- umelecký štýl v európskom umení 17.-začiatok 19. storočia, ktorého jedným z najvýznamnejších znakov bolo odvolávanie sa na formy antického umenia ako ideálneho estetického a etického štandardu. Klasicizmus, ktorý sa rozvíjal v ostro polemickej interakcii s barokom, sa vo francúzskej umeleckej kultúre 17. storočia rozvinul do integrálneho slohového systému. Princípy racionalistickej filozofie, ktoré sú základom klasicizmu, určovali pohľad teoretikov a praktikov klasického štýlu na umelecké dielo ako na ovocie rozumu a logiky, víťaziace nad chaosom a plynulosťou zmyslovo vnímaného života.
Princípy racionalistickej filozofie, ktoré sú základom klasicizmu, určovali pohľad teoretikov a praktizujúcich klasicizmu na umelecké dielo ako na ovocie rozumu a logiky, víťaziace nad chaosom a plynulosťou zmyslovo vnímaného života. Orientácia na rozumný začiatok, na pretrvávajúce vzory určovali pevnú normatívnosť etických požiadaviek (podriadenosť osobného všeobecnému, vášne - rozumu, povinnosti, zákony vesmíru) a estetické nároky klasicizmu, regulácia umeleckých pravidiel. ; upevneniu teoretických doktrín klasicizmu napomohla činnosť kráľovských akadémií založených v Paríži – maliarstvo a sochárstvo (1648) a architektúra (1671). V maľbe klasicizmu sa línia a šerosvit stali hlavnými prvkami tvarového modelovania, lokálna farebnosť jasne odhaľuje plasticitu figúr a predmetov, oddeľuje priestorové plány obrazu (vyznačuje sa vznešenosťou filozofického a etického obsahu, celkovou harmóniou dielo N. Poussina, zakladateľa klasicizmu a najväčšieho majstra klasicizmu 17. storočia, „ideálne krajiny“ K. Lorraina). Klasicizmus 18. – začiatok 19. storočia. (v zahraničných dejinách umenia sa často označuje ako neoklasicizmus), ktorý sa stal celoeurópskym štýlom, sa tiež formoval najmä v lone francúzskej kultúry, pod silným vplyvom myšlienok osvietenstva. V architektúre boli určené nové typy honosného kaštieľa, predná verejná budova, otvorené mestské námestie (J.A. Gabriel, J.J. Souflot), hľadanie nových, neusporiadaných foriem architektúry. snaha o prísnu jednoduchosť v diele K.N. Ledoux anticipoval architektúru neskorého štádia klasicizmu – empíru. Občiansky pátos a lyrika sa snúbi v plastickosti J.B. Pigalya a J.A. Houdon, dekoratívne krajinky od J. Roberta. Odvážna dráma historických a portrétnych obrazov je vlastná dielam hlavy francúzskeho klasicizmu, maliara J.L. David.
Obraz od Davida po Delacroixa predstavuje obdobie dominancie klasicizmu. Prvé Davidove obrazy ešte nepriniesli do jeho súčasného umenia nič zásadne prevratné, ale jeho „Prísaha Horatii“, ktorá vyšla v roku 1784, urobila neslýchaný dojem nielen na umelecký svet, ale aj na celú spoločnosť. nálade, ktorej toto dielo plne zodpovedalo. Striktná správnosť prevedenia, hrdinský obsah, ktorý sa doteraz líšil od každodenného malicherného záujmu, a napokon archeologická vernosť kostýmov, architektúry a celého okolia preniesli divákov do antického sveta, ktorý sa stal už príťažlivým. k nim. Po tomto obrázku nasledoval „Brutus a liktori, ktorí priniesli mŕtvoly svojich synov, ktorí boli popravení na jeho vlastný rozkaz“; potom David napísal (1787) „Smrť Sokrata“ (otrok mu dá misku jedu, odvráti sa a plače). To všetko bolo také nové a v rozpore s rokokovým štýlom, zdalo sa také vznešené, že to spoločnosti slúžilo ako príležitosť s nadšením hovoriť o Dávidovi ako o umelcovi a občanovi; pre občianske cnosti si umelecké nedostatky jeho