, რომელიც აქამდე არასოდეს ყოფილა ლანდშაფტში.

მაქსიმ ვორობიევი. შემოდგომის ღამე პეტერბურგში (პირი ეგვიპტური სფინქსებით ნევაზე ღამით).1835. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

პეტერბურგის ერთ-ერთ საუკეთესო ხედში ვორობიოვი გადმოსცემს რომანტიკულ სიამოვნებას მშვენიერი ქალაქისა და მისი არქიტექტურის წინაშე. სავსე მთვარის კაშკაშა სანკტ-პეტერბურგის ნამდვილ კუთხეს საოცარ ხილვად აქცევს. ცნობილი ქვის სფინქსის გიგანტები გრანიტის სანაპიროს მუქი სილუეტებით აკრავენ, მთვარით განათებული ბილიკი ნევაზე მაყურებლის მზერას შორს მიჰყავს და იწვევს მათ აღფრთოვანებულიყვნენ მოპირდაპირე სანაპიროზე მდებარე სასახლეების უნაკლო პროპორციებით. ვორობიოვის პეიზაჟების თანამედროვეები აღფრთოვანებული იყვნენ "ფერების გამჭვირვალობით", მათი გაჯერებით შუქით და სითბოთი, "სიახლე და თანდათანობით ჩრდილში".

მაქსიმ ვორობიევი. ელვისგან დამსხვრეული მუხა.1842. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

ეს პეიზაჟი შეიქმნა როგორც ალეგორია მხატვრის მეუღლის, კლეოპატრა ლოგინოვნა ვორობიევას, ნე შუსტოვას მოულოდნელი გარდაცვალების შესახებ. ელვის დამაბრმავებელმა ელვამ ძლიერ ხეს ტოტი გაყო. გაღრმავებულ ლურჯ ბინდიში დედამიწა ერწყმის ცას, მუხის ძირში ამოდის მრისხანე ზღვის ტალღები, რომლებშიც მარტოხელა ფიგურა, რომელიც თითქმის შეუმჩნეველია ელემენტების მორევში. აქ მხატვარი განასახიერებს რომანტიზმის საყვარელ მოტივს: ადამიანის ტრაგიკულ უმწეობას დიდებული, მაგრამ დაუნდობელი ელემენტების ზემოქმედებამდე.

მიხაილ ლებედევი. ჩიგის პარკში.1837. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

სამხატვრო აკადემიის დამთავრების შემდეგ ლებედევი საპენსიო მოგზაურობით გაემგზავრა იტალიაში სწავლის გასაგრძელებლად, საიდანაც დაწერა: „მეჩვენება, რომ იტალიაში (და ყველგან) ცოდვაა მუშაობა ბუნების გარეშე“. თავის ერთ-ერთ საუკეთესო ნამუშევარში მხატვარი თამამად შორდება ამ დროისთვის ტრადიციული კლასიცისტური ლანდშაფტის კანონებს. კომპოზიცია დიაგონალზეა აგებული და სავსეა მოძრაობით. ცხელი დღის ატმოსფერო, სამხრეთის მცენარეულობის მდიდრული სიძლიერე აღფრთოვანებულად და ნათლად არის გადმოცემული; ფართო გზის ქვიანი ნიადაგი, თავისუფალი შტრიხებით მოხატული, თითქოს მზის სითბოს შთანთქავდა.

სილვთან ერთად. შჩედრინი, ლებედევი, რომელიც ადრე გარდაიცვალა, გახდა პიონერი რუსული მხატვრობის ცოცხალი, პირდაპირი ბუნების გრძნობით.

გრიგორი ჩერნეცოვი. აღლუმი ალექსანდრე I-ის ძეგლის გახსნასთან დაკავშირებით სანქტ-პეტერბურგში 1834 წლის 30 აგვისტოს.1834 წ. სახელმწიფო რუსული მუზეუმი, პეტერბურგი

ჩერნეცოვი იყო იმპერატორ ნიკოლოზ I-ის კარის მხატვარი, რომელიც თავს ხელოვნების დიდ მცოდნედ თვლიდა. ჩერნეცოვის ნამუშევრები ზუსტად ასახავს იმპერატორის გემოვნებას - სამხედრო საქმეებისადმი მიდრეკილებით, ნიკოლოზ I-მა მოითხოვა, რომ მხატვრებს "პროტოკოლი" დაეფიქსირებინათ ბუნება აღლუმების, უნიფორმების, იარაღის და ა.შ. სასახლის მოედნის პანორამა, როგორც ჩანს, დახატულია მმართველის გასწვრივ, უზარმაზარი. ჩრდილოეთის ცა წვიმის ღრუბლებით არის სანახაობრივი "ჩრდილავს" ჯარების აღლუმს ალექსანდრეს სვეტის წინ, რომელიც აშენდა ფრანგი არქიტექტორის მონფერანის პროექტის მიხედვით.

ორესტ კიპრენსკი. A.K. Schwalbe-ს პორტრეტი.1804 წ. სახელმწიფო რუსული მუზეუმი, პეტერბურგი

პორტრეტზე გამოსახულია მხატვრის ადამ კარლოვიჩ შვალბეს მამა, მიწის მესაკუთრის A.S. დიაკონოვის ყმა. კიპრენსკის მოსწონდა იმის თქმა, თუ როგორ შეცდა ეს პორტრეტი, რომელიც ნაჩვენები იყო ნეაპოლისა და რომში გამოფენებზე, რემბრანდტის ან რუბენსის ნამუშევრებში. მხატვარმა მოახერხა გამოსახული ადამიანის ხასიათის გადმოცემა - ენერგიული და მტკიცე. სახე ღრმა ნაოჭებითა და ძლიერი ნიკაპით არის შესანიშნავად გამოძერწილი, ხელი, რომელსაც თავდაჯერებულად უჭირავს ხელჯოხი, გამოკვეთილია სინათლით. ეს ადრეული ნამუშევარი ეკუთვნის კიპრენსკის ფუნჯის უპირობო შედევრებს, რაც მოწმობს ძველი ოსტატების ფერწერის ტექნიკის ღრმა ათვისებას.

ორესტ კიპრენსკი. გრაფი F.V. როსტოპჩინის პორტრეტი.

მოსკოვის მერს ფიოდორ ვასილიევიჩ როსტოპჩინს (1765–1826) იშვიათი იუმორის გრძნობა ჰქონდა და ეწეოდა ლიტერატურულ საქმიანობას. მაშინდელი მოსკოვის მთელი ფერი მიდიოდა როსტოპჩინების ცნობილ სალონში. ნაპოლეონის შემოსევის დროს ჭორები მიაწერეს როსტოპჩინს მოსკოვის დაწვის ბრძანებას.

ამ ნამუშევარში, ნახატში და შეღებვაში შესანიშნავად, ჩვენ ვერ დავინახავთ მოდელის ხასიათის რაიმე განსაკუთრებულ მახასიათებლებს: პორტრეტი მარტივია და მოკრძალებულიც კი. წინა ეპოქის ოსტატებთან შედარებით კიპრენსკი ნაკლებ ყურადღებას აქცევს აქსესუარებსა და ტანსაცმლის დეტალებს. შავი ხალათი და დაკეცილი ხელები აღიქმება თითქმის ერთ ლაქად. აი, როგორ გამოეხმაურა თავად როსტოპჩინი ამ ნაწარმოებს: ”მე ვიჯექი უსაქმოდ და მოწყენილობის გარეშე, ხელებმოკეცილი”.

ორესტ კიპრენსკი. გრაფინია E.P. Rostopchina-ს პორტრეტი.1809. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

პორტრეტი კიპრენსკიმ შეასრულა გრაფინია F.V. როსტოპჩინის მეუღლის პორტრეტთან ერთად. ეკატერინა პეტროვნა როსტოპჩინა (1775–1859) იყო ეკატერინე II-ის მომლოდინე. მან ფარულად მიიღო კათოლიციზმი და ბოლო წლებში ცხოვრობდა ძალიან განმარტოებით. კიპრენსკი ქმნის გამოსახული ადამიანის რბილ, კეთილგანწყობილ, გულწრფელ გამოსახულებას. მთელი მისი გარეგნობა სუნთქავს სიჩუმესა და თვითშეწოვას. ფერთა სქემა მდიდარია ვერცხლისფერი და ზეთისხილის ტონების დახვეწილი და დელიკატური გადასვლებით, რაც შეესაბამება პორტრეტის განწყობას.

ორესტ კიპრენსკი. სიცოცხლის ჰუსარების პორტრეტი პოლკოვნიკი ე.ვ.დავიდოვი.1809 წ. სახელმწიფო რუსული მუზეუმი, პეტერბურგი

პორტრეტზე გამოსახულია ცნობილი პოეტისა და 1812 წლის ომის გმირის დენის დავიდოვის ბიძაშვილი - ევგრაფ ვლადიმროვიჩ დავიდოვი (1775-1823). იმ დროისთვის, როდესაც პორტრეტი დაიხატა, ის იყო სიცოცხლის გვარდიის ჰუსარების პოლკოვნიკი, მონაწილეობდა ნაპოლეონთან ბრძოლაში აუსტერლიცის მახლობლად. ფიგურას გარს აკრავს იდუმალი რომანტიული ბინდი, რომელშიც შეგიძლიათ იხილოთ ზეთისხილის ხის ფოთლები შავ-ლურჯი ცის ფონზე. კიპრენსკი ფერთა შესანიშნავ თანხმობას პოულობს: ფორმის წითელი ფერი, ოქროსფერი ლენტები, თეთრი გამაშები... დავიდოვის სახეში უფრო გარეგნული ხიბლია, ვიდრე ღრმა ფსიქოლოგიზმი. მამაცი, უშიშარი გმირი ავლენს თავის გაბედულ პოზას და ახალგაზრდობის მხიარულ უნარს.

ორესტ კიპრენსკი. ა.ა.ჩელიშჩევის პორტრეტი.1808 - 1809 წლის დასაწყისი. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

ალექსანდრე ალექსანდროვიჩ ჩელიშჩევი (1797–1881) აღიზარდა გვერდების კორპუსში 1808 წლიდან, შემდეგ კი მონაწილეობა მიიღო 1812 წლის ომში - ანუ ის ეკუთვნოდა იმ თაობას, რომელმაც განსაზღვრა რუსეთის ბედი XIX საუკუნის დასაწყისში. 11 წლის ბიჭის საფარში კიპრენსკი მის სახეზე განსაკუთრებულ, ბავშვურ გამომეტყველებას ამჩნევს. მუქი მძივი თვალები გააზრებულად და ყურადღებით უყურებს მნახველს, მათში იკითხება სერიოზულობა, რთული ცხოვრებისეული გამოცდებისთვის "მომზადება". პორტრეტის ფერთა სქემა ეფუძნება კიპრენსკის საყვარელ კონტრასტულ კომბინაციას შავი, თეთრი, წითელი და ნათელი ოქროსფერი.

ორესტ კიპრენსკი. დ.ნ.ხვოსტოვას პორტრეტი.1814. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

კიპრენსკის ერთ-ერთი ყველაზე მიმზიდველი ქალის სურათი სავსეა მშვიდი, გააზრებული ჭვრეტის განწყობით. დარია ნიკოლაევნა ხვოსტოვა (1783–?) იყო მ.ლერმონტოვის ბებიის დისშვილი.

წინა ეპოქის პორტრეტების მხატვრებისგან განსხვავებით, მხატვარი არ აჩერებს მაყურებლის ყურადღებას მისი ტანსაცმლის აქსესუარებზე: ისინი დელიკატურადაა მოცემული, საერთო დიდი ლაქებით. პორტრეტში თვალები ცხოვრობენ - საოცარი მუქი თვალები, რომლებიც თითქოს დაფარულია იმედგაცრუების ნისლით, სევდიანი მოგონებებითა და მორცხვი იმედებით.

ორესტ კიპრენსკი. E.S. ავდულინას პორტრეტი.1822 (1823?). სახელმწიფო რუსული მუზეუმი, პეტერბურგი

ეკატერინა სერგეევნა ავდულინა (1788-1832) არის გენერალ-მაიორის A. N. ავდულინის ცოლი, ხელოვნების დიდი მცოდნე და მხატვართა წახალისების საზოგადოების აქტიური წევრი, სასახლის სანაპიროზე სასახლის ბედია და სახლის თეატრი. კამენოსტროვსკის დაჩა. ის მოდურ თავსაბურავშია გამოწყობილი, ხელში ვენტილატორი უჭირავს - სახლის გარემოს გარეთ ამ დროის ქალბატონის შეუცვლელი ატრიბუტი. მისი დაკეცილი ხელები არის ციტატა ლეონარდო და ვინჩის ჯოკონდადან, რომელიც კიპრენსკიმ უდაოდ ნახა ლუვრში. მისი ერთ-ერთი თანამედროვე ამტკიცებდა, რომ ამ პორტრეტში „სხეულის სიმრგვალე და სინათლე ოსტატურად არის შესრულებული. და რა სიმბოლურია ლევკა ფურცლებს კარგავს, ჭიქა წყალში დგას! .. ”ჩვენს წინაშეა რომანტიული, ჩაფიქრებული ბუნება, ჩაძირული მის ფარულ აზრებში. ფანჯრის მყიფე მინაში ნატიფი თეთრი ყვავილების ტოტი თითქოს გამოსახული ქალის გამოსახულებას ემსგავსება.

ორესტ კიპრენსკი. Ავტოპორტრეტი.1828. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

ეს ავტოპორტრეტი მხატვრის იტალიაში წასვლამდე იყო დახატული. ჩვენს წინაშეა ცნობილი ოსტატი, რომელმაც მოიპოვა თავისი თანამედროვეების დიდი შეფასებები და ამავე დროს დაღლილი და იმედგაცრუებული ადამიანი. მისი თანამედროვეების მოგონებების თანახმად, "კიპრენსკი იყო სიმპათიური, ლამაზი გამომხატველი თვალებით და ბუნებრივად ტალღოვანი კულულებით". თვალებს ოდნავ აცეცებს, მაყურებელს მაძიებლად უყურებს, თითქოს რაღაცას ეკითხება. პორტრეტი შექმნილია თბილ, მდიდარ ფერში. სახეზე ფერები ეხმიანება სამოსის ფერებს. ფონი, როგორც ოსტატის სხვა ნამუშევრებში, თითქოს შესქელებული ბინდია, საიდანაც ნაზად არის გამოკვეთილი გამოსახული ადამიანის ფიგურა.

ორესტ კიპრენსკი. A.S. პუშკინის პორტრეტი.1827. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

პორტრეტი ა.დელვიგის დაკვეთით პეტერბურგში დაიხატა პოეტის მიხაილოვსკის გადასახლებიდან დაბრუნებისთანავე. თანამედროვეები, რომლებიც იცნობდნენ პუშკინს მჭიდროდ ამტკიცებდნენ, რომ პოეტის უფრო მსგავსი პორტრეტი არ არსებობს. პუშკინის გამოსახულება მოკლებულია ყოველდღიურობას, რბილდება გარეგნობის დამახასიათებელი „არაპის“ ნიშნები. მისი მზერა მნახველს სრიალდება - პოეტი თითქოს შემოქმედებითი ჩახედვის მომენტში მხატვარმა დაიჭირა. თავის გარშემო განათებული ფონი ერთგვარ ჰალოს წააგავს - არჩეულობის ნიშანია. მხარზე გადაგდებული ინგლისური ჩექმიანი მოსასხამი, პუშკინი დიდ ინგლისელ რომანტიკოს პოეტ ბაირონს ადარებენ. მან გამოხატა თავისი დამოკიდებულება პორტრეტის მიმართ კიპრენსკის პოეტური გზავნილით "მსუბუქი ფრთიანი მოდის ფავორიტი ..." - "მე ვხედავ საკუთარ თავს, როგორც სარკეში, / მაგრამ ეს სარკე მაამებს".

ვასილი ტროპინინი. მხატვრის ვაჟის, A.V. Tropinin-ის პორტრეტი.ᲙᲐᲠᲒᲘ. 1818. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

პორტრეტზე გამოსახულია არსენი ტროპინინი (1809–1885), მხატვრის ერთადერთი ვაჟი. ეს პორტრეტი ოსტატის სხვა ნამუშევრებს შორის განსაკუთრებული შინაგანი სითბოთი და გულწრფელობით გამოირჩევა. ტროპინინი წყვეტს ურთულეს ამოცანას - ის პოულობს ბავშვური სულის განსაკუთრებული სამყაროს გამოხატვის ფერწერულ საშუალებებს. პორტრეტი მოკლებულია სტატიკური პოზას: ბიჭი გამოსახულია ოდნავ შემობრუნებით, ოქროსფერი თმა გადაყრილი, ღიმილი ათამაშებს სახეზე, პერანგის საყელო დაუდევრად არის გაშლილი. გრძელი, მოძრავი შტრიხებით მხატვარი ძერწავს ფორმას და ეს დინამიური შტრიხი ბავშვურ ტემპერამენტთან, აღმოჩენების რომანტიკულ მოლოდინთან გამოდის.

ვასილი ტროპინინი. P.A. ბულახოვის პორტრეტი.

ამ პერსონაჟის ხიბლი სიცოცხლითა და სიმშვიდით, სამყაროსთან მარტივი და მკაფიო ურთიერთობის ჰარმონიაშია. მისი მოწითალო, მბზინავი სახე მოძრავი შტრიხებით არის გამოძერწილი, ვერცხლის ბეწვის ჟილეტი, ლურჯი პერანგის ყდის ფართოდ და თავისუფლად არის მოხატული, ყელსაბამი ფუნჯის რამდენიმე მოსმით „შეკრული“... ხატვის ეს მანერა სრულყოფილად შეესაბამება ბულახოვის კეთილგანწყობილი და ხალისიანი, ძალიან მოსკოვური გამოსახულება, რომელიც, ა. ბენუას თქმით, პორტრეტში წააგავს "კატას, რომელიც არაჟანს ასხამდა".

ვასილი ტროპინინი. კ.გ რავიჩის პორტრეტი.1823. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

კონსტანტინე გეორგიევიჩ რავიჩის პორტრეტი, მოსკოვის მიწის გეოდეზიის ოფისის თანამდებობის პირი, სულით ძალიან მოსკოვურია, შორს არის ოფიციალური სიმკაცრისა და თავდაჯერებული დახურვისგან. როგორც ჩანს, რავიჩი მხატვარმა გააოცა: ის ხალათშია, თმა არეული აქვს, ჰალსტუხი გაშლილი. კაშკაშა წითელი ხალათის ანარეკლი სიწითლით „ციმციმებს“ მის დახვეწილ და კეთილგანწყობილ სახეზე. რავიჩი გამოხატავს მოსკოვის თავადაზნაურობის გავრცელებულ ტიპს - ის იყო კარუსის მოყვარული, ბანქოს თამაში. შემდგომში მას ბრალი წაუყენეს ერთ-ერთი მოთამაშის სიკვდილში, რომელმაც დიდი ზარალის შემდეგ დარტყმა მიაყენა, შვიდი წელი გაატარა ციხეში და ციმბირში გაგზავნეს "ეჭვით".

ვასილი ტროპინინი. A.S. პუშკინის პორტრეტი.1827. ა.ს.პუშკინის სრულიად რუსული მუზეუმი, ქ

პორტრეტი დაიხატა 1827 წლის პირველ თვეებში, პოეტის მიხაილოვსკის გადასახლებიდან დაბრუნებიდან მალევე. პუშკინის მეგობარი, ს.სობოლევსკი იხსენებდა, რომ „თავად პუშკინმა პორტრეტი ტროპინინს ფარულად შეუკვეთა და სხვადასხვა ფარსებით მოულოდნელად მომიტანა (350 მანეთი დაუჯდა). სხვა ვერსიით, პორტრეტი თავად სობოლევსკიმ შეუკვეთა, რომელსაც სურდა ენახა პოეტი არა „გათლილი“ და „პომადებული“, არამედ „დაბნეული, ცალი ხელის ცერა თითზე სანუკვარი მისტიკური ბეჭდით“. შედეგად, პორტრეტში გამოსახულების სიახლოვე თანაარსებობს რომანტიკულ „ამაღლებასთან“, რომელიც შესანიშნავად არის გადმოცემული დიდი პოეტის სულის ცხოვრებით.

ვასილი ტროპინინი. K. P. Bryullov- ის პორტრეტი.

ტროპინინი კარლ ბრაილოვს 1836 წელს მოსკოვში შეხვდა, სადაც პომპეის უკანასკნელი დღის ავტორი იტალიიდან სანკტ-პეტერბურგისკენ მიმავალ გზაზე გაჩერდა. მაესტრო ფანქრით და ალბომით არის გამოსახული ვეზუვის ამოფრქვევის ფონზე. ”დიახ, ის თავად არის ნამდვილი ვეზუვიუსი!” - ისაუბრეს ბრაილოვზე, აღფრთოვანებული იყვნენ მისი ნიჭის ელემენტარული ძალით. პორტრეტი გამოხატავს ბრაილოვის, როგორც ბრწყინვალე ოსტატის აღქმის საზოგადოებრივ პათოსს, რომლის გარეგნობა "ოქროსფერთმიან" აპოლონს წააგავდა. ბრაილოვმა ძალიან დააფასა ტროპინინი, აღიარა ერთ-ერთ წერილში მხატვრისადმი: ”მე ვკოცნი შენს სულს, რომელიც თავისი სიწმინდით ყველაზე მეტად შეუძლია სრულად გაიგოს სიამოვნება და სიხარული, რომელიც ავსებს ჩემს გულს…”

ვასილი ტროპინინი. Lacemaker.1823. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

ჩვენს წინაშე არის არა კონკრეტული გოგონას პორტრეტი, არამედ ხელოსნის კოლექტიური პოეტური გამოსახულება, როგორიცაა ტროპინინი, შეიძლება შეხვდეს დიდგვაროვან მოსკოველთა სახლებში. მხატვარი არ ასახავს იმ სიმძიმეს, რაც მის რთულ და მტკივნეულ ნამუშევრებში იყო, ის აღფრთოვანებულია და აღფრთოვანებულია ახალგაზრდობის ხიბლითა და სილამაზით. პ. სვინინი ამ სურათზე წერდა, რომ „ავლენს სილამაზის სუფთა, უდანაშაულო სულს და ცნობისმოყვარეობის მზერას, რომელსაც ის ისვრის ვინმეს, ვინც იმ მომენტში შევიდა: იდაყვით გაშიშვლებული ხელები გაჩერდა მის მზერასთან ერთად. მუსლინის ცხვირსახოცით დაფარული ქალწული მკერდიდან ამოისუნთქა.

მხატვარს ხშირად საყვედურობდნენ მისი პერსონაჟების უცვლელი ღიმილის გამო. ”რატომ, მე არ ვიგონებ, მე არ ვქმნი ამ ღიმილს, მე მათ ვწერ ცხოვრებიდან”, - უპასუხა ტროპინინმა.

ვასილი ტროპინინი. ავტოპორტრეტი ფანჯრის წინ, რომელიც გადაჰყურებს კრემლს.1846. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

თავის ავტოპორტრეტში ტროპინინი საკუთარ თავს ასახავს, ​​როგორც შრომისმოყვარე მხატვარს, რომელმაც ხელოსნობით, შრომისმოყვარეობითა და ნიჭით შეძლო „სამყაროში გამოსვლა“. ის სამუშაო ხალათშია გამოწყობილი, ხელჯოხზე დაყრდნობილი, მარცხენა ხელში პალიტრა და ფუნჯები უჭირავს. მის უკან კრემლის ფართო პანორამა არის მხატვრის აზრების პერსონიფიკაცია მშობლიურ ქალაქზე. ”მშვიდობა, რომელიც ტროპინინის კეთილგანწყობილ მოხუც სახეს სუნთქავდა, მისთვის ადვილი არ იყო. გამუდმებით ებრძოდა დაბრკოლებებსა და ჩაგვრას, მან ეს სიმშვიდე რწმენისა და ხელოვნების ჩრდილში შეიძინა“, - წერს მხატვრის ნაცნობი ნ.რამაზანოვი. ეს ავტოპორტრეტი, რომელიც მის სახლში ინახებოდა ტროპინინის გარდაცვალების შემდეგ, მოსკოველებმა მხატვრის შვილისგან იყიდეს ხელმოწერით და საჩუქრად გადასცეს რუმიანცევის მუზეუმს, როგორც განსაკუთრებული პატივისცემისა და ოსტატის მსახურების აღიარების ნიშნად. კაპიტალი.

კარლ ბრაილოვი. იტალიური შუადღე (იტალიელი ქალი კრეფს ყურძენს).1827 წ. სახელმწიფო რუსული მუზეუმი, პეტერბურგი

ეს სურათი შეიქმნა, როგორც ორთქლის ოთახი "იტალიური დილის" (1823, კუნსტჰალი, კიელი) და გაგზავნილი იქნა რუსეთში მოხსენების სახით მხატვრის იტალიაში ყოფნის დროს. ბრაიულოვმა გამოიყენა შესაძლებლობა იტალიაში ქალი მოდელის შესასწავლად (სანქტ-პეტერბურგის აკადემიაში ქალები არ პოზირებდნენ მხატვრებისთვის). იგი დაკავებული იყო ქალის ფიგურის ასახვით სხვადასხვა განათების ეფექტებში - დილით ადრე თუ იტალიური შუადღის კაშკაშა შუქზე. ჟანრის სცენა სავსეა ტკბილი სენსუალურობის სულით. იტალიელის მწიფე სილამაზე ეხმიანება ტკბილი წვენით სავსე ყურძნის სიმწიფეს, რომელიც მზეზე ცქრიალა.

კარლ ბრაილოვი. შეწყვეტილი თარიღი ("წყალი უკვე გადის ...").აკვარელი. 1827–1830 წწ სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

იტალიაში ბრაილოვი იყო „იტალიური“ ჟანრის ერთ-ერთი დამაარსებელი, რომელიც დიდი პოპულარობით სარგებლობდა კოლექციონერებსა და მოგზაურებში. მხატვრის ნახატები იტალიელების ყოველდღიურ ცხოვრებაზე აერთიანებს კლასიკურ სილამაზესა და რეალობის რომანტიკულ მსოფლმხედველობას. "იტალიური" ჟანრის ერთ-ერთ საუკეთესო აკვარელში, ტკბილად ლამაზი იტალიური ბუნების ფონზე ვითარდება მომხიბვლელი ჟანრის სცენა, რომელიც სავსეა კეთილი იუმორით. ბრაილოვი ოსტატურად დაეუფლა აკვარელის კლასიკურ ტექნიკას, ფურცელზე ოსტატურად გადმოსცემდა იტალიური ცხელი დღის მანათობელ ჰაეროვან გარემოს, გმირთა პერანგებს თეთრით ცქრიალა და მზისგან გაცხელებული სახლის ქვის კედელს.

კარლ ბრაილოვი. ბათშება.

სიუჟეტი ეფუძნება ლეგენდას ბანაობის ახალგაზრდა სილამაზის შესახებ, რომელიც ნახა მეფე დავითმა თავისი სასახლის სახურავზე მიმავალი.

ბრაილოვი ენთუზიაზმით მღერის ქალის სილამაზეს, რომლითაც „სამყაროს მხოლოდ დაგვირგვინება შეიძლებოდა“. ჩამავალი მზის ირიბი სხივებით განათებული ბათშებას მშვენიერი „უძველესი“ სხეულის სინაზეს აჩენს ფარდების აყვავებულ ნაკეცებს, რომლებიც მხატვარმა სილამაზის კვარცხლბეკად აქცია. გამჭვირვალე წყლის ჭავლი, რომელიც აუზში ჩაედინება, ანათებს მზის შუქს. მთელი ტილო გაჟღენთილია სენსუალური ხიბლითა და ყოფნის სიხარულით.

