Gustav Klimt - portréty a krajiny, alegórie v maľbe. Gustav Klimt, rozsiahla galéria obrazov a videí

G. Klimt "Priateľky"

Jedným z najznámejších maliarov minulosti je Gustav Klimt, ktorého obrazy sú dnes veľmi žiadané. Žiaľ, jeho diel nie je až tak veľa a všetky si už dávno našli svoje miesto v najlepších zbierkach sveta. Ale keď sa stane zázrak a jeho obrazy sa dostanú do aukcie, ich cena je báječná.

Gustav Klimt ako správny umelec celý život hľadal a nachádzal inšpiráciu v ženskej kráse. No ako správny fajnšmeker sa pri žiadnej kráske dlho nezdržal, a preto sa žiadnej z nich nepodarilo poctiť poctou nazvať Klimtovou múzou.

Gustav Klimt sa narodil na viedenskom predmestí Baumgarten v rodine rytca a klenotníka Ernesta Klimta, bol druhým zo siedmich detí – troch chlapcov a štyroch dievčat. Klimtov otec bol rodák z Čiech a rytec zlata, jeho matka Anna Klimt, rodená Finster, sa snažila, ale nemohla sa stať hudobníčkou. Klimt prežil väčšinu svojho detstva v chudobe, keďže ekonomická situácia v krajine bola zložitá a jeho rodičia nemali stálu prácu. Všetci traja synovia Ernesta Klimta sa stali umelcami.

Najprv sa Gustav naučil kresliť od svojho otca a potom, od roku 1876, na Viedenskej umelecko-remeselnej škole pri rakúskom múzeu umenia a priemyslu (učitelia Karl Grakhovina, Ludwig Minnigerode, Michael Rieser), do ktorej jeho brat Ernst vstúpil v r. 1877. Gustav Klimt tam študoval do roku 1883 a špecializoval sa na architektonickú maľbu.

Na Umelecko-priemyselnej škole, kde Klimt a jeho bratia študovali na štipendiu, upozornili na nádejného študenta. Gustáv sa vďaka hodinám svojho otca dostal do školy ako vynikajúci kresliar a zručný dizajnér, no nepripúšťal si žiadne zhovievavosti. Študoval vážne, usilovne a premyslene a na učiteľov zapôsobil nielen úspechom, ale aj fanatickou túžbou pochopiť čo najviac. Hovorilo sa, že podplatil sluhu Hansa Makarta - najlepšieho viedenského maliara tých rokov - aby tajne vstúpil do dielne svojho idolu a študoval spôsoby jeho práce na nedokončených plátnach. Ani vtedy, ani neskôr však Klimtovi nezabránila vášeň pre vysoké umenie zostať pragmatikom – ešte počas školy sa naučil zarábať pekné peniaze kreslením portrétov z fotografií.

Jeho vzorom bol v tomto období maliar historických žánrov Hans Makart. Na rozdiel od mnohých iných mladých umelcov, Klimt súhlasil s princípmi konzervatívneho akademického vzdelávania.

Ernst a Gustav Klimt dosiahli výrazný pokrok pred dosiahnutím veku 20 rokov. V roku 1879 spolupracovali so svojím priateľom z umeleckej školy Franzom Matchom a začali spolupracovať a rýchlo si získali slávu. V roku 1880 bola „trojka“ pozvaná na vymaľovanie pavilónu minerálnej vody v Karlových Varoch (dnes mesto Karlovy Vary v Českej republike).

Rané diela umelca sú vyrobené v naturalistickom štýle. Klimt si však čoskoro vytvorí svoj vlastný štýl, ktorý ho odlišuje od akéhokoľvek iného umelca.

O tri roky neskôr si mladí umelci otvorili vlastnú dielňu vo Viedni, kde niekoľko rokov vykonávali zákazky provinčných rakúsko-uhorských miest. S rozvojom samotnej Viedne však vyvstala potreba umeleckého stvárnenia nových budov. Preto v roku 1886 Klimts a Match sa podieľali na tvorbe interiéru novej budovy národného divadla, zobrazujúceho výjavy z histórie divadla na tympanóne štítu a plafondoch hlavných schodísk.

Divadlo Globe v Londýne - Gustav Klimt

V roku 1885 pracovali na návrhu Umeleckohistorického múzea, ktoré založil slávny maliar Hans Makart (1840-1884). Táto skúsenosť im okrem psychickej spokojnosti priniesla pekné peniaze, ktoré investovali do rozšírenia dielne.

V roku 1888 dostal Klimt vyznamenanie od cisára Františka Jozefa – „Zlatý kríž“ za zásluhy o umenie. Stal sa aj čestným členom mníchovskej a viedenskej univerzity.

V roku 1891 sa bratia Klimtovci zoznámili so sestrami Flögeovými – Polinou, Helenou a Emiliou. Dcéry stolára Hermanna Flögeho pracovali ako krajčírky a neskôr, keď sa bohatý otec stal prvým výrobcom morských fajok v celom impériu, prešli do oblasti vysokej módy - najstaršia Polina viedla školu haute couture. , mladšie sestry viedli módny dom, módny salón a textilnú továreň . Opakujeme, bolo to už neskôr, takže Ernst Klimt sa celkom bez záujmu zamiloval do Heleny Flöge. Ak však boli ich stretnutia korunované rýchlou svadbou, potom sa Gustavov zvláštny vzťah s Emíliou pretiahol na celý život – dodnes nie je jasné, ako ďaleko zašli. Hrozná tragédia ich zrejme zblížila hneď na začiatku ich zoznámenia – v roku 1892 prišli Klimtovci o otca a o tri mesiace neskôr celkom nečakane zomrel na zápal osrdcovníka mladý a nádejný Ernst. Gustav, ktorý bol vždy láskavý k svojej rodine, znášal tento dvojitý úder tvrdo, upadol do dlhotrvajúcej depresie a takmer zanechal svoju prácu. Flöge však dom pravidelne navštevoval, navštevoval svoju ročnú neter a morálne podporoval mladú vdovu Helenu. Skutočnosť, že úprimná sústrasť nebude prekážať jeho samému, ako prvá uhádla osemnásťročná Emilia ...

Klimtovi sa nakoniec podarilo obnoviť pokoj, no veľa sa v ňom nenávratne zmenilo. Oficiálna akademická maľba, v ktorej dosiahol všetky mysliteľné výšky, ho dlho nudila. Ťažká životná situácia posilnila individuálny štýl umelca a napokon ho aj formovala. Prvé krajiny, ktoré Klimt začína písať, keď cestuje s Emiliou v Kammeri. Expresionizmus v tvorbe umelca sa aktívne rozvíja v 90. rokoch.

Od začiatku 90. rokov 19. storočia Klimt každoročne odpočíval s rodinou Flöge pri jazere Attersee a maľoval tam mnohé krajiny. Krajinársky žáner bol jedinou nefiguratívnou maľbou, ktorá Klimta zaujala. Klimtove krajiny sú štýlovo podobné jeho zobrazeniam postáv a obsahujú rovnaké dizajnové prvky. Krajiny Attersee sú tak dobre vnorené do roviny plátna, že sa niekedy predpokladá, že ich Klimt prezeral cez ďalekohľad.

Na nástenných maľbách zobrazujúcich alegorické postavy, ktoré Klimt predvádzal v rokoch 1890-1891 na klenbách veľkého schodiska Umeleckohistorického múzea vo Viedni, sa po prvý raz objavujú prvky, ktoré sa stali hlavnými v jeho diele - jasná silueta a sklon k ornamentalizmu. Po roku 1898 naberá Klimtova tvorba dekoratívnejší, symbolický aspekt.

Už vtedy si získal povesť známeho umelca, keď sa začiatkom 90. rokov zmenil jeho štýl a získal výrazné symbolistické zafarbenie. Šírenie secesie v Európe alebo secesie, ako ju nazývali v Rakúsku, sa Klimta nielen dotklo, ale ukázalo sa, že je najdôležitejším faktorom v jeho umeleckom vývoji.

Chuť pre symbolizmus, vyjadrená v Anglicku v tvorbe neskorých prerafaelitov, v grafikách O. Beardsleyho, vo Francúzsku v tvorbe G. Sea, sa zamiloval do Klimta, ktorého diela vo veľkej miere odrážajú diela týchto umelcov.

Rok 1894 sa stal medzníkom v tvorivej biografii Gustav Klimt. Práve vtedy ho spolu s kolegom Matchom požiadali, aby vymaľovali Veľkú aulu Viedenskej univerzity. Ale kvôli nezhodám museli umelci nakresliť samostatné obrazy a to čoskoro Zápas a úplne opustili svoju spoločnú dielňu. Čo spôsobilo konflikt? Išlo o to, že Franz Match zostal verný starej tradičnej maľbe, Klimt aktívne hľadať nové prístupy. To viedlo k tomu, že v roku 1897 spolu so svojimi podobne zmýšľajúcimi ľuďmi založil a viedol revolučnú Viedenskú secesiu, skupinu disidentských umelcov.

Takže vďaka jeho odhodlaniu a odvahe, Gustav Klimt z umelca plniaceho provinčné objednávky sa stal vodca rakúskej avantgardy. Alegorické maľby „Filozofia“, „Medicína“ a „Právna veda“, známe ako „fakulta“, boli dokončené do roku 1900. Boli ostro kritizovaní za tému, ktorá sa nazývala „pornografia“.

Predpokladalo sa, že umelec zobrazí triumf vied nad univerzálnym chaosom tradičným spôsobom, ale Klimt sa rozhodol inak: „Filozofia“ vo svojich náčrtoch viedla ľudí do alegorickej hmly, „Medicína“ sa ľahostajne odvrátila od davu umierajúcich, a „Jurisprudence“ v osobe troch fúrií nemilosrdne zaútočili na ľudskú obeť. A to všetko bolo ochutené poriadnou porciou neskrývanej erotiky.

Gustav Klimt "Obrázky pre univerzitu" (filozofia - medicína - jurisprudencia)

V roku 1900 na výstave Secesia Gustav Klimt, nakoniec predstavil "Filozofiu" - svoju prvú prácu ako súčasť dizajnu Viedenskej univerzity. V reakcii na to napísalo ministerstvu školstva osemdesiatsedem univerzitných profesorov, ktorí ich obvinili Klimtže „vyjadruje nejasné myšlienky pomocou neurčitých foriem“ a žiadal odobrať jeho objednávku. Je zvláštne, že v tom istom roku 1900 bola „filozofia“ ocenená zlatou medailou na svetovej výstave v Paríži.

Klimt pretransformoval tradičné alegórie a symboly do nového jazyka s väčším dôrazom na erotiku, a preto konzervatívnejším divákom viac vadil. Nespokojnosť vyjadrovali všetky kruhy – politické, estetické aj náboženské. V dôsledku toho obrazy neboli vystavené v hlavnej budove univerzity. Toto bola posledná verejná objednávka, ktorú umelec súhlasil s dokončením. Potom obrazy získal mecenáš August Lederer. V 30. rokoch nacistické úrady znárodnili Ledererovu zbierku Klimtových diel. Na konci vojny boli tieto diela presunuté do paláca Immerhof, no v roku 1945 do oblasti vstúpili spojenecké sily a ustupujúce jednotky SS hrad podpálili. Obrazy sú mŕtve. Jediné, čo dnes existuje, sú roztrúsené predbežné skice, čiernobiele fotografie troch nekvalitných obrazov a jedna farebná fotografia Hygiea z medicíny. Jeho trblietavé zlaté a červené farby dávajú predstavu o tom, ako mocne tieto tri stratené umelecké diela vyzerali.

Asi päťsto rokov pred naším letopočtom rímski plebejci, urazení arogantnými patricijmi, opustili mesto a odmietli sa vrátiť, kým nebudú prijaté spravodlivé zákony, ktoré zrovnoprávnia práva všetkých občanov. Prvýkrát sa im to naozaj nepodarilo, ale rebeli nakoniec dosiahli svoj cieľ: demokracia, aj keď čiastočne, triumfovala a samotný exodus vošiel do histórie pod názvom „secessio plebis“ – „odtrhnutie plebejcov“.

Gustav Klimt, zakladateľ a dlhoročný vodca viedenskej secesie – slávneho hnutia rebelantských umelcov – bol napriek tomu, že sa narodil na okraji cisárskej Viedne, tiež typickým plebejom.

Následne Gustav Klimt sa už nikdy nezaoberal štátnymi zákazkami, radšej tvoril maloformátové alegorické maľby do súkromných zbierok. A boli to väčšinou portréty, dobre známe mnohým obdivovateľom jeho tvorby.

A nehanebné krásky z obrazov Klimta naďalej úspešne dráždili konzervatívnu verejnosť. Na svojej výstave slávny zberateľ gróf Laskoronski, držiac sa za hlavu, behal od obrazu k obrazu a kričal: „Aká hrôza! A stále to bola dosť neškodná reakcia, ale vo všeobecnosti Klimtovi ponúkli súdiť, vyhostiť z krajiny a dokonca vykastrovať. Odpovede secesionistov boli oveľa kreatívnejšie. Ideológ „secesie“ Herman Bahr vydal provokatívnu knihu „Proti Klimtovi“, v ktorej zbieral tie najhlúpejšie a najkrutejšie útoky – čitateľ sa musel uistiť, že Klimta karhali iba idioti. A sám Klimt nazval svoje ďalšie plátno „Mojim kritikom“ - celé popredie obrazu zaberala luxusná ženská zadná strana ...

A zrazu, uprostred bitky, Klimt opäť urobil prudký obrat - opustil post šéfa „Secesie“, založil vlastný Zväz rakúskych umelcov a zmenil svoj tvorivý štýl, čím otvoril svoje slávne „zlaté obdobie“. Inšpirovaný starodávnymi byzantskými mozaikami si spomenul na šperkárske zručnosti získané v mladosti a začal svoje obrazy dopĺňať veľkolepými pozlátenými ornamentmi. Teraz maľoval iba tváre a ruky na portréty - orámované fantastickým dekorom, ktorý nahradil oblečenie a pozadie, boli úplne rovnaké ako ikony v zlatých platoch. A hlavnou svätyňou tohto panteónu bola "Golden Adele" - portrét mladej krásy Adele Bloch-Bauer - teraz najdrahší obraz na svete.

Je nepravdepodobné, že by niekto dokázal spočítať čo i len približný počet príbehov súvisiacich so záhadnými udalosťami okolo Klimtovho obrazu „Portrét Adele Bloch-Bauerovej“, a to nielen preto, že postavy, ktoré priamo súviseli s týmto majstrovským dielom, už prešli do iný svet, ale obraz, akoby živý, naďalej vzrušuje predstavivosť ľudí svojim nezvyčajným osudom ...