diel ani nevšimli. Takáto fascinácia jeho maľbami je pochopiteľná aj pre našu dobu, ak vezmeme do úvahy, čo mal na mysli umelec, ktorý tak rozhodne osvojil, ako si myslel, starodávne názory na umenie. David si dal za úlohu stvárniť človeka poháňaného silnými motívmi zodpovedajúcimi najvznešenejším životným momentom, charakterovo extrémne vzdialený od bežných momentov každodenného života, ktorý bol považovaný za základ. Človeka s takýmto povznesením ducha bolo možné podľa Dávida zobraziť len so zodpovedajúcou plastickou dokonalosťou foriem, tiež ďaleko od foriem, s ktorými sa denne stretávame. Iba staroveké umenie nám zanechalo vzorky dokonalých foriem, a preto David považoval za potrebné dať svojim hrdinom starovekú podobu, ktorú študoval v sochách, na vázach a basreliéfoch. Takéto bolo Davidovo umelecké chápanie, vyjadrené ním na už spomínaných obrazoch, ako aj v The Sabines (1799) a jeho ďalších dielach. Spoločnosť našla občianske myšlienky v Davidových dielach v jeho dielach „Horáces“ a „Brutus“, ideálnych občanov, ktorí kladú príbuzenské a rodinné väzby pod zmysel pre povinnosť voči vlasti. V „Sokratovi“ videli hlásateľa vysokých právd, zomierajúceho na nespravodlivosť tyranov. Sám Dávid bol presiaknutý takýmito presvedčeniami, a keď v čase teroru jeden z umelcov, Davidova blízka osoba, požiadal Robespierra, aby sa zaňho prihovoril, aby zachránil sestru navrhovateľa pred gilotínou, David chladne odpovedal: „Napísal som Brutus, Zistil som, že vláda je spravodlivá a nebudem sa pýtať Robespierra." Davidove maľby, do istej miery tendenčné, mohli byť následne úspešné len v dobe a spoločnosti, v ktorej sa objavili. V tej dobe naň reagovala mladšia generácia a spoločenský význam jeho obrazov bol obrovský: z obrazov fúkal republikánsky duch. V rovnakej miere bol ich umelecký význam pre tú dobu veľký: ženskosť, hravosť a zmyselnosť moderného maliarstva neodolala zobrazovaniu vznešených a ušľachtilých citov, ktorých exkluzivitu vtedy nikto nemohol odsúdiť. Okrem toho David vrátil umenie k správnej kresbe nielen v súlade so starodávnou krásou, ale aj s prírodou, pretože sa naučil bezpodmienečne prispôsobiť prírode. Umelecké učenie Dávida je vlastne pokračovaním učenia Vienne, ale Dávid konal rozhodnejšie, prerušil akékoľvek spojenie s rokokovým štýlom; vlastnil pevnú vôľu a využíval ducha doby, svojvoľne nútil ostatných, aby nasledovali cestu, ktorú naznačil. Dávid vyhlasoval, že „umenie doteraz slúžilo len potešeniu ctižiadostivosti a rozmaru Sybaritov, ktorí sedeli až po krk v zlate“. „Despotizmus určitých častí spoločnosti,“ povedal, „vynechal priazeň každého, kto by chcel vyjadriť čisté myšlienky morálky a filozofie. Medzitým je potrebné, aby zobrazovanie príkladov hrdinstva a občianskych cností ľudí elektrizovalo a vzbudzovalo v nich lásku k zvelebovaniu a zvyšovaniu blahobytu svojej vlasti. Takto približne hovoril občan a umelec David, republikán, nielen slovami, ale, ako viete, aj skutkami. Maliar Bouquier odsúdil umenie 18. storočia ešte ráznejšie, keď povedal približne toto: „Je čas umiestniť do galérií namiesto týchto hanebných diel (predchádzajúci umelci) iné, ktoré by mohli nútiť oči republikánskeho ľudu a ctiť dobro. morálka a cnosť. V národných galériách by mali byť namiesto erotických a manierových obrazov Bouchera a jeho nasledovníkov alebo obrazov Vanloo s jeho ženským štetcom umiestnené diela mužského štýlu, ktoré by charakterizovali hrdinské činy synov