Každá krajina má svojich hrdinov súčasného umenia, ktorých mená sú známe, na ktorých výstavách sa stretávajú davy fanúšikov a zvedavcov a ktorých diela sú distribuované do súkromných zbierok.
V tomto článku vám predstavíme najpopulárnejších súčasných umelcov v Spojených štátoch.
Iva Morrisová
Americká umelkyňa Iva Morris sa narodila do veľkej rodiny ďaleko od umenia a umelecké vzdelanie získala po škole. V roku 1981 získala bakalársky titul v odbore umenia na Univerzite v Novom Mexiku. Dnes sa Iva venuje umeniu už viac ako 20 rokov, jej diela sú známe doma aj v zahraničí a opakovane jej prinášajú ceny a ocenenia. Možno ich nájsť v galériách Albuquerque, Sante Fe, Nové Mexiko, Madrid.
Warren Chang
Umelec Urren Cheng sa narodil v roku 1957 v Kalifornii, získal titul Bachelor of Fine Arts v odbore maľba na Pasadena College of Design a nasledujúcich 20 rokov pracoval ako ilustrátor pre rôzne spoločnosti, pričom svoju kariéru profesionálneho umelca začal až v roku 2009. Chengov štýl maľby je zakorenený v diele umelca zo 16. storočia Jana Vermeera – Warren Cheng pracuje realistickým spôsobom a vytvára dve hlavné kategórie: biografické interiéry a obrazy zobrazujúce pracujúcich ľudí. V súčasnosti vyučuje na Akadémii výtvarných umení v San Franciscu.
Christopher Traedy Ulrich
Umelec Christopher Ulrich z Los Angeles je surrealista s ikonografickým sklonom. Jeho tvorba bola výrazne ovplyvnená antickou mytológiou. Ulrichova prvá samostatná výstava (spoločne s umelcom Billym Shireom) sa konala v júni 2009.
Michael DeVoreMichael DeVore
Mladý umelec, rodák z Oklahoma City Michael Devore, pracuje v klasickej realistickej tradícii. Do umenia vstúpil s pomocou a podporou svojej rodiny a predtým, ako začal študovať výtvarné umenie na Pepperdine University v Malibu, vo svojom domovskom štáte získal množstvo ocenení. Potom umelec pokračoval v štúdiu v Taliansku. V súčasnosti sú jeho diela vystavované po celom svete a nachádzajú sa v súkromných zbierkach. Michael Devore je členom Oil Painters of America, International Guild of Realism, National Society of Oil and Acrylic Painters a Portrait Painters of America.
Mary Carol Kenney
Mary Carol Kenny sa narodila v Indiane v roku 1953. Vzdelaním je veľmi vzdialene príbuzná výtvarnému umeniu, ale od roku 2002, poháňaná túžbou stať sa umelkyňou, začala navštevovať kurzy sochárstva a keramiky na Santa Barbara City College a potom začala študovať u Rickyho Stricha. V súčasnosti je členkou The Santa Barbara Art Ass, Santa Barbara Sculptor's Guild a je držiteľkou mnohých ocenení v oblasti sochárstva a maľby.
Patricia Watwoodová
Realistická umelkyňa Patricia Watwood sa narodila v roku 1971 v Missouri. Vyštudovala s vyznamenaním Akadémiu výtvarných umení, študovala u Jacoba Collinsa a Teda Setha Jacobsa. Umelcov štýl je moderný klasicizmus: v obrazoch sa prelína mytológia, alegórie a moderný život. V posledných rokoch Patricia prednáša o klasicizme po celej krajine a teraz žije so svojou rodinou v Brooklyne.
Paula Rubino
Paula Rubino je súčasná americká umelkyňa a spisovateľka narodená v roku 1968 v New Jersey a vyrástla na Floride. Má doktorát z práva. V 90. rokoch sa presťahovala do Mexika a zamerala sa na maľovanie. Študovala umenie kresby v Taliansku, kde dokončila svoj prvý román. Vyšla aj séria jej poviedok. V súčasnosti žije na Floride.
Patssy Valdez
Patssy Valdez sa narodila v Los Angeles v roku 1951 a študovala výtvarné umenie na Otis Art Institute, kde v roku 1980 získala titul Distinguished Alumnus. V roku 2005 získal Valdes ocenenie a titul „Latina of Excellence in the Cultural Arts“ od amerického Kongresu Latinskoamerického fóra. Do povedomia sa dostala na začiatku svojej kariéry počas spolupráce s avantgardnou umeleckou skupinou ASCO. Je držiteľom mnohých prestížnych ocenení, vrátane tých, ktoré udeľuje J. Paul Getty Visual Arts Trust Fund a National Endowment for the Arts. Získal Brody Fellowship in Visual Arts. Valdesove obrazy sú súčasťou niekoľkých veľkých zbierok.
Cynthia Grilli
Umelkyňa Cynthia Grilli získala titul bakalára výtvarných umení na Rhode Island School of Design v roku 1992 a v roku 1994 magisterský titul v maľbe na New York Academy of Art. Jej práce boli publikované v mnohých publikáciách v USA, vystavované po celej krajine a sú zahrnuté v súkromných a podnikových zbierkach v Amerike a Európe. Cynthia je dvojnásobnou držiteľkou nadácie Elizabeth Greenshields Foundation.
Eric Fischl
Eric Fischl sa narodil v New Yorku v roku 1948. V roku 1972 ukončil bakalársky titul na California Institute of the Arts. Po ukončení štúdia nejaký čas pracoval ako ochrankár v Chicagskom múzeu moderného umenia. Po presťahovaní do Škótska začal Fischl vyučovať na Vysokej škole umenia a dizajnu v Novom Škótsku a začal priamo maľovať. V Škótsku sa konala jeho prvá samostatná výstava. Žánre jeho tvorby sú veľmi rôznorodé, ale hlavne figuratívna maľba, epizódy zo súčasného amerického života.
AMERICKÉ MAĽOVANIE
Prvé diela amerického maliarstva, ktoré sa k nám dostali, pochádzajú zo 16. storočia; ide o náčrty členov výskumných výprav. Profesionálni umelci sa však v Amerike objavili až začiatkom 18. storočia; jediným stabilným zdrojom príjmu bol pre nich portrét; tento žáner naďalej zaujímal vedúce postavenie v americkej maľbe až do začiatku 19. storočia.
