ფერწერა

მხატვრობის დაზგური ნამუშევარი, რომელსაც აქვს დამოუკიდებელი მნიშვნელობა. კვლევისა და ჩანახატისგან განსხვავებით, ნახატი არის სრული ნამუშევარი, მხატვრის ხანგრძლივი მუშაობის შედეგი, დაკვირვებისა და ცხოვრების შესახებ რეფლექსიის განზოგადება. ნახატი განასახიერებს ჩანაფიქრის სიღრმეს და ფიგურალურ შინაარსს.

სურათის შექმნისას მხატვარი ეყრდნობა ბუნებას, მაგრამ შემოქმედებითი ფანტაზია ამ პროცესში მნიშვნელოვან როლს ასრულებს.

ნახატის კონცეფცია ძირითადად გამოიყენება სიუჟეტურ-თემატური ხასიათის ნამუშევრებზე, რომელთა საფუძველია მნიშვნელოვანი ისტორიული, მითოლოგიური ან სოციალური მოვლენების, ადამიანის ქმედებების, აზრებისა და ემოციების გამოსახვა მრავალფიგურიან რთულ კომპოზიციებში. ამიტომ ფერწერის განვითარებაში ნახატი წამყვან როლს თამაშობს.

ნახატი შედგება ძირისგან (ტილო, ხის ან ლითონის დაფა, პლაივუდი, მუყაო, დაპრესილი დაფა, პლასტმასი, ქაღალდი, აბრეშუმი და სხვ.), რომელზედაც დატანილია პრაიმერი და საღებავის ფენა. ნახატის ესთეტიკური აღქმა მნიშვნელოვნად უმჯობესდება, როდესაც ის მოთავსებულია შესაბამის ჩარჩოში (ბაგეტში), რომელიც აშორებს ნახატს გარემომცველი სამყაროსგან. ნახატის აღმოსავლური ტიპი ინარჩუნებს თავისუფლად ჩამოკიდებული გაშლილი გრაგნილის ტრადიციულ ფორმას (ჰორიზონტალური ან ვერტიკალური). სურათი, მონუმენტური მხატვრობისგან განსხვავებით, მჭიდროდ არ არის დაკავშირებული გარკვეულ ინტერიერთან. შეიძლება კედლიდან ამოღება და სხვანაირად ჩამოკიდება.

ხელოვნების მწვერვალს მიაღწია გამოჩენილი მხატვრების ნახატებში. მოდერნიზმის მრავალფეროვან მიმდინარეობებში შეინიშნება სიუჟეტის დაკარგვა და ფიგურატიულობის უარყოფა, რითაც სურათის კონცეფცია მნიშვნელოვნად გადაიხედება. მე-20 საუკუნის ფერწერული ნამუშევრების სულ უფრო ფართო სპექტრი. მოუწოდა სურათები.

ფერწერული ნაწარმოები, რომელსაც აქვს დამოუკიდებელი მხატვრული ღირებულება და ფლობს სისრულის თვისებას (განსხვავებით კვლევისა და ჩანახატისგან). კ., როგორც წესი, არ ასოცირდება, როგორც ფრესკა ან წიგნის მინიატურა, კონკრეტულ ინტერიერთან ან დეკორაციის სისტემასთან. იგი შედგება ძირისგან (ტილო, ხის ან ლითონის დაფა, მუყაო, ქაღალდი), პრაიმერი და საღებავის ფენა.

დიდი განმარტება

არასრული განმარტება ↓

ნახატები

1. TO. ( ბერძენი pinakes) იყო დამწვარი ხის დაფები, ფილები და ფილები. თიხა ან ქვა, ლითონი და სხვა ფირფიტები გამოყენებული, ფიგურული ან ორნამენტული გამოსახულებებით. ყველაზე ადრეული მტკიცებულება არის თიხის მეტოპები თერმადან (ძვ. წ. VII საუკუნე); ეტრუსკული სფეროდან - ბოკანერის და კამპანის ფირფიტები. კორინთული ჭურჭელი პენდესკუფიიდან და კერამიკა პიცადან (ძვ. წ. VI ს.) უფრო მცირე ფორმატით გამოირჩევა. ელინისტური კ მარმარილოზე, მაგალითად ჰერკულანეუმში, დააკოპირეთ კლასიკა. ნიმუშები. შემორჩენილია დიდი რაოდენობით რომაული კამპანის კედლის მხატვრობა, რომელიც, როგორც წესი, კედლის მხატვრობის ერთ-ერთ დეკორატიულ კომპონენტს წარმოადგენდა. განსაკუთრებული მნიშვნელობა აქვს უმეტეს შემთხვევაში მშვენივრად შემონახულ მიცვალებულთა ნახევრად სიგრძის პორტრეტებს. საოჯახო რომანი. პორტრეტები ( ლათ. დიდი განმარტება

არასრული განმარტება ↓

„ხელოვნება იგივე მოთხოვნილებაა ადამიანისათვის, როგორც ჭამა და სმა. სილამაზისა და შემოქმედების მოთხოვნილება, მისი განსახიერება, განუყოფელია ადამიანისგან“, - წერდა ფ.მ.დოსტოევსკი.

მართლაც, ისტორია მოწმობს, რომ ადამიანი ყოველთვის განუყოფელი იყო ხელოვნებისგან. მთებში, მსოფლიოს სხვადასხვა ქვეყნის გამოქვაბულებში შემორჩენილია უძველესი კლდის მხატვრობა. ცხოველებისა და მონადირეების ეს ექსპრესიული ნახატები გაკეთდა იმ დღეებში, როდესაც ადამიანებს არ შეეძლოთ წერა.

ხელოვნების ძეგლები გვეუბნებიან, თუ რა დიდი მნიშვნელობა ჰქონდა მას ადამიანისა და ადამიანთა საზოგადოების ცხოვრებაში. ძველმა ბერძნებმა შექმნეს მშვენიერი მითი მუზების შესახებ - მარადიულად ახალგაზრდა დები, რომლებიც განასახიერებდნენ ხელოვნებასა და მეცნიერებას. მელპომენე - ტრაგედიის მუზა, თალია - კომედია, ტერფსიქორე - ცეკვა, კლიო - ისტორიის მუზა... მითი ამბობს, რომ როდესაც ღმერთი აპოლონი - ხელოვნების, პოეზიისა და მუსიკის მფარველი - გამოჩნდა მუზების თანხლებით, მაშინ ყველა ბუნება უსმენდა მათ სიმღერას... მუსიკა, მუზეუმი - ეს სიტყვები მომდინარეობს სიტყვიდან მუზა.

დის მუზების პოეტურ მითს აზრი არ დაუკარგავს. ხელოვნების თითოეულ სახეობას აქვს თავისი გამომსახველობითი საშუალება: მუსიკაში ეს ბგერაა, სახვით ხელოვნებაში ფერი, ხაზი და ა.შ., ლიტერატურაში ეს სიტყვაა. მაგრამ ყველა სახის დაკავშირებული არსი მდგომარეობს იმაში, რომ ხელოვნება არის სოციალური ცნობიერების ერთ-ერთი ფორმა, რომელიც დაფუძნებულია რეალობის ფენომენების ფიგურალურ ასახვაზე.

ვიზუალურ აღქმასთან დაკავშირებული ვიზუალური ხელოვნება მოიცავს: ფერწერას, გრაფიკას და ქანდაკებას. ეს ხელოვნება ქმნის გამოსახულებას თვითმფრინავზე (მხატვრობა და გრაფიკა) და სივრცეში (ქანდაკება).

