Impresionizmus sa objavil vo Francúzsku v 60. rokoch 19. storočia a prevrátil tradičné predstavy o maľbe. Pri pohľade na slnečné, životom dýchajúce a svetlom naplnené obrazy umelcov tohto trendu je ťažké uveriť, že ich diela neboli dlho uznávané a boli považované za odchýlku od kánonov klasickej maľby. „Around the World“ vás pozýva na cestu po Francúzsku a uvidíte, ako sú rôzne časti krajiny zachytené v tvorbe impresionistických umelcov.

Claude Monet. "Makové pole v Argenteuil" (1873)

Obraz „Makové pole...“ namaľoval Monet v Argenteuil, ktoré sa nachádza len 10 kilometrov od Paríža a v 19. storočí bolo obľúbeným dovolenkovým miestom obyvateľov hlavného mesta. Monet a jeho rodina žili na tomto predmestí sedem rokov a vytvorili veľa jasných, plných farieb a farieb plátien.

V Argenteuil umelec veľa pracoval pod holým nebom: vždy ho priťahovala príležitosť zobraziť na plátne určitý fragment času, akcie a priestoru. Obraz „Pole maku v Argenteuil“ odráža ďalšiu vášeň umelca - lásku ku kvetom. Raz Monet dokonca označil svoju záhradu za svoje hlavné majstrovské dielo.

Tento obraz je prehľadne rozdelený na niekoľko častí, z ktorých najdôležitejšia je tá, ktorá zobrazuje šarlátové kvety, kontrastujúce s prázdnou pravou stranou plátna. Vidíme aj dva páry namaľované od umelcovej manželky Camille a jeho najstaršieho syna Jeana. Ich umiestnenie pomáha štruktúrovať priestor obrazu a sprostredkovať zachytený pohyb.

Monet pri práci na obraze nemiešal farby, ale aplikoval ťahy rôznych farieb, ktoré ľudské oko vníma ako rôzne farebné odtiene. Významnejšie veci umelec zároveň opatrnejšie predpisoval. Akcenty sú tu teda vytvorené na kvetoch a hornej časti ľudských postáv v popredí, zatiaľ čo pole na pravej strane obrazu a obloha sú menej zreteľne definované.

Pierre Auguste Renoir. "Most do Shatu" (1875)

Chatou je ďalší malebný kút Francúzska, ktorý milujú umelci nového smeru. Často je nazývaný ostrovom impresionistov, pretože v tomto bode je Seina rozdelená na dve ramená. Rovnako ako v susednom Argenteuil, aj v meste Chatou z 19. storočia vládla atmosféra veselej pohody a hlučnej animácie.

Ľudia sem prichádzali plávať, jazdiť na lodi alebo piknikovať a tieto jednoduché námety sa odzrkadľovali v obrazoch impresionistov. Podnik otca Fournaise pod Pont Chatou, kde sa dalo nielen prenocovať, ale aj prenajať si izby, bol Renoirovým obľúbeným miestom. V tejto inštitúcii umelec vytvoril svoj obraz „Raňajky veslárov“, v ktorom zobrazil svojich známych a priateľov. V roku 1990 bola obnovená reštaurácia „Dom Fournaise“, v súčasnosti je tu malé múzeum.

Obraz "Most pri Chatou" sa líši od väčšiny Renoirových diel. Na rozdiel od Moneta mal umelec oveľa radšej zobrazovanie ľudí a tiež uprednostňoval sýtejšiu farebnú paletu. A predsa je „Most do Shatou“ krajinou, v ktorej sú ľudia nejasné tmavé postavy. Most je nakreslený starostlivejšie ako ostatné prvky, navyše je tu vyobrazené také obľúbené člnkovanie. Krajina je charakteristická neostrými líniami a dymovým svetlom a vzdušným prostredím. Absencia jasne vysledovateľných ľudských postáv vyvoláva pocit odľahlosti a paleta svetla a farieb pomáha vidieť radosť v obyčajnosti.

Frederic Basil. "Krajina na brehoch Lez" (1870)

Vďaka Basilovej krajine sme sa vydali zo strednej časti Francúzska na juh, do umelcovho rodného kraja. Basilovo meno je oveľa menej známe ako mená jeho priateľov Moneta a Renoira, keďže zomrel vo veku 28 rokov. „Krajina na brehoch Lezu“ je jedným z posledných diel umelca: krátko po dokončení práce na plátne sa Basile dobrovoľne prihlásil do francúzsko-pruskej vojny, kde čoskoro zomrel.

Umelec dokončil krajinu v rekordnom čase, trvalo mu to len niečo vyše dvoch mesiacov. Počas práce boli Basilovi príbuzní preč a neodvádzali jeho pozornosť od obrazu. Navyše oblasť dobre poznal. V liste svojmu bratovi teda presne uviedol, ktoré miesto zobrazuje: „Breh rieky Lez pri mlyne v Navilau a cesta do Clapier.“

Obraz sa veľmi líši od krajiny Moneta a Renoira, pretože Basile uprednostňoval maľovanie slnka na jeho zenite, ako aj zobrazenie drsného svetla, odlišného od beztiažového a dymového svetla na plátnach jeho priateľov. Basil tiež používa jasné kontrastné farby a je presnejší a dôkladnejší pri práci na detailoch obrazu. Vďaka tomu môžeme na plátne „Krajina na brehoch Lezu“ rozpoznať stromy a vegetáciu charakteristickú pre južnú časť Francúzska.