Len židovská myseľ môže prísť s trestom pre páchateľa, pričom si na tento účel vyberie práve ... nepriateľa, ktorý mu ublížil. Myseľ, v ktorej dozrieval plán pomsty, patrila podnikateľovi Ferdinandovi Bloch-Bauerovi a Gustav Klimt, ktorý neodolal kúzlu očarujúcej manželky boháča Adele, vystupoval ako „páchateľ“. O tomto románe sa v hlavnom meste dlho diskutovalo, ale o rozvode a ešte viac o banálnych fyzických trestoch pre milencov nemohlo byť ani reči. Vzťah medzi umelcom a Adele by sa mal prirodzene skončiť, no Bloch-Bauer si zdôvodnil, že by to mal urýchliť a zároveň z tohto nepríjemného príbehu ťažiť, pretože jeho priezvisko by znelo v názve obrazu.

Klimt neustále potreboval nové vzťahy so ženami, bez tejto „drogy“ by mohol nielen vytvárať, ale jednoducho existovať, a preto, keď si priemyselník objednal portrét svojej manželky, počítal s nevyhnutnou vzájomnou sýtosťou milencov, ktorá príde. práca na plátne. Výška kontraktu na dielo umelca ohromila a na diele pracoval štyri roky, predtým dokončil asi sto skíc.

Klimt pri práci na portréte využil celý tvorivý arzenál charakteristický pre „zlaté obdobie“ jeho maľby: realisticky maľovaná tvár a ruky sú kombinované s abstraktnými scenériami; Adelin odev a pozadie zdobí exotická symbolika a atmosféru tvorí jemná korenistá „aróma“.

Všetky „body“ plánu načrtnuté zákazníkom boli zrealizované, možno však bez jeho „geniálneho“ nápadu: zdravotný stav jeho manželky sa zhoršoval, veľa fajčila, niekedy celý deň nevstala z postele a práca bola často prerušované. S výsledkom Klimtovho snaženia boli všetci spokojní.

V roku 1938, keď umelec a jeho osudová predloha, ktorí sa zaslúžili o zvečnenie ich mena, ako aj mena Bloch-Bauer, už nežili, starší Ferdinand na úteku pred nacistami prenechal Zlatú Adelu svojmu bratova rodina a on sa usadil vo Švajčiarsku. Maria Altman (pred svadbou - Bloch-Bauer), Adelina neter, sa nejaký čas stala majiteľkou obrovských rodinných pokladov vrátane slávneho portrétu, ale potom dala všetky poklady za záchranu svojho manžela. Hitler, hoci nariadil nedotýkať sa Klimtovho diela, nemohol obraz prijať do svojej zbierky pre množstvo „židovských koreňov“ spojených s jeho pôvodom. Portrét sa objavil po skončení vojny a jeho stav bol perfektný, o čo sa zaslúžil Alois Kunst, ktorý kedysi nežne cítil Máriu Bloch-Bauerovú a počas vojnových rokov spolupracoval s gestapom. Obraz zaujal svoje miesto v múzeu Belvedere vo Viedni a Kunst pokračoval v ukladaní diela, ale v oficiálnom stave a stal sa riaditeľom múzea.

Maria Altman, ktorá sa s manželom usadila v Anglicku a potom v Spojených štátoch, by sa o osude portrétu svojej tety nikdy nedozvedela, no novinárovi Hubertusovi Cherninovi sa podarilo zistiť, že existuje testament Ferdinanda Bloch-Bauera. ktorá „Zlatá Adele“ a spolu s ňou a ďalšími hodnotami by mala patriť rodine, v tomto prípade Márii.

Pre Rakúsko, ktoré považovalo obraz za národnú relikviu, nadišiel čas znepokojivých udalostí, ktoré prinútili ľudí, ako aj všetky mocenské inštitúcie, aby sa zhromaždili za túžbu akýmkoľvek spôsobom opustiť plátno v krajine. Cena piatich diel, medzi ktorými bolo aj toto majstrovské dielo, stúpla zo 155 miliónov dolárov na 300 miliónov.Taká suma bola pre Rakúsko neúnosná.

Odprevadenie „Zlatej Adele“ by sa dalo prirovnať k celoštátnej akcii, bez nátlaku sa zišli tisíce ľudí, ktorí sa chceli rozlúčiť s národným pokladom.

V USA bola špeciálne postavená budova pre „Portrét Adele Bloch-Bauerovej“, ktorá sa nazýva „Múzeum rakúskeho a nemeckého umenia“; postavil ho Ronald Lauder, majiteľ slávneho parfumového gigantu Esty Lauder, ktorý portrét kúpil od Marie Altman za 135 miliónov dolárov. Neter Adele sa dožila 94 rokov a v roku 2011 pokojne zomrela.

Pre novinára Černina, schudobneného syna grófskej rodiny, ktorý veril, že vďaka poskytovaniu služieb Márie Altmanovej bude môcť žiť vo veľkom meradle, mal osud prozaickejší koniec: prešli len štyri mesiace. po tom, čo sa Rakúsko rozišlo s klimtovskými majstrovskými dielami a podľa oficiálnej policajnej verzie novinár zomrel na infarkt.

S najväčšou pravdepodobnosťou Ferdinand Bloch-Bauer niečo vedel a požadoval od Klimta dielo, ktoré bude žiť stáročia.

Zlaté obdobie“ Klimtovej tvorby sa vyznačovalo pozitívnou reakciou kritikov a je pre Klimta najúspešnejšie. Názov tohto obdobia pochádza zo zlátenia použitého v mnohých umeleckých dielach, počnúc „ Aténsky palác"() a " Judita“ (), ale jeho najznámejším dielom tohto obdobia je „ Bozk» (-). Zlaté pozadie a symbolika, blízka byzantčine, pochádza z mozaík Benátok a Ravenny, ktoré Klimt videl počas cesty do Talianska. Zároveň sa začal zaujímať o dekoratívne umenie v secesnom štýle. V roku 1904 dostal so skupinou umelcov objednávku na výzdobu paláca Stoclet, ktorý vlastnil belgický priemyselník a ktorý sa stal jednou z najznámejších pamiatok secesie. Klimt vlastní detaily dekorácií jedálne, ktoré sám pripísal k svojim najlepším dekoratívnym dielam. V rokoch 1909 až 1909 Klimt dokončil päť portrétov žien oblečených v kožušinách.

Judith je ženská postava, vdova, ktorá zachránila celú svoju židovskú rodinu pred nepriateľmi. Asýrčania obliehali jej rodné mesto, vdova sa musela prezliecť a odísť do tábora zatrateného nepriateľa. Bola to veľmi atraktívna panna a veliteľ nepriateľskej strany nemohol ignorovať jej kúzlo.

Vo svojich komnatách sa utešoval krásnym telom a popíjal víno. Keď muž zaspal, panna mu odrezala hlavu a hrdo ju priniesla k nohám svojho ľudu. Tento príbeh inšpiroval mnohých umelcov všetkých čias. Gustav Klimt nebol výnimkou. Stvárnil svoj obraz odvážnej a zúfalej ženy.

V jeho chápaní je Judith femme fatale. Znázornil ju, ako vychádza zo stanu nepriateľa. Dievča sa nestihlo dať do poriadku a ani si neomotalo okraje róby. Spod šiat jej mierne vykúkajú prsia. Hlava v ruke nie je okamžite viditeľná. Autorka sa snažila ukázať svoj hrdý a mierne arogantný pohľad. V tejto bitke sa stala skutočným víťazom a vôbec nezáleží na tom, že nepriateľ bol opitý a bol v stave spánku. Hrdinka stále zostáva krehkou, ženskou osobou, ktorá je pripravená bojovať až do konca.

Umelec namaľoval obraz v roku 1901. Na tomto portréte pózovala manželka slávneho bankára v Benátkach. Práca sa vykonávala niekoľko rokov, potom vznikol nový vzťah s manželkou niekoho iného. V dôsledku toho svet videl rozporuplné plátno. Na jednej strane je to žena, ktorá sa stala spasiteľkou. Myslela na víťazstvo ľudu a preto dala svoje kúzla Holofernesovi. Mnohí ju odsudzujú, pretože išlo skôr o pomstu a nával hnevu voči celej mužskej populácii.

Každý vie, že mladá dievčina bola v manželstve nešťastná, dokonca ani neplače, keď sa dozvie o smrti svojho manžela. Autor využíva slnečné farby ako symbol víťazstva a nového obdobia v živote Židov. Ale hrdinka má prakticky zavreté oči, nie je jasné, či sa teší z tejto popravy, alebo ľutuje vraždu, ktorú spáchala.

Životopisci tvrdia, že práve pre jeho záľubu v minimalizme vo veľkosti diel, Gustav Klimt dostal najväčšiu zákazku vo svojom živote – zákazku na návrh nového domu belgického priemyselníka Adolpha Stocleta, známeho ako Frieze Stoclet.

Medzi najznámejšie Klimtove diela patrí vlys, ktorý zhotovil v jedálni paláca Stocklet v Bruseli, ktorý postavil J. Hofmann. Samotná architektúra Stokletského paláca je typickým dielom secesie a Klimtov vlys zodpovedá štýlu budovy. Byzantské mozaiky urobili na Klimta veľký dojem, čo je obzvlášť viditeľné na scenérii tohto paláca. Vlastne mozaikovosť bola vlastná aj jeho obrazovému štýlu - celé plochy svojich obrazov poskladal zo samostatných kúskov farieb, všelijakých kučier a ornamentálnych fragmentov. Vo vlyse Stokletovho paláca pracuje priamo v technike mozaiky: farebnú kompozíciu tvorí farebný smalt, sklo, keramika, kov, čiastočne pozlátená, slonová kosť, perleť.

Použitie drahých, exotických materiálov v tomto vlyse je tiež celkom v chuti secesie. Na pozadí vlysu sú stromy s vetvami štylizovanými do špirálových kučier, s listami a vtákmi. Vo vlyse sú aj vyobrazenia ľudských postáv – „Čakanie“ v podobe ženskej postavy, ktorej šaty zdobí ozdoba z kučier a trojuholníkov zobrazujúcich oko. Tvár je vyobrazená tak podobne ako Japonec, že ​​by si niekto mohol myslieť, že je odkopírovaná z rytiny vtedy populárneho Hiroeige. Ďalšie dve postavy sú spojené v objatí a kompozične pripomínajú motív, ktorý sa na Klimtových obrazoch mnohokrát opakuje.

Gustav Klimt je vodcom viedenskej avantgardy na prelome storočí, aktívnym členom secesnej komunity inovatívnych umelcov. Klimtovým najlepším dielom sú jeho neskoršie portréty s plochými, netienenými povrchmi, priehľadnými, mozaikovitými farbami a tvarmi a vlnitými, zdobenými líniami a vzormi. Klimtove obrazy spájajú dve protichodné sily; na jednej strane je to smäd po absolútnej slobode pri zobrazovaní predmetov, čo vedie k hre ornamentálnych foriem. Tieto diela sú v skutočnosti symbolické a treba ich vnímať v kontexte symbolizmu ako vyjadrenie nedosiahnuteľného sveta nad časom a realitou. Na druhej strane je to sila vnímania prírody, ktorej vplyv zjemňuje nádheru ornamentiky v jeho obrazoch.

Gustav Klimt vytvoril obrazy, ktoré sa svojím výtvarným poňatím približovali k predmetom dekoratívneho a úžitkového umenia. Samotné dojmy reality slúžili len ako zámienka pre obraz, nie však ako jeho obsah. Postavy a predmety boli štylizované v duchu secesie. Klimtove pozadie bolo vždy rovinné, pretkané drobnými vzormi. Kontrastom k tomuto pozadiu boli iluzórne, objemovo interpretované časti obrazu – zvyčajne tvár.

Klimt zobrazoval postavy ako predĺžené, často sa uchyľovalo k ostro expresívnej profilovej siluete. Klimtova inscenácia figúr je čisto podmienená, sochárska; ak zobrazuje dvoch ľudí, potom je to najčastejšie zápletka objatia, bozku, ak je v kompozícii niekoľko postáv, potom sa všetky spájajú do jednej skupiny a okolo nich sa šíri rovnaké podmienené ozdobné pozadie.

Modely zobrazené Klimtom sa vždy vyznačujú zvýšenou emocionalitou: sú nervózne, napäté, zmyselné, agresívne. Bol to jeho individuálny tón vnímania reality. Odhalilo sa to v prípravných prácach Klimta - jeho kresbách. Ak počas života umelca boli jeho kresby málo známe a neprikladal sa im veľký význam, potom Klimtove grafické dedičstvo v posledných rokoch priťahuje veľkú pozornosť verejnosti a zberateľov. V Európe sa úspešne uskutočnilo niekoľko výstav venovaných výlučne Klimtovým kresbám.

V roku 1909 Klimt pokračoval v téme Judith bez toho, aby bral do úvahy negatívnu reakciu spoločnosti na predchádzajúce diela, ktoré boli v podstate ďaleko od zápletiek opísaných v Biblii. Tradičné predstavy o cnosti opäť ustúpili svojmu vlastnému, zmyselnou erotičnosťou „impregnovanému“ pohľadu na svet.

V obraze „Judita II“ sa maliarke podarilo vytvoriť obraz, ktorý ukazuje, aké mocné vnútorné sily sa môžu skrývať v „slabej“ ženskej prirodzenosti. V tomto období Klimtovho života a tvorby, v ľúbostnom vzťahu s Adele Bloch-Bauer, zrejme ešte tlela nejaká tá iskra, inak, kde by z plátna sršala táto hrozná a zároveň očarujúca sila zlej energie? .

Klimt nijak zvlášť nereagoval na humbuk okolo svojej prvej „Judity“, ktorá urážala city židovskej buržoázie aj ľudí kresťanskej viery, no tentoraz sa rozhodol, že na rám neuvedie nápis s názvom obrazu. , už vediac, že ​​dielo bude hovoriť samo za seba („Judith a Holofernes“ boli prezentované v medenom ráme, na ktorom bolo vyryté jej meno).

Ľudia sa rozhodli, že touto osudnou ženou, ktorá priťahuje pohľad, no dušu odpudzuje, môže byť jedine Salome, ktorej tanec musí byť venovaný Erosovi, zobrazený v pútavom duete so Smrťou; divák musel čakať na „rozuzlenie“ a prežíval chradnúce napätie. V mnohých katalógoch bolo dielo uvedené pod menom biblickej tanečnice, ktorá zničila Jána Krstiteľa svojím „pekelným“ tancom, ale skutočnosť, že Klimt vytvorila ženskú postavu, ktorá dokázala stelesniť tie najkrutejšie fantázie, pričom ho nazývala zbožnej Judity, opäť vyvolala ostro negatívnu reakciu kritikov.

Umelec nikdy nevysvetlil žiadne podrobnosti o svojich dielach, takže zostáva neznáme, čo by podľa autorovho zámeru mohlo byť spoločné pre dva takéto protichodné obrazy.

Ak v maľbách a nástenných maľbách Klimta nájdete veľa „citátov * z tvorby iných umelcov, nápadný je eklektický pôvod jeho štýlu, pompézna a nadmerná štylizácia umeleckého jazyka, potom na kresbách, kde umelec stručne zaznamenal dojmy o? prírody a plánov budúcich obrazov sa prejavuje jeho nadhľad. schopnosť ukázať podstatu, charakter modelu, výstižnými prostriedkami vytvárať expresívny výtvarný obraz.

