Dnes majstrovské diela impresionistických umelcov vnímame v kontexte svetového umenia: pre nás sa už dávno stali klasikou. Nebolo to však v žiadnom prípade vždy tak. Stávalo sa, že ich obrazy nepustili na oficiálne výstavy, kritizovali ich v tlači, nechceli kúpiť ani za symbolický poplatok. Boli to roky zúfalstva, núdze a núdze. A bojovať o možnosť maľovať svet tak, ako ho videli oni. Trvalo mnoho desaťročí, kým väčšina dokázala chápať a vnímať, aby sa videla ich očami. Aký to bol svet, do ktorého začiatkom 60. rokov 19. storočia vtrhol impresionizmus, ako veselý vietor, ktorý udeľoval premeny?
Spoločenské otrasy na konci 18. storočia, revolúcie vo Francúzsku a Amerike, premenili samotnú podstatu západnej kultúry, ktorá nemohla ovplyvniť úlohu umenia v rýchlo sa meniacej spoločnosti. Umelci, zvyknutí na spoločenský poriadok z vládnucej dynastie či cirkvi, zrazu zistili, že zostali bez svojich klientov. Šľachta a duchovenstvo, hlavní odberatelia umenia, zažívali vážne ťažkosti. Nastala nová éra, éra kapitalizmu, ktorá úplne zmenila pravidlá a priority.
Postupne sa v vznikajúcich republikách a demokratických mocnostiach rozrastala bohatá stredná vrstva, v dôsledku čoho začal prekvitať nový trh s umením. Žiaľ, podnikateľom a obchodníkom spravidla chýbala dedičná kultúra a výchova, bez ktorej nebolo možné správne oceniť rozmanitosť dejových alegórií alebo zručných hereckých schopností, ktoré aristokraciu už dlho fascinovali.
Predstavitelia strednej triedy, ktorí sa stali konzumentmi umenia, nevyznačovali sa aristokratickou výchovou a vzdelaním, museli sa spočiatku sústrediť na úvahy kritikov novín a oficiálnych odborníkov. Staré akadémie umení, ktoré sú správcami klasických základov, sa stali ústrednými rozhodcami v otázkach umeleckej závažnosti. Nie je paradoxné, že niektorí mladí a zvedaví maliari, ktorí boli chorí z konformity, sa búrili proti formálnej dominancii akademizmu v umení.
Jednou zo základných bašt akademizmu tých čias boli výstavy súčasného umenia, ktoré sponzorovali úrady. Takéto výstavy sa nazývali Salóny - podľa tradície odkazujúcej na názov sály v Louvri, kde kedysi dvorní umelci vystavovali svoje obrazy.
Účasť na Salóne bola jedinou šancou pritiahnuť o svoje diela záujem tlače a klientov. Auguste Renoir v jednom zo svojich listov Durand-Ruelovi hovorí o súčasnom stave vecí: „V celom Paríži je sotva pätnásť obdivovateľov, ktorí dokážu rozpoznať umelca bez pomoci Salónu, a osemdesiattisíc ľudí, ktorí nezíska ani centimeter štvorcový plátna, ak sa umelec nepripustí do Salónu.
Mladým maliarom nezostávalo nič iné, len sa objaviť v Salónoch: na výstave si vypočuli nelichotivé slová nielen členov poroty, ale aj hlboko rešpektovaných maliarov, akými boli Eugene Delacroix, Gustave Courbet, Edouard Manet, obľúbených mladých ľudí, čím dostávajú impulz pre budúcu kreativitu. Salón bol navyše jedinečnou príležitosťou získať zákazníka, aby si ho všimol, zariadiť si kariéru v umení. Udelenie Salónu znamenalo pre umelca prísľub profesionálneho uznania. Naopak, ak porota odmietla prihlásenú prácu, rovnalo sa to estetickému pozastaveniu.
Obrázok navrhnutý na posúdenie často nezodpovedal obvyklým kánonom, pre ktoré ho porota Salónu odmietla: v umeleckom prostredí táto epizóda vyvolala škandál a senzáciu.
Jedným z umelcov, ktorých účasť na Salóne vždy vyvolala škandál a vyvolala u akademikov veľa obáv, bol Edouard Manet. Veľký škandál sprevádzali ukážky jeho obrazov „Raňajky v tráve“ (1863) a „Olympia“ (1865), vytvorených nezvyčajne drsným spôsobom, obsahujúcich estetického cudzinca Salónu. A v obraze „Incident at the Bullfight“, predstavenom na Salóne v roku 1864, ovplyvnila umelcova vášeň pre Goyovu prácu. V popredí Manet namaľoval ležiacu postavu toreadora. V pozadí obrazu bola aréna tiahnuca sa do vnútrozemia a rady skľúčených, nemých divákov. Takáto ostrá a vzdorovitá kompozícia vyvolala veľa sarkastických recenzií a karikatúr v novinách. Zranený kritikou Manet roztrhol svoj obraz na dve časti.
Treba poznamenať, že kritici a karikaturisti sa nehanbili pri výbere slov a metód, aby bolestnejšie urazili umelca, prinútili ho k nejakým recipročným akciám. „The Artist Rejected by Salon“ a neskôr „The Impressionist“ sa stali obľúbeným terčom novinárov, ktorí zarábajú na verejných škandáloch. Neutíchajúci spor Salónu s maliarmi iných koncepcií a gravitácií, ktorí boli unavení z prísnych hraníc zastaraného akademizmu, výrazne znamenal vážny úpadok, ktorý dovtedy dozrel v umení druhej polovice 19. storočia. Konzervatívna porota Salónu z roku 1863 zamietla toľko plátien, že cisár Napoleon III. považoval za potrebné osobne podporiť ďalšiu, paralelnú výstavu, aby divák mohol porovnať prijaté diela s tými odmietnutými. Táto výstava, ktorá získala názov „Salón vyvrheľov“, sa stala mimoriadne módnym miestom zábavy – ľudia sa sem chodili smiať a byť vtipní.
Aby správni maliari obišli akademickú porotu, mohli založiť aj samostatné samostatné výstavy. Myšlienku výstavy jedného umelca prvýkrát oznámil realistický maliar Gustave Courbet. Sériu svojich diel predložil na svetovú výstavu v Paríži v roku 1855. Výberová komisia schválila jeho krajiny, ale zamietla tematické programové maľby. Potom Courbet oproti zvyku postavil v blízkosti Svetovej výstavy osobný pavilón. Hoci na starého Delacroixa zapôsobil Courbetov široký maliarsky štýl, v jeho pavilóne bolo málo divákov. Počas svetovej výstavy v roku 1867 Courbet s veľkým triumfom obnovil túto skúsenosť - tentoraz zavesil všetky svoje diela v samostatnej miestnosti. Édouard Manet si podľa vzoru Courbeta otvoril na tej istej výstave vlastnú galériu, aby retrospektívne predstavil svoje obrazy.
Vytváranie osobných galérií a súkromné vydávanie katalógov znamenalo citeľné vynaloženie zdrojov – neporovnateľne viac ako tých, ktoré často vlastnia umelci. Incidenty s Courbetom a Manetom však podnietili mladých maliarov, aby naplánovali skupinovú výstavu umelcov nových trendov, ktoré oficiálny salón neprijal.
Vedecký výskum okrem spoločenských zmien výrazne ovplyvnil aj umenie 19. storočia. V roku 1839 Louis Daguerre v Paríži a Henry Fox Talbot v Londýne demonštrovali fotografické prístroje, ktoré postavili nezávisle. Fotografia krátko po tejto udalosti zbavila umelcov a grafikov povinnosti jednoducho si pripomínať ľudí, miesta a udalosti. Mnohí maliari, oslobodení od povinnosti kopírovať objekt, sa vrhli do sféry prenosu vlastného, subjektívneho prejavu na plátno emócií.
Fotografia dala vzniknúť iným pohľadom v európskom umení. Šošovka s iným uhlom pohľadu ako ľudské oko tvorila fragmentárne znázornenie kompozície. Zmena uhla záberu posunula umelcov k novým kompozičným víziám, ktoré sa stali základom impresionistickej estetiky. Jedným z hlavných princípov tohto trendu bola spontánnosť.
V tom istom roku 1839, keď fotoaparát vznikol, Michel Eugène Chevreul, chemik z laboratória parížskej manufaktúry Gobelín, po prvýkrát zverejnil logickú interpretáciu vnímania farieb ľudským okom. Pri vytváraní farbív na tkaniny sa uistil, že existujú tri základné farby - červená, žltá a modrá, keď sa zmiešajú, všetky ostatné farby vznikajú. Chevreul za asistencie farebného kolieska dokázal, ako sa rodia odtiene, ktoré nielenže dokonale ilustrovali neľahký vedecký nápad, ale umelcom predstavili aj fungujúci koncept miešania farieb. Americký fyzik Ogden Rude a nemecký vedec Hermann von Helmholly doplnili tento vynález vývojom v oblasti optiky.
V roku 1841 si americký vedec a maliar John Rand nechal patentovať svoje cínové tuby na farby podliehajúce skaze. Predtým bol umelec, odchádzajúci písať pod holým nebom, nútený najskôr v dielni namiešať farby, ktoré potreboval, a potom ich naliať do sklenených nádob, ktoré často bijú, alebo do bublín z vnútorností zvierat, ktoré rýchlo vytekali. S príchodom Randových trubíc majú umelci tú výhodu, že si so sebou berú všetku rozmanitosť farieb a odtieňov na čerstvý vzduch. Tento objav do značnej miery ovplyvnil množstvo farieb umelcov a navyše ich presvedčil, aby išli zo svojich dielní do prírody. Čoskoro, ako poznamenal jeden vtip, bolo na vidieku viac krajinárov ako roľníkov.
Priekopníkmi maľby v plenéri boli umelci barbizonskej školy, ktorá svoje meno získala podľa dedinky Barbizon pri lese Fontainebleau, kde vytvorili väčšinu krajiniek.
Ak starší maliari barbizonskej školy (T. Rousseau, J. Dupre) vo svojej tvorbe ešte vychádzali z odkazu hrdinskej krajiny, potom predstavitelia mladšej generácie (Ch. Daubigny, C. Corot) obdarili tento žáner s rysmi realizmu. Ich plátna zobrazujú krajiny, ktoré sú cudzie akademickej idealizácii.
Barbizoni sa vo svojich obrazoch snažili obnoviť rozmanitosť stavov prírody. Preto maľovali z prírody, snažiac sa v nich zachytiť bezprostrednosť ich vnímania. Používanie zastaraných akademických metód a prostriedkov v maľbe im však nepomohlo dosiahnuť to, čo sa neskôr podarilo impresionistom. Napriek tomu je príspevok umelcov barbizonskej školy k formovaniu žánru nevyvrátiteľný: po odchode z dielní pod holým nebom ponúkli krajinomaľbe nové spôsoby rozvoja.
Jeden z priaznivcov maľovania v prírode Eugene Boudin poučil svojho mladého žiaka Clauda Moneta, čo treba robiť pod holým nebom – uprostred svetla a vzduchu, maľovať to, o čom uvažujete. Toto pravidlo sa stalo základom plenérovej maľby. Monet čoskoro predstavil svojim priateľom Auguste Renoir, Alfred Sisley a Frederic Basil novú teóriu: maľovať len to, čo pozorujete v určitej vzdialenosti a v špecifickom svetle. Po večeroch v parížskych kaviarňach sa mladí maliari s radosťou delili o svoje nápady a vášnivo diskutovali o svojich nových objavoch.
Tak sa objavil impresionizmus – revolučný trend v umení poslednej tretiny 19. – začiatku 20. storočia. Maliari, ktorí sa dali na cestu impresionizmu, sa snažili vo svojich dielach prirodzenejšie a pravdivejšie zachytiť svet okolo seba a každodennú realitu v ich nekonečnej pohyblivosti a nestálosti, vyjadrovať svoje prchavé vnemy.
Impresionizmus bol odpoveďou na stagnáciu akademizmu, ktorý v tých rokoch dominoval umeniu, túžbu oslobodiť maľbu z bezvýchodiskovej situácie, do ktorej sa dostala vinou umelcov zo Salónu. To, že súčasné umenie je na ústupe, zopakovali mnohí progresívne zmýšľajúci ľudia: Eugene Delacroix, Gustave Courbet, Charles Baudelaire. Impresionizmus bol druhom šokovej terapie pre „trpiaci organizmus“.
S príchodom mladých žánrových maliarov Edouarda Maneta, Augusta Renoira, Edgara Degasa do francúzskej maľby vtrhol vietor zmien, ktorý dáva bezprostrednosť kontemplácie života, prezentáciu prchavých, akoby nečakaných situácií a pohybov, iluzórnej nestálosti a nevyváženosť foriem, fragmentárna kompozícia, nepredvídateľné hľadiská a uhly.
Po večeroch, keď umelci už nemali možnosť maľovať svoje plátna kvôli slabému osvetleniu, opúšťali ateliéry a vysedávali za vášnivými spormi v parížskych kaviarňach. Kaviareň Guerbois sa tak stala jedným z nemenných miest stretávania hŕstky umelcov, ktorí sa zjednotili okolo Edouarda Maneta. Pravidelné stretnutia sa konali vo štvrtok, v ostatné dni sa tam dala zastihnúť skupinka animovane sa rozprávajúcich či hádajúcich sa umelcov. Claude Monet opísal stretnutia v Café Gerbois takto: „Nemôže byť nič vzrušujúcejšie ako tieto stretnutia a nekonečný stret názorov. Zbystrili našu myseľ, podnietili naše ušľachtilé a srdečné túžby, dodali nám entuziazmus, ktorý nás udržal dlhé týždne, kým sa úplne nesformovala myšlienka. Z týchto stretnutí sme odchádzali v dobrej nálade, s posilnenou vôľou, s jasnejšími a jasnejšími myšlienkami.