ნახატს, ნახატს, ბეჭდვას, ქანდაკებას, რომელსაც აქვს დამოუკიდებელი მნიშვნელობა, ანუ არ ასოცირდება რომელიმე მხატვრულ ანსამბლთან ან წმინდა პრაქტიკულ დანიშნულებასთან, ჩვენ ვუწოდებთ. დაზგური მუშაობს. ეს განმარტება მომდინარეობს სიტყვიდან "მანქანა" (ამ შემთხვევაში, დაზგური), რომელზეც სურათის დახატვისას ტილოა განთავსებული. და ის ფაქტიც კი, რომ სურათი აუცილებლად არის ჩასმული ჩარჩოში, ხაზს უსვამს დამოუკიდებლობას, ანუ დაზგური ფერწერის იზოლაციას გარემოსგან. ჩარჩო ჰყოფს სურათს, ქმნის შესაძლებლობას აღიქვას იგი როგორც დამოუკიდებელი მხატვრული მთლიანობა. წიგნში რეპროდუცირებულია ზოგიერთი დაზგური ნახატი.

მანქანისგან განსხვავებით მონუმენტური მხატვრობათავისი დანიშნულებითა და ხასიათით იგი დაკავშირებულია არქიტექტურულ ანსამბლთან. ფრესკები, მოზაიკა, პანელები, ვიტრაჟები ორგანულად შემოდის არქიტექტურაში, ავსებს და ამდიდრებს ინტერიერის თუ მთლიანი შენობის დეკორაციას. მონუმენტური მხატვრობის შესანიშნავი ნიმუშებია რაფაელის ფრესკები ვატიკანის სასახლეში, მიქელანჯელოს ნახატები სიქსტის კაპელაში. მონუმენტურმა მხატვრობამ მიაღწია უმაღლეს დონეს ბიზანტიურ და ძველ რუსულ ხელოვნებაში.

ჩვენს დროში მონუმენტური მხატვრობა ფართოდ გამოიყენება კულტურის სასახლეებში, კლუბებში, თეატრებში, მეტროსადგურებში, რკინიგზის სადგურებში და ა.შ. ბევრ თქვენგანს უნახავს მეტროში მოზაიკა, რომელიც შექმნილია პ. საბჭოთა ოსტატები. მოსკოვის ავტოსადგურისა და შეიარაღებული ძალების მუზეუმის შიდა ფრესკები (მხატვარი იუ. კოროლევი), ციოლკოვსკის მუზეუმის ფრესკები კალუგაში (მხატვართა ჯგუფი ა. ვასნეცოვის მეთაურობით), ვიტრაჟები ლიტველი ოსტატების მიერ, გამოდევნილი. ქართველი მხატვრების პანელები ჩვენს ქალაქებში ბევრ ახალ შენობას ამშვენებდა.

თანამედროვე მექსიკის მონუმენტურმა ხელოვნებამ საერთაშორისო პოპულარობა მოიპოვა. სიკეიროსისა და სხვა მთავარი მხატვრების მოზაიკა ასახავს მექსიკელი ხალხის გმირულ ბრძოლას დამოუკიდებლობისთვის.

ყოველთვის არ არის შესაძლებელი მკვეთრი ხაზის გავლება მოლბერტსა და მონუმენტურ ნაწარმოებს შორის. ეს აიხსნება იმით, რომ დაზგური მხატვრობა ხშირად აქვს მონუმენტურობის ხარისხი. მონუმენტურ ნამუშევრებს კი ზოგჯერ დამოუკიდებელი მნიშვნელობა აქვს და აღიქმება როგორც დაზგური დასრულებული ნახატები.

ჯერ კიდევ არის დეკორატიული და გამოყენებითი ხელოვნების ძალიან დიდი არეალი. ეს არის მხატვრულად დამზადებული ავეჯი, ჭურჭელი, ტანსაცმელი, ქსოვილები, ხალიჩები, ნაქარგები, სამკაულები და ა.შ. თუმცა დამოუკიდებელ ნამუშევრებად შეიძლება ჩაითვალოს ხელოვნებისა და ხელოსნობის ზოგიერთი სახეობა (გობელენი, დევნა, დეკორატიული ქანდაკება). მხატვრობას, რომელიც მიზნად ისახავს ნივთის დიზაინისა და დანიშნულების გაფორმებას ან გამოვლენას და არ გააჩნია აშკარად დამოუკიდებელი მნიშვნელობა, ეწოდება დეკორატიულობა.

ამრიგად, ფერწერა იყოფა დაზგური, მონუმენტური და დეკორატიული.

ფერწერა- მხატვრობის ნაწარმოები, რომელსაც აქვს სრული ხასიათი (განსხვავებით ესკიზისა და ჩანახატისგან) და დამოუკიდებელი მხატვრული ღირებულება. იგი შედგება ძირისგან (ტილო, ხის ან ლითონის დაფა, მუყაო, ქაღალდი, ქვა, აბრეშუმი და სხვ.), პრაიმერი და საღებავის ფენა. ნახატი დაზგური ხელოვნების ერთ-ერთი სახეობაა. სურათები მოდის სხვადასხვა ჟანრში. სურათის შექმნისას მხატვარი ეყრდნობა ბუნებას, მაგრამ შემოქმედებითი ფანტაზია ამ პროცესში მნიშვნელოვან როლს ასრულებს. მე-19 საუკუნის დასასრული მთელ ევროპაში აღინიშნა სამყაროს ახალი, დინამიური ხედვით. საუკუნის დასასრულის მხატვარს უნდა შეესატყვისებოდა მუდმივად ცვალებად ცხოვრებას: არა იმდენად აესახა მის გარშემო არსებული სამყარო (ახლა ამას აკეთებს ფოტოგრაფია და კინო), არამედ შეძლოს გამოხატოს თავისი ინდივიდუალობა, თავისი შინაგანი სამყარო, თავისი. საკუთარი ხედვა სურათზე. ხელოვნების მწვერვალს მიაღწია გამოჩენილი მხატვრების ნახატებში. მოდერნიზმის მრავალფეროვან მიმდინარეობებში შეინიშნება სიუჟეტის დაკარგვა და ფიგურატიულობის უარყოფა, რითაც სურათის კონცეფცია მნიშვნელოვნად გადაიხედება. ზოგიერთი მხატვარი, რომელიც მიეკუთვნება ფერწერის სხვადასხვა სკოლებს, ჩამოშორდა სამყაროს (ადამიანები, ცხოველები, ბუნება) გამოსახვას, როგორც ჩვენ ვხედავთ მას. მათ ნახატებზე სამყარო დეფორმირებული, ზოგჯერ სრულიად ამოუცნობი ჩანს, რადგან მხატვრები უფრო მეტად ხელმძღვანელობენ თავიანთი ფანტაზიით, ვიდრე ჩვენს გარშემო არსებული ფენომენების ვიზუალური აღქმით.

ფერწერა მნიშვნელოვან როლს ასრულებს ფერწერის განვითარებაში.

რეპროდუქციას შეიძლება ეწოდოს ნახატიც, თუ შესაბამის კონტექსტში არ აქვს მნიშვნელობა ასლი იქნება ეს თუ ორიგინალური ნამუშევარი.

სურათი გადატანითი ან უფრო ზოგადი გაგებით არის ხელოვნების ნებისმიერი სრული, განუყოფელი ნაწარმოები, ბუნების ხედვის ცოცხალი და ნათელი აღწერილობის ჩათვლით, ზეპირი თუ წერილობითი.