კარლ ბრაილოვი. მხედარი.1832. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

იტალიელების ჯოვანინას (ცხენოსნის) და ამაზილია პაჩინის ეს საზეიმო პორტრეტი ბრაილოვს შეუკვეთა გრაფინია იულია სამოილოვამ, მხატვრის მეგობარმა, რომელიც ზრუნავდა ამ ობოლი გოგოებზე. მხატვარი აერთიანებს ტრადიციულ საცხენოსნო პორტრეტს სიუჟეტურ მოქმედებასთან. ჭექა-ქუხილის დაწყების წინა დღეს მშვენიერი ცხენოსანი სასეირნოდან ბრუნდება. მომხიბვლელი ამაზილია ლოჯიაზე დის შესახვედრად გაიქცა. ჯოვანინას სახე, სწრაფი ნახტომის მიუხედავად, უცნაურად ლამაზი რჩება. ჩვენს წინაშეა რომანტიზმის ეპოქის საყვარელი ტექნიკა: ძლიერი ბუნებრივი ელემენტების შეჯახება და ადამიანის სულის გამძლეობა. მხატვარი აღფრთოვანებულია ახალგაზრდობის აყვავებული სილამაზით, აღფრთოვანებულია ბავშვის სილამაზით, ჭკვიანური ცხენის მოხდენილობით, აბრეშუმის ბზინვარებით და თმის ხვეულების ბზინვარებით... პორტრეტი იქცევა ელეგანტურ მომხიბვლელ სანახაობად, ჰიმნად. ცხოვრების სილამაზე.

კარლ ბრაილოვი. პომპეის ბოლო დღე.1833 წ. სახელმწიფო რუსული მუზეუმი, პეტერბურგი

სურათის სიუჟეტი ბრაულოვისგან მოვიდა, ნეაპოლის მახლობლად ძველი რომაული ქალაქის პომპეის გათხრების მონახულების შემდეგ, რომელიც გარდაიცვალა I საუკუნეში ვეზუვის მთის ამოფრქვევის შედეგად. ნახატზე მუშაობისას მხატვარმა გამოიყენა ქალაქის სიკვდილის მოწმე ისტორიკოს პლინიუს უმცროსის აღწერილობები. სურათის მთავარი თემაა „შიშით შეპყრობილი ხალხი“ ბედის ყოვლისმომცველი ძალაუფლების წინაშე. ადამიანების მოძრაობა მიმართულია სურათის სიღრმიდან მაყურებლისკენ დიაგონალურად.

ელვის ცივი შუქი ხაზს უსვამს ადამიანთა ცალკეულ ჯგუფებს, რომლებიც გაერთიანებულია ერთი სულიერი იმპულსით. მარცხნივ, ხალხში, მხატვარმა გამოსახა თავი საღებავების ყუთით თავზე. ნ.გოგოლი წერდა, რომ ბრაილოვის მშვენიერი ფიგურები ახშობს მისი პოზიციის საშინელებას სილამაზით. მხატვარმა რომანტიკული მსოფლმხედველობის ენთუზიაზმი გააერთიანა კლასიციზმის ტრადიციულ ტექნიკასთან. სურათს ევროპაში დიდი წარმატება ხვდა წილად, რუსეთში კი ბრაილოვს ტრიუმფატორად დახვდნენ: „მშვიდობიანი ტროფეები მოგიტანეთ / თქვენთან ერთად მამის ტილოზე. - / და ეს იყო პომპეის ბოლო დღე / რუსული ფუნჯისთვის, პირველი დღე ”(ე. ბარატინსკი).

კარლ ბრაილოვი. I.A. კრილოვის პორტრეტი.1839. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

ივან ანდრეევიჩ კრილოვის (1768/1769–1844) პორტრეტი მხატვარმა ერთ სესიაზე დახატა და არ დასრულებულა. კრილოვის ხელი სტუდენტმა ფ.გორეცკიმ დაასრულა უკვე გარდაცვლილი ფაბულისტის თაბაშირიდან. კრილოვი პორტრეტში დაახლოებით 70 წლისაა, მისი გარეგნობა გამოირჩევა მკაცრი კეთილშობილებით და ცოცხალი, აქტიური ენერგიით. პორტრეტის თვალწარმტაცი ოსტატობა, ბრაილოვის საყვარელი შავი, ცეცხლოვანი წითელი და ოქროსფერი ყვითელი ფერების რომანტიული ჟღერადობის კომბინაცია მხიბლავს.

კარლ ბრაილოვი. N.V. Kukolnik-ის პორტრეტი.1836. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

პეტერბურგში ბრაილოვი რეგულარული მონაწილე იყო იმ საღამოების, სადაც იმდროინდელი ლიტერატურული ბოჰემია იკრიბებოდა. ნესტორ ვასილიევიჩ კუკოლნიკი (1809–1868), ცნობილი დრამატურგი, ჟურნალისტი და ჟურნალ „ხუდოჟესტენვენაია გაზეტას“ რედაქტორი, იყო მათი შეუცვლელი მონაწილე. თანამედროვეთა აზრით, თოჯინას უხერხული გარეგნობა ჰქონდა - ძალიან მაღალი, ვიწრო მხრები, გრძელი სახე არარეგულარული თვისებებით, უზარმაზარი ყურები, პატარა თვალები. პორტრეტში ბრაილოვი ესთეტიზებს თავის გარეგნობას, ანიჭებს მას რომანტიული მოხეტიალეს იდუმალებას. ყურები გრძელი თმის ქუდის ქვეშ იმალება, ფერმკრთალ სახეზე ეშმაკური ღიმილი ათამაშებს. რომანტიკულ ატმოსფეროს ავსებს გასული დღის გაღრმავებული ბინდი, დანგრეული კედელი, რომელიც მოგვაგონებს დროის განუყრელ მსვლელობას და შორს მდებარე ზღვის სივრცეებს.

კარლ ბრაილოვი. A.N. სტრუგოვშჩიკოვის პორტრეტი.1840. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

ალექსანდრე ნიკოლაევიჩ სტრუგოვშჩიკოვი (1808–1878) იყო ბრაილოვის მეგობარი, თარჯიმანი გერმანულიდან და გამომცემელი Art Newspaper. პორტრეტი დახატულია პეტერბურგში, ბრაილოვის სახელოსნოში სასახლის მოედანზე. სტრუგოვშჩიკოვი პოზირებს წითელ ტყავში მოპირკეთებულ სავარძელში (ამავე სკამზე ჩვენ ვხედავთ ბრაილოვს 1848 წლის ცნობილ ავტოპორტრეტში). ოდნავ დაღლილი სტრუგოვშჩიკოვის ნიღაბში მხატვარმა ხაზი გაუსვა გარკვეულ ნერვიულობას და განცალკევებას. ნიჰილიზმი და სევდა იყო იმდროინდელი თაობის საყვარელი ნიღაბი, როდესაც, სტრუგოვშჩიკოვის თქმით, „14 დეკემბრის პოგრომმა წაართვა ... საზოგადოების პროგრესული ხალხის სურვილი ჩარეულიყვნენ ჩვენი ცხოვრების შიდა პოლიტიკაში და ამისკენ მიმავალი გზები გადაკეტილი იყო“.

კარლ ბრაილოვი. გრაფინია იუ.პ. სამოილოვას პორტრეტი, რომელიც ტოვებს ბურთს თავის ნაშვილებ ქალიშვილთან, ამაზილია პაჩინთან.არაუგვიანეს 1842 წ. სახელმწიფო რუსული მუზეუმი, პეტერბურგი

პორტრეტი პეტერბურგში დაიხატა, სადაც ექსცენტრიული და დამოუკიდებელი გრაფინია უზარმაზარი მემკვიდრეობის მისაღებად მოვიდა. სურათზე იგი გამოსახულია შვილად აყვანილ ქალიშვილთან ერთად, რომელიც თავისი მყიფეობით წამოიჭრება და ავსებს სამოილოვას მდიდრულ, სექსუალურ სილამაზეს. გრაფინიას ფიგურის მოძრაობა დაბალანსებულია მძიმე ხავერდის ფარდის მძლავრი შემობრუნებით, რომელიც თითქოს გრძელდება მის კაშკაშა მდიდრულ კაბაში. ოსტატის ამ საუკეთესო ფორმალურ პორტრეტში უჩვეულო აღფრთოვანებული ცეცხლი იგრძნობა - მხატვრის მოდელთან განსაკუთრებული ურთიერთობის შედეგი.

კარლ ბრაილოვი. Ავტოპორტრეტი.1848. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

ბრაილოვის მოსწავლის მოგონებების მიხედვით, ეს ავტოპორტრეტი ოსტატმა მძიმე ავადმყოფობის დროს სულ რაღაც ორ საათში დახატა. ნამუშევარი შთამბეჭდავია შესრულების გენიალური ვირტუოზულობით: თმა „დავარცხნილი“ ფუნჯის რამდენიმე მოძრაობით, შთაგონებით, მცირე შტრიხებით, გამოფიტული, ფერმკრთალი, გაფითრებული სახე გამჭვირვალე ჩრდილებით, ცელქი ჩამოკიდებული მკლავი ამოიწერება. .. ამავდროულად, იმიჯი არ არის მოკლებული ნარცისიზმს და ელეგანტურ არტისტულობას. ოსტატის მძიმე ფიზიკური მდგომარეობა მხოლოდ ხაზს უსვამს შემოქმედებით ცეცხლს, რომელიც მძიმე ავადმყოფობის მიუხედავად, ბრაილოვში სიცოცხლის ბოლომდე არ ჩამქრალია.

კარლ ბრაილოვი. არქეოლოგ მ.ლანჩის პორტრეტი.1851. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

ბრაილოვის ძველი მეგობრის, იტალიელი არქეოლოგის მიქელანჯელო ლანჩის (1779–1867) ეს პორტრეტი თვალშისაცემია პიროვნების ინდივიდუალობის ნათლად ასახვით, რაც ასახავს რეალისტურ მეთოდს პორტრეტის ხელოვნებაში. როგორც ჩანს, არქეოლოგი ცოცხალი საუბრის მომენტში დაიჭირა: მან აიღო თავისი პინსე და თანამოსაუბრეს ყურადღებიანი და გონიერი მზერა მიაპყრო. ნათელი, ხმაურიანი ფერი, რომელიც აგებულია კაშკაშა ალისფერი სამოსისა და ვერცხლის ბეწვის კომბინაციაზე, ხაზს უსვამს მოდელის ცხოვრების სიყვარულს.

პორტრეტის ეს „ენერგეტიკული“ ჟღერადობა მით უფრო საყურადღებოა, რადგან თავად ბრაილოვის ფიზიკური ძალა უკვე იწურებოდა. პორტრეტი იყო მძიმე ავადმყოფი მხატვრის ბოლო მნიშვნელოვანი ნამუშევარი.

ალექსანდრე ბრაულოვი. N. N. პუშკინას პორტრეტი.1831–1832 წწ ქაღალდი, აკვარელი. პუშკინის სრულიად რუსული მუზეუმი, სანქტ-პეტერბურგი

კარლ ბრაილოვის ძმის ალექსანდრე ბრაილოვის აკვარელი პორტრეტები ძალიან პოპულარული იყო მის თანამედროვეებში. შთამომავლობისთვის საუკეთესო და ძვირფასს შორის არის დიდი პოეტის მეუღლის ნატალია ნიკოლაევნა პუშკინას პორტრეტი. მხატვარი არა მხოლოდ იპყრობს მის ინდივიდუალურ მახასიათებლებს, ის ამაღლებს გამოსახულ სილამაზეს "ცხოვრების პროზაზე", ადასტურებს "სუფთა სილამაზის" ქალის იდეალს, რომელსაც ვხვდებით პუშკინის ლექსებში: "ჩემი სურვილები ახდა. შემოქმედმა / გამოგგზავნა ჩემთან, შენ, ჩემო მადონა, / სუფთა მაგალითის უწმინდესი სილამაზე.

ალექსანდრე ბრაულოვი. E.P. Bakunina-ს პორტრეტი.არაუგვიანეს 1832 წ. აკვარელი მუყაოზე. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

ეკატერინა პავლოვნა ბაკუნინა (1795–1869) იყო ალექსანდრე ბაკუნინის, პუშკინის ლიცეუმის მეგობრის და. პოეტს შეეძლო ახალგაზრდა ბაკუნინას შეხვდეს ლიცეუმის ბურთებზე, სადაც იკრიბებოდნენ ლიცეუმის სტუდენტების მოწვეული ნათესავები და ნაცნობები. „რა საყვარელი იყო! როგორ ჩაეკრა ძვირფას ბაკუნინას შავი კაბა! მაგრამ თვრამეტი საათია არ მინახავს - აჰ! რა პოზიცია და რა ტანჯვა... მაგრამ მე ბედნიერი ვიყავი 5 წუთი“ (პუშკინის დღიურიდან 1815 წ.). კამერულ, მინიატურულ პორტრეტში ბაკუნინს უკვე ზრდასრულ ასაკში ვხედავთ, მაგრამ ხაზების მუსიკალურობა, აკვარელის ნატიფი გამჭვირვალე ფერები შეესაბამება ახალგაზრდა პოეტის ენთუზიაზმის გრძნობას.

პიტერ სოკოლოვი. A.S. პუშკინის პორტრეტი.1836. აკვარელი ქაღალდზე. პუშკინის სრულიად რუსული მუზეუმი, სანქტ-პეტერბურგი

სოკოლოვი იყო პუშკინის ეპოქის ინტიმური აკვარელის პორტრეტის შესანიშნავი ოსტატი. მხატვრის ფუნჯები ეკუთვნის პუშკინის სამ პორტრეტს, მისი თანამედროვეების, მეგობრებისა და მტრების პორტრეტებს. ეს პორტრეტი ასახავს პოეტს სიცოცხლის ბოლოს - ოდნავ დაღლილი, განიცადა მრავალი იმედგაცრუება და წუხილი. სოკოლოვის ძემ, აკვარელისტმა აკადემიკოსმა ა.სოკოლოვმა ისაუბრა სოკოლოვის მუშაობის მეთოდზე:

„საოცარი სიმამაცით, სახის, კაბის, მაქმანის აქსესუარის ან ფონის ჭეშმარიტი ტონი მყისიერად, თითქმის მთელი ძალით იწვა და დეტალურად იყო შერეული, ძირითადად მონაცრისფრო ტონებით, საოცარი ხიბლითა და გემოთი, ისე, რომ ფუნჯის მოსმით, მისი შტრიხები, საღებავის არაფრამდე დაცემა, გონზე დარჩა, ყველა ნაწილის სისრულეში ჩარევის გარეშე. აქედან, მის შემოქმედებაში არასოდეს შეიმჩნევა წამება და შრომა; ყველაფერი გამოვიდა სუფთა, მსუბუქი და ამავე დროს თამამი და სანახაობრივი ფერებით.

ალექსეი ვენეციანოვი. Ავტოპორტრეტი.1811. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

ავტოპორტრეტზე ვენეციანოვი 31 წლისაა, მაგრამ დაღლილ, ბრძენ კაცს ჰგავს. ამ დროს ის უკვე ცნობილი პორტრეტის მხატვარი იყო, რომელმაც წარმატებას საკუთარი შრომითა და შეუპოვრობით მიაღწია. ავტოპორტრეტი სერიოზულობით, ჭეშმარიტებითა და სიმარტივით გამოდის. მხატვარი, რომელსაც ხელში პალიტრა და ფუნჯი უჭირავს, ყურადღებით ათვალიერებს ნამუშევარს. ცოცხალი, თბილი შუქი რბილად აყალიბებს ფორმას. ვენეციანოვმა ეს პორტრეტი სამხატვრო აკადემიას წარუდგინა და მისთვის „აკადემიკოსად დანიშნული“ წოდება მიიღო.

ალექსეი ვენეციანოვი. მძინარე მწყემსი.1823-1826 წლებში. სახელმწიფო რუსული მუზეუმი, ქ

რუსული სოფლის პეიზაჟი, საოცარი თავისი გამჭოლი ხიბლით, სავსეა მშვიდი, კაშკაშა სიმშვიდით: მდინარის გლუვი ზედაპირი და მწვანე ბოსტანი, შორეული სახნავი მიწა და ტყიანი ბორცვები... პეიზაჟის ფერებია. ნათელი, სრული ჟღერადობა, თითქოს სინათლით გაჟღენთილი. „მძინარე მწყემსი“ ვენეციანოვის ერთ-ერთი საუკეთესო ნახატია ლირიკულ-გულწრფელი განწყობის თვალსაზრისით, ადამიანსა და ბუნებას შორის ინტიმური კავშირის გადმოცემაში. ვენეციანოვი აქ ჩნდება, როგორც მოკრძალებული რუსული ბუნების დახვეწილი ხიბლის აღმომჩენი.

ალექსეი ვენეციანოვი. სახნავ მიწაზე. გაზაფხული.1820-იანი წლების პირველი ნახევარი. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

სურათზე ნაჩვენებია გაზაფხულის ალეგორია. ელეგანტურ საფარში გამოწყობილი გლეხი ქალი, რომელიც ყვავილობისა და გაზაფხულის ფლორის ქალღმერთს ემსგავსება, დიდებულად აბიჯებს სახნავ მიწაზე. მარცხნივ, ფონზე, კიდევ ერთი გლეხი ქალი ცხენებით, როგორც ჩანს, აგრძელებს მთავარი გმირის წრიულ მოძრაობას, რომელიც მარჯვნივ იხურება ჰორიზონტის ხაზზე სხვა ქალის ფიგურით, რომელიც ჰგავს გამჭვირვალე მოჩვენებას. ფლორის მოწიფული სილამაზის გვერდით, ჩვენ ვხედავთ სიცოცხლის დასაწყისის ალეგორიას - პატარა კუპიდონს, რომელიც გარშემორტყმულია სიმინდის ყვავილების გვირგვინებით. სურათის მარჯვენა მხარეს, მშრალი ღეროს გვერდით, თხელი ახალგაზრდა ხეები მზეს სწვდებიან.

ნახატზე ასახულია ცხოვრების მარადიული ციკლი: სეზონების ცვლა, დაბადება და ხმობა... მკვლევარებმა აღნიშნეს, რომ ვენეციანოვის ეს ნახატი თავისი იდილიური განწყობითა და ალეგორიული სიცხადით, შერწყმული რუსულ მოტივებთან, აკმაყოფილებდა იმპერატორ ალექსანდრე I-ის გემოვნებას.

ალექსეი ვენეციანოვი. მოსავლის დროს. ზაფხული.1820-იანი წლების შუა? სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

ეს სურათი ვენეციანოვმა მოიფიქრა, როგორც წყვილი ნაწარმოების „სახნავ მიწაზე. გაზაფხული ”და იყო ერთგვარი ციკლის ნაწილი სეზონების შესახებ. აქაური გლეხური ცხოვრების სამყარო მოკლებულია სოფლის შრომის პროზაულ გაჭირვებას. ეს არის იდილია, რომელსაც მხატვარი ხედავს "რომანტიული" კეთილშობილური მამულის ფანჯრებიდან. მაგრამ ამ იდილიის გულში დგას მხატვრის ჭკვიანური და გულწრფელი აზრი ყოველდღიური გლეხური საზრუნავის სილამაზისა და ამაღლებული მნიშვნელობის შესახებ, რუსული ბუნების განსაკუთრებული ხიბლის შესახებ. „ვინც მთელ რუსულ მხატვრობაში მოახერხა ისეთი ჭეშმარიტად საზაფხულო განწყობის გადმოცემა, როგორიც არის ჩადებული მის ნახატში „ზაფხული“, სადაც გარკვეულწილად კუთხოვანი დარგული ქალის უკან, ოდნავ გასწორებული პროფილით, წმინდა რუსული, აღარ გასწორებული ბუნება. ვრცელდება: შორეული, ყვითელი სიმინდის ველი მწიფდება ცხელ, მზისგან გაჯერებულ ჰაერში!” წამოიძახა ა.ბენოისმა.

ალექსეი ვენეციანოვი. გოგონა შარფში.

ახალგაზრდა მშვენიერი გლეხი ქალი ვენეციანოვმა არაჩვეულებრივი სითბოთი და გულწრფელობით დაწერა. ცოცხალი მზერით მიაპყრო მსხვილ თვალებს მნახველს, ოდნავი ღიმილი უკრავს მის გაბუსხულ ტუჩებზე. ცისფერი ზოლებიანი შარფი და მუქი, მბზინავი, აწეული თმები ავლენდა მის ქალური სახის სინაზეს. სურათის სივრცე ივსება რბილი შუქით, ფერი ეფუძნება ღია მწვანე, ლურჯი და ღია კრემისფერი ტონების კეთილშობილურ კომბინაციას.

ალექსეი ვენეციანოვი. მკრეფები.1820-იანი წლების ბოლოს. სახელმწიფო რუსული მუზეუმი, პეტერბურგი

ამ სურათზე ვხედავთ გლეხის ბიჭს ზახარკას, ვენეციანოვის რამდენიმე ნახატის გმირს და მის დედას ანა სტეპანოვას. მძიმე შრომისა და შუადღის სიცხისგან გაწითლებული ბიჭი დედას მხარზე დაეყრდნო, მოხიბლული იყო მის ხელზე ჩამომჯდარი კაშკაშა პეპლებით. ფორმა ჩამოსხმულია სქელ, სრული ჟღერადობის ფერში. გლუვი, მომრგვალებული ხაზები ავსებს კომპოზიციას წონასწორობით და სიმშვიდით. უპრეტენზიო ყოველდღიური შეთქმულება გლეხ ვენეციანოვის ცხოვრებიდან იქცევა პოეტურ ნარატივად სამყაროს მომაჯადოებელი სილამაზისა და ბუნებასთან ერთიანობის სიხარულის შესახებ.

ალექსეი ვენეციანოვი. გლეხი ქალი სიმინდის ყვავილებით.1830-იანი წლები სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

ახალგაზრდა გლეხი ქალი მოკლებულია რომანტიკულ აღფრთოვანებას, მისი გამოსახულება მარტივია და სავსეა მშვიდი, გულწრფელი პოეზიით. მის ფიქრებში ჩაძირული სევდიანად და განცალკევებით ეხება კაშკაშა ცისფერ სიმინდის ყვავილებს. სურათის შეღებვა აგებულია ცივი შებოლილი თეთრი, ვერცხლისფერი, ღია ოხრის ტონების დახვეწილ თანხმოვნებზე, რაც ასახავს გოგონას გააზრებულ-მინორალურ განწყობას.

გრიგორი სოროკა. სპასკოეს მამულის ხედი ტამბოვის პროვინციაში.1840-იანი წლები რეგიონალური ხელოვნების გალერეა, ტვერი

მილუკოვის ყმა, გრიგორი სოროკა, პერიოდულად სწავლობდა ვენეციანოვთან მის მამულში საფონკოვოში. მხატვარი ა.მოკრიცკი წერდა, რომ ვენეციანოვმა თავის სტუდენტებს დაავალა: „ყველა ეს ნივთი, რომელიც მატერიალური განსხვავება უნდა იგრძნოს და გადმოსცეს მხატვარმა... ამისთვის... თვალის არაჩვეულებრივი სიფხიზლე, ყურადღების კონცენტრაცია, ანალიზი, სრული. ბუნებისადმი ნდობა და მისი ცვლილებების მუდმივი სწრაფვა საჭიროა სინათლის სხვადასხვა ხარისხსა და პოზიციაზე; საჭიროა გაგების სიცხადე და საქმის სიყვარული“.

კაჭკაჭმა ნიჭიერად გააცოცხლა მენტორის მცნებები. ის შესანიშნავად წყვეტს რთულ ფერწერულ პრობლემებს, ავსებს ლანდშაფტს კლასიკური სიმშვიდითა და მსუბუქი გულწრფელობით. ვენეციანოვის შემდეგ ის აღმოაჩენს სილამაზეს მშობლიური ბუნების წყნარ მოტივებში.

1840-იანი წლები სახელმწიფო რუსული მუზეუმი, პეტერბურგი

მოლდინსკის ტბის მშვიდი წყლის ზედაპირი სუფევს სურათზე, რომელიც განსაზღვრავს მის იდილიური-მსუბუქ განწყობას. ნელა და სიჩუმე ყველაფერში იგრძნობა: ბიჭი ნაპირზე თევზაობს, მეგობარი ნაპირზე მშვიდად სრიალებს ნავით. მოპირდაპირე ნაპირზე მდებარე მამულის შენობები ჩაფლულია „მარადიულად ლამაზი“ ბუნების დიდებულ ბუჩქებში. რუსული ბუნების განსაკუთრებული პოეტური სილამაზის გადაცემა და მადლით სავსე საოცარი, განმანათლებლური სიმშვიდის განწყობა ამ პეიზაჟს აკავშირებს ა. ვენეციანოვის საუკეთესო ნამუშევრებთან.

გრიგორი სოროკა. მეთევზეები. ხედი ტამბოვის პროვინციაში, სპასკოიეს მამულში.ფრაგმენტი

კაპიტონ ზელენცოვი. ოთახებში.1820-იანი წლების ბოლოს. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, მოსკოვი

XIX საუკუნის 20-იანი წლების ბოლოს მხატვრებს შორის პოპულარული გახდა ინტერიერის ჟანრი, რაც ასახავდა კეთილშობილური საზოგადოების მომხმარებლების ინტერესს "შინაური ცხოვრების პოეზიით". ზელენცოვის ნახატი სულისკვეთებით ახლოსაა მისი მენტორის ა.ვენეციანოვის საუკეთესო ნამუშევრებთან. სანამ მაყურებელი ხსნის სამი ფართო, გემოვნებით მორთული ოთახის ლუქსს, რომელიც სავსეა სინათლით. კედლებზე ფ.ტოლსტოის ნახატები და მედალიონებია, ფანჯრის მახლობლად კუთხეში ვენერას ქანდაკება, კედლების გასწვრივ მოთავსებულია ელეგანტური მაჰოგანის ავეჯი. ოთახებს „ამოძრავებს“ ორი ახალგაზრდა, რომელიც ძაღლს წვრთნის. ამ ინტერიერის დათვალიერებისას ადამიანი იპყრობს მკაფიო სიმშვიდისა და მსუბუქი ჰარმონიის განცდას, რაც შეესაბამებოდა პირადი ცხოვრების იდეალის იდეებს.

ფედორ სლავიანსკი. ა.გ.ვენეციანოვის ოფისი.1839–1840 წწ სახელმწიფო რუსული მუზეუმი, პეტერბურგი

სლავიანსკიმ განაგრძო თავისი მასწავლებლის ა.ვენეციანოვის ხაზი როგორც პორტრეტში, ასევე ინტერიერში. მსუბუქი, ჰარმონიული განწყობა გაჟღენთილია მის საუკეთესო ინტერიერში, რომელიც ასახავს მენტორის სახლის ოთახებს. ოთახების შესანიშნავად მოხატული ენფილადა იხსენებს ბრწყინვალე მიღწევებს პერსპექტივის შესწავლაში. ოთახის უკანა მხარეს, რბილ გაფანტულ შუქზე, დივანზე დაწვა ახალგაზრდა მამაკაცი - შესაძლოა თავად მხატვარი ან სახლის პატრონის ერთ-ერთი სტუდენტი. ამ სივრცეში ყველაფერი ხელოვნებასა და მხატვრულ ინტერესებს მოგვაგონებს: უძველესი ქანდაკებების ასლები, გლეხის გოგონას მანეკენი კოკოშნიკში ფანჯარასთან, თითქოს გაცოცხლებული მზის კაშკაშა შუქისგან, კედლებზე ნახატები, ღუმელის უგულებელყოფა, დამზადებული "ანტიკურად". ”სტილი.