Bezprostrednosť a úprimnosť Klimta ako kresliara historikovi vysvetľuje, prečo mal ako umelecká osobnosť na prelome storočí taký obrovský vplyv. Klimt bol veľmi nadaný umelec, ale za cieľ svojej tvorby považoval nie odhaľovanie individuálneho pohľadu na svet, ale vytvorenie určitého štýlu spoločného výtvarnému a dekoratívnemu umeniu. Preto si požičiaval a sám vytváral určité „klišé“ obrazov a ornamentov, ktoré neustále aplikoval vo svojich dielach a vďaka ktorým sú si navzájom podobné. Svojim dielam sa snažil dať hlboký filozofický a psychologický nádych. Nejasnosť obrazov a asociácií, stelesnená Klimtom. akoby odrážal psychoanalytické konštrukcie svojho súčasníka, viedenského lekára Sigmunda Freuda.

Nejasnosť umelcov používaných symbolov, zdôraznená nejednoznačnosť v čítaní všetkých jeho skladieb slúžili na to, že sa nehodili na jedno, presne stanovené dekódovanie, ale mohli si ich interpretovať každý v závislosti od svojich umeleckých skúseností. Možnosti čítania jeho kompozície „Nádej“, vytvorenej v roku 1903 a zobrazujúcej mladú nahú ženu s otvorenou maternicou, v ktorej leží dieťa, môžu byť teda nejednoznačné. Za ňou je kostra a nejaké príšery, ktoré pripomínajú, že pokračovanie ľudského života prechádza znamením smrti.

Klimt viedol pomerne jednoduchý život, pracoval vo vlastnom dome, všetok svoj čas venoval maľbe (vrátane secesie) a rodine a nemal priateľské vzťahy s inými umelcami. Bol dosť slávny na to, aby dostával mnoho súkromných zákaziek a mohol si z nich vybrať to, o čo mal záujem. Podobne ako Rodin, aj Klimt používal mytológiu a alegóriu, aby maskoval svoju hlboko erotickú povahu, a jeho kresby často prezrádzajú čisto sexuálny záujem o ženy. Jeho modelky spravidla súhlasili s pózovaním v ľubovoľných erotických polohách; mnohí z nich boli prostitútky.

Klimt písal veľmi málo o svojej vízii umenia alebo svojich metódach. Neviedol si denník a posielal pohľadnice Flögemu. Vo svojom Komentári k neexistujúcemu autoportrétu uvádza: „Nikdy som nemaľoval autoportréty. Zaujímam sa o seba ako o námet na obrázku oveľa menej ako o iných ľudí, najmä ženy... Nie je na mne nič zvláštne. Som umelec, ktorý maľuje deň čo deň od rána do večera... Kto chce o mne niečo vedieť... nech si moje obrazy dôkladne premyslí.“

Gustav Klimt sa nikdy neoženil, ale mal veľa afér. Pripisujú sa mu tri až štyridsať nemanželských detí. Napríklad rakúsky filmový režisér a kameraman Gustav Ucicki tvrdil, že je synom Klimta.

V jeho najdlhšom a najintímnejšom vzťahu so ženou mohol sex podľa životopiscov úplne chýbať.

Metódami „manažmentu“ sa Klimt prekvapivo podobal na iného slávneho obyvateľa vtedajšej Viedne - Sigmunda Freuda, ktorý tiež zarobil na rozmaroch bohatých dám. Mimochodom, podobnosti tu nekončia. Erotika, ktorá preniká takmer na každé Klimtove plátno, pozoruhodne odráža všadeprítomné freudovské libido a symbolický stret svetových živlov – ďalší leitmotív jeho tvorby – je tradične interpretovaný prostredníctvom freudovského stretu Erosa a Thanatosa. Hoci stále nie je známe, čo sa stalo predtým, pretože Freud túto časť svojej teórie rozvinul až po Klimtovej smrti.

To, či Klimt navštevoval konzultácie s Freudom, je, samozrejme, zaujímavá otázka. Samozrejme, Gustav so svojou slabo skrytou erotomániou bol skutočným nálezom pre psychoanalytikov, ale je nepravdepodobné, že by on sám považoval svoju slabosť za chorobu vyžadujúcu liečbu. Naopak, s radosťou sledoval mladých šarmantov, a keď mu to príjem dovolil, vo svojej dielni naaranžoval pravé séraglio. Keď majiteľ v sandáloch a starogréckom plášti na nahom tele pracoval za plátnom, zvyčajne sa túlali, ležali a sedeli, jedli ovocie, tri alebo štyri nahé modelky krásy - nevyčerpateľný zdroj inšpirácie. Z času na čas na jedného z nich zakričal: "Zmraz!" a načrtol pózu, ktorá na neho zapôsobila - po Klimtovi zostalo niekoľko tisíc takýchto náčrtov, nepočítajúc tie, ktoré spálil, keďže ich považoval za zbytočné.

Netreba dodávať, že nový sultán sa neobmedzoval len na platónske rozjímanie o dievčenskej kráse a jeho modely pravidelne rodili deti. Povesť pripisovala Klimtovi tucet nemanželských detí, ktoré, mimochodom, dobrovoľne uznal za svoje a dal peniaze na ich výživu. Gustav vyzdvihol istú Mizzi, Máriu Zimmerman, ktorá mu porodila syna a dcéru, - celý život ju sponzoroval, pomáhal nielen peniazmi, ale aj dobrými radami, keď ju raz odradil od zvodnej, ale nebezpečnej kariéry. umelec.

Bola dcérou výrobcu fajok Hermanna Flögeho (1837-1897) a vyučila sa najskôr za krajčírku. Neskôr sa stala módnou návrhárkou a spolu so sestrou Helenou vlastnili od roku 1904 vo Viedni salón haute couture s názvom sestry Flöge.

Emíliin život je stredobodom knihy Elizabeth Hickey Maľovaný bozk. Maľovaný bozk) (odkaz na Klimtov obraz „Bozk“) (Wikipedia)

V roku 1904 založili tri sestry Flögeové módny dom a stali sa poprednými návrhármi vo Viedni. Prispôsobovaním parížskej módy miestnemu vkusu a vytváraním vlastných návrhov sestry obliekali najelegantnejšie – a najbohatšie – rakúske ženy. Klimt prispel na Flögeho modely a pomohol vyzdobiť predvádzaciu miestnosť.

Postupne sa Emília a Gustáv stali neoddeliteľnými – aspoň v biznise. Mnohí životopisci a odborníci pochybujú, že mali pomer. Emilia bola hrdá na svoju modernosť, v osobnom živote na ňu nemal nikto objednávku a Klimt sa k nej, zdá sa, správal ako k rovnocennej osobe.

Klimt však namaľoval len pár portrétov Emílie. Osobitnú pozornosť si zaslúži plátno z roku 1902. Umelec vzdal hold obľúbenej práci ženy (bola spolumajiteľkou módneho domu Sisters Flöge a talentovanou módnou návrhárkou) a obliekol ju do oblečenia s komplexným ornamentálnym vzorom v jeho „signature“ štýle. Ale dôležitejšia na tomto obrázku Gustava Klimta je starostlivosť, s akou sú napísané tváre a ruky Emílie. Vedci veria, že takéto jemné detaily naznačujú, že túto tvár a ruky dôkladne poznal.

Životopisci sa stále nevedia dohodnúť na vzťahu medzi Klimtom a Flöge. Niektorí argumentujú, že bola jeho stálou milenkou, s ktorou sa nikdy neobťažoval oženiť sa. Iní sú si istí, že ich spojenie bolo výlučne platonické, a preto Emilia neporodila umelcovi dieťa. Nech je to akokoľvek, vzťah medzi Klimtom a Flöge trval 27 rokov a podľa očitých svedkov boli poslednými slovami umelca po mozgovej príhode, ktorá ho zasiahla, žiadosť, aby poslal po Emíliu.

Prečo ponižovať hodnú ženu fiktívnou intimitou so sexuálnym maniakom, ktorý ju podvádzal takmer každý deň? Len na základe toho, že niekto videl Emíliinu tvár na slávnom Klimtovom „Bozku“? Takže toto je len jedna z hypotéz, hrdinka filmu „Bozk“ nie je veľmi podobná spoľahlivým portrétom Emilie. Ale ak by Klimt chcel stvárniť Emiliu, urobil by to bez problémov - so svojou fotografickou presnosťou ... Okrem toho sa na „Bozku“ zúčastňujú dvaja ľudia a tým mužom by mal byť, samozrejme, sám Klimt. Umelec však v tlači oficiálne uviedol, že jeho autoportréty neexistujú, pretože sa nepovažuje ani za vhodný materiál pre kreativitu, ani za dostatočne zaujímavý objekt pre diváka.

Popis obrazu Gustava Klimta „Portrét Adele Bloch-Bauer II“

„... Strašne nežná a malátna... Duchovná tvár... Samoľúba a elegantná“, tento úryvok z vety Márie Altmanovej, netere Adele Bloch-Bauerovej, ktorá s obdivom a láskou spomínala na svoju slávnu tetu zapadá ako epigraf k štvrtému – záverečnému Klimtovmu dielu, na ktorom je zvečnená jedna z jeho svojráznych „múz“.

„Portrét Adele Bloch-Bauer II“ napísal majster v roku 1912, päť rokov po vytvorení „Zlatej Adele“. Krása hrdinky rokmi nevybledla, jej tmavé vlasy a svetlé zmyselné pery sú stále atraktívne; ich kontrast s bledým tónom plátna im dodáva mierne dávkovanú sviežosť. Pohľad je rovnako sebavedomý, hoci sa k nemu pridal sotva citeľný smútok. „Podpis“ Klimtian ornament vyzerá harmonicky. Majster nezačal vytvárať perspektívnu hĺbku, keď sa rozhodol zastaviť v lietadle. Aj Adeline šaty sú vyobrazené v bežnej dvojrozmernej rovine, to platí aj pre interiér, rozdelený na dve časti: červenú a zelenú.

Značná časť prvkov obrazu je vytvorená v zjednodušenej forme a obraz rúk vyzerá dokonca schematicky, ale všetku pozornosť diváka priťahuje tvár, ktorá patrí rozmaznanej žene, ale je tak tajomná a „hlboká “.

Adele stojí na ceste záhrady, v jej póze je určitá podobnosť s ikonou. Manžel Ferdinand, zjavne spokojný s realizáciou svojho „jezuitského“ plánu, podľa ktorého si mal Klimt vypestovať averziu k milenkovej predlohe, už nie je proti tomu, aby sa jeho manželka objavila v maliarovej záhrade. Vo Viedni kolovalo veľa zlých povestí, ktoré spomínali túto záhradu, kde ste mohli stretnúť nahé dámy rôznych tried. Povesť tiež tvrdila, že Klimt maľoval obrázky z nahých modelov a „obliekol“ ich do ozdobných šiat až na samom konci práce. S najväčšou pravdepodobnosťou počas tohto obdobia vzťahu medzi maliarom a Adele bol ich vzťah už ďaleko od búrlivej vášne, ktorou boli predchádzajúce plátna nasýtené.

Dielo, rovnako ako jeho prvá verzia, opustilo Rakúsko v roku 2006 a teraz je v Spojených štátoch.

Nie, v Klimtovom životopise by ste nemali hľadať „vernú a večnú lásku“. Ako nikto iný, vedel vykresliť ženy ako nevýslovne žiaduce, ale to vôbec neznamená, že ho aspoň raz v živote navštívil iracionálny pocit zamilovanosti. Klimt, absolútny pragmatik v práci aj v bežnom živote, nepatril k ľuďom, ktorých pohlcujú vášne. Okrem toho sa celý život usiloval o úplnú slobodu a veľmi možno sa vedome vyhýbal akýmkoľvek dlhodobým väzbám a hlbokým záľubám - mal dosť ľahko dostupných modelov a ľahkomyseľných obdivovateľov.

Jedinou ženou, ktorá sa počas celého života tešila z nemennej oddanosti a lásky Gustava, bola jeho matka Anna Klimt. Snívala o tom, že bude profesionálne robiť hudbu a precestovať svet s koncertmi, ale to sa jej nesplnilo. Nie je známe, čo presne to spôsobilo: buď nedostatok talentu, alebo manželstvo a narodenie siedmich detí. Nech už je to akokoľvek, Anna sa nakoniec rozhodla celý život venovať svojmu slávnemu synovi. Nechodila s ním von a nesnažila sa pripisovať si nejaké Klimtove zásluhy, ale jednoducho žila ticho a nenápadne v dome svojho syna a starala sa len o to, aby mal vždy teplú večeru a čisté oblečenie. Samotný umelec to považoval za samozrejmosť, hoci nemal žiadne zvláštne rozmary. Keďže bol unesený prácou, často zabúdal jesť a uprednostňoval tradičnú modrú blúzku umelca pred akýmkoľvek iným oblečením. Celé roky ticho a nenápadne žila vedľa svojho slávneho syna, pripravovala mu raňajky, zbierala ho na občasné výlety a predstierala, že nevie nič o zvykoch jeho dielne. Takmer celý život Gustav Klimt strávil vo Viedni, kde žil so svojou matkou. Napriek svojej pevnej postave a láske k športu ho čoraz viac premáhali depresie a od roku 1912 Klimt nútený chodiť každý rok k vode. Smrť jeho matky v roku 1915 Klimta šokovala viac ako všetky hrôzy svetovej vojny.

6. februára zomrel vo Viedni na zápal pľúc Gustav Klimt, ktorý predtým utrpel mozgovú príhodu. Pochovali ho na cintoríne Hietzing vo Viedni. Veľa obrazov zostalo nedokončených.

Vo všeobecnosti sa Klimt v prvých rokoch nášho storočia opakovane dostáva do konfliktu s verejnosťou, ktorá jeho diela neprijíma. V roku 1903 Secession organizuje osobnú výstavu Klimta, ale potom sa umelec rozíde s úniou, čo naznačuje jeho nezhody so svojimi kolegami.

Napriek tomu, hoci Klimt nebol vyrovnaným umelcom a jeho súčasníci mu vždy nerozumeli, mal veľký vplyv na vývoj rakúskeho umenia na začiatku 20. storočia. Klimt ako prvý zaviedol do rakúskeho maliarstva pojem veľkého štýlu.

Na konci svojho života v roku 1917 získal Klimt plné oficiálne uznanie a stal sa čestným profesorom na akadémii vo Viedni a v Mníchove.

Ostro individuálny spôsob kresby, ktorý je mu vlastný, sa stal základom pre hľadanie mladších umelcov, budúcich predstaviteľov expresionizmu - Oskara Kokoschku a Egona Schieleho.

O širokom uznaní umelcovej tvorby svedčí skutočnosť, že už za jeho života jeho diela kupovali nielen súkromní zberatelia, ale aj veľké štátne galérie. V roku 1908 teda Galéria moderného umenia v Ríme kúpila jeho dielo „Tri veky ženy“ a Rakúska štátna galéria kúpila „Bozk“. Je pravda, že dovtedy sa mu podarilo hádať s účastníkmi secesie a opustil túto organizáciu. 6. februára 1918 umelec zomrel na vrchole svojej slávy - vzácnosť v dejinách maľby.