მხატვრობა არის თვითმფრინავის ხელოვნება და ერთი თვალსაზრისი, სადაც სივრცე და მოცულობა მხოლოდ ილუზიაში არსებობს. მხატვრობას, ვიზუალური საშუალებების სირთულის წყალობით, შეუძლია შექმნას სიბრტყეზე ისეთი ილუზორული სივრცის სიღრმე და მხატვრული რეალობის მრავალგანზომილებიანი, რომელიც არ ექვემდებარება გამოსახვის სხვა მეთოდებს. თითოეული სურათი ასრულებს ორ ფუნქციას - ფერწერული და ექსპრესიულ-დეკორატიული. მხატვრის ენა სავსებით გასაგებია მხოლოდ მათთვის, ვინც იცის სურათის სიბრტყის დეკორატიულ-რიტმული ფუნქციები.

ესთეტიკურ აღქმაში ერთდროულად უნდა მონაწილეობდეს სურათის ყველა ფუნქცია (როგორც დეკორატიული, ისე პლანური, ასევე ფერწერული, სივრცითი). სურათის სწორად აღქმა და გაგება ნიშნავს ზედაპირის, სიღრმის, ნიმუშის, რიტმის და გამოსახულების ერთდროულად, განუყოფლად დანახვას.

ნახატის ესთეტიკური აღქმა მნიშვნელოვნად გაუმჯობესებულია, როდესაც ის მოთავსებულია შესაბამის ჩარჩოში, რომელიც გამოყოფს ნახატს გარემომცველი სამყაროსგან. ნახატის აღმოსავლური ტიპი ინარჩუნებს თავისუფლად ჩამოკიდებული გაშლილი გრაგნილის ტრადიციულ ფორმას (ჰორიზონტალური ან ვერტიკალური). სურათი, მონუმენტური მხატვრობისგან განსხვავებით, მჭიდროდ არ არის დაკავშირებული გარკვეულ ინტერიერთან. შეიძლება კედლიდან ამოღება და სხვანაირად ჩამოკიდება.

ნახატების ილუზორული სივრცის სიღრმე

პროფესორმა რიჩარდ გრეგორიმ აღწერა "ნახატების უცნაური თვისებები": "ნახატები არის საგნების უნიკალური კლასი, რადგან ისინი თავისთავად ხილულია და როგორც რაღაც სრულიად განსხვავებული ქაღალდის ფურცლისგან, რომელზედაც ისინია დახატული. სურათები პარადოქსულია. არც ერთი ობიექტი არ შეიძლება იყოს ერთდროულად ორ ადგილას; არც ერთი ობიექტი არ შეიძლება იყოს ერთდროულად ორგანზომილებიანი და სამგანზომილებიანი. და ასე ვხედავთ სურათებს. სურათს აქვს ძალიან განსაზღვრული ზომა და ამავდროულად აჩვენებს ადამიანის სახის, შენობის ან გემის ნამდვილ ზომას. სურათები შეუძლებელი ობიექტებია.

ადამიანის უნარი, უპასუხოს სურათებში წარმოდგენილ წარმოსახვით სიტუაციებს, აბსტრაქტული აზროვნების განვითარების მნიშვნელოვანი ეტაპია.

როგორ კეთდება ნახატები

ნახატი არის მხატვრის სულიერი სამყარო, მისი გამოცდილება და გრძნობები გამოხატული ტილოზე ან ქაღალდზე. ძნელია ახსნა, თუ როგორ იქმნება ნახატები - ჯობია თავად ნახოთ. შეუძლებელია სიტყვებით გადმოგცეთ, როგორ ხატავს მხატვარი ტილოზე, რა ფუნჯით ეხება ტილოს, რა საღებავებს ირჩევს. მუშაობის დროს ყველაფერი ერთი ხდება: მხატვარი, ფუნჯი და ტილო. და უკვე სახელოსნოში ფუნჯის პირველი დარტყმის შემდეგ, ფერწერის განსაკუთრებული მაგია იწყებს მუშაობას.

სურათები არ არის მხოლოდ დახატული ტილო, ისინი გავლენას ახდენენ გრძნობებზე და აზრებზე, ტოვებენ კვალს სულზე, აღვიძებენ წინასწარმეტყველებებს.

როგორ იქმნება ნახატი?

როგორც ჩანს, საღებავები, ფუნჯები, ტილოზე. შეიძლება არსებობდეს სხვა უნივერსალური პასუხი: სხვადასხვა გზით.

ნახატზე მუშაობის მეთოდები მუდმივად იცვლებოდა ხელოვნების ისტორიის მანძილზე. იტალიური რენესანსის მხატვრები სულ სხვანაირად მუშაობდნენ, ვიდრე რემბრანდტი ან მე-17 საუკუნის „პატარა ჰოლანდიელები“, რომანტიკოსები სხვანაირად მუშაობდნენ, ვიდრე იმპრესიონისტები, აბსტრაქციონისტები, თანამედროვე რეალისტი მხატვრები. დიახ, და იმავე ეპოქაში და თუნდაც ერთი მიმართულებით, შეგიძლიათ იპოვოთ დიდი მრავალფეროვნება.

წარსულისა და აწმყოს რეალისტ მხატვრებს (თუ რეალიზმს ამ სიტყვის ფართო გაგებით გავიგებთ) აერთიანებს შემდეგი:

სრულფასოვანი ნაწარმოების, ამ შემთხვევაში ნახატის, პორტრეტის ან პეიზაჟის შექმნა შეუძლებელია ცხოვრების ღრმა შესწავლის, მის მიმართ ავტორის აქტიური დამოკიდებულების გარეშე. ცხოვრების მხატვრული ცოდნის საშუალებებია ნამუშევარი ბუნებიდან, ვიზუალური შთაბეჭდილებები, ცხოვრებისეული ფენომენების ანალიზი და სინთეზი.

ნახატის შექმნა რთული, შრომატევადი შემოქმედებითი პროცესია, რომლის შედეგებს განსაზღვრავს არა დახარჯული დრო, არამედ მხატვრის ნიჭი, ოსტატობა, ორიგინალური ფიგურული გადაწყვეტის სიძლიერე და ეფექტურობა. ამ პროცესში ყველაზე მნიშვნელოვანი ეტაპებია იდეის წარმოშობა და დაკონკრეტება, პირდაპირი დაკვირვებები, ჩანახატები, ჩანახატები ბუნებიდან, სურათის ფაქტობრივი დაწერა სიცოცხლის მასალის შეუცვლელი შემოქმედებითი, აქტიური დამუშავებით.

და როდესაც მაყურებელი უახლოვდება ნახატს მუზეუმში ან გამოფენაზე, სანამ მასზე საკუთარ გადაწყვეტილებას გააკეთებს, მან უნდა ახსოვდეს, რომ მის უკან ყოველთვის ცოცხალი ადამიანი დგას, მხატვარი, რომელმაც ჩადო თავისი ცხოვრების ნაწილი, გული, ნერვები. , ნიჭი და მუშაობის უნარი. შეიძლება ითქვას, რომ ნახატი მხატვრის ოცნებაა.

G. S. OSTROVSKII

სურათის სისრულე

ცხოვრებაში ბევრი რამ ხდება შემთხვევით - სურათზე არ შეიძლება იყოს ასეთი უბედური შემთხვევები, მასში ყველაფერი უნდა დასრულდეს, ლოგიკურად. რა ეტაპზე ითვლება ნახატი დასრულებულად?