XIX საუკუნის მეორე ნახევრის მხატვრობა * * *XIX საუკუნის მეორე ნახევარში რუსულ სახვით ხელოვნებაში დომინირებდა სოციალური და პოლიტიკური იდეები. არცერთ სხვა ევროპულ ქვეყანაში არ ყოფილა ამდენი ხნის არსებობა კრიტიკული რეალიზმის მხატვრობაში - ისტორიულში

რუსული სახვით ხელოვნებას ახასიათებდა რომანტიზმი და რეალიზმი. თუმცა, ოფიციალურად აღიარებული მეთოდი იყო კლასიციზმი. სამხატვრო აკადემია გახდა კონსერვატიული და ინერტული ინსტიტუტი, რომელიც აფერხებდა შემოქმედებითი თავისუფლების ნებისმიერ მცდელობას. მან მოითხოვა მკაცრად დაიცვას კლასიციზმის კანონები, წაახალისა ნახატების დაწერა ბიბლიურ და მითოლოგიურ თემებზე. ახალგაზრდა ნიჭიერი რუსი მხატვრები არ იყვნენ კმაყოფილი აკადემიზმის ჩარჩოებით. ამიტომ ხშირად მიმართავდნენ პორტრეტის ჟანრს.

კიპრენსკი ორესტ ადამოვიჩი რუსი მხატვარი. რუსული რომანტიზმის სახვითი ხელოვნების გამოჩენილი ოსტატი, ცნობილი როგორც მშვენიერი პორტრეტი. ნახატში "დიმიტრი დონსკოი კულიკოვოს მინდორზე" (1805 წ. რუსეთის მუზეუმი) მისი პირველი ფერწერული პორტრეტი ("A. K. Schwalbe", 1804, იქვე), დაწერილი "რემბრანდტის" მანერით. ჩელიშჩევის მიერ შესრულებული ბიჭის პორტრეტი (დაახლოებით 1810-11), მეუღლეების ფ.ვ. და ე.პ. როსტოპჩინების (1809) და ვ.ს. და დ. მისი პორტრეტი ახალგაზრდა ა.ს. პუშკინი ერთ-ერთი საუკეთესოა რომანტიული იმიჯის შესაქმნელად.

ნამუშევრებში აისახა რეალისტური სტილი ვ.ა. ტროპინინი. ტროპინინის ადრეული პორტრეტები (1813 და 1815 წწ. გრაფ მორკოვის საოჯახო პორტრეტები, ორივე ტრეტიაკოვის გალერეაში), ტაკოვისა და ა. ს. პუშკინის 1827 წლის ცნობილ პორტრეტში (ა. იყო ყმების ტყვეობაში. ამიტომ, ალბათ, უბრალო ადამიანების სახეები ისეთი სუფთაა, ისე შთაგონებული მის ტილოებზე. ხოლო მისი "მაქმანის" ახალგაზრდობა და ხიბლი უსაზღვროა. ყველაზე ხშირად, ვ.ა. ხალხი ("მაქმანი", "შვილის პორტრეტი" და ა.შ.).

ნახატები. კ.პ. ბრაილოვი "პომპეის უკანასკნელი დღე". სამი წლის შემდეგ ნახატმა "პომპეის ბოლო დღე" იტალიიდან რუსეთში ტრიუმფალური მოგზაურობა მოახდინა. ბრაილოვი მთელი თავისი მოღვაწეობით ასოცირდებოდა აკადემიასთან. ის ბოლო წლებში ავად იყო.

XIX საუკუნის პირველ ნახევარში. ცხოვრობდა და მოღვაწეობდა მხატვარი ალექსანდრე ანდრეევიჩ ივანოვი (1806-1858 წწ.). მან მთელი თავისი შემოქმედებითი ცხოვრება მიუძღვნა ხალხის სულიერი გამოღვიძების იდეას, განასახიერა იგი ნახატში "ქრისტეს გამოჩენა ხალხში". ნახატზე 20 წელზე მეტი მუშაობდა.

XIX საუკუნის პირველ ნახევარში. რუსული მხატვრობა მოიცავს ყოველდღიურ სიუჟეტს. ერთ-ერთი პირველი, ვინც მას დაუკავშირდა, იყო ალექსეი გავრილოვიჩი ვენეციანოვი (1780-1847 წწ.). მან თავისი ნამუშევარი მიუძღვნა გლეხების ცხოვრების ასახვას. თუმცა, ვენეციანოვის ნახატები "კალო", "მოსავლის დროს. ზაფხული“, „სახნავ მიწაზე. გაზაფხული“, „გლეხი ქალი სიმინდის ყვავილებით“, „ზახარკა“, „მიწის მესაკუთრის დილა“, რომელიც ასახავს ჩვეულებრივი რუსი ხალხის სილამაზესა და კეთილშობილებას, ემსახურებოდა ადამიანის ღირსების დადასტურებას, მიუხედავად მისი სოციალური სტატუსისა.

მისი ტრადიციები გაგრძელდა პაველ ანდრეევიჩ ფედოტოვი (1815-1852 წწ.). მისი ტილოები რეალისტურია, სავსეა სატირული შინაარსით, რომელიც ამხელს საზოგადოების ელიტის დაქირავებულ მორალს, ცხოვრებასა და წეს-ჩვეულებებს („მაიორის მაჭანკლობა“, „ახალი კავალერი“ და სხვ.). მან დაიწყო სატირის კარიერა, როგორც გვარდიის ოფიცერი. მერე ჯარის ცხოვრების სასაცილო, ბოროტი ჩანახატები გააკეთა. 1848 წელს მისი ნახატი "ახალი კავალერი" წარმოდგენილი იყო აკადემიურ გამოფენაზე. კომედიური და სატირული ხასიათისაა ფედოტოვის სხვა ნახატებიც („არისტოკრატის საუზმე“, „მაიორის მაჭანკლობა“). მისი ბოლო ნახატები ძალიან სევდიანია ("წამყვანი, მეტი წამყვანი!", "ქვრივი").

34. კარლ ბრაილოვი.ბრაილოვი კარლ პავლოვიჩი (Briulov Karl) (1799-1852), რუსი მხატვარი. ბრაილოვი დაიბადა 1799 წლის 12 დეკემბერს (23) დეკემბერს სანკტ-პეტერბურგში მოქანდაკე-კვეთის და მინიატურების მხატვრის რუსიფიცირებულ გერმანულ ოჯახში. 1809-1821 წლებში სწავლობდა სამხატვრო აკადემიაში, კერძოდ, ისტორიული ჟანრის მხატვარ ანდრეისთან. ივანოვიჩ ივანოვი. 1821 წელს კარლ ბრაილოვს მიენიჭა აკადემიის ოქროს მედალი ნახატისთვის: "სამი ანგელოზის გამოჩენა აბრაამს მამრეს მუხასთან" და უფლება, გაეგრძელებინა სწავლა იტალიაში ფერწერაში საჯარო ხარჯებით. 1823-1835 წლებში ბრაილოვი მუშაობდა იტალიაში, რომელმაც განიცადა ღრმა გავლენა უძველესი, ისევე როგორც იტალიური რენესანსულ-ბაროკოს ხელოვნებაზე. ბრაილოვის იტალიური ნახატები გამსჭვალულია სენსუალური ეროტიკით (იტალიური შუადღე, 1827, რუსეთის მუზეუმი, სანკტ-პეტერბურგი; ბათშება, 1832, ტრეტიაკოვის გალერეა); ამ პერიოდში საბოლოოდ ჩამოყალიბდა მისი, როგორც შემქმნელის საჩუქარი. ბრაილოვი ასევე მოქმედებს როგორც საერო პორტრეტის ოსტატი, რომელიც თავის სურათებს აქცევს კაშკაშა, „ზეციური“ სილამაზის სამყაროებად („ცხენოსანი“ ან ცხენოსანი პორტრეტი გ. და ა. პაჩინი, 1832, ტრეტიაკოვის გალერეა). დიდი ისტორიული თემებისკენ მიისწრაფვის, 1830 წელს, ვეზუვიუსის ამოფრქვევის შედეგად განადგურებული ძველი რომაული ქალაქის გათხრების ადგილზე, ბრაილოვი იწყებს მუშაობას ნახატზე "პომპეის ბოლო დღე". მრავალფიგურიანი ტრაგიკული ტილო რომანტიზმისთვის დამახასიათებელ ერთ-ერთ „კატასტროფულ ნახატად“ იქცევა.

ცხენოსანი, იტალიური შუადღე, პომპეის ბოლო დღე, ნარცისი წყალში იყურება, ინესა დე კასტროს სიკვდილი, 1834 წ.

ბრაილოვის ნახატი "პომპეის ბოლო დღე" (დასრულებულია 1833 წელს და ინახება რუსეთის მუზეუმში) იწვევს სენსაციას როგორც რუსეთში (სადაც A.S. პუშკინი, N.V. გოგოლი, A.I. Herzen და სხვა მწერლები ენთუზიაზმით წერენ ამის შესახებ), ასევე საზღვარგარეთ. სადაც მხატვრის ეს ნამუშევარი შეფასებულია, როგორც რუსული მხატვრობის სკოლის პირველი დიდი საერთაშორისო წარმატება. 1835 წელს მხატვარი დაბრუნდა სამშობლოში, როგორც ცოცხალი კლასიკოსი. გზად საბერძნეთსა და თურქეთს ეწვია, ბრაილოვი ქმნის აღმოსავლეთ ხმელთაშუა ზღვის უამრავ პოეტურ სურათს. იმპერატორ ნიკოლოზ I-ის წინადადებით რუსეთის ისტორიას მიუბრუნდა, ბრაილოვი წერს შტეფან ბატორის მიერ ფსკოვის ალყას (1836–1843, ტრეტიაკოვის გალერეა), თუმცა ვერ მიაღწია ეპოსს (მიუხედავად ესკიზებში არაერთი გასაოცარი ნახატიანი აღმოჩენისა). მისი იტალიური შედევრის მთლიანობა. რუსეთში დაბრუნებისთანავე, ბრაილოვის მონუმენტური დიზაინის პროექტებმა შემოქმედების მნიშვნელოვანი სფეროს შექმნა დაიწყო, სადაც მან შეძლო ორგანულად გაეერთიანებინა დეკორატორისა და დრამატურგის ნიჭი (ესკიზები ფრესკებისთვის პულკოვოს ობსერვატორიაში, 1839–1845; ესკიზები და ჩანახატები. ანგელოზთა და წმინდანთა წმინდა ისაკის ტაძრისთვის.

ბრაილოვი მოქმედებს როგორც პორტრეტებში მისი სურათების სრული ოსტატი. შეკვეთით დამზადებულ ნივთებშიც კი (როგორიცაა „გრაფინია იულია სამოილოვას პორტრეტი, რომელიც ტოვებს ბურთს პაჩინის ნაშვილებ ქალიშვილთან ერთად“, დაახლოებით 1842 წ., რუსეთის მუზეუმი), ფერების მომხიბლავი ბრწყინვალება და მიზანსცენები, უპირველეს ყოვლისა, გამოიყურება. ხელოვნების ტრიუმფი. კიდევ უფრო მოდუნებული, ფსიქოლოგიურად გულწრფელი ფერებში და ქიაროსკუროში არის ხელოვნების ადამიანების გამოსახულებები (პოეტი ნ.ვ. კუკოლნიკი, 1836; მოქანდაკე ი.პ. ვიტალი, 1837; ფაბულისტი ი.ა. კრილოვი, 1839; მწერალი და კრიტიკოსი ა.ნ. ), მათ შორის ცნობილი მელანქოლიური ავტოპორტრეტი (1848, იქვე). სულ უფრო სუსტი ავადმყოფობისგან, 1849 წლიდან ბრაილოვი ცხოვრობს კუნძულ მადეირაზე, ხოლო 1850 წლიდან იტალიაში.

პაველ ფედოტოვი

ფედოტოვი პაველ ანდრეევიჩი (ფედოტოვ პავლე) (1815-1852), გამოჩენილი რუსი მხატვარი და მხატვარი. დაიბადა მოსკოვში 1815 წლის 22 ივნისს, ხარიტონიის სამრევლოში, ოგოროდნიკში. მამამისს პატარა ხის სახლი ჰქონდა; ის ღარიბი კაცი იყო, ოჯახი დიდი იყო, ბავშვები, მათ შორის პავლუშიც, განსაკუთრებული მეთვალყურეობის გარეშე იზრდებოდნენ. თერთმეტი წლის პაველ ფედოტოვი გაგზავნეს კადეტთა კორპუსში. ბიჭის შესაძლებლობები ბრწყინვალე იყო, მისი მეხსიერება არაჩვეულებრივი იყო და ხელისუფლებას შეეძლო მხოლოდ შერცხვენა იმით, რომ ფედოტოვის სავარჯიშო წიგნების მიდამოებში იყო მასწავლებლებისა და მცველების პორტრეტების მთელი კოლექცია და, გარდა ამისა, კარიკატურის სახით. მას შემდეგ, რაც დაიწყო სამხედრო სამსახური სანკტ-პეტერბურგში ფინელი გვარდიის გრენადერთა პოლკის პრაპორშჩიკით, ფედოტოვი აკეთებს მუსიკას, თარგმნის გერმანულიდან, წერს ეპიგრამებს მეგობრებისა და ამხანაგებისთვის და მათზე ხატავს კარიკატურებს.

არისტოკრატის საუზმე, 1851, ახალი კავალერი, 1848, მაიორის შეყვარება, 1848, რჩეული პატარძალი, 1847 წ.

პაველ ფედოტოვს არავითარი საშუალება არ გააჩნდა და თანამებრძოლებს ქეიფობით ვერ სწვდებოდა. ბევრი დარწმუნების შემდეგ, პაველ ფედოტოვმა გადაწყვიტა სამსახური დაეტოვებინა და პენსიაზე გავიდა თვეში 28 რუბლი 60 კაპიკი. ფედოტოვი საცხოვრებლად ვასილიევსკის კუნძულზე გადავიდა, დიასახლისისგან პატარა ოთახი იქირავა და სამხატვრო აკადემიაში შევიდა. მოსკოვში ფედოტოვები ცუდად ცხოვრობდნენ: იქიდან მათ ფულის გაგზავნით აწუხებდნენ.

ივან ანდრეევიჩ კრილოვი - შემთხვევით ნახა ფედოტოვის ესკიზები და, მიუხედავად მთელი სიზარმაცისა, წერილიც კი მისწერა მხატვარს, მოუწოდა მას სამუდამოდ დაეტოვებინა ცხენები და ჯარისკაცები და დაეწყო რეალურ საქმეს - ჟანრს. ერთი მხატვარი მგრძნობიარედ გამოიცნო მეორე; ფედოტოვმა დაუჯერა ფაბულისტს და დატოვა აკადემია. 1847 წელს მხატვარმა დახატა პირველი სურათი, რომელიც ფედოტოვმა გადაწყვიტა წარედგინა პროფესორთა სასამართლოს. ამ სურათს ერქვა "ახალი კავალერი". კიდევ უფრო უახლესი გავლენა იგრძნობა სხვა ნახატზე, "საარჩევნო პატარძალი", რომელიც დაწერილია ცნობილი კრილოვის ზღაპრის ტექსტზე. 1849 წლის გამოფენაზე ეს ორი ნახატი პირველად გამოჩნდა და ახალი, ბევრად უფრო სრულყოფილი. - "მაიორის შეყვარება". ბოლო სურათისთვის მხატვარს აკადემიკოსის წოდება მიენიჭა. მან მხატვარს და მატერიალური კეთილდღეობა მოუტანა, მაგრამ, სამწუხაროდ, ბედი მხატვარს ძალიან გვიან დაეხმარა. დაძაბულმა ნერვულმა ცხოვრებამ და უბედურმა სიყვარულმა ხელი შეუწყო მასში სერიოზული ფსიქიკური დაავადების განვითარებას. ფედოტოვი ფსიქიატრიულ საავადმყოფოში მოთავსდა და იქ დაასრულა თავისი სევდიანი არსებობა, ხანდახან სტუმრობდნენ მეგობრები, ხან თვინიერი, ხან მოძალადე.

მხატვარი 1852 წლის 18 ნოემბერს დაკრძალეს და თაყვანისმცემელთა დიდი ბრბო მის კუბოს გაჰყვა. ტიროდა და მოკლეს მის საფლავზე უფრო მეტად, ვიდრე ყველა მისი ბეტმენი კორშუნოვი. ფედოტოვის შემდეგ რამდენიმე ნახატი დარჩა. ნახატი „ქვრივი“ ორიგინალის გამეორებაა. პაველ ანდრეევიჩ ფედოტოვი შეიძლება უსაფრთხოდ დადგეს ფერწერის ახალი მიმართულების სათავეში: მხატვარმა აღმოაჩინა ჩვენი ჟანრის მხატვრების ციკლი, რომელმაც განსაკუთრებით ნათელი განვითარება მიიღო პეროვისა და ვლადიმერ მაკოვსკის პიროვნებაში.

რუსული სახვით ხელოვნებას ახასიათებდა რომანტიზმი და რეალიზმი. თუმცა, ოფიციალურად აღიარებული მეთოდი იყო კლასიციზმი. სამხატვრო აკადემია გახდა კონსერვატიული და ინერტული ინსტიტუტი, რომელიც აფერხებდა შემოქმედებითი თავისუფლების ნებისმიერ მცდელობას. მან მოითხოვა მკაცრად დაიცვას კლასიციზმის კანონები, წაახალისა ნახატების დაწერა ბიბლიურ და მითოლოგიურ თემებზე. ახალგაზრდა ნიჭიერი რუსი მხატვრები არ იყვნენ კმაყოფილი აკადემიზმის ჩარჩოებით. ამიტომ ხშირად მიმართავდნენ პორტრეტის ჟანრს.
ეროვნული აღმავლობის ეპოქის რომანტიკული იდეალები ხორცშესხმული იყო ფერწერაში. უარყვეს კლასიციზმის მკაცრი პრინციპები, რომლებიც არ უშვებდნენ გადახრებს, მხატვრებმა აღმოაჩინეს მათ გარშემო არსებული სამყაროს მრავალფეროვნება და ორიგინალობა. ეს არა მხოლოდ აისახა უკვე ნაცნობ ჟანრებში - პორტრეტი და პეიზაჟი, არამედ ბიძგი მისცა ყოველდღიური მხატვრობის დაბადებას, რომელიც საუკუნის მეორე ნახევრის ოსტატების ყურადღების ცენტრში იყო. ამასობაში პირველობა ისტორიულ ჟანრს დარჩა. ეს იყო კლასიციზმის უკანასკნელი თავშესაფარი, თუმცა აქაც რომანტიული იდეები და თემები იმალებოდა ფორმალურად კლასიცისტური „ფასადის“ მიღმა.
რომანტიზმი - (ფრანგ. romantisme), იდეოლოგიური და მხატვრული მიმართულება ევროპულ და ამერიკულ სულიერ კულტურაში მე-18-ის ბოლოს - 1-ლი ნახევრის. მე-19 საუკუნეები ასახავს იმედგაცრუებას მე-18 საუკუნის ბოლოს საფრანგეთის რევოლუციის შედეგებში, განმანათლებლობისა და სოციალური პროგრესის იდეოლოგიაში. რომანტიზმი უპირისპირებდა უტილიტარიზმს და ინდივიდის ნიველირებას შეუზღუდავი თავისუფლებისა და „უსასრულოსკენ“ სწრაფვას, სრულყოფისა და განახლების წყურვილს, პიროვნული და სამოქალაქო დამოუკიდებლობის პათოსს. იდეალურ და სოციალურ რეალობას შორის მტკივნეული უთანხმოება არის რომანტიული მსოფლმხედველობისა და ხელოვნების საფუძველი. პიროვნების სულიერი და შემოქმედებითი ცხოვრების თანდაყოლილი ღირებულების მტკიცება, ძლიერი ვნებების გამოსახულება, ძლიერი ვნებების გამოსახულება, სულიერი და სამკურნალო ბუნება, ბევრი რომანტიკოსისთვის - პროტესტისა თუ ბრძოლის გმირები მიმდებარედ არიან "სამყაროს" მოტივებთან. მწუხარება“, „მსოფლიო ბოროტება“, სულის „ღამის“ მხარე, ირონიის ფორმებით შემოსილი, ორი სამყაროს გროტესკული პოეტიკა. ინტერესი ეროვნული წარსულის მიმართ (ხშირად მისი იდეალიზაცია), საკუთარი და სხვა ხალხების ფოლკლორისა და კულტურის ტრადიციები, სამყაროს უნივერსალური სურათის შექმნის სურვილი (პირველ რიგში ისტორია და ლიტერატურა), ხელოვნების სინთეზის იდეა გამოხატულია. რომანტიზმის იდეოლოგია და პრაქტიკა.
ვიზუალურ ხელოვნებაში რომანტიზმი ყველაზე მკაფიოდ გამოიხატა ფერწერასა და გრაფიკაში, ნაკლებად მკაფიოდ ქანდაკებასა და არქიტექტურაში (მაგალითად, ცრუ გოთიკა). რომანტიზმის ეროვნული სკოლების უმეტესობა ვიზუალურ ხელოვნებაში განვითარდა ოფიციალურ აკადემიურ კლასიციზმის წინააღმდეგ ბრძოლაში.
ოფიციალური სახელმწიფო კულტურის წიაღში შესამჩნევია „ელიტარული“ კულტურის ფენა, რომელიც ემსახურება მმართველ კლასს (არისტოკრატიას და სამეფო კარს) და განსაკუთრებული მიდრეკილება აქვს უცხოური სიახლეების მიმართ. საკმარისია გავიხსენოთ ო.კიპრენსკის, ვ.ტროპინინის, კ.ბრაილოვის, ა.ივანოვის და მე-19 საუკუნის სხვა მთავარი მხატვრების რომანტიკული მხატვრობა.
კიპრენსკი ორესტ ადამოვიჩი, რუსი მხატვარი. რუსული რომანტიზმის სახვითი ხელოვნების გამოჩენილი ოსტატი, ცნობილი როგორც მშვენიერი პორტრეტი. ნახატში "დიმიტრი დონსკოი კულიკოვოს ველზე" (1805, რუსეთის მუზეუმი) მან აჩვენა დარწმუნებული ცოდნა აკადემიური ისტორიული სურათის კანონების შესახებ. მაგრამ ადრეულ პერიოდში, ის სფერო, სადაც მისი ნიჭი ყველაზე ბუნებრივად და ბუნებრივად ვლინდება, არის პორტრეტი. მისი პირველი ფერწერული პორტრეტი (“A. K. Schwalbe”, 1804, იქვე), დაწერილი “რემბრანდტისეული” მანერით, გამოირჩევა გამოხატული და დრამატული სინათლისა და ჩრდილის სისტემით. წლების განმავლობაში მისი უნარი - რომელიც გამოიხატა უპირველეს ყოვლისა უნიკალური ინდივიდუალურად დამახასიათებელი გამოსახულებების შექმნის უნარში, ამ მახასიათებლის გასახსნელად სპეციალური პლასტიკური საშუალებების არჩევით - ძლიერდება. შთამბეჭდავი სიცოცხლისუნარიანობით სავსე: ა.ა. ჩელიშჩევის ბიჭის პორტრეტი (დაახლოებით 1810-11), მეუღლეების ფ. ვ. და ე. პ. როსტოპჩინის (1809 წ.) და ვ. ს. და დ. მხატვარი სულ უფრო მეტად თამაშობს ფერების და შუქ-ჩრდილების კონტრასტების, ლანდშაფტის ფონის, სიმბოლური დეტალების შესაძლებლობებს („E. S. Avdulina“, დაახლოებით 1822, იქვე). მხატვარმა იცის, როგორ გააკეთოს თუნდაც დიდი საზეიმო პორტრეტები ლირიკულად, თითქმის მჭიდროდ მოდუნებული („ცხოვრების ჰუსარის პოლკოვნიკი ევგრაფ დავიდოვის პორტრეტი“, 1809, რუსეთის მუზეუმი). მისი პორტრეტი ახალგაზრდა ა.ს. პუშკინი ერთ-ერთი საუკეთესოა რომანტიული იმიჯის შესაქმნელად. კიპრენსკის პუშკინი გამოიყურება საზეიმო და რომანტიული, პოეტური დიდების ჰალოში. - შენ მე მაამებ, ორესტე, - ამოისუნთქა პუშკინმა და მზა ტილოს დახედა. კიპრენსკი იყო ასევე ვირტუოზი მხატვარი, რომელიც ქმნიდა (ძირითადად იტალიური ფანქრისა და პასტელის ტექნიკით) გრაფიკული ოსტატობის მაგალითებს, ხშირად აჭარბებდა მის ფერწერულ პორტრეტებს ღია, ამაღელვებლად მსუბუქი ემოციურობით. ეს არის ყოველდღიური ტიპები ("ბრმა მუსიკოსი", 1809, რუსეთის მუზეუმი; "კალმიჩკა ბაიაუსტა", 1813, ტრეტიაკოვის გალერეა) და 1812 წლის სამამულო ომის მონაწილეთა ფანქრის პორტრეტების ცნობილი სერია (ნახატები, რომლებიც ასახავს ე.ი. ჩაპლიცს, ა.რ. ტომილოვას. , P. A. Olenina, იგივე ნახატი პოეტ ბატიუშკოვთან და სხვებთან ერთად, 1813-15, ტრეტიაკოვის გალერეა და სხვა კრებულები); გმირული დასაწყისი აქ იძენს გულწრფელ კონოტაციას. ესკიზებისა და ტექსტური მტკიცებულებების დიდი რაოდენობა აჩვენებს, რომ მხატვარი მთელი თავისი სიმწიფის პერიოდის განმავლობაში მიისწრაფოდა დიდი (მისი სიტყვებით რომ ვთქვათ 1834 წელს ა. ნ. ოლენინისადმი მიწერილი წერილიდან), „სანახაობრივი, ან, რუსულად, გასაოცარი და ჯადოსნური სურათის შექმნისკენ. “, სადაც ევროპის ისტორიის შედეგები, ისევე როგორც რუსეთის ბედი, ალეგორიული სახით იქნება გამოსახული. "გაზეთების მკითხველები ნეაპოლში" (1831, ტრეტიაკოვის გალერეა) - გარეგნულად მხოლოდ ჯგუფური პორტრეტი - სინამდვილეში, არსებობს ფარულად სიმბოლური პასუხი ევროპაში რევოლუციურ მოვლენებზე.
თუმცა, ყიპრენსკის თვალწარმტაცი ალეგორიებიდან ყველაზე ამბიციური დარჩა შეუსრულებელი ან გაქრა (როგორც "ანაკრეონის საფლავი", დასრულდა 1821 წელს). ამასთან, ამ რომანტიკულმა ძიებებმა მიიღო ფართომასშტაბიანი გაგრძელება კ.პ. ბრაილოვისა და ა.ა.ივანოვის შემოქმედებაში.
რეალისტური მანერა აისახა V.A.-ს შემოქმედებაში. ტროპინინი. ტროპინინის ადრეული პორტრეტები, შეზღუდულ ფერებში დახატული (1813 და 1815 წლების გრაფ მორკოვის ოჯახის პორტრეტები, ორივე ტრეტიაკოვის გალერეაში), კვლავ მთლიანად განმანათლებლობის ეპოქის ტრადიციას მიეკუთვნება: მოდელი არის გამოსახულების უპირობო და სტაბილური ცენტრი. მათ. მოგვიანებით, ტროპინინის ნახატის შეღებვა უფრო ინტენსიური ხდება, ტომი, როგორც წესი, უფრო მკაფიოდ და სკულპტურულად არის ჩამოყალიბებული, მაგრამ რაც მთავარია, ინსინუაციურად იზრდება ცხოვრების მოძრავი ელემენტების წმინდა რომანტიული გრძნობა, რომლის მხოლოდ ნაწილი ჩანს პორტრეტის გმირი. იყოს ფრაგმენტი ("ბულახოვი", 1823; "კ. გ. რავიჩი" , 1823; ავტოპორტრეტი, დაახლ. 1824; სამივე - იქვე). ასეთია პუშკინი 1827 წლის ცნობილ პორტრეტში (ა. გამოსახულება უხილავი ჰალოებით. მან ასევე დახატა ა.ს. პუშკინი. სანამ მაყურებელი ცხოვრებისეული გამოცდილებით ბრძენი გამოჩნდება, არც ისე ბედნიერი ადამიანი. ტროპინინის პორტრეტში პოეტი შინაურულად მომხიბვლელია. ტროპინინის ნამუშევრებიდან მომდინარეობს რაღაც განსაკუთრებული ძველმოსკოვური სითბო და კომფორტი. 47 წლამდე მონობაში იყო. ამიტომ, ალბათ, უბრალო ადამიანების სახეები ისეთი სუფთაა, ისე შთაგონებული მის ტილოებზე. მისი „მაქმანის“ ახალგაზრდობა და ხიბლი კი უსაზღვროა. ყველაზე ხშირად, V.A. ტროპინინი ხალხის გამოსახულებას მიუბრუნდა ("მაქმანი", "შვილის პორტრეტი" და სხვ.).
რუსული სოციალური აზროვნების მხატვრული და იდეოლოგიური ძიებანი, ცვლილებების მოლოდინი აისახა კ.პ. ბრაილოვი "პომპეის ბოლო დღე" და ა.ა. ივანოვი "ქრისტეს გამოჩენა ხალხში".
დიდი ხელოვნების ნიმუშია კარლ პავლოვიჩ ბრაილოვის (1799-1852) ნახატი "პომპეის ბოლო დღე". 1830 წელს რუსი მხატვარი კარლ პავლოვიჩ ბრაილოვი ეწვია უძველესი ქალაქ პომპეის გათხრებს. ის დადიოდა უძველეს ტროტუარებზე, აღფრთოვანებული იყო ფრესკებით და 79 წლის აგვისტოს ის ტრაგიკული ღამე მის წარმოსახვაში ამოვიდა. ე., როდესაც ქალაქი დაფარული იყო გაღვიძებული ვეზუვიუსის წითლად გახურებული ფერფლით და პემზათი. სამი წლის შემდეგ, ნახატმა "პომპეის ბოლო დღე" იტალიიდან რუსეთში ტრიუმფალური მოგზაურობა გააკეთა. მხატვარმა აღმოაჩინა საოცარი ფერები უძველესი ქალაქის ტრაგედიის გამოსასახად, რომელიც კვდებოდა ვეზუვის ამოფრქვევის ლავასა და ფერფლის ქვეშ. სურათი გამსჭვალულია მაღალი ჰუმანისტური იდეალებით. ეს გვიჩვენებს ხალხის სიმამაცეს, მათ თავგანწირვას, რომელიც გამოვლინდა საშინელი კატასტროფის დროს. ბრაილოვი სამხატვრო აკადემიიდან მივლინებით იმყოფებოდა იტალიაში. ამ საგანმანათლებლო დაწესებულებაში კარგად იყო ჩამოყალიბებული სწავლება ფერწერისა და ხატვის ტექნიკაში. თუმცა აკადემიამ ცალსახად გაამახვილა ყურადღება ძველ მემკვიდრეობაზე და გმირულ თემებზე. აკადემიური მხატვრობა გამოირჩეოდა დეკორატიული ლანდშაფტით, საერთო კომპოზიციის თეატრალურობით. სცენები თანამედროვე ცხოვრებიდან, ჩვეულებრივი რუსული პეიზაჟი მხატვრის ფუნჯის უღირსად ითვლებოდა. კლასიციზმმა ფერწერაში მიიღო აკადემიური სახელი. ბრაილოვი მთელი თავისი მოღვაწეობით ასოცირდებოდა აკადემიასთან.
მას გააჩნდა მძლავრი ფანტაზია, მახვილი თვალი და ერთგული ხელი - და ქმნიდა ცოცხალ ქმნილებებს, რომლებიც შეესაბამება აკადემიზმის კანონებს. ჭეშმარიტად პუშკინის მადლით მან შეძლო ტილოზე აღებეჭდა შიშველი ადამიანის სხეულის სილამაზე და მზის სხივის კანკალი მწვანე ფოთოლზე. მისი ტილოები "ცხენოსანი", "ბათშება", "იტალიური დილა", "იტალიური შუადღე", მრავალი საზეიმო და ინტიმური პორტრეტი სამუდამოდ დარჩება რუსული მხატვრობის უცვლელ შედევრებად. თუმცა, მხატვარი ყოველთვის მიზიდული იყო დიდი ისტორიული თემებისკენ, კაცობრიობის ისტორიაში მნიშვნელოვანი მოვლენების ასახვისკენ. მისი ბევრი გეგმა ამ კუთხით არ განხორციელებულა. ბრაილოვს არასოდეს დაუტოვებია ეპიკური ტილოს შექმნის იდეა რუსეთის ისტორიის შეთქმულების საფუძველზე. ის იწყებს ნახატს "ფსკოვის ალყა მეფე სტეფან ბატორის ჯარების მიერ". იგი ასახავს 1581 წლის ალყის კულმინაციას, როდესაც ფსკოვის მეომრებმა და. ქალაქის მოსახლეობა თავს დაესხა პოლონელებს, რომლებიც ქალაქში შეიჭრნენ და კედლებს მიღმა გადააგდეს. მაგრამ სურათი დაუმთავრებელი დარჩა და ჭეშმარიტად ეროვნული ისტორიული ნახატების შექმნის ამოცანა შეასრულა არა ბრაულოვმა, არამედ რუსი მხატვრების შემდეგი თაობის მიერ. იმავე ასაკში, როგორც პუშკინმა, ბრაილოვმა მას 15 წლით გადააჭარბა. ის ბოლო წლებში ავად იყო. იმ დროს დახატული ავტოპორტრეტიდან გვიყურებს წითური მამაკაცი ნატიფი თვისებებით და მშვიდი, დაფიქრებული მზერით.
XIX საუკუნის პირველ ნახევარში. ცხოვრობდა და მოღვაწეობდა მხატვარი ალექსანდრე ანდრეევიჩ ივანოვი (1806-1858). მან მთელი თავისი შემოქმედებითი ცხოვრება მიუძღვნა ხალხის სულიერი გამოღვიძების იდეას, განასახიერა იგი ნახატში "ქრისტეს გამოჩენა ხალხში". 20 წელზე მეტი ხნის განმავლობაში მუშაობდა ნახატზე "ქრისტეს გამოჩენა ხალხში", რომელშიც ჩადო თავისი ნიჭის მთელი ძალა და სიკაშკაშე. მისი გრანდიოზული ტილოს წინა პლანზე იოანე ნათლისმცემლის გაბედული ფიგურა იპყრობს თვალს, რომელიც ხალხს ქრისტეს მოახლოებაზე მიუთითებს. მისი ფიგურა მოცემულია მანძილზე. ჯერ არ მოსულა, მოდის, აუცილებლად მოვა, ამბობს მხატვარი. და სახეები და სულები, ვინც ელოდება მაცხოვარს, ანათებს, განწმენდს. ამ სურათზე მან აჩვენა, როგორც ი.ე. რეპინმა მოგვიანებით თქვა, „ჩაგრული ხალხი, თავისუფლების სიტყვის წყურვილი“.
XIX საუკუნის პირველ ნახევარში. რუსული მხატვრობა მოიცავს ყოველდღიურ სიუჟეტს.
ერთ-ერთმა პირველმა მას მიმართა ალექსეი გავრილოვიჩ ვენეციანოვმა (1780-1847). მან თავისი ნამუშევარი მიუძღვნა გლეხების ცხოვრების ასახვას. ის აჩვენებს ამ ცხოვრებას იდეალიზებულ, მორთულ ფორმაში, ხარკს უხდის მაშინდელ მოდურ სენტიმენტალიზმს. თუმცა, ვენეციანოვის ნახატები "კალო", "მოსავლის დროს. ზაფხული“, „სახნავ მიწაზე. გაზაფხული“, „გლეხი ქალი სიმინდის ყვავილებით“, „ზახარკა“, „მიწის მესაკუთრის დილა“, რომელიც ასახავს ჩვეულებრივი რუსი ხალხის სილამაზესა და კეთილშობილებას, ემსახურებოდა ადამიანის ღირსების დადასტურებას, მიუხედავად მისი სოციალური სტატუსისა.
მისი ტრადიციები განაგრძო პაველ ანდრეევიჩ ფედოტოვმა (1815-1852). მისი ტილოები რეალისტურია, სავსეა სატირული შინაარსით, ამხელს საზოგადოების ელიტის კომერციულ მორალს, ცხოვრებასა და წეს-ჩვეულებებს („მაიორის მაჭანკლობა“, „ახალი კავალერი“ და სხვ.). მან დაიწყო თავისი კარიერა, როგორც სატირული მხატვარი, როგორც დაცვის ოფიცერი. მერე ჯარის ცხოვრების სასაცილო, ბოროტი ჩანახატები გააკეთა. 1848 წელს მისი ნახატი "ახალი კავალერი" წარმოდგენილი იყო აკადემიურ გამოფენაზე. ეს იყო გაბედული დაცინვა არა მხოლოდ სულელური, თვითკმაყოფილი ბიუროკრატიის, არამედ აკადემიური ტრადიციების მიმართ. ჭუჭყიანი ხალათი, რომელიც სურათის მთავარ გმირს ეცვა, ძალიან ჰგავდა ანტიკვარული ტოგას. ბრაილოვი დიდხანს იდგა ტილოს წინ, შემდეგ კი ნახევრად ხუმრობით ნახევრად სერიოზულად უთხრა ავტორს: „გილოცავ, დამამარცხე“. კომედიური და სატირული ხასიათისაა ფედოტოვის სხვა ნახატებიც („არისტოკრატის საუზმე“, „მაიორის მაჭანკლობა“). მისი ბოლო ნახატები ძალიან სევდიანია ("წამყვანი, მეტი წამყვანი!", "ქვრივი"). თანამედროვეებმა სწორად შეადარეს P.A. ფედოტოვი მხატვრობაში ნ.ვ. გოგოლი ლიტერატურაში. ფეოდალური რუსეთის ჭირის გამოვლენა პაველ ანდრეევიჩ ფედოტოვის შემოქმედების მთავარი თემაა.