Klimtove diela sa predávali s trvalým úspechom aj po smrti autora, pričom cena neustále stúpala. Počas druhej svetovej vojny nacisti odkúpili umelcove plátna zadarmo od súkromných vlastníkov, z ktorých mnohí boli Židia. Zberatelia, ktorí si zachránili život, sa neváhali rozlúčiť so svojimi vecami. V polovici dvadsiateho storočia sa ikonické maľby Rakúšanov usadili v štátnych galériách. Dražby boli väčšinou kresby.

Začiatkom 70. rokov sa Klimtova krajina dala kúpiť za 400 000 – 600 000 dolárov. V roku 1978 kúpil newyorský obchodník Serge Sabarsky dielo majstra „Parka“ za 500 000 dolárov. Portréty, ktoré sa občas dostali na trh, boli v tom čase ocenené až 1 milión dolárov O desaťročie neskôr sa ceny podobných diel zvýšili takmer 4-krát. Napríklad v roku 1987 obyvateľka Kanady, pani Primavesi, predala v Sotheby's nádherný portrét svojej matky od Gustava Klimta – „Portrét Eugenie (Mada) Primavesi“. Je pozoruhodné, že plátno patrilo do najznámejšieho takzvaného zlatého obdobia majstra. Japonský obchodník s umením Shigeki Kameyama ho získal len za 3,85 milióna dolárov. V roku 1994 sa však obraz Dáma s ventilátorom z rovnakého obdobia predal v aukčnej sieni Sotheby's za 11,5 milióna dolárov. Jazero Attersee II" šiel pod kladivo v Christie's za 23,5 milióna dolárov. Predajca , ktorý kúpil tento obraz pred desiatimi rokmi v Sotheby's za 5,3 milióna dolárov, zarobil 18,2 milióna dolárov. V roku 2003 bol "Country House v Attersee" predaný Sotheby's za 29,128 milióna dolárov. Len o tri roky neskôr boli ceny Klimtovych diel na rovnakej úrovni a to isté obdobie opäť vzrástlo. Po súdnom škandále (o ktorom sa bude diskutovať nižšie) sa „Domy v Unterachu pri Attersee“ predajú v Christie’s za 31,4 milióna dolárov. Na aukciách sa predávali nielen hotové plátna a skice ceruzkou, ale dokonca aj akvarelové pohľadnice, ktoré napísal sám Klimt. Áno, v októbri 1999. Neznámy kupec kúpil v Sotheby`s sadu 24 pohľadníc za 481,4 tisíc dolárov.

Pre svetový trh s umením bol rok 2003 poznačený senzáciou. Americký súd po dlhých prieťahoch akceptoval žiadosť americkej občianky Marie Altmanovej proti Rakúskej republike. 76-ročná žalobkyňa žiadala, aby jej bolo odovzdaných päť obrazov Gustava Klimta, uložených v Rakúskej galérii, ktorá sa nachádza v paláci Belvedere vo Viedni. Pani Altmannová, dedička zosnulého rakúskeho priemyselníka Bloch-Bauera, tvrdila, že obrazy ilegálne odobrali jej predkovi nacisti, z rúk ktorých skončili v galérii. Základom nároku bol rakúsky zákon o reštitúcii v novom vydaní, ktorý vstúpil do platnosti o niekoľko rokov skôr. Je možné, že staršej pani to poradili profesionáli. „Je pravdepodobné, že to nebolo len jej osobné rozhodnutie. Priznávam, že Márii Altmanovej odporučili vstúpiť do súdneho sporu o plátna od ľudí, ktorí na nich chceli zarobiť dobré peniaze, “hovorí majiteľ galérie Bosco. Globálny trh s umením totiž už dlhé roky pociťuje nedostatok ikonických obrazov od veľkých umelcov. A vyvolávanie žalôb o obnovu je jedným z mála účinných spôsobov, ako tento nedostatok nahradiť. Tak či onak, podujatie získalo bezprecedentnú publicitu, pretože medzi kontroverznými obrazmi bola perla nielen rakúskej galérie a Klimtovho diela, ale celej moderny - obraz „Portrét Adele Bloch-Bauer I“ , napísaný v roku 1907. Rakúšania ju volali svojou Monou Lisou.

Adele, zvečnená na plátne, bola mladou manželkou staršieho obchodníka a filantropa Blocha-Bauera, ktorý Klimta dlhé roky finančne podporoval. Bol to on, kto svojho času vystupoval ako objednávateľ portrétu. Mimochodom, Frau Bloch-Bauer vošla do histórie aj ako jediná modelka, od ktorej Gustav Klimt namaľoval portrét dvakrát.

Zdalo sa, že žiadosť Márie Altmanovej mala veľmi nejasné súdne vyhliadky. Najmä ak vezmete do úvahy vysoký vek žalobcu. O to senzačnejšie však bolo v roku 2006 rozhodnutie súdu v jej prospech. V Rakúsku vypukla panika. Členovia vlády sa ponáhľali hľadať mecenášov, ktorí boli ochotní kúpiť päť obrazov od dedičky, potom bankárov, ktorí boli ochotní poskytnúť pôžičku pre tento podnik, a nakoniec sa neúspešne pokúsili vydať „Klimtove dlhopisy“, aby získali požadované množstvo. A nová milenka medzitým naplnila cenu tovaru: 100 miliónov dolárov, 150 miliónov dolárov, 200 miliónov dolárov... Keď si starká pýtala 300 miliónov dolárov za obrazy, Rakúšania spustili ruky. V zime 2006 rakúsky spolkový kancelár oficiálne oznámil ukončenie rokovaní a odmietnutie prednostného práva na kúpu zo strany štátu. A v lete toho istého roku vypukla nová senzácia: „Portrét Adele Bloch-Bauer I“ kúpil filantrop Ronald Lauder, dedič slávnej Estée Lauder, zakladateľky rovnomenného kozmetického impéria. rekordných 135 miliónov dolárov. Tento obraz sa teda stal v tom čase najdrahším na svete, čím prekonal rekord 104 miliónov dolárov stanovený v roku 2004 v Sotheby's za Pabla Picassa Chlapec s fajkou. Nevyhnutnou podmienkou kúpy bolo, že sa Lauder zaviazal vystaviť portrét vo vlastnej newyorskej galérii Neue Galerie pre verejnosť. Obchod sa uskutočnil obchádzaním dražiteľov, čo umožnilo podnikateľovi ušetriť na províziách až 20 % svojej hodnoty. Mimochodom, tento spôsob dopĺňania zbierok volí mnoho zberateľov. Podľa Európskej nadácie pre výtvarné umenie (TEFAF) objem globálneho súkromného trhu s umením v roku 2007 dosiahol 30 miliárd dolárov.

Pozornosť si zaslúži aj osud ďalších štyroch obrazov Belvedere. Hype okolo prvého portrétu Adele urobil svoju prácu: vzrušená aukčná verejnosť bola pripravená rozlúčiť sa s miliónmi bez ľútosti. V roku 2006 sa štyri plátna z Belvederu dostali pod kladivo v Christie's za 192,6 dolárov. Portrét Adele Bloch-Bauer II vyniesol 87,9 milióna dolárov (odhadom 40-60 miliónov dolárov). Pre „Birch Forest“ – 40,3 milióna dolárov (odhad – 20 – 30 miliónov), „Yablonya I“ vyšiel na 33 miliónov dolárov (odhad – 15 – 25 miliónov dolárov) a „Domy v Unterachu pri Attersee“, ako už bolo spomenuté – na 31,4 dolárov miliónov (odhad - 18-25 miliónov dolárov). Pani Altmanová potom novinárom skromne priznala, že je s výsledkami obchodu spokojná. A Edward Dolman, generálny riaditeľ Christie's International, potvrdil: "Rok 2006 bol pre Christie's fenomenálnym rokom." Práve v roku 2006 vzrástol predaj domov v peňažnom vyjadrení o 36 %. Len výnosy z predaja impresionistov a modernistov presiahli 1,2 miliardy dolárov. Niektorí odborníci navyše hodnotia tento vplyv negatívne. Americká historička umenia Elizabeth Kuzhavsky teda poznamenáva: „Ide o umelý trh vytvorený jednou osobou. Vo všetkých prípadoch nedávnych predajov Klimta boli ceny za jeho diela neprimerane nafúknuté najmenej dvakrát. Za všetko môže, hlavne, "Golden Adele". V odpovedi Lauder napoly žartom, napoly vážne odpovedá: „Nemal som v úmysle akýmkoľvek spôsobom formovať trh. Práve som dostal vášeň. Nikto na celom svete ju nechcel („Zlatá Adele.“ – približne Aut.) Tak ako ja“

V roku 2006 bol vydaný hollywoodsky film "Klimt". Obraz začína tým, že umelec, ktorého hrá John Malkovich, ktorý umiera na klinike, zamrmle: „Kvety, kvety ...“. "Aké kvety?" - všetci na oddelení sa zmätene obzerajú okolo seba... Na tlačovej konferencii sa režiséra Raula Ruiza opýtali, či to bol náznak symbolu tej doby - „Kvety zla“ od Charlesa Baudelaira? V reakcii na to sa Ruiz zasmial: „Kvety sú tie isté bunky, ktorých delenie v jednej z epizód ukazuje umelcovi pod mikroskopom jeho priateľ, lekár, bunky syfilisu, ktoré zabili Klimta.“

Referencia:

Moderný štýl(z franc. moderne - moderný, iný názov: art nouveau (fr. art nouveau, lit. "nové umenie"), Jugendstil (nem. Jugendstil - "mladý štýl") - umelecký smer v umení, najpopulárnejší v 2. pol. XIX - začiatok XX storočia Charakteristickými črtami secesného štýlu je odmietnutie priamych línií a uhlov v prospech prirodzenejších, "prirodzenejších" línií, záujem o nové technológie (napríklad v architektúre), rozkvet úžitkového umenia.

Secesia sa snažila spojiť umeleckú a úžitkovú funkciu vytvorených diel, zapojiť všetky sféry ľudskej činnosti do sféry krásy. V iných krajinách sa nazýva aj: „tiffany“ (pomenovaná podľa L.K. Tiffanyho) v USA, „art nouveau“ a „fin de siècle“ (dosl. „koniec storočia“) vo Francúzsku, „art nouveau“ (viac presne, „ Jugendstil“ - nemecký Jugendstil, podľa názvu ilustrovaného časopisu Die Jugend založeného v roku 1896) v Nemecku, „secesný štýl“ (Secessionsstil) v Rakúsku, „moderný štýl“ (moderný štýl, lit. „moderný štýl“) v Anglicku, " Liberty style" v Taliansku, "modernismo" v Španielsku, "Nieuwe Kunst" v Holandsku, "spruce style" (style sapin) vo Švajčiarsku.

Životopis
Gustav Klimt (1862-1918) - umelec, zakladateľ secesie v rakúskom maliarstve. Jeden z najušľachtilejších umelcov éry secesie. Začiatkom 20. storočia jeho úprimne erotické obrazy šokovali kultivovanú viedenskú verejnosť. Niektorí považovali Klimta za génia, iní za „zvráteného dekadenta“.

Narodil sa na viedenskom predmestí Baumgarten 14. júla 1862 v rodine rytca a klenotníka Ernesta Klimta. Študoval u svojho otca av rokoch 1875-1883 na škole remesiel vo viedenskom rakúskom umelecko-priemyselnom múzeu, kam v roku 1877 vstúpil aj jeho mladší brat Ernest.

1879-1885 - Gustáv so svojím bratom a mladým umelcom Franzom Matchom pracuje, zdobia divadlá rakúsko-uhorskej provincie (v Reichenbergu, Fiume a Karlsbad - Karlovy Vary) a stropy viedenských palácov s dekoratívnou maľbou a už v roku 1880 - dostáva prvý vážny rozkaz - "Štyri alegórie."

1885-1886 - zdobia viedenské budovy Burgtheatru a Kunsthistorisches Museum.
Počas tohto obdobia spoločnej práce sa Klimtov štýl začína líšiť od štýlu jeho brata a Mutscha a vzďaľuje sa od akademického spôsobu kreslenia.

Po ukončení prác v Burgtheatre udeľuje cisár František Jozef Klimtovi Zlatý kríž za zásluhy o umenie.

1886 - Klimt predvádza nástenné panely pre aulu Viedenskej univerzity s alegorickým obrazom troch fakúlt "Právna veda", "Filozofia" a "Medicína". Plátna budú odmietnuté z dôvodu „provokatívnej erotiky“: klimtovské dámy, symbolizujúce filozofiu a iné disciplíny, sa zákazníkovi zdali príliš roztomilé a nezlučiteľné s duchom rigoróznej vedy.

1891 – Klimt sa stal členom Zväzu výtvarných umení.

1894 – Klimt spolu s Franzom Matchom dostali objednávku na dekoráciu „Aula Magna“ na Viedenskej univerzite.

Klimt sa čoraz viac zapájal do prvkov moderny, a teda v rozpore s akademickou tradíciou, stal sa v roku 1897 jedným zo zakladateľov Viedenskej secesie, nezávislej od Akadémie umení (nem. Sezession - „odpadnúť“, „ oddelenie“). Navždy sa rozchádza s oficiálnymi tvorivými kruhmi a okamžite vedie novú komunitu inovatívnych maliarov. V tom istom roku, v lete, v mestečku Kammer pri Attersee namaľoval svoje prvé krajinky.

1898 – Založené noviny Sacrum – verejný orgán Secesie, konajú sa prvé výstavy jej členov. Počas týchto rokov sa Klimt vyvinul ako expresionista, jeho diela sa vyznačujú ornamentálnym zobrazením foriem, ktoré sú vyplnené mozaikami.

1901-1902 - pre výstavnú budovu Secesie vytvoril Klimt „Beethovenov vlys“, ktorý stelesňuje témy 9. symfónie.

1903 - Klimt cestuje po Taliansku (Ravenna, Benátky, Florencia). Tu vidieť luxusné byzantské mozaiky ohromujú predstavivosť majstra. Odvtedy sa jeho charakteristickým znakom stala schopnosť sprostredkovať skutočné predmety hrou dekoratívnych ozdôb. Začína sa jeho „zlaté obdobie“. Z jeho iniciatívy vznikli „Viedenské dielne“, ktoré zohrali významnú úlohu pri štýlovej obnove rakúskeho dizajnu. V tom istom roku sa v Secesi koná retrospektíva diel Gustava Klimta.

1904 - Klimt napísal náčrty pre nástenné mozaiky paláca Stoclet v Bruseli, ktoré vznikli v umelcovom viedenskom ateliéri.

1905 - V Rakúskej galérii boli zakúpené dosky Aula Magna, vytvorené na Viedenskej univerzite.

Po odchode zo secesie v roku 1906 založil novú Zväz rakúskych umelcov, na jej výstavách podporoval ešte málo známych O. Kokoschku a E. Schieleho.
1909-1911 - pracuje na freskách v paláci Stoclet.