koloniálneho obdobia. Prvá skupina portrétov, vyhotovená technikou olejomaľby, pochádza z druhej polovice 17. storočia; v tom čase prebiehal život osadníkov pomerne pokojne, život sa stabilizoval a naskytli sa príležitosti na umenie. Z týchto diel je najznámejší portrét pani Frickovej s dcérou Mary (1671-1674, Massachusetts Museum of Art vo Warsteri), ktorý namaľoval neznámy anglický umelec. V tridsiatych rokoch 18. storočia už niekoľko umelcov v mestách na východnom pobreží pracovalo modernejším a realistickejším spôsobom: Henrietta Johnston v Charlestone (1705), Justus Englehardt Kuhn v Annapolise (1708), Gustav Hesselius vo Philadelphii (1712), John Watson v Perthe Emboy v New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) a John Smybert (1728) v Bostone. Obraz posledných dvoch mal významný vplyv na tvorbu Johna Singletona Copleyho (1738-1815), ktorý je považovaný za prvého významného amerického umelca. Z rytín z Pelhamovej zbierky získal mladý Copley predstavu o anglickom formálnom portréte a maľbe Godfreyho Nellera, popredného anglického majstra, ktorý sa tomuto žánru venoval na začiatku 18. storočia. Na obraze Chlapec s veveričkou (1765, Boston, Museum of Fine Arts) vytvoril Copley nádherný realistický portrét, jemný a prekvapivo presný v prenose textúry predmetov. Keď Copley v roku 1765 poslal toto dielo do Londýna, Joshua Reynolds mu poradil, aby pokračoval v štúdiu v Anglicku. Copley však zostal v Amerike až do roku 1774 a pokračoval v maľovaní portrétov a starostlivo prepracoval všetky detaily a nuansy v nich. Potom podnikol cestu do Európy a v roku 1775 sa usadil v Londýne; V jeho štýle sa objavil manierizmus a črty idealizácie, charakteristické pre anglickú maľbu tejto doby. Medzi najlepšie diela, ktoré vyprodukoval Copley v Anglicku, patria veľké formálne portréty pripomínajúce prácu Benjamina Westa, vrátane Brooke Watson and the Shark (1778, Boston, Museum of Fine Arts). Benjamin West (1738-1820) sa narodil v Pensylvánii; po namaľovaní niekoľkých portrétov Filadelfov sa v roku 1763 presťahoval do Londýna. Tu získal slávu ako maliar histórie. Príkladom jeho tvorby v tomto žánri je obraz Smrť generála Wolfa (1770, Ottawa, Národná galéria Kanady). V roku 1792 West nahradil Reynoldsa ako prezidenta Britskej kráľovskej akadémie umení.
Vojna za nezávislosť a začiatok 19. storočia Na rozdiel od Copleyho a Westa, ktorí zostali navždy v Londýne, sa portrétista Gilbert Stuart (1755 – 1828) v roku 1792 vrátil do Ameriky a urobil kariéru v Londýne a Dubline. Čoskoro sa stal popredným majstrom tohto žánru v mladej republike; Stuart maľoval portréty takmer každej významnej politickej a verejnej osobnosti v Amerike. Jeho práca je vykonaná živým, voľným, útržkovitým spôsobom, veľmi odlišným od štýlu Copleyho americkej tvorby. Benjamin West privítal vo svojom londýnskom štúdiu mladých amerických umelcov; medzi jeho žiakov patrili Charles Wilson Peel (1741-1827) a Samuel F. B. Morse (1791-1872). Peel sa stal zakladateľom dynastie maliarov a rodinného umeleckého podniku vo Philadelphii. Maľoval portréty, venoval sa vedeckému výskumu a otvoril Prírodovedné a maliarske múzeum vo Philadelphii (1786). Z jeho sedemnástich detí sa mnohé stali umelcami a prírodovedcami. Morse, lepšie známy ako vynálezca telegrafu, namaľoval niekoľko krásnych portrétov a jeden z najveľkolepejších obrazov v celej americkej maľbe, galériu Louvre. V tomto diele je miniatúrne reprodukovaných asi 37 plátien s úžasnou presnosťou. Toto dielo, podobne ako celé Morseovo dielo, malo za cieľ zoznámiť mladý národ s veľkou európskou kultúrou. Washington Allston (1779-1843) bol jedným z prvých amerických umelcov, ktorí vzdali hold romantizmu; počas dlhých ciest po Európe maľoval morské búrky, poetické talianske výjavy a sentimentálne portréty. Začiatkom 19. stor otvorili sa prvé americké umelecké akadémie, ktoré poskytovali študentom odbornú prípravu a priamo sa podieľali na organizovaní výstav: Pennsylvania Academy of Arts vo Philadelphii (1805) a National Academy of Drawing v New Yorku (1825), ktorej prvým prezidentom bol S. R. Morse. . V 20. a 30. rokoch 19. storočia John Trumbull (1756-1843) a John Vanderlyn (1775-1852) namaľovali obrovské kompozície založené na americkej histórii, ktoré zdobili steny rotundy Capitol vo Washingtone. V 30. rokoch 19. storočia sa krajina stala dominantným žánrom americkej maľby. Thomas Cole (1801-1848) maľoval divočinu severu (štát New York). Tvrdil, že počasie ošľahané hory a svetlé jesenné lesy sú pre amerických umelcov vhodnejším námetom ako malebné európske ruiny. Cole tiež namaľoval niekoľko krajín preniknutých etickým a náboženským významom; sú medzi nimi štyri veľké obrazy Cesta života (1842, Washington, Národná galéria) - alegorické kompozície zobrazujúce loď klesajúcu po rieke, v ktorej sedí chlapec, potom mladý muž, potom muž a nakoniec starec. Mnohí krajinári nasledovali Coleov príklad a vo svojich dielach zobrazovali pohľady na americkú prírodu; často sú spájané pod názvom „Hudson River School“ (čo nie je pravda, keďže pracovali po celej krajine a písali rôznymi štýlmi). Z amerických žánrových maliarov sú najznámejší William Sidney Mount (1807-1868), ktorý maľoval výjavy zo života farmárov z Long Islandu a George Caleb Bingham (1811-1879), ktorého obrazy sú venované životu rybárov z r. brehy Missouri a voľby v malých provinčných mestách. Pred občianskou vojnou bol najpopulárnejším umelcom Frederick Edwin Church (1826-1900), študent Colea. Maľoval prevažne na veľký formát a používal niekedy až príliš naturalistické motívy, aby zaujal a ohromil publikum. Church cestoval na najexotickejšie a najnebezpečnejšie miesta a zbieral materiál pre obraz juhoamerických sopiek a ľadovcov severných morí; jedným z jeho najznámejších diel je obraz Niagarské vodopády (1857, Washington, Corcoran Gallery). V 60. rokoch 19. storočia vzbudzovali obrovské plátna Alberta Bierstadta (1830 – 1902) všeobecný obdiv kráse Skalistých hôr, ktoré sú na nich zobrazené, s ich priezračnými jazerami, lesmi a týčiacimi sa štítmi.
Povojnové obdobie a prelom storočia. Po občianskej vojne sa stalo módou študovať maliarstvo v Európe. V Düsseldorfe, Mníchove a najmä v Paríži sa dalo získať oveľa zásadnejšie vzdelanie ako v Amerike. James McNeil Whistler (1834-1903), Mary Cassatt (1845-1926) a John Singer Sargent (1856-1925) študovali v Paríži a žili a pracovali vo Francúzsku a Anglicku. Whistler mal blízko k francúzskym impresionistom; vo svojich obrazoch dbal najmä na farebné kombinácie a výraznú, výstižnú kompozíciu. Mary Cassatt sa na pozvanie Edgara Degasa zúčastnila na výstavách impresionistov v rokoch 1879 až 1886. Sargent maľoval portréty najvýznamnejších ľudí Starého a Nového sveta odvážnym, impulzívnym a povrchným spôsobom. Opačná strana štýlového spektra k impresionizmu v umení konca 19. storočia. obsadili realistickí umelci, ktorí maľovali iluzionistické zátišia: William Michael Harnett (1848-1892), John Frederic Peto (1854-1907) a John Haberl (1856-1933). Dvaja významní umelci konca 19. a začiatku 20. storočia, Winslow Homer (1836-1910) a Thomas Eakins (1844-1916), nepatrili k žiadnemu z vtedy módnych umeleckých hnutí. Homer začal svoju umeleckú kariéru v 60. rokoch 19. storočia ilustrovaním newyorských časopisov; už v 90. rokoch 19. storočia mal povesť slávneho umelca. Jeho rané obrazy sú výjavmi vidieckeho života nasýteného jasným slnečným svetlom. Neskôr sa Homer obrátil k zložitejším a dramatickejším obrazom a témam: Golfský prúd (1899, Met) zobrazuje zúfalstvo čierneho námorníka ležiaceho na palube člna v rozbúrenom mori zamorenom žralokmi. Thomas Eakins bol počas svojho života vystavený tvrdej kritike za prílišný objektivizmus a priamosť. Teraz sú jeho diela vysoko cenené pre prísnu a jasnú kresbu; jeho štetec patrí k obrazom športovcov a úprimným, sympatickým portrétnym obrazom.