slobody. Na vyjadrenie energie takéhoto ľudu je potrebný silný štýl, odvážny štetec a ohnivý génius. Dávid sa stal hlavou nového smeru a ten starý bol už odsúdený revolučným prúdom spoločnosti, ktorý zničil všetko, čo doteraz existovalo, a nahradil to novým. Umelci bývalého smeru sa snažili pripojiť k novému trendu a keďže sa im to z povahy ich talentu a zvykov nepodarilo, svoju činnosť buď úplne zastavili, alebo sa zmenili na nepoznanie. Dreams a Fragonard zrazu stratili svoj význam, stratili morálnu a materiálnu podporu spoločnosti a zomreli zabudnutí všetkými. Fragonard bol dokonca nútený zúčastniť sa na Davidovom úsilí upevniť správne miesto umenia v novom spoločenskom systéme a vyžadovalo sa, aby umenie zušľachťovalo mravy spoločnosti a učilo ho. Sochári, rytci a dokonca aj remeselníci, umelci, zlatníci, rezbári – všetci poslúchli Dávida. Je pozoruhodné, že republikánske námety Dávidových obrazov („Horáces“, „Brutus“) boli schválené alebo vymenované a obrazy kúpil sám Ľudovít XVI., ktorý sa takýmto ústupkom verejnej mienky akoby podieľal na všeobecnom ideový pohyb, keďže spoločenský význam týchto diel bol pre každého jasný. Po zosadení kráľa a po jeho odsúdení na smrť, na ktorom sa svojím hlasom podieľal aj Dávid, a počas celej doby teroru až do pádu a popravy Robespierra, bola Dávidova umelecká činnosť vyjadrená v dvoch obrazoch – „Atentát na Pelletier“ a neskôr – „Atentát na Marata“, ktoré boli napísané na vlastenecké účely. V nich však umelec spracoval svoj námet bez toho, aby na K. myslel, a druhý obraz vyšiel tak, že ani teraz nestratil svoj umelecký význam. Po poprave Robespierra David ako jeden z jeho komplicov len tak-tak unikol smrteľnému nebezpečenstvu, po ktorom napísal knihu The Sabine Women. Za čias Napoleona namaľoval niekoľko oficiálnych obrazov, aby ho oslávil, mal v tomto druhu najmenší úspech a pri reštaurovaní, vyhnaný z Francúzska ako recidivy, sa opäť vzdal v Bruseli antickým poddaným a nezmenil svoj smer až do svojej smrti. Umelecké a čiastočne občianske túžby Dávida, keďže posledné sú vyjadriteľné v maľbe, sa prvýkrát objavili v jeho Belisarius (1781) – téma, ktorá sa potom stala obľúbenou, pretože pripomínala nevďačnosť panovníkov. Teraz, keď je možné jeho maľby posudzovať len z výtvarnej stránky, pôsobia kompozične až divadelne a deklamačne. Aj v Horáciových bolo pôvodným zámerom umelca predstaviť udalosť tak, ako ju stvárnili na javisku v roku 1782, v poslednom dejstve Corneillovej tragédie; len na radu priateľov vykreslil Dávid moment vhodnejší na maľovanie, duchom priamo zodpovedajúci Corneillovej hre, len v nej nebyť. Davidova kresba bola prísna, línie zámerné, noblesné. V jeho škole sa neštudovali len starožitnosti, ale aj príroda, ktorú však radil v rámci možností zmeniť, aby sa priblížila k starovekému sochárskemu umeniu. Vo všeobecnosti si vo svojich inštrukciách, rovnako ako vo svojich obrazoch, zamieňal úlohy sochárstva s úlohami maľby. V súvislosti s jeho „Horákom“ bola urobená správna kritická poznámka, že postavy namaľované na obraze môžu bez zmeny slúžiť ako basreliéf, ale divadelný pátos foriem stále zostáva nevýhodou. Čo sa týka farby, jeho obrazy pôsobia úplne neuspokojivo, keďže jeho hrdinovia nevyzerajú ako živí ľudia, ale ako bledo namaľované sochy. Technika maľby je príliš hladká a súvislá a mimoriadne vzdialená od odvahy a istoty, ktorej určitá miera je potrebná na optickú charakterizáciu predmetov; navyše