ვირტუოზი რემბრანდტის იმპასტო ფერწერულმა შტრიხმა, რომელიც ასე მეტად დაფასდა მოგვიანებით და ჩვენს დროში, მხოლოდ რემბრანდტის თანამედროვეთა გაკვირვება გამოიწვია და მის ხარჯზე დაცინვა და ჭკუა გამოიწვია. კრიტიკოსების წინააღმდეგ, რემბრანდტი ედავებოდა ნახატის სისრულის გაგების სისწორეს, დაუპირისპირდა მათ მისი საკუთარი გაგებით, რომელიც მან ასე ჩამოაყალიბა: სურათი უნდა ჩაითვალოს დასრულებულად, როდესაც მხატვარი ამბობს ყველაფერს, რაც მას სურდა. . იმისათვის, რომ არ გაეგო კითხვები, რომლებიც მას აწუხებდა მისი ნახატების „არასრულყოფილების“ შესახებ, რემბრანდტმა შეწყვიტა მის სტუდიის გულუბრყვილო მნახველებს მიახლოება, რომლებიც დიდი ცნობისმოყვარეობით უყურებდნენ მისი ნახატის ბრავურულ შტრიხებს და აშინებდნენ მათ. ფაქტია, რომ ნახატებს ძალიან ახლოს არ უნდა მიუახლოვდეთ, რადგან მათი საღებავების სუნი არაჯანსაღია.

მატისი თავის ნახატზე:

"უბრალოდ ვცდილობ ტილოზე დავდო ის ფერები, რომლებიც გამოხატავს ჩემს გრძნობას. ტონების აუცილებელ პროპორციას შეუძლია მაიძულებს შევცვალო ფიგურის ფორმა ან შევცვალო კომპოზიცია. სანამ ამ პროპორციას არ მივაღწევ სურათის ყველა ნაწილში, ვუყურებ ამისთვის და გააგრძელე მუშაობა.მერე დგება მომენტი,როდესაც ყველა ნაწილი იღებს საბოლოო პროპორციებს და მაშინ მე ვერ შევეხები სურათს ხელახლა გადაკეთების გარეშე.

დაახლოებით იმპრესიონისტებიდან დაწყებული, ნახატის, ფორმისა და ფერის კატეგორიები მჭიდრო კავშირშია, ერთად იზრდება, თითქოს უწყვეტი პროცესია: ნახატი და ფერი, მოდელირება და კომპოზიცია, ტონი და ხაზი ჩნდება და ვითარდება, თითქოს ერთდროულად. სურათის დახატვის პროცესი შეიძლება, ასე ვთქვათ, გაგრძელდეს განუსაზღვრელი ვადით, ნამუშევრის დასრულების მომენტი გარკვეულწილად თვითნებურია: ტილოზე სადმე, მხატვარს შეუძლია გააგრძელოს იგი, ახალი შტრიხებით მიმართოს მსგავსებს, მაგრამ დევს ქვემოთ. ამ სისტემის ყველაზე ნათელი და თანმიმდევრული წარმომადგენელია სეზანი. წერილებში და ჩაწერილ საუბრებში მან არაერთხელ ჩამოაყალიბა მხატვრობის ეს შერეული ან, უფრო სწორად, არადიფერენცირებული მეთოდი. ნებისმიერ დროს, ნახატზე მუშაობა შეიძლება შეწყდეს, მაგრამ ნამუშევარი არ დაკარგავს ესთეტიკურ ღირებულებას. ნებისმიერ მომენტში სურათი მზად არის.

სურათის ფერწერული სივრცის კავშირი რეალურ სივრცესთან

მხატვარი და ხელოვნების თეორეტიკოსი ვ.ა. ფავორსკი კომპოზიციის თეორიის მსვლელობისას ხაზს უსვამს, რომ ჭეშმარიტად მხატვრულ ნაწარმოებს დაბადებიდან ორმაგი არსებობა აქვს: როგორც ობიექტი მიმდებარე სივრცეში და როგორც შედარებით ჩაკეტილი სამყარო თავისი სივრცით-დროითი ურთიერთობებით. . ფერწერაში ეს მიზანი მიიღწევა სურათის შიდა სტრუქტურის ჩარჩოსთან კოორდინირებით, სკულპტურაში - მიმდებარე სივრცესთან (კლასიკური მაგალითი: ქანდაკება ნიშში).

ფერწერული სივრცის დასაკავშირებლად რეალურ სივრცესთან, რომელშიც მნახველია განთავსებული, გამოიყენება სურათის ჩარჩო. მხატვრები ასევე თამაშობენ მრავალჯერადი „ჩარჩოს რეპროდუქციით“ თავად გამოსახულებაში, ვიზუალური რითმებით, ვერტიკალებისა და ჰორიზონტლების გამეორებით. ერთ-ერთი დამახასიათებელი ტექნიკა, რომელიც საშუალებას გაძლევთ ვიზუალურად "გააძლიეროთ" გამოსახულება მართკუთხა ფორმატის საზღვრებში, არის "მოჭრილი კუთხე". ფერწერის არქიტექტურისგან გამოყოფამ დასაბამი მისცა დაზგური ფერწერის აღქმის გარკვეულ სისტემას. სურათის მთავარი შინაარსი სივრცის ჰოლისტიკური ხედვის გამოხატვაა. კომპოზიცია გარდაიქმნება ექსპოზიციად, რომელშიც მაყურებელი აწყდება სივრცით-დროითი ურთიერთობების გარდაქმნილ სამყაროს და მასში საკუთარ თავს სარკეში ხედავს. ასე რომ, რენესანსის გამჭვირვალე მინა გადაიქცა კლასიკური და ბაროკოს ეპოქის სარკედ. რენესანსის შემდგომი ეპოქის ხელოვნებას ახასიათებს სარკეში ანარეკლებთან თამაში, ფიგურა-შუამავლების შეყვანა სურათის კომპოზიციაში, ადამიანები, რომლებიც თავიანთი პოზიციით, მზერით ან ხელის ჟესტით მიუთითებენ სურათზე მიმდინარე მოქმედებაზე. სურათის სიღრმეში, თითქოს ეპატიჟება მათ შევიდნენ. კადრის გარდა, ასეთ კომპოზიციებში არის პროსკენიუმი - სცენის წინა ნაწილი, კულუარული, შემდეგ შუა გრუნტი, რომელშიც მთავარი მოქმედება მიმდინარეობს და ფონი - "ფონი".

მხატვარი, როგორც წესი, მთავარ ფიგურებს ათავსებს სურათის შუა სიბრტყეში, ათავსებს მათ ფსიქიკურ ჰორიზონტალურ ხაზზე, როგორც კვარცხლბეკზე. "სივრცითი ფენის" სიღრმე დამოკიდებულია ამ საცნობარო ჰორიზონტალური ხაზის პოზიციაზე (პლანიმეტრიული თვალსაზრისით - სურათის ჩარჩოს ქვედა კიდის ზემოთ ან ქვემოთ). ჰორიზონტალური რამდენჯერმე ზევით გადადება, მხატვარი წარმოსახვითი სივრცის სიღრმეში მოძრაობის გარკვეულ რიტმს ქმნის. ამის წყალობით, თუნდაც პატარა ტილოზე, შეგიძლიათ გამოსახოთ ნებისმიერი სიგრძის სივრცე ნებისმიერი რაოდენობის ფიგურებითა და ობიექტებით. ასეთ ექსპოზიციაში მნახველის ყურადღება კონკრეტულად უნდა მიაპყრო იმ ფაქტს, რომ ზოგიერთი ობიექტი უფრო ახლოსაა, ზოგი კი უფრო შორს. ამისათვის გამოიყენება "მაჩვენებლები": პერსპექტივის შემცირება, ფართომასშტაბიანი ღირშესანიშნაობების შემოღება (ფონზე ადამიანების პატარა ფიგურები), გადახურული გეგმები, ტონალური კონტრასტი, ჩრდილების დაცემა სინათლის წყაროდან სურათის შიგნით ან გარეთ. სურათის სივრცეში მაყურებლის გონებრივი მოძრაობის კიდევ ერთი საორიენტაციო წერტილი არის დიაგონალები, რომელთაგან მთავარია „შესასვლელი დიაგონალი“ (ჩვეულებრივ, მარცხნიდან მარჯვნივ).