V predvečer 70. rokov 19. storočia bol impresionizmus založený aj vo francúzskej krajine: Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley ako prví vyvinuli konzistentný plenérový systém. Svoje plátna maľovali bez náčrtov a náčrtov pod holým nebom priamo na plátno, pričom vo svojich obrazoch stelesňovali trblietavé slnečné svetlo, rozprávkové množstvo farieb prírody, rozpúšťanie predmetov zastúpených v prostredí, vibrácie svetla a vzduchu. , vzbura reflexov. K dosiahnutiu tohto cieľa veľkou mierou prispel nimi do všetkých detailov študovaný farebný systém, v ktorom sa prirodzená farba rozložila na farby slnečného spektra. Aby umelci vytvorili nezvyčajne jasnú, jemnú farebnú textúru, aplikovali čistú farbu na plátno samostatnými ťahmi, pričom sa v ľudskom oku očakávalo optické miešanie. Táto technika, neskôr transformovaná a teoreticky zdôvodnená, sa stala stredobodom ďalšej vynikajúcej umeleckej ašpirácie - pointilizmu, nazývaného "divizionizmus" (z francúzskeho "diviser" - deliť).
Impresionisti prejavili zvýšený záujem o súvislosti medzi objektom a prostredím. Predmetom ich dôslednej tvorivej analýzy bola premena farby a charakteru objektu v meniacom sa prostredí. Na dosiahnutie tejto myšlienky bol opakovane zobrazený ten istý objekt. S pridaním čistej farby v tieňoch a odleskoch čierna farba takmer opustila paletu.
Kritik Jules Laforgue hovoril o fenoméne impresionizmu takto: „Impresionista vidí a sprostredkúva prírodu takú, aká je, teda len s očarujúcimi vibráciami. Kresba, svetlo, objem, perspektíva, šerosvit – to všetko je ustupujúca klasifikácia. Ukazuje sa, že všetko je určené vibráciami farby a musí byť vtlačené na plátno vibráciami farby.
Vďaka outdoorovým aktivitám a stretnutiam v kaviarňach 27. decembra 1873 „Anonymovia, sochári, rytci atď.“ - tak sa najprv nazývali impresionistami. Prvá výstava spoločnosti sa konala na jar o rok neskôr v obchodnej galérii Nadar, experimentálny fotograf, ktorý predával aj moderné umenie.
Debut prišiel 15. apríla 1874. Výstava bola naplánovaná na mesiac, čas návštevy - od desiatej do šiestej a, čo bolo tiež inováciou, od ôsmej do desiatej večer. Vstupenka stála jeden frank, katalógy sa dali kúpiť za päťdesiat centimov. Spočiatku sa zdalo, že výstava je plná návštevníkov, ale dav sa tam len posmieval. Niektorí žartovali, že úloha týchto umelcov sa dá dosiahnuť nabitím pištole rôznymi tubami farby, potom streľbou na plátno a dokončením podpisu.
Názory boli rozdielne: buď sa výstava nebrala vôbec vážne, alebo ju deviataci kritizovali. Všeobecnú predstavu možno vyjadriť v nasledujúcom článku sarkastickej ašpirácie „Impresionistická výstava“, pod ktorý sa podpísal Louis Leroy a ktorý vyšiel vo forme fejtónu. Tu je opísaný dialóg autora s akademik-krajinárom, oceneným medailami, spoločne prechádzajú sálami výstavy:
„... Prišiel tam nerozvážny umelec, nepredpokladal nič zlé, očakával, že tam uvidí plátna, ktoré sa dajú nájsť všade, indikatívne a zbytočné, viac zbytočné ako indikatívne, ale nie sú ďaleko od nejakých umeleckých štandardov, kultúry formy a rešpektu. pre starých majstrov.
Žiaľ, forma! Žiaľ, starí majstri! Už ich nebudeme čítať, môj úbohý priateľ! Všetko sme zmenili!"
Na výstave sa objavila aj krajina od Clauda Moneta, zobrazujúca ranné svitanie v zálive zahalenom v hmle – maliar to nazval „Dojem. Východ slnka“ (Dojem). Tu je komentár jednej z postáv satirického článku Louisa Leroya na tomto plátne, ktoré dalo meno najsenzačnejšiemu a najslávnejšiemu hnutiu v umení 19. storočia:
“...- Čo je tu nakreslené? Pozrite sa do katalógu. -"Dojem. Svitanie". - Dojem - ako som očakával. Len som si v duchu hovoril, že keď som pod dojmom, tak v tom musí byť prenesený nejaký dojem ... a aká uvoľnenosť, aká hladkosť prevedenia! Tapeta v pôvodnom stupni spracovania je dokonalejšia ako táto prímorská krajina ... ".
Monet osobne nebol v žiadnom prípade proti takémuto pomenovaniu výtvarnej techniky, ktorú aplikoval v praxi. Hlavnou podstatou jeho tvorby je precízne zachytenie a zachytenie neuchopiteľných momentov života, na ktorých pracoval, z čoho vznikli jeho nespočetné série obrazov: „Hacks“, „Topoly“, „Rouen Cathedral“, „Saint-Lazare Station“ , „Rybník v Giverny“, „Londýn. Budova parlamentu a iné. Ďalší prípad, Edgar Degas, ktorý sa rád nazýval „nezávislý“, pretože sa nezúčastnil Salónu. Jeho ostrý, groteskný štýl písania, ktorý slúžil ako príklad mnohým priaznivcom (medzi ktorými vynikal najmä Toulouse-Lautrec), bol pre akademickú porotu neprípustný. Obaja títo maliari sa stali najaktívnejšími organizátormi následných výstav impresionistov vo Francúzsku i v zahraničí - v Anglicku, Nemecku, USA.
Naopak, Auguste Renoir, ktorý sa objavil na prvých výstavách impresionistov, nestratil nádej na dobytie Salónu a každý rok posielal na svoje výstavy dva obrazy. Charakteristickú dualitu svojich činov vysvetľuje v korešpondencii so svojím súdruhom a mecenášom Durandom-Ruelom: „... nepodporujem bolestné názory, že dielo je hodné alebo nedôstojné, podľa toho, kde sa zobrazuje. Skrátka, nechcem márne strácať čas a hnevať sa na Salón. Nechcem ani predstierať hnev. Len si myslím, že treba kresliť čo najskôr, to je všetko. Ak by mi bolo vyčítané, že som vo svojom umení bez škrupúľ, alebo by som sa z absurdnej ctižiadosti zriekol svojich názorov, takéto obvinenia by som prijal. Ale keďže sa tomu nič ani len nepribližuje, netreba mi to vyčítať.“
Edouard Manet sa nepovažoval za oficiálne zapojeného do smerovania impresionistov a považoval sa za realistického maliara. Neustály blízky vzťah k impresionistom, navštevujúcim ich výstavy, však nenápadne zmenil štýl maliara a priblížil ho k impresionistom. V doznievajúcich rokoch života sa farby na jeho obrazoch rozjasňujú, ťah je rozsiahly, kompozícia je fragmentárna. Rovnako ako Renoir, aj Manet čakal na priazeň oficiálnych odborníkov v oblasti umenia a chcel sa zúčastniť výstav Salónu. Ale proti svojej vôli sa stal idolom parížskych avantgardných umelcov, ich nekorunovaným kráľom. Napriek všetkému tvrdohlavo vtrhol so svojimi plátnami do Salónu. Až pred smrťou mal to šťastie, že získal oficiálne miesto Salónu. Našli ho a Auguste Renoir.
Pri opise kľúčových osobností impresionizmu by bolo nepekné nepripomenúť si aspoň útržkovito osobu, s pomocou ktorej sa opakovane hanobené umelecké hnutie stalo významnou umeleckou akvizíciou 19. storočia a dobylo celý svet. Tento muž sa volá Paul Durand-Ruel, zberateľ, obchodník s umením, ktorý sa opakovane ocitá na pokraji bankrotu, no neopúšťa pokusy presadiť impresionizmus ako nové umenie, ktoré ešte len nedosiahlo svoj zenit. Organizoval výstavy impresionistov v Paríži a Londýne, organizoval osobné výstavy maliarov vo svojej galérii, organizoval aukcie, jednoducho finančne pomáhal umelcom: boli časy, keď mnohí nemali peniaze na farby a plátno. Dôkazom vrúcnej vďačnosti a úcty umelcov sú ich listy Durand-Ruelovi, ktorých zostalo dosť. Osobnosť Durand-Ruela je príkladom inteligentného zberateľa a dobrodinca.
„Impresionizmus“ je relatívny pojem. Všetci maliari, u ktorých počítame s týmto trendom, prešli akademickým školením, ktoré zahŕňalo dôsledné vypracovanie detailov a hladký lesklý povrch maľby. Pred bežnými témami a zápletkami, ktoré predpisoval Salón, však čoskoro uprednostnili maľby v realistickom smere, odrážajúce skutočnú realitu, každodenný život. Následne každý z nich istý čas písal v štýle impresionizmu a snažil sa objektívne sprostredkovať predmety vo svojich obrazoch za rôznych svetelných podmienok. Po takejto impresionistickej etape sa väčšina týchto avantgardných umelcov obrátila na nezávislý výskum a získala súhrnný názov „postimpresionizmus“; neskôr ich tvorba prispela k formovaniu abstrakcionizmu 20. storočia.
V 70. rokoch 19. storočia sa Európa stala závislou na japonskom umení. Edmond de Goncourt vo svojich poznámkach hovorí: „... Vášeň pre japonské umenie... zahŕňala všetko – od maľby až po módu. Najprv to bola mánia takých excentrikov, ako sme s bratom, ... následne sa k nám pridali impresionistickí umelci. V obrazoch impresionistov tej doby boli skutočne často zachytené atribúty japonskej kultúry: ventilátory, kimoná, obrazovky. Naučili sa aj štylistické postupy a plastické riešenia z japonského rytia. Mnohí impresionisti boli vášnivými zberateľmi japonských výtlačkov. Napríklad Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas.
Vo všeobecnosti takzvaní impresionisti v rokoch 1874 až 1886 usporiadali 8 výstav s nerovnakými časovými intervalmi; polovica z 55 maliarov, ktorí patrili do Anonymného spolku, sa v dôsledku rôznych okolností objavila až v 1. Výnimočným účastníkom všetkých 8 výstav bol Camille Pissarro, ktorý vynikal svojou pokojnou, pokojnou povahou.
V roku 1886 sa konala záverečná výstava impresionistov, no ako umelecká metóda existovala ďalej. Maliari nezanechali tvrdú prácu. Hoci bývalé partnerstvo, jednota, už nebolo k dispozícii. Každý si razil svoju vlastnú cestu. Historické konfrontácie sa skončili, skončili triumfom nových názorov a nebolo treba spájať sily. Slávna jednota impresionistických umelcov sa rozdelila a nemohla si pomôcť, ale rozdelila sa: všetci boli bolestivo rozdielni nielen v temperamente, ale aj v názoroch, v umeleckom presvedčení.
Impresionizmus ako smer v súlade so svojou dobou neopustil hranice Francúzska. Podobné otázky si kládli maliari v iných krajinách (James Whistler v Anglicku a USA, Max Lieberman a Lovis Corinth v Nemecku, Konstantin Korovin a Igor Grabar v Rusku). Fascináciu impresionizmu okamžitým pohybom, fluidnou formou si osvojili aj sochári (Auguste Rodin vo Francúzsku, Paolo Trubetskoy a Anna Golubkina v Rusku).
Po vykonaní revolúcie v názoroch súčasníkov, rozšírení jeho svetonázoru, impresionisti vydláždili cestu pre následné formovanie umenia a vznik nových estetických ašpirácií a myšlienok, nových foriem, ktoré nenechali na seba dlho čakať. Neoimpresionizmus, postimpresionizmus, fauvizmus, ktoré vzišli z impresionizmu, následne podnietili aj formovanie a rozvoj nových estetických smerov a trendov.
Slovné spojenie „ruský impresionizmus“ len pred rokom rezalo ucho bežného občana našej obrovskej krajiny. Každý vzdelaný človek vie o svetlom, jasnom a impulzívnom francúzskom impresionizme, dokáže rozlíšiť Moneta od Maneta a rozpoznať Van Goghove slnečnice zo všetkých zátiší. Niekto počul niečo o americkej vetve vývoja tohto smeru maľby - viac mestskej v porovnaní s francúzskymi krajinami Hassam a portrétmi Chase. Vedci sa však hádajú o existencii ruského impresionizmu dodnes.
Konštantín Korovin
História ruského impresionizmu sa začala obrazom „Portrét zborového dievčaťa“ od Konstantina Korovina, ako aj nepochopením a odsúdením verejnosti. Keď som prvýkrát videl toto dielo, I. E. Repin hneď neveril, že dielo urobil ruský maliar: „Španiel! Vidím. Smelo, juicy píše. úžasné. Ale je to len maľovanie pre maľovanie. Španiel však s temperamentom ... “. Samotný Konstantin Alekseevič začal maľovať svoje plátna impresionistickým spôsobom už v študentských rokoch, dlho pred svojou cestou do Francúzska nepoznal obrazy Cezanna, Moneta a Renoira. Len vďaka skúsenému oku Polenova sa Korovin dozvedel, že používa techniku vtedajších Francúzov, ku ktorej dospel intuitívne. Ruského umelca zároveň zrádzajú námety, ktoré používa na svoje obrazy – uznávané majstrovské dielo „Severná idyla“, napísané v roku 1892 a uložené v Treťjakovskej galérii, nám ukazuje Korovinovu lásku k ruským tradíciám a folklóru. Túto lásku vštepil umelcovi „Mammoth Circle“ - komunita tvorivej inteligencie, ktorá zahŕňala Repina, Polenova, Vasnetsova, Vrubela a mnohých ďalších priateľov slávneho filantropa Savvu Mamontova. V Abramceve, kde sa nachádzal Mamontovov majetok a kde sa zhromažďovali členovia umeleckého krúžku, mal Korovin to šťastie, že sa stretol a spolupracoval s Valentinom Serovom. Vďaka tomuto zoznámeniu nadobudlo dielo už hotového umelca Serova črty svetla, jasného a impulzívneho impresionizmu, ktoré vidíme v jednom z jeho raných diel - „Otvorené okno. Orgován“.