XIX საუკუნის მეორე ნახევრის რუსული მხატვრობა

მე-19 საუკუნის მეორე ნახევარი გამოირჩეოდა რუსული სახვითი ხელოვნების აყვავებით. იგი იქცა ჭეშმარიტად დიდ ხელოვნებად, რომელიც გამსჭვალულია ხალხის განმათავისუფლებელი ბრძოლის პათოსით, პასუხობს ცხოვრების მოთხოვნებს და აქტიურად ირევა ცხოვრებაში. ვიზუალურ ხელოვნებაში საბოლოოდ დამკვიდრდა რეალიზმი - ხალხის ცხოვრების ჭეშმარიტი და ყოვლისმომცველი ასახვა, თანასწორობისა და სამართლიანობის საფუძველზე ამ ცხოვრების აღდგენის სურვილი.
ახალი რუსული მხატვრობის შეგნებული შემობრუნება დემოკრატიული რეალიზმის, ეროვნების, თანამედროვეობისკენ აღინიშნა 50-იანი წლების ბოლოს, ქვეყანაში რევოლუციურ ვითარებასთან ერთად, რაზნოჩინცი ინტელიგენციის სოციალური სიმწიფით, ჩერნიშევსკის, დობროლიუბოვის რევოლუციური განმანათლებლობით. , სალტიკოვ-შჩედრინი, ნეკრასოვის ხალხის მოყვარული პოეზიით. ჩერნიშევსკიმ „გოგოლის პერიოდის ნარკვევებში“ (1856 წ.) დაწერა: „თუ მხატვრობა ახლა ზოგადად საკმაოდ სავალალო მდგომარეობაშია, ამის მთავარ მიზეზად უნდა ჩაითვალოს ამ ხელოვნების გაუცხოება თანამედროვე მისწრაფებებისგან“. იგივე იდეა იყო ციტირებული ჟურნალ Sovremennik-ის ბევრ სტატიაში.
ხელოვნების ცენტრალური თემა იყო ხალხი, არა მარტო ჩაგრული და ტანჯული, არამედ ხალხიც - ისტორიის შემქმნელი, ხალხ-მებრძოლი, ყოველივე საუკეთესოს შემქმნელი, რაც არის ცხოვრებაში.
ხელოვნებაში რეალიზმის მტკიცება მოხდა ჯიუტ ბრძოლაში ოფიციალურ მიმართულებასთან, რომელსაც წარმოადგენდა სამხატვრო აკადემიის ხელმძღვანელობა. აკადემიის მუშაკებმა თავიანთ სტუდენტებს შთააგონეს მოსაზრება, რომ ხელოვნება სიცოცხლეზე მაღალია, მხატვრების შემოქმედებას მხოლოდ ბიბლიური და მითოლოგიური თემები წამოაყენეს.
მაგრამ მხატვრობა უკვე იწყებდა თანამედროვე მისწრაფებებს - პირველ რიგში მოსკოვში. მოსკოვის სკოლა არ სარგებლობდა პეტერბურგის სამხატვრო აკადემიის პრივილეგიების მეათედიც კი, მაგრამ ნაკლებად იყო დამოკიდებული მის ფესვგადგმულ დოგმებზე, მასში ატმოსფერო უფრო ცოცხალი იყო. მართალია სკოლაში მასწავლებლები ძირითადად აკადემიკოსები არიან, მაგრამ აკადემიკოსები საშუალო და მერყევი არიან, მათ არ დათრგუნეს თავიანთი ავტორიტეტი, როგორც ეს გააკეთეს აკადემიაში ფ. ბრუნში, ძველი სკოლის სვეტში, რომელიც ერთ დროს ეჯიბრებოდა ბრაილოვს ნახატით. "სპილენძის გველი".
1862 წელს პეტერბურგის სამხატვრო აკადემიის საბჭომ გადაწყვიტა ყველა ჟანრის უფლებების გათანაბრება, ისტორიული მხატვრობის პრიმატის გაუქმება. ოქროს მედალი ახლა გადაეცა სურათის თემის მიუხედავად, მხოლოდ მისი დამსახურების გათვალისწინებით. თუმცა აკადემიის კედლებში არსებული „თავისუფლებები“ დიდხანს არ გაგრძელებულა.
1863 წელს, აკადემიურ კონკურსში მონაწილე ახალგაზრდა მხატვრებმა შეიტანეს პეტიცია „მიცემული თემის გარდა, მათთვის, ვისაც ეს სურს, თავისუფლად აირჩიონ საგნები“. აკადემიის საბჭომ უარი თქვა. რაც შემდეგ მოხდა, რუსული ხელოვნების ისტორიაში „თოთხმეტის აჯანყებას“ უწოდებენ. ისტორიული კლასის თოთხმეტი მოსწავლეს არ სურდა დაეწერა ნახატები შემოთავაზებულ თემაზე სკანდინავიური მითოლოგიიდან - "დღესასწაული ვალგაალში" და გამომწვევად შეიტანა შუამდგომლობა - დაეტოვებინათ აკადემია. სემინარებისა და ფულის გარეშე აღმოჩნდნენ, აჯანყებულები გაერთიანდნენ ერთგვარ კომუნაში - ჩერნიშევსკის მიერ აღწერილი კომუნების მსგავსი რომანში რა არის გასაკეთებელი? - მხატვართა არტელი, რომელსაც ხელმძღვანელობდა მხატვარი ივან ნიკოლაევიჩ კრამსკოი. არტელის მუშები იღებდნენ შეკვეთებს სხვადასხვა ხელოვნების ნიმუშების შესასრულებლად, ცხოვრობდნენ ერთ სახლში, იკრიბებოდნენ საერთო ოთახში სასაუბროდ, ნახატების განხილვისთვის და წიგნების კითხვისთვის.
არტელი შვიდი წლის შემდეგ დაშორდა. ამ დროისთვის, 70-იან წლებში, მხატვრის გრიგორი გრიგორიევიჩ მიასოედოვის ინიციატივით, წარმოიშვა ასოციაცია - მხატვრული მობილური ჩანართების ასოციაცია, მხატვრების პროფესიული და კომერციული ასოციაცია, რომლებიც იდგნენ მჭიდრო იდეოლოგიურ პოზიციებზე.
მოხეტიალეთა ასოციაცია, მრავალი გვიანდელი ასოციაციისგან განსხვავებით, ყოველგვარი დეკლარაციისა და მანიფესტის გარეშე აკეთებდა. მის წესდებაში მხოლოდ ნათქვამია, რომ პარტნიორობის წევრებმა თავიანთი მატერიალური საქმეები თავად უნდა აწარმოონ, ამ მხრივ არავისზე არ იყვნენ დამოკიდებული, ასევე თავად მოაწყონ გამოფენები და წაიყვანონ ისინი სხვადასხვა ქალაქებში („გადაიტანონ“ ისინი რუსეთში) გაცნობის მიზნით. ქვეყანა რუსული ხელოვნებით. ორივე ამ პუნქტს მნიშვნელოვანი მნიშვნელობა ჰქონდა, რაც ამტკიცებდა ხელოვნების დამოუკიდებლობას ხელისუფლებისგან და მხატვრების ნებას ფართო კომუნიკაცია მოეხდინათ არა მხოლოდ დედაქალაქის ხალხთან. პარტნიორობის შექმნაში და მისი წესდების შემუშავებაში მთავარი როლი, კრამსკოის გარდა, ეკუთვნოდა მიასოედოვს, გეს - პეტერბურგელებს, ხოლო მოსკოველებს - პეროვს, პრიანიშნიკოვს, სავრასოვს.
„მოხეტიალეები“ გაერთიანდნენ „აკადემიურობის“ უარყოფაში მისი მითოლოგიით, დეკორატიული პეიზაჟებითა და პომპეზური თეატრალიზებით. მათ სურდათ ცოცხალი ცხოვრების წარმოჩენა. მათ შემოქმედებაში წამყვანი ადგილი ჟანრულ (ყოველდღიურ) სცენებს ეკავა. გლეხობა განსაკუთრებული სიმპათიით სარგებლობდა მოხეტიალეთა მიმართ. მათ აჩვენეს მისი საჭიროება, ტანჯვა, დაჩაგრული პოზიცია. იმ დროს - 60-70-იან წლებში. XIX საუკუნე - ხელოვნების იდეოლოგიური მხარე უფრო მეტად ფასობდა, ვიდრე ესთეტიკური. მხოლოდ დროთა განმავლობაში ახსოვდათ მხატვრებს მხატვრობის თანდაყოლილი ღირებულება.
ალბათ ყველაზე დიდი ხარკი იდეოლოგიას მიუძღვნა ვასილი გრიგორიევიჩ პეროვმა (1834-1882). საკმარისია გავიხსენოთ მისი ნახატები, როგორიცაა "პოლიციელის ჩამოსვლა გამოძიებისთვის", "ჩაის სვამს მიტიშჩიში". პეროვის ზოგიერთი ნაწარმოები გამსჭვალულია ნამდვილი ტრაგედიით ("ტროიკა", "მოხუცი მშობლები შვილის საფლავზე"). პეროვმა დახატა თავისი ცნობილი თანამედროვეების არაერთი პორტრეტი (ოსტროვსკი, ტურგენევი, დოსტოევსკი).
"მოხეტიალეების" ზოგიერთმა ტილომ, რომელიც დახატულია ცხოვრებიდან ან რეალური სცენების შთაბეჭდილების ქვეშ, გაამდიდრა ჩვენი წარმოდგენები გლეხური ცხოვრების შესახებ. კოროვინის ნახატი "მსოფლიოზე" გვიჩვენებს შეტაკებას სოფლის შეხვედრაზე მდიდარსა და ღარიბ კაცს შორის. ვ.მ.მაქსიმოვმა დაიპყრო ოჯახის დაყოფის გაბრაზება, ცრემლები და მწუხარება. გლეხის შრომის საზეიმო ზეიმი ასახულია G. G. Myasoedov- ის ნახატში "Mowers".
კრამსკოის შემოქმედებაში მთავარი ადგილი პორტრეტმა დაიკავა. მან დახატა გონჩაროვი, სალტიკოვ-შჩედრინი, ნეკრასოვი. მას ეკუთვნის ლეო ტოლსტოის ერთ-ერთი საუკეთესო პორტრეტი. მწერლის მზერა არ ტოვებს მაყურებელს, რა წერტილიდანაც არ უნდა შეხედოს ტილოს. კრამსკოის ერთ-ერთი ყველაზე ძლიერი ნამუშევარია ნახატი "ქრისტე უდაბნოში".
მოხეტიალეთა პირველმა გამოფენამ, რომელიც გაიხსნა 1871 წელს, დამაჯერებლად აჩვენა ახალი მიმართულების არსებობა, რომელიც ყალიბდებოდა 60-იანი წლების განმავლობაში. მას მხოლოდ 46 ექსპონატი ჰყავდა (აკადემიის მოცულობითი გამოფენებისგან განსხვავებით), მაგრამ საგულდაგულოდ შერჩეული და მიუხედავად იმისა, რომ გამოფენა არ იყო განზრახ პროგრამული, მთლიანი დაუწერელი პროგრამა საკმაოდ ნათლად გამოიყურებოდა. წარმოდგენილი იყო ყველა ჟანრი – ისტორიული, ყოველდღიური ცხოვრება, პეიზაჟის პორტრეტი – და მაყურებელს შეეძლო განეხილა, თუ რა მოუტანა მათ „მოხეტიალეებმა“. მხოლოდ ქანდაკებას არ გაუმართლა (იყო ერთი და მაშინაც ფ. კამენსკის ცოტა ღირსშესანიშნავი ქანდაკება), მაგრამ ხელოვნების ამ სახეობას დიდი ხნის განმავლობაში, ფაქტობრივად, საუკუნის მთელი მეორე ნახევარი „უიღბლო“.
90-იანი წლების დასაწყისისთვის მოსკოვის სკოლის ახალგაზრდა მხატვრებს შორის იყვნენ ისეთებიც, ვინც ღირსეულად და სერიოზულად აგრძელებდა სამოქალაქო მოხეტიალე ტრადიციას: ს. ივანოვი თავისი ნახატების სერიით ემიგრანტებზე, ს. კოროვინი - ავტორი ნახატი „მსოფლიოზე“, სადაც საინტერესოა და გააზრებულად ვლინდება რეფორმამდელი სოფლის დრამატული (ნამდვილად დრამატული!) შეჯახებები. მაგრამ ისინი არ ადგენდნენ ტონს: ახლოვდებოდა ხელოვნების სამყარო, რომელიც თანაბრად შორს იყო მოხეტიალეთა და აკადემიისგან. როგორ გამოიყურებოდა აკადემია მაშინ? გაქრა მისი მხატვრული ყოფილი მკაცრი დამოკიდებულებები, აღარ დაჟინებით მოითხოვდა ნეოკლასიციზმის მკაცრ მოთხოვნებს, ჟანრების ყბადაღებულ იერარქიას, საკმაოდ ტოლერანტული იყო ყოველდღიური ჟანრის მიმართ, ამჯობინებდა მხოლოდ „ლამაზი“ ყოფილიყო და არა „მუჟიკი“ ( „ლამაზი“ არააკადემიური ნაწარმოებების მაგალითი - სცენები მაშინდელი პოპულარული ს. ბაკალოვიჩის უძველესი ცხოვრებიდან). უმეტესწილად, არააკადემიური წარმოება, ისევე როგორც სხვა ქვეყნებში, იყო ბურჟუაზიული სალონი, მისი "სილამაზე" - ვულგარული სილამაზით. მაგრამ არ შეიძლება ითქვას, რომ მან არ წამოაყენა ნიჭი: ზემოხსენებული გ.სემირადსკი იყო ძალიან ნიჭიერი, ვ. სმირნოვი, რომელიც ადრე გარდაიცვალა (რომელმაც მოახერხა შთამბეჭდავი დიდი ნახატის „ნერონის სიკვდილი“ შექმნა); არ შეიძლება უარვყოთ ა. სვედომსკის და ვ. კოტარბინსკის მხატვრობის გარკვეული მხატვრული ღირსებები. ამ მხატვრების შესახებ, მიიჩნიეს მათ "ელინის სულისკვეთების" მატარებლებად, რეპინი მოწონებით ლაპარაკობდა მის შემდგომ წლებში, მათ შთაბეჭდილება მოახდინეს ვრუბელზე, ისევე როგორც აივაზოვსკი, ასევე "აკადემიური" მხატვარი. მეორე მხრივ, სემირადსკის გარდა, აკადემიის რეორგანიზაციის პერიოდში, გადამწყვეტად ლაპარაკობდა ყოველდღიური ჟანრის სასარგებლოდ და პოზიტიურ მაგალითებად ასახელებდა პეროვს, რეპინს და ვ. მაიაკოვსკის. ასე რომ, "მოხეტიალეებს" და აკადემიას შორის იყო საკმარისი გაქრობის წერტილები და აკადემიის მაშინდელი ვიცე-პრეზიდენტი ი.ი. ტოლსტოის, რომლის ინიციატივითაც მასწავლებლად გამოიძახეს წამყვანი „მოხეტიალეები“.
მაგრამ მთავარი, რაც სამხატვრო აკადემიის, უპირველეს ყოვლისა, საგანმანათლებლო დაწესებულების როლს სრულებით არ აკლებს საუკუნის მეორე ნახევარში, არის უბრალო ფაქტი, რომ მისი კედლებიდან ბევრი გამოჩენილი ხელოვანი გამოვიდა. ეს არის რეპინი, სურიკოვი, პოლენოვი, ვასნეცოვი, მოგვიანებით - სეროვი და ვრუბელი. უფრო მეტიც, მათ არ გაიმეორეს „თოთხმეტის აჯანყება“ და, როგორც ჩანს, ისარგებლეს მათი შეგირდობით.
ნახატის, კონსტრუქციული ფორმის პატივისცემა რუსულ ხელოვნებაშია ფესვგადგმული. რუსული კულტურის ზოგადი ორიენტაცია რეალიზმისკენ გახდა ჩისტიაკოვის მეთოდის პოპულარობის მიზეზი - ასე თუ ისე, რუსი მხატვრები სეროვამდე, ნესტეროვამდე და ვრუბელამდე პატივს სცემდნენ "ფორმის ურყევ მარადიულ კანონებს" და უფრთხილდებოდნენ "დემატერიალიზაციას". “ ან ფერადი ამორფული ელემენტის დამორჩილება, რაც არ უნდა უყვარდეს ფერი.
აკადემიაში მიწვეულ მოხეტიალეებს შორის იყო ორი ლანდშაფტის მხატვარი - შიშკინი და კუინჯი. სწორედ ამ დროს დაიწყო პეიზაჟის ჰეგემონია ხელოვნებაში როგორც დამოუკიდებელი ჟანრი, სადაც მეფობდა ლევიტანი და როგორც ყოველდღიური, ისტორიული და ნაწილობრივ პორტრეტული მხატვრობის თანაბარი ელემენტი. სტასოვის პროგნოზებისგან განსხვავებით, რომელიც თვლის, რომ ლანდშაფტის როლი შემცირდება, 1990-იან წლებში ის გაიზარდა ისე, როგორც არასდროს. ლირიკული „განწყობის პეიზაჟი“ ჭარბობდა, რომელიც სავრასოვსა და პოლენოვის შტოს უძღვებოდა.
მოხეტიალეებმა ნამდვილი აღმოჩენები გააკეთეს ლანდშაფტის ფერწერაში. ალექსეი კონდრატიევიჩ სავრასოვმა (1830-1897) მოახერხა უბრალო რუსული პეიზაჟის სილამაზისა და დახვეწილი ლირიზმის ჩვენება. მისმა ნახატმა "The Rooks Have Arrived" (1871) ბევრი თანამედროვე აიძულა ახალი შეხედვა მშობლიურ ბუნებაზე.
ფიოდორ ალექსანდროვიჩ ვასილიევმა (1850-1873) ხანმოკლე ცხოვრება გაატარა. მისმა ნამუშევრებმა, თავიდანვე შეწყვეტილმა, გაამდიდრა საშინაო მხატვრობა მრავალი დინამიური, ამაღელვებელი პეიზაჟებით. მხატვარი განსაკუთრებით წარმატებული იყო ბუნებაში გარდამავალ მდგომარეობებში: მზიდან წვიმამდე, სიმშვიდიდან ქარიშხალამდე.
ივან ივანოვიჩ შიშკინი (1832-1898) გახდა რუსული ტყის მომღერალი, რუსული ბუნების ეპიკური გრძედი. არქიპ ივანოვიჩ კუინჯი (1841-1910) იზიდავდა სინათლისა და ჰაერის თვალწარმტაცი თამაში. მთვარის იდუმალი შუქი იშვიათ ღრუბლებში, ცისკრის წითელი ანარეკლი უკრაინული ქოხების თეთრ კედლებზე, დახრილი დილის სხივები, რომლებიც ნისლს არღვევენ და ტალახიან გზაზე გუბეებში თამაშობენ - ეს და მრავალი სხვა თვალწარმტაცი აღმოჩენაა აღბეჭდილი. მისი ტილოები.
მე-19 საუკუნის რუსული ლანდშაფტის მხატვრობამ პიკს მიაღწია სავრასოვის მოსწავლის ისააკ ილიჩ ლევიტანის (1860-1900) შემოქმედებაში. ლევიტანი მშვიდი, წყნარი პეიზაჟების ოსტატია, ძალიან მორცხვი, მორცხვი და დაუცველი ადამიანი, მას შეეძლო მხოლოდ ბუნებასთან განმარტოებული დასვენება, საყვარელი პეიზაჟის განწყობით გამსჭვალული.
ერთხელ ის მივიდა ვოლგაში მზის, ჰაერისა და მდინარის სივრცის დასახატავად. მაგრამ მზე არ იყო, გაუთავებელი ღრუბლები ცოცავდნენ ცაზე და მოსაწყენი წვიმები შეწყდა. მხატვარი ნერვიულობდა მანამ, სანამ ამ ამინდში არ ჩაითრია და არ აღმოაჩინა რუსული უამინდობის იასამნისფერი ფერების განსაკუთრებული ხიბლი. მას შემდეგ ზემო ვოლგა, პროვინციული ქალაქი პლესი, მტკიცედ შევიდა მის საქმიანობაში. იმ მხარეებში მან შექმნა თავისი "წვიმიანი" ნამუშევრები: "წვიმის შემდეგ", "ბნელი დღე", "მარადიული მშვიდობის ზემოთ". იქვე მოხატული საღამოს მშვიდი პეიზაჟები: „საღამო ვოლგაზე“, „საღამო. ოქროს მიღწევა“, „საღამოს ზარი“, „მშვიდი სამყოფელი“.
სიცოცხლის ბოლო წლებში ლევიტანმა ყურადღება გაამახვილა ფრანგი იმპრესიონისტი მხატვრების შემოქმედებაზე (ე. მანე, ს. მონე, ს. პისარო). მიხვდა, რომ მათთან ბევრი საერთო ჰქონდა, მათი შემოქმედებითი ძიებაც იმავე მიმართულებით მიდიოდა. მათ მსგავსად, მან ამჯობინა მუშაობა არა სტუდიაში, არამედ ჰაერში (ღია ცის ქვეშ, როგორც მხატვრები ამბობენ). მათ მსგავსად, მან გაანათა პალიტრა, განდევნა მუქი, მიწიერი ფერები. მათ მსგავსად, ის ცდილობდა დაეჭირა ყოფიერების დროებითი, გადმოეცა სინათლისა და ჰაერის მოძრაობები. ამით ისინი მასზე შორს წავიდნენ, მაგრამ მათ თითქმის დაშალეს სამგანზომილებიანი ფორმები (სახლები, ხეები) მსუბუქი ჰაერის ნაკადებში. ის ამას მოერიდა.
”ლევიტანის ნახატებს ნელი გამოკვლევა სჭირდება,” - წერს მისი ნამუშევრების დიდი მცოდნე, კ.გ. ისინი მოკრძალებული და ზუსტია, როგორც ჩეხოვის მოთხრობები, მაგრამ რაც უფრო დიდხანს უყურებ მათ, მით უფრო ტკბილი ხდება პროვინციული დასახლებების, ნაცნობი მდინარეების და სოფლის გზების სიჩუმე.
XIX საუკუნის მეორე ნახევარში. ი.ე.რეპინის, ვ.ი.სურიკოვისა და ვ.ა.სეროვის შემოქმედებითი აყვავება.
ილია ეფიმოვიჩ რეპინი (1844-1930) დაიბადა ქალაქ ჩუგუევში, სამხედრო დევნილის ოჯახში. მან მოახერხა სამხატვრო აკადემიაში შესვლა, სადაც მისი მასწავლებელი გახდა პ. რეპინმაც ბევრი რამ ისწავლა კრამსკოიისგან. 1870 წელს ახალგაზრდა მხატვარი იმოგზაურა ვოლგის გასწვრივ. მოგზაურობიდან ჩამოტანილი არაერთი ჩანახატი გამოიყენა ნახატზე "ბარგები ვოლგაზე" (1872). მან საზოგადოებაზე ძლიერი შთაბეჭდილება მოახდინა. ავტორი მაშინვე გადავიდა ყველაზე ცნობილი ოსტატების რიგებში.
რეპინი ძალიან მრავალმხრივი მხატვარი იყო. მის ფუნჯს ეკუთვნის მონუმენტური ჟანრის არაერთი ნახატი. ალბათ არანაკლებ შთამბეჭდავია, ვიდრე "ბარჟის მატარებლები" დამზადებულია "რელიგიური მსვლელობა კურსკის პროვინციაში". კაშკაშა ცისფერი ცა, მზის მიერ გაჟღენთილი გზის მტვრის ღრუბლები, ჯვრებისა და ჟილეტების ოქროსფერი ნათება, პოლიცია, უბრალო ხალხი და ინვალიდი - ყველაფერი ჯდება ამ ტილოზე: რუსეთის სიდიადე, ძალა, სისუსტე და ტკივილი.
რეპინის ბევრ ნახატში შეეხო რევოლუციურ თემებს ("აღიარებაზე უარი", "არ დაელოდნენ", "პროპაგანდისტის დაპატიმრება"). რევოლუციონერები მის ნახატებში უბრალოდ და ბუნებრივად არიან შენახული, გაურბიან თეატრალურ პოზებსა და ჟესტებს. ნახატში „აღიარებაზე უარი“, მსჯავრდებულმა, თითქოს განზრახ, ხელები მკლავებში ჩამალა. მხატვარი აშკარად თანაუგრძნობდა მისი ნახატების გმირებს.
რეპინის არაერთი ნახატი ისტორიულ თემებზეა დაწერილი („ივანე მრისხანე და მისი ვაჟი ივანე“, „კაზაკები, რომლებიც წერენ წერილს თურქეთის სულთანს“ და სხვ.). რეპინმა შექმნა პორტრეტების მთელი გალერეა. მან დახატა - მეცნიერების (პიროგოვი და სეჩენოვი), - მწერლების ტოლსტოის, ტურგენევისა და გარშინის პორტრეტები, - კომპოზიტორები გლინკა და მუსორგსკი, - მხატვრები კრამსკოი და სურიკოვი. XX საუკუნის დასაწყისში. მან მიიღო შეკვეთა ნახატზე "სახელმწიფო საბჭოს საზეიმო სხდომა". მხატვარმა მოახერხა არა მხოლოდ ტილოზე დამსწრეთა ამხელა რაოდენობის დადება, არამედ ბევრი მათგანის ფსიქოლოგიური აღწერაც. მათ შორის იყვნენ ისეთი ცნობილი ფიგურები, როგორიცაა S.Yu. ვიტი, კ.პ. პობედონოსცევი, პ.პ. სემენოვი ტიან-შანსკი. სურათზე ძნელად შესამჩნევია, მაგრამ ნიკოლოზ II ძალიან დახვეწილად არის დაწერილი.
ვასილი ივანოვიჩ სურიკოვი (1848-1916) დაიბადა კრასნოიარსკში, კაზაკთა ოჯახში. მისი ნამუშევრების აყვავება მოდის 80-იან წლებში, როდესაც მან შექმნა სამი ყველაზე ცნობილი ისტორიული ნახატი: "სტრელცის სიკვდილით დასჯის დილა", "მენშიკოვი ბერეზოვში" და "ბოიარ მოროზოვა".
სურიკოვმა კარგად იცოდა წარსული ეპოქის ცხოვრება და წეს-ჩვეულებები, მან იცოდა როგორ მიეცეს ნათელი ფსიქოლოგიური მახასიათებლები. გარდა ამისა, იგი იყო შესანიშნავი კოლორისტი (ფერების ოსტატი). საკმარისია გავიხსენოთ კაშკაშა სუფთა, ცქრიალა თოვლი ნახატში "ბოიარ მოროზოვა". თუმცა, თუ ტილოსთან მიახლოების მიზნით, თოვლი, როგორც ეს იყო, "იშლება" ლურჯი, ლურჯი, ვარდისფერი შტრიხებით. ფერწერის ეს ტექნიკა, როდესაც ორი ან სამი განსხვავებული შტრიხი შორს ერწყმის და სასურველ ფერს აძლევს, ფართოდ გამოიყენეს ფრანგი იმპრესიონისტები.
ვალენტინ ალექსანდროვიჩ სეროვი (1865-1911), კომპოზიტორის ვაჟი, ხატავდა პეიზაჟებს, ტილოებს ისტორიულ თემებზე, მუშაობდა თეატრის მხატვრად. მაგრამ დიდებამ მას, უპირველეს ყოვლისა, პორტრეტები მოუტანა.
1887 წელს 22 წლის სეროვი ისვენებდა აბრამცევოში, ქველმოქმედის ს.ი. მამონტოვის მოსკოვის მახლობლად მდებარე აგარაკზე. მის მრავალშვილიან შვილებს შორის ახალგაზრდა მხატვარი იყო მისი კაცი, მათი რბოლის მონაწილე. ერთხელ, სადილის შემდეგ, სასადილო ოთახში შემთხვევით ორი ადამიანი შეჩერდა - სეროვი და 12 წლის ვერუშა მამონტოვა. ისინი ისხდნენ მაგიდასთან, რომელზეც ატამი იყო დატოვებული და საუბრის დროს ვერუშამ ვერ შეამჩნია, როგორ დაიწყო მხატვარმა მისი პორტრეტის დახატვა. სამუშაო ერთი თვე გაჭიანურდა და ვერუშა გაბრაზდა, რომ ანტონი (როგორც სახლში სეროვს ეძახდნენ) აიძულებდა საათობით მჯდარიყო სასადილო ოთახში.
სექტემბრის დასაწყისში "გოგონა ატმებით" დასრულდა. მიუხედავად მისი მცირე ზომისა, ვარდის ოქროს ტონებში შეღებილი სურათი ძალიან „ფართო“ ჩანდა. მასში ბევრი სინათლე და ჰაერი იყო. გოგონა, რომელიც მაგიდასთან თითქოს წუთით დაჯდა და მზერა მნახველს მიაჩერდა, სიცხადითა და სულიერებით მოჯადოებული. დიახ, და მთელი ტილო დაფარული იყო ყოველდღიური ცხოვრების წმინდა ბავშვური აღქმით, როდესაც ბედნიერება თავისთავად არ იცის და წინ მთელი ცხოვრებაა.
„აბრამცევოს“ სახლის მცხოვრებნი, რა თქმა უნდა, მიხვდნენ, რომ მათ თვალწინ სასწაული მოხდა. მაგრამ მხოლოდ დრო იძლევა საბოლოო შეფასებებს. მან „გოგონა ატმებით“ რუსულ და მსოფლიო ხელოვნებაში საუკეთესო პორტრეტულ ნამუშევრებს შორის დაასახელა.
მომდევნო წელს სეროვმა თითქმის მოახერხა თავისი მაგიის გამეორება. მან დახატა თავისი დის მარია სიმონოვიჩის პორტრეტი („მზით განათებული გოგონა“). სახელი ცოტათი არაზუსტი იყო: გოგონა ჩრდილში ზის, ხოლო ფონზე გამწვანებული დილის მზის სხივებით არის განათებული. მაგრამ სურათზე ყველაფერი იმდენად ერთიანია, ისე ერთიანი - დილა, მზე, ზაფხული, ახალგაზრდობა და სილამაზე - რომ ძნელია უკეთესი სახელის მოფიქრება.
სეროვი გახდა მოდური პორტრეტის მხატვარი. მის წინ პოზიორობდნენ ცნობილი მწერლები, მხატვრები, მხატვრები, მეწარმეები, არისტოკრატები, მეფეებიც კი. როგორც ჩანს, ყველას არ დაუწერია, მისი სული იყო. ზოგიერთი მაღალი საზოგადოების პორტრეტი, ფილიგრანული ტექნიკით, ცივი აღმოჩნდა.
რამდენიმე წლის განმავლობაში სეროვი ასწავლიდა მოსკოვის ფერწერის, ქანდაკებისა და არქიტექტურის სკოლაში. მომთხოვნი მასწავლებელი იყო. ფერწერის გაყინული ფორმების მოწინააღმდეგე სეროვი, ამავე დროს, თვლიდა, რომ შემოქმედებითი ძიება უნდა ეფუძნებოდეს ხატვისა და ფერწერული წერის ტექნიკის მყარ ოსტატობას. ბევრი გამოჩენილი ოსტატი თავს სეროვის სტუდენტად თვლიდა. ეს არის M.S. სარიანი, კ.ფ. იუონი, პ.ვ. კუზნეცოვი, K.S. პეტროვ-ვოდკინი.
რეპინის, სურიკოვის, ლევიტანის, სეროვის, „მოხეტიალეების“ მრავალი ნახატი აღმოჩნდა ტრეტიაკოვის კოლექციაში. პაველ მიხაილოვიჩ ტრეტიაკოვი (1832-1898), ძველი მოსკოვის სავაჭრო ოჯახის წარმომადგენელი, უჩვეულო პიროვნება იყო. გამხდარი და მაღალი, ბუჩქოვანი წვერით და მშვიდი ხმით, უფრო წმინდანს ჰგავდა, ვიდრე ვაჭარს. რუსი მხატვრების ნახატების შეგროვება მან 1856 წელს დაიწყო. ჰობი მისი ცხოვრების მთავარ საქმედ გადაიზარდა. 90-იანი წლების დასაწყისში. კოლექციამ მიაღწია მუზეუმის დონეს და შთანთქა კოლექციონერის თითქმის მთელი ქონება. მოგვიანებით ის მოსკოვის საკუთრება გახდა. ტრეტიაკოვის გალერეა გახდა რუსული ფერწერის, გრაფიკისა და ქანდაკების მსოფლიოში ცნობილი მუზეუმი.
1898 წელს პეტერბურგში, მიხაილოვსკის სასახლეში (კ. როსის შემოქმედება) გაიხსნა რუსეთის მუზეუმი. მან მიიღო რუსი მხატვრების ნამუშევრები ერმიტაჟიდან, სამხატვრო აკადემიიდან და ზოგიერთი იმპერიული სასახლიდან. ამ ორი მუზეუმის გახსნამ, როგორც იქნა, დააგვირგვინა XIX საუკუნის რუსული მხატვრობის მიღწევები.