სურათი სურათზე

სურათი სურათზე

Picture in Picture შეიძლება გამოყენებულ იქნას სპეციალური კომპოზიციის ფუნქციაში. მსგავსი იერარქიული ორგანიზაცია წარმოდგენილია სურათის სურათში გამოსახვის შემთხვევაში (ასევე ფრესკები კედლის მხატვრობაში და სხვ.).

„სურათი სურათში“ არის კომპოზიციური ტექნიკა, რომელიც გვხვდება XVI-XVII საუკუნეების კლასიკურ ფერწერაში. ნახატს სურათში შეიძლება ჰქონდეს განსაკუთრებული ფარული მნიშვნელობით.

კომპოზიციური ტექნიკა "სურათი სურათზე" შეუძლია შეასრულოს რამდენიმე დავალება:

• აზრის გამოხატვა
• ახსენი ნაკვეთი
• დაუპირისპირდეს ან შექმნას ჰარმონია
• იყოს სიტუაციის დეტალი (ინტერიერი)

ძალიან ხშირად, ნახატზე ფონის გამოსახულება შეიძლება გავიგოთ, როგორც ერთგვარი სურათი სურათზე, ანუ დამოუკიდებელი გამოსახულება, რომელიც აგებულია საკუთარი სპეციალური კანონების მიხედვით. ამავდროულად, ფონის გამოსახულება, უფრო დიდი ზომით, ვიდრე ფიგურების გამოსახულება მთავარ სიბრტყეზე, ექვემდებარება წმინდა დეკორატიულ ამოცანებს, შეიძლება ითქვას, რომ ხშირად აქ არ არის გამოსახული თავად სამყარო, არამედ ამ სამყაროს პეიზაჟი, ანუ წარმოდგენილია არა თავად გამოსახულება, არამედ ამ გამოსახულების გამოსახულება.

ჰოლანდიელებისთვის გეოგრაფიული რუკა, გობელენი, ნახატი, ნახატში შეტანილი გამოსახულების სახით ღია ფანჯარა აფართოებს მსოფლიოს საზღვრებს ან ემსახურება მთავარი ნაკვეთის ალეგორიული მნიშვნელობის განვითარებას. ვერმეერი, ხსნის სახელოსნოს ფარდას, ხდება მეგზური რეალობის სამ დონეზე: მაყურებლის სივრცე, მისი სახელოსნოს სივრცე, ხელოვნების ნიმუშის სივრცე (ტილო, რომელიც დგას მოლბერტზე), ამ მეტამორფოზების შედარებას. ოკეანეებში ბანაობა, გეოგრაფიულ რუკაზე მონიშნული ან რუკაზე მონიშნულ მიწაზე ფრენა.

რეალობის გადაჭარბება - ხელოვნება - მითი ასევე შეიძლება შეინიშნოს ველასკესში, რომელიც ნებით მიმართავს "სურათი სურათში" ტექნიკას, რომლის მაგალითი შეიძლება იყოს მენინები და სპინერები.

"სურათი სურათში" ასევე არის ველასკესის "ვენერა სარკის წინ", მაგრამ ნისლიანი სარკე მხოლოდ სიყვარულის ქალღმერთის ჩრდილს ასახავს.

ფერწერა და ჩარჩო

მხატვრის მიერ შექმნილ ნებისმიერ გამოსახულებას, გარდა უძველესი კლდის ნახატებისა, აქვს ჩარჩო. კადრირება კომპოზიციის აუცილებელი და მნიშვნელოვანი ნაწილია, ის ასრულებს მას, ანიჭებს ერთიანობას. ჩარჩო შეიძლება იყოს იმავე სიბრტყეზე, როგორც თავად ფერწერული ან გრაფიკული კომპოზიცია. ის ასევე შეიძლება შეიქმნას სპეციალურად, როგორც ერთგვარი რელიეფური ფორმა დეკორატიული, სკულპტურული და არქიტექტურული ელემენტების დახმარებით. ყველაზე ხშირად არის მართკუთხა ფორმის ჩარჩოები, გარკვეულწილად ნაკლებად ხშირად - მრგვალი და ოვალური.

ჩარჩო ეხმარება განასხვავოს ნახატი გარემოსგან, როგორც რაღაც განსაკუთრებული და ყურადღების ღირსი, მაგრამ ამავე დროს აკავშირებს მას გარემოსთან. ასე რომ, თუ ჩარჩოს სტილი ემთხვევა ინტერიერის მხატვრულ გარეგნობას, სტრუქტურას და ხასიათს, სადაც სურათი მდებარეობს, ეს ხელს უწყობს ანსამბლის მთლიანობას. ფერის, დეკორატიული და სკულპტურული დეტალებით გაჯერების მიხედვით, ჩარჩო მნიშვნელოვნად მოქმედებს ფერწერული გამოსახულების საერთო შთაბეჭდილებაზე. ეს ყველაფერი საშუალებას გვაძლევს ვისაუბროთ სურათისა და ჩარჩოს ერთიანობაზე, სადაც კადრირება ასრულებს, რა თქმა უნდა, არა მთავარ, არამედ ძალიან საჭირო ფუნქციას.

დაზგური ფერწერის განვითარება რთული იყო. რა ნათელი ეტაპი იყო მის ისტორიაში გადასვლა შუა საუკუნეებიდან რენესანსამდე! მასში ყველაზე მნიშვნელოვანი იყო შუა საუკუნეებში გაბატონებული ხატის გამოსახულების სიმკაცრისა და აბსტრაქციისგან თავის დაღწევის სურვილი. დაახლოებით XIV საუკუნეში დაიბადა ნახატი ამ სიტყვის თანამედროვე გაგებით და მასთან ერთად გაჩნდა ჩარჩო, რომელიც ჯერ კიდევ გოთური დეკორაციის მაქმანებში იყო გამოწყობილი.

პირველი კადრები მთლიანად არ ეწინააღმდეგებოდა მთელ გამოსახულებას და არ იყო გამოყოფილი მისგან; ორივეს მასალა მსგავსი იყო, ფონის პირობითი მოოქროვება, მაგალითად, ძველი რუსული ან ბიზანტიური ხატის, გადადიოდა ჩარჩოზე და თავად გამოსახულება ხშირად „იფრქვეოდა“ მასზე. შემდეგ საზღვრები სურათსა და ჩარჩოს შორის უფრო და უფრო მკაფიოდ იქნა აღიარებული. მიუხედავად ამისა, წინა საუკუნეების ერთგვარ მოგონებად, ჩარჩომ შეინარჩუნა ოქროსფერი ფერი. როდესაც ნახატიდან გაქრა ოქროს ფონი, რომელიც ღვთაებრივი სამყაროს აღმნიშვნელი იყო, ჩარჩოს მოოქროვება პირობითად აღიქმებოდა, სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, ჩარჩოს აუცილებელ ატრიბუტად, რამაც ხელი შეუწყო ნახატის გამოკვეთას ოთახში. მიიპყრო მაყურებლის თვალი მასზე.