1917 – Začiatok práce na Nevesta a Adam a Eva. Až v tomto čase získal plné oficiálne uznanie, stal sa čestným profesorom na akadémii vo Viedni a v Mníchove.
6. februára 1918 Klimt zomiera vo Viedni na mozgovú príhodu a zanecháva po sebe obrovské množstvo nedokončenej práce.

Klimt vošiel do dejín predovšetkým svojimi ostro expresívnymi ženskými portrétmi (E. Flöge, 1902, A. Bloch-Bauer, 1907) a symbolickými maľbami, presýtenými dramatickou, „fatálnou“ erotikou („Judith 1“, 1901 "Bozk", 1907-1908, Salome, 1901; Danae, 1907). Túto „dionýzovskú“ drámu umocnil zlatými podkladmi, následne veľkými farebnými vzormi, z ktorých trblietavých prvkov sa akoby z podlahy rodili trblietavé postavy.

Gustav Klimt. Symbolika „secesie“ a femme fatales

Aténa Pallasová. 1898

Tu Klimt prvýkrát použil zlato. Zmyselná ornamentika zdôrazňuje dôležitú erotickú zložku jeho predstáv o svete.

“Chceme vyhlásiť vojnu sterilnej rutine, nehybnému byzantizmu, všetkým možným nevkusom... Naša secesia nie je bojom medzi súčasnými umelcami a starými majstrami, ale bojom o úspech umelcov, nie obchodníkov, ktorí si hovoria umelci, no zároveň ich komerčné záujmy zasahujú do rozkvetu umenia. Toto vyhlásenie Hermanna Bahra, dramatika a divadelného kritika, duchovného otca secesionistov, môže slúžiť ako motto pre založenie v roku 1897 „Viedenskej secesie“, ktorej jeden zo zakladateľov, prezident (do roku 1905) a duchovný vodca bol Klimt.

Umelci mladšej generácie už nechceli akceptovať opatrovníctvo, ktoré im akademizmus uložil; požadovali, aby ich práce boli vystavené na riadnom mieste, bez „trhových síl“. Chceli ukončiť kultúrnu izoláciu Viedne, pozvať do mesta umelcov zo zahraničia a zviditeľniť tvorbu členov secesie aj v iných krajinách. Program secesionistov bol významný nielen v „estetickom“ kontexte, ale aj ako boj o „právo tvoriť“, o umenie ako také; bol základom boja medzi „veľkým umením“ a „sekundárnymi žánrami“, medzi „umením pre bohatých“ a „umením pre chudobných“ – skrátka medzi „Venušou“ a „Nini“.

Významnú úlohu v rozvoji a šírení secesie zohrala „viedenská secesia“ ako sila stojaca proti oficiálnemu akademizmu a buržoáznemu konzervativizmu. Táto vzbura mládeže pri hľadaní oslobodenia od obmedzení, ktoré na umenie kladie sociálny, politický a estetický konzervativizmus, by sa mohla rozvinúť bezprecedentným úspechom a vyvrcholiť utopickým projektom: myšlienkou transformácie spoločnosti prostredníctvom umenia.

Umelecký spolok Vienna Secession začal vydávať vlastný časopis Ver Sacrum (Svätá jar), s ktorým Klimt pravidelne dva roky spolupracoval. Po úspechu hnutia a úspešných výstavách v iných krajinách sa projekt výstavby výstavnej budovy pre secesiu stal skutočnosťou. Klimt predložil svoje grécko-rímske plány pre projekt, ale prednosť dostal (a nakoniec aj zrealizoval) dizajn „paláca umenia“ navrhnutý Josephom Mariou Olbrichom. Jeho koncept spočíval v miešaní geometrických tvarov – od kocky po guľu. Na štíte bol umiestnený známy výrok umeleckého kritika Ludwiga Hevesyho: „Čas je vaše umenie. Umenie je vaša sloboda."

Otvorenie výstavnej budovy Viedenskej secesie v marci 1898 bolo netrpezlivo očakávané. Klimt tu predstavil kompozíciu „Theseus a môj Notaur“, naplnenú bohatým symbolickým významom. Figový list zámerne chýbal a umelec bol nútený upokojiť ostýchavosť cenzorov zobrazením stromu. Theseus, takmer úplne nahý, symbolizoval boj za nové v umení; je na osvetlenej strane, zatiaľ čo Minotaurus, prebodnutý Théseovým mečom a nesmelo sa sťahujúci do tieňa, zosobňuje zlomenú silu. Aténa, ktorá vychádza z hlavy Dia, bdie nad scénou ako stelesnenie ducha zrodeného z rozumu, ktorý symbolizuje božskú múdrosť.

Schubert pri klavíri. 1899

Vo Viedni obdivovali „mierumilovné“ diela Klimta, ktorý potešil verejnosť stvárnením obľúbeného skladateľa sentimentálnej buržoázie.

Niet umenia bez mecenášstva a mecenáši „secesie“ sa našli predovšetkým medzi židovskými rodinami viedenskej buržoázie: Karl Wittgenstein, oceliarsky magnát, Fritz Werndorfer, textilný magnát, ako aj rodiny Knips a Lederer, ktorí podporovala práve secesia. Všetci patrili medzi tých, ktorí si objednali obrazy Klimta a on sa špecializoval na portréty ich manželiek.

Portrét Sonyy Knipsovej. 1898

Portrét mladej dámy zo spoločnosti vyjadruje ľahostajnosť a odstup, ktorý je príznačný pre všetky osudové ženy od tých čias.

Portrét Sonyy Knipsovej bol prvým v tejto „galérii manželiek“. Rodina Knipsovcov bola spojená so železiarskym a oceliarskym priemyslom a bankovníctvom. Josef Hofmann navrhol ich dom a Klimt namaľoval množstvo obrazov vrátane v roku 1898 portrétu Sonie v strede obývačky. Portrét kombinuje niekoľko štýlov. Je známe, že Klimt sa prikláňal k Makartovej hyperbole a póza Sonie Knips naznačuje vplyv tvorkyne portrétu slávnej herečky Burgtheater Charlotte Voltaire ako Messaliny, ktorý sa prejavuje napríklad v asymetrickom postavení postavy. a v zvýraznení siluety. Na druhej strane interpretácia šiat, ktorá je pre Klimta úplne netypická, pripomína Whistlerovu ľahkú prepravku. Hrdý, rezervovaný výraz, ktorý Klimt dal tejto spoločenskej dáme, je pre umelca typický; odvtedy sa to znova a znova objavovalo u jeho osudových žien.

Nuda Veritas (Nahá pravda). 1899

Táto pravá žena, vysoká dva metre, výrazná a vo svojej nahote provokujúca, privádzala do rozpakov a dráždila viedenskú verejnosť. Len jej ochlpenie stačilo na vyhlásenie vojny klasickému ideálu krásy.

Jednou z najpopulárnejších myšlienok fin de siecle (koniec storočia) bola dominancia žien nad mužmi. Salónmi sa prehnala téma „boj pohlaví“; Do diskusie sa zapojili aj umelci a intelektuáli. Pallas Athena, ktorú namaľoval Klimt v roku 1898, bola prvým obrazom v jeho galérii „superžien“: Athéna si svojím brnením a zbraňami istá víťazstvom, podmaňuje si muža a možno aj celé mužské pohlavie. Niektoré prvky, ktoré sa objavujú na tomto obrázku, budú zásadné v ďalšej Klimtovej tvorbe: napríklad použitie zlata a premena tela na ornament a ornament na telo. Klimt pokračoval v práci s vonkajšou formou, na rozdiel od mladšej generácie expresionistov, ktorí hľadali okamžitý prienik do duše. Klimtov vizuálny jazyk prevzal mužské aj ženské symboly zo sveta freudovských snov. Zmyselný, erotizovaný ornament odráža jednu zo strán Klimtových predstáv o svete.

Erotika Klimtovej tvorby neustále vyvolávala polemiku, ako v prípade troch skíc na ozdobné panely pre Veľkú aulu univerzity, ktoré boli vnímané ako škandalózne. V roku 1899 Klimt predstavil konečnú verziu Filozofie, prvého z týchto troch obrazov. Pôvodná verzia už bola v tom čase vystavená na svetovej výstave v Paríži. Hoci ju mnohí kritici dobre prijali a dokonca získala cenu na výstave, vzdelaná verejnosť vo Viedni z nej urobila taký škandál, akoby celá viedenská kultúra bola zašliapaná do blata. Klimt to však zrejme napísal len s tými najlepšími úmyslami.

filozofia. 1899-1907

Muži a ženy plávajú ako v tranze, pričom nekontrolujú zvolený smer. To bolo v rozpore s predstavami vedy a vedomostí, ktoré prevládali medzi vtedajšími vedcami, ktorí sa cítili smrteľne urazení. Prácu si objednala Viedenská univerzita.

„Hoci svojimi činmi a umením nemôžete potešiť všetkých ľudí, nechcete potešiť mnohých. Nie je dobré potešiť dav.“ Súdiac podľa pobúrenia, ktoré vyvolal Klimtov Medicinal, sa zdá, že si Schillerov princíp osvojil.

„Filozofiu“ vnímal ako syntézu svojich predstáv o svete a zároveň ako hľadanie vlastného štýlu. V katalógu vysvetlil: „Naľavo je skupina postáv: Začiatok života, Zrelosť a Vŕzganie. Na pravej strane je guľa predstavujúca tajomstvo. Nižšie sa zobrazí osvetlený obrázok: Vedomosti.

Ctihodní viedenskí profesori sa však vzbúrili proti tomu, čo považovali za útok na tradíciu. Ponúkli umelcovi, aby namaľoval obraz, ktorý by mohol vyjadriť triumf svetla nad temnotou. Namiesto toho im Klimt predložil obraz „víťazstva temnoty nad všetkým“. Ovplyvnený dielami Schopenhauera a Nietzscheho a pokúšajúc sa nájsť svoj vlastný spôsob, ako odhaliť metafyzickú hádanku ľudskej existencie, umelec obrátil ich myšlienku na vyjadrenie zmätku moderného človeka. Neváhal prelomiť tabu pri témach ako choroba, telesný úpadok, chudoba – v celej ich škaredosti; predtým bola realita zvyčajne sublimovaná a predstavovala jej najpriaznivejšie aspekty.

Prietok. 1898

Vodné ženy Klimta sa so zmyselným výrazom poddávajú objatiu vĺn, svojmu prirodzenému živlu.

Život a jeho erotická myšlienka sa vždy sústreďovali okolo boja medzi Erosom a Thanatosom a tieto myšlienky Klimta úplne zachytili. Alegória "Medicína", druhá v cykle skladieb pre univerzitu, opäť vyvolala škandál. Osudom roztrhané telá sú unášané prúdom života, v ktorom, zmierené, všetky jeho etapy, od narodenia až po smrť, prežívajú slasť či bolesť. Takáto vízia hraničí s bagatelizovaním úlohy medicíny; zdôrazňuje jej bezmocnosť v porovnaní s neprehliadnuteľnými silami Rocka. Nie je bohyňa zdravia Hygieia, stojaca chrbtom k ľudskému pokoleniu s kňazskou ľahostajnosťou, skôr tajomnou či pôvabnou femme fatale ako symbolom učeného osvietenia? Nie sú podmanivé ženské telá zmiešané s kostrami priamou ilustráciou Nietzscheho podobenstva o „večnom návrate“, kde je smrť vnímaná ako najvyšší bod života? Klimt vo Filozofii a medicíne vyjadruje schopenhauerovský pohľad, že „svet ako túžba, ako slepá sila vo večnom kolobehu, sa rodí, miluje a umiera“.

Liek. 1900-1907

Klimt bol odsúdený za zobrazenie bezmocnosti medicíny a sily choroby. Verejnosť bola hlboko pobúrená, šokovaná a umelec bol obvinený z „pornografie“ a „prílišnej zvrátenosti“.

Tretie dielo pre univerzitu „Právna veda“ bolo prijaté s rovnakým nepriateľstvom; diváci boli šokovaní tým, akú škaredosť a nahotu verili, že videli. Len jeden Franz von Wickhoff, profesor dejín umenia na Viedenskej univerzite, obhajoval Klimta v legendárnej prednáške s názvom „Čo je škaredé?“. O škandále, ktorý vyvolal Klimt, sa však hovorilo aj v parlamente. Umelec bol obvinený z „pornografie“ a „prílišnej zvrátenosti“.

judikatúra. 1903-1907

Namiesto zobrazenia víťazstva svetla nad temnotou, ako sa očakávalo, Klimt odrážal ľudský pocit neistoty vo svete okolo seba.

Zdá sa, že Klimt interpretuje sexualitu pojmami inšpirovanými Freudovým výskumom psychológie nevedomia. Riskantné pokusy umelca - hanba! — boli zamerané na prezentáciu sexuality ako oslobodzujúcej sily na rozdiel od vedeckých poznatkov a ich obmedzeného determinizmu. Od Klimta sa očakávalo, že bude vedu velebiť, no namiesto toho sa nechal uniesť citátom z Vergíliovej Eneidy, ktorý Freud parafrázoval vo svojom Výklade snov: „Ak nemôžem ovládať bohov, privolám peklo.“

Klimt sa nenechal zastrašiť tvrdou kritikou a išiel ďalej svojou cestou. Jeho jedinou odpoveďou na militantnú opozíciu bol obraz, ktorý sa najprv nazýval Moji kritici a po výstave - Zlatá rybka. Hnev verejnosti dosiahol svoj vrchol: krásna, nezbedná nymfa v popredí vystavila svoj zadok, aby ju všetci videli! Morské postavy lákajú diváka do sveta sexuálnych fantázií a asociácií, porovnateľných so svetom Freudových symbolov. Tento svet už bol nahliadnutý v Prúde a Nymfách (Striebornej rybke) a bude znovuobjavený o niekoľko rokov neskôr na obrázkoch Vodní hadi I a Vodní hadi II. Secesia rada zobrazovala podmorské kráľovstvo, kde na venušine mäkkýšov rastú tmavé a svetlé riasy alebo sa v strede lastúry trblieta jemné tropické koralové telo. Význam symbolov nás privádza späť k ich nepochybnému prototypu, žene. V týchto podvodných snoch sa riasy stávajú vlasmi rastúcimi na hlave a ohanbí. Sledujú tok vo zvlnenom pohybe, ktorý je tak charakteristický pre modernu. S mdlým odporom sa poddávajú objatiu morského živlu, rovnako ako Danae je otvorená Diovi a preniká do nej v podobe zlatého dažďa.

Nymfy (strieborné ryby). OK. 1899

Tieto námorné obrazy dláždia cestu labyrintom sexuálnych narážok, ktoré sú rozpoznateľné vo Freudovom svete symbolov.

Judita I. 1901

Spojenie so sexualitou a smrteľnosťou, Eros a Thanatos priťahovalo v tom čase nielen Klimta a Freuda, ale celú Európu; chvejúce sa publikum si vypočulo prezentáciu krvavej vášne Clytemnestry v opere Richarda Straussa.