Dvadsiate storočie. Na začiatku storočia boli cenené predovšetkým napodobeniny francúzskeho impresionizmu. Verejný vkus spochybnila skupina ôsmich umelcov: Robert Henry (1865-1929), W.J. Glackens (1870-1938), John Sloane (1871-1951), J.B. 1876-1953), A. B. Davis (1862-1928), Maurice Prendergast (1859-1924) a Ernest Lawson (1873-1939). Kritici ich nazvali školou „odpadkového koša“ pre ich záľubu v zobrazovaní slumov a iných prozaických predmetov. V roku 1913 na tzv. „Armory Show“ vystavovala diela majstrov patriacich do rôznych oblastí postimpresionizmu. Americkí umelci boli rozdelení: niektorí sa obrátili na štúdium možností farebnej a formálnej abstrakcie, iní zostali v realistickej tradícii. Do druhej skupiny patrili Charles Burchfield (1893-1967), Reginald Marsh (1898-1954), Edward Hopper (1882-1967), Fairfield Porter (1907-1975), Andrew Wyeth (nar. 1917) a ďalší. Obrazy Ivana Albrighta (1897 – 1983), Georgea Tookera (nar. 1920) a Petra Blooma (1906 – 1992) sú písané v štýle „magického realizmu“ (podobnosť s prírodou v ich dielach je prehnaná a realita je viac ako sen alebo halucinácia). Iní umelci, ako Charles Sheeler (1883-1965), Charles Demuth (1883-1935), Lionel Feininger (1871-1956) a Georgia O "Keeffe (1887-1986), kombinovali vo svojich dielach prvky realizmu, kubizmu, expresionizmu. a ďalšie prúdy európskeho umenia. Námorné pohľady Johna Marina (1870 – 1953) a Marsdena Hartleyho (1877 – 1943) sú blízke expresionizmu. Obrazy vtákov a zvierat na maľbách Mauricea Gravesa (nar. 1910) si stále zachovávajú spojenie s viditeľným svetom, aj keď formy v jeho tvorbe sú silne skreslené a redukované na takmer krajné symbolické označenie.Po 2. svetovej vojne sa hlavným trendom v americkom umení stala neobjektívna maľba. Hlavná pozornosť sa teraz venovala tzv. Samotný obrazový povrch bol vnímaný ako aréna interakcie línií, hmôt a farebných škvŕn. Abstraktný expresionizmus sa v týchto rokoch ujal a stal sa prvým hnutím v maľbe, ktoré sa objavilo v Spojených štátoch a malo medzinárodný význam, na čele s Arsailom Gorkým (1904-1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904-1997), Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rothko (1903-1970) a Franz Kline (1910-1962). Jedným z najzaujímavejších objavov abstraktného expresionizmu bola výtvarná metóda Jacksona Pollocka, ktorý kvapkal farbu na plátno alebo ich hádzal, aby vytvoril zložitý labyrint dynamických lineárnych foriem. Ďalší umelci tohto smeru - Hans Hofmann (1880-1966), Clyford Still (1904-1980), Robert Motherwell (1915-1991) a Helen Frankenthaler (nar. 1928) - praktizovali techniku farbenia na plátno. Ďalším variantom neobjektívneho umenia je maľba Josefa Albersa (1888-1976) a Eda Reinharta (1913-1967); ich obrazy pozostávajú z chladných, presne vypočítaných geometrických tvarov. Ďalšími umelcami, ktorí pracovali v tomto štýle, sú Ellsworth Kelly (nar. 1923), Barnett Newman (1905-1970), Kenneth Noland (nar. 1924), Frank Stella (nar. 1936) a Al Held (nar. 1928); neskôr viedli smer opt-art. Proti neobjektívnemu umeniu sa koncom 50. rokov postavili Robert Rauschenberg (nar. 1925), Jasper Johns (nar. 1930) a Larry Rivers (nar. 1923), ktorí pracovali v zmiešaných médiách vrátane techniky asambláže. Do svojich „obrázkov“ zahrnuli fragmenty fotografií, novín, plagátov a iných predmetov. Začiatkom 60. rokov 20. storočia splodilo zhromaždenie nové hnutie, tzv. pop art, ktorého predstavitelia veľmi starostlivo a presne reprodukovali vo svojich dielach rôzne predmety a obrazy americkej popkultúry: plechovky Coca-Coly a konzervy, balíčky cigariet, komiksy. Poprednými umelcami tohto smeru sú Andy Warhol (1928-1987), James Rosenquist (nar. 1933), Jim Dine (nar. 1935) a Roy Lichtenstein (nar. 1923). Po pop arte sa objavil opt art, založený na princípoch optiky a optickej ilúzie. V sedemdesiatych rokoch v Amerike naďalej existovali rôzne školy expresionizmu, geometrický hard-edge, pop-art, fotorealizmus, ktorý sa čoraz viac stával módnym, a iné štýly výtvarného umenia.
LITERATÚRA
Chegodaev A.D. Umenie Spojených štátov amerických od vojny za nezávislosť až po súčasnosť. M., 1960 Chegodaev A.D. Umenie Spojených štátov amerických. 1675-1975. Maliarstvo, architektúra, sochárstvo, grafika. M., 1975
Collierova encyklopédia. - Otvorená spoločnosť. 2000 .
Pozrite sa, čo je „AMERICAN PAINTING“ v iných slovníkoch:
Každodenné scény a krajiny amerických umelcov 20. a 30. rokov 20. storočia spracované naturalistickým, opisným spôsobom. Americká žánrová maľba nebola organizovaným hnutím, bola rozšírená medzi americkými ... Wikipedia
- "Roľnícka svadba", 1568, Pieter Brueghel, Kunsthistorisches Museum, Viedeň ... Wikipedia
Súradnice: 29°43′32″ s. sh. 95°23′26″ Z / 29,725556° N sh. 95,390556° zd atď... Wikipedia
Metropolitné múzeum umenia v New Yorku- Jedno z najväčších múzeí na svete a najväčšie múzeum umenia v USA - Metropolitan Museum of Art, ktoré sa nachádza v New Yorku na východnej strane Central Parku na Manhattane. Toto miesto je známe ako Museum Mile ... ... Encyklopédia novinárov
Wikipedia obsahuje články o iných ľuďoch s týmto priezviskom, pozri Bessonova. Marina Aleksandrovna Bessonova (22. februára 1945 (19450222), Moskva 27. júna 2001, Moskva) je ruská historička umenia, kritička a pracovníčka múzea. Obsah 1 ... ... Wikipedia
Jedno z najväčších múzeí umenia v USA. Spoločnosť bola založená v Bostone v roku 1870. Uchováva vynikajúce príklady sochárstva zo starovekého Egypta (busta Ankhhaf, 3. tisícročie pred Kristom), Grécka a Ríma, koptských látok, stredovekého umenia Číny a Japonska ... ... Veľká sovietska encyklopédia
- (De Kooning, Willem) DE Kooning vo svojom štúdiu. (1904 1997), súčasný americký umelec, vedúci školy abstraktného expresionizmu. De Kooning sa narodil 24. apríla 1904 v Rotterdame. Vo veku 15 rokov sa zapísal na večerné kurzy maľovania ... ... Collierova encyklopédia
- (Chattanooga) mesto na juhovýchode Spojených štátov (pozri Spojené štáty americké) (Tennessee); prístav na rieke Tennessee vo Veľkom Appalačskom údolí; nachádza sa medzi Apalačským pohorím a náhornou plošinou Cumberland, na hranici so štátom Georgia. Počet obyvateľov 153,6 tisíc ... ... Geografická encyklopédia
- (Chattanooga), mesto na juhovýchode USA, Tennessee. Prístav na rieke. Tennessee. 152 tisíc obyvateľov (1994; s extravilánom asi 430 tisíc obyvateľov). Chemický, textilný, celulózový a papierenský priemysel. Hutníctvo železa, strojárstvo ... ... encyklopedický slovník
Barbara Rose (nar. 1938) je americká historička umenia a kritička umenia. Študovala na Smith College, Barnard College a Columbia University. V rokoch 1961-1969 bola vydatá za umelca Franka Stellu. Vo ... ... Wikipédii
knihy
- Anglické a americké maľby vo Washingtonskej národnej galérii (brožovaná väzba), EG Milyugina, Washingtonská národná galéria má najväčšie svetové zbierky vysokokvalitných anglických a amerických malieb. Kolekcie odrážajú históriu svetového maliarstva,… Kategória:
"Knihy mi dávajú veľký pocit osobného a kreatívneho uspokojenia. Keď pracujem na knihe, prajem si, aby mi nikdy nezazvonil telefón. Moje uspokojenie pochádza zo skutočných známok na papieri."