XIX საუკუნის პირველი ნახევრის რუსულ კულტურაში რომანტიზმს აქვს თავისი სპეციფიკა. რწმენა განმანათლებლობის იდეალების, პროგრესის, პიროვნების ელემენტარული უფლებებისადმი - ეს ყველაფერი ჯერ კიდევ აქტუალური იყო რუსეთის საზოგადოებრივ ცხოვრებაში საუკუნის პირველ ნახევარში.
ადამიანის გამოსახულებამ მიიღო ღრმა პოეტური განსახიერება XIX საუკუნის I მესამედის უდიდესი რუსი პორტრეტის მხატვრის შემოქმედებაში.
ორესტ ადამოვიჩ კიპრენსკი. (1782-1836 წწ.).
რომანტიკული პორტრეტის უდიდესი ოსტატი.
ყიპრენსკის პორტრეტებს რომ უყურებ, თითქოს თავისუფალ ადამიანებს ხედავ. ახალი ადამიანის ამ გრძნობის ასე გამოხატვა მისმა თანამედროვეებმა ვერც ერთმა ვერ მოახერხა.
კიპრენსკის ყველაზე მნიშვნელოვან ნამუშევრებს შორისაა სამხედროების პორტრეტები - მონაწილეები საუკუნის დასაწყისის ანტი-ნაპოლეონის კამპანიებში.

1809. დრო

ა.ა.-ს პორტრეტი ჩელიშჩევი. 1808 - 1809 წლის დასაწყისი GTG. ეხება ო.ა.-ის ადრეულ პერიოდს. კიპრენსკი.
რომანტიზმის ეპოქა ქმნის განსაკუთრებულ ურთიერთობას ბავშვობის კონცეფციასთან. თუ მე -18 საუკუნის პორტრეტების მხატვრები ჩვეულებრივ ასახავდნენ ბავშვს, როგორც პატარა ზრდასრულს, მაშინ რომანტიკოსებმა მასში დაინახეს პიროვნების განსაკუთრებული უნიკალური სამყარო, რომელიც ჯერ კიდევ სუფთა და მოზარდების მანკიერებით რჩებოდა.

გრაფინია ეკატერინა პეტროვნა როსტოპჩინას პორტრეტი. 1809. ტრეტიაკოვის გალერეა.
მის მიერ შექმნილი ზოგიერთი ქალის გამოსახულება განსაკუთრებული ხიბლით გამოირჩევა.
მას არ აქვს თანაბარი მე-19 საუკუნის მთელ მსოფლიო მხატვრობაში, სულიერი სილამაზის გამოხატვის ძალის თვალსაზრისით, თითქოს მოელის პუშკინის ტატიანას გამოსახულებას.

პეტერბურგში მცხოვრები კიპრენსკი დაუახლოვდა თავისი საუკუნის ყველაზე გამოჩენილ ადამიანებს.
რომანტიკულმა ტენდენციებმა კიპრენსკის შემოქმედებაში თავისი განსახიერება იპოვეს ცნობილი რუსი პოეტის V.A. ჟუკოვსკი.

პორტრეტი E.S. ავდულინა. 1822-1823 წწ.
- გვიანდელი კიპრენსკის ერთ-ერთი საუკეთესო ნამუშევარი.
მაყურებლის წინაშე ჩნდება, როგორც დიდი სულიერი დახვეწილობისა და კეთილშობილების მქონე ადამიანი, რომელიც ფლობს ღრმად დაფარულ შინაგან სამყაროს.

პუშკინის პორტრეტში მხატვარი ზუსტად გადმოსცემს პოეტის გარეგნობის თავისებურებებს, მაგრამ თანმიმდევრულად უარს ამბობს ყველაფერ ჩვეულებრივზე. ამოცანის ექსკლუზიურობის გაცნობიერება - დიდი პოეტის იმიჯის აღება, - ო.ა. კიპრენსკიმ ჰარმონიულად გააერთიანა რომანტიული თავისუფლების სული და მაღალი კლასიკის პათოსი.
შემოქმედებითი წვა.
« საკუთარ თავს სარკეში ვხედავ, მაგრამ ეს სარკე მაამებს».

ო.ა.კიპრენსკი. "Ავტოპორტრეტი". 1828 წ

ტროპინინი, ვასილი ანდრეევიჩი(1776-1857) - რუსი მხატვარი, აკადემიკოსი, პორტრეტის ოსტატი. წარმოშობით - ყმა. ტროპინინმა აკადემიის დასრულება ვერ შეძლო. გრაფმა მორკოვმა სწავლა შეწყვიტა 1804 წელს კუკავკას თავის უკრაინულ მამულში დაბარებით. ახალგაზრდა მხატვარი სახლის მხატვარი უნდა ყოფილიყო და ამავდროულად ეზოს კაცის მოვალეობაც შეასრულოს. 1821 წლიდან მუდმივად ცხოვრობდა მოსკოვში, სადაც მოიპოვა აღიარება და დიდება.
ტროპინინის მიერ შექმნილი ხალხის გამოსახულებები ფართოდ არის ცნობილი.

”ტროპინინს რამდენიმე მეტოქე ჰყავდა თვალწარმტაცი ნიჭით. 1818 წელს, როდესაც ის ჯერ კიდევ ყმა იყო და ბატონთან ერთად ცხოვრობდა უკრაინაში, კუკავკას მამულში, დახატა "შვილის პორტრეტი" - საოცარი თვალწარმტაცი მომხიბვლელობითა და წერის თავისუფალი მანერით. ქერა, გარუჯული ბიჭის ეს პორტრეტი ანათებს, ცხოვრობს და სუნთქავს. ამის შემდეგ, ტროპინინმა იმუშავა კიდევ ორმოცი წლის განმავლობაში, უკვდავყო უამრავი ადამიანი, შეიმუშავა პორტრეტის მეტ-ნაკლებად სტაბილური მეთოდები, გააუმჯობესა ტექნიკა, მაგრამ მისი შვილის პორტრეტი შეუდარებელი დარჩა, გარდა პუშკინის პორტრეტისა, დაწერილი იმავე წელს, როგორც კიპრენსკი და არ ჩამოუვარდება მას. ”(დმიტრიევა ნ.ა. ხელოვნების მოკლე ისტორია. გამოცემა III: XIX საუკუნის დასავლეთ ევროპის ქვეყნები; XIX საუკუნის რუსეთი. - M .: ხელოვნება, 1992 წ. ს. 198- 200.).

საუკეთესო ტროპინინის 1820-იანი წლების პორტრეტის მხატვრობის წრეში
ოდნავ აწეული ზედა ტუჩი პოეტის სახეს თავშეკავებული ანიმაციის ელფერს აძლევს.
იასამნისფერი მოსასხამი ფართო, ფხვიერი ნაკეცებითაა შემოსილი; პერანგის საყელო ფართო ღიაა, ცისფერი ჰალსტუხი შეკრული შემთხვევით.
შეღებვა პირდაპირი დაკვირვების სიახლეა. პერანგის თეთრი საყელოდან რეფლექსები დამაჯერებლადაა გადმოცემული, ხაზს უსვამს გამოსახული ადამიანის ნიკაპსა და შიშველ კისერს.

უკვე ცნობილმა მხატვარმა ტროპინინმა შექმნა საშინაო, ინტიმური პორტრეტი ჟანრული მხატვრობის ელემენტებით. როგორც წესი, ეს არის ადამიანის ნახევრად სიგრძის გამოსახულება, რომელიც აკეთებს თავის ჩვეულ ოკუპაციას.
ლამაზი ცბიერი გოგონა სავსეა მადლით, რომელსაც თანამედროვეები ესმით, როგორც განსაკუთრებული "სიამოვნება", როგორც რაღაც, რაც "გულს იმარჯვებს", მაგრამ "გონებით შეუძლებელია ამის გაგება".
იმ წელს, როდესაც სურათი დაიხატა, ვასილი ანდრეევიჩ ტროპინინი, გრაფ მორკოვის ყმა მხატვარი, თავისუფლება მიიღო. ის 47 წლის იყო. იმავე წელს მან სამხატვრო აკადემიაში გამოფინა თავისი „მაქმანი“, რომელმაც მაშინვე მოიპოვა პოპულარობა, რომელიც აქამდე არ მიუტოვებია.

ვენეციანოვი ალექსეი გავრილოვიჩი. 1780 - 1847 წწ.პირველი რუსი მხატვარი, რომელმაც შეგნებულად აირჩია ყოველდღიური ჟანრი თავისი შემოქმედების საფუძვლად.
სწორედ მას ეკუთვნის რუსულ ხელოვნებაში შინაური ჟანრის, როგორც ფერწერის დამოუკიდებელი სახეობის დამკვიდრების დამსახურება.
მან შეიმუშავა მრავალფიგურიანი ჟანრის მხატვრობის ფორმა, რომელშიც ლანდშაფტი ან ინტერიერი ხშირად დიდ როლს თამაშობს. ვენეციანოვმა ასევე პირველმა გაამახვილა ყურადღება ცალკეულ ხალხურ ტიპებზე. მისი ნახატი ეროვნული და დემოკრატიულია.

1811 წელს ავტოპორტრეტისთვის იგი სამხატვრო აკადემიამ „დანიშნულად“ აღიარა.

ვენეციანოვის პირველი ფუნდამენტური ნამუშევარი იყო ნახატი "ბეღელი", რომელმაც ახალი გზები გახსნა რუსულ ფერწერაში.

მხატვარმა შექმნა გლეხური ცხოვრების იდეალიზებული პოეტური სურათი. გარეთ მუშაობამ ვენეციანოვს საშუალება მისცა გამოეყენებინა დღის სინათლის ეფექტები და რთული პალიტრები.

ბრაილოვი კარლ პავლოვიჩი(1799-1852 წწ.). მხატვარი, მხატვარი. ისტორიული მხატვრობის ოსტატი, პორტრეტი, ჟანრის მხატვარი.
ის კლასიციზმის კანონების მკვდარობას გადალახავს გამოსახულების ცოცხალი გრძნობებით ავსების რომანტიული სურვილით.

რეალისტური პრინციპები ეფუძნება

სიცოცხლის ხალისი ანათებს, სიცოცხლის ხალისიანი და სისხლიანი განცდა, გარემოსთან შერწყმა. მზის სხივები ჭრის ვენახის ფოთლებს, სრიალებს გოგონას ხელებზე, სახეზე, ტანსაცმელზე; ქმნის ცოცხალი კავშირის ატმოსფეროს ადამიანსა და ბუნებას შორის. გოგონას სახე აბსოლუტურად რეგულარული თვისებებით და უზარმაზარი ცქრიალა თვალებით იდეალურად ლამაზია, ის თითქმის ფაიფურის ჩანს (ბრაილოვის ხშირი ეფექტი). გარეგნობის იტალიური ტიპი მაშინ სრულყოფილად ითვლებოდა და მხატვარი მას სიამოვნებით სცემს.

საზოგადოების კომიტეტმა, რომელმაც მიიღო "შუადღე", გულდასმით უსაყვედურა მხატვარს ისეთი მოდელის არჩევისთვის, რომელიც არ შეესაბამებოდა პეტერბურგის მცოდნეების კლასიკურ იდეალებს.

ეპიკურის ხაზი

ტრაგიკული ხაზი შემოქმედებაში
პომპეის ბოლო დღე. 1830-1833 წწ. დრო ზეთი ტილოზე. 465.5 x 651
პირველად რუსულ მხატვრობაში კლასიციზმი გაერთიანდა სამყაროს რომანტიკულ აღქმასთან. აღსანიშნავია, რომ კ.პ. ბრაილოვი მნიშვნელოვანი იყო ისტორიული რეალობის ჭეშმარიტებისთვის. მან შეისწავლა წერილობითი წყაროები პომპეის ტრაგედიის შესახებ (პლინიუს უმცროსი, ტაციტუსი), ასევე მეცნიერული კვლევები არქეოლოგიური გათხრების შესახებ.
მისი გმირები სიცოცხლის ბოლო მომენტში ავლენენ ადამიანურ ღირსებას და სულის სიდიადეს ბოროტების ბრმა ელემენტების წინაშე.
განსხვავებით იმისა, რასაც კლასიკურ ნახატებში ვხედავთ, აქ კომპოზიციური ცენტრი ენიჭება არა მთავარ ისტორიულ პერსონაჟს (რომელიც უბრალოდ არ არსებობს), არამედ გარდაცვლილ დედას, რომლის გვერდით ჯერ კიდევ ცოცხალი ბავშვია გამოსახული, საშინელებით შეპყრობილი. სიცოცხლისა და სიკვდილის საწინააღმდეგოდ ვლინდება ტილოს იდეა.