Camille Pissarro. Pont Boildieu v Rouene v daždivom dni (1896)

Camille Pissarro sa zapísal do dejín impresionizmu ako majster mestskej krajiny. Namaľoval niekoľko obrazov zobrazujúcich Rouen, ktorý sa nachádza na severe Francúzska. Pissarro išiel do tohto mesta po tom, čo videl cyklus Clauda Moneta venovaný katedrále v Rouene.

Pissarro, podobne ako Monet, používa na vytváranie plátien svetlo a vzduch. Láka ho možnosť zobraziť mesto ako živý organizmus, ktorý je v neustálom pohybe. Používa tmavšie farby a hrubšie ťahy, no jeho obrazy pôsobia realistickejšie. Nezvyčajný uhol sa často vysvetľuje tým, že Pissarro maľoval z okna hotela.

Umelec sa snažil na plátne reflektovať industriálne prvky, ktoré sa postupne objavujú vo vzhľade mesta. To robí Rouen zaujímavým pre Pissarro, ktoré sa napriek svojej nádhernej architektúre stalo koncom 19. storočia prístavným mestom a priemyselným centrom.

Paul Cezanne. "Pohľad na záliv v Marseilles z Estac" (1885)

Krajina Paula Cezanna nás opäť privádza na juh Francúzska, no zároveň je úplne iná ako už uvažované obrazy. Cezannovo plátno sa aj nepripravenému divákovi zdá odvážnejšie ako tvorba iných impresionistov. Nie náhodou je umelec často označovaný za otca moderného umenia.

Cezanne, ktorý sa narodil na juhu krajiny, vo svojich obrazoch často zobrazoval južné krajiny. Okolie rybárskej dediny Estac sa stalo jedným z jeho obľúbených námetov krajiny. V osemdesiatych rokoch 19. storočia Cézanne v snahe uniknúť z rodinných problémov prišiel do Estacu a namaľoval asi desať obrazov, ktoré zobrazovali Marseillský záliv.

Jeden z vrcholov tohto obdobia, Pohľad na záliv Marseille z Estac, je jedným z vrcholov Cezannovho obrazu, ktorý ovplyvnil Pabla Picassa. Ide predovšetkým o špeciálne husté horizontálne ťahy umelca, ako aj o použitie takých hlbokých a nasýtených farieb, ako je oranžovo-žltá. Cezannovi sa podarilo dosiahnuť trojrozmerný obraz vody pomocou rôznych odtieňov modrej, ako aj zelených a fialových škvŕn. Rovnako ako iní impresionisti, Cezanne rád maľoval more, oblohu a hory, ale v jeho obraze sa zdajú byť hustejšie a jasne definované.

Obraz Pole vlčích makov (1873), zobrazený na prvej impresionistickej výstave, zobrazuje Monetovu manželku Camille a ich syna Jeana na poli neďaleko ich domu v Argenteuil. Rovnako ako v mnohých iných dielach Moneta, Camille je nakreslená s dáždnikom v rukách a jeho elegantné obrysy dodávajú obrázku zvláštne čaro.

Monet namaľoval „Pole maku“ pod holým nebom, na malé prenosné plátno. Hoci obraz sprostredkúva prirodzený, spontánny pocit, je starostlivo komponovaný. Vyjadruje to nielen skutočnosť, že umelec na ňom dvakrát zopakoval postavy, ale aj výber uhla, ktorý je nastavený tak, že svetlé maky, ktoré vypĺňajú ľavú stranu kompozície, sú umiestnené diagonálne, pozdĺž ktorých Camille a Jean kráčajú, akoby odchádzali mimo obraz. Bohatý kvet a pohyb, ktorý vypĺňa túto časť obrazu, je v odmeranom kontraste s pokojnými tónmi pravého horného okraja plátna, kde terakotová strecha domu umne spája pozadie s popredím kompozície.

vášeň pre kvety

Počas svojho života Monet veľmi rád maľoval kvety - poľné, záhradné alebo rezané, sú neustále prítomné v jeho krajine.

Monet raz priznal, že dve najväčšie vášne v jeho živote sú maľovanie a záhradníctvo. Keď maľoval kvety, obe tieto vášne sa spojili. Vo filme Field of Poppies, rovnako ako v mnohých iných jeho plátnach, si Monet užíva divoké, živé kvety. Známych je niekoľko krásnych Monetových zátiší s rezanými kvetmi, no najviac rád maľoval kvety, ktoré rástli v jeho záhradách, najskôr v Argenteuil, neskôr v Giverny. V roku 1871 sa Monet presťahoval so svojou rodinou do Argenteuil, aby tam získal svoj prvý dom a prvú záhradu. Hlavnou vášňou v živote umelca však bola jeho záhrada v Giverny. Monet vyberal kvety do svojej záhrady tak, aby boli usporiadané v určitom poradí, mali kontrastnú farbu a kvitli po celý rok. Vo svojej záhrade zasadil veľa nezvyčajných kvetov. Monetovu vášeň pre farby zdieľalo mnoho ďalších impresionistických umelcov, najmä Gustave Caillebotte. "Určite príďte v pondelok, ako bolo dohodnuté," napísal svojmu priateľovi Monetovi. "Všetky moje kosatce budú práve kvitnúť."