Portréty dám zo spoločnosti dali Klimtovi materiálnu nezávislosť. Nebol teda povinný vychádzať v ústrety verejnému vkusu ani vidieť, ako jeho starostlivo premyslené a bravúrne vykonané diela zašliapali do blata. Veril, že jeho obrazy sa dajú vykúpiť za rovnakú sumu, za akú boli kúpené. Viedenskej novinárke Berthe Zuckerkandl vysvetlil: „Hlavné dôvody, prečo som sa rozhodol požiadať o vrátenie obrazov ku mne... nie sú spôsobené podráždením z rôznych útokov... mohli by vzniknúť u mňa. Všetky útoky kritiky sa ma vtedy takmer nedotkli a okrem toho nebolo možné vziať mi šťastie, ktoré som prežíval pri práci na týchto dielach. Vo všeobecnosti som veľmi necitlivý na útoky. Ale stanem sa oveľa citlivejším, ak pochopím, že niekto, kto si objednal moju prácu, je s ňou nespokojný. Ako v prípade, keď sú obrazy zakryté. Nakoniec vláda súhlasila s tým, aby priemyselník August Lederer kúpil Filozofiu za zlomok pôvodnej ceny. V roku 1907 získal Koloman Moser medicínu a právnu vedu. V snahe zachrániť maľby počas 2. svetovej vojny boli premiestnené do zámku Immendorf v južnom Rakúsku; 5. mája 1945 bol hrad a všetko, čo v ňom bolo uložené, zničené pri požiari pri ústupe jednotiek SS. -a-biele fotografie a dobrá farebná kópia bohyne Hygieia, ústrednej postavy medicíny. Nechýba ani „pestrofarebný“ komentár Ludwiga Hevesyho: „Nechajte oko prejsť k dvom vedľajším obrázkom Filozofia a Medicína: magická symfónia v zelenej farbe, inšpirujúca predohra v červenej farbe, na oboch čisto dekoratívny kúsok v červenej šťave. V právnej vede dominuje čierna a zlatá, neskutočné farby; a zároveň línia nadobúda význam a forma sa stáva monumentálnou.

Klimtove dielo vzniklo v boji medzi Erosom a Thanatosom, popierajúc základné zákony buržoáznej spoločnosti. Vo filozofii zobrazil víťazstvo temnoty nad svetlom, čo je v rozpore s konvenčnou múdrosťou. V medicíne odhalila svoju neschopnosť vyliečiť chorobu. Nakoniec v Jurisprudence namaľoval odsúdeného muža v moci troch fúrií: pravdy, spravodlivosti a zákona. Objavujú sa ako Erinyes obklopené hadmi; za trest chobotnica stisne odsúdeného v jeho smrteľnom objatí. Klimt chcel svojimi obrazmi sexuálnych archetypov šokovať strnulú spoločnosť a „zbúrať piliere“ morálky.

Z tejto špeciálne koncipovanej skupiny sa nezachovalo nič, okrem niektorých hmotných dôkazov: fotografií a kópií z fragmentov zmiznutých majstrovských diel. A tiež trpké uvedomenie si impotencie umelca, zosmiešňovaného cenzúrou. Klimt nikdy nebol profesorom na akadémii; ale pred tými, ktorí sa mu posmievali, držal zrkadlo „nahej pravdy“ – Nuda Veritas.

Judita II (Salome). 1909

Judith alebo Salome? Klimt jasne namaľoval „smrteľný orgazmus“ femme fatale, a nie portrét cnostnej židovskej vdovy

„Čas je tvoje umenie. Umenie je vaša sloboda,“ napísal Hevesy na štít výstavnej budovy Viedenskej secesie. Klimt chcel byť úplne slobodný, chcel myslieť a písať nezávisle od oficiálnych príkazov a v tom sa mu dostalo podpory od niekoľkých verných mecenášov. Pred škandálom s Viedenskou univerzitou sa zoznámil s Nikolausom Dumbou, synom gréckeho obchodníka z Macedónska, ktorý bol spätý s východom a vynikal v bankovníctve a textilnom priemysle. Vnútornú výzdobu Dumbovej kancelárie urobil Hans Makart; po Makartovej smrti sa Klimt stal jeho obľúbeným umelcom. Práve jemu sa zveril Dumba, keď zariaďoval a zdobil hudobný salón vo svojom paláci. Klimt dokončil dva obrazy nad portálom: prvý zobrazuje Schuberta pri klavíri, zatiaľ čo druhý, Hudba II, zobrazuje grécku kňažku s Apollo citharou. Prvý je poznačený nostalgiou za strateným rajom, ktorý patrí medzi bezstarostnú spoločnosť užívajúcu si domácu hudbu. Druhá je napísaná úplne iným štýlom a poukazuje na dionýzovský svet hudobných symbolov. „V týchto dvoch obrazoch,“ napísal Carl E. Schorske, „sa v jednej miestnosti stretáva buržoázny pokoj a dionýzovské vzrušenie. Obraz so Schubertom ukazuje skladateľa doma obklopeného hudbou, čo je najvyšší estetický bod istoty a správneho spôsobu života. Javisko je osvetlené teplým svetlom svietnika, ktoré zjemňuje obrysy postáv, aby sa rozplynuli do sviatočnej harmónie... Klimt pomocou techniky impresionistov zasadil svoju historickú rekonštrukciu do atmosféry nostalgického spomínania. Predstavuje nám sladký sen, jasný, ale netelesný – sen o nevinnom, príjemnom umení v službách bezstarostnej spoločnosti.“

Portrét Geta Felshvaniho. 1902

To bol Klimt, ktorého Viedeň milovala, Klimt, ktorý zaujal aj najkonzervatívnejšiu verejnosť a odmenil ju viac ako potleskom. Verejnosti dal viac, ako očakávali – skladateľa Schuberta, posvätný predmet jej sentimentálnej úcty. Klimt zachoval tento atraktívny štýl pre mecenášov z vysokej viedenskej spoločnosti. Očividne sa to prejavilo tak v jeho Portréte Sonyy Knipsovej, ako aj v nežnosti nasledujúcich portrétov „manželiek“: Gerty Felyivaniovej, Sereny Ledererovej a Emilie Flögeovej. Ženy na týchto portrétoch však majú na tvári vždy rovnaký vyrovnaný, zasnený výraz: na svet a na muža hľadia melancholicky a rezervovane. Klimtov „strach z voľného priestoru“ sa tu prejavil súčasne s majestátnymi pózami hrdiniek. Jeho eklekticizmus mu umožnil tvoriť v štýle Diega Velasqueza alebo Fernanda Knopfa. Z jedného prevzal spôsob písania obrysov brady a veľkolepých účesov; od druhej - hlavné charakteristiky femme fatale. V zdanlivej pasivite jeho modelov je vždy niečo ohromujúce.

Portrét Sereny Ledererovej. 1899

Klimt vedel potešiť prosperujúcich židovských občanov Viedne, ktorí podporovali secesiu. Maľoval portréty ich manželiek, čím im dodal bezhraničný šarm a nádych arogancie.

Portrét Emílie Flögeovej. 1902

Emilia Flöge bola Klimtovou veľkou láskou a jeho spoločníčkou až do konca svojich dní. Viedla módny dom a on pre ňu navrhoval látky a šaty. Jeho vzory vyzerajú, ako keby boli vyrezané z ornamentov jeho obrazov.

Klimt sa však neriadil len požiadavkami zákazníka, zdalo sa, že sa zbavil všetkých obmedzení a maľoval tak, ako chcel. Na obrazoch vznikol úplne iný typ ženy, nebezpečná a posadnutá inštinktami, ako v Pallas Athena a Nuda Veritas (Nahá pravda). Táto postava, ktorá sa prvýkrát objavila na kresbe pre časopis „Ver Sacrum“, sa stala známou ako „démon secesie“. Druhá verzia obrazu - olejomaľba (vysoká 2,6 metra) - vyjadruje prielom Klimtovho nového, "naturalistického" štýlu. Verejnosť bola šokovaná a zahanbená provokatívne nahou ryšavou ženou: nebola to Venuša, ale kokota Nini v životnej veľkosti, stvorenie z mäsa a kostí, ktoré prerušilo spojenie s tradičnou idealizáciou nahej ženy v umení. Ako komentár, ktorý umocňuje provokatívnosť a zabezpečuje následné odmietnutie verejnosti, slúži Schillerov citát: „Hoci svojimi činmi a umením nemôžete potešiť všetkých, chcete potešiť niekoľkých. Nie je dobré potešiť dav.“ Túto prvú verziu, publikovanú vo Ver Sacrum, sprevádzal aj citát od L. Schaeffera: „Skutočné umenie tvoria málokto a málokto ho oceňuje.“

Judith I a o osem rokov neskôr Judita II sú ďalšími inkarnáciami Klimtovho archetypu femme fatale. Jeho Judita nie je biblická hrdinka, skôr jeho viedenská súčasníčka, o čom svedčí aj jej módny, možno drahý nákrčník. Podľa publikácií Berty Zuckerkandl Klimt vytvoril typ vampa dávno predtým, ako sa na striebornom plátne objavili Greta Garbo a Marlene Dietrich, ktoré ho zosobňovali. Hrdá a slobodná, no zároveň tajomná a očarujúca, si femme fatale cení vyššie ako mužský divák.

Bukový les. OK. 1902

Klimt vniesol do svojej krajiny rovnakú zmyselnosť, akú možno nájsť v jeho portrétoch. Tu sa obracia k efektu spletitej tapisérie.Stromy zobrazené Van Goghom znejú v modernej maľbe ako fanfáry, zatiaľ čo v stromoch Klimta cítiť zmyselnú úctu žien.

Obrázky nemožno posudzovať oddelene od luxusných rámov. Prvú verziu rámu vyrobil umelcov brat, klenotník Georg Klimt, náhodou. Ornament na obraze bol prenesený aj na rám vtedy veľmi populárnym spôsobom, ktorý navrhli prerafaeliti. Obrazy vznikli pod vplyvom byzantského umenia, ktoré Klimt študoval počas cesty do Ravenny. Výrazným znakom týchto obrazov je zamýšľaný kontrast medzi trojrozmernou plasticitou jemne kreslenej a jemne maľovanej tváre a dvojrozmerným povrchom ornamentu. „Efekt fotomontáže“ umocňuje ich čaro.

Klimt bezpochyby našiel v Judite zovšeobecňujúci symbol spravodlivosti, ktorú žena koná nad mužom, ktorý svoju vinu odčiní smrťou. Aby zachránila svoj ľud, Judith zviedla nepriateľského veliteľa Holoferna a odrezala mu hlavu. Starozákonná hrdinka – znamenitý príklad odvahy a odhodlania, slúžiaca ako ideál – sa stáva Klimtovou „kastrujúcou“ ženou... V tejto biblickej postave sú Eros a Smrť zjednotení v známom spojení, ktoré fin de siecle (koniec r. storočia) považovali za veľmi zaujímavé. Ďalším príkladom „kastrujúcej“ ženy, nehanebne stelesňujúcej tie najzhubnejšie fantázie, bola krvilačná Clytemnestra, hrdinka opery Richarda Straussa Elektra.

Judith Klimtová mala dráždiť tú časť viedenskej spoločnosti (inak pripravenej akceptovať jeho porušovanie tabu), ktorá sa nazývala židovská buržoázia. Klimt porušil náboženské zákazy a diváci neverili vlastným očiam. Komentátori špekulovali, že Klimt sa musel mýliť, keď tvrdil, že táto zbesilá, takmer orgazmická žena s napoly privretými očami a mierne pootvorenými perami bola zbožná židovská vdova a odvážna hrdinka. Biblická Judita bez najmenšieho potešenia splnila strašné poslanie, ktoré jej zverilo nebo, a odťala hlavu Holofernesovi, vodcovi asýrskej armády. Ľudia si boli istí, že Klimt mal na mysli Salome, typickú fin de femme fatale, ktorá už uchvátila toľkých umelcov a mysliteľov, od Gustava Moreaua po Oscara Wilda, Aubreyho Beardsleyho, Franza von Stucka a Maxa Klingera. A obraz "Judith" z najlepších úmyslov bol neustále nazývaný "Salome" v katalógoch a časopisoch. Zostáva neznáme, či Klimt pripísal črty Salome svojej Judite; ale nech už boli jeho zámery akékoľvek, výsledkom bolo najvýrečnejšie zobrazenie Erosa a fantázie umelcovej súčasnej femme fatale.

Zlatá rybka. 1901 - 1902

Tento obraz je Klimtovou odpoveďou na ostrú kritiku jeho obrazov na fakulte. Obrázok s názvom „Mem to the kritikom“ v popredí ukazuje úžasnú, svižnú naiadu, ktorá úprimne vystavila svoj krásny zadok.

Klimt však nebol len znalcom femme fatales. Zatiaľ čo jeho spisy pre Veľkú sieň univerzity stále vyvolávali široký ohlas, začal „pestovať svoju záhradu“ ako Candide. Klimt sa obrátil ku krajinomaľbe, pričom ako východiskový bod bral krajiny impresionistov a postimpresionistov. Dá sa nájsť dostatočný dôvod domnievať sa, že Monet slúžil ako model pre niektoré Klimtove rané krajiny, ako napríklad Močiar (1900) alebo Vysoké topole II (1903). Klimt však ako krajinár ponúka stabilnú syntézu impresionizmu a symbolizmu. Obrysy ťahov sú zničené (to pripomína impresionistov), ​​ale schematická interpretácia povrchu často naznačuje vplyv východu, typický pre secesiu. Na rozdiel od impresionistov, Klimt nemá rád obraz vody, rovnako ako hru šerosvitu. Podobne ako vo svojich portrétoch, aj v krajinkách akoby vytváral mozaiky, spájajúc naturalizmus so schematizmom. Ukazuje sa to pri porovnaní takých obrazov ako Po daždi, Nymfy či Portrét Emilie Flögeovej s Bukovým lesom. V krajine, ako aj v portrétoch a alegóriách sa postavy a formy objavujú akoby na pozadí plošnej ornamentiky.

Lesné scény, ako je Bukový les, sú ako tapisérie, v ktorých Klimt prináša zmysel pre rytmus a vytvára opakujúci sa vzor zoskupením vertikálnych a horizontálnych línií. Van Gogh zúfalo bojoval o víťazstvo moderného maliarstva, kým Klimt bol skôr tichým koscom, ktorého zmyselný lesk krajiny umocňuje ornamentálny a symbolický význam. Rôzne kúsky mozaiky, ktoré zapĺňali horizont a ničili voľný priestor, mu pomohli zbaviť sa „strachu z voľného priestoru“.

Skutočnosť, že v jeho krajinách nie je ani náznak prítomnosti ľudí, nám pomáha pochopiť, že Klimt skutočne vnímal krajinu ako živé bytosti. Umelcov postoj ku krajinám je rovnako zvláštny ako k ženám – hlavným postavám jeho tvorby. Nevyzerajú šaty, ktoré mala Emilia Flögeová na svojom prvom portréte (1902), ako látka vystrihnutá z lesnej krajiny, aby sa prispôsobila ženskému telu ako druhá koža? Klimt si vybral tieto šaty, aby zdôraznil všetky výhody štíhlej siluety; je trochu zvláštne, že to vyvolalo vo Viedni nový škandál. Aj umelcova mama dala najavo svoju nespokojnosť s novotvarovanými šatami, ktoré s vtedy ešte neakceptovanými volánikmi a volánmi podľa nej ďaleko presahovali hranice slušnosti.