ამრიგად, ხალხი პირველად შევიდა რუსულ ისტორიულ მხატვრობაში, თუმცა ისინი საკმაოდ იდეალიზებულად იყო ნაჩვენები.

დიდი ჰერცოგინია ელენა პავლოვნას პორტრეტი ქალიშვილ მარიასთან ერთად. 1830. დრო საბოლოოდ, ბრაილოვი მივიდა დიდი ჰერცოგინიას იმიჯთან, რომელიც მოძრაობაში იყო. ამიერიდან დიდ პორტრეტებში ის გამოიყენებს ამ ტექნიკას, რაც ხელს უწყობს გამოსახულების ექსპრესიულობის ამაღლებას.

მხედარი. გრაფინია იუ.პ. სამოილოვა. 1832. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა
1830-იანი წლების დასაწყისისთვის კ.პ. ბრაულოვმა ერთ-ერთი წამყვანი ადგილი დაიკავა რუსულ და მთელ დასავლეთ ევროპის ხელოვნებაში. მისი, როგორც გამოჩენილი პორტრეტის ოსტატის პოპულარობა გააძლიერა იტალიაში დახატულმა ცხენოსანმა.
ბრაილოვის საზეიმო პორტრეტი-სურათი გამოირჩევა ინოვაციური მახასიათებლებით. მე-18 საუკუნის საზეიმო პორტრეტების გმირებისგან განსხვავებით, სადაც მთავარი ამოცანა იყო გამოსახული პიროვნების სოციალური პოზიციის და მისი სოციალური ღირსებების ხაზგასმა, ბრაილოვის გმირები, პირველ რიგში, აჩვენებენ სპონტანურობას, ახალგაზრდობას და სილამაზეს.

ყველაზე მშვიდი პრინცესას ელიზაბეტ პავლოვნა სალტიკოვას პორტრეტი, დაბადებული გრაფინია სტროგონოვა, მისი მშვიდი უდიდებულესობის პრინცი I.D. სალტიკოვი. 1841. დრო

გრაფინია იულია პავლოვნა სამოილოვას პორტრეტი, დაბადებული გრაფინია პალენი, რომელიც ტოვებს ბურთს თავის ნაშვილებ ქალიშვილთან ამაცილია პაჩინთან ერთად. 1842. დრო
კ.პ.-ის ბოლო მნიშვნელოვანი ნაშრომი. ბრაილოვი და მისი ერთ-ერთი საუკეთესო ნამუშევარი საზეიმო პორტრეტ-მხატვრობის ჟანრში, რომელიც გამოირჩევა ოპტიმისტური, რომანტიული განწყობით.
მხატვარმა თავისი ჰეროინი წარმოადგინა დედოფლის მასკარადის კოსტიუმში, ბრწყინვალე თეატრალური პირობითი ფარდის ფონზე, რომელიც მას აშორებს ბურთში მონაწილეებს.
ხაზს უსვამს მის დომინანტურ პოზიციას ხალხის ბრბოში, მისი ბუნების ექსკლუზიურობას.

ივანოვი ალექსანდრე ანდრეევიჩი(1806-1858) - მხატვარი, მხატვარი. ისტორიული მხატვრობის ოსტატი, პეიზაჟისტი, პორტრეტი. კრეატიულობა A.A. ივანოვი დგას მე -19 საუკუნის რუსული კულტურის სულიერი ძიების ცენტრში.

რუსული ისტორიული მხატვრობის უმაღლესი მიღწევა ასოცირდება ა.ივანოვის შემოქმედებასთან. პროფესორ ა.ი. ივანოვის ვაჟი, სწავლობდა ა.ხ.-ში, ბრწყინვალედ დაეუფლა კომპოზიციას და ხატვას (მამის გარდა, მისი მასწავლებლები იყვნენ იეგოროვი და შებუევი.

1824 წელს ივანოვმა დახატა პირველი დიდი ზეთის ნახატი - „პრიამი აქილევსს ჰექტორის სხეულს სთხოვს“ (TG), რისთვისაც მცირე ოქროს მედალი მიიღო. უკვე ამ ადრეულ ნაშრომში ივანოვი ავლენს ფსიქოლოგიური ექსპრესიულობისა და არქეოლოგიური სიზუსტის სურვილს. როდესაც სურათი გამოჩნდა გამოფენაზე, კრიტიკოსებმა აღნიშნეს მხატვრის ყურადღებიანი დამოკიდებულება ჰომეროსის ტექსტისადმი და სურათის პერსონაჟების ძლიერი გამოხატულება.

გამოფენაზე 1827 წ. გამოჩნდა ივანოვის მეორე ნახატი - "ჯოზეფ ახსნის მცხობელისა და ბატლერის ოცნებებს" (RM), რომელიც დაჯილდოვდა დიდი ოქროს მედლით მხატვართა წახალისების საზოგადოებისგან. აქ სახეების გამოხატულებამ და ფიგურების შეუდარებელმა პლასტიურობამ ბევრად გადააჭარბა "პრიამს", რაც მოწმობს მხატვრის განსაკუთრებულ ნიჭსა და მის სწრაფ განვითარებაზე. მუქ ფონზე განათებული ფიგურები ქანდაკებების შთაბეჭდილებას ტოვებენ. ჯოზეფის ანტიკური ტანსაცმლის გლუვი ნაკეცები საოცარი სრულყოფილებით არის განმარტებული. იოსები საშინელ ანგარიშს უგზავნის მცხობელს და მიუთითებს სიკვდილით დასჯის ამსახველ რელიეფზე, რომელიც მოჩუქურთმებულია დუქნის კედელზე. ბატლერი მოუთმენლად ელოდება კაშკაშა იმედით, რას იტყვის მასზე მკითხავი. მცხობელი და მერქანი ძმებს ჰგვანან, მით უფრო მკაფიოდ ჩნდება მათ სახეზე საპირისპირო გრძნობების გამოხატვა: სასოწარკვეთა და იმედი. ივანოვის მიერ შედგენილი ეგვიპტური რელიეფი აჩვენებს, რომ ის ჯერ კიდევ მაშინ იცნობდა ეგვიპტურ არქეოლოგიას და ჰქონდა სტილის მშვენიერი გრძნობა. ყველა თავის ადრეულ ნაშრომში ივანოვი ცდილობდა ძლიერი სულიერი მოძრაობებისკენ, რომელიც გამოხატული იყო უკიდურესად მკაფიო ფორმით.

თუმცა, ამ სურათმა თითქმის გამოიწვია ივანოვის კარიერის კოლაფსი, ასე ბრწყინვალედ დაიწყო. დუნდონის კედელზე აღსრულების გამოსახულება (ბარელიეფის სახით) ინტერპრეტირებული იყო, როგორც გაბედული მინიშნება ნიკოლოზ I-ის რეპრესიაზე დეკემბრისტებთან. ჰუდი ძლივს გადაურჩა ციმბირს. და მიუხედავად იმისა, რომ ივანოვი დიდი ოქროს მედლით დააჯილდოვეს, საზღვარგარეთ მისი მივლინების საკითხი გაჭიანურდა. მხატვართა წახალისების საზოგადოებამ, რომელსაც განზრახული ჰქონდა გაეგზავნა ივანოვი იტალიაში გასაუმჯობესებლად, გადაწყვიტა კიდევ ერთხელ გამოეცადა მისი შესაძლებლობები ახალი თემის დასახვით: ”ბელეროფონი მიდის ლაშქრობაში ქიმერას წინააღმდეგ” (1829, რუსეთის მუზეუმი).

მიუხედავად ამისა, საზღვარგარეთ მივლინებით დააჯილდოვეს. ამ დროს ივანოვი უკვე იყო რამდენიმე ნახატის ავტორი, დაასრულა უზარმაზარი ნახატები ანტიკური ქანდაკებებიდან - "Laocoön", "Venus Medicea", "Borghesian Fighter" (ყველა სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეაში), მრავალი ნახატი აკადემიური მჯდომარეებისგან. მისი ადრეული ალბომები ასევე შეიცავს უამრავ ჩანახატს ფანქრით და სეპიით ისტორიულ და ანტიკურ თემებზე, მათ შორის რამდენიმე ჩანახატი ბუნების ციმციმიდან; პორტრეტები კიდევ უფრო იშვიათია. საზღვარგარეთ გამგზავრების წინა დროისთვის არის პატარა ავტოპორტრეტი (1828, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა), დახატული ზეთის საღებავებით.

როგორც კლასიციზმის ხარკი, ივანოვმა რომში დაიწყო ნახატი პუსინის სულისკვეთებით "აპოლონი, ჰიაცინტი და კვიპაროსი, დაკავებული მუსიკით და სიმღერა" (1831-1834, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა), უძველესი ქანდაკების ძეგლების გამოყენებით. ნახატი დაუმთავრებელი დარჩა. ამის მიუხედავად, ის რუსული კლასიციზმის ერთ-ერთი ყველაზე სრულყოფილი ნაწარმოებია. ლამაზად დაჯგუფებული ფიგურები ანიმაციურ ქანდაკებებს ჰგავს.

ხის ფოთლები საოცრად ეწინააღმდეგება შიშველი სხეულების ფერს: ჰიაცინთის სხეულის ნატიფი ფერი, კვიპაროსის სქელი ფერი და აპოლონის ფიგურა, თითქოს სპილოს ძვლისგან გამოკვეთილი. სურათი მუსიკალურად კოორდინირებული, ჰარმონიული კომპოზიციაა. ესკიზების შედარება აჩვენებს, რომ ივანოვი შეგნებულად ეძებდა გლუვი ხაზების მუსიკალურ სილამაზეს და ფორმის პლასტიკური სრულყოფას. აპოლონის საოცრად შთაგონებული სახე. გამოსახულების საფუძვლად აპოლონ ბელვედერის თავი აიღო, ივანოვმა მას ახალი სიცოცხლე შთაბერა - გრძნობის ცხოვრება. უძველესი სურათების დამუშავების ეს მეთოდი ივანოვისთვის მთავარი გახდა მისი მუშაობის პირველი ნახევრის განმავლობაში.

სახარებების ხელახლა წაკითხვისას, ივანოვმა საბოლოოდ აღმოაჩინა შეთქმულება, რომელიც არცერთ ქუდი არ აიღო მის წინაშე: მესიის (ქრისტეს) პირველი გამოჩენა ხალხის წინაშე, რომელიც ელოდება მათი სანუკვარი მისწრაფებების შესრულებას, იწინასწარმეტყველა იოანე ნათლისმცემელი. ივანოვმა მიიღო ეს ამბავი, როგორც სახარების მთელი მნიშვნელობა. მისი აზრით, ამ შეთქმულებამ შეიძლება განასახიეროს მთელი კაცობრიობის მაღალი მორალური იდეალები ისე, როგორც მათ ესმოდათ მათი თანამედროვეები. ნახატის ესკიზებზე მუშაობა დაიწყო 1833 წლის შემოდგომაზე.

მისი მუშაობის დასაწყისიდანვე, Thin-k სიუჟეტს ისტორიულად უფრო თვლიდა, ვიდრე რელიგიურს, რაც გამორიცხავს მისი მისტიკური ინტერპრეტაციის ყველა მახასიათებელს. მან შეადგინა გეგმა ათწლეულის განმავლობაში, დიზაინის უკიდურესი სირთულის შესაბამისად. ამ გეგმამ თავისი ხანგრძლივობითა და მაღალი ღირებულებით შეაშინა ივანოვის ურწმუნო სანკტ-პეტერბურგელი „კეთილმოსურნეები“. მიუხედავად გამხდართა წახალისების საზოგადოების მუქარისა, რომ მას ყველანაირი საარსებო საშუალება ჩამოერთვა, ივანოვი არ დანებდა. მან ღრმად შეისწავლა იტალიური რენესანსის უძველესი ხელოვნებისა და მონუმენტური მხატვრობის ძეგლები. ვერ გაემგზავრა პალესტინაში, რათა გაეცნო სახარების ლეგენდასთან დაკავშირებული ადგილების ხალხური ტიპები და პეიზაჟები, ივანოვი ეძებდა შესაბამის ბუნებას იტალიაში.

1835 წელს ივანოვმა დაასრულა და გაგზავნა პეტერბურგში აკადემიური გამოფენისთვის „ქრისტეს გამოცხადება მარიამ მაგდალინელს აღდგომის შემდეგ“ (RM); სურათის წარმატებამ თინ-კას მოლოდინს გადააჭარბა: მას აკადემიკოსის წოდება მიანიჭეს და იტალიაში ყოფნა კიდევ სამი წლით გაახანგრძლივეს.

ამ სურათის ფიგურების ქანდაკებით (განსაკუთრებით ქრისტე, რომელიც მოგვაგონებს ტორვალდსენის ქანდაკებას), პირობით ფარდებსა და ლანდშაფტში, რომელიც თითქმის ნეიტრალურ ფონს ემსახურება ფიგურებისთვის, ივანოვმა ბოლო ხარკი გადაუხადა აკადემიზმს. ეს სრულად შეესაბამებოდა სურათის თავდაპირველ განზრახვას, რომელშიც მხატვარი აპირებდა გამოეჩინა თავისი უნარი, გამოესახა შიშველი ადამიანის სხეული და ფარდები. თუმცა, ამასთან ერთად, მას აქ ხიბლავდა ატირებული ლამაზი ქალის სახის გამოსახვა და ფიგურის მოძრაობა. მან ვერ გაბედა სურათში უფრო რადიკალური ცვლილებების შეტანა, თუმცა ჯოტოს კომპოზიციებმა, რომელიც მან იტალიაში ნახა იმავე ნაკვეთზე, აიძულა იდეა მთლიანად დაეტოვებინა "სიშიშვლის ოფიციალური ნაწილი".

მაგდალინელის სახის რთული გამომეტყველება (ღიმილი ცრემლებით) და ქრისტეს ფეხების კარგად დაფიქსირებული პოზიცია (ანატომიის ღრმა ცოდნაზე დაფუძნებული და მის ფიგურას მოძრაობის ილუზიას აძლევს) არის სურათის ყველაზე რეალისტური მახასიათებლები ზოგადად. აკადემიური სტრუქტურა.

ამ სამუშაოს დასრულების შემდეგ, კაპოტი კვლავ მთლიანად მიეძღვნა მთავარი იდეის განვითარებას. ივანოვის ცხოვრების უმეტესი ნაწილი დაიკავა მუშაობაზე "ქრისტეს გამოცხადება ხალხში" (1837-1857, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა). შემორჩენილი უამრავი მასალა (ესკიზები, ჩანახატები, ნახატები) და ხელოვანთა ვრცელი მიმოწერა შესაძლებელს ხდის უზარმაზარი ნაწარმოების ძირითადი ეტაპების აღდგენას. პირველი ესკიზები თარიღდება 1833 წლით, შესაბამისად, ისინი გაკეთდა ჯერ კიდევ იტალიაში პირველ მოგზაურობამდე.

1837 წელს ნახატის კომპოზიცია უკვე ისე იყო განვითარებული, რომ მხატვარმა შეძლო მისი გადატანა დიდ ტილოზე, შემდეგ წელს კი დაჩრდილა და ტერდესიენით დახატა.

K1845 „ქრისტეს გამოცხადება ხალხში“ არსებითად დასრულდა, გარდა ზოგიერთი დეტალისა (მონის სახე, წყლიდან ამოსული ფიგურები, შუა ჯგუფი).

შემდგომი მუშაობა ორი მიმართულებით წავიდა - პერსონაჟების პერსონაჟების საბოლოო კონკრეტიზაცია და მეორე - პეიზაჟის შესწავლა ცალკეულ თემებზე, სურათის შემადგენლობის გამო (პირველადი ხეები, დედამიწა, ქვები, წყალი, შორეული ხეები და მთები). ). შესაძლებელია, რომ ყველა ამ ნამუშევარს წინ უძღოდა სურათის ზოგადი ტონის ძიება, რომლის გადაწყვეტისთვის ივანოვმა დაწერა ვენეციაში, დიდი ვენეციელი კოლორისტების სიახლოვეს, პატარა ჩანახატი ("ესკიზი ვენეციური ტონებით", 1839, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა), რომელმაც დიდწილად განსაზღვრა სურათის ფერი ” ქრისტეს გამოჩენა ხალხში.

1838 წლის ბოლოს იყო შესვენება სამუშაოში. ამ დროს ივანოვი შეხვდა ნ.ვ.გოგოლს, რომელიც შემდეგ რომში ჩავიდა. ისინი დამეგობრდნენ. მათი მეგობრობა გამოირჩეოდა ივანოვის მოულოდნელი მიმართვით ხალხური ცხოვრების თემებზე. მწერლის გავლენით ივანოვმა შექმნა არაერთი ჟანრის აკვარელი, რომელიც ასახავს სცენებს უბრალო ხალხის ცხოვრებიდან. ისინი არიან პოეტური, სასიცოცხლო და სულიერი სითბოთი გამსჭვალული. კომპლექსური მრავალფიგურიანი კომპოზიციები გაერთიანებულია სინათლის მოქმედებით. მთვარე თავის მშვიდ შუქს აფრქვევს ბავშვებისა და გოგონების ჯგუფს, რომლებიც მღერიან ავე მარიას („ავე მარია“, 1839, რუსეთის მუზეუმი) გუნდში, სანთლების თბილი შუქები აისახება სახეებსა და ტანსაცმელზე ანარეკლებით. სამხრეთის მზის დამწვარი სხივების ქვეშ თამაშდება ტკბილი სცენა („საქმრო არჩევს საყურეებს პატარძლისთვის“, 1838, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა), გოგონების ფიგურები აკვარელში „ოქტომბრის არდადეგები რომში. პონტე მოლეში“ (1842, რუსეთის მუზეუმი). აკვარელში „ოქტომბრის დღესასწაული რომში. სცენა ლოჯიაში“ (1842, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა) ასახავს მხიარულ ცეკვას. დახვეწილი ინგლისელის გარშემო მყოფი ხალხის სწრაფი მოძრაობები გამოიხატება რთულ და ლამაზ სილუეტში. გოგოლის გავლენის გარეშე ამ ჟანრის სცენების გამოჩენა აუხსნელია.

ივანოვის ყველა აკვარელში ადამიანის ფიგურებს შორის ფსიქოლოგიური კავშირის პრინციპი ჭარბობს კლასიკური არქიტექტურული კომპოზიციის პრინციპს. ჰუდ-კ აშკარად მიისწრაფოდა მათში ფიგურების მოძრაობების, მათი ურთიერთობების ცხოვრებისეული ჭეშმარიტებისკენ.

პირველ ორ ჟანრში აკვარელი ივანოვი პრაქტიკულად განათების პრობლემას შეექმნა. ეს დავალება განსაკუთრებით რთული იყო აკვარელში „ავე მარია“, რომელშიც ცივი და თანაბარი მთვარის შუქი შერწყმულია სანთლების თბილ და აკანკალებულ შუქთან და მადონას გამოსახულების წინ ფარნის რბილ შუქთან.

მზის სინათლის გადაცემის პრობლემა, რომელიც განსაკუთრებით მხატვარს 40-იანი წლების ბოლოს ეკავა, პირველად მან წამოაყენა ზემოხსენებულ აკვარელში „საქმრო პატარძლის საყურეებს არჩევს“. ამ ნახატის ორი ვერსიის შედარება (სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა და რუსული მუზეუმი) აჩვენებს, რომ ივანოვი ცდილობდა გამოეყენებინა განათება, როგორც გამაერთიანებელი პრინციპი.

K1845 „ქრისტეს გამოცხადება ხალხში“ არსებითად დასრულდა, გარდა ზოგიერთი დეტალისა (მონის სახე, წყლიდან ამოსული ფიგურები, შუა ჯგუფი). სურათის მარჯვნივ და მარცხნივ იორდანეს წყლებში მონათლული ხალხია, იოანეს უკან მომავალი მოციქულების ჯგუფია, ცენტრში და მარჯვნივ იოანეს სიტყვებით აღელვებული ხალხის ბრბო. მხატვარმა წინა პლანზე დახატა მონა, რომელიც ემზადება თავისი ბატონის ჩასაცმლად. მოქმედება იორდანეს ველზე ვითარდება, შორეული ბორცვები დაფარულია ხეებით. უზარმაზარი ძველი ხე ჩრდილავს ცენტრალური ჯგუფის ფოთლებს.

პრობლემის გადასაჭრელად: კაცობრიობის გამოსახატავად, რომელიც ელოდება მის განთავისუფლებას, ივანოვი თავს უფლებად თვლიდა გამოეყენებინა ყველაფერი, რაც მანამდე მსოფლიო ხელოვნებით იყო მიღწეული. მან დახატა პლასტიურობის ნიმუშები ძველი ბერძნული ქანდაკებიდან, სწავლობდა ძველ ორიგინალებს რომსა და ფლორენციაში, შეისწავლა რენესანსის მხატვრობა: ლეონარდო და ვინჩი, ფრა ბარტოლომეო, გირლანდაიო და ყველაზე მეტად რაფაელი.

ცხადია, სურათის კომპოზიციაზე მუშაობის პირველივე ნაბიჯებიდან ივანოვმა იგრძნო ადამიანური ფიგურების ორგანიზების აუცილებლობა ჯგუფებად, რომლებიც ერთმანეთთან დაკავშირებულია საერთო ან, პირიქით, შედარებული განზრახ კონტრასტებით. ეს ჯგუფები განისაზღვრა შემდეგნაირად: მოხუცი და ახალგაზრდა მამაკაცი, რომლებიც წყლიდან გამოდიან, მოწაფეთა ჯგუფი, ბაპტისტის მეთაურობით და მარცხნივ დახურული სკეპტიკოსის ფიგურით, წინა პლანზე მდიდარი კაცისა და მონის ჯგუფი. და ბოლოს, ჯგუფი - აკანკალებული მამა-შვილი - მთელ კომპოზიციას მარჯვნივ. გარდა ამისა, ბევრი ფიგურა მოთავსებულია ჩრდილში, სურათის შუაგულში ხალხის ბრბოში, რომელიც ტილოს ზედა მარჯვენა ნაწილს იკავებს. ეს ფიგურები ასევე იყოფა ჯგუფებად.

იოანე ნათლისმცემლის ფიგურას გადამწყვეტი მნიშვნელობა აქვს. იგი მდებარეობს თითქმის ცენტრში და აწყობს მთელ კომპოზიციას თავისი ძლიერი ძალით. ბაპტისტის გამოსახულებაში ივანოვმა გამოიყენა იტალიური მხატვრობის ძეგლები და, უპირველეს ყოვლისა, რაფაელი, რომელიც არავითარ შემთხვევაში არ ართმევდა გამოსახულებას საკუთარ გამომხატველობას. სურათზე იოანე ცეცხლოვანი ტემპერამენტით არის სავსე; ზმნით უწვავს ადამიანებს გულებს. უზარმაზარი ძალის ჟესტით ის მიუთითებს მოახლოებულ მესიაზე. მან პირველმა დაინახა და იცნო მესია. მისი ჟესტი განსაზღვრავს სურათის მთელი კომპოზიციური სტრუქტურის მოძრაობას.

Hood-k-მა დაისახა თავისი მიზანი, რომ თითოეულ პერსონაჟში მიაღწიოს თითოეული ადამიანის ყველაზე ტიპურ გამოხატულებას. პერსონაჟი. მან წარმატებას მიაღწია განსაკუთრებით ნათლისმცემლის, მოციქულთა იოანეს, ანდრიას, ნათანაელისა და მონის გამოსახულებებში, რომელთა შესწავლა ერთ-ერთი საუკეთესოა. გასაკვირი არ არის, რომ კრამსკოიმ ივანოვო ბაპტისტი "იდეალურ პორტრეტად" მიიჩნია.

დამახასიათებელია, რომ ნახატში შეტანილი თითოეული პერსონაჟის საფუძვლად რეალური პორტრეტი უდევს საფუძვლად. შემდეგ ეტაპზე, კაპიუშონი იზიდავს უძველესი ქანდაკებების თავებს, თითქოს აყალიბებს მათ ცოცხალი ბუნების კლასიკური მახასიათებლებით.

„ქრისტეს გამოჩენა ხალხში“ აერთიანებს კაცობრიობის განთავისუფლების მაღალ იდეას მონუმენტურ ფორმასთან.

1845 წლისთვის მოიცავს ფრესკების ჩანახატებს "ქრისტეს აღდგომა", რომელიც განკუთვნილია ქრისტეს მაცხოვრის საკათედრო ტაძრისთვის, რომელსაც აშენებდა K.A.Ton. ამ პერიოდში ივანოვს გაუჩნდა იდეა, შეექმნა ნახატების მთელი ციკლი ბიბლიურ თემებზე. ეს ფრესკები უნდა დაეფარა სპეციალური საზოგადოებრივი შენობის (და არა ეკლესიის, როგორც თავად მხატვარი ყოველთვის ხაზს უსვამდა) კედლებს. მათი თემები და თანმიმდევრობა უფრო ემთხვეოდა დ.შტრაუსის წიგნს „იესოს ცხოვრება“, მაგრამ ეფუძნებოდა თავად მხატვრის მიერ პირველადი წყაროების ღრმა და დამოუკიდებელ შესწავლას. ივანოვმა გადაწყვიტა აქ წარმოედგინა კაცობრიობის რწმენის ევოლუცია მათ მჭიდრო ურთიერთობაში და ისტორიულ განპირობებულებაში. ესკიზების ციკლში, რომელიც განასახიერებდა ამ იდეას, ხალხის ისტორიული ბედის პრობლემებმა, ადამიანებსა და ინდივიდს შორის ურთიერთობა, რომელიც ასე დამახასიათებელია რომანტიული ისტორიციზმისთვის, მიიღო ყველაზე ღრმა გადაწყვეტა 2/2-ის მთელ რუსულ ისტორიულ მხატვრობასთან შედარებით. მე-3 საუკუნე. ივანოვის მიერ შესრულებული ბიბლიურ თემებზე აკვარელის ესკიზების სიმრავლე და გაუთავებელი მრავალფეროვნება გასაოცარია (თითქმის ყველა მათგანი ინახება სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეაში).

სკეტჩებს შორის საუკეთესოს აღნიშვნა რთულია. ამიტომ, ყურადღება უნდა გავამახვილოთ მხოლოდ უფრო დამახასიათებელზე. ასეთია, მაგალითად, ჩანახატი „სამი მოხეტიალე ამცნო აბრაამს ისაკის დაბადებაზე“, რომლის კომპოზიცია თვალშისაცემია მონუმენტურობით, ადამიანისა და ბუნების შერწყმით და ფიგურების ექსპრესიულობით. არანაკლებ საინტერესოა მანნას შეკრება უდაბნოში, მასობრივი სცენა, რომელშიც გაქცეული ხალხი იპყრობს მხიარული ქარიშხალი, ან წინასწარმეტყველთა პროცესია, სავსე ძლიერი, საოცარი რიტმით. მიუხედავად იმისა, რომ ივანოვის იდეა მხოლოდ ჩანახატებში დარჩა, ეს ჩანახატები ხელოვნების უდიდეს ფასეულობას მიეკუთვნება.

მისი პეიზაჟები მშვენიერია. "აპიანი გზა" (1845, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა). "ნეაპოლის ყურე კასტელამმარში" (1846, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა). ივანოვი მტკიცედ შევიდა პლეინ ჰაერის გზაზე. მის მხატვრობაში ბუნება არ არის მითის მეშვეობით, როგორც კლასიკოსების ნამუშევრებში, არამედ რეალობაში.

ივანოვის შემოქმედება, რომელიც სცილდება ეპოქის რომანტიკულ იდეალებს, არის მე-19 საუკუნის შუა ხანებში რუსული ხელოვნების რეალისტური ორიენტაციის ყველაზე ძლიერი გამოხატულება.