Posadnutosť svetlom a farbami

Monetova posadnutosť svetlom a farbami vyústila do rokov výskumu a experimentovania, ktorého účelom bolo zachytiť na plátne prchavé, nepolapiteľné odtiene prírody.

PICTURES OF MONET dal vzniknúť novému trendu v maľbe, impresionizmu a sám Monet je uznávaný ako najväčší a najtypickejší predstaviteľ tohto smeru. Monet počas svojho dlhého života vytrvalo dodržiaval základné pravidlá impresionizmu – zachytávať výjavy moderného života na plátno (pre Moneta sú to krajiny) a pracovať v exteriéri.

PRÁCA V PLÁNU Prax umelca pracujúceho pod holým nebom (plenér) nebola niečím úplne novým. Už začiatkom 19. storočia anglický umelec John Constable často maľoval svoje náčrty a olejové štúdie v prírode. V 40. rokoch 19. storočia sa podľa jeho vzoru zišla skupina francúzskych umelcov v dedine Barbizon neďaleko lesa Fontainebleau s cieľom maľovať krajiny, ktoré mali zobrazovať „skutočnú prírodu“. Camille Corot, vysoko uznávaný mnohými impresionistami pre svoj neidealizovaný pohľad na prírodu, maľoval aj olejom v plenéri, čím nabádal umelcov, aby „nasledovali svoj prvý dojem“.

Najdôležitejšie pre Monetov rozvoj ako umelca bolo jeho mladistvé priateľstvo s krajinárom Eugènom Boudinom, ktorý sa špecializoval na malé, vzdušné prímorské krajiny, ktoré vytvoril vonku. Bodin trval na tom, aby sa k nemu Monet pripojil počas jedného z týchto stretnutí v Le Havre. "Zrazu mi spadol závoj z očí," napísal neskôr Monet.

Tam, v Le Havre, sa Monet stretol s holandským umelcom Johannom Bartoldom Jonkindom, ktorý sa vo svojich morských krajinách snažil sprostredkovať tie najjemnejšie odtiene vzduchu a nálady. Monet o ňom neskôr povedal: "Bol to muž, ktorý konečne rozvinul môj zrak."

ČO SKUTOČNE VIDÍ OKO Monet sa dozvedel, že obraz namaľovaný vonku má jedinečnú sviežosť a vitalitu, ktorú nemožno dosiahnuť prácou v ateliéri, kde si umelec vopred predstavuje dielo, ktoré sa chystá vytvoriť. Monetove rady umelcom jasne odhaľujú jeho vlastný prístup k maľbe: „Skús zabudnúť na to, čo vidíš pred sebou – strom, dom, pole, čokoľvek. Len si pomyslite, že tam je malý modrý štvorec, tam podlhovastá ružová postava a pokračujte, až kým nebudete mať naivný dojem z obrazu, ktorý máte pred očami. Dojem je teda vizuálny impulz vytvorený tým, čo je videné v tomto konkrétnom okamihu.

REVOLUČNÁ MYŠLIENKA Pre všetkých impresionistov, a najmä pre Moneta, bolo hlavným účelom umenia zachytiť nepolapiteľný, prchavý dojem. V tom čase sa takáto myšlienka zdala revolučná a šokovala nie menej ako neskrývaný realizmus Courbeta v NOVÁ TECHNIKA Na dosiahnutie svojich cieľov potreboval umelec nové maliarske techniky. Najmä Monet vyvinul vlastnú techniku ​​písania, keď na plátno nanášal krátkym štetcom široké, hrubé ťahy, tučné rozptýlené bodky, čiarky, cikcaky a hrubé ťahy. Monet súčasne pracoval na celom priestore maľby a veril, ako neskôr povedal, že „prvá vrstva farby by mala pokrývať čo najväčšiu časť plátna a bez ohľadu na to, ako hrubo je nanesená“.

Úplne novým, revolučným spôsobom Monet použil farbu, inšpirovanú nepochybne objavmi Eugèna Chevrela o spôsobe vizuálneho vnímania. Chevreul dokázal, že susedné primárne farby farebného kolieska sa navzájom zmäkčujú a najväčší kontrast sa dosiahne, keď sú priľahlé doplnkové farby. Ďalším dôležitým objavom bolo, že farba nie je prirodzenou vlastnosťou predmetov. Farba je jednoducho spôsob, akým sa svetlo mieša, keď sa odráža od povrchu objektu. Podobne ako jeho kolegovia impresionisti, aj Monet zvyčajne používal obmedzenú paletu, uprednostňoval čisté, nepremiešané farby a maľoval na plátna vopred potiahnuté bielymi alebo krémovými základnými nátermi, vďaka ktorým boli aplikované farby svetlejšie a jasnejšie.