V Klimtových portrétoch nehrajú šaty menšiu úlohu ako samotné modelky. Šikovne slúžia na odhalenie individuality ženy, umocňujú vnímanie tváre, krku a rúk. Ako klasický príklad možno uviesť Ingres, ktorého portréty sú tiež plné zmyselnej krásy. U oboch umelcov plnilo oblečenie rovnakú potrebnú funkciu ako telo. Výrok Gaetana Pica o Ingresovi možno rovnako aplikovať aj na Klimta: „V Ingresovom diele nie je nič šikovnejšie, rafinovanejšie ako harmónia krku a náhrdelníka, zamatu a tela, plášťa a účesu; alebo hranice kontaktu medzi hrudníkom a hlboko vykrojenými šatami, rukou a dlhou rukavicou. Ak sú na týchto portrétoch ženy oblečené v nejakých konkrétnych šatách, je to preto, že z nich vyžaruje svetlo túžby; prichádzajú k nám v zahalenej nahote...“

Gilles Nere. Tachen / Umelecká jar, 2000

Iné práce

01 - Zlatá Adele. 1907

02 - Beethovenov vlys (detail: nepriateľské sily). 1902

03 - Idylka. 1884

04 - Bájka. 1898

05 - Bozk. 1907-1908

06 - Danae. 1907-1908

07 - Beethovenov vlys, Wandgem. 1902

08 - Tri vekové kategórie žien. 1905

09 - Vodné šarkany 1. 1904-1907

10 - Priateľky. 1916-1917

11 - Vodné hady 2. 1904-1907

12 - Panny. 1913

13 - Život a smrť. 1908-1911

31 - Kvitnúce pole. 1909

32 - Hrad Malcesine pri jazere Garda. 1913

33 - Hrad Kammer pri Attersee. 1910

34 - Park. 1910

35 - Obrie topoľ alebo hroziaca búrka. 1903

36 - Rybník v parku hradu Kammer. 1899

37 - Kostol v Kasone. 1913

38 - Cesta v parku hradu Kammer. 1912

39 - Guardaboskiho dom. 1912

40 - Sedliacky dom v Hornom Rakúsku. 1912

41 - Jabloň. 1916

42 - Kvetinová záhrada. 1905-1906

43 - Hrad Kammer na jazere Attersee. 1912

44 - Tanečnica. 1906

45 - Bozk. 1907-1908

46 - Láska. 1895

Gustav Klimt (1862 - 1918) – rakúsky maliar. Gustav Klimt je jedným z najvýraznejších predstaviteľov secesného štýlu.

ŽIVOTOPIS GUSTAVA KLIMTOVA

Narodil sa na okraji Viedne v rodine rytca. Absolvoval Viedenskú školu dekoratívnych umení. Rané diela umelca pozostávali hlavne z veľkých fresiek pre divadlá a boli maľované v naturalistickom štýle. Na obrazoch zobrazujúcich alegorické postavy, ktoré Klimt vytvoril v rokoch 1890-1891 na klenbách Veľkého schodiska Kunsthistorisches Museum vo Viedni, sa po prvýkrát objavujú črty, ktoré sa stali hlavnými v jeho diele - jasná silueta a náklonnosť. pre ornamentalizmus. Po roku 1898 nadobúda dielo Gustava Klimta dekoratívnejší, symbolický aspekt.

Gustav Klimt bol vodcom viedenskej avantgardy na prelome storočí. Klimt, ktorý bol predovšetkým dekoratívnym umelcom, viedol viedenskú spoločnosť inovatívnych umelcov „Secession“ – protestné hnutie proti estetickému konzervativizmu a moralizovaniu predchádzajúcej generácie.

Klimtove najlepšie obrazy sa považujú za neskoršie umelcove portréty s plochými, netienenými povrchmi, priehľadnými, mozaikovitými farbami a tvarmi a vlnitými, zdobenými líniami a vzormi.

Klimtove obrazy spájajú dve protichodné sily; na jednej strane je to smäd po absolútnej slobode pri zobrazovaní predmetov, čo vedie k hre ornamentálnych foriem. Tieto maliarove obrazy sú v skutočnosti symbolické a treba ich v kontexte symbolizmu považovať za vyjadrenie nedosiahnuteľného sveta stojaceho nad časom a realitou. Na druhej strane je to sila vnímania prírody a prírody, ktorej vplyv zjemňuje nádheru ornamentiky v obrazoch Gustava Klimta.

KREATIVITA GUSTAV KLIMT

Medzi najobdivuhodnejšie diela umelca patrí panel pre Burgtheater vo Viedni (1888), séria mozaikových fresiek v Pallas Stoclet, bohatom súkromnom kaštieli v Bruseli. Na konci svojho života v roku 1917 získal Klimt plné oficiálne uznanie a stal sa čestným profesorom na akadémii výtvarných umení vo Viedni a v Mníchove.

Obraz Gustava Klimta "Bozk". Na kvetinovom poli z ornamentu a abstraktných foriem vyrastá silueta bozkávajúceho sa páru. Vo sfarbení obrazu dominuje zlatý tón prelínaný svetlými škvrnami poľných kvetov a bohatým vzorom oblečenia. Erotický charakter dodávajú scéne zmyselné línie, svieža ornamentika a korenistá farba - symbol luxusu a dekadencie. Tento štýl je často označovaný ako secesia. Klimt namaľoval veľké množstvo portrétov, prevažne žien, ako aj mytologické a alegorické kompozície. Náčrty úžitkového umenia a mozaiky od Gustava Klimta mali obrovský úspech, ale nástenné maľby vytvorené umelcom pre Viedenskú univerzitu vyvolali škandál a kritici umenia začiatku dvadsiateho storočia ich považovali za „pornografické“. Gustav Klimt zomrel v roku 1918.

Secesia (nem. Sezession, z lat. secessio - odchod, odlúčenie), názov spolkov umelcov v Mníchove, Viedni, Berlíne, ktorí odmietali akademické doktríny a pôsobili ako predchodcovia secesného štýlu. Viedenská secesia vznikla v roku 1897 a zjednotila umelcov rakúskej secesie – „secesný štýl“ (Sezessionsstil) – okolo časopisu „Ver Sacrum“ (Ver Sacrum), založeného v roku 1898. Časopis bol aj orgánom rakúskeho literárneho symbolizmu (Hugo von Hofmannsthal, Rainer Maria Rilke). Združenie viedol maliar Gustav Klimt. Charakteristickými črtami tohto štýlu pre maľovanie boli mozaiková viacfarebná a sofistikovaná výzdoba, pre grafiku - geometrická jasnosť vzoru s jeho všeobecnou voľnou dekoratívnosťou, pre architektúru - rytmické usporiadanie delení, lakonizmus výzdoby, racionalita kompozičného a konštruktívne riešenia. Majstri tohto štýlu (Josef Maria Olbrich, Otto Wagner, Josef Hofmann, Karl Moser a ďalší umelci) sa vyznačovali svojou gravitáciou k priamočiarej ornamentike, ktorá si zachovala geometrickú tuhosť aj v tých najzložitejších kombináciách. V tomto ohľade sa „štýl secesie“ niekedy nazýva „štvorcový štýl“ (Quadratstill).

V aukcii v roku 2006 bolo zaplatených stotridsaťpäť miliónov dolárov za „Portrét Adele Bloch-Bauerovej“, ktorý v roku 1907 namaľoval Gustav Klimt.

V úvodných a záverečných kompozíciách anime série „Elven Song“ od Mamoru Kanbeho sa pred divákom objavia hlavné postavy série v interpretovanej podobe najznámejších obrazov Gustava Klimta: „Bozk“, „Objatie“, „ Tri veky ženy“, „Portrét Adele Bloch-Bauerovej I“, „Vodné hady I“, „Vodné hady II“, „Danae“.

Tri veky ženských vodných hadov Danae

Jedným z najznámejších maliarov minulosti je Gustav Klimt, ktorého obrazy sú dnes veľmi žiadané. Žiaľ, jeho diel nie je až tak veľa a všetky si už dávno našli svoje miesto v najlepších zbierkach sveta. Ale keď sa stane zázrak a jeho obrazy sa dostanú do aukcie, ich cena je báječná.

začiatok času

Muž, ktorého meno dnes pozná každý intelektuál, sa narodil neďaleko rakúskej metropoly, v mestečku Baumgarten. Gustáv, ktorý sa narodil 14. júla 1862, bol druhým dieťaťom. Jeho otec bol rytec a klenotník, a tak dal všetkým svojim mnohým deťom prvé lekcie remeselnej práce. Rodina žila v chudobe, no v štrnástich rokoch nastupuje mladý talent na umelecko-remeselnú školu. Tam Gustav Klimt, ktorého obrazy udivujú každého bez výnimky, študoval s takými osobnosťami ako Ferdinand Laufberger a Julius Victor Berger. O niekoľko rokov neskôr do tej istej inštitúcie vstúpil umelcov mladší brat Ernst. Spoločne maľovali portréty šľachtických občanov z fotografií a predávali ich za šesť zlatých. Bol to ich prvý nezávislý zárobok.

Prvé kroky v umení

V roku 1879 umelec Gustav Klimt, jeho brat a Franz von Mach zdobia nádvorie viedenského Umeleckohistorického múzea, potom dostanú svoju prvú serióznu zákazku. Z paláca Stureny („Štyri alegórie“) a kúpeľov v Karlových Varoch vzniká osobitý štýl, ktorý odlišuje obrazy Gustava Klimta od diel iných maliarov. Trio umelcov preto prestáva spolupracovať a každý sa vydáva na vlastnú cestu životom.

Nájdite svoj vlastný štýl

Umelec Klimt sa takmer okamžite dočkal uznania náročnej verejnosti. Z rúk cisára Františka Jozefa preberá Zlatý kríž za zásluhy v umení po ukončení prác v Burgtheatre. Preto je majster vyslaný na cestu Starým svetom, počas ktorej navštívi Mníchov a Benátky. Táto cesta mu dala veľa dojmov a inšpirácie do ďalšej práce.

Po dokončení maľby hlavného schodiska Moskovského múzea dejín umenia sa Gustav odkloní od akademického spôsobu kreslenia. Jeho osobitý spôsob vystupovania už nadobudol hotovú podobu. V nasledujúcich rokoch sa umelec Gustav Klimt, ktorého obrazy sníva každý zberateľ, stáva členom Únie výtvarných umení. Ale v roku 1892 ho čakajú ťažké straty: najprv mu zomrie otec a potom jeho brat Ernst. V roku 1894 vyzdobil Klimt spolu so svojím dlhoročným partnerom Franzom Matchom Viedenskú univerzitu, kým Gustav pracoval na sieňach maďarského zámku Esterházy.

Uznanie v živote

Práce na interiéroch priestorov, najmä realizácia alegorických obrazov, tri fakulty „Filozofia“, „Jurisprudencia“ a „Medicína“ prinútili umelca kresliť plátna. Vo Viedni zakladá „Secession“ a stáva sa jej prezidentom, píše prvé krajinky, má rád expresionizmus. Obrazy Gustava Klimta z toho obdobia sa vyznačujú láskou k mozaikám a ornamentálnym formám. Toto je charakteristický rys práce majstra v budúcnosti.

Gustav Klimt, ktorého obrazy boli ocenené zlatou medailou na svetovej výstave v Paríži (maľba "Filozofia"), vytvára Beethovenove fresky. O tomto jeho diele, dokončenom v roku 1902, verejnosť aktívne diskutovala a Rodin ho obdivoval. Majster ide na výlet do Talianska, stáva sa žiadaným, počúvajú ho. V roku 1908 umelec usporiadal vlastnú výstavu, na ktorej predstavil šestnásť obrazov. Dve z nich okamžite získali renomované inštitúcie - Galéria moderného umenia v Ríme a Rakúska štátna galéria.

V Paríži, ktorý Klimt navštívil v roku 1909, sa zoznámil s tvorbou Toulouse Lautreca, Van Gogha, Gauguina, Matissa, Muncha, Bonnarta. O rok neskôr sa podieľa na deviatom obraze „Smrť a život“, ktorý bol vysoko ocenený na svetovej výstave v Ríme v roku 1911. Po nej sa umelec opäť vydáva na výlet do Európy.

Posledné roky života veľkého maliara

Napriek láske verejnosti kritizovali tvorbu Gustava Klimta expresionisti. Po smrti svojej matky v roku 1915 si umelec čoraz viac vyberal tmavé paletové farby. Naďalej sa zúčastňuje na najprestížnejších výstavách sveta, stáva sa čestným členom Akadémie umení v Mníchove a vo Viedni, píše majstrovské obrazy. Umelec zomiera na infarkt 6. februára 1918 a po ňom zostalo veľké množstvo nedokončených diel. Po ňom zomierajú aj ďalší veľkí maliari tej doby.

"Bozk" od Gustava Klimta - najznámejší obraz umelca

Toto dielo je právom považované za jedno z najlepších medzi majstrovským odkazom. Vznikol v roku 1907 a hneď po prezentácii ho kúpila vláda Rakúsko-Uhorska. Emotívny, oslnivo jasný „Bozk“ od Gustava Klimta je uznávaný ako najvýraznejší obraz v histórii maľby dvadsiateho storočia. Čo je na nej zvláštne?

Na plátne sú rôzne druhy vzorov: rozptyly pestrých kvetov, spustené kučery, šachovnicový motív čiernych, bielych a zelených obdĺžnikov, stuhové arabesky, točené špirály. Abstrakcia fragmentov naturalisticky interpretovaných postáv, bizarné ornamenty vyzerajú na zlatom pozadí jednoducho luxusne. Pár, ktorý je zobrazený v strede, sa objal a spojil vo vášnivom bozku. Mozaikové oblečenie milencov len umocňuje efekt vášne, ktorú vytvoril majster pomocou dekoratívnych detailov a ich hlboký kontrast s naturalistickými prvkami. Dievčenská tvár, ruky a nohy sú veľmi realisticky namaľované. Časti tela sú však obklopené a na niektorých miestach úplne zakryté rovinami s abstraktným motívom, ktorý ladí s farbami na zemi a textúrou látky.

Obraz má umelcov obľúbený formát – štvorcový. Gustav ignoruje horizont a hĺbku priestoru, zatláča realitu a aktuálny čas do úzadia. Bozk mladého muža a zamilovaného dievčaťa tak získava univerzálnu škálu.

Symbolika bozku

Gustav Klimt, ktorého obrazy majú vždy sémantický význam, použil v Bozku aj symboliku. Takže na prvý pohľad majú obdĺžniky zobrazené na mužskom oblečení iba dekoratívnu hodnotu. Ale to sú falické symboly, ktoré zosobňujú mužský princíp. Splývajú s ženským, zakódovaným v motíve na ženskom odeve. Ide o špirály, kruhy a ovály, ktoré možno považovať za umelecké znaky ženských pohlavných orgánov. Toto spojenie je harmonické a energické, vytvára život a pokračuje v ňom.