იტალიაში პენსიაზე გასვლის პირველ წლებში, 1830-იანი წლების დასაწყისში, ივანოვმა დახატა მშვენიერი ნახატი „აპოლონი, კვიპაროსი და ჰიაცინტი მუსიკისა და სიმღერას ქმნიან“.

მის მიერ ჩაფიქრებული "კაცობრიობის ტაძრისთვის" ფრესკების ბრწყინვალე ჩანახატები "ბიბლიურ ჩანახატებში" ივანოვი ცდილობდა ორგანულად შეეერთებინა სახარებისეული ჭეშმარიტება ისტორიულ ჭეშმარიტებასთან, ლეგენდარული მითიური რეალობასთან, ამაღლებული ჩვეულებრივთან, ტრაგიკული ყოველდღიურ ცხოვრებასთან.

XIX საუკუნის შუა (40-50-იანი წლები) ხელოვნება - რუსული კულტურის "გოგოლის" პერიოდი.

ფედოტოვის შემოქმედებაში, პირველად რუსულ ხელოვნებაში განხორციელდა კრიტიკული რეალიზმის პროგრამა. „საბრალდებო ორიენტაცია“ „არისტოკრატის საუზმესაც“ შეეხო.

სურათი "ქვრივი" ფედოტოვმა შეასრულა რამდენიმე ვერსიით, თანმიმდევრულად მიიწევდა მიზნისკენ - ეჩვენებინა ადამიანის უბედურება, როგორც ეს სინამდვილეშია.

ნახატი "წამყვანი, მეტი წამყვანი!" ჰოლისტიკური ფერით - ტალახიანი წითელი და საშინელი ემოციური განწყობა. ტილო მართლაც ტრაგიკულია: მასში წინა პლანზე გამოდის ულამაზესი რუტინის სევდა და არსებობის უაზრობა.

კლასიციზმი იყო არქიტექტურისა და ქანდაკების წამყვანი ტენდენცია XIX საუკუნის პირველ მესამედში. ფერწერაში იგი ძირითადად შემუშავდა ისტორიული ჟანრის აკადემიური მხატვრების მიერ (A.E. Egorov - "მაცხოვრის წამება", 1814, რუსეთის მუზეუმი; ვ.კ. "კამილას სიკვდილი, ჰორასის დის", 1824, რუსეთის მუზეუმი; "სპილენძის გველი", 1826-1841, რუსეთის მუზეუმი). მაგრამ მხატვრობის ნამდვილი წარმატებები მდგომარეობდა, თუმცა, სხვა მიმართულებით - რომანტიზმი. ადამიანის სულის საუკეთესო მისწრაფებებს, სულის აღმავლობასა და დაცემას გამოხატავდა მაშინდელი რომანტიული მხატვრობა და უპირველეს ყოვლისა პორტრეტი. პორტრეტის ჟანრში წამყვანი ადგილი ორესტ კიპრენსკის (1782-1836) უნდა დაეთმოს.

კიპრენსკი დაიბადა პეტერბურგის პროვინციაში და იყო მიწის მესაკუთრის ა.ს. დიაკონოვი და ციხე. 1788 წლიდან 1803 წლამდე სწავლობდა, დაწყებული საგანმანათლებლო სკოლიდან, სამხატვრო აკადემიაში, სადაც სწავლობდა ისტორიული ფერწერის კლასში პროფესორ გ.ი. უგრიმოვი და ფრანგი მხატვარი გ.-ფ. დოიენმა 1805 წელს მიიღო დიდი ოქროს მედალი ნახატისთვის "დიმიტრი დონსკოი მამაიზე გამარჯვებაზე" (RM) და პენსიონერის საზღვარგარეთ მოგზაურობის უფლება, რომელიც განხორციელდა მხოლოდ 1816 წელს. 1809-1811 წლებში. კიპრენსკი ცხოვრობდა მოსკოვში, სადაც დაეხმარა მარტოსს მინინისა და პოჟარსკის ძეგლზე მუშაობაში, შემდეგ ტვერში და 1812 წელს დაბრუნდა პეტერბურგში. აკადემიის დამთავრებიდან და საზღვარგარეთ გამგზავრებამდე, რომანტიული გრძნობებით დაფარული წლები კიპრენსკის შემოქმედების უმაღლესი აყვავებაა. ამ პერიოდში ის თავისუფლად მოაზროვნე რუს დიდგვაროვან ინტელიგენციაში გადავიდა. ის იცნობდა კ.ბატიუშკოვს და პ.ვიაზემსკის, ვ.ა. ჟუკოვსკი, ხოლო შემდგომ წლებში - პუშკინი. მისი ინტელექტუალური ინტერესები ასევე ფართო იყო, უსაფუძვლოდ, რომ გოეთე, რომელსაც კიპრენსკი უკვე სრულწლოვანებამდე ასახავდა, აღნიშნა იგი არა მხოლოდ როგორც ნიჭიერი მხატვარი, არამედ როგორც საინტერესოდ მოაზროვნე ადამიანი. რთული, გააზრებული, ცვალებადი გუნება-განწყობილების - ასეთები ჩნდება ჩვენს წინაშე, ასახული Kiprensky E.P. როსტოპჩინი (1809, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა), დ.ნ. ხვოსტოვი (1814, ტრეტიაკოვის გალერეა), ბიჭი ჩელიშჩევი (დაახლოებით 1809, ტრეტიაკოვის გალერეა). თავისუფალ პოზაში, გააზრებულად იყურება გვერდით, შემთხვევით ქვის ფილაზე მიყრდნობილი, დგას პოლკოვნიკი სიცოცხლის კეპს ე.ბ. დავიდოვი (1809, რუსეთის მუზეუმი). ეს პორტრეტი აღიქმება, როგორც 1812 წლის ომის გმირის კოლექტიური სურათი, თუმცა საკმაოდ სპეციფიკურია. რომანტიკულ განწყობას აძლიერებს ქარიშხლიანი პეიზაჟის გამოსახვა, რომლის წინააღმდეგაც ფიგურაა წარმოდგენილი. შეღებვა აგებულია სრული სიძლიერით აღებულ ხმოვან ფერებზე - წითელი ოქროთი და თეთრი ვერცხლით - ჰუსარის სამოსში - და ამ ფერების კონტრასტზე ლანდშაფტის მუქ ტონებთან. ადამიანური ხასიათისა და პიროვნების სულიერი სამყაროს სხვადასხვა ასპექტის გახსნით, კიპრენსკი ყოველ ჯერზე იყენებდა ფერწერის სხვადასხვა შესაძლებლობებს. ამ წლების ყოველი პორტრეტი ფერწერის ოსტატის მიერ არის მონიშნული. ნახატი თავისუფალია, აგებულია, როგორც ხვოსტოვას პორტრეტში, ერთი ტონიდან მეორეზე ყველაზე დახვეწილ გადასვლებზე, სხვადასხვა ფერის სიკაშკაშეზე, შემდეგ კონტრასტული სუფთა დიდი სინათლის ლაქების ჰარმონიაზე, როგორც ბიჭი ჩელიშჩევის გამოსახულებაში. მხატვარი იყენებს თამამ ფერთა ეფექტებს ფორმის მოდელირებისთვის; იმპასტოს მხატვრობა ხელს უწყობს ენერგიის გამოხატვას, აძლიერებს გამოსახულების ემოციურობას. როგორც სწორად შენიშნა დ. ვ. სარაბიანოვი, რუსული რომანტიზმი არასოდეს ყოფილა ისეთი ძლიერი მხატვრული მოძრაობა, როგორც საფრანგეთში ან გერმანიაში. მასში არც უკიდურესი მღელვარებაა და არც ტრაგიკული უიმედობა. კიპრენსკის რომანტიზმში ჯერ კიდევ ბევრია კლასიციზმის ჰარმონიიდან, სენტიმენტალიზმისთვის ასე დამახასიათებელი ადამიანის სულის „გრილაების“ დახვეწილი ანალიზიდან. "მიმდინარე საუკუნე და გასული საუკუნე", ეჯახება ადრეული კიპრენსკის შემოქმედებას, რომელიც ჩამოყალიბდა როგორც შემოქმედებითი ადამიანი სამხედრო გამარჯვებებისა და რუსული საზოგადოების ნათელი იმედების საუკეთესო წლებში და შეადგინა მისი ორიგინალობა და გამოუთქმელი ხიბლი. ადრეული რომანტიკული პორტრეტები.

გვიან იტალიურ პერიოდში, მისი პირადი ბედის მრავალი გარემოების გამო, მხატვარი იშვიათად ახერხებდა რაიმეს შექმნას ადრეული ნამუშევრების ტოლფასი. მაგრამ აქაც შეიძლება დავასახელოთ ისეთი შედევრები, როგორიცაა პუშკინის ერთ-ერთი საუკეთესო ცხოვრებისეული პორტრეტი (1827, ტრეტიაკოვის გალერეა), მხატვრის მიერ სახლში ყოფნის ბოლო პერიოდში დახატული, ან ავდულინას პორტრეტი (დაახლოებით 1822, რუსეთის მუზეუმი). ), ელეგიური სევდით სავსე.

კიპრენსკის შემოქმედების ფასდაუდებელ ნაწილს წარმოადგენს გრაფიკული პორტრეტები, რომლებიც ძირითადად დამზადებულია რბილი იტალიური ფანქრით პასტელი ხაზებით, აკვარელითა და ფერადი ფანქრებით. ის განასახიერებს გენერალ ე.ი. ჩაპლიცა (TG), A.R. ტომილოვა (RM), პ.ა. ოლენინა (TG). სწრაფი ფანქრის პორტრეტები-ესკიზების გამოჩენა თავისთავად მნიშვნელოვანი, ახალი დროის დამახასიათებელია: მათში ადვილად ფიქსირდება ნებისმიერი წარმავალი ცვლილება სახეში, ნებისმიერი სულიერი მოძრაობა. მაგრამ კიპრენსკის გრაფიკაში გარკვეული ევოლუცია ასევე ხდება: შემდგომ ნამუშევრებში არ არის უშუალობა და სითბო, მაგრამ ისინი უფრო ვირტუოზული და დახვეწილია შესრულებაში (S.S. Shcherbatova, it. car., სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა).

Pole A.O.-ს შეიძლება ეწოდოს თანმიმდევრული რომანტიკოსი. ორლოვსკი (1777–1832), რომელიც 30 წელი ცხოვრობდა რუსეთში და რუსულ კულტურაში შემოიტანა დასავლელი რომანტიკოსებისთვის დამახასიათებელი თემები (ბივუაკები, მხედრები, გემების ჩაძირვა. „აიღე შენი სწრაფი ფანქარი, დახატე, ორლოვსკი, ხმალი და ბრძოლა“, წერდა პუშკინი). სწრაფად აითვისა რუსულ მიწაზე, რაც განსაკუთრებით შესამჩნევია გრაფიკულ პორტრეტებში. მათში, ევროპული რომანტიზმის ყველა გარეგანი ატრიბუტით, თავისი მეამბოხეობითა და დაძაბულობით, რაღაც ღრმად პიროვნული, ფარული, საიდუმლო იკვეთება (ავტოპორტრეტი, 1809, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა). ორლოვსკიმ, თავის მხრივ, გარკვეული როლი ითამაშა რეალიზმისკენ მიმავალი გზების „გარღვევაში“ მისი ჟანრული ჩანახატების, ნახატებისა და ლითოგრაფიების წყალობით, რომლებიც ასახავს პეტერბურგის ქუჩის სცენებსა და ტიპებს, რამაც გააცოცხლა P.A. Vyazemsky ცნობილი მეოთხედი:

წარსულის რუსეთი, ამოღებულია

თქვენ შთამომავლობას გადასცემთ

შენ ის ცოცხლად დაიჭირე

ხალხური ფანქრის ქვეშ.

საბოლოოდ, რომანტიზმი თავის გამოხატულებას პეიზაჟში პოულობს. სილვესტერ შჩედრინმა (1791–1830) დაიწყო თავისი კარიერა, როგორც ბიძას სემიონ შჩედრინის სტუდენტმა კლასიკური კომპოზიციებით: მკაფიო დაყოფა სამ გეგმად (მესამე გეგმა ყოველთვის არქიტექტურაა), ფრთების გვერდებზე. მაგრამ იტალიაში, სადაც მან დატოვა სანკტ-პეტერბურგის აკადემია, ეს თვისებები არ იყო კონსოლიდირებული, ისინი არ გადაიქცა სქემაში. სწორედ იტალიაში, სადაც შჩედრინი ცხოვრობდა 10 წელზე მეტი ხნის განმავლობაში და გარდაიცვალა თავისი ნიჭის აყვავებულში, მან თავი გამოავლინა, როგორც რომანტიული მხატვარი, გახდა ევროპის ერთ-ერთი საუკეთესო მხატვარი კონსტებლესთან და კოროტთან ერთად. ის იყო პირველი, ვინც რუსეთისთვის პლენარული მხატვრობა გახსნა. მართალია, ბარბიზონების მსგავსად, შჩედრინი მხოლოდ ესკიზებს ხატავდა ღია ცის ქვეშ და სტუდიაში დაასრულებდა ნახატს („გაფორმებული“, როგორც მან განსაზღვრა). თუმცა, მოტივი თავად ცვლის აქცენტს. ასე რომ, რომი მის ტილოებში არ არის უძველესი დროის დიდებული ნანგრევები, არამედ ჩვეულებრივი ხალხის ცოცხალი თანამედროვე ქალაქი - მეთევზეები, ვაჭრები, მეზღვაურები. მაგრამ ამ ჩვეულებრივმა ცხოვრებამ შჩედრინის ფუნჯის ქვეშ ამაღლებული ხმა შეიძინა. სორენტოს ნავსადგურები, ნეაპოლის სანაპიროები, ტიბერი წმ. ანგელოზები, ადამიანები, რომლებიც თევზაობენ, უბრალოდ ტერასაზე საუბრობენ ან ისვენებენ ხეების ჩრდილში - ყველაფერი გადმოცემულია სინათლისა და ჰაერის გარემოს კომპლექსურ ურთიერთქმედებაში, ვერცხლისფერ-ნაცრისფერი ტონების სასიამოვნო შერწყმაში, ჩვეულებრივ გაერთიანებულია წითელი შეხებით - ტანსაცმელში და თავსაბურავში, ხეების დაჟანგებულ ფოთლებში, სადაც ერთი წითელი ტოტი დაიკარგა. შჩედრინის ბოლო ნამუშევრებში ქიაროსკუროს ეფექტებისადმი ინტერესი სულ უფრო აშკარა იყო, რაც ახალი რომანტიზმის ტალღას აუწყებდა მაქსიმ ვორობიოვისა და მისი სტუდენტების მიერ (მაგალითად, "ნეაპოლის ხედი მთვარის ღამეს"). პორტრეტის მხატვრის კიპრენსკისა და საბრძოლო მხატვრის ორლოვსკის მსგავსად, პეიზაჟისტი შჩედრინი ხშირად ხატავს ჟანრულ სცენებს.

რაც არ უნდა უცნაურად ჟღერდეს, ყოველდღიურმა ჟანრმა გარკვეული რეფრაქცია აღმოაჩინა პორტრეტში და, უპირველეს ყოვლისა, ვასილი ანდრეევიჩ ტროპინინის (1776 - 1857) პორტრეტში, მხატვრის, რომელმაც ბატონობისგან თავი მხოლოდ 45 წლის ასაკში გაათავისუფლა. ტროპინინმა დიდხანს იცოცხლა და მას განზრახული ჰქონდა სცოდნოდა ნამდვილი აღიარება, თუნდაც დიდება, მიეღო აკადემიკოსის წოდება და გამხდარიყო 1920-იანი და 1930-იანი წლების მოსკოვის პორტრეტების სკოლის ყველაზე ცნობილი მხატვარი. სენტიმენტალიზმიდან დაწყებული, თუმცა, დიდაქტიკურად უფრო მგრძნობიარე ვიდრე ბოროვიკოვსკის სენტიმენტალიზმი, ტროპინინი იძენს გამოსახვის საკუთარ სტილს. მის მოდელებში არ არის კიპრენსკის რომანტიკული იმპულსი, მაგრამ მათში იპყრობს უბრალოება, უხელოვნება, გამოხატვის გულწრფელობა, პერსონაჟების სიმართლე, საყოფაცხოვრებო დეტალების ავთენტურობა. ტროპინინის საუკეთესო პორტრეტები, როგორიცაა მისი შვილის პორტრეტი (დაახლოებით 1818, ტრეტიაკოვის გალერეა), ბულახოვის პორტრეტი (1823, ტრეტიაკოვის გალერეა), გამოირჩევა მაღალი მხატვრული სრულყოფილებით. ეს განსაკუთრებით შესამჩნევია არსენის შვილის პორტრეტში, უჩვეულოდ გულწრფელი გამოსახულება, რომლის სიცოცხლითა და უშუალობაზე ხაზგასმულია ოსტატური განათება: ფიგურის მარჯვენა მხარე, თმა გახეხილია, დატბორილია მზის შუქით, ოსტატურად გამოსახული. ფერების დიაპაზონი ოქროსფერ-ოხერიდან ვარდისფერ-ყავისფერამდე უჩვეულოდ მდიდარია, მინის ფართო გამოყენება კვლავ ახსენებს მე-18 საუკუნის ფერწერის ტრადიციებს.

ტროპინინი თავის ნამუშევრებში მიჰყვება ბუნებრიობის, სიცხადის, ბალანსის მინიჭების გზას ბიუსტის პორტრეტის გამოსახულების მარტივი კომპოზიციებისთვის. როგორც წესი, გამოსახულება მოცემულია ნეიტრალურ ფონზე, მინიმალური აქსესუარებით. ზუსტად ასეა ტროპინინი ა.ს. პუშკინი (1827) - მაგიდასთან თავისუფალ პოზაში ზის, სახლის კაბაში ჩაცმული, რომელიც ხაზს უსვამს ბუნებრივ გარეგნობას.

ტროპინინი არის სპეციალური ტიპის პორტრეტ-მხატვრობის შემქმნელი, ანუ პორტრეტი, რომელშიც ჟანრის თავისებურებებია დანერგილი. „მაქმანის შემქმნელი“, „სპინერი“, „გიტარისტი“, „ოქროს კერვა“ არის ტიპური გამოსახულებები გარკვეული სიუჟეტით, რომლებსაც, თუმცა, არ დაუკარგავთ სპეციფიკური თვისებები.

თავისი შემოქმედებით მხატვარმა წვლილი შეიტანა რუსულ მხატვრობაში რეალიზმის განმტკიცებაში და დიდი გავლენა მოახდინა მოსკოვის სკოლაზე, დ.ვ. სარაბიანოვი, ერთგვარი „მოსკოვის ბიდერმაიერი“.

ტროპინინმა მხოლოდ ჟანრის ელემენტი შემოიტანა პორტრეტში. ალექსეი გავრილოვიჩ ვენეციანოვი (1780-1847) იყო ყოველდღიური ჟანრის ნამდვილი ფუძემდებელი. განათლებით მიწის ამზომველმა ვენეციანოვმა დატოვა სამსახური მხატვრობისთვის, მოსკოვიდან პეტერბურგში გადავიდა და ბოროვიკოვსკის სტუდენტი გახდა. მან პირველი ნაბიჯები გადადგა "ხელოვნებაში" პორტრეტის ჟანრში, შექმნა საოცრად პოეტური, ლირიკული, ზოგჯერ რომანტიკული განწყობის სურათები პასტელი, ფანქარი, ზეთი (V.C. Putyatina, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა). მაგრამ მალე მხატვარმა დატოვა პორტრეტი კარიკატურის გულისთვის და ერთი მოქმედებით სავსე კარიკატურისთვის "კეთილშობილი" დაიხურა მის მიერ ჩაფიქრებული "ჟურნალი კარიკატურების 1808 წელს პირებში" პირველი ნომერი. ვენეციანოვის ოქრო, ფაქტობრივად, იყო დერჟავინის ოდას ილუსტრაცია და გამოსახული იყო მოსაცდელში შეკრებილი მთხოვნელები, ხოლო სარკეში ჩანდა დიდგვაროვანი, რომელიც მზეთუნახავის მკლავებში იყო (ვარაუდობენ, რომ ეს არის კარიკატურა. გრაფი ბეზბოროდკო).

10-20-იანი წლების მიჯნაზე ვენეციანოვი პეტერბურგიდან ტვერის პროვინციაში გაემგზავრა, სადაც მცირე მამული იყიდა. აქ მან იპოვა თავისი მთავარი თემა, თავი მიუძღვნა გლეხური ცხოვრების ასახვას. ნახატში ბეღელი (1821–1822, რუსეთის მუზეუმი) მან აჩვენა შრომის სცენა ინტერიერში. იმისათვის, რომ ზუსტად გაემრავლებინა არა მხოლოდ მუშების პოზები, არამედ განათებაც, მან უბრძანა კიდეც დაენახათ ერთი კედელი კალოდან. ცხოვრება ისეთი, როგორიც არის - აი, რისი დახატვა სურდა ვენეციანოვს, დახატა ჭარხლის კანი გლეხები; მიწის მესაკუთრე ეზოს გოგონას დავალებას აძლევს; მძინარე მწყემსი; გოგონა ჭარხლით ხელში; გლეხის ბავშვები აღფრთოვანებული პეპლით; რთველის, თივის დამზადების სცენები და ა.შ. რასაკვირველია, ვენეციანოვმა არ გამოავლინა ყველაზე მწვავე კონფლიქტები რუსი გლეხის ცხოვრებაში, არ დაუყენებია ჩვენი დროის „მტკივნეული კითხვები“. ეს არის პატრიარქალური, იდილიური ცხოვრების წესი. მაგრამ მხატვარმა მასში პოეზია არ შემოიტანა გარედან, არ გამოიგონა, არამედ აიტაცა იგი მის მიერ გამოსახული ადამიანების ცხოვრებაში ასეთი სიყვარულით. ვენეციანოვის ნახატებში არ არის დრამატული ნაკვეთები, დინამიური სიუჟეტი, ისინი, პირიქით, სტატიკურია, მათში „არაფერი ხდება“. მაგრამ ადამიანი ყოველთვის ერთობაშია ბუნებასთან, მარადიულ შრომაში და ეს ვენეციანოვის გამოსახულებებს ნამდვილად მონუმენტურს ხდის. ის რეალისტია? მე-19 საუკუნის მეორე ნახევრის მხატვრების მიერ ამ სიტყვის გაგებით - ძნელად. მის კონცეფციას ბევრი კლასიცისტური იდეა აქვს (აღსანიშნავია გავიხსენოთ მისი "გაზაფხული. გუთანზე", სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა) და განსაკუთრებით სენტიმენტალისტური ("მოსავლის შესახებ. ზაფხული", სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა) და მისი გაგებით სივრცე - ასევე რომანტიულიდან. და, მიუხედავად ამისა, ვენეციანოვის შემოქმედება გარკვეული ეტაპია XIX საუკუნის რუსული კრიტიკული რეალიზმის ჩამოყალიბების გზაზე და ეს არის მისი მხატვრობის მუდმივი მნიშვნელობაც. ეს განსაზღვრავს მის ადგილს მთლიანად რუსულ ხელოვნებაში.

ნახატი A.G. ვენეციანოვა მიწის მესაკუთრის დილა

ვენეციანოვი შესანიშნავი მასწავლებელი იყო. ვენეციანოვის სკოლა, ვენეციელები, არის 1920-იანი და 1940-იანი წლების მხატვრების მთელი გალაქტიკა, რომლებიც მუშაობდნენ მასთან როგორც პეტერბურგში, ასევე მის საფონკოვოს მამულში. ეს არის A.V. ტირანოვი, ე.ფ. კრენდოვსკი, კ.ა. ზელენცოვი, ა.ა. ალექსეევი, ს.კ. ზარიანკო, ლ.კ. პლახოვი, ნ.ს. კრილოვი და მრავალი სხვა. ვენეციანოვის სტუდენტებს შორის ბევრი გლეხია. ვენეციელების ფუნჯის ქვეშ იბადებოდა არა მხოლოდ გლეხური ცხოვრების სცენები, არამედ ქალაქურიც: პეტერბურგის ქუჩები, ხალხური ტიპები, პეიზაჟები. A.V. ტირანოვი ასევე ხატავდა ინტერიერის სცენებს, პორტრეტებს, პეიზაჟებს და ნატურმორტებს. ვენეციელებს განსაკუთრებით უყვარდათ "ოჯახური პორტრეტები ინტერიერში" - ისინი აერთიანებდნენ გამოსახულებების კონკრეტულობას თხრობის დეტალებთან, გარემოს ატმოსფეროს გადმოცემით (მაგალითად, ტირანოვის ნახატი "ძმები ჩერნეცოვის მხატვრების სახელოსნო", 1828 წ. , რომელიც აერთიანებს პორტრეტს, ჟანრს და ნატურმორტის).

ვენეციანოვის უნიჭიერესი მოსწავლე უდავოდ არის გრიგორი სოროკა (1813–1864), ტრაგიკული ბედის მხატვარი. (კაჭაჭა ბატონობისაგან მხოლოდ 1861 წლის რეფორმამ გაათავისუფლა, მაგრამ ყოფილ მიწის მესაკუთრესთან სასამართლო პროცესის შედეგად მიესაჯა ფიზიკური დასჯა, ვერ მოითმინა ამაზე და თავი მოიკლა.) სოროკას ფუნჯის ქვეშ და მისი მშობლიური ტბის, მოლდინოს პეიზაჟი და ოსტროვკის ქონების ოფისში არსებული ყველა ობიექტი და ტბის ზედაპირზე გაყინული მეთევზეების ფიგურები გარდაიქმნება, სავსეა უმაღლესი პოეზიით, ნეტარი სიჩუმით, მაგრამ ასევე მტკივნეული სევდით. ეს არის რეალური საგნების სამყარო, მაგრამ ასევე მხატვრის მიერ წარმოსახული იდეალური სამყარო.

1930-40-იანი წლების რუსული ისტორიული მხატვრობა განვითარდა რომანტიზმის ნიშნით. კარლ პავლოვიჩ ბრაილოვს (1799-1852) უწოდეს "კომპრომისის გენიოსი" კლასიციზმის იდეალებსა და რომანტიზმის ინოვაციებს შორის. დიდება ბრაილოვს ჯერ კიდევ აკადემიაში ყოფნისას მოუვიდა: მაშინაც კი, ბრაილოვის ჩვეულებრივი სწავლა გადაიქცა დასრულებულ ნახატებად, როგორც ეს იყო, მაგალითად, მისი ნარცისი (1819, რუსული მუზეუმი). ოქროს მედლით კურსის დასრულების შემდეგ მხატვარი იტალიაში გაემგზავრა. პრეიტალიურ ნაშრომებში ბრაილოვი მიმართავს ბიბლიურ თემებს ("სამი ანგელოზის გამოჩენა აბრაამს მამრეს მუხასთან", 1821, რუსული მუზეუმი) და ანტიკვარს ("ოიდიპოსი და ანტიგონე", 1821, ტიუმენის მხარეთმცოდნეობის რეგიონალური მუზეუმი. ), ეწევა ლითოგრაფიას, ქანდაკებას, წერს თეატრალურ დეკორაციებს, ხატავს კოსტიუმებს სპექტაკლებისთვის. ნახატები "იტალიური დილა" (1823, მდებარეობა უცნობია) და "იტალიური შუადღე" (1827, რუსეთის მუზეუმი), განსაკუთრებით პირველი, გვიჩვენებს, თუ რამდენად ახლოს იყო მხატვარი ღია ცის ქვეშ არსებულ პრობლემებთან. თავად ბრაილოვმა თავისი დავალება ასე განსაზღვრა: ”მე გავანათე მოდელი მზეზე, ვარაუდით, რომ სახე და მკერდი ჩრდილშია და აისახება მზისგან განათებული შადრევნიდან, რაც ყველა ჩრდილს ბევრად სასიამოვნოს ხდის მარტივთან შედარებით. განათება ფანჯრიდან."