Portrét dievčaťa zboru, 1883
Severská idyla, 1886
Čerešňa vtáčia, 1912
Gurzuf 2, 1915
Mólo v Gurzuf, 1914
Paríž, 1933
Valentin Serov
Serovov obraz je preniknutý črtou, ktorá je vlastná iba ruskému impresionizmu - jeho obrazy odrážajú nielen dojem toho, čo umelec videl, ale aj momentálny stav jeho duše. Napríklad na obraze „Námestie svätého Marka v Benátkach“, namaľovanom v Taliansku, kam Serov odišiel v roku 1887 kvôli vážnemu ochoreniu, prevládajú studené sivé tóny, čo nám dáva predstavu o umelcovom stave. Ale napriek dosť pochmúrnej palete je obraz referenčným impresionistickým dielom, pretože Serovovi sa na ňom podarilo zachytiť skutočný svet v jeho pohyblivosti a variabilite, sprostredkovať svoje prchavé dojmy. V liste svojej neveste z Benátok Serov napísal: „V tomto storočí sa píše všetko, čo je ťažké, nič povzbudzujúce. Chcem, chcem to, čo ma teší, a napíšem len to, čo ma teší."
Otvoriť okno. Orgován, 1886
Námestie svätého Marka v Benátkach, 1887
Dievča s broskyňami (Portrét V. S. Mamontovej)
Korunovácia. Konfirmácia Mikuláša II. v katedrále Nanebovzatia Panny Márie, 1896
Dievča osvetlené slnkom, 1888
Kúpanie koňa, 1905
Alexander Gerasimov
Jedným zo študentov Korovina a Serova, ktorí si osvojili ich výrazný ťah štetcom, jasnú paletu a štýl písania etudy, bol Alexander Michajlovič Gerasimov. Rozkvet umelcovej tvorby nastal v čase revolúcie, čo sa nemohlo neodraziť na zápletkách jeho obrazov. Napriek tomu, že Gerasimov dal svoj štetec do služieb strany a preslávil sa vynikajúcimi portrétmi Lenina a Stalina, pokračoval v práci na impresionistických krajinách, ktoré boli blízke jeho duši. Dielo Alexandra Michajloviča „Po daždi“ nám odhaľuje umelca ako majstra prenosu vzduchu a svetla v obraze, ktorému Gerasimov vďačí za vplyv svojich významných mentorov.
Maliari na Stalinovej dači, 1951
Stalin a Vorošilov v Kremli, 50. roky
Po daždi. Mokrá terasa, 1935
Zátišie. Poľná kytica, 1952
Igor Grabar
V rozhovore o neskorom ruskom impresionizme nemožno neobrátiť sa k dielu veľkého umelca Igora Emmanuiloviča Grabara, ktorý si vďaka početným cestám po Európe osvojil mnohé z techník francúzskych maliarov druhej polovice 19. storočia. Pomocou techník klasických impresionistov zobrazuje Grabar vo svojich obrazoch absolútne ruské krajinné motívy a každodenné výjavy. Zatiaľ čo Monet maľuje rozkvitnuté záhrady Giverny a Degas krásne baleríny, Grabar rovnakými pastelovými farbami zobrazuje drsnú ruskú zimu a život na dedine. Grabar zo všetkého najradšej zobrazoval mráz na svojich plátnach a venoval mu celú zbierku diel pozostávajúcu z viac ako stovky malých viacfarebných náčrtov vytvorených v rôznych denných dobách a za rôzneho počasia. Náročnosť práce na takýchto výkresoch spočívala v tom, že farba stuhla v chlade, takže som musel pracovať rýchlo. Ale to je presne to, čo umožnilo umelcovi obnoviť „ten istý okamih“ a vyjadriť svoj dojem z neho, čo je hlavnou myšlienkou klasického impresionizmu. Štýl maľby Igora Emmanuiloviča sa často nazýva vedecký impresionizmus, pretože prikladal veľký význam svetlu a vzduchu na plátnach a vytvoril mnoho štúdií o reprodukcii farieb. Navyše mu vďačíme za chronologické usporiadanie obrazov v Treťjakovskej galérii, ktorej bol v rokoch 1920-1925 riaditeľom.
Brezová alej, 1940
Zimná krajina, 1954
Inovať, 1905
Hrušky na modrom obruse, 1915
Roh pozemku (Slnečný lúč), 1901
Jurij Pimenov
V sovietskej ére sa vyvinul úplne neklasický, ale predsa impresionizmus, ktorého významným predstaviteľom je Jurij Ivanovič Pimenov, ktorý po práci v štýle expresionizmu dospel k obrazu „prchavého dojmu v pastelových farbách“. Jedným z najznámejších diel Pimenova je obraz „Nová Moskva“ z 30. rokov 20. storočia – svetlý, teplý, akoby maľovaný Renoirovými vzdušnými ťahmi. Ale zároveň je dej tohto diela úplne nezlučiteľný s jednou z hlavných myšlienok impresionizmu - odmietnutím používania sociálnych a politických tém. „Nová Moskva“ Pimenov len dokonale odráža spoločenské zmeny v živote mesta, ktoré umelca vždy inšpirovali. Pimenov miluje Moskvu, jej novú, jej ľudí. Maliar veľkoryso dáva tento pocit divákovi,“ napísal umelec a výskumník Igor Dolgopolov v roku 1973. A skutočne, pri pohľade na obrazy Jurija Ivanoviča sme preniknutí láskou k sovietskemu životu, novým štvrtiam, lyrickej kolaudácii a urbanizmu, zachyteným v technike impresionizmu.
Pimenovova práca opäť dokazuje, že všetko „ruské“, prinesené z iných krajín, má svoju osobitnú a jedinečnú cestu vývoja. Takže francúzsky impresionizmus v Ruskej ríši a Sovietskom zväze absorboval črty ruského svetonázoru, národného charakteru a spôsobu života. Impresionizmus, ako spôsob sprostredkovania iba vnímania reality v jej čistej forme, zostal cudziemu ruskému umeniu, pretože každý obraz ruských umelcov je plný zmyslu, uvedomenia, stavu premenlivej ruskej duše, a nie len prchavého dojmu. . Preto budúci víkend, keď Múzeum ruského impresionizmu znovu predstaví hlavnú expozíciu Moskovčanom a hosťom hlavného mesta, si každý nájde to svoje medzi zmyselnými portrétmi Serova, Pimenovho urbanizmu a pre Kustodieva netypickými krajinami.
Nová Moskva
Lyrická kolaudácia, 1965
Šatňa Veľkého divadla, 1972
Skoro ráno v Moskve, 1961
Paríž. Rue Saint-Dominique. 1958
Letuška, 1964
Možno, že pre väčšinu ľudí mená Korovina, Serova, Gerasimova a Pimenova stále nie sú spojené s určitým štýlom umenia, ale Múzeum ruského impresionizmu, ktoré bolo otvorené v máji 2016 v Moskve, napriek tomu zhromaždilo diela týchto umelcov pod jedna strecha.
Impresionizmus (impressionnisme) je štýl maľby, ktorý sa objavil na konci 19. storočia vo Francúzsku a potom sa rozšíril do celého sveta. Samotná myšlienka impresionizmu spočíva v jeho názve: dojem - dojem. Umelci, ktorí boli unavení z tradičných techník maliarskeho akademizmu, ktoré podľa ich názoru nesprostredkovali všetku krásu a živosť sveta, začali používať úplne nové techniky a metódy zobrazovania, ktoré mali vyjadrovať čo najdostupnejšie nevytvárajte „fotografický“ vzhľad, ale dojem z toho, čo vidíte. Impresionistický umelec, využívajúc povahu ťahov a farebnej palety, sa vo svojej maľbe snaží sprostredkovať atmosféru, teplo či chlad, silný vietor či pokojné ticho, hmlisté daždivé rána či jasné slnečné popoludnie, ako aj svoje osobné zážitky z toho, čo videl.
Impresionizmus je svet pocitov, emócií a prchavých dojmov. Tu sa necení vonkajší realizmus či prirodzenosť, ale realizmus vyjadrených vnemov, vnútorný stav obrazu, jeho atmosféra, hĺbka. Spočiatku bol tento štýl silne kritizovaný. Prvé impresionistické obrazy boli vystavené v Salon des Les Misérables v Paríži, kde boli vystavené diela umelcov odmietnutých oficiálnym parížskym umeleckým salónom. Po prvý raz použil termín „impresionizmus“ kritik Louis Leroy, ktorý v časopise „Le Charivari“ napísal znevažujúcu recenziu o výstave umelcov. Ako základ pre termín si vzal obraz Clauda Moneta „Dojem. Vychádzajúce slnko". Všetkých umelcov nazval impresionistami, čo sa dá zhruba preložiť ako „impresionisti“. Spočiatku boli obrazy skutočne kritizované, ale čoskoro do salónu začalo prichádzať stále viac fanúšikov nového smeru v umení a samotný žáner sa zmenil z vyvrheľa na uznávaný.
Stojí za zmienku, že umelci konca 19. storočia vo Francúzsku neprišli s novým štýlom z ničoho nič. Základom boli techniky maliarov minulosti, vrátane umelcov renesancie. Takí maliari ako El Greco, Velazquez, Goya, Rubens, Turner a ďalší, dlho pred objavením sa impresionizmu, sa snažili sprostredkovať náladu obrazu, živosť prírody, osobitnú výraznosť počasia pomocou rôznych stredných tónov. , svetlé alebo naopak nudné ťahy, ktoré vyzerali ako abstraktné veci. Vo svojich obrazoch ho používali pomerne striedmo, takže nezvyčajná technika nebola pre diváka evidentná. Impresionisti sa na druhej strane rozhodli vziať tieto zobrazovacie metódy za základ svojich diel.
Ďalším špecifikom diel impresionistov je akási povrchná každodennosť, ktorá však obsahuje neskutočnú hĺbku. Nesnažia sa vyjadrovať žiadne hlboké filozofické témy, mytologické či náboženské úlohy, historické a významné udalosti. Obrazy umelcov tohto smeru sú vo svojej podstate jednoduché a každodenné – krajinky, zátišia, ľudia, ktorí kráčajú po ulici alebo robia svoje obvyklé veci atď. Práve také momenty, kde nie je prílišná tematickosť, odvádza človeka od pozornosti, do popredia sa dostávajú pocity a emócie od toho, čo vidí. Taktiež impresionisti, aspoň na začiatku svojej existencie, nezobrazovali „ťažké“ témy – chudobu, vojny, tragédie, utrpenie a pod. Impresionistické obrazy sú najčastejšie najpozitívnejšie a najradostnejšie diela, kde je veľa svetla, jasné farby, vyhladený šerosvit, hladké kontrasty. Impresionizmus je príjemný dojem, radosť zo života, krása každého okamihu, potešenie, čistota, úprimnosť.
Najznámejšími impresionistami boli takí veľkí umelci ako Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro a mnohí ďalší.
Neviete, kde kúpiť pravú židovskú harfu? Najväčší výber nájdete na stránke khomus.ru. Široká škála etnických hudobných nástrojov v Moskve.
Alfred Sisley - Trávniky na jar
Camille Pissarro - Boulevard Montmartre. Popoludní, slnečné.
Impresionizmus je maliarsky smer, ktorý vznikol vo Francúzsku v 19. – 20. storočí, ktorý je umeleckým pokusom zachytiť akýkoľvek moment života v celej jeho premenlivosti a pohyblivosti. Impresionistické maľby sú ako kvalitatívne vymyté fotografie, ktoré vo fantázii oživujú pokračovanie videného príbehu. V tomto článku sa pozrieme na 10 najznámejších svetových impresionistov. Našťastie, talentovaných umelcov je viac ako desať, dvadsať či dokonca sto, a tak sa zamerajme na tie mená, ktoré určite potrebujete poznať.
Aby sme neurazili umelcov ani ich obdivovateľov, zoznam je uvedený v ruskom abecednom poradí.
1. Alfred Sisley
Tento francúzsky maliar anglického pôvodu je považovaný za najznámejšieho krajinára druhej polovice 19. storočia. V jeho zbierke je viac ako 900 obrazov, z ktorých najznámejšie sú „Country Alley“, „Mráz v Louveciennes“, „Most v Argenteuil“, „Skorý sneh v Louveciennes“, „Trávniky na jar“ a mnohé ďalšie.
2. Van Gogh
Wang Gon, známy celému svetu smutným príbehom o uchu (mimochodom, neodrezal si celé ucho, ale iba lalok), sa Wang Gon stal populárnym až po svojej smrti. A vo svojom živote dokázal predať jediný obraz, 4 mesiace pred smrťou. Hovorí sa, že bol podnikateľom aj kňazom, no často kvôli depresiám končil v psychiatrických liečebniach, takže všetka rebelantstvo jeho existencie vyústilo do legendárnych diel.