რენესანსში დომინირებდა ხატვის იდეა, როგორც სამყაროს ფანჯრიდან შეხედვა, ჩარჩო, თავისი ფორმებით, ძალიან ნათლად მიუთითებდა გაბატონებულ იდეაზე და ეხმაურებოდა მას. ეს ბრწყინვალე, საზეიმო ჩარჩოები მხატვრების ნახატების მიხედვით სპეციალურ სახელოსნოებში ან მის სახელოსნოში მომუშავე მხატვრის თანაშემწეების მიხედვით იყო გაკეთებული.

რენესანსის დროს მხატვრობა გამუდმებით ადარებდნენ სარკეს, რომელიც ასახავს რეალობას და ჩარჩო, რომელიც შექმნილია ორნამენტული სარკის ჩარჩოს მსგავსად, ამ შედარებას კიდევ უფრო ხაზს უსვამდა. ამ ჩარჩოს დამზადება შეიძლებოდა არა მხოლოდ ხის ფილებისა და თაბაშირისგან, არამედ ძვირფასი მასალებისგან, მათ შორის ვერცხლისგან, სპილოს ძვლისგან, დედის მარგალიტისგან და ა.შ. მასალების ძვირფასი, როგორც ჩანს, შეესაბამებოდა ნახატის ძვირფასს, აძლიერებდა მას.

ძველი ოსტატები ძალიან ყურადღებიანი იყვნენ ჩარჩოს მიმართ, მუშაობის პროცესში მისი გავლენის გათვალისწინებით, ხანდახან მზა ჩარჩოშიც კი ხატავდნენ, ჩარჩოს გარკვეული ტონისა და დეკორატიული რიტმის გათვალისწინებით. ამიტომ, ძველი ოსტატების კომპოზიციები ხშირად დიდ სარგებელს იძენს ორიგინალურ ჩარჩოებში.

ძველი ოსტატების ჩარჩოებზე დაკვირვება საშუალებას გვაძლევს დავადგინოთ კიდევ ერთი პრინციპი - კორესპონდენცია ჩარჩოს პროფილსა და სიგანესა და სურათის ზომას შორის: მაგალითად, ჰოლანდიელი მხატვრები თავიანთ პატარა ნახატებს დიდ ჩარჩოებში ღრმა, მტკნარი პროფილირებით ათავსებდნენ. , რომელიც, როგორც იქნა, მიჰყავს თვალი სურათის ცენტრში და იზოლირებს მას გარემოს ნებისმიერი გავლენისგან

მე-20 საუკუნის დასაწყისში გაისმა ხმები, რომლებიც მოუწოდებდნენ ჩარჩოების საერთოდ მიტოვებას, როგორც რაღაც ზედმეტად მატერიალურს, „დამყარებს“ ხელოვნების სულიერებას. სხვადასხვა ავანგარდისტმა მხატვრებმა, რომლებმაც მიიღეს ასეთი მოწოდებები, დაიწყეს თავიანთი ნამუშევრების გამოფენა ჩარჩოების გარეშე. თუმცა, ამ ინოვაციის შედეგად, მათმა ნამუშევრებმა თავად შეწყვიტეს ფერწერა ამ სიტყვის ვიწრო გაგებით. ეს იყო ერთგვარი „ობიექტები“, „ლაქები“, ხშირად მკაფიო მნიშვნელობის გარეშე.

მართალია, ახლა არ არის ერთი სტილი ჩარჩოების დიზაინში, როგორც ეს ადრე იყო, მაგრამ უფრო მეტია, ვიდრე ადრე, ჩარჩოს შესაბამისობა მხატვრის ინდივიდუალურ სტილთან.

ახლახან ხელოვნების გამოფენებზე შეიძლება შეამჩნიოთ, რომ იწყება ინერციის დაძლევა ჩარჩოების დიზაინთან (დაე, მაგრამ რაც არც ისე მნიშვნელოვანია), რომელიც წარსულში გამოიხატა ჩვენს მხატვრებთან. ჩარჩოები სხვადასხვა ფერშია მოხატული, მათზე ხშირად ათავსებენ დამატებით პატარა გამოსახულებებს და წარწერებს, მხატვრებს ეხმარებიან მოქანდაკეები - ჩნდება ჩარჩოები მდიდარი პლასტმასის მოტივებით.

სურათის ფორმატი

თუმცა არის სურათის ორი სპეციფიკური ელემენტი, რომლებიც თითქოს ქმნიან გადასვლას სიბრტყიდან გამოსახულებაზე, იმავდროულად მიეკუთვნებიან სურათის რეალობას და მის ფიქციას - ფორმატს და ჩარჩოს. შეიძლება ჩანდეს, რომ სურათის ფორმატი მხოლოდ ხელოვანის ინსტრუმენტია, მაგრამ არა მისი შემოქმედებითი კონცეფციის პირდაპირი გამოხატულება: ბოლოს და ბოლოს, მხატვარი მხოლოდ ფორმატს ირჩევს. იმავდროულად, ფორმატის ბუნება ყველაზე მჭიდროდ არის დაკავშირებული ხელოვნების ნაწარმოების მთელ შინაგან სტრუქტურასთან და ხშირად მიუთითებს მხატვრის განზრახვის გაგების სწორ გზაზეც კი. როგორც წესი, ფორმატს მხატვრის მუშაობის დაწყებამდე ირჩევენ. მაგრამ ცნობილია არაერთი მხატვარი, რომლებსაც მოსწონდათ სურათის ფორმატის შეცვლა მუშაობის დროს, ან ამოჭრეს მისგან, ან დაამატეს ახლები (ველასკესმა ეს განსაკუთრებით ნებით გააკეთა).

სურათის ყველაზე გავრცელებული ფორმატი ოთხკუთხაა, სუფთა კვადრატი გაცილებით იშვიათია ვიდრე ოთხკუთხედი მეტ-ნაკლებად წაგრძელებული ზემოთ ან სიგანეში. ზოგიერთი ეპოქა აფასებს მრგვალ ფორმატს (ტონდოს) ან ოვალურს. ფორმატის არჩევანი შემთხვევითი არ არის, ფორმატი, როგორც წესი, ავლენს ღრმა, ორგანულ კავშირს როგორც ხელოვნების ნაწარმოების შინაარსთან, მის ემოციურ ტონთან და სურათის კომპოზიციასთან, თანაბრად ნათლად ასახავს მხატვრის ინდივიდუალურ ტემპერამენტს. და მთელი ეპოქის გემო. ყოველი სურათის წინ ვგრძნობთ ფარულ მიზეზობრივ კავშირს ფორმატსა და ხელოვანის განზრახვას შორის, საიდანაც მოდის ნამდვილი ხელოვნების ნიმუშის ხიბლი. არის ნახატები, რომელთა შინაარსი იმდენად არის შერწყმული ფორმატის ბუნებასთან, რომ პროპორციების ოდნავი ცვლილება, როგორც ჩანს, უნდა დაარღვიოს სურათის სტილისტური და იდეოლოგიური ბალანსი.