ამგვარად, ბრაილოვს აინტერესებდა ჰაეროვანი მხატვრობის ამოცანები, მაგრამ მხატვრის გზა, თუმცა, სხვა მიმართულებით იყო. 1828 წლიდან, პომპეიში მოგზაურობის შემდეგ, ბრაილოვი მუშაობს თავის თანაბარ ნაშრომზე, პომპეის ბოლო დღე (1830–1833). უძველესი ისტორიის ნამდვილი მოვლენაა ქალაქის სიკვდილი ვეზუვიუსის ამოფრქვევის დროს 79 წელს. ე. - მისცა მხატვარს საშუალება ეჩვენებინა ადამიანის სიდიადე და ღირსება სიკვდილის წინაშე. ქალაქს ცეცხლოვანი ლავა უახლოვდება, შენობები და ქანდაკებები ინგრევა, მაგრამ ბავშვები მშობლებს არ ტოვებენ; დედა ფარავს შვილს, ახალგაზრდა იხსნის საყვარელს; მხატვარი (რომელშიც ბრაილოვმა საკუთარი თავი გამოავლინა) ართმევს ფერებს, მაგრამ, ქალაქიდან გასვლისას, ის გაფართოებული თვალებით უყურებს და ცდილობს საშინელი სანახაობის დაჭერას. სიკვდილის დროსაც კი ადამიანი რჩება ლამაზი, როგორც შეშლილი ცხენების მიერ ეტლიდან გადმოგდებული ქალი კომპოზიციის ცენტრში. ბრაილოვის მხატვრობაში აშკარად გამოიხატა მისი მხატვრობის ერთ-ერთი არსებითი მახასიათებელი: კავშირი მისი ნამუშევრების კლასიცისტურ სტილსა და რომანტიზმის მახასიათებლებს შორის, რომელთანაც ბრაილოვის კლასიციზმი გაერთიანებულია ადამიანის ბუნების კეთილშობილებისა და სილამაზისადმი რწმენით. აქედან გამომდინარეობს პლასტიკური ფორმის საოცარი „აკომოდაცია“, რომელიც ინარჩუნებს სიცხადეს, უმაღლესი პროფესიონალიზმის ნახატს, რომელიც ჭარბობს სხვა გამომხატველ საშუალებებზე, ფერწერული განათების რომანტიული ეფექტებით. დიახ, და გარდაუვალი სიკვდილის თემა, დაუცხრომელი ბედი იმდენად დამახასიათებელია რომანტიზმისთვის.

როგორც გარკვეული სტანდარტი, კარგად ჩამოყალიბებული მხატვრული სქემა, კლასიციზმი ბევრ რამეში ზღუდავდა რომანტიკოს მხატვარს. აკადემიური ენის, „სკოლის“ ენის კონვენციები, როგორც აკადემიებს ეძახდნენ ევროპაში, სრულად გამოიხატა პომპეიში: თეატრალური პოზები, ჟესტები, სახის გამონათქვამები, განათების ეფექტები. მაგრამ უნდა ვაღიაროთ, რომ ბრაილოვი ცდილობდა ისტორიული ჭეშმარიტებისკენ, ცდილობდა რაც შეიძლება ზუსტად გაემეორებინა არქეოლოგების მიერ აღმოჩენილი კონკრეტული ძეგლები და გააოცა მთელი მსოფლიო, ვიზუალურად შეავსო პლინიუს უმცროსის მიერ ტაციტუსისადმი მიწერილ წერილში აღწერილი სცენები. ნახატი გამოიფინა ჯერ მილანში, შემდეგ პარიზში, 1834 წელს რუსეთში ჩამოიტანეს და დიდი წარმატება ხვდა წილად. გოგოლი ენთუზიაზმით საუბრობდა მასზე. ბრაილოვის შემოქმედების მნიშვნელობა რუსული მხატვრობისთვის განისაზღვრება პოეტის ცნობილი სიტყვებით: „და „პომპეის უკანასკნელი დღე“ გახდა პირველი დღე რუსული ფუნჯისთვის“.

1835 წელს ბრაილოვი რუსეთში დაბრუნდა, სადაც მას გამარჯვებულად დახვდნენ. მაგრამ ის აღარ ეხებოდა თავად ისტორიულ ჟანრს, რადგან "პსკოვის ალყა პოლონეთის მეფის სტეფან ბატორის მიერ 1581 წელს" არ დასრულებულა. მისი ინტერესები სხვა მიმართულებით იყო - პორტრეტი, რომელსაც ის მიუბრუნდა, დატოვა ისტორიული მხატვრობა, ისევე როგორც მისი დიდი თანამედროვე კიპრენსკი, და რომელშიც მან აჩვენა მთელი თავისი შემოქმედებითი ტემპერამენტი და უნარის ბრწყინვალება. შეიძლება ამ ჟანრში ბრაილოვის გარკვეული ევოლუციის კვალდაკვალ: 30-იანი წლების საზეიმო პორტრეტიდან, რომლის მოდელი შეიძლება იყოს არა იმდენად, როგორც პორტრეტი, როგორც განზოგადებული სურათი, მაგალითად, ბრწყინვალე დეკორატიული ტილო "ცხენოსანი" (1832 წ. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა), რომელშიც გამოსახულია გრაფინია იუ. Samoilova Giovanina Pacchini, შემთხვევითი არ არის, რომ მას აქვს განზოგადებული სახელი; ან Yu.P.-ის პორტრეტი. სამოილოვა სხვა მოსწავლესთან - ამაცილისთან (დაახლოებით 1839 წ., რუსეთის მუზეუმი), 40-იანი წლების პორტრეტებამდე - უფრო კამერული, დახვეწილი, მრავალმხრივი ფსიქოლოგიური მახასიათებლებისკენ მიზიდული (ა.ნ. სტრუგოვშჩიკოვის პორტრეტი, 1840, რუსეთის მუზეუმი; ავტოპორტრეტი, 1848, სახელმწიფო გალერეა). მწერალ სტრუგოვშჩიკოვის სახეში იკითხება შინაგანი ცხოვრების დაძაბულობა. დაღლილობა და იმედგაცრუების სიმწარე გამოდის მხატვრის ავტოპორტრეტში გამოჩენიდან. სევდიანად გამხდარი სახე გამჭოლი თვალებით, არისტოკრატიულად გამხდარი ხელი უმწეოდ ეკიდა. ამ სურათებში ბევრი რომანტიული ენაა, ხოლო ერთ-ერთ ბოლო ნამუშევარში - არქეოლოგ მიქელანჯელო ლანჩის ღრმა და გამჭოლი პორტრეტი (1851) - ვხედავთ, რომ ბრაილოვს არ არის უცხო რეალისტური კონცეფციისთვის გამოსახულების ინტერპრეტაციაში.

ბრაილოვის გარდაცვალების შემდეგ, მისი სტუდენტები ხშირად იყენებდნენ წერის მხოლოდ ფორმალურ, წმინდა აკადემიურ პრინციპებს, რომლებიც მან გულდასმით შეიმუშავა და ბრაილოვის სახელს მოუწია ბევრი მკრეხელობა გაუძლო XIX საუკუნის მეორე ნახევრის დემოკრატიული, რეალისტური სკოლის კრიტიკოსებისგან. , პირველ რიგში V.V. სტასოვი.

შუა საუკუნის მხატვრობის ცენტრალური ფიგურა უდავოდ იყო ალექსანდრე ანდრეევიჩ ივანოვი (1806-1858). ივანოვმა ორი მედლით დაამთავრა პეტერბურგის აკადემია. მან მიიღო მცირე ოქროს მედალი ნახატისთვის "პრიამი აქილევსს ჰექტორის სხეულს სთხოვს" (1824, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა), ამასთან დაკავშირებით კრიტიკამ აღნიშნა მხატვრის ყურადღებით წაკითხვა ჰომეროსისთვის და დიდი ოქროს მედალი ნამუშევრისთვის "ჯოზეფი". პატიმართა სიზმრების ინტერპრეტაცია ციხის ბატლერსა და მცხობელში“ (1827, რუსეთის მუზეუმი), გამოხატული გამოხატვით სავსე, თუმცა, მარტივად და ნათლად გამოხატული. 1830 წელს ივანოვი დრეზდენისა და ვენის გავლით გაემგზავრება იტალიაში, 1831 წელს ის მთავრდება რომში და სიკვდილამდე მხოლოდ თვენახევრით ადრე (ის გარდაიცვალა ქოლერით) ბრუნდება სამშობლოში.

ა.ივანოვის გზა არასოდეს ყოფილა ადვილი, ფრთიანი დიდება მის უკან არ დაფრინავს, რაც შეეხება "დიდ კარლს". მისი სიცოცხლის განმავლობაში გოგოლი, ჰერცენი, სეჩენოვი აფასებდნენ მის ნიჭს, მაგრამ მათ შორის მხატვრები არ იყვნენ. ივანოვის ცხოვრება იტალიაში სავსე იყო შრომითა და მხატვრობის რეფლექსიებით. ის არ ეძებდა სიმდიდრეს ან საერო გართობას, დღეებს ატარებდა სტუდიის კედლებში და ესკიზებზე. ივანოვის მსოფლმხედველობაზე გარკვეულწილად გავლენა იქონია გერმანულმა ფილოსოფიამ, პირველ რიგში, შელინიზმი თავისი იდეით მხატვრის წინასწარმეტყველური ბედის შესახებ ამ სამყაროში, შემდეგ რელიგიის ისტორიკოსის დ. შტრაუსის ფილოსოფიამ. რელიგიის ისტორიისადმი გატაცებამ განაპირობა წმინდა ტექსტების თითქმის მეცნიერული შესწავლა, რის შედეგადაც შეიქმნა ცნობილი ბიბლიური ჩანახატები და მიმართვა მესიის გამოსახულებაზე. ივანოვის შემოქმედების მკვლევარები (დ.ვ. სარაბიანოვი) მის პრინციპს სამართლიანად უწოდებენ „ეთიკური რომანტიზმის პრინციპს“, ანუ რომანტიზმს, რომელშიც ძირითადი აქცენტი ესთეტიკურიდან მორალურზეა გადატანილი. მხატვრის ვნებიანმა რწმენამ ადამიანების მორალური ტრანსფორმაციისადმი, თავისუფლებისა და ჭეშმარიტების მაძიებელი ადამიანის სრულყოფილებაში, მიიყვანა ივანოვი მისი შემოქმედების მთავარ თემამდე - ნახატამდე, რომელსაც მან მიუძღვნა 20 წელი (1837 - 1857 წწ.) ქრისტეს გამოჩენა ხალხში“ (თ.გ., ავტორის ვერსია - დრო).

ივანოვი დიდხანს დადიოდა ამ საქმეზე. მან შეისწავლა ჯოტოს მხატვრობა, ვენეციელებმა, განსაკუთრებით ტიციანმა, ვერონეზემ და ტინტორეტომ, დაწერა ორფიგურიანი კომპოზიცია "ქრისტეს გამოჩენა მარიამ მაგდალინელს აღდგომის შემდეგ" (1835, რუსეთის მუზეუმი), რისთვისაც პეტერბურგის აკადემიამ მისცა. მიიღო აკადემიკოსის წოდება და სამი წლით გაახანგრძლივა პენსიაზე გასვლის ვადა იტალიაში.

"მესიის გარეგნობის" პირველი ჩანახატები 1833 წლით თარიღდება, 1837 წელს კომპოზიცია დიდ ტილოზე გადაიტანეს. შემდეგ მუშაობა გაგრძელდა, როგორც შეიძლება ვიმსჯელოთ მრავალი დარჩენილი ჩანახატით, ჩანახატით, ნახატით, პერსონაჟების და პეიზაჟის დაზუსტებისა და სურათის ზოგადი ტონის ძიების ხაზით.

1845 წლისთვის "ქრისტეს გამოცხადება ხალხში" არსებითად დასრულდა. ამ მონუმენტური, პროგრამული ნაწარმოების კომპოზიცია ეფუძნება კლასიცისტურ საფუძველს (სიმეტრია, წინა პლანზე გამომხატველი მთავარი ფიგურის - იოანე ნათლისმცემლის განთავსება ცენტრში, მთლიანი ჯგუფის ბარელიეფური განლაგება), მაგრამ ტრადიციული სქემა ცალსახად არის გადააზრებული ხელოვანის მიერ. მხატვარი ცდილობდა გადმოეცა კონსტრუქციის დინამიზმი, სივრცის სიღრმე. ივანოვი დიდხანს ეძებდა ამ გამოსავალს და მიაღწია მას იმის წყალობით, რომ ქრისტეს ფიგურა ჩნდება და უახლოვდება ადამიანებს, რომლებსაც იოანე ნათლავს იორდანეს წყლებში, სიღრმიდან. მაგრამ მთავარი, რაც სურათზე თვალშისაცემია, არის სხვადასხვა პერსონაჟების არაჩვეულებრივი სიმართლე, მათი ფსიქოლოგიური მახასიათებლები, რომლებიც საოცარ ავთენტურობას ანიჭებენ მთელ სცენას. აქედან გამომდინარეობს გმირების სულიერი აღორძინების დამაჯერებლობა.

ივანოვის ევოლუცია თავის ნაშრომში ფენომენზე შეიძლება განისაზღვროს, როგორც გზა კონკრეტული-რეალისტური სცენიდან მონუმენტურ-ეპიკურ ტილომდე.

ივანოვის მოაზროვნის მსოფლმხედველობის ცვლილებებმა, რაც მოხდა ნახატზე მრავალი წლის მუშაობის განმავლობაში, განაპირობა ის, რომ მხატვარმა არ დაასრულა თავისი მთავარი ნამუშევარი. მაგრამ მან გააკეთა მთავარი, როგორც კრამსკოიმ თქვა, ”მან გააღვიძა შინაგანი ნამუშევარი რუსი მხატვრების გონებაში”. და ამ თვალსაზრისით, მკვლევარები მართლები არიან, როცა ამბობენ, რომ ივანოვის ნახატი იყო "ფარული პროცესების წინამძღვარი", რომელიც მაშინ ხდებოდა ხელოვნებაში. ივანოვის აღმოჩენები იმდენად ახალი იყო, რომ მაყურებელმა უბრალოდ ვერ შეძლო მათი დაფასება. გასაკვირი არ არის ნ.გ. ჩერნიშევსკიმ ალექსანდრე ივანოვს უწოდა ერთ-ერთი იმ გენიოსთაგანი, "რომლებიც მტკიცედ ხდებიან მომავლის ადამიანები, ეწირებიან ... სიმართლეს და, უკვე სრულწლოვანებამდე მიახლოებით, არ ეშინიათ ახალგაზრდების თავდადებულობით დაიწყოს თავიანთი საქმიანობა" ( ჩერნიშევსკი ნ.გ.წინა სტატიის შენიშვნები//თანამედროვე. 1858. T. XXI. ნოემბერი. S. 178). ამ დრომდე, სურათი რჩება ნამდვილ აკადემიად ოსტატთა თაობებისთვის, როგორიც არის რაფაელის "ათენის სკოლა" ან მიქელანჯელოს სიქსტის ჭერი.

ივანოვმა თავისი სიტყვა თქვა პლენ-ეირის პრინციპების ათვისებაში. ღია ცის ქვეშ დახატულ პეიზაჟებში მან მოახერხა ბუნების ფერების მთელი სიძლიერის, სილამაზისა და ინტენსივობის ჩვენება. და მთავარია არა იმიჯის დაშლა მყისიერი შთაბეჭდილებისკენ, დეტალის სიზუსტისკენ სწრაფვისთვის, არამედ კლასიკური ხელოვნებისთვის დამახასიათებელი სინთეზური ხასიათის შენარჩუნება. ჰარმონიული სიცხადე გამოდის მისი თითოეული პეიზაჟიდან, იქნება ეს გამოსახული მარტოხელა ფიჭვის ხე, ცალკე ტოტი, ზღვის სივრცეები თუ პონტოს ჭაობები. ეს არის დიდებული სამყარო, გადმოცემული, თუმცა, მსუბუქი ჰაერის გარემოს მთელი რეალური სიმდიდრით, თითქოს გრძნობ ბალახის სუნს, ცხელი ჰაერის რყევას. გარემოსთან იმავე რთულ ინტერაქციაში, ის ასახავს ადამიანის ფიგურას შიშველი ბიჭების ცნობილ ჩანახატებში.

სიცოცხლის ბოლო ათწლეულში ივანოვს გაუჩნდა იდეა, შეექმნა ბიბლიური სახარების ნახატების ციკლი ზოგიერთი საჯარო შენობისთვის, რომელიც უნდა ასახავდეს წმინდა წერილის ნაკვეთებს ძველ აღმოსავლურ ფერში, მაგრამ არა ეთნოგრაფიულად პირდაპირ, არამედ ამაღლებულად განზოგადებული. . ბიბლიის (TG) დაუმთავრებელი აკვარელი ესკიზები განსაკუთრებულ ადგილს იკავებს ივანოვის შემოქმედებაში და, ამავდროულად, ორგანულად ავსებს მას. ეს ჩანახატები გვაძლევს ახალ შესაძლებლობებს ამ ტექნიკისთვის, მისი პლასტიკური და ხაზოვანი რიტმი, აკვარელი, რომ აღარაფერი ვთქვათ არაჩვეულებრივ შემოქმედებით თავისუფლებაზე თავად ნაკვეთების ინტერპრეტაციაში, ივანოვის ფილოსოფოსის სიღრმის ჩვენება და მისი, როგორც ფრესკის უდიდესი საჩუქარი (" ზაქარია ანგელოზის წინაშე“, „იოსების სიზმარი“, „ლოცვა თასისთვის“ და სხვ.). ივანოვის ციკლი იმის დასტურია, რომ ესკიზებში ბრწყინვალე ნამუშევარი შეიძლება იყოს ახალი სიტყვა ხელოვნებაში. „მე-19 საუკუნეში - ხელოვნების ყოფილი მთლიანობის ცალკეულ ჟანრებად და ცალკეულ ფერწერულ პრობლემებად გაღრმავებული ანალიტიკური გაყოფის საუკუნეში - ივანოვი არის სინთეზის დიდი გენიოსი, ერთგული უნივერსალური ხელოვნების იდეისადმი, ინტერპრეტირებული როგორც ადამიანისა და კაცობრიობის ისტორიული თვითშემეცნების ერთგვარი ენციკლოპედია სულიერი ძიებების, შეჯახებებისა და ზრდის ეტაპების შესახებ. (ალენოვი მ.მ. XIX საუკუნის პირველი ნახევრის ხელოვნება საუკუნე//ალენოვი მ.მ., ევანგულოვა ო.ს., ლიფშიცი ლ.ი.რუსული ხელოვნება მე -10 - მე -20 საუკუნის დასაწყისი. M., 1989. S. 335). მონუმენტალისტი, ივანოვი ცხოვრობდა იმ დროს, როდესაც მონუმენტური ხელოვნება სწრაფად იკლებს. ივანოვის ფორმების რეალიზმი დიდად არ შეესაბამებოდა კრიტიკული ხასიათის ხელოვნებას, რომელიც ყალიბდებოდა.

სოციალურ-კრიტიკული ტენდენცია, რომელიც მე-19 საუკუნის მეორე ნახევრის ხელოვნების მთავარ ტენდენციად იქცა, უკვე 1940-იან და 1950-იან წლებში გახდა ცნობილი გრაფიკაში. აქ უდავო როლი შეასრულა "ბუნებრივმა სკოლამ" ლიტერატურაში, რომელიც დაკავშირებულია (ძალიან პირობითად) სახელთან ნ.ვ. გოგოლი.

ლითოგრაფიული კარიკატურების ალბომი "Yeralash" ნ.მ. ნევახოვიჩი, რომელიც ვენეციური „კარიკატურების ჟურნალის“ მსგავსად ზნეობის სატირას ეძღვნებოდა. დიდი ფორმატის ერთ გვერდზე შეიძლება განთავსდეს რამდენიმე საგანი, ხშირად სახეები იყო პორტრეტები, საკმაოდ ცნობადი. "ერალაში" მე-16 ნომერზე დაიხურა.

1940-იან წლებში გამოქვეყნდა ვ.ფ. ტიმი, ილუსტრატორი და ლითოგრაფი. ”ჩვენი, რუსების მიერ ცხოვრებიდან ჩამოწერილი” (1841–1842) - წმ. მიატლევი ქალბატონ კურდიუკოვას შესახებ, პროვინციელი ქვრივი, რომელიც მოწყენილობისგან მოგზაურობს ევროპაში.

ამ დროის წიგნი უფრო ხელმისაწვდომი და იაფი ხდება: ილუსტრაციების დაბეჭდვა დაიწყო ხის დაფიდან დიდი რაოდენობით, ზოგჯერ პოლიტიპების - ლითონის ჩამოსხმის დახმარებით. გოგოლის ნამუშევრების პირველი ილუსტრაციები გამოჩნდა - „ასი ნახატი ნ.მ. გოგოლი "მკვდარი სულები" ა.ა. აგინა, გრავირებული E.E. ვერნადსკი; 50-იანი წლები აღინიშნა ტ.გ. შევჩენკოს, როგორც შემქმნელის საქმიანობით ("იგავი უძღები შვილის შესახებ", რომელიც ავლენს სასტიკ მორალს ჯარში). ტიმისა და მისი თანამოაზრეების აგინისა და შევჩენკოს მულტფილმებმა და ილუსტრაციებმა წიგნებისა და ჟურნალებისთვის ხელი შეუწყო XIX საუკუნის მეორე ნახევარში რუსული ჟანრის მხატვრობის განვითარებას.

მაგრამ საუკუნის მეორე ნახევარში ჟანრული მხატვრობის მთავარი წყარო იყო პაველ ანდრეევიჩ ფედოტოვის (1815–1852) ნამუშევარი. მან თავისი ხანმოკლე ტრაგიკული ცხოვრებიდან მხოლოდ რამდენიმე წელი მიუძღვნა მხატვრობას, მაგრამ მან შეძლო 1940-იანი წლების რუსეთის სულისკვეთების გამოხატვა. სუვოროვის ჯარისკაცის ვაჟი, რომელიც მიიღეს მოსკოვის კადეტთა კორპუსში მამის დამსახურებისთვის, ფედოტოვი 10 წლის განმავლობაში მსახურობდა ფინეთის გვარდიის პოლკში. პენსიაზე გასვლის შემდეგ ის ჩართულია A.I.-ს საბრძოლო კლასში. ზაუერვეიდი. ფედოტოვმა დაიწყო ყოველდღიური ნახატებითა და კარიკატურებით, სეპიების სერიით ფიდელკას ცხოვრებიდან, ქალბატონის ძაღლი, რომელიც ბოზში გარდაიცვალა და ბედია გლოვობდა, სერიით, რომელშიც მან თავი გამოაცხადა, როგორც ყოველდღიური ცხოვრების სატირული მწერალი - მისი კარიკატურების პერიოდის რუსი დაუმიე (ფიდელკას შესახებ სერიის გარდა - სეფია "მოდის მაღაზია", 1844-1846, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა; "მხატვარი, რომელიც დაქორწინდა მზითვად, თავისი ნიჭის იმედით", 1844 წ. სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა და სხვ.). იგი სწავლობდა როგორც ჰოგარტის, ისე ჰოლანდიის გრავიურებზე, მაგრამ ყველაზე მეტად - თავად რუსულ ცხოვრებაზე, რომელიც ღია იყო ნიჭიერი მხატვრის მზერაზე მთელი თავისი დისჰარმონიითა და შეუსაბამობით.

მის შემოქმედებაში მთავარი ყოველდღიური მხატვრობაა. მაშინაც კი, როცა პორტრეტებს ხატავს, მათში ჟანრული ელემენტების ამოცნობა ადვილია (მაგალითად, აკვარელის პორტრეტში „მოთამაშეები“, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა). მისი ევოლუცია ჟანრულ მხატვრობაში - კარიკატურის გამოსახულებიდან ტრაგიკულამდე, გადატვირთულობიდან დეტალურად, როგორც "ახალი კავალერი" (1846, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა), სადაც ყველაფერი "განხილულია": გიტარა, ბოთლები, დაცინვა. მოახლე, თუნდაც პაპილოტები უიღბლო გმირის თავზე - უკიდურეს ლაკონიზმამდე, როგორც ქვრივში (1851, ივანოვოს რეგიონალური ხელოვნების მუზეუმი, ვერსია - სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, სახელმწიფო რუსული მუზეუმი), არსებობის უაზრობის ტრაგიკული განცდამდე, როგორც. მის ბოლო ნახატში "წამყვანი, მეტი წამყვანი!" (დაახლოებით 1851, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა). იგივე ევოლუცია ფერის გაგებაში: ფერიდან, რომელიც ჟღერს ნახევრად სიძლიერით, სუფთა, კაშკაშა, ინტენსიური, გაჯერებული ფერებით, როგორც "მაიორის მაჭანკლში" (1848, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა, ვერსია - სახელმწიფო რუსული მუზეუმი) ან " არისტოკრატის საუზმე" (1849-1851, სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა), ქვრივის დახვეწილი ფერის სქემაში, რომელიც ღალატობს ობიექტურ სამყაროს, თითქოს იშლება დღის გაფანტულ შუქზე და მისი ბოლო ტილოს ერთი ტონის მთლიანობას (“ წამყვანი ...”). ეს იყო გზა უბრალო ყოველდღიური წერიდან რუსული ცხოვრების უმნიშვნელოვანესი პრობლემების მკაფიო, თავშეკავებულ სურათებში განხორციელებამდე, რაც, მაგალითად, არის "მაიორის მაჭანკლობა", თუ არა ცხოვრების ერთ-ერთი სოციალური ფაქტის დენონსაცია. მისი დროის - გაღატაკებული დიდებულების ქორწინება სავაჭრო "ფულის ჩანთებით"? და "რჩეული პატარძალი", რომელიც დაწერილია ი.ა.-სგან ნასესხებ ნაკვეთზე. კრილოვი (რომელიც, სხვათა შორის, დიდად აფასებდა მხატვარს), თუ არა სატირა მოხერხებულობის ქორწინებაზე? თუ თვალებში მტვერს რომ აგდებს – „არისტოკრატის საუზმეში“ – საერო ძმის სიცარიელის დაგმობა?

ფედოტოვის ნახატის სიძლიერე არა მხოლოდ პრობლემების სიღრმეში, გასართობ სიუჟეტშია, არამედ შესრულების გასაოცარ ოსტატობაში. საკმარისია გავიხსენოთ ხიბლით სავსე პალატა „პორტრეტი ნ.პ. ჟდანოვიჩი კლავესინთან“ (1849, რუსეთის მუზეუმი). ფედოტოვს უყვარს რეალური ობიექტური სამყარო, აღფრთოვანებით წერს ყველაფერს, პოეტიზებს. მაგრამ სამყაროს წინაშე ეს აღფრთოვანება არ ფარავს მომხდარის სიმწარეს: „ქვრივის“ პოზიციის უიმედობას, საქორწინო გარიგების სიცრუეს, „დათვის კუთხეში“ ოფიცრის სამსახურის ლტოლვას. თუ ფედოტოვის სიცილი ატყდება, ეს იგივე გოგოლის „სამყაროსათვის უხილავი ცრემლებით სიცილია“. ფედოტოვმა სიცოცხლე „სევდის სახლში“ სიცოცხლის საბედისწერო 37-ე წელს დაასრულა.

ფედოტოვის ხელოვნება ამთავრებს ფერწერის განვითარებას მე-19 საუკუნის პირველ ნახევარში და ამავე დროს საკმაოდ ორგანულად - მისი სოციალური სიმკვეთრის წყალობით - "ფედოტოვის მიმართულება" ხსნის ახალი ეტაპის - კრიტიკული ხელოვნების დასაწყისს. , ან, როგორც ახლა ხშირად ამბობენ, დემოკრატიული, რეალიზმი.