nábytok, architektonické a iné drobnosti sú napísané s rovnakou usilovnosťou ako telo postáv. Treba poznamenať, že portréty Dávida alebo portrétne postavy na jeho obrazoch sú oveľa vitálnejšie ako jeho starovekí hrdinovia, hoci v portrétoch niekedy sledoval starodávne pózy, ako napríklad v portréte Madame Recamier. Láska k starožitnosti nenaučila Dávida správne sa pozerať na prírodu, ako to požadoval Diderot. David, slobodomyseľný republikán, nedovolil rovnakú slobodu ani svojim politickým odporcom, ani umelcom; prenasledovaním akademikov starej školy si narobil mnohých nepriateľov. V tom čase išli udalosti jedna za druhou tak rýchlo, že ich David nestihol vyjadriť štetcom. Takže obrovský obraz, ktorý začal, zobrazujúci sprisahancov v Jedepaume (udalosť z roku 1789), zostal nedokončený. V júli 1794 zaznela na národnom zjazde obviňujúca reč proti samotnému Dávidovi, v ktorej bol okrem iného odhalený ako tyran umenia. Jeden akademický systém totiž potlačil, aby vytvoril iný, tiež výnimočný. V jeho dobe neboli nedostatky jeho systému zjavné a jeho zásluhy prilákali do Dávidovej školy nielen francúzskych, ale aj zahraničných maliarov, rytcov, sochárov, ktorí neskôr rozšírili Dávidovo učenie po celej Európe. V relatívne krátkom čase mal viac ako 400 žiakov a jeho vplyv prežil mnoho desaťročí, ale s neustálymi zmenami; Spočiatku však bola akademická v užšom zmysle slova a pseudoklasická, pretože predstavovala staroveký život akoby chladný a bezcitný a tiež preto, že preniesla staroveké K. na súčasnú pôdu pre ňu nezvyčajnú (do obrazov moderného života ), snažiac sa odosobniť charakteristickú individualitu postojov, pohybov, foriem a výrazov a dať im typy, ktoré spĺňajú kanonické pravidlá, ktoré sa možno naučiť, ako napríklad pravidlá stavebného umenia. David nebol veľmi talentovaný; Pravdepodobne by nedokázal dať prejavom vášní ich pravú podobu, do svojich obrazov vniesol oveľa viac reflexie ako fantázie a pocitov, ale jeho úspech bol spôsobený vyššie uvedenými dôvodmi. Spoločnosť bola uchvátená takým verným zobrazením starožitnosti; upustilo od prepudrovania vlasov a ozdobných doplnkov rokokového kostýmu, do módy prišli ženské kostýmy, podobné gréckym tunikám. Niektorí z Dávidových učeníkov (les Primitives) sa začali obliekať ako Paris a Agamemnon. V čase Direktória mali zástupcovia ľudu dokonca predpísaný strih odevu, ktorý sa podľa možnosti približoval starodávnemu. Keď David namaľoval svoj obraz „The Sabine Women“, fascinácia starožitnosťou bola taká, že tri dámy z najlepšej spoločnosti pózovali umelcovi pre modelky. Na konci obrazu ho David vystavil samostatne, podrobný popis vysvetľujúci verejnosti dôvod, prečo boli hrdinovia obrazu vyobrazení nahí; autor si bol istý, že Gréci a Rimania by našli jeho obraz v súlade s ich zvykmi. Výstava bola navštevovaná 5 rokov, odovzdala umelcovi viac ako 65 000 frankov a všeobecnú chválu. Napoleon, ktorý nerozumel maľbe, ale poznal vojnu a vojaka, si celkom správne všimol, že Dávidovi Rimania bojovali príliš ľahostajne. Na konci Napoleonovej vlády dokončil Dávid (1814) dlho vymyslený a začatý obraz „Leonidas u Thermopyl“ – akademické dielo, bez života a pravdy; to, čo David chcel a čo malo byť vyjadrené v postave a tvári Leonidasa, ďaleko presahovalo možnosti umelca, ktorý bol vo vyjadrovaní pocitov vždy povrchný. Sám bol však spokojný s výrazom Leonidovej hlavy a bol si istý, že nikto iný v nej nemôže vyjadriť to, čo vyjadril on.