3. Camille Pissarro
Pissarro sa narodil na ostrove Svätý Tomáš v rodine buržoáznych Židov a bol jedným z mála impresionistov, ktorých rodičia podporovali v jeho koníčku a čoskoro ho poslali študovať do Paríža. Umelec mal zo všetkého najradšej prírodu a zobrazoval ju vo všetkých farbách a presnejšie, Pissarro mal zvláštny talent na výber jemnosti farieb, kompatibilitu, po ktorej sa na obrazoch akoby objavil vzduch.
4. Claude Monet
Od detstva sa chlapec rozhodol, že sa stane umelcom napriek zákazom rodiny. Claude Monet, ktorý sa sám presťahoval do Paríža, sa ponoril do šedivého každodenného života ťažkého života: dva roky služby v ozbrojených silách v Alžírsku, súdne spory s veriteľmi kvôli chudobe, choroba. Človek má však pocit, že ťažkosti neutláčali, ale skôr inšpirovali umelca k vytvoreniu takých živých obrazov ako „Dojem, Východ slnka“, „Budova parlamentu v Londýne“, „Most do Európy“, „Jeseň v Argenteuil“, „... Na pobreží Trouville a mnoho ďalších.
5. Konštantín Korovin
Je pekné vedieť, že medzi Francúzov, rodičov impresionizmu, možno hrdo zaradiť nášho krajana – Konstantina Korovina. Vášnivá láska k prírode mu pomohla intuitívne dodať statickému obrazu nepredstaviteľnú živosť vďaka kombinácii vhodných farieb, šírky ťahov, výberu témy. Je nemožné prejsť okolo jeho obrazov „Mólo v Gurzufe“, „Ryby, víno a ovocie“, „Jesenná krajina“, „Noc mesačného svitu“. Winter“ a sériu jeho diel venovaných Parížu.
6. Paul Gauguin
Až do veku 26 rokov Paul Gauguin ani nepomyslel na maľovanie. Bol podnikateľ a mal veľkú rodinu. Keď som však prvýkrát uvidel obrazy Camille Pissarra, rozhodol som sa, že určite začnem maľovať. Postupom času sa štýl umelca zmenil, ale najznámejšie impresionistické obrazy sú „Záhrada na snehu“, „Na útese“, „Na pláži v Dieppe“, „Akt“, „Palmy na Martiniku“ a ďalšie.
7. Paul Cezanne
Cezanne sa na rozdiel od väčšiny svojich kolegov preslávil už počas svojho života. Podarilo sa mu zorganizovať vlastnú výstavu a získať z nej nemalé príjmy. Ľudia vedeli o jeho obrazoch veľa - ako nikto iný sa naučil kombinovať hru svetla a tieňa, kládol veľký dôraz na pravidelné a nepravidelné geometrické tvary, závažnosť tém jeho obrazov bola v súlade s romantikou.
8. Pierre Auguste Renoir
Do 20 rokov pracoval Renoir ako dekoratér fanúšikov pre svojho staršieho brata a až potom sa presťahoval do Paríža, kde stretol Moneta, Basila a Sisleyho. Táto známosť mu v budúcnosti pomohla vydať sa na cestu impresionizmu a presláviť sa na nej. Renoir je známy ako autor sentimentálneho portrétu, medzi jeho najvýznamnejšie diela patria „Na terase“, „Prechádzka“, „Portrét herečky Jeanne Samary“, „Lóža“, „Alfred Sisley a jeho manželka“, „ Na hojdačke, „Žaba“ a mnoho ďalších.
9. Edgar Degas
Ak ste ešte nič nepočuli o „Modrých tanečniciach“, „Baletných skúškach“, „Baletnej škole“ a „Absintu“ – poponáhľajte sa dozvedieť sa viac o práci Edgara Degasa. Výber originálnych farieb, jedinečné motívy obrazov, pocit pohybu obrazu - to všetko a ešte oveľa viac urobilo z Degasa jedného z najznámejších umelcov na svete.
10. Edouard Manet
Nepleťte si Maneta s Monetom – ide o dvoch odlišných ľudí, ktorí pracovali v rovnakom čase a rovnakým umeleckým smerom. Maneta vždy priťahovali každodenné výjavy, nezvyčajné zjavy a typy, akoby náhodou „ulovené“ momenty, následne zachytené po stáročia. Medzi slávne obrazy Maneta: "Olympia", "Raňajky v tráve", "Bar v Folies Bergère", "Flutist", "Nana" a ďalšie.
Ak máte čo i len najmenšiu možnosť vidieť obrazy týchto majstrov naživo, impresionizmus si zamilujete navždy!
Alexandra Skripkina,
V poslednej tretine XIX storočia. Francúzske umenie stále zohráva veľkú úlohu v umeleckom živote západoeurópskych krajín. V tejto dobe sa v maľbe objavilo mnoho nových trendov, ktorých predstavitelia hľadali svoje cesty a formy tvorivého prejavu.
Najvýraznejším a najvýznamnejším fenoménom francúzskeho umenia tohto obdobia bol impresionizmus.
Impresionisti sa ohlásili 15. apríla 1874 na parížskej výstave, ktorá sa konala pod holým nebom na Boulevard des Capucines. Svoje obrazy tu vystavovalo 30 mladých umelcov, ktorých práce Salón odmietol. Ústredné miesto v expozícii získal obraz Clauda Moneta „Impression. Svitanie". Táto kompozícia je zaujímavá, pretože po prvýkrát v histórii maľby sa umelec pokúsil sprostredkovať svoj dojem na plátne, a nie na objekt reality.
Výstavu navštívil predstaviteľ edície Sharivari, reportér Louis Leroy. Bol to on, kto prvýkrát nazval Moneta a jeho spolupracovníkov „impresionistami“ (z francúzskeho impresia – dojem), čím vyjadril svoje negatívne hodnotenie ich maľby. Čoskoro tento ironický názov stratil svoj pôvodný negatívny význam a navždy sa zapísal do dejín umenia.
Výstava na Boulevard des Capucines sa stala akýmsi manifestom, ktorý hlásal vznik nového trendu v maľbe. Zúčastnili sa ho O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillaumin, ako aj majstri staršej generácie - E. Boudin, C. Daubigny, I. Jonkind.
Najdôležitejšie pre impresionistov bolo sprostredkovať dojem z toho, čo videli, zachytiť na plátno krátky okamih života. Týmto spôsobom sa impresionisti podobali fotografom. Na zápletke im vlastne nezáležalo. Umelci si námety pre svoje obrazy zobrali z každodenného života okolo nich. Maľovali tiché ulice, večerné kaviarne, vidiecku krajinu, mestské budovy, remeselníkov pri práci. Dôležitú úlohu v ich maľbách zohrala hra svetla a tieňa, slnečné lúče preskakujúce predmety a dodávajúce im trochu nezvyčajný a prekvapivo živý vzhľad. Aby impresionistickí umelci videli predmety v prirodzenom svetle, sprostredkovali zmeny, ktoré sa vyskytujú v prírode v rôznych denných dobách, opustili svoje dielne a odišli do plenéru (plenér).
Impresionisti používali novú maliarsku techniku: farby nemiešali na stojane, ale okamžite ich nanášali na plátno samostatnými ťahmi. Táto technika umožnila sprostredkovať pocit dynamiky, mierne kolísanie vzduchu, pohyb listov na stromoch a vodu v rieke.
Obrazy predstaviteľov tohto smeru zvyčajne nemali jasné zloženie. Umelec preniesol na plátno moment vytrhnutý zo života, takže jeho dielo pripomínalo fotorámik zhotovený náhodou. Impresionisti sa nedržali jasných hraníc žánru, napríklad portrét často vyzeral ako domáca scéna.
Od roku 1874 do roku 1886 impresionisti zorganizovali 8 výstav, po ktorých sa skupina rozpadla. Čo sa týka verejnosti, tá, ako väčšina kritikov, vnímala nové umenie nepriateľsky (napríklad obraz C. Moneta sa nazýval „mazanica“), takže mnohí umelci reprezentujúci tento trend žili v extrémnej chudobe, niekedy bez prostriedkov na dokončenie toho, čo začali obrázok. A to až do konca XIX - začiatku XX storočia. situácia sa radikálne zmenila.
Impresionisti vo svojej tvorbe využívali skúsenosti svojich predchodcov: romantických umelcov (E. Delacroix, T. Gericault), realistov (C. Corot, G. Courbet). Veľký vplyv na ne mali krajiny J. Constabla.
E. Manet zohral významnú úlohu pri vzniku nového trendu.
Edouard Manet
Edouard Manet, narodený v roku 1832 v Paríži, je jednou z najvýznamnejších postáv v dejinách svetového maliarstva, ktorá položila základ impresionizmu.
Formovanie jeho umeleckého svetonázoru bolo do značnej miery ovplyvnené porážkou francúzskej buržoáznej revolúcie v roku 1848. Táto udalosť tak nadchla mladého Parížana, že sa rozhodol pre zúfalý krok a utiekol z domu a stal sa námorníkom na námornej plachetnici. V budúcnosti však veľa necestoval a všetku svoju duševnú a fyzickú silu venoval práci.
Manetovi rodičia, kultivovaní a bohatí ľudia, snívali o administratívnej kariére pre svojho syna, ale ich nádeje sa nenaplnili. Maliarstvo - to je to, čo mladého muža zaujalo, av roku 1850 vstúpil na Školu výtvarných umení v dielni Couture, kde získal dobré odborné vzdelanie. Práve tu pociťoval začínajúci umelec odpor k akademickým a salónnym známkam v umení, ktoré nedokážu v plnej miere odzrkadľovať to, čo s jeho individuálnym štýlom písania podlieha len skutočnému majstrovi.
Preto po nejakom čase štúdia v dielni Couture a získaní skúseností ju Manet v roku 1856 opúšťa a obracia sa na plátna svojich veľkých predchodcov vystavených v Louvri, pričom ich kopíruje a starostlivo študuje. Na jeho tvorivé názory mali veľký vplyv diela takých majstrov ako Tizian, D. Velazquez, F. Goya a E. Delacroix; mladý umelec sa pred posledným poklonil. V roku 1857 Manet navštívil veľkého maestra a požiadal o povolenie vyrobiť niekoľko kópií jeho „Danteho barque“, ktoré sa dodnes zachovali v Metropolitnom múzeu umenia v Lyone.
druhej polovici 60. rokov 19. storočia. umelec sa venoval štúdiu múzeí v Španielsku, Anglicku, Taliansku a Holandsku, kde kopíroval obrazy Rembrandta, Tiziana a i.. V roku 1861 jeho diela „Portrét rodičov“ a „Gitarista“ získali uznanie kritiky a boli ocenené „Čestné uznanie“.
Štúdium tvorby starých majstrov (hlavne Benátčanov, Španielov 17. stor. a neskôr F. Goyu) a jej prehodnocovanie vedie k tomu, že do 60. rokov 19. storočia. v Manetovom umení je rozpor, ktorý sa prejavuje vložením muzeálnej tlače do niektorých jeho raných obrazov, medzi ktoré patria: Španielsky spevák (1860), čiastočne Chlapec so psom (1860), Starý hudobník (1862).
Pokiaľ ide o hrdinov, umelec, podobne ako realisti z polovice 19. storočia, ich nachádza v kypiacom parížskom dave, medzi tými, ktorí sa prechádzajú v Tuilerijskej záhrade a pravidelnými návštevníkmi kaviarní. V podstate ide o svetlý a pestrý svet bohémy - básnikov, hercov, umelcov, modelov, účastníkov španielskeho býčieho zápasu: „Hudba v Tuileries“ (1860), „Pouličný spevák“ (1862), „Lola z Valencie“ ( 1862), „Raňajky v tráve“ (1863), „Fluchtárka“ (1866), „Portrét E. Zsla“ (1868).
Medzi ranými plátnami má osobitné miesto „Portrét rodičov“ (1861), ktorý je veľmi presným realistickým náčrtom vzhľadu a charakteru staršieho páru. Estetický význam obrazu nespočíva len v detailnom prieniku do duchovného sveta postáv, ale aj v tom, ako presne je podaná kombinácia pozorovania a bohatosti obrazového vývoja, naznačujúce znalosť umeleckých tradícií E. Delacroixa.
Ďalším plátnom, ktoré je maliarovým programovým dielom a treba povedať, že je pre jeho ranú tvorbu veľmi typické, sú „Raňajky v tráve“ (1863). Na tomto obrázku Manet vzal určitú kompozíciu sprisahania, úplne bez akéhokoľvek významu.
Snímku možno považovať za obraz raňajok dvoch umelcov v lone prírody, obklopených ženskými modelkami (v skutočnosti pre film pózovali umelcov brat Eugene Manet, F. Lenkof a jedna modelka Quiz Meran). obraz, ktorého služby Manet využíval pomerne často). Jeden z nich vstúpil do potoka a druhý, nahý, sedí v spoločnosti dvoch mužov oblečených v umeleckom štýle. Ako viete, motív porovnávania oblečeného mužského a nahého ženského tela je tradičný a siaha až do Giorgioneho obrazu „Country Concert“, ktorý sa nachádza v Louvri.
Kompozičné usporiadanie postáv čiastočne reprodukuje slávnu renesančnú rytinu Marcantonia Raimondiho z obrazu Raphaela. Toto plátno akoby polemicky presadzuje dve vzájomne súvisiace polohy. Jedným je potreba prekonať klišé salónneho umenia, ktoré stratilo skutočné spojenie s veľkou umeleckou tradíciou, a obrátiť sa priamo k realizmu renesancie a 17. storočia, teda k skutočným počiatkom realistického umenia r. nový čas. Ďalšie ustanovenie potvrdzuje právo a povinnosť umelca stvárňovať postavy okolo seba z každodenného života. V tom čase táto kombinácia niesla istý rozpor. Väčšina verila, že novú etapu vo vývoji realizmu nemožno dosiahnuť naplnením starých kompozičných schém novými typmi a postavami. Ale Edouard Manet dokázal prekonať dualitu princípov maľby v ranom období tvorivosti.