Plátno "Kiss" je absolútne nezvyčajné a poburujúce. Ako všetky predchádzajúce diely, aj tento mal svojich fanúšikov a zúrivých odporcov. Napriek tomu je to však najvyšší bod takzvaného zlatého obdobia umelcovej tvorby. Obraz sa stal emblémom viedenskej secesie, očarujúcim zlatou žiarou, tlmenou erotikou (napokon, iba ruky, nohy a tváre postáv boli otvorené pre oči), zjavnou cudnosťou.

Cherchez la femme, alebo Hľadaj ženu

Obľúbeným motívom Gustava Klimta boli ženy a ich telá. Rád maľoval výjavy z mytológie, biblické postavy, olympské bohyne, nymfy a obyčajné dievčatá, ktoré sa stali nadpozemskými. Obklopení zlatým svetlom (mnohé diela génia mali práve takéto šik pozadie) sa zdali byť ideálom krásy, krásne a zvodné zároveň. Ako skutočný umelec zbožňoval nežné pohlavie, jeho božskú úctu, zmyselnosť, mystiku a ženskosť.

Na svoje plátna maľoval nahé ženy a až potom ich telá obliekal do rozprávkových vzácnych šiat. Tajomné trblietanie drahých kameňov, rozpustené vlasy, žiara hodvábnej pokožky a najtenšie gossamerské šaty vytvárali pokušenie zahaľujúce polonahé telo.

Osudné geniálne dámy

Umelec prelomu storočí absorboval všetky protichodné názory tej doby. Hľadal ideálnu a súčasnú ženu a zobrazoval na svojich obrazoch. Maľoval nielen skutočných ľudí, ako napríklad Sonyu Knipsovú, ktorej portrét zároveň vyjadruje ľahkosť, nevinnosť, úzkosť a namyslenosť. Každá dáma, ktorú zobrazuje Gustav, je smrteľná. Na obraze „Láska“ tvár hrdinky zamrzla v sladkej extáze, ale v pozadí sa zahusťujú tiene. Mladíka a dievča totiž čaká staroba a smrť. Pozoruhodným príkladom takýchto krás sú tieto obrazy: „Morská panna“, „Zlatá rybka“, obe verzie „Judith“, „Vodné hady“. Hlbokou filozofiou je naplnené aj dielo „Tri veky ženy“, ktoré zobrazuje dievčatko, ženu na vrchole života a krásy, ale aj starenku.

Je zaujímavé, že majster nebol ženatý, hoci mal množstvo románov. Možno nikdy nenašiel svoj ideál...

Galéria obrazov Gustava Klimta

(nemecký Gustav Klimt, 14. 7. 1862, Baumgarten – 6. 2. 1918, Viedeň) – rakúsky umelec. Gustav Klimt je jedným z najvýraznejších predstaviteľov secesného štýlu.

Gustav Klimt maľoval symbolické kompozície, portréty a krajiny v secesnom štýle, pričom plošné obrazy podriaďuje sofistikovanému ornamentálnemu rytmu, zlomkovému vzoru malých farebných škvŕn. Klimt je vodcom viedenskej avantgardy na prelome storočí, aktívnym členom secesnej komunity inovatívnych umelcov. Najlepším dielom Gustava Klimta sú jeho neskoršie portréty s plochými, netienenými povrchmi, priehľadnými, mozaikovitými farbami a tvarmi a vlnitými, zdobenými líniami a vzormi. Klimtove obrazy spájajú dve protichodné sily; na jednej strane je to smäd po absolútnej slobode pri zobrazovaní predmetov, čo vedie k hre ornamentálnych foriem. Tieto diela sú v skutočnosti symbolické a treba ich vnímať v kontexte symbolizmu ako vyjadrenie nedosiahnuteľného sveta nad časom a realitou. Na druhej strane je to sila vnímania prírody, ktorej vplyv zjemňuje nádheru ornamentality v jeho maľbách.

Bozk

Hudba

Portrét klaviristu Josefa Pembauera

Dáma v klobúku a boa z peria

Hľadisko starého Burgtheatru vo Viedni

"Beethovenov vlys". Fragment

Láska

Aténa Pallasová

Judita

Dve dievčatá s oleandrom

Hudba

Prietok

Nuda Veritas

Tri veky ženy

Článok K. Bohemskej v knihe "Umelecký kalendár 100 pamätných dátumov", M., 1987 .

Gustav Klimt je rakúsky umelec, jeden z tých, ktorých tvorba určovala umeleckú klímu Viedne na prelome storočí.

Bol synom rytca Ernsta Klimta, v mladosti navštevoval školu úžitkového výtvarníctva. V mladosti bol ovplyvnený pompéznym štýlom historickej maľby Hansa Makarta. Samotný Klimt sa však vyznačoval predovšetkým záľubou v dekoratívnosti. Už v jeho raných dielach sa jasná brilantnosť požičaná od Makarta spája s ornamentálnosťou. Zaujíma sa aj o portrét. V roku 1888

zhotovil akvarel „Pohľad do interiéru starého divadla z javiska“, kde umiestnil 131 malých portrétnych obrázkov. Klimt maľoval divadelné kulisy, robil ilustrácie ku knihám, spolu s bratom a ďalšími umelcami vytvorili cyklus nástenných malieb v Kunsthistorisches Museum vo Viedni.

Už vtedy si získal povesť známeho umelca, keď sa začiatkom 90. rokov zmenil jeho štýl a získal výrazné symbolistické zafarbenie. Šírenie secesie v Európe alebo secesie, ako ju nazývali v Rakúsku, sa Klimta nielen dotklo, ale ukázalo sa, že je najdôležitejším faktorom v jeho umeleckom vývoji.

Chuť pre symbolizmus, vyjadrená v Anglicku v tvorbe neskorých prerafaelitov, v grafikách O. Beardsleyho, vo Francúzsku v tvorbe G. Sea, sa zamiloval do Klimta, ktorého diela vo veľkej miere odrážajú diela týchto umelcov.

V roku 1897 bol vo Viedni založený umelecký spolok „Secession“, ktorého prvým dlhoročným stálym predsedom bol Gustav Klimt. Takéto spolky potom vznikli v mnohých európskych metropolách, prispeli k výmene výstav medzi umelcami z rôznych krajín, k obnove umeleckého jazyka. Postavili sa proti oficiálnej politike v oblasti umenia a osobného vkusu mecenášov a celkovo prispeli k demokratizácii umeleckej kultúry.

Viedenská secesia každoročne organizovala niekoľko výstav, na ktoré pozývala umelcov, predstaviteľov nových umeleckých hnutí: v roku 1900 tu boli vystavené diela škótskeho architekta C. R. Mackintosha a glasgowskej školy, v roku 1902 - socha Beethovena Max Klinger, pre prostredie ktorej Klimt vyrobil špeciálny vlys, v tom istom roku - umenie francúzskych impresionistov a postimpresionistov, boli tu vystavené aj diela O. Beardsleyho, D. Whistlera.

Gustav Klimt vytvoril obrazy, ktoré sa svojím výtvarným poňatím približovali k predmetom dekoratívneho a úžitkového umenia. Samotné dojmy reality slúžili len ako zámienka pre obraz, nie však ako jeho obsah. Postavy a predmety boli štylizované v duchu secesie. Klimtove pozadie bolo vždy rovinné, pretkané drobnými vzormi. Kontrastom k tomuto pozadiu boli iluzórne, objemovo interpretované časti obrazu – zvyčajne tvár.

Klimt zobrazoval postavy ako predĺžené, často sa uchyľovalo k ostro expresívnej profilovej siluete. Klimtova inscenácia figúr je čisto podmienená, sochárska; ak zobrazuje dvoch ľudí, potom je to najčastejšie zápletka objatia, bozku, ak je v kompozícii niekoľko postáv, potom sa všetky spájajú do jednej skupiny a okolo nich sa šíri rovnaké podmienené ozdobné pozadie.

Modely zobrazené Klimtom sa vždy vyznačujú zvýšenou emocionalitou: sú nervózne, napäté, zmyselné, agresívne. Bol to jeho individuálny tón vnímania reality. Odhalilo sa to v prípravných prácach Klimta - jeho kresbách. Ak počas života umelca boli jeho kresby málo známe a neprikladal sa im veľký význam, potom Klimtove grafické dedičstvo v posledných rokoch priťahuje veľkú pozornosť verejnosti a zberateľov. V Európe sa úspešne uskutočnilo niekoľko výstav venovaných výlučne Klimtovým kresbám.

Ak v maľbách a nástenných maľbách Klimta nájdete veľa „citátov * z tvorby iných umelcov, nápadný je eklektický pôvod jeho štýlu, pompézna a nadmerná štylizácia umeleckého jazyka, potom na kresbách, kde umelec stručne zaznamenal dojmy o? prírody a plánov budúcich obrazov sa prejavuje jeho nadhľad. schopnosť ukázať podstatu, charakter modelu, výstižnými prostriedkami vytvárať expresívny výtvarný obraz.

Bezprostrednosť a úprimnosť Klimta ako kresliara historikovi vysvetľuje, prečo mal ako umelecká osobnosť taký obrovský vplyv vo Viedni na prelome trestancov. Klimt bol veľmi nadaný umelec, ale za cieľ svojej tvorby považoval nie odhaľovanie individuálneho pohľadu na svet, ale vytvorenie určitého štýlu spoločného výtvarnému a dekoratívnemu umeniu. Preto si požičiaval a sám vytváral určité „klišé“ obrazov a ornamentov, ktoré neustále vo svojich dielach aplikoval a vďaka ktorým sú si navzájom tak podobné. Svojim dielam sa snažil dať hlboký filozofický a psychologický nádych. Nejasnosť obrazov a asociácií, stelesnená Klimtom. akoby odrážal psychoanalytické konštrukcie svojho súčasníka, viedenského lekára Sigmunda Freuda.

Nejasnosť umelcov používaných symbolov, zdôraznená nejednoznačnosť v čítaní všetkých jeho skladieb slúžili na to, že sa nehodili na jedno, presne stanovené dekódovanie, ale mohli si ich interpretovať každý v závislosti od svojich umeleckých skúseností. Možnosti čítania jeho kompozície „Nádej“, vytvorenej v roku 1903 a zobrazujúcej mladú nahú ženu s otvorenou maternicou, v ktorej leží dieťa, môžu byť teda nejednoznačné. Za ňou je kostra a nejaké príšery, ktoré pripomínajú, že pokračovanie ľudského života prechádza znamením smrti.

Medzi najznámejšie Klimtove diela patrí vlys, ktorý zhotovil v jedálni paláca Stocklet v Bruseli, ktorý postavil J. Hofmann. Samotná architektúra Stokletského paláca je typickým dielom secesie a Klimtov vlys zodpovedá štýlu budovy. Byzantské mozaiky urobili na Klimta veľký dojem, čo je obzvlášť viditeľné na scenérii tohto paláca. Vlastne mozaikovosť bola neodmysliteľná aj pre jeho obrazový štýl - celé plochy svojich obrazov poskladal zo samostatných kúskov farieb, všelijakých kučier a ornamentálnych fragmentov. Vo vlyse Stokletovho paláca pracuje priamo v technike mozaiky: farebnú kompozíciu tvorí farebný smalt, sklo, keramika, kov, čiastočne pozlátená, slonová kosť, perleť.

Použitie drahých, exotických materiálov v tomto vlyse je tiež celkom v chuti secesie. Na pozadí vlysu sú stromy s vetvami štylizovanými do špirálových kučier, s listami a vtákmi. Vo vlyse sú aj obrázky ľudských postáv - „Čakanie“ v podobe ženskej postavy, ktorej šaty sú zdobené ozdobou kučier a trojuholníkov zobrazujúcich oko. Tvár je vyobrazená tak podobne ako Japonec, že ​​by si niekto mohol myslieť, že je odkopírovaná z rytiny vtedy populárneho Hiroeige. Ďalšie dve postavy sú spojené v objatí a kompozične pripomínajú motív, ktorý sa na Klimtových obrazoch mnohokrát opakuje.

Ak bol vlys v paláci Stoklet vhodný a skombinovaný s architektúrou a vkusom zákazníka, potom dekoratívne panely vyrobené Klimtom pre aulu Viedenskej univerzity vyvolali nespokojnosť a nikdy neboli umiestnené na mieste, pre ktoré boli určené. . Témy panelu sú „Jurisprudencia*“, „Filozofia“ a „Medicína“. Panel „Medicína“ zobrazoval rôzne fázy ľudského života, boli tam postavy matky s dieťaťom a tehotnej ženy, pripomínajúci obraz „Nádej“, Som stará žena, skopírovaný z jednej z Rodinových sôch. Kombinácia naturalizmu obrazu so zložitou špekulatívnou schémou určila dominanciu zápletky a myšlienky nad umeleckosťou diela. To bol dôvod zlyhania Klimtovho plánu.

Vo všeobecnosti sa Klimt v prvých rokoch nášho storočia opakovane dostáva do konfliktu s verejnosťou, ktorá jeho diela neprijíma. V roku 1903 Secession organizuje osobnú výstavu Klimta, ale potom sa umelec rozíde s úniou, čo naznačuje jeho nezhody so svojimi kolegami.

Napriek tomu, hoci Klimt nebol vyrovnaným umelcom a jeho súčasníci mu vždy nerozumeli, mal veľký vplyv na vývoj rakúskeho umenia na začiatku 20. storočia. Klimt ako prvý zaviedol do rakúskeho maliarstva pojem veľkého štýlu. Ostro individuálny spôsob kresby, ktorý je mu vlastný, sa stal základom pre hľadanie mladších umelcov, budúcich predstaviteľov expresionizmu - Oskara Kokoschku a Egona Schieleho.

Moderný štýl(z franc. moderne - moderný, iný názov: art nouveau (fr. art nouveau, lit. "nové umenie"), Jugendstil (nem. Jugendstil - "mladý štýl") - umelecký smer v umení, najpopulárnejší v 2. pol. XIX - začiatok XX storočia Charakteristickými črtami secesného štýlu je odmietnutie priamych línií a uhlov v prospech prirodzenejších, "prirodzenejších" línií, záujem o nové technológie (napríklad v architektúre), rozkvet úžitkového umenia.

Secesia sa snažila spojiť umeleckú a úžitkovú funkciu vytvorených diel, zapojiť všetky sféry ľudskej činnosti do sféry krásy. V iných krajinách sa nazýva aj: „tiffany“ (pomenovaná podľa L.K. Tiffanyho) v USA, „art nouveau“ a „fin de siècle“ (dosl. „koniec storočia“) vo Francúzsku, „art nouveau“ (viac presne, „ Jugendstil“ - nemecký Jugendstil, podľa názvu ilustrovaného časopisu Die Jugend založeného v roku 1896) v Nemecku, „secesný štýl“ (Secessionsstil) v Rakúsku, „moderný štýl“ (moderný štýl, lit. „moderný štýl“) v Anglicku, " Liberty style" v Taliansku, "modernismo" v Španielsku, "Nieuwe Kunst" v Holandsku, "spruce style" (style sapin) vo Švajčiarsku.