Ďalším dôležitým objavom, ktorý ovplyvnil víziu umelcov, bola fotografia. Na vtedajších fotografiách sú pohybujúce sa objekty vnímané ako rozmazané škvrny a jasné obrysy majú iba stacionárne objekty. Tento efekt sa zreteľne odzrkadlil v postavách ľudí podobných mravcom, ktoré vidíme na Monetovom obraze Boulevard des Capucines (1873).

ZMENA OBJEKTU OBRÁZKA

Je veľmi zaujímavé sledovať, ako sa Monetov postoj k zobrazeným predmetom menil v priebehu dlhého života. Napriek tomu, že bol neustále pohltený hrou svetla, Monet vo svojich raných obrazoch najčastejšie zobrazoval ľudské postavy maľované obvyklým spôsobom na pozadí krajiny.

Avšak bližšie k 80. rokom 19. storočia Moneta čoraz viac priťahuje príroda v jej najčistejšej podobe. Ak sa na obrazoch tohto obdobia objavia postavy alebo neživé predmety, zvyčajne zohrávajú vedľajšiu úlohu a ustupujú do pozadia.

SÉRIA OBRAZOV

Napriek tomu, že umelci vždy vytvárali sériu náčrtov jednej scény, pred Monetom nebol nikto, kto by namaľoval ten istý objekt niekoľkokrát pri rôznom osvetlení a rôznych poveternostných podmienkach. Monetove obrazy predstavujú celú sériu zobrazujúcu stohy sena, topole, katedrálu v Rouene, pohľad na Londýn z Temže a napokon aj lekná.

Monetove londýnske krajiny namaľované v rokoch 1899-1901 s rozptýleným svetlom a rozptýlenou farbou sú virtuózne, dramatické umelecké diela, z ktorých možno vysledovať vývoj umelcovho štýlu smerom k takmer abstraktnému spôsobu. Ukazujú postupný postup umelca k objektu, ktorý bude maľovať počas všetkých zostávajúcich rokov svojho života, pričom vytváral svoje záhrady a premieňal ich na vzácne umelecké diela.

Približne od roku 1905 až do konca svojich dní sa Monet sústredil výlučne na lekná. Tieto maľby, na ktorých sa poháre lekien doslova zhmotňujú na vodnej hladine, ktorá nemá horizont, sa stali štúdiami zachytávajúcimi nekonečnú a neopakujúcu sa paletu farieb a svetla. V skutočnosti tieto série obrazov, ako každé brilantné umelecké dielo, vzdorujú vysvetleniu. Ide o diela básnika, ktorý jemne cíti prírodu a dokáže jej krásu preniesť do svojej maľby.

Veľký francúzsky impresionistický maliar Claude Monet Oscar-Claude Monet), (1840-1926) veľmi rád maľoval kvety. Maľoval kvety počas svojho života, v rôznych obdobiach tvorivosti. Častejšie záhradné a poľné kvety, menej často - rezané kvety vo vázach.

Kvety boli jeho vášňou. Monet povedal, že zo všetkého najviac v živote miluje dve veci: maľovanie a záhradkárčenie. Najväčšie potešenie preto prežíval, keď na svojich obrazoch zobrazoval kvety.

Dokonca aj členovia svojej rodiny vždy písal obklopený kvetmi, čím zdôraznil svoju úprimnú lásku k nim.

„Možno práve vďaka kvetom som sa stal umelcom,“ povedal o sebe Claude Monet.

Jedno z raných diel Clauda Moneta, Ženy v záhrade, 1866-1867, Musee d'Orsay, Paríž.

Postavy žien sú na tomto plátne vyobrazené veľmi štylizovaným spôsobom. Umelec kladie dôraz na hru svetla a tieňa, na lístie stromov a kvetov. Monet stále hľadá svoj vlastný štýl, do oficiálneho dátumu zrodu impresionizmu zostáva ešte päť rokov.
Predlohou pre všetky tri ženy bola 19-ročná Camille Donsier, budúca manželka Clauda Moneta.

Plátno je veľmi veľké, jeho rozmery sú 2,05 x 2,55 m.
Umelec mal v úmysle vystaviť tento obraz na parížskom salóne v roku 1967, ale porota ho zamietla.

Na konci života Clauda Moneta, keď už bol uznávaným a presláveným majstrom, kúpila francúzska vláda v roku 1921 od umelca obraz „Ženy v záhrade“ za 200 tisíc frankov.