ჰორიზონტალური, წაგრძელებული ფორმატი, ზოგადად, რა თქმა უნდა უფრო შესაფერისია ნარატიული კომპოზიციისთვის, მაყურებლის წინ მოძრაობის თანმიმდევრული გაშლისთვის. ამიტომ, მხატვრები, რომლებიც ეპიკურ განწყობაზე არიან, მიისწრაფვიან აქტიური კომპოზიციისაკენ, მოქმედებისკენ, ნებით მიმართავენ ამ ფორმატს, მაგალითად, მე-14 და მე-15 საუკუნის პირველი ნახევრის იტალიელი მხატვრები (განსაკუთრებით ფრესკულ კომპოზიციებში). პირიქით, კვადრატული ფორმატი ან ის, რომელშიც სიმაღლე გარკვეულწილად ჭარბობს სიგანეზე, თითქოს მაშინვე აჩერებს მოქმედების დინამიკას და კომპოზიციას ანიჭებს საზეიმო წარმოდგენის ხასიათს - სწორედ ამ ტიპის ფორმატი იყო, რომ ოსტატები მაღალი რენესანსი უპირატესობას ანიჭებდა საკურთხევლის ნახატებს ("სიქსტე მადონა"). თავის მხრივ, სიმაღლის მნიშვნელოვანი უპირატესობით სიგანეზე, კომპოზიცია კვლავ იძენს დინამიკას, ძლიერ წევას, მაგრამ ამჯერად მაღლა ან ქვევით; ასეთი ვიწრო ფორმატი განსაკუთრებით მოეწონა არისტოკრატ, დეკორატიულ (კრიველი) ან მისტიკურ (მანერისტ, გრეკო) მხატვრებს, რომლებიც ცდილობდნენ გარკვეული ემოციებისა და განწყობების განსახიერებას.

უდავოა ფორმატის კავშირი ხელოვანის ინდივიდუალურ ტემპერამენტთან: რუბენსის სენსუალური, დინამიური ფანტაზია უფრო დიდ ფორმატს მოითხოვს, ვიდრე რემბრანდტის თავშეკავებული და სულიერი ფანტაზია. და ბოლოს, ფორმატი პირდაპირ არის დამოკიდებული ფერწერულ ტექნიკაზე. რაც უფრო ფართო, თავისუფალია მხატვრის ფუნჯი, მით უფრო ბუნებრივია მისი დიდი ფორმატის სურვილი.

კარიკატურა(it. caricatura, carcare-დან - დატვირთვა, გაზვიადება) - სახვითი ხელოვნების ჟანრი, რომელიც იყენებს სატირისა და იუმორის საშუალებებს, გროტესკს, კარიკატურას ნებისმიერი სოციალური, პოლიტიკური და საშინაო ფენომენის ან კონკრეტული პიროვნებისა და მოვლენის კრიტიკულად შესაფასებლად. კარიკატურული გამოსახულების კომიკური ეფექტი იქმნება დამახასიათებელი ნიშნების გაზვიადებითა და სიმკვეთრით, მოულოდნელი შედარებებით, მსგავსებით, მეტაფორებით, რეალურისა და ფანტასტიკურის შერწყმით. კარიკატურა ძირითადად გამოიყენება გაზეთებისა და ჟურნალების გრაფიკაში, მაგრამ ის ასევე პოულობს თავის ადგილს სატირულ ფერწერასა და მცირე პლასტიკურ ხელოვნებაში, პლაკატებში და მონუმენტურ ფერწერაშიც კი. კარიკატურა ჩანს ხალხურ ხელოვნებაში, განსაკუთრებით ლუბოკში. გამოჩენილი კარიკატურისტები იყვნენ ჯ.ეფელი (საფრანგეთი), ქს. ბიდსტრუპი (დანია), კუკრინიკსი (მ. კუპრიანოვი, პ. კრილოვი, ნ. სოკოლოვი - რუსეთი).

ფერწერა- ფერწერის დაზგური ნამუშევარი, რომელსაც აქვს დამოუკიდებელი ღირებულება. კვლევისა და ჩანახატისგან განსხვავებით, ნახატი არის სრული ნამუშევარი, მხატვრის ხანგრძლივი მუშაობის შედეგი, დაკვირვების განზოგადება და ჩანაფიქრის სიღრმე და ფიგურალური შინაარსი. სურათის შექმნისას მხატვარი ეყრდნობა ბუნებას, მაგრამ შემოქმედებითი ფანტაზია ამ პროცესში მნიშვნელოვან როლს ასრულებს. ფერწერის კონცეფცია, უპირველეს ყოვლისა, გამოიყენება სიუჟეტურ-თემატური ხასიათის ნამუშევრებზე, რომელთა საფუძველია მნიშვნელოვანი ისტორიული, მითოლოგიური ან სოციალური მოვლენების, ადამიანის ქმედებების, აზრებისა და ემოციების გამოსახვა მრავალფიგურიან რთულ კომპოზიციებში. ამიტომ ფერწერის განვითარებაში ნახატი წამყვან როლს თამაშობს. ნახატი შედგება ძირისგან (ტილო, ხის ან ლითონის დაფა, პლაივუდი, მუყაო, დაპრესილი დაფა, პლასტმასი, ქაღალდი, აბრეშუმი და სხვ.), რომელზედაც დატანილია პრაიმერი და საღებავის ფენა. ნახატის ესთეტიკური აღქმა მნიშვნელოვნად უმჯობესდება, როდესაც ის მოთავსებულია შესაბამის ჩარჩოში (ბაგეტში), რომელიც აშორებს ნახატს გარემომცველი სამყაროსგან. ნახატის აღმოსავლური ტიპი ინარჩუნებს თავისუფლად ჩამოკიდებული გაშლილი გრაგნილის ტრადიციულ ფორმას (ჰორიზონტალური ან ვერტიკალური). სურათი, მონუმენტური მხატვრობისგან განსხვავებით, მჭიდროდ არ არის დაკავშირებული გარკვეულ ინტერიერთან. შეიძლება კედლიდან ამოღება და სხვანაირად ჩამოკიდება. ხელოვნების მწვერვალს მიაღწია გამოჩენილი მხატვრების ნახატებში. მოდერნიზმის მრავალფეროვან მიმდინარეობებში შეინიშნება სიუჟეტის დაკარგვა და ფიგურატიულობის უარყოფა, რითაც სურათის კონცეფცია მნიშვნელოვნად გადაიხედება. მე-20 საუკუნის ფერწერული ნამუშევრების სულ უფრო ფართო სპექტრი. მოუწოდა სურათები.

სურათების გალერეა- ხელოვნების მუზეუმი, სადაც ექსკლუზიურად ან ძირითადად ფერწერის ნამუშევრებია გამოფენილი. სამხატვრო გალერეას ასევე უწოდებენ ფერწერის სექციებს დიდ მუზეუმებში და სასახლის დარბაზებში, რომლებიც განკუთვნილია ნახატების კოლექციებისთვის. ძველ საბერძნეთში ნახატების საცავს ეძახდნენ პინაკოტეკს, მოგვიანებით კი ნახატების დიდ კოლექციებს, ანუ ხელოვნების გალერეებს ეძახდნენ. მსოფლიოს მრავალი უდიდესი ხელოვნების მუზეუმი არის სამხატვრო გალერეა და ატარებს გალერეების სახელს, მათ შორისაა ლონდონის ეროვნული გალერეა, ვაშინგტონის ხელოვნების ეროვნული გალერეა, მოსკოვის სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეა და სხვა.

ფუნჯი- მხატვრის ხელსაწყო, ძირითადად მხატვარი, რომელიც არის კალამი ბოლოში წყობით. საღებავების ფუნჯებს ჩვეულებრივ იყენებენ თმიდან: ჯაგარი (გოჭის თეთრი ჯაგრისგან), კოლინსკი (წითელი კვერნას თმიდან - სვეტი), ციყვი, ფერია და ა. წვრილმან დეტალებზე მუშაობისთვის, მაგალითად ციყვი. გუაშით შეღებვისთვის, ტემპერა, ზეთის საღებავები, მყარი ჯაგარის ფუნჯები არჩეულია. ძველად მხატვრები იყენებდნენ მაჩვის ფუნჯს, რომელსაც ფლეიტა ჰქვია, რომლითაც ასწორებდნენ საღებავის ზედაპირს, ანადგურებდნენ საღებავზე დარჩენილ ნაკაწრებს ჯაგარის ფუნჯით. ჯაგრისები მრგვალი და ბრტყელია, მოკლე და გრძელი წყობით, მყარი და რბილი. თითოეულ ფუნჯზე არის პიფრა (1, 2, 3 და ა.შ.). რაც უფრო დიდია რიცხვი, მით უფრო დიდია ფუნჯი. ფუნჯში თმის ბოლოები უნდა იყოს წვეტიანი და არა მოჭრილი. თმა ისე უნდა იყოს შეწყობილი, რომ ის პარალელურად იყოს და გვერდებზე არ იყოს გამოწებებული. კარგი ფუნჯი ინარჩუნებს ფორმას წყლით დაბანის შემდეგაც, ხოლო ცუდი ჯაგრისი მაშინაც კი, თუ საღებავშია ჩასმული. ასეთი ფუნჯი საერთოდ არ გამოდგება ფერწერისთვის. ბოლო დროს, მხატვრები უპირატესობას ანიჭებენ ბრტყელ ფუნჯებს, რომლებიც უფრო მკაფიო ფუნჯს იძლევა. ამჟამად ფართო და ბრტყელ ფუნჯს ფლეიტა ჰქვია. გამოიყენება დიდი ზედაპირების შეღებვისა და ტილოების დასაკრავად. ფუნჯები ასევე გამოიყენება გრაფიკასა და კალიგრაფიაში.

KITSCH(გერმანული Kitsch - ასოები, ჰაკი, ცუდი გემო) - ფსევდომხატვრული პროდუქცია, რომელიც აკმაყოფილებს დაბალ მხატვრულ გემოვნებას და განუვითარებელ ესთეტიკურ მოთხოვნილებებს. კიჩს ახასიათებს ფერების ხმამაღალი, ეკლექციზმი, დეკორაციის სიჭარბე, ძვირფასი მასალების ყალბი. კიჩის გამოვლინება შესაძლებელია ყველა სახის პლასტიკურ ხელოვნებაში, მაგრამ ყველაზე ხშირად ისინი გვხვდება მასობრივი ხელოვნების წარმოებაში, სუვენირების ინდუსტრიაში, მასობრივ ბეჭდურ გრაფიკაში და ხელოვნების ზოგიერთ სახეობაში.

კლასიკური(ლათინური classicus-დან - სამაგალითო) - ხელოვნების ისტორიაში, უძველესი ხელოვნების უმაღლესი აღმავლობის ხანა V-IV საუკუნეებში. ძვ.წ ე. კლასიკური ხელოვნება - ძველი საბერძნეთისა და ძველი რომის ხელოვნება მათი აყვავების პერიოდში, ასევე ევროპული რენესანსისა და კლასიციზმის ხელოვნება, რომელიც პირდაპირ ეფუძნებოდა ძველ ტრადიციებს. კლასიკის ეპოქაში ჩამოყალიბდა ძირითადი არქიტექტურული ორდენები, განვითარდა რეგულარული ქალაქგეგმარება, მონუმენტური ქანდაკება, განუყოფლად იყო დაკავშირებული არქიტექტურასთან და აყვავდა დეკორატიული ხელოვნება. ჰარმონიული ადამიანების გამოსახულებები, რომლებიც დაჯილდოვებულია როგორც ფიზიკური, ასევე სულიერი სილამაზით, შექმნეს უდიდესი მოქანდაკეების მირონის, პოლიკლეტის, ფიდიასის, პრაქსიტელეს, სკოპას მიერ. კლასიკურ ხელოვნებაში მაღალგანვითარებული იყო ფერწერა (Polygnotus). V საუკუნეში ძვ.წ ე. შეიქმნა ძველი საბერძნეთის ყველაზე სრულყოფილი არქიტექტურული ნამუშევრები - პართენონის ტაძრები (არქიტექტორები იქტინი და კალიკრატი) და ერეხთეონი, რომელიც მდებარეობს ათენის აკროპოლისზე, აღინიშნა მთელი და ყველა არქიტექტურული და სკულპტურული დეტალის მხატვრული ერთიანობით. კლასიკური ხელოვნება ასოცირდება ათენისა და სხვა ქალაქ-სახელმწიფოების აყვავებასთან, რომლებშიც არსებობდა მონათმფლობელური დემოკრატიის სისტემა.

კლასიციზმი(ლათინური classicus-დან - სამაგალითო) - მე-17-19 საუკუნეების ევროპული ხელოვნების მხატვრული სტილი, რომლის ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი მახასიათებელი იყო მიმართვა ანტიკური ხელოვნებისადმი, როგორც უმაღლესი მოდელისა და მაღალი რენესანსის ტრადიციებზე დაყრდნობით. კლასიციზმის ხელოვნება ასახავდა საზოგადოების ჰარმონიული სტრუქტურის იდეებს, მაგრამ მრავალი თვალსაზრისით დაკარგა ისინი რენესანსის კულტურასთან შედარებით. ინდივიდისა და საზოგადოების კონფლიქტები, იდეალი და რეალობა, გრძნობები და მიზეზი მოწმობს კლასიციზმის ხელოვნების სირთულეზე. კლასიციზმის მხატვრულ ფორმებს ახასიათებს სურათების მკაცრი ორგანიზებულობა, წონასწორობა, სიცხადე და ჰარმონია. კლასიციზმის არქიტექტურას ახასიათებს ანტიკური ნიმუშებით შთაგონებული წესრიგის სისტემა, მოცულობებისა და განლაგების სიცხადე და გეომეტრიული სისწორე, პორტიკები, სვეტები, ქანდაკებები და რელიეფები, რომლებიც გამოირჩევა კედლების ზედაპირზე. არქიტექტურის გამორჩეული შედევრი, რომელიც აერთიანებს კლასიციზმსა და ბაროკოს ერთ საზეიმო სტილში, იყო სასახლისა და პარკის ანსამბლი ვერსალში - ფრანგი მეფეების რეზიდენცია (მე-17 საუკუნის მეორე ნახევარი). ფერწერაში სიუჟეტის ლოგიკურმა განვითარებამ, მკაფიო დაბალანსებულმა კომპოზიციამ, მოცულობის მკაფიო გადაცემამ, ფერის დაქვემდებარებულმა როლმა ქიაროსკუროს დახმარებით, ადგილობრივი ფერების გამოყენებამ (ნ. პუსენი, კ. ლორენი) მთავარი შეიძინა. მნიშვნელობა. ლანდშაფტებში გეგმების მკაფიო დელიმიტაციაც გამოიკვეთა ფერის დახმარებით: წინა პლანი უნდა ყოფილიყო ყავისფერი, შუა – მწვანე, ხოლო შორი – ლურჯი.