Vienne, ktorého zásluhy boli spomenuté vyššie, nebol jediný, kto pochopil, že samotné umenie 18. storočia sa vo svojich extrémoch snažilo o svoj pád. Takmer súčasne s Vienne a Pierre Perron (1744-1815) sa pokúsili vrátiť umenie k štúdiu starožitností a prírody. V tom istom roku s Davidom vystavoval aj Smrť Sokrata, no zostal v tomto diele pri veľkej časti starého, čo sa týka kompozície aj interpretácie foriem a drapérií. Jean Joseph Tagliason, študent Vienne, pochopil a zobrazil staroveký svet, ako Racine a Corneille vo svojich tragédiách. Guillaume Guillon Lethierre (1760-1832), desaťročný riaditeľ Francúzskej akadémie v Ríme, napísal Bruta (1801) ako Dávid, ale v inom okamihu; nahé telá a drapérie sú vyrobené podľa rímskych sôch v duchu Dávidovej reformy. Ďalší obraz - "Smrť Virgínie", koncipovaný v roku 1795, bol dokončený až v roku 1831, keď už boli trendy K. zastarané. Guillaume Menajo (1744-1816), tiež dlhoročný riaditeľ akadémie v Ríme, sa váhavo zastavil medzi starým a novým. Jedinými umelcami, ktorí pod Davidom nezmizli v tieni, boli Jean Baptiste Regnault (1754-1829) a François-André Vincent (1746-1816). Prvý z nich, hoci si celý život zachoval náklonnosť k ladnostiam a nymfám 18. storočia, keďže sa už od útleho veku dostal do Ríma, podieľal sa na všeobecnom trende k antike. Jeho Achilleovo vzdelanie (1783) mu dalo meno. Vo všeobecnosti sľúbil, že bude súťažiť s Davidom, ktorého spočiatku dokonca prekonal vo farbe. Z jeho ďalších obrazov antického sveta budeme menovať „Smrť Kleopatry“, „Alkibiades a Sokrates“, „Pygmalion“, „Venušina toaleta“, „Herkules a Alcesta“; Regnault maľoval aj moderné historické obrazy, pridŕžajúc sa názorov Davida. Vincent, učeník Vienne, podobne ako Dávid, sa preslávil skôr, ako sa Dávid objavil so svojimi hlavnými dielami. Vincent pod vedením Vienne tiež prispel k zlepšeniu kresby a štúdiu foriem, ale zdieľal nedostatky nového smeru vo vzťahu k divadelnosti póz a nezáživnosti farieb. Jeho obľúbené námety sú prevzaté z národných dejín, bol predchodcom a šéfom nasledujúcich umelcov tohto druhu a mimochodom Horace Vernet. Z obrazov Vincenta budeme menovať: „Belisarius žobranie“, „Zevskis si vyberá svoj model medzi crotonskými dievčatami“, „Henry IV a Sully“, „Bitka pod pyramídami“. Ešte rozhodnejším zástancom klasického smeru bol Pierre Guerin (1774-1833), ktorý vyšiel zo školy Regnault. Jeho obraz „Mark Sextus sa vracia z vyhnanstva“ (1799) urobil v spoločnosti takmer rovnako silný dojem ako „Horáces“ pred niekoľkými rokmi, pretože jeho vzhľad sa zhodoval s obdobím návratu francúzskych emigrantov do vlasti. Je pozoruhodné, že na tomto obrázku bol najprv zobrazený slepý Belisarius, ktorý sa vracal k svojej rodine, potom sa hlavnej postave otvorili oči a premenila sa na Sexta. V roku 1802 bol vystavený obraz Hippolytus, Faedra a Theseus, potom Andromache (1808), Aeneas a Dido (1817). Hlavnou postavou Guerinových diel je spojenie vtedajšej divadelnej šteklivosti so sochárstvom av tomto druhu bol umelec veľmi vynaliezavý; jeho obraz bol chladný. Z týchto obrazov, v ktorých si za hlavné postavy zobral za vzor vtedajšie divadelné osobnosti, herca Talmu a herečku Duchenois, je tá druhá stále lepšia ako ostatné.