Americký ilustrátor detských kníh Pinkney Jerry sa narodil 22. decembra 1939 v Germantown. Na strednej škole si jeho lásku a talent na kreslenie všimol karikaturista John Liney, ktorý ho povzbudil v kariére umelca. Po absolvovaní Dobbinsovej odbornej školy dostal Pinkney plné štipendium na štúdium na Philadelphia Museum College of Art. Neskôr sa presťahoval do Bostonu, kde sa venoval dizajnu a ilustrácii, nakoniec si otvoril vlastné štúdio Jerry Pinkney Studio a neskôr sa presťahoval do New Yorku. Pinkney Jerry stále žije a pracuje v New Yorku, počas rokov svojej tvorivej kariéry vyučoval semináre na Univerzite, umeleckých školách po celej krajine.
"Chcel som ukázať, čo dokáže afroamerický umelec v tejto krajine na národnej úrovni vo výtvarnom umení. Chcem byť silným vzorom pre svoju rodinu a pre ostatných Afroameričanov."
Na prelome 19. a 20. storočia, keď v maliarstve v USA dominovali dva komerčne úspešné a rešpektované smery - impresionizmus a akademický realizmus, túžba niektorých umelcov reflektovať skutočný moderný život mesta s jeho niekedy krutými momentmi, zobraziť neprikrášlený život na okraji mesta, deti ulice, prostitútky, alkoholici, nájomný život. Verili, že maľovanie môže byť podobné žurnalistike, hoci mnohí z týchto umelcov boli apolitickí a neobmedzovali sa len na reflektovanie rán a chudoby mestského života.
„... Veľmi som miloval mestá, miloval som majestátnu, rýchlu rieku,
Všetky ženy, všetci muži, ktorých som poznal, mi boli blízki...
... A žil som vo svete, miloval som Brooklyn - kopy plné, on bol môj,
A túlal som sa po Manhattane a kúpal som sa v slaných vodách, ktoré umývali ostrov...“
(Walt Whitman. Listy trávy. Na trajekte v Brooklyne.)
Ideológ tohto hnutia Robert Henry, obdivovateľ poézie Walta Whitmana, požadoval od svojich študentov, aby ich „farby boli skutočné ako špina, ako hrudy konského sračiek a snehu v zime na Broadwayi“. Pre záľubu v takýchto zápletkách dostal tento smer prezývku „škola smetných košov“ alebo „škola smetných košov“, ktorá sa mu držala a používa sa v umeleckohistorickej literatúre. Toto hnutie sa stretlo s nevraživosťou mnohých kritikov, po prvej výstave jeden z nich pod pseudonymom "Klenotník" napísal: "Na tejto výstave udrie do očí vulgárnosť... Môže byť umenie, ktoré ukazuje naše boľavé miesta krásne?" Niekedy sa „School of the Bin“ stotožňuje so skupinou „Eight“, hoci nie všetci (iba 5) jej členovia boli jej súčasťou a traja umelci Davis, Lawson a Prendergast vystupovali v úplne inom štýle.
Robert Henry(Cozad), (1865-1929), umelec, učiteľ, hlavný mozgov „Školy smetného koša“ a organizátor skupiny „Osmička“,
Narodil sa v Cincinnati ako realitný developer a gambler. V potýčke o vlastníctvo pôdy otec zastrelil svojho protivníka a utiekol do Denveru, kam sa neskôr presťahovala celá rodina, pričom si zmenila mená a priezviská. Po dvojročnom štúdiu na Akadémii výtvarných umení vo Filadelfii odišiel mladý Robert do Paríža študovať na Académie Julien u akademických realistov.
Po ceste do Talianska sa vracia do Philadelphie a začína učiť na Škole dizajnu pre ženy, bol považovaný za prirodzeného učiteľa. Vo veku tridsiatich rokov Henry prichádza k myšlienke, že je potrebné vyvinúť taký smer v maľbe, ktorý by spájal realizmus a prvky impresionizmu, a nazval ho „nový akademizmus“.
Jeho priatelia a nasledovníci sa nepovažovali za jedinú organizovanú skupinu, ale výstava v Macbeth Gallery v New Yorku v roku 1908 upriamila pozornosť na umelcov nového smeru a priniesla im slávu. V roku 1910 Henry s pomocou Sloana zorganizoval výstavu nezávislých umelcov, kde sa predalo len niekoľko obrazov, umelcov tohto smeru už nahrádzalo nové moderné umenie, za ktorého predchodcu a „otca“ možno považovať Robert Henry.
Nasledujúce roky priniesli Henrymu popularitu, veľa času trávil v Írsku a Santa Fe, vyučoval na Students' League v New Yorku, mal veľký vplyv na rozvoj modernistického trendu medzi jeho študentkami umenia. V roku 1929 ho New York Arts Council vymenovala za jedného z troch najlepších žijúcich amerických umelcov. Klasickými prvkami jeho štýlu v portréte sú razantný spôsob písania, intenzívne farebné a svetelné efekty, odraz individuality a duchovných kvalít človeka.
John French Sloan(1871-1951), jeden zo zakladateľov „Školy smetného koša“, člen „Osmičky“, výtvarník a rytec.
Jeho otec bol umelecký a svoje deti od raného detstva povzbudzoval ku kresleniu. Kvôli chorobe svojho otca začal pracovať skoro a práca predavača v kníhkupectve mu nechávala veľa voľného času na čítanie, kreslenie a kopírovanie diel Dürera a Rembrandta, ktoré obdivoval. Začal vyrábať aj lepty a predávať ich v obchode a jeho pohľadnice a kalendáre mali úspech. Neskôr pracoval ako ilustrátor a začal navštevovať večerné kurzy na Akadémii výtvarných umení vo Philadelphii, kde sa stretol s Robertom Henrym, ktorý ho presvedčil, aby sa venoval maľbe.
Ťažká história rodinného života (alkoholizmus a duševná labilnosť manželky, bývalej prostitútky, s ktorou sa zoznámil v nevestinci), mu zasahovala do tvorby, a hoci do roku 1903 namaľoval takmer 60 obrazov, v r. umelecký svet a málo predávali svoje diela. Po presťahovaní do New Yorku pracoval v časopisoch, kreslil politické karikatúry, ilustroval knihy, zúčastnil sa na výstave v Macbeth Gallery a po nej zorganizoval putovnú výstavu, napokon sa dočkal úspechu.
Počas svojho ďalšieho života bol Sloan verný socialistickým myšlienkam, čo sa určite prejavilo aj v jeho tvorbe, no kategoricky sa ohradil proti výrokom kritikov o uvedomelej sociálnej orientácii jeho maľby.
Koncom 20. rokov Sloane zmenil nielen techniku, ale aj námety svojich obrazov v prospech aktov a portrétov, často využíval podmaľbu a tieňovanie, a už nikdy nedosiahol takú popularitu, akú mali jeho rané práce.
William J. Glakkens(1870-1938), tiež jeden zo zakladateľov „Trash Can School“, sa narodil vo Philadelphii, kde jeho rodina žila po mnoho generácií. Jeho brat a sestra sa tiež stali umelcami. Sám William, ktorý v škole preukázal umelecké schopnosti, pracoval po ukončení štúdia ako umelec v novinách, navštevoval večerný kurz na Akadémii výtvarných umení, kde stretol mladého Sloana, ktorý ho zoznámil s Robertom Henrym.
V roku 1895 Glakkens cestuje so skupinou umelcov po Európe, obdivuje obrazy veľkého „Holanďana“ a v Paríži sa prvýkrát zoznamuje s umením impresionistov, potom počas svojho života opakovane odchádza maľovať do Paríža. a juhu Francúzska. Po návrate do Spojených štátov amerických sa Glakkens usadil v New Yorku, aktívne sa podieľal na výstavných aktivitách School of the Trash Can a Group of Eight.
V jeho tvorbe sa čoraz viac prejavuje impresionistický smer, dokonca ho nazývajú „americkým Renoirom“ a na rozdiel od Sloana nebol „spoločenským kronikárom“, ale „čistým“ umelcom, pre ktorého bola umelecká forma, farba a zmyselnosť. najvyššia dôležitosť. Jeho paleta sa rokmi rozjasňuje, motívy menia svoj význam, prevládajú krajinky, plážové scény a na sklonku života zátišia a portréty.
Jeho umenie neodráža spoločenské problémy doby, doby Veľkej hospodárskej krízy, skôr naopak – „jeho obrazy sú naplnené duchom šťastia, je posadnutý kontempláciou radosti“ (Leslie Keith, William Glackens Konštantnosť, 1966).
George Benjamin Laks(1867-1933) sa narodil vo Williamsporte ako lekárnik, jeho matka bola amatérska umelkyňa a hudobníčka. Po presťahovaní sa do malého mesta v južnej Pennsylvánii, ktoré sa nachádza blízko uhoľných polí, George čoskoro videl chudobu a dostal lekcie súcitu od rodičov, ktorí pomáhali rodinám baníkov.
Svoj pracovný život začal ako tínedžer, pracoval so svojím bratom vo vaudeville, ale veľmi skoro si uvedomil, že chce byť umelcom. Po krátkom štúdiu na Akadémii výtvarných umení odišiel do Európy, študoval rôzne umelecké školy, stal sa fanúšikom španielskej a holandskej maľby (najmä Velázqueza a Fransa Halsa) a Manetovej techniky. Po návrate do Philadelphie Lux pracuje ako ilustrátor pre noviny, stretáva sa s Glakkensom, Sloanom a Shinn, zúčastňuje sa intelektuálnych stretnutí Roberta Henryho a po presťahovaní sa do New Yorku a práci umelca v Pulitzerovom časopise sa začína viac venovať maľbe. .
Podieľa sa na aktivitách School of the Trash Can and the Group of Eight, prispieva do debaty o Novom realizme, vo veľkom kreslí, sprostredkúva život imigrantov, ich etnickú rôznorodosť, čerpá materiál z Lower East Side a Brooklynu. Okrem obrazov o živote v New Yorku Lux maľuje krajinky a portréty, bol považovaný za majstra výrazných farebných a svetelných efektov.
Lux bol originálny človek, rodený rebel, bol hrdý na to, že ho ostatní považovali za „zlého chlapca“ amerického umenia, vytváral o sebe mýty, často sa opíjal do bezvedomia, bol alkoholik a nakoniec ho našli zabitého v domácej bitke v r. schodisko.
Everett Shinn(1876-1953), sa narodil vo Woodstowne v komunite Quakerov do rodiny farmárov.
Skoré prejavené schopnosti mu umožnili začať seriózne študovať základy kreslenia v 15 rokoch, o rok neskôr študovať na Vysokej škole výtvarných umení a v 17 rokoch začať pracovať ako výtvarník na plný úväzok v novinách. V roku 1897, po presťahovaní sa do New Yorku, sa mladý Shinn čoskoro stal známym ako jeden z talentovaných realistov, ktorí zobrazovali mestský život, pouličné násilie, nehody a požiare.
Po cestovaní s manželkou po Európe mal Shinn nové témy (divadlo, balet) a impresionistické prvky v maľbe. Ako jediný zo „School of the Bin“ a skupiny „Eight“ má na konte množstvo pastelových prác, ako aj nástenných malieb nielen v bytoch manhattanskej elity, ale aj 18 nástenných malieb pre slávne Broadway Belasco. Divadlo. Shinn veril, že „bol náhodným členom osmičky“, bez politickej pozície a oddaný spoločenskému životu, no odrážajúci kus americkej reality začiatku dvadsiateho storočia v realistickom a romantickom duchu.
Existuje predpoklad, že Everett Shinn slúžil ako prototyp pre umelca Eugena Whittlea v románe T. Dreisera „Genius“.
Ernest Lawson(1873-1939), narodený v Halifaxe, prišiel do USA, žil najskôr v Kansas City a potom v New Yorku, študoval na Art Students League u Touktmana, ktorý ho priviedol k impresionizmu.
Vo Francúzsku sa počas štúdia na Julien Academy začal zaujímať o plenérovú maľbu, stretol sa so Sisley a Somersetom Maughamom. Späť v Štátoch si Lawson vyvinul svoj vlastný estetický štýl, ktorý hraničí s impresionizmom a realizmom, a bol nazývaný „posledným impresionistom v Amerike“.
Veľa cestuje po krajine, maľuje opustené krajiny, zbližuje sa s umelcami „Školy smetného koša“ a stáva sa členom skupiny „Eight“, no na rozdiel od nich sa vyhýba dráme v zobrazovaní mestského života a po r. na výstave súčasného umenia Armory Show, neodmieta realistické a impresionistické tendencie, zaujíma sa o postimpresionizmus, najmä Cezanna.
Lawsonova práca nie je taká známa ako práca jeho ostatných súčasníkov, ale Robert Henry ho považoval za „najväčšieho krajinára od čias Winslowa Hommera“. Počas kúpania v Miami Beach sa za záhadných okolností utopil.
George Wesley Bellows(1882-1925), bol neskorým a jediným dieťaťom v rodine dcéry kapitána veľrybárskej lode. Na Ohio State University študoval a úspešne hral bejzbal a basketbal pod podmienkou ilustrovania univerzitnej ročenky, sníval o tom, že sa stane profesionálnym bejzbalovým hráčom, pracoval ako ilustrátor v časopisoch. V roku 1904, bez absolvovania univerzity, sa Bellows presťahoval do New Yorku, vstúpil na School of Art, pripojil sa k umelcom School of the Trash Can a skupine Eight, prenajal si vlastné štúdio na Broadwayi.
Účasť na výstavách so študentmi Roberta Henryho a vyučovanie na Art Students League mu priniesli slávu, hoci mnohí kritici považovali jeho prácu za „hrubú“ nielen v sprisahaní, ale aj štylisticky.