Svätý Andress

"Terasa pri St. Andress", cca. 1867, Metropolitné múzeum umenia, New York. Tento obraz zobrazuje umelcovu rodinu, ktorá žila v malom prístavnom mestečku Saint-Andresse neďaleko Le Havre na pobreží Normandie. Otec Monet a jeho teta Madame Lecadre sedia v kreslách. Pri zábradlí stojí vzdialený príbuzný Monet Jeanne-Margarita s mladým mužom. Môžeme povedať, že ide o rodinnú scénu na pozadí prímorskej krajiny. Ale pozrite sa, ako sú kvety nakreslené v popredí obrázku! Ako dobre Monet sprostredkoval textúru kvetov a hru svetla a tieňov.
Kvitnúca záhrada pri St. Andress, c. 1866, Musee d'Orsay, Paríž.
"Adolphe Monet čítanie v záhrade Le Coteau v Saint Andress", c. 1866
"Lady in the Garden", 1867, Štátne múzeum Ermitáž, Petrohrad. Obraz zobrazuje vzdialenú príbuznú Clauda Moneta, Jeanne-Marguerite Lecadre, v záhrade pri St. Andress.

Argenteuil, 1872 - 1977

Claude Monet vždy túžil mať vlastnú záhradu, kde by mohol pokojne pracovať pod holým nebom.

Koncom roku 1871 sa Claude Monet a jeho rodina usadili v Argenteuil. Potom to bola malá dedina neďaleko Paríža, 12 km od centra mesta, ktorá sa nachádza na malebnom brehu Seiny. Argenteuil je teraz súčasťou Veľkého Paríža. V Argenteuil mal Monet vlastný dom a prvú záhradu. Zdá sa mi, že práve v Argenteuil vznikli najlepšie obrazy Clauda Moneta. Bolo to najsvetlejšie obdobie jeho tvorby. Monetova maľba je vo všeobecnosti svetlá, ale práve v Argenteuil jeho plátna jednoducho žiaria radosťou. Očividne to boli najšťastnejšie roky jeho života. Takmer všetky plátna namaľované v Argenteuil zobrazujú Camille, milovanú prvú manželku Clauda Moneta.

V tých rokoch bol Argenteuil obľúbeným dovolenkovým miestom pre Parížanov, pravidelne sa tam konali jachtárske regaty. Do Argenteuil viedla železnica a z Paríža sa tam dalo dostať rýchlo a jednoducho. Nielen Monet, ale aj iní impresionistickí umelci Manet, Renoir, Sisley, Caillebotte maľovali svoje krajiny v Argenteuil.

Priateľ umelca Renoira ho zachytil pri práci v Argenteuil a vďaka tomu môžeme vidieť, aká bola záhrada Clauda Moneta a ako maľoval pod holým nebom. Pierre-Auguste Renoir, obraz Moneta vo svojej záhrade v Argenteuil, 1873
A Edouard Manet namaľoval rodinný portrét umelca na pozadí kvitnúcej záhrady. Édouard Manet, The Monet Family in their Garden at Argenteuil, 1874, Metropolitan Museum of Art, New York. Obraz zobrazuje Clauda Moneta ako sa stará o kvety, jeho manželku Camille a syna Jeana. Záhrada, kvety a sliepky. O 10 rokov bude mať Claude Monet toto všetko v Giverny.
Pierre Auguste Renoir, Madame Monet a jej syn, 1974 Národná galéria, Washington. Camille Monet a jej syn Jean. Zdá sa, že Edouard Manet a Renoir napísali Monetovu rodinu v rovnaký deň a na rovnakom mieste. Toto plátno bolo uložené v zbierke Clauda Moneta v Giverny. Umelcov mladší syn Michel Monet ho predal v roku 1952 v období úplnej devastácie Giverny. Po niekoľkých opätovných predajoch na základe vôle posledného majiteľa v roku 1970 sa tento obraz dostal do Národnej galérie vo Washingtone.

"Dom umelca v Argenteuil", 1873. Inštitút umenia, Chicago.
Monetova záhrada v Argenteuil, 1873
"Domy v Argenteuil", 1873, Alte Nationalgalerie, Berlín. V lete bol Argenteuil doslova pochovaný v kvetoch.
Kvety pri rieke v Argenteuil, 1877, Pola Museum of Art, Hakone, Japonsko. Seina pri Argenteuil je veľmi malebná, v tomto mieste tvorí krásnu zákrutu. Claude Monet bol fascinovaný riekou a prírodou Argenteuil, nadšene tu pracoval pod holým nebom.
Camille Monet na záhradnej lavičke. 1873 Metropolitné múzeum, New York. Ako vždy, záhrada a ako vždy kvety. Upozornenie: na lavičke vedľa Camilly je kytica kvetov.
Jean Monnet na cyklistickom koni. 1872 Metropolitné múzeum, New York. Ani pri maľovaní portrétu svojho syna Claude Monet nezabudol na kvety. Všetky významné udalosti života najradšej zachytával na svojich plátnach na pozadí kvetov.
"Na lúke", 1876 Na plátne je vyobrazená umelcova manželka Camille Monet, ako číta knihu na lúke, obklopená lúčnymi kvetmi.
"Jablone v kvete", 1873. Úžasný!
"Umelcova rodina v záhrade", 1875
"V záhrade", 1875 Tento obrázok zrejme zobrazuje rovnaký kút záhrady ako ten predchádzajúci, len o niekoľko mesiacov neskôr - na jeseň. Claude Monet rád maľoval cykly obrazov – tie isté objekty v rôznych svetelných podmienkach: v rôznych ročných obdobiach, v rôznych časoch dňa. Snažil sa sprostredkovať prchavé stavy svetlovzdušného prostredia, zachytiť sotva postrehnuteľné poltóny farieb. Vidíme, ako sa mení kút záhrady, ako miznú farby, ubúda svetla. Kvety na záhone zvädli a lístie na stromoch zožltlo.
"Žena s dáždnikom" ("Prechádzka: Camille Monet so synom Jeanom"), 1875, Národná galéria umenia, Washington.
"Camille Monet so svojím synom", 1875, Museum of Fine Arts, Boston, USA.
Roh záhrady v Montgerone, ca. 1876, Štátne múzeum Ermitáž, Petrohrad. Montgeron je malé mestečko na predmestí Paríža, ktoré sa nachádza 18,5 km juhovýchodne od centra mesta. Teraz je to jedno z juhovýchodných predmestí Paríža.

"Žena s dáždnikom v záhrade v Argenteuil", 1875.	"Prechádzka, Argenteuil", 1875.	"Prechádzka po Argenteuil", 1875, Musée Marmottan Monet, Paríž.
"Záhrada", 1872.	Camille Monet v záhrade, 1873	"Camille Monet pri okne. Argenteuil", 1873.
„Nábrežie Seiny pri moste v Argenteuil“, 1874.	"Camille a Jean Monnet v záhrade v Argenteuil", 1873.	"Camille Monet v záhrade v Argenteuil", 1876, Metropolitné múzeum umenia, New York.
"mečíky". OK. 1876. Art Institute, Detroit, USA.	"Dievčatá v záhrade", 1875, Národná galéria v Prahe.	"Camille so zeleným dáždnikom", 1876.
"Záhradná brána pri Vethea", 1876.	"Záhrada", 1876.	"Záhrada, slez", 1877.

Veľmi zaujímavá séria "Lilac". Porovnaj:

makové polia

Jeden z najznámejších obrazov Clauda Moneta, Field of Poppies (1873, Musée d'Orsay, Paríž), bol namaľovaný v Argenteuil, neďaleko umelcovho domova. Obraz zobrazuje Monetovu manželku Camille a jeho syna Jeana. Vraj jeho manželka a syn slúžili aj ako modely pre postavy dámy s dieťaťom v pozadí.
Pozrite sa, ako expresívne umelec maľoval šarlátové maky a žlté masliaky. Camille a Jean sa doslova topia v maku a tvoria úplnú harmóniu s prírodou slnečného letného dňa.
Monet zvolil pre svoju maľbu veľmi dobrý uhol - šarlátové vlčie maky sú umiestnené v ľavej dolnej časti obrazu, diagonálne pozdĺž ktorého kráčajú Camille a Jean. Zdá sa, že vlčie maky presahujú plátno.

Polia maku Moneta fascinovali. Vo svojej tvorbe sa k nim opakovane vracal. Upútal ho kontrast červených makov a zelenej trávy.

"Leto. Makové pole", 1875, súkromná zbierka.

"Makové pole pri Vetey" 1879.

"Pole maku v dutine pri Giverny", 1885. Múzeum výtvarného umenia, Boston.

"Pole maku", okolo roku 1890. Štátna Ermitáž, Petrohrad.

"Ovesné pole s makom", 1890. Múzeum moderného umenia, Štrasburg.

"Pole maku v Giverny". 1890-1891 Inštitút umenia, Chicago.

"Pole červených makov pri Giverny", 1895. Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, USA.

tulipánové polia

Claude Monet navštívil Holandsko niekoľkokrát. A, samozrejme, nemohol zostať ľahostajný k tulipánom. Vytvoril sériu obrazov zobrazujúcich hlavné atrakcie Holandska – tulipánové polia a veterné mlyny.

Tulip Fields v Sassenheime, neďaleko Leidenu, 1886, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA.

"Tulipánové polia a veterné mlyny v Rijnsburgu", 1886, súkromná zbierka.

Tulipánové polia v Holandsku, 1886. Musée d'Orsay, Paríž.

"Pole tulipánov v Holandsku". 1886, Musée Marmottan Monet, Paríž.

Vetheuil, 1879 - 1881

"Umelecká záhrada vo Vetheuil", 1880. Národná galéria, Washington.

V roku 1879 sa rodina Monetovcov presťahovala do Vetheuil, malej dedinky na brehu Seiny, 65 km severozápadne od Paríža. Tu mal Claude Monet druhého syna Michela, ale, bohužiaľ, jeho prvá manželka Camille čoskoro zomrela.
Rodina Monetovcov žila vo Vetheuil do roku 1881.

Claude Monet sa stretáva s rodinou Alice Hoschedé, ktorú pozná už niekoľko rokov. Žijú spolu, neskôr sa Alice stala jeho druhou manželkou. Ale na obrazoch Clauda Moneta je Alice Goshede, na rozdiel od Camille, veľmi zriedkavá. Jej dcéry, nevlastné dcéry Clauda Moneta, slúžili ako modely pre umelcove plátna.

"Kvety na brehoch Seiny pri Vetheuil", 1880.	"Alice Goshede v záhrade", 1881. Budúca druhá manželka Clauda Moneta.	"Schodisko vo Vethea", 1881.
"Isle of Flowers near Vetheus", 1880, Metropolitan Museum of Art, New York.	"Kvety vo Veteya", 1881.	"Kvety vo Veteya", 1881.

Kvety vo váze

Claude Monet zo všetkého najviac miloval záhradné a poľné kvety, no občas maľoval aj zátišia, kytice z rezaných kvetov.

"Jarné kvety", 1864. Miesto maľby je v súčasnosti neznáme.
Samozrejme, na tomto plátne je stále ťažké rozpoznať budúceho veľkého impresionistického umelca.

"Chryzantémy", 1878. Musée d'Orsay, Paríž.

"Kytica slezu", 1880.

"Slnečnice", 1881. Metropolitné múzeum, New York.

"Chryzantémy" 1882. Metropolitné múzeum, New York.

"Fialové maky", 1883. Múzeum Boijmans-van Beuningen, Rotterdam, Holandsko.

Sasanky, cca. 1885, súkromná zbierka.

"Dve vázy s chryzantémami". 1888, súkromná zbierka.

Giverny 1883 - 1926

V roku 1883 sa rodina Claude Monet presťahovala do Giverny. Je to malá dedinka v malebnej oblasti na brehu rieky Epte, na jej sútoku so Seinou, asi 80 km od Paríža. Claude Monet bude žiť v Giverny do konca života.

V tom čase sa už stal známym umelcom a dobre situovaným človekom. V roku 1890 sa mu podarilo kúpiť dom v Giverny, kde žila jeho rodina. V dome vybavil priestrannú dielňu.

Claude Monet výrazne rozšíril svoju záhradu, upravil v nej jazierko, do ktorého prichádzala voda zo špeciálnej vodnej nádrže vybudovanej na rieke Epte.

V tých rokoch sa Claude Monet začal zaujímať o japonskú kultúru, japonské výtlačky, najmä výtlačky veľkého japonského umelca Hokusaia.
Na údržbu záhrady si Monet najal japonského záhradníka, ktorý mu pomohol zariadiť záhradu v japonskom štýle. Sám Monet sa priamo podieľal na plánovaní záhrady. Umelec si predplatil časopis Revue horticole (Záhradnícky časopis), do svojej záhrady si objednal rastliny a kvety z celého sveta.

Práve táto záhrada sa stala hlavnou láskou v posledných rokoch umelcovho života. Pracoval v ňom, písal ho vo všetkých podobách, z rôznych bodov, v rôznych časoch dňa. Záhrada sa pre umelca stala hlavným zdrojom inšpirácie.
Monet pestoval v záhrade rôzne kvety, v jazierku rástli lekná, cez jazierko bol prehodený známy „japonský most“. Dokázal obdivovať svoju záhradu celé hodiny, pozorovať najmenšie zmeny osvetlenia a počasia.
Na jeseň roku 1899 začal Claude Monet maľovať svoju slávnu sériu Lekná, na ktorej pracoval až do konca svojich dní.

Claude Monet vo svojej záhrade s jazierkom s leknami v pozadí, 1905

Claude Monet vo svojej záhrade, c. 1917 Foto: Etienne Clementel.
Obrázky vyzerajú trochu „farebne“ a rozmazane, keďže išlo o stereoskopické obrázky, museli sa pozerať cez špeciálne farebné okuliare, potom sa obrázok ukázal byť objemný.

Claude Monet (vpravo) vo svojej záhrade v Giverny. 1922 Foto s láskavým dovolením The New York Times.

"Ulička v záhrade", 1902. Galéria Belvedere, Viedeň. Kvitnúci oblúk v Giverny, 1913. Phoenix Museum of Art, Arizona, USA. "Oblúk ruží v Giverny (kvetinový oblúk)". 1913, súkromná zbierka. "Žlté kosatce", medzi 1914-1917 Národné múzeum západného umenia, Tokio. "Cesta medzi dúhovkami". 1914-17, Metropolitné múzeum umenia, New York. "Biele lekná". 1899 Puškinovo múzeum im. A.S. Puškin, Moskva.
Známy rybník s leknami a japonský most. "Jazierko s leknami (japonský most)", 1899. Metropolitné múzeum, New York. "Jazierko s ľaliami. Harmónia v zelenom." 1899, Národná galéria, Londýn. "Jazierko s ľaliami. Harmónia v zelenom." 1899, Musée d'Orsay, Paríž. "Vody. Harmónia v ružovom." 1900 Musée d'Orsay, Paríž. "Jazierko s leknami". 1900 Inštitút umenia, Chicago.

Na prvých plátnach série Lekná zobrazil Claude Monet jazierko s japonským mostom na pozadí bujnej záhradnej vegetácie.

Vo svojich posledných dielach, zobrazujúcich jazierko s leknami, zámerne skreslil všetky zaužívané pravidlá perspektívy, opustil líniu horizontu a leknami namaľoval iba vodu. Lekná plávajúce na vode sú často odrezané okrajmi plátna, zdá sa, že skutočný rybník je niečo viac, ako je znázornené na obrázku.
Táto séria "Waters" má viac ako 60 plátien.

"Vody". 1906 Inštitút umenia, Chicago.
"Vody", 1916. Národné múzeum západného umenia, Tokio. Toto obrovské, 2-metrové plátno je jedným z najvýraznejších zo série Lekná. Ružové a žlté ostrovčeky lekien sa nachádzajú na tmavomodrej, tmavozelenej až fialovej hladine jazierkovej vody. Celý obraz je v pohybe, vidíme prepletené korene lekien. Samotné kvety lekna doslova vyčnievajú nad hladinu vody. Claude Monet cítil prírodu veľmi jemne a všetky jej jemnosti a modulácie dokázal preniesť na svoje plátna.
"Vody". 1920-26 Múzeum oranžérie, Paríž.

V roku 1980 bol pre verejnosť otvorený dom a záhrada Clauda Moneta v Giverny. Teraz je to jedno z najobľúbenejších múzeí medzi turistami na predmestí Paríža.

Claude Monet. Vlčie maky. 1773 Musée d'Orsay, Paríž

„Vlčie maky“, jedno z najznámejších diel Clauda Moneta, ktoré som videl. V tom čase sa však na to poriadne nepozrela. Ako fanúšik sa mi oči rozšírili zo všetkých tých majstrovských diel, ktoré sú v tomto múzeu!

Neskôr som už samozrejme „Maki“ riadne zvážil. A zistil som, že v múzeu som si pár zaujímavých detailov ani nevšimol. Ak sa pozriete na obrázok bližšie, pravdepodobne vás napadnú aspoň tri otázky:

1. Prečo sú maky také veľké?
2. Prečo Monet zobrazil dva takmer identické páry postáv?
3. Prečo umelec na obrázku nenakreslil oblohu?

Na tieto otázky odpoviem v poradí.

1. Prečo sú maky také veľké?

Vlčie maky sú zobrazené veľmi veľké. Väčšina z nich má veľkosť hlavy vyobrazeného dieťaťa. A ak vezmete vlčie maky z pozadia a priblížite ich k postavám v popredí, potom budú ešte väčšie ako hlava dieťaťa aj zobrazenej ženy. Prečo je to také nereálne?

Podľa môjho názoru Monet zámerne zväčšil makovice: takto opäť uprednostnil živý vizuálny dojem pred realizmom zobrazených predmetov.

Tu, mimochodom, možno nájsť paralelu s jeho technikou zobrazovania lekien v jeho neskorších dielach.

Pre prehľadnosť si pozrite fragmenty obrazov s leknami z rôznych rokov (1899-1926). Vrchná práca je najstaršia (1899), spodná je najnovšia (1926). Je zrejmé, že postupom času boli lekná čoraz abstraktnejšie a menej podrobné.

Zrejme "Maky" - to je len predzvesť prevahy abstraktného umenia v neskorších obrazoch Moneta.

Obrazy Clauda Moneta. 1. Vľavo hore: Lekná. 1899 d) Súkromná zbierka. 2. Vpravo hore: Lekná. 1908 d) Súkromná zbierka. 3. V strede: Jazierko s leknami. 1919 Metropolitné múzeum umenia, New York. 4. Spodná časť: Ľalie. 1926 Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City.

2. Prečo sú na obrázku dva páry rovnakých figúrok?

Ukazuje sa, že pre Moneta bolo dôležité aj to, aby vo svojej maľbe ukázal pohyb. Dosiahol to nezvyčajným spôsobom, keď zobrazil sotva viditeľnú cestu na kopci medzi kvetmi, akoby vyšliapanú medzi dvoma pármi postáv.

Na úpätí kopca s makmi je zobrazená jeho manželka Camille a syn Jean. Camilla je tradične zobrazená so zeleným dáždnikom, rovnako ako na obraze „Žena s dáždnikom“.

Hore na kopci je ďalší párik ženy a dieťaťa, ktorému s najväčšou pravdepodobnosťou zapózovali aj Camilla so synom. Preto sú tieto dva páry veľmi podobné.

Claude Monet. Vlčie maky. Fragment. 1873 Musée d'Orsay, Paríž.

Táto dvojica postáv na kopci je zobrazená, možno len pre vizuálny efekt pohybu, o ktorý Monet tak túžil.

3. Prečo Monet nenamaľoval oblohu?

Ďalší pozoruhodný bod: všimnite si, ako zle je obloha vykreslená až po holé časti plátna.

Claude Monet. Vlčie maky. Fragment. 1873.

Môžem predpokladať, že ide o techniku ​​impresionizmu: Monet namaľoval obrazy v priebehu niekoľkých hodín a dokonca minút, aby zobrazil hru svetla a farieb v určitom okamihu dňa. Preto nebolo vždy dosť času na všetky prvky krajiny. Vypracovať všetky detaily je veľa štúdiovej práce, nie práce vonku.

Mimochodom, obraz „Maky“ bol vystavený aj na prvej výstave impresionistov v roku 1874, o ktorej som podrobnejšie písal v článku.