Z Davidovej školy pochádzal Drouet (1763-1788), do ktorého učiteľ vkladal veľké nádeje; jeho obraz „Mary at Manturn“ mal úspech, ale teraz pôsobí bezduchým dojmom a tiež s podmienenými divadelnými postavami. V prevedení - obraz ako Dávid. Ďalší Dávidov žiak Girodet de Triozon (1767-1824) mal spočiatku radšej grécku mytológiu ako rímsku históriu. Jeho "Spiaci Endymion", v ktorom mesačný svit dal vznik určitej farbe, bol verejnosťou dobre prijatý, ale nedostatok školy je viditeľný na obrázku. V jeho Hippokratovi je viditeľná teatrálnosť pohybov. V roku 1806 vystavil scénu z potopy, zobrazujúcu umierajúce nešťastia skupiny ľudí hľadajúcich spásu; za toto dielo dostal umelec v roku 1810 Napoleonovu cenu, menovanú za najlepšie dielo uplynulého desaťročia. Moderná kritika videla v umelcovi kombináciu Michelangela a Raphaela a teraz sa jeho obraz zdá byť akademickou a umelou kompozíciou, ale s nádychom vášne; teraz sa mi viac páči jeho "Atala a Šaktas". Gerard (1770-1830) - tiež Dávidov študent - sa prvýkrát preslávil obrazom "Belisarius (obľúbený pozemok tej doby), nesúci svojho spoločníka" (1791) - jedno z najlepších diel klasického smeru; bol to veľký úspech, ale jeho Psyché bolo menej prijaté. Gerard sa preslávil ako maliar portrétov a skutočne, porovnanie portrétov jeho tvorby s portrétmi z 18. storočia, napríklad Hyacinthe Rigaud (1659-1743), ukazuje obrovský krok k jednoduchosti a prirodzenosti, keďže Rigaud modeluje jeho portréty, niekedy umelé a roztomilé, niekedy slávnostné, často spájali dokonca aj s atribútmi mytologických bohov. Dokonca aj portréty Greuze a Louise Vigee-Lebrun, kvôli nedostatku charakteristickej individuality v zobrazenej tvári a určitému zovšeobecneniu heterogénnych typov, predložili portréty Gerarda. Robert Lefebvre a Keansom, Gerardovi súčasníci, módni maliari portrétov, ktorí sa snažili svojim modelom viac vyhovieť, ako sa snažili o pravdu, sú dnes zabudnutí, na Gerardovi stále záleží, hoci vitalita jeho portrétov zďaleka nie je taká hlboká ako v dielach veľkí majstri.. Portrétna maliarka Isaba z Dávidovej školy jej vďačí za dobrú kresbu, no jeho obrazy nemajú veľkú zásluhu. Najvýznamnejším umelcom, ktorý vzišiel z Davidovej dielne, je Gros (1771-1835), no jeho sláva je založená na dielach, v ktorých sa neriadil radami svojho učiteľa. Jeho klasické motívy: „Sapfó vrhá sa do mora“, „Ariadna a Bakchus“, „Herkules hádže svojho koňa Diomedovi“ (1835) ukazujú jeho neschopnosť k tomuto rodu, zatiaľ čo „Bitka pri Abukir“, „Mor v Jaffe“ predstavovali svojho času veľký posun k pochopeniu reality, prejavujú veľký talent, postreh a silu reprezentovať to, čo je vidieť v prírode. Je úžasné, ako Gro nepochopil podstatu svojho talentu a úplne poslúchajúc názory svojho učiteľa považoval spolu s ním obsah obrazov moderného života za niečo náhodné a ich záujem o umenie bol prechodný. "Prečítaj si Plutarcha," opakoval David a napísal mu, "tam nájdeš vzorky hodné tvojho štetca." Gro si krajania veľmi vážili, niektorí kritici v ňom prehnane videli kombináciu Rubensa a Veroneseho, jeho školu tvorilo až 400 umelcov. Keď sa však Gro zriekol svojich najlepších diel a naučil sa vo všetkom nasledovať Dávida a sám sa pri prvej príležitosti vrátil ku klasickým predmetom, s ktorými sa však tak neúspešne vyrovnal, stratil pre svojich súčasníkov všetok význam. Ďalší z Davidových talentovaných študentov, Francois-Xavier Fabre (1766-1837), ktorý napísal v klasickom žánri: „Oidipus v stĺpe“, „Smrť narcisa“, „Neoptolem a Ulysses“ atď., neodôvodnil nádeje. jeho učiteľov. V historických obrazoch, maľovaných neustále pod spomienkou na školské