Vo svojej tvorbe pokračoval v témach mestského života a športu, Bellows tiež začal dostávať zákazky na portréty od bohatej elity a počas leta maľoval morské krajiny v Maine.
Bol veľmi spolitizovaný, pridŕžal sa socialistických až anarchistických názorov, pracoval ako ilustrátor v socialistickom časopise. V roku 1918 vytvoril sériu grafík a obrazov zobrazujúcich zverstvá spáchané nemeckými vojakmi počas invázie do Belgicka.
Bellows tiež významne prispel k litografii, ilustroval mnoho kníh, vrátane niekoľkých vydaní H. G. Wellsa. Zomrel vo veku 42 rokov na zápal pobrušnice po neúspešnej operácii a zanechal po sebe manželku, dve dcéry a veľké množstvo obrazov a grafík, ktoré sú dnes v mnohých veľkých amerických múzeách.
Nasledujúcich dvoch umelcov nemožno úplne pripísať ani „Škole smetného koša“, ani skupine „Osmičiek“, majú už bližšie k modernistickému smeru, sú otvorenejší experimentom, ich tvorbu možno právom považovať za prechodné štádium k postimpresionizmu.
Arthur Bowen Davis(1853-1928), už ako 15-ročný sa vo svojom meste zúčastnil na putovnej výstave, ktorú organizovali členovia Hudson River School. Po presťahovaní rodiny do Chicaga študoval na Akadémii dizajnu a po presťahovaní do New Yorku študoval na Art Students League a pracoval ako ilustrátor pre časopis.
Ťažké rodinné pomery (Davisova nevera, prítomnosť druhej nemanželskej manželky a nemanželského dieťaťa) sa podpísali na jeho správaní a tajnostkárskej povahe, no už v prvom roku po sobáši sa Davisove obrazy začali úspešne predávať a pravidelné výlety do Európy a diela Corota a Milleta mu pomohli zdokonaliť váš zmysel pre farby a rozvíjať váš vlastný obrazový štýl.
V dvadsiatych rokoch bol uznávaný ako jeden z najuznávanejších a finančne najúspešnejších amerických umelcov. Ako člen skupiny Group of Eight bol hlavným organizátorom Armory Show, znalejší súčasného umenia ako jeho súdruhovia, pôsobil ako poradca mnohých bohatých Newyorčanov pri nakupovaní ich kolekcií, pomáhal mnohým mladým umelcom radami a peniaze.
Arthur B. Davis je v americkom maliarstve anomálnym fenoménom: jeho vlastný lyrický štýl možno označiť za rezervovane konzervatívny, no jeho vkus a záujmy boli úplne avantgardné.
Maurice Brasil Prendergast(1858-1924) a jeho dvojča sa narodili v rodine obchodníka s obchodnou poštou v britskej kolónii Severnej Ameriky. Po presťahovaní do Bostonu poslal jeho otec Mauricea, ktorý vedel kresliť, študovať u komerčného umelca, čo vysvetľuje jas a „plochosť“ jeho práce.
Štúdium v Paríži na Akadémii Colarossi a potom na Akadémii Julien, zoznámenie sa s tvorbou anglických a francúzskych avantgardných umelcov, štúdium diel Van Gogha a Seurata ho vlastne priviedlo k postimpresionizmu. Prendergast bol jedným z prvých Američanov, ktorí spoznali Cezanna, pochopili jeho prácu a použili jeho expresívne metódy sprostredkovania formy a farby. Po návrate do Bostonu v roku 1895 pracuje hlavne s akvarelom.
A monotypy a po ceste do Talianska získal slávu a uznanie kritikov za svoje diela venované Benátkam.
Stretáva sa s umelcami zo skupiny „osmičkov“, zúčastňuje sa s nimi na slávnej výstave v Macbeth Gallery v roku 1908 a Glakkens sa stáva jeho celoživotným priateľom. Sedem diel, ktoré predstavil na Armory Show, ukázalo jeho štýlovú vyspelosť a maximálnu oddanosť postimpresionizmu, jeho štýl sa formoval a kritici ho výstižne označili ako „tapisériový“ alebo „mozaikový“.
Prendergast zostal celý život slobodným, možno kvôli prirodzenej plachosti, zlému zdraviu a vážnej hluchote v neskorších rokoch.
Je zaujímavé, že v nasledujúcich rokoch realistický trend v americkej maľbe nestratil svoju aktuálnosť a premietol sa a rozvíjal sa v postimpresionizme, „magickom realizme“ a „regionalizme“. Ale o tom viac nabudúce.
A ako vždy, prezentácia na danú tému s mnohými ďalšími reprodukciami.
Americkí umelci sú veľmi rôznorodí. Niekto bol jasný kozmopolita, ako Sargent. Pôvodom je Američan, no takmer celý svoj dospelý život žije v Londýne a Paríži.
Sú medzi nimi aj autentickí Američania, ktorí stvárnili život len svojich krajanov, ako Rockwell.
A sú tu umelci mimo tohto sveta, ako Pollock. Alebo tí, ktorých umenie sa stalo produktom konzumnej spoločnosti. Toto je, samozrejme, o Warholovi.
Všetci sú však Američania. Slobodomilný, odvážny, bystrý. Prečítajte si o siedmich z nich nižšie.
1. James Whistler (1834-1903)
James Whistler. Autoportrét. 1872 Inštitút umenia v Detroite, USA. Whistler len ťažko možno nazvať skutočným Američanom. Keď vyrastal, žil v Európe. A vôbec strávil detstvo ... v Rusku. Jeho otec postavil železnicu v Petrohrade.
Práve tam sa chlapec James zamiloval do umenia, navštívil Ermitáž a Peterhof vďaka vzťahom svojho otca (vtedy to boli ešte paláce pre verejnosť uzavreté).
Prečo je Whistler známy? V akomkoľvek štýle, ktorý maľuje, od realizmu po tonalizmus*, ho možno takmer okamžite rozpoznať podľa dvoch znakov. Nezvyčajné farby a hudobné mená.
Niektoré z jeho portrétov sú napodobeniny starých majstrov. Ako napríklad jeho slávny portrét „Matka umelca“.
James Whistler. Umelcova matka. Usporiadané v šedej a čiernej farbe. 1871 Umelec vytvoril úžasné dielo s použitím farieb od svetlosivej po tmavosivú. A nejaké žlté.
To však neznamená, že Whistler mal takéto farby rád. Bol to výnimočný človek. Pokojne by sa mohol objaviť v spoločnosti v žltých ponožkách a so žiarivým dáždnikom. A to vtedy, keď sa muži obliekali výlučne do čiernej a šedej.
Má aj oveľa ľahšie diela ako „Matka“. Napríklad Symfónia v bielom. Snímku teda nazval jeden z novinárov na výstave. Whistlerovi sa tento nápad páčil. Odvtedy takmer všetky svoje diela nazýval hudobným spôsobom.
James Whistler. Symfónia v bielom č. 1. 1862 Národná galéria vo Washingtone, USA Potom, v roku 1862, sa však verejnosti Symfónia nepáčila. Opäť kvôli Whistlerovým idiosynkratickým farebným schémam. Ľuďom sa zdalo zvláštne písať ženu v bielom na bielom pozadí.
Na obrázku vidíme Whistlerovu ryšavú milenku. Celkom v duchu prerafaelitov. Koniec koncov, umelec bol priateľom s jedným z hlavných iniciátorov prerafaelizmu, Gabrielom Rossettim. Krása, ľalie, nezvyčajné prvky (vlčia koža). Všetko je ako má byť.
Whistler sa však rýchlo vzdialil od prerafaelizmu. Keďže pre neho nebola dôležitá vonkajšia krása, ale nálada a emócie. A vytvoril nový smer - tonalizmus.
Jeho nočné krajiny v štýle tonalizmu naozaj vyzerajú ako hudba. Jednofarebné, viskózne.
Sám Whistler povedal, že hudobné mená pomáhajú sústrediť sa na samotnú maľbu, línie a farbu. Zároveň bez premýšľania o mieste a ľuďoch, ktorí sú vyobrazení.
James Whistler. Nokturno v modrej a striebornej: Chelsea. 1871 Tate Gallery, Londýn 
Mary Cassat. Spiace dieťa. Pastel, papier. 1910 Dallas Museum of Art, USA Svojmu štýlu však zostala verná až do konca. impresionizmus. Jemný pastel. Matky s deťmi.
Kvôli maľovaniu Cassatt opustil materstvo. Ale jej ženskosť sa čoraz viac prejavovala práve v takých jemných dielach, ako je Spiace dieťa. Škoda, že ju kedysi konzervatívna spoločnosť postavila pred takýto výber.
3. John Sargent (1856-1925)
John Sargent. Autoportrét. 1892 Metropolitné múzeum umenia, New York John Sargent si bol istý, že bude portrétistom celý život. Kariéra sa vyvíjala dobre. Aristokrati sa postavili do radu, aby si ho objednali.
Ale raz umelec prekročil hranicu v názore spoločnosti. Teraz je pre nás ťažké pochopiť, čo je na filme „Madame X“ také neprijateľné.
Pravda, v pôvodnej verzii mala hrdinka jednu z braletiek vynechanú. Sargent ju „vychoval“, ale prípadu to nepomohlo. Rozkazy vyšli naprázdno.
John Sargent. Madame H. Metropolitné múzeum umenia z roku 1878, New York Čo obscénne videla verejnosť? A to, že Sargent stvárnila modelku v príliš sebavedomej póze. Navyše priesvitná koža a ružové ucho sú veľmi výrečné.
Obrázok, ako to bolo, hovorí, že táto žena so zvýšenou sexualitou nie je proti akceptovaniu dvorenia iných mužov. Navyše byť ženatý.
Žiaľ, súčasníci za týmto škandálom majstrovské dielo nevideli. Tmavé šaty, svetlá pokožka, dynamická póza - jednoduchá kombinácia, ktorú môžu nájsť len tí najtalentovanejší majstri.
Ale niet zla bez dobra. Sargent na oplátku dostal slobodu. Začal viac experimentovať s impresionizmom. Napíšte deťom v bezprostredných situáciách. Takto sa objavila práca „Karafiát, Lily, Lily, Rose“.
Sargent chcel zachytiť konkrétny moment súmraku. Takže som pracoval len 2 minúty denne, keď bolo správne osvetlenie. Pracovalo sa v lete a na jeseň. A keď kvety zvädli, nahradil ich umelými.
John Sargent. Karafiát, ľalia, ľalia, ruža. 1885-1886 Tate Gallery, Londýn Sargent v posledných desaťročiach natoľko prepadol chuti slobody, že začal úplne opúšťať portréty. Hoci jeho povesť už bola obnovená. Jednu klientku dokonca hrubo prepustil s tým, že jej bránu natrie s veľkou radosťou ako tvár.
John Sargent. Biele lode. 1908 Brooklynské múzeum, USA Súčasníci zaobchádzali so Sargentom s iróniou. Považujúc to za zastarané vo veku modernizmu. Ale čas dal všetko na svoje miesto.
Teraz jeho dielo nemá menšiu hodnotu ako dielo najslávnejších modernistov. No, nech o láske verejnosti a nehovorí nič. Výstavy s jeho tvorbou sú vždy vypredané.
4. Norman Rockwell (1894-1978)
Norman Rockwell. Autoportrét. Ilustrácia k vydaniu The Saturday Evening Post z 13. februára 1960. Je ťažké si predstaviť populárnejšieho umelca počas jeho života ako Normana Rockwella. Na jeho ilustráciách vyrástlo niekoľko generácií Američanov. Milujem ich z celého srdca.
Rockwell totiž stvárnil obyčajných Američanov. Ale zároveň ukázať svoj život z tej najpozitívnejšej stránky. Rockwell nechcel ukazovať ani zlých otcov, ani ľahostajné matky. A nestretnete s ním nešťastné deti.
Norman Rockwell. Celá rodina na oddych a od oddychu. Ilustrácia vo večernom sobotnom príspevku, 30. augusta 1947. Múzeum Normana Rockwella v Stockbridge, Massachusetts, USA Jeho diela sú plné humoru, šťavnatých farieb a veľmi umne zachytených výrazov zo života.
Je však ilúziou, že túto prácu dostal Rockwell ľahko. Na vytvorenie jedného obrazu by najskôr urobil až sto fotografií so svojimi modelmi, aby zachytil tie správne gestá.
Rockwellova práca mala obrovský vplyv na myslenie miliónov Američanov. Koniec koncov, často hovoril pomocou svojich obrazov.
Počas druhej svetovej vojny sa rozhodol ukázať, za čo bojovali vojaci jeho krajiny. Okrem iného vytvoril obraz „Freedom from Want“. V podobe Dňa vďakyvzdania, na ktorom si všetci členovia rodiny dobre najedení a spokojní užívajú rodinnú dovolenku.
Norman Rockwell. Sloboda od chcenia. 1943 Múzeum Normana Rockwella v Stockbridge, Massachusetts, USA Po 50 rokoch v Saturday Evening Post sa Rockwell presunul do demokratickejšieho magazínu Look, kde mohol vyjadrovať svoje názory na sociálne otázky.
Najjasnejším dielom tých rokov je „Problém, s ktorým žijeme“.
Norman Rockwell. Problém, s ktorým žijeme. 1964 Múzeum Normana Rockwella, Stockbridge, USA Toto je skutočný príbeh čierneho dievčaťa, ktoré chodilo do bielej školy. Od prijatia zákona, že ľudia (a teda vzdelávacie inštitúcie) by sa už nemali deliť podľa rasy.
Ale hnev obyvateľov nemal hraníc. Cestou do školy dievča strážila polícia. Tu je taký "rutinný" moment a ukázal Rockwell.
Ak chcete poznať život Američanov v trochu prikrášlenom svetle (ako ho chceli vidieť oni sami), určite si pozrite Rockwellove obrazy.
Možno zo všetkých maliarov prezentovaných v tomto článku je Rockwell najamerickejší umelec.
5. Andrew Wyeth (1917-2009)
Andrew Wyeth. Autoportrét. 1945 Národná akadémia dizajnu, New York Na rozdiel od Rockwella nebol Wyeth taký pozitívny. Od prírody samotár, nesnažil sa nič prikrášľovať. Naopak, zobrazoval tie najobyčajnejšie krajiny a nevšedné veci. Len pšeničné pole, len drevený domček. Dokonca sa mu v nich podarilo nakuknúť niečo magické.
Jeho najznámejším dielom je Christinin svet. Wyeth ukázal osud jednej ženy, jeho susedky. Keďže bola od detstva paralyzovaná, plazila sa po okolí svojej farmy.
Na tomto obrázku teda nie je nič romantické, ako by sa na prvý pohľad mohlo zdať. Ak sa pozriete pozorne, potom má žena bolestivú chudosť. A s vedomím, že hrdinkine nohy sú paralyzované, so smútkom chápete, ako ďaleko je ešte ďaleko od domova.
Wyeth napísal na prvý pohľad to najvšednejšie. Tu je staré okno starého domu. Ošúchaný záves, ktorý sa už začal meniť na črepy. Za oknom sa zatmie les.
Ale v tom všetkom je nejaké tajomstvo. Nejaký iný pohľad.
Andrew Wyeth. Vietor od mora. 1947 Národná galéria vo Washingtone, USA Deti sa tak dokážu pozerať na svet bez mihnutia oka. Rovnako aj Wyatt. A my sme s ním.
Všetky Wyethove záležitosti riešila jeho manželka. Bola dobrá organizátorka. Práve ona kontaktovala múzeá a zberateľov.
V ich vzťahu bolo málo romantiky. Hudba sa musela objaviť. A stala sa jednoduchou, ale s mimoriadnym vzhľadom Helga. To je to, čo vidíme v mnohých dielach.
Andrew Wyeth. Vrkoče (zo série Helga). 1979 Súkromná zbierka Zdalo by sa, že vidíme len fotografický obraz ženy. Ale z nejakého dôvodu je ťažké sa od toho odtrhnúť. Jej oči sú príliš zložité, ramená napäté. My sa s ňou akoby vnútorne namáhame. Snaží sa nájsť vysvetlenie tohto napätia.
Wyeth zobrazoval realitu v každom detaile a magicky ju obdaril emóciami, ktoré nemôžu zostať ľahostajné.
Umelec nebol dlho uznávaný. Svojím realizmom, aj keď magickým, nezapadal do modernistických trendov 20. storočia.
Keď pracovníci múzea kupovali jeho diela, snažili sa to urobiť potichu, bez toho, aby vzbudzovali pozornosť. Výstavy sa organizovali zriedka. Ale k závideniu modernistov, vždy mali obrovský úspech. Ľudia prichádzali húfne. A stále prichádzajú.
6. Jackson Pollock (1912-1956)
Jackson Pollock. 1950 Fotografia Hansa Namutha Jacksona Pollocka nemožno ignorovať. V umení prekročil určitú hranicu, po ktorej už maľba nemohla byť rovnaká. Ukázal, že v umení sa vo všeobecnosti dá robiť bez hraníc. Keď som plátno položil na zem a postriekal farbou.
A tento americký umelec začal s abstrakcionizmom, v ktorom sa ešte dá vystopovať figuratívnosť. V jeho tvorbe zo 40. rokov „Shorthand Figure“ vidíme obrysy tváre aj rúk. A dokonca aj pre nás zrozumiteľné symboly v podobe krížikov a núl.
Jackson Pollock. Skratka postava. Múzeum moderného umenia z roku 1942 v New Yorku (MOMA) Jeho práca bola chválená, no s nákupom sa neponáhľali. Bol chudobný ako kostolná myš. A bez hanby pil. Napriek šťastnému manželstvu. Manželka obdivovala jeho talent a pre úspech svojho manžela urobila všetko.
Ale Pollock bol pôvodne zlomená osobnosť. Od mladosti bolo z jeho činov zrejmé, že predčasná smrť bola jeho osudom.
Táto zlomenosť ho privedie k smrti vo veku 44 rokov. Ale bude mať čas urobiť revolúciu v umení a stať sa slávnym.
Jackson Pollock. Jesenný rytmus (číslo 30). 1950 Metropolitné múzeum umenia v New Yorku, USA A podarilo sa mu to v období dvoch rokov triezvosti. V rokoch 1950-1952 mohol plodne pracovať. Dlho experimentoval, až prišiel k technike odkvapkávania.
Rozložil obrovské plátno na podlahu svojej kôlne a obišiel ho, akoby bol na samotnom obraze. A nastriekaná alebo len naliata farba.
Tieto nezvyčajné obrazy sa od neho začali dobrovoľne kupovať pre ich neuveriteľnú originalitu a novosť.
Jackson Pollock. Modré stĺpy. 1952 Národná galéria Austrálie, Canberra Pollock bol ohromený slávou a upadol do depresie, nevedel, kam ďalej. Smrteľná zmes alkoholu a depresie mu nenechala žiadnu šancu na prežitie. Raz si sadol za volant veľmi opitý. Naposledy.
7. Andy Warhol (1928-1987)
Andy Warhole. 1979 Fotografia Arthur Tress Iba v krajine s takým kultom konzumu, akým je Amerika, sa mohol zrodiť pop-art. A jeho hlavným iniciátorom bol, samozrejme, Andy Warhol.
Preslávil sa tým, že bral tie najobyčajnejšie veci a premieňal ich na umelecké dielo. To sa stalo Campbellovej plechovke polievky.
Výber nebol náhodný. Warholova matka kŕmila svojho syna touto polievkou každý deň viac ako 20 rokov. Dokonca aj vtedy, keď sa presťahoval do New Yorku a vzal so sebou aj matku.
Andy Warhole. Plechovky Campbellovej polievky. Polymér, ručná potlač. 32 obrazov 50x40 každý. 1962 Múzeum moderného umenia v New Yorku (MOMA) Po tomto experimente sa Warhol začal zaujímať o sieťotlač. Odvtedy fotil popové hviezdy a maľoval ich rôznymi farbami.
Takto sa objavila jeho slávna maľovaná Marilyn Monroe.
Takýchto kyslých farieb Marilyn bolo vyrobených nespočetné množstvo. Art Warhol vysielaný. Ako sa v konzumnej spoločnosti očakáva.
Andy Warhole. Marilyn Monroe. Sieťotlač, papier. 1967 Múzeum moderného umenia v New Yorku (MOMA) Maľované tváre vymyslel Warhol z nejakého dôvodu. A opäť nie bez vplyvu matky. Ako dieťa, počas dlhotrvajúcej choroby svojho syna, mu vláčila balíčky s omaľovánkami.
Táto detská záľuba prerástla do niečoho, čo sa stalo jeho vizitkou a vďaka čomu bol rozprávkovo bohatý.
Maľoval nielen popové hviezdy, ale aj majstrovské diela svojich predchodcov. Chápem a.
Venuša, podobne ako Marilyn, dokázala veľa. Exkluzivitu umeleckého diela „vymazáva“ Warhol na prášok. Prečo to umelec urobil?
Popularizovať staré majstrovské diela? Alebo sa ich naopak pokúsiť znehodnotiť? Zvečniť popové hviezdy? Alebo okoreniť smrť iróniou?
Andy Warhole. Venuša Botticelliová. Sieťotlač, akryl, plátno. 122x183 cm 1982 Múzeum E. Warhola v Pittsburghu, USA Jeho maľované diela Madonny, Elvisa Presleyho či Lenina sú niekedy rozpoznateľnejšie ako pôvodné fotografie.
Ale majstrovské diela pravdepodobne nebudú zatienené. Napriek tomu prvotná „Venuša“ zostáva na nezaplatenie.
Warhol bol vášnivým návštevníkom večierkov a priťahoval veľa vyvrheľov. Narkomani, neúspešní herci alebo len nevyrovnané osobnosti. Jeden z nich ho raz zastrelil.
Warhol prežil. Ale o 20 rokov neskôr na následky rany, ktorú kedysi utrpel, zomrel sám vo svojom byte.
Americký taviaci kotol
Napriek krátkej histórii amerického umenia je rozsah široký. Medzi americkými umelcami sú impresionisti (Sargent) a magickí realisti (Wyeth), abstraktní expresionisti (Pollock) a priekopníci pop artu (Warhol).
Američania milujú slobodu voľby vo všetkom. Stovky denominácií. Stovky národov. Stovky umeleckých smerov. Preto je taviacim kotlom Spojených štátov amerických.
V kontakte s