Napriek tradičnej povahe sprisahania a kompozície, ako aj prítomnosti obrazov salónnych majstrov zobrazujúcich nahé mýtické krásy v úprimných zvodných pózach, Manetova maľba spôsobila medzi modernými buržoázmi veľký škandál. Divákov šokovalo spojenie nahého ženského tela s prozaicky každodenným, moderným mužským odevom.
Čo sa týka obrazových noriem, Luncheon on the Grass bol napísaný kompromisne, charakteristickým pre 60. roky 19. storočia. spôsobom, vyznačujúce sa sklonom k tmavým farbám, čiernym tieňom, ako aj nie vždy konzistentným apelom na plenérové osvetlenie a otvorenú farebnosť. Ak sa obrátime na predbežný náčrt vytvorený akvarelom, potom na ňom (viac ako na samotnom obrázku) je zrejmé, aký veľký je záujem majstra o nové obrazové problémy.
Obraz „Olympia“ (1863), na ktorom je uvedený obrys ležiacej nahej ženy, akoby odkazuje na všeobecne uznávané kompozičné tradície – podobný obraz nájdeme u Giorgiona, Tiziana, Rembrandta a D. Velasqueza. Manet sa však vo svojej tvorbe uberá inou cestou, nasleduje F. Goyu („Nahá Maha“) a odmieta mytologickú motiváciu zápletky, interpretáciu obrazu zavedenú Benátčanmi a čiastočne zachovanú D. Velasquezom („Venuša“ so zrkadlom“).
„Olympia“ vôbec nie je poeticky premysleným obrazom ženskej krásy, ale expresívnym, majstrovsky prevedeným portrétom, ktorý presne a možno aj trochu chladne sprostredkúva podobnosť s Kvízom Meranom, Manetovým stálym vzorom. Maliarka spoľahlivo ukazuje prirodzenú bledosť tela modernej ženy, ktorá sa bojí slnečných lúčov. Kým starí majstri zdôrazňovali poetickú krásu nahého tela, muzikálnosť a harmóniu jeho rytmov, Manet sa sústreďuje na sprostredkúvanie motívov životnej špecifickosti, pričom sa úplne odkláňa od poetickej idealizácie vlastnej jeho predchodcom. Tak napríklad gesto Georgovej Venuše ľavou rukou v Olympii nadobúda vo svojej ľahostajnosti takmer vulgárny nádych. Mimoriadne príznačný je ľahostajný, no zároveň pozorne fixujúci pohľad diváka na modelku, protikladný k sebapohlcovaniu Venuše Giorgione a citlivej zasnenosti Tizianovej Venuše z Urbina.
Na tomto obraze sú náznaky prechodu do ďalšej etapy vo vývoji maliarskeho tvorivého spôsobu. Dochádza k premysleniu zaužívanej kompozičnej schémy, ktorá spočíva v prozaickom pozorovaní a obrazovom a výtvarnom videní sveta. Spojenie okamžite zachytených ostrých kontrastov prispieva k deštrukcii vyváženej kompozičnej harmónie starých majstrov. Naráža tak statika pózujúcej modelky a dynamika na záberoch černošky a čiernej mačky ohýbajúcej chrbát. Zmeny sa dotýkajú aj techniky maľby, ktorá dáva nové chápanie figuratívnych úloh výtvarného jazyka. Edouard Manet, podobne ako mnohí iní impresionisti, najmä Claude Monet a Camille Pissarro, opúšťa zastaraný systém maľby, ktorý sa vyvinul v 17. storočí. (podmaľba, písanie, lazúrovanie). Odvtedy sa plátna začali maľovať technikou zvanou „a la prima“, ktorá sa vyznačovala väčšou bezprostrednosťou, emotívnosťou, blízkou etudám a skicám.
Obdobie prechodu od ranej k zrelej kreativite, ktoré Manetovi zaberá takmer celú druhú polovicu 60. rokov 19. storočia, predstavujú také maľby ako Flautista (1866), Balkón (okolo 1868-1869) a iné.
Na prvom plátne je na neutrálnom olivovo-sivom pozadí zobrazený chlapec-hudobník, ktorý dvíha k perám flautu. Expresivita sotva postrehnuteľného pohybu, rytmická ozvena dúhových zlatých gombíkov na modrej uniforme s ľahkým a rýchlym posúvaním prstov po flautových otvoroch hovoria o vrodenom umení a jemných pozorovacích schopnostiach majstra. Napriek tomu, že štýl maľby je tu dosť hustý, farebnosť je vážna a umelec sa ešte neobrátil na plenér, toto plátno vo väčšej miere ako všetky ostatné anticipuje zrelé obdobie Manetovej tvorby. Čo sa týka balkóna, má bližšie k Olympii ako k dielam zo 70. rokov 19. storočia.
V rokoch 1870-1880. Manet sa stáva popredným maliarom svojej doby. A hoci ho impresionisti považovali za svojho ideového vodcu a inšpirátora a on sám s nimi vždy súhlasil v interpretácii zásadných názorov na umenie, jeho tvorba je oveľa širšia a nezapadá do rámca žiadneho jedného smeru. Takzvaný impresionizmus Maneta je v skutočnosti bližšie k umeniu japonských majstrov. Zjednodušuje motívy, vyvažuje dekoratívne a skutočné, vytvára všeobecnú predstavu o tom, čo videl: čistý dojem, bez rušivých detailov, vyjadrenie radosti z pocitu („Na pobreží“, 1873).
Okrem toho sa ako dominantný žáner snaží zachovať kompozične ucelený obraz, kde hlavné miesto má obraz človeka. Manetovo umenie je posledným štádiom vývoja stáročnej tradície realistickej naratívnej maľby, ktorá vznikla v renesancii.
V neskorších dielach Maneta je tendencia ustupovať od detailnej interpretácie detailov prostredia obklopujúceho portrétovaného hrdinu. V portréte Mallarmeho plnej nervóznej dynamiky sa tak umelec sústreďuje na gesto básnika, akoby náhodou nakukol, ktorý zasneným spôsobom položil na stôl ruku s dymiacou cigarou. Pri všetkej útržkovitosti je to hlavné v charaktere a mentálnom sklade Mallarmeho zachytené prekvapivo presne, s veľkou presvedčivosťou. Hĺbková charakteristika vnútorného sveta jednotlivca, charakteristická pre portréty J. L. Davida a J. O. D. Ingresa, je tu nahradená ostrejšou a priamejšou charakteristikou. Taký je jemne poetický portrét Berthe Morisot s vejárom (1872) a ladný pastelový obraz Georgea Moora (1879).
V maliarovej tvorbe sú diela súvisiace s historickou tematikou a významnými udalosťami verejného života. Treba však poznamenať, že tieto plátna sú menej úspešné, pretože problémy tohto druhu boli cudzie jeho umeleckému talentu, okruhu predstáv a predstáv o živote.
Napríklad odvolanie sa na udalosti občianskej vojny medzi Severom a Juhom v Spojených štátoch malo za následok obraz potopenia korzárskej lode južanov severanmi („Bitka o Kirsezh“ s „ Alabama“, 1864) a epizódu možno viac pripísať krajine, kde vojenské lode pôsobia ako personál. Poprava Maximiliána (1867) má v podstate charakter žánrového náčrtu, bez záujmu nielen o konflikt bojujúcich Mexičanov, ale aj o samotnú drámu udalosti.
Témy moderných dejín sa Manet dotkol v dňoch Parížskej komúny (Poprava komunardov, 1871). Sympatický postoj ku komunardom robí česť autorovi obrazu, ktorý sa o podobné udalosti nikdy predtým nezaujímal. Jeho umelecká hodnota je však nižšia ako u iných plátien, pretože v skutočnosti sa tu opakuje kompozičná schéma „Popravy Maximiliána“ a autor sa obmedzuje len na skicu, ktorá vôbec neodráža zmysel krutej kolízie. dvoch protichodných svetov.
V ďalšom období sa Manet už neobracal k historickému žánru, ktorý mu bol cudzí, umelecký a expresívny začiatok radšej odkrýval v epizódach, nachádzal ich v toku každodenného života. Zároveň starostlivo vyberal najmä charakteristické momenty, hľadal čo najvýraznejšie hľadisko a tie potom s veľkou zručnosťou reprodukoval vo svojich obrazoch.
Čaro väčšiny výtvorov tohto obdobia nie je dané ani tak významom zobrazovanej udalosti, ako skôr dynamikou a vtipným postrehom autora.
Pozoruhodným príkladom skupinovej kompozície pod holým nebom je obraz „Na člne“ (1874), kde sa spája obrys kormy plachetnice, zdržanlivá energia pohybov kormidelníka, zasnená pôvab sediacej dámy. , priehľadnosť vzduchu, pocit sviežosti vánku a kĺzavý pohyb člna vytvára neopísateľný obraz, plný ľahkej radosti a sviežosti.
Osobitné miesto v diele Maneta zaberajú zátišia, charakteristické pre rôzne obdobia jeho tvorby. Rané zátišie "Pivoňky" (1864-1865) teda zobrazuje kvitnúce červené a bielo-ružové púčiky, ako aj kvety, ktoré už rozkvitli a začínajú blednúť, pričom okvetné lístky padajú na obrus pokrývajúci stôl. Neskoršie diela sú pozoruhodné svojou ľahkou útržkovosťou. Maliar sa v nich snaží sprostredkovať žiaru kvetov, zahalených do atmosféry presiaknutej svetlom. Taký je obraz „Ruže v krištáľovom skle“ (1882-1883).
Na konci svojho života bol Manet zjavne nespokojný s tým, čo dosiahol, a pokúsil sa vrátiť k písaniu veľkých dokončených dejových kompozícií na inej úrovni zručností. V tomto čase začína pracovať na jednom z najvýznamnejších plátien – „The Bar at the Folies Bergère“ (1881 – 1882), v ktorom sa priblížil na novú úroveň, novú etapu vo vývoji svojho umenia, prerušenú r. smrť (ako je známe, Manet bol počas práce vážne chorý). V strede kompozície je postava mladej predavačky, otočená dopredu k divákovi. Mierne unavená atraktívna blondínka, oblečená v tmavých šatách s hlbokým leskom, stojí na pozadí obrovského zrkadla, ktoré zaberá celú stenu, v ktorej sa odráža žiara mihotavého svetla a nejasné, rozmazané obrysy publika sediacich pri stoly kaviarne. Žena je otočená tvárou k sále, v ktorej sa akoby nachádza aj samotný divák. Táto zvláštna technika dáva tradičnému obrazu na prvý pohľad určitú nestálosť, čo naznačuje porovnanie skutočného a odrazeného sveta. Zároveň sa ukazuje, že stredová os obrazu je posunutá do pravého rohu, v ktorom je podľa typického pre 70. roky 19. storočia. recepcia, rám obrazu mierne blokuje postavu muža v cylindri, ktorý sa odráža v zrkadle a rozpráva sa s mladou predavačkou.
Klasický princíp symetrie a stability sa teda v tomto diele spája s dynamickým posunom do strany, ako aj s fragmentáciou, kedy je z jedného prúdu života vytrhnutý určitý moment (fragment).
Bolo by nesprávne myslieť si, že zápletka Baru vo Folies Bergère je zbavená podstatného obsahu a je akousi monumentalizáciou bezvýznamného. Postava mladej, no už vnútorne unavenej a ľahostajnej k okolitej maškaráde ženy, jej blúdiaci pohľad obrátený nikam, odcudzenie od iluzórneho lesku života za ňou vnášajú do diela výrazný sémantický odtieň, zarážajúci diváka jeho neočakávanosť.
Divák obdivuje jedinečnú sviežosť dvoch ruží stojacich na bare v krištáľovom pohári s trblietavými okrajmi; a chtiac-nechtiac nasleduje porovnanie týchto luxusných kvetov s ružou napoly zvädnutou v tesnej blízkosti sály, pripnutou na výstrihu šiat predavačky. Pri pohľade na obrázok môžete vidieť jedinečný kontrast medzi sviežosťou jej pootvorenej hrude a ľahostajným pohľadom blúdiacim davom. Toto dielo sa považuje za program v umelcovej tvorbe, pretože obsahuje prvky všetkých jeho obľúbených tém a žánrov: portrét, zátišie, rôzne svetelné efekty, pohyb davu.
Vo všeobecnosti odkaz, ktorý Manet zanechal, predstavujú dva aspekty, ktoré sú obzvlášť výrazné v jeho poslednom diele. Po prvé, svojou tvorbou završuje a vyčerpáva vývoj klasických realistických tradícií francúzskeho umenia 19. storočia, a po druhé, kladie do umenia prvé zárodky tých trendov, ktoré budú zachytávať a rozvíjať hľadači nového realizmu. v 20. storočí.
Plné a oficiálne uznanie sa maliarovi dostalo v posledných rokoch svojho života, konkrétne v roku 1882, keď mu bol udelený Rád čestnej légie (hlavné ocenenie Francúzska). Manet zomrel v roku 1883 v Paríži.
Claude Monet
Claude Monet, francúzsky umelec, jeden zo zakladateľov impresionizmu, sa narodil v roku 1840 v Paríži.
Ako syn skromného obchodníka s potravinami, ktorý sa presťahoval z Paríža do Rouenu, mladý Monet na začiatku svojej kariéry kreslil vtipné karikatúry, potom študoval u rouenského krajinára Eugena Boudina, jedného z tvorcov plenérovej realistickej krajiny. Boudin budúceho maliara nielen presvedčil o potrebe práce v plenéri, ale dokázal mu vštepiť aj lásku k prírode, pozorné pozorovanie a pravdivé odovzdávanie videného.
V roku 1859 odchádza Monet do Paríža s cieľom stať sa skutočným umelcom. Jeho rodičia snívali o tom, že vstúpi na Školu výtvarných umení, ale mladý muž ich nádeje neospravedlňuje a bezhlavo sa vrhá do bohémskeho života, získava množstvo známych v umeleckom prostredí. Úplne zbavený materiálnej podpory svojich rodičov, a teda bez živobytia, bol Monet nútený vstúpiť do armády. Aj po návrate z Alžírska, kde musel vykonať náročnú službu, však naďalej vedie rovnaký spôsob života. O niečo neskôr sa zoznámil s I. Ionkindom, ktorý ho zaujal prácou na prírodných vedách. A potom navštívi ateliér Suisse, nejaký čas študuje v ateliéri vtedy známeho maliara akademického smeru - M. Gleyra a zblíži sa aj so skupinou mladých umelcov (J.F. Basil, C. Pissarro, E. Degas, P. Cezanne, O Renoir, A. Sisley a ďalší), ktorí podobne ako sám Monet hľadali nové cesty rozvoja v umení.
Najväčší vplyv na začínajúceho maliara nemala škola M. Gleyra, ale priateľstvo s rovnako zmýšľajúcimi ľuďmi, horlivými kritikmi salónneho akademizmu. Práve vďaka tomuto priateľstvu, vzájomnej podpore, možnosti vymieňať si skúsenosti a zdieľať úspechy sa zrodil nový obrazový systém, ktorý neskôr dostal názov „impresionizmus“.
Základom reformy bolo, že práca prebiehala v prírode, pod holým nebom. Umelci zároveň maľovali pod holým nebom nielen skice, ale celý obraz. Priamo v kontakte s prírodou sa čoraz viac presviedčali, že farba predmetov sa neustále mení v závislosti od zmeny osvetlenia, stavu atmosféry, od blízkosti iných predmetov, ktoré vrhajú farebné odlesky a mnohých ďalších faktorov. Práve tieto zmeny sa snažili sprostredkovať svojimi dielami.
V roku 1865 sa Monet rozhodol namaľovať veľké plátno „v duchu Maneta, ale pod holým nebom“. Bol to Obed v tráve (1866), jeho prvé najvýznamnejšie dielo, zobrazujúce elegantne oblečených Parížanov vychádzajúcich z mesta a sediacich v tieni stromu okolo obrusu rozprestretého na zemi. Dielo sa vyznačuje tradičným charakterom jeho uzavretej a vyváženej kompozície. Pozornosť umelca však nie je upriamená ani tak na príležitosť ukázať ľudské charaktery alebo vytvoriť expresívnu dejovú kompozíciu, ale zasadiť ľudské postavy do okolitej krajiny a sprostredkovať atmosféru pohody a uvoľnenia, ktorá medzi nimi prevláda. Na vytvorenie tohto efektu venuje umelec veľkú pozornosť prenosu slnečného žiarenia prenikajúceho cez lístie, hraniu na obrus a šaty mladej dámy sediacej v strede. Monet presne zachytáva a sprostredkúva hru farebných odleskov na obrusoch a priesvitnosť ľahkých dámskych šiat. Týmito objavmi sa začína lámanie starého systému maľby, ktorý zdôrazňuje tmavé tiene a hutný materiálny spôsob prevedenia.
Od tej doby sa Monetov prístup k svetu zmenil na krajinu. Ľudský charakter, vzťah ľudí ho nezaujímajú. Udalosti 1870-1871 prinútil Moneta emigrovať do Londýna, odkiaľ cestuje do Holandska. Po návrate maľuje niekoľko obrazov, ktoré sa stali programovými v jeho tvorbe. Medzi ne patrí „Dojem. Východ slnka“ (1872), „Šeřík na slnku“ (1873), „Boulevard des Capucines“ (1873), „Makové pole v Argenteuil“ (1873) atď.
V roku 1874 boli niektoré z nich vystavené na slávnej výstave organizovanej „Anonymným spolkom maliarov, umelcov a rytcov“, pod vedením samotného Moneta. Po výstave sa Monet a skupina jeho rovnako zmýšľajúcich ľudí začali nazývať impresionisti (z francúzskeho impresia - dojem). V tom čase sa Monetove umelecké princípy, charakteristické pre prvú etapu jeho tvorby, konečne sformovali do určitého systému.
Vo voľnej prírode Orgován na slnku (1873), ktorá zobrazuje dve ženy sediace v tieni veľkých kríkov kvitnúcich orgovánov, sú ich postavy spracované rovnakým spôsobom a s rovnakou intenzitou ako samotné kríky a tráva, na ktorej sedia. Postavy ľudí sú len časťou celkovej krajiny, zatiaľ čo pocit jemného tepla skorého leta, sviežosť mladého lístia, opar slnečného dňa sú prenášané s mimoriadnou živosťou a priamou presvedčivosťou, ktorá nie je charakteristická pre tú dobu.
Ďalší obrázok - "Boulevard des Capucines" - odráža všetky hlavné rozpory, výhody a nevýhody impresionistickej metódy. Veľmi presne je tu podaný moment vytrhnutý z prúdu života veľkomesta: pocit hluchého monotónneho hluku dopravy, vlhká priehľadnosť vzduchu, lúče februárového slnka kĺzajúce po holých konároch stromov, film sivastých mrakov zahaľujúcich modrú oblohu... Obraz je prchavý, no napriek tomu menej ostražitý a všímajúci si pohľad umelca a umelec je citlivý, reagujúci na všetky javy života. Skutočnosť, že pohľad je skutočne náhodný, zdôrazňuje premyslená kompozícia
recepcia: rám obrazu napravo akoby odrezáva postavy mužov stojacich na balkóne.
Plátna z tohto obdobia dávajú divákovi pocítiť, že on sám je hlavným hrdinom tejto oslavy života, naplnenej slnečným žiarením a neustálym ruchom elegantného davu.
Po usadení sa v Argenteuil Monet s veľkým záujmom píše o Seine, mostoch, ľahkých plachetniciach kĺzajúcich po vodnej hladine ...
Krajina ho uchváti natoľko, že podľahne neodolateľnej príťažlivosti, postaví si malý čln, dostane sa na ňom do rodného Rouenu a tam, užasnutý obrazom, ktorý vidí, vyžaruje svoje pocity v náčrtoch, ktoré zobrazujú okolie. mesta a veľkých morských vôd vstupujúcich do ústia rieky. lode („Argenteuil“, 1872; „Plachetnica v Argenteuil“, 1873-1874).
Rok 1877 je poznačený vytvorením série obrazov zobrazujúcich železničnú stanicu Saint-Lazare. Načrtli novú etapu v práci Moneta.
Odvtedy náčrty, ktoré sa vyznačujú úplnosťou, ustúpili dielam, v ktorých je hlavnou vecou analytický prístup k zobrazenému („Gare Saint-Lazare“, 1877). Zmena maliarskeho štýlu je spojená so zmenami v osobnom živote umelca: jeho manželka Camilla vážne ochorie, na rodinu dopadá chudoba spôsobená narodením druhého dieťaťa.
Po smrti manželky prevzala starostlivosť o deti Alice Goshede, ktorej rodina si prenajala rovnaký dom vo Vetheuil ako Monet. Táto žena sa neskôr stala jeho druhou manželkou. Po nejakom čase sa Monetova finančná situácia natoľko zlepšila, že si mohol kúpiť vlastný dom v Giverny, kde zvyšok času pracoval.
Maliar jemne cíti nové trendy, čo mu umožňuje veľa predvídať s úžasným nadhľadom.
z toho, čo dosiahnu umelci konca XIX - začiatku XX storočia. Mení postoj k farbám a zápletkám
maľby. Teraz sa jeho pozornosť sústreďuje na expresívnosť farebnej schémy ťahu štetca izolovane od jeho predmetovej korelácie, čím sa zvyšuje dekoratívny efekt. V konečnom dôsledku tvorí tabuľové maľby. Jednoduché pozemky 1860-1870 ustúpiť zložitým, nasýteným rôznymi asociatívnymi motívmi: epické obrazy skál, elegické rady topoľov („Rocks in Belle-Ile“, 1866; „Topoly“, 1891).
Toto obdobie je poznačené množstvom sériových diel: kompozície „Hacks“ („Kompka sena v snehu. Pochmúrny deň“, 1891; „Hacks. Koniec dňa. Jeseň“, 1891), obrazy katedrály v Rouene („Katedrála v Rouene“ na poludnie“, 1894 atď.), Pohľady na Londýn („Hmla v Londýne“, 1903 atď.). Majster, ktorý stále pracuje impresionistickým spôsobom a využíva rozmanitú tonalitu svojej palety, sa snaží s najväčšou presnosťou a spoľahlivosťou sprostredkovať, ako sa osvetlenie tých istých objektov môže počas dňa meniť za rôzneho počasia.
Ak sa pozriete bližšie na sériu obrazov o rouenskej katedrále, je jasné, že tunajší katedrála nie je stelesnením zložitého sveta myšlienok, pocitov a ideálov ľudí stredovekého Francúzska a dokonca ani pamätníkom umenia. a architektúra, ale akési pozadie, z ktorého autor sprostredkúva stav života svetlo a atmosféru. Divák cíti sviežosť ranného vánku, poludňajšie horúčavy, jemné tiene blížiaceho sa večera, ktoré sú skutočnými hrdinami tejto série.
Okrem toho sú však takéto maľby nezvyčajnými dekoratívnymi kompozíciami, ktoré vďaka mimovoľne vznikajúcim asociačným spojeniam v divákovi vyvolávajú dojem dynamiky času a priestoru.
Po presťahovaní sa so svojou rodinou do Giverny trávil Monet veľa času v záhrade a organizoval maľovanie. Toto povolanie ovplyvnilo názory umelca natoľko, že namiesto obyčajného sveta obývaného ľuďmi začal na svojich plátnach zobrazovať tajomný dekoratívny svet vody a rastlín („Irises at Giverny“, 1923; „Weeping Willows“, 1923 ). Odtiaľ pochádzajú pohľady na jazierka, v ktorých plávali lekná, zobrazené v najznámejšej sérii jeho neskorších panelov („Biele lekná. Harmónia modrej“, 1918-1921).
Giverny sa stal posledným útočiskom umelca, kde v roku 1926 zomrel.
Treba poznamenať, že spôsob písania impresionistov bol veľmi odlišný od spôsobu písania akademikov. Impresionisti, najmä Monet a jeho podobne zmýšľajúci ľudia, sa zaujímali o expresívnosť farebnej schémy ťahu štetca izolovane od jeho predmetovej korelácie. To znamená, že písali samostatnými ťahmi, používali len čisté farby, ktoré neboli namiešané na palete, pričom požadovaný tón sa už vytvoril vo vnímaní diváka. Takže na lístie stromov a trávy, spolu so zelenou, bola použitá modrá a žltá, čo dáva správny odtieň zelenej na diaľku. Táto metóda dala dielam impresionistických majstrov zvláštnu čistotu a sviežosť, ktorá je im vlastná. Samostatne položené ťahy vytvárali dojem reliéfnej a akoby vibrujúcej plochy.
Pierre Auguste Renoir
Pierre Auguste Renoir, francúzsky maliar, grafik a sochár, jeden z vodcov skupiny impresionistov, sa narodil 25. februára 1841 v Limoges v chudobnej rodine provinčného krajčíra, ktorý sa v roku 1845 presťahoval do Paríža. Talent mladého Renoira si všimli jeho rodičia pomerne skoro a v roku 1854 ho pridelili do dielne na maľovanie porcelánu. Počas návštevy dielne Renoir súčasne študoval na škole kreslenia a úžitkového umenia av roku 1862, keď ušetril peniaze (zarábal peniaze maľovaním erbov, záclon a ventilátorov), vstúpil mladý umelec na Školu výtvarných umení. O niečo neskôr začal navštevovať dielňu C. Gleyra, kde sa spriatelil s A. Sisleym, F. Basilom a C. Monetom. Často navštevoval Louvre, študoval diela takých majstrov ako A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard.
Komunikácia so skupinou impresionistov vedie Renoira k rozvoju vlastného štýlu videnia. Tak sa napríklad na rozdiel od nich v celej svojej tvorbe obracal k obrazu človeka ako k hlavnému motívu svojich obrazov. Navyše jeho tvorba, hoci to bola plenér, sa nikdy nerozpustila
plastická váha hmotného sveta v trblietavom médiu svetla.
Použitie šerosvitu, ktoré dáva obrazu takmer sochársku formu, spôsobuje, že jeho rané diela vyzerajú ako diela niektorých realistických umelcov, najmä G. Courbeta. Svetlejšia a svetlejšia farebná schéma, ktorá je vlastná iba Renoirovi, však odlišuje tohto majstra od jeho predchodcov („Taverna matky Antonia“, 1866). Snaha sprostredkovať prirodzenú plasticitu pohybu ľudských postáv v plenéri je badateľná v mnohých dielach umelca. V „Portréte Alfreda Sisleyho s manželkou“ (1868) sa Renoir snaží ukázať pocit, ktorý spája pár kráčajúcich ruka v ruke: Sisley sa na chvíľu zastavil a jemne sa naklonil k svojej žene. Na tomto obrázku s kompozíciou pripomínajúcou fotografický rám je motív pohybu ešte náhodný a prakticky nevedomý. V porovnaní s „Tavern“ však postavy v „Portréte Alfreda Sisleyho s manželkou“ pôsobia uvoľnenejšie a živšie. Ďalší dôležitý bod je významný: manželia sú zobrazovaní v prírode (v záhrade), no Renoir ešte nemá skúsenosti so zobrazovaním ľudských postáv pod holým nebom.
"Portrét Alfreda Sisleyho s manželkou" - prvý krok umelca na ceste k novému umeniu. Ďalšou etapou umelcovej tvorby bol obraz Kúpanie v Seine (okolo 1869), kde postavy ľudí kráčajúcich po brehu, kúpajúcich sa, ale aj člnov a trsov stromov spája svetlovzdušná atmosféra krásny letný deň. Maliar už voľne používa farebné tiene a svetlé odlesky. Jeho náter sa stáva živým a energickým.
Podobne ako C. Monet, aj Renoir má rád problém začlenenia ľudskej postavy do sveta životného prostredia. Umelec rieši tento problém v obraze „Hojdačka“ (1876), ale trochu inak ako C. Monet, v ktorom sa postavy ľudí akoby rozplývali v krajine. Renoir do svojej kompozície uvádza niekoľko kľúčových postáv. Malebný spôsob, akým je toto plátno vyrobené, veľmi prirodzene sprostredkúva atmosféru horúceho letného dňa zjemneného tieňom. Obraz je preniknutý pocitom šťastia a radosti.
V polovici 70. rokov 19. storočia. Renoir maľuje také diela, ako je slnkom zaliata krajina „Cesta na lúkach“ (1875), naplnená ľahkým živým pohybom a nepolapiteľnou hrou jasných odrazov svetla „Moulin de la Galette“ (1876), ako aj „Dáždniky“ ( 1883), "Lodge" (1874) a Koniec raňajok (1879). Tieto nádherné plátna vznikli aj napriek tomu, že umelec musel pracovať v ťažkom prostredí, keďže po škandalóznej výstave impresionistov (1874) bola Renoirova tvorba (ale aj tvorba jeho podobne zmýšľajúcich ľudí) podrobená ostrému útoky zo strany takzvaných znalcov umenia. V tomto ťažkom období však Renoir cítil podporu dvoch blízkych ľudí: brata Edmonda (vydavateľ časopisu La Vie Moderne) a Georgesa Charpentiera (majiteľ týždenníka). Umelcovi pomohli získať malú sumu peňazí a prenajať si dielňu.
Treba poznamenať, že z hľadiska kompozície je krajina „Cesta na lúkach“ veľmi blízka „Poppies“ (1873) od C. Moneta, ale malebná textúra Renoirových plátien je hustejšia a hmotnejšia. Ďalším rozdielom ohľadom kompozičného riešenia je obloha. V Renoirovi, pre ktorého bola dôležitá materiálnosť prírodného sveta, obloha zaberá len malú časť obrazu, zatiaľ čo v Monetovi, ktorý zobrazil oblohu so sivo-striebornými alebo snehovo bielymi mrakmi, týči sa nad svahom posiatym kvitnúcimi makmi a umocňuje pocit slnkom zaliateho letného dňa.
V skladbách „Moulin de la Galette“ (s tým mal umelec skutočný úspech), „Umbrellas“, „Lodge“ a „The End of Breakfast“ je jasne ukázaný (ako v Manetovi a Degasovi) záujem o zdanlivo náhodne nahliadnutá životná situácia; charakteristický je aj apel na spôsob rezania rámca kompozičného priestoru, ktorý je charakteristický aj pre E. Degasa a čiastočne E. Maneta. Na rozdiel od diel posledne menovaných sa však Renoirove obrazy vyznačujú veľkým pokojom a kontempláciou.
Plátno „The Lodge“, v ktorom, akoby ďalekohľadom pri pohľade na rady stoličiek, autor nechtiac natrafí na krabicu, v ktorej sa nachádza kráska s ľahostajným pohľadom. Jej spoločníčka, naopak, hľadí na publikum s veľkým záujmom. Časť jeho postavy je odrezaná rámom obrazu.
Dielo „Koniec raňajok“ predstavuje základnú epizódu: dve dámy oblečené v bielom a čiernom, ako aj ich pán, raňajkujú v tienistom kúte záhrady. Stôl je už prestretý na kávu, ktorá sa podáva v šálkach z jemného bledomodrého porcelánu. Ženy čakajú na pokračovanie príbehu, ktorý muž prerušil, aby si zapálil cigaretu. Tento obraz nie je dramatický ani hlboký psychologizmus, upútava pozornosť diváka jemným prenesením tých najmenších odtieňov nálady.
Podobný pocit pokojnej veselosti preniká aj do „Raňajky veslárov“ (1881), plné svetla a živého pohybu. Z postavy peknej slečny sediacej so psom v náručí srší nadšenie a šarm. Umelec na obrázku zobrazil svoju budúcu manželku. Plátno „Akt“ (1876) je naplnené rovnakou radostnou náladou, len v trochu inom lomu. Sviežosť a teplo tela mladej ženy kontrastuje s modro-studenou látkou obliečok a ľanu, ktoré tvoria akési pozadie.
Charakteristickým rysom Renoirovej tvorby je, že človek je zbavený svojej komplexnej psychologickej a morálnej plnosti, ktorá je charakteristická pre maľbu takmer všetkých realistických umelcov. Táto vlastnosť je vlastná nielen dielam ako „Akt“ (kde povaha dejového motívu umožňuje absenciu takýchto vlastností), ale aj Renoirovým portrétom. To však jeho plátnu neuberá na šarme, ktorý spočíva vo veselosti postáv.
V najväčšej miere sú tieto vlastnosti cítiť v slávnom portréte Renoira „Dievča s vejárom“ (okolo 1881). Plátno je spojnicou, ktorá spája ranú tvorbu Renoira s neskoršou, ktorá sa vyznačuje chladnejšou a rafinovanejšou farebnou schémou. V tomto období má umelec vo väčšej miere ako predtým záujem o jasné línie, o jasnú kresbu, ako aj o lokalitu farby. Umelec pripisuje veľkú úlohu rytmickým opakovaniam (polkruh vejára - polkruhové operadlo červenej stoličky - šikmé dievčenské ramená).
Všetky tieto smery v Renoirovej maľbe sa však najplnšie prejavili v druhej polovici 80. rokov 19. storočia, keď v jeho tvorbe a impresionizme vôbec nastúpilo sklamanie. Po zničení niektorých svojich diel, ktoré umelec považoval za „vyschnuté“, začína študovať dielo N. Poussina, prechádza na kresbu J. O. D. Ingresa. Výsledkom je, že jeho paleta získava špeciálnu svietivosť. Takzvaný. "Perlové obdobie", známe z takých diel ako "Dievčatá pri klavíri" (1892), "Spiaci kúpeľ" (1897), ako aj portréty synov - Pierre, Jean a Claude - "Gabriel a Jean" ( 1895), "Coco" (1901).
Okrem toho v rokoch 1884 až 1887 Renoir pracuje na sérii variantov veľkého obrazu „Bathers“. V nich sa mu darí dosiahnuť jasnú kompozičnú úplnosť. Všetky pokusy o oživenie a prehodnotenie tradícií veľkých predchodcov, pri odbočení k zápletke ďaleko od veľkých problémov našej doby, však skončili neúspechom. „Bathers“ iba odcudzili umelca jeho skoršiemu priamemu a čerstvému vnímaniu života. To všetko do značnej miery vysvetľuje skutočnosť, že od 90. rokov 19. storočia. Renoirova tvorba slabne: vo farebnosti jeho diel začínajú prevládať oranžovo-červené tóny a pozadie, zbavené vzdušnej hĺbky, sa stáva dekoratívnym a plochým.
Od roku 1903 sa Renoir usadil vo vlastnom dome v Cagnes-sur-Mer, kde pokračoval v tvorbe krajiny, kompozícií s ľudskými postavami a zátišiami, v ktorých prevládajú už vyššie spomínané červenkasté tóny. Umelec, ktorý je vážne chorý, už nemôže sám držať štetce a má ich priviazané na rukách. Po určitom čase sa však maľovanie musí úplne opustiť. Potom sa majster obráti na sochárstvo. Spolu s Guinovým asistentom vytvára niekoľko úžasných sôch, ktoré sa vyznačujú krásou a harmóniou siluet, radosťou a život potvrdzujúcou silou (Venuša, 1913; Veľká práčovňa, 1917; Materstvo, 1916). Renoir zomrel v roku 1919 na svojom panstve v Alpes-Maritimes.
Edgar Degas
Edgar Hilaire Germain Degas, francúzsky maliar, grafik a sochár, najväčší predstaviteľ impresionizmu, sa narodil v roku 1834 v Paríži v rodine bohatého bankára. Keďže sa mal dobre, získal vynikajúce vzdelanie na prestížnom lýceu pomenovanom po Ľudovítovi Veľkom (1845-1852). Istý čas bol študentom právnickej fakulty parížskej univerzity (1853), no pocítil túžbu po umení, opustil univerzitu a začal navštevovať ateliér umelca L. Lamotteho (študenta a nasledovníka z Ingresu) a zároveň (od roku 1855) Škola
výtvarného umenia. V roku 1856 však pre všetkých nečakane Degas opustil Paríž a odišiel na dva roky do Talianska, kde s veľkým záujmom študoval a ako mnohí maliari kopíroval diela veľkých majstrov renesancie. Jeho najväčšia pozornosť je venovaná dielam A. Mantegnu a P. Veroneseho, ktorých inšpiratívnu a farebnú maľbu mladý umelec vysoko ocenil.
Degasove rané diela (hlavne portréty) sa vyznačujú jasnou a precíznou kresbou a jemným pozorovaním v kombinácii s mimoriadne zdržanlivým spôsobom písania (náčrty jeho brata, 1856-1857; kresba hlavy barónky Belleli, 1859) alebo s úžasným pravdivosť popravy (portrét talianskeho žobráka, 1857).
Po návrate do vlasti sa Degas obrátil k historickej téme, ale dal jej interpretáciu pre tú dobu netypickú. V kompozícii „Spartan Girls Challenge Young Men to A Competition“ (1860) sa teda majster, ignorujúc podmienenú idealizáciu starodávneho sprisahania, snaží ho stelesniť tak, ako by to mohlo byť v skutočnosti. Starovek je tu, rovnako ako na jeho iných plátnach s historickou tematikou, ako keby prešiel cez prizmu modernosti: obrazy dievčat a mladých mužov starovekej Sparty s hranatými tvarmi, tenkými telami a ostrými pohybmi, zobrazené na pozadí každodenného života. prozaická krajina, majú ďaleko od klasických predstáv a pripomínajú skôr obyčajných tínedžerov z parížskych predmestí než idealizovaných Sparťanov.
V 60. rokoch 19. storočia sa postupne formovala tvorivá metóda začínajúceho maliara. V tomto desaťročí spolu s menej významnými historickými plátnami („Semiramide Watching the Construction of Babylon“, 1861) vytvoril umelec niekoľko portrétnych diel, v ktorých sa zdokonaľovali pozorovacie a realistické schopnosti. V tomto ohľade je najvýraznejší obraz „Hlava mladej ženy“, ktorý vytvoril
v roku 1867
V roku 1861 sa Degas zoznámil s E. Manetom a čoskoro sa stal pravidelným návštevníkom kaviarne Gerbois, kde sa stretávali mladí inovátori tej doby: C. Monet, O. Renoir, A. Sisley a ďalší. Ak sa však zaujímajú predovšetkým o krajinu a prácu v plenéri , potom sa Degas zameriava skôr na tému mesta, parížske typy. Priťahuje ho všetko, čo je v pohybe; statický necháva ho ľahostajným.
Degas bol veľmi pozorným pozorovateľom, rafinovane zachytával všetko, čo je v nekonečnej premene životných javov príznačne výrazné. Sprostredkovaním bláznivého rytmu veľkomesta tak prichádza k vytvoreniu jedného z variantov každodenného žánru venovaného kapitalistickému mestu.
V tvorbe tohto obdobia vynikajú portréty, medzi ktorými je veľa takých, ktoré sú zaradené medzi perly svetovej maľby. Medzi nimi portrét rodiny Belleli (asi 1860-1862), portrét ženy (1867), portrét umelcovho otca počúvajúceho gitaristu Pagana (asi 1872).
Niektoré maľby z obdobia 70. rokov 19. storočia sa vyznačujú fotografickou nehybnosťou v zobrazovaní postáv. Príkladom je plátno s názvom „Dancing Lesson“ (asi 1874), vyrobené v studených modrastých tónoch. Autorka s úžasnou presnosťou zachytáva pohyby baletiek na hodinách starého tanečného majstra. Existujú však obrazy iného charakteru, ako napríklad portrét vikomta Lepica s dcérami na námestí Place de la Concorde z roku 1873. Tu je triezva prozaická fixácia prekonaná výraznou dynamikou kompozícia a mimoriadna ostrosť prenosu Lepicovej postavy; jedným slovom, deje sa to kvôli umelecky ostrému a ostrému odhaleniu charakteristicky expresívneho začiatku života.
Treba podotknúť, že diela tohto obdobia odzrkadľujú umelcov pohľad na ním zobrazovanú udalosť. Jeho obrazy ničia obvyklé akademické kánony. Degasov obraz The Musicians of the Orchestra (1872) je postavený na ostrom kontraste, ktorý vzniká porovnaním hláv hudobníkov (maľovaných zblízka) a drobnej postavy tanečnice klaňajúcej sa publiku. Záujem o expresívny pohyb a jeho presné kopírovanie na plátne badať aj v početných skicových figurínach tanečníkov (nesmieme zabudnúť, že Degas bol aj sochár), vytvorených majstrom s cieľom čo najpresnejšie vystihnúť podstatu pohybu, jeho logiku. ako sa dá.
Umelca zaujala profesionálna špecifickosť pohybov, postojov a gest, zbavená akejkoľvek poetizácie. Vidno to najmä v dielach venovaných konským dostihom ("Mladý džokej", 1866-1868; "Dostihy v provincii. Posádka na dostihoch", asi 1872; "Džokeji pred tribúnami", asi 1879, atď.). V Jazde dostihových koní (70. roky 19. storočia) je rozbor odbornej stránky veci podaný takmer reportérsky. Ak porovnáme toto plátno s obrazom T. Géricaulta „Preteky v Epsom“, hneď je jasné, že svojou očividnou analytickosťou Degasovo dielo veľa stráca na emocionálnu kompozíciu T. Géricaulta. Rovnaké kvality sú vlastné Degasovmu pastelu „Balerína na scéne“ (1876-1878), ktorý nepatrí do počtu jeho majstrovských diel.
Napriek takejto jednostrannosti a možno aj vďaka nej sa však Degasovo umenie vyznačuje presvedčivosťou a obsahom. Vo svojich programových dielach veľmi presne a s veľkou zručnosťou odhaľuje hĺbku a zložitosť vnútorného stavu zobrazovanej osoby, ako aj atmosféru odcudzenia a osamelosti, v ktorej žije súčasná spoločnosť, vrátane samotného autora.
Po prvýkrát boli tieto nálady zaznamenané na malom plátne „Tanečnica pred fotografom“ (70. roky 19. storočia), na ktorú umelec namaľoval osamelú postavu tanečnice, zamrznutú v pochmúrnej a pochmúrnej atmosfére v naučenej póze vpredu. objemného fotografického prístroja. Pocit trpkosti a osamelosti v budúcnosti preniká do takých plátien ako „Absint“ (1876), „Spevák z kaviarne“ (1878), „Žehliari“ (1884) a mnohé ďalšie.Degas ukázal dve postavy muža a žena, osamelá a ľahostajná k sebe a k celému svetu. Tlmené zelenkavé blikanie pohára naplneného absintom zdôrazňuje smútok a beznádej videný v očiach ženy a v jej držaní tela. Bledý bradáč s opuchnutou tvárou je zachmúrený a namyslený.
Kreativita Degas má v sebe skutočný záujem o charaktery ľudí, o osobitosti ich správania, ako aj o dobre vybudovanú dynamickú kompozíciu, ktorá nahradila tú tradičnú. Jeho hlavným princípom je nájsť najvýraznejšie uhly v samotnej realite. To odlišuje dielo Degasa od umenia iných impresionistov (najmä C. Moneta, A. Sisleyho a čiastočne O. Renoira) s ich kontemplatívnym prístupom k okolitému svetu. Tento princíp použil umelec už vo svojom ranom diele The Cotton Receiving Office in New Orleans (1873), ktoré vzbudilo u E. Goncourta obdiv pre jeho úprimnosť a realizmus. Takými sú jeho neskoršie diela „Slečna Lala v cirkuse Fernando“ (1879) a „Tanečníci vo foyer“ (1879), v ktorých je v rámci rovnakého motívu podaná subtílna analýza zmeny rôznych pohybov.
Niekedy túto techniku používajú niektorí výskumníci, aby naznačili blízkosť Degasa s A. Watteauom. Hoci sú si obaja umelci v niektorých bodoch skutočne podobní (A. Watteau sa zameriava aj na rôzne odtiene toho istého pohybu), stačí porovnať kresbu A. Watteaua s obrazom pohybov huslistu zo spomínanej Degasovej skladby. , keďže opak ich umeleckých techník je okamžite cítiť.
Ak sa A. Watteau snaží sprostredkovať neuchopiteľné prechody jedného pohybu do druhého, takpovediac poltóny, tak pre Degasa je naopak charakteristická energická a kontrastná zmena pohybových motívov. Usiluje sa skôr o ich porovnanie a ostrú kolíziu, pričom postavu často robí hranatou. Umelec sa tak snaží zachytiť dynamiku vývoja súčasného života.
Koncom 80. – začiatkom 90. rokov 19. storočia. v tvorbe Degasa prevládajú dekoratívne motívy, čo je zrejme spôsobené určitým otupením ostražitosti jeho výtvarného vnímania. Ak je na plátnach zo začiatku 80. rokov 19. storočia venovaných aktu („Žena opúšťajúca kúpeľňu“, 1883) väčší záujem o živú expresivitu pohybu, potom sa ku koncu desaťročia výrazne posunul záujem umelca smerom k zobrazovaniu. ženskej krásy. Vidno to najmä na obraze „Kúpanie“ (1886), kde maliarka s veľkou zručnosťou sprostredkúva čaro pružného a pôvabného tela mladej ženy naklonenej nad panvou.
Umelci už podobné obrazy maľovali, no Degas ide trochu inou cestou. Ak hrdinky iných majstrov vždy pociťovali prítomnosť diváka, tak tu maliar zobrazuje ženu, ako keby jej vôbec nezáležalo na tom, ako vyzerá zvonku. A hoci takéto situácie vyzerajú krásne a celkom prirodzene, obrazy v takýchto dielach sa často blížia groteske. Koniec koncov, akékoľvek pózy a gestá, dokonca aj tie najintímnejšie, sú tu celkom vhodné, sú plne odôvodnené funkčnou nevyhnutnosťou: pri umývaní natiahnuť ruku na správne miesto, rozopnúť sponu na chrbte, pošmyknúť sa, chytiť sa niečoho.
V posledných rokoch svojho života sa Degas venoval viac sochárstvu ako maľbe. Čiastočne je to spôsobené ochorením očí a zrakovým postihnutím. Vytvára rovnaké obrazy, aké sú prítomné v jeho obrazoch: vyrezáva figuríny baletiek, tanečníkov, koní. Umelec sa zároveň snaží čo najpresnejšie sprostredkovať dynamiku pohybov. Degas neopúšťa maľbu, ktorá síce ustupuje do pozadia, no z jeho tvorby sa úplne nevytráca.
Vzhľadom na formálne expresívnu, rytmickú výstavbu kompozícií, túžbu po dekoratívno-plošnej interpretácii obrazov Degasových obrazov, vytvorených koncom 80. a v priebehu 90. rokov 19. storočia. Ukázalo sa, že nemajú realistickú dôveryhodnosť a stávajú sa ako dekoratívne panely.
Degas strávil zvyšok svojho života v rodnom Paríži, kde v roku 1917 zomrel.
Camille Pissarro
Camille Pissarro, francúzsky maliar a grafik, sa narodil v roku 1830 asi. Svätý Tomáš (Antily) v rodine obchodníka. Vzdelanie získal v Paríži, kde študoval v rokoch 1842 až 1847. Po ukončení štúdií sa Pissarro vrátil do Svätého Tomáša a začal pomáhať otcovi v obchode. To však vôbec nebolo to, o čom mladík sníval. Jeho záujem ležal ďaleko za pultom. Najdôležitejšie pre neho bolo maľovanie, no otec synov záujem nepodporoval a bol proti tomu, aby odišiel z rodinnej firmy. Úplné nepochopenie a neochota rodiny stretnúť sa na polceste viedli k tomu, že úplne zúfalý mladík utiekol do Venezuely (1853). Tento čin stále ovplyvnil neoblomného rodiča a dovolil synovi odísť do Paríža študovať maľbu.
V Paríži vstúpil Pissarro do ateliéru Suisse, kde študoval šesť rokov (od roku 1855 do roku 1861). Na Svetovej výstave maľby v roku 1855 budúci umelec objavil J. O. D. Ingresa, G. Courbeta, no najväčší dojem naňho urobili diela C. Corota. Na jeho radu, pokračujúc v návšteve ateliéru Suisse, mladý maliar vstúpil na Školu výtvarných umení k A. Melbimu. V tomto čase sa zoznámil s C. Monetom, s ktorým maľoval krajinky na periférii Paríža.
V roku 1859 Pissarro prvýkrát vystavoval svoje obrazy na Salóne. Jeho rané diela boli napísané pod vplyvom C. Corota a G. Courbeta, no postupne Pissarro prichádza k rozvoju vlastného štýlu. Začínajúci maliar venuje veľa času práci pod holým nebom. Rovnako ako iní impresionisti sa zaujíma o život prírody v pohybe. Pissarro venuje veľkú pozornosť farbe, ktorá dokáže sprostredkovať nielen formu, ale aj materiálnu podstatu objektu. Na odhalenie jedinečného kúzla a krásy prírody používa ľahké ťahy čistých farieb, ktoré vo vzájomnej interakcii vytvárajú vibrujúci tónový rozsah. Kreslené v tvare kríža, paralelných a diagonálnych línií dodávajú celému obrazu úžasný zmysel pre hĺbku a rytmický zvuk („Seine at Marly“, 1871).
Maľovanie neprináša Pissarrovi veľa peňazí a sotva vyžije. Vo chvíľach zúfalstva sa umelec pokúša navždy skoncovať s umením, ale čoskoro sa opäť vráti k tvorivosti.
Počas francúzsko-pruskej vojny žije Pissarro v Londýne. Spolu s C. Monetom maľuje londýnske krajinky z prírody. Umelcov dom v Louveciennes v tom čase vyplienili pruskí útočníci. Väčšina obrazov, ktoré zostali v dome, bola zničená. Vojaci si počas dažďa rozložili plátna na dvore pod nohami.
Po návrate do Paríža má Pissarro stále finančné ťažkosti. Republiku, ktorá prišla nahradiť
ríše, vo Francúzsku takmer nič nezmenil. Buržoázia, zbedačená po udalostiach spojených s Komúnou, si nemôže kupovať obrazy. V tomto čase si Pissarro berie pod patronát mladého umelca P. Cezanna. Spolu pracujú v Pontoise, kde Pissarro vytvára plátna zobrazujúce okolie Pontoise, kde umelec žil do roku 1884 („Oise in Pontoise“, 1873); tiché dedinky, cesty tiahnuce sa do diaľky („Cesta z Gisors do Pontoise pod snehom“, 1873; „Červené strechy“, 1877; „Krajina v Pontoise“, 1877).
Pissarro sa aktívne zúčastnil na všetkých ôsmich výstavách impresionistov, organizovaných v rokoch 1874 až 1886. Maliar, ktorý mal pedagogický talent, našiel spoločnú reč takmer so všetkými začínajúcimi umelcami a pomáhal im radami. Súčasníci o ňom povedali, že „dokonca vie naučiť kresliť kamene“. Majstrov talent bol taký veľký, že dokázal rozlíšiť aj tie najjemnejšie odtiene farieb, kde iní videli len sivú, hnedastú a zelenú.
Osobitné miesto v diele Pissarra zaujímajú plátna venované mestu, zobrazené ako živý organizmus, ktorý sa neustále mení v závislosti od svetla a ročného obdobia. Umelec mal úžasnú schopnosť vidieť veľa a zachytiť to, čo si ostatní nevšimli. Napríklad pri pohľade z toho istého okna napísal 30 diel zobrazujúcich Montmartre („Montmartre Boulevard v Paríži“, 1897). Majster vášnivo miloval Paríž, a tak mu venoval väčšinu obrazov. Umelec dokázal vo svojich dielach sprostredkovať jedinečné kúzlo, ktoré urobilo Paríž jedným z najväčších miest na svete. Na prácu si maliar prenajímal izby na ulici Saint-Lazare, Grands Boulevards atď. Všetko, čo videl, preniesol na svoje plátna („Taliansky bulvár ráno, osvetlený slnkom“, 1897; „Miesto francúzskeho divadla v Paríži“ , jar, 1898; „Operná pasáž v Paríži).
Medzi jeho mestské krajiny patria diela, ktoré zobrazujú iné mestá. Takže v 90. rokoch 19. storočia. majster žil dlho v Dieppe, potom v Rouene. V maľbách venovaných rôznym častiam Francúzska odhalil krásu starobylých námestí, poéziu uličiek a starobylých budov, z ktorých dýcha duch minulých dôb („Veľký most v Rouene“, 1896; „Boildieu Bridge v Rouene“ pri západe slnka“, 1896; „Pohľad na Rouen“, 1898; „Kostol Saint-Jacques v Dieppe“, 1901).
Hoci Pissarrove krajiny nie sú pestré, ich obrazová štruktúra je nezvyčajne bohatá na rôzne odtiene: napríklad sivý odtieň dlažobného chodníka je tvorený ťahmi čistej ružovej, modrej, modrej, zlatej okrovej, anglickej červenej atď. Výsledkom je, že sivá vyzerá ako perleť, trbliece sa a žiari, vďaka čomu obrazy vyzerajú ako drahokamy.
Pissarro tvoril nielen krajiny. V jeho tvorbe sú aj žánrové maľby, ktoré zosobňovali záujem o človeka.
Z najvýznamnejších stojí za zmienku „Káva s mliekom“ (1881), „Dievča s konárom“ (1881), „Žena s dieťaťom pri studni“ (1882), „Trh: obchodník s mäsom“ (1883 ). Pri práci na týchto dielach sa maliar snažil zefektívniť ťah a vniesť do kompozícií prvky monumentality.
V polovici 80. rokov 19. storočia sa už zrelý umelec Pissarro pod vplyvom Seurata a Signaca začal zaujímať o divizionizmus a začal maľovať malými farebnými bodkami. Týmto spôsobom jeho dielo ako „Lacroix Island, Rouen. Hmla“ (1888). Záľuba však netrvala dlho a čoskoro (1890) sa majster vrátil k svojmu bývalému štýlu.
Okrem maľby sa Pissarro venoval akvarelu, vytváral lepty, litografie a kresby.
Umelec zomrel v Paríži v roku 1903.