vyučovanie, sa tiež nepovzniesol a v posledných rokoch svojej činnosti sa obmedzil na krajinu a portréty. Jean-Baptiste Vicard (1762-1834), ktorý okrem iného napísal „Orestes a Pylades“ a „Electra“, „Virgilius číta Aeneidu Augustovi“, väčšinu svojho života strávil v Taliansku, nemal priamy vplyv o francúzskom umení svojimi dielami, ale jeho činnosť je zaznamenaná v inom ohľade (pozri Vikar). Z ďalších nasledovníkov K. - Louis Duci (1773-1847) písal na motívy z mytológie; Philippe-August Hennequin (1763-1833), Claude Gauthereau (1765-1825), Charles Thévenin (1760-1838), Jean-Baptiste Debray (1763-1845), Charles Meunier (1768-1832) a niektorí ďalší písali starožitnosti , čiastočne historické obrazy, čiastočne portréty. Takmer všetci títo umelci, ktorí sa držali sveta ideálnych, z pohľadu akademického K., foriem, nemali dostatok talentu na to, aby im vdýchli skutočný život. Niektorí z nich boli oficiálnymi maliarmi kostolov a kláštorov a plafondov v Louvri. Niektorí z nich a iná skupina zobrazovali v monumentálnych rozmeroch bitky, vojenské scény a prehliadky, vládnuce osoby v rôznych obdobiach ich života a činnosti. To isté možno povedať o študentoch Regna a Vincenta, ale všetci mali väčšinou modely Davida a Grosa, ktorí sa po vyhnaní Davida z Francúzska v roku 1815 stali oficiálnym predstaviteľom francúzskeho maliarstva; nikto nemal zvláštny talent a nikto si netrúfol byť originálny, až na vzácne a slabé výnimky.
Keď bol David na vrchole svojho vplyvu, umeleckého aj spoločenského, len málo umelcov si zachovalo svoju izoláciu. Pierre-Paul Prudhon (1758-1823), hoci prevzal námety z mytológie („Graces“, „Aphrodite“, „Psyche“, „Zephyrs“, „Adonis“), oživil tento materiál svojim citom a vlastnil farbu života. Jeho postoj k Davidovej škole je evidentný z jeho recenzie Droueta, jedného z Davidových najschopnejších žiakov. "Na obrazoch a v divadle možno vidieť ľudí zobrazujúcich vášne, ktorí však bez vyjadrenia charakteru obsiahnutých v predmete, ktorý predstavujú, vyzerajú, akoby hrali komédiu a len parodovali to, čím by mali byť." David, ktorý spoznal Prudhonov talent, ho nespravodlivo nazval moderným Boucherom; Prudhon mal pochopenie pre prírodné formy a pohyby, ktoré Boucher nepoznal, často maľoval zložité obrazy bez prírody, ale bol hrdý na to, že dokáže elegantne ohnúť ruku alebo nohu. Z Prudhonových obrazov je jeden („Zločin prenasledovaný spravodlivosťou a pomstou“), čo sa týka vášne a sily výrazu a farby, považovaný za predzvesť nového smeru, ktorý však bol objavený až o pätnásť rokov neskôr. Je pozoruhodné, že v tom istom roku (1808) sa verejnosť zoznámila s Girodetovým obrazom „Atala a Šaktas“, ktorého dej bol prevzatý z Chateaubriand, a nie z histórie alebo starovekého sveta, ako to robili všetci v tej dobe, - obraz, ktorý sa farebne odlišoval od bežných diel Dávidovej školy. Ale celá dlhá, na tú dobu výnimočne originálna činnosť Prudhona ani v najmenšom neotriasla Dávidovou školou.
Klasicizmus je maliarsky štýl, ktorý sa začal rozvíjať v období renesancie. Preložené z latinčiny "classicus" znamená - "príkladné". Jednoducho povedané, klasicizmus na samom úsvite svojho vzniku bol považovaný za ideálny z hľadiska maľby. Umelecký štýl sa rozvinul v 17. storočí a postupne sa začal vytrácať v 19. storočí, čím ustúpil trendom ako romantizmus, akademizmus a realizmus. Renesancia Štýl maliarstva a sochárstva klasicizmu sa objavil v čase, keď sa umelci a sochári obrátili na umenie staroveku a začali kopírovať mnohé z jeho čŕt. Klasicizmus vyjadruje presný obraz, ale postavy na obrazoch umelcov pôsobia dosť plasticky, možno až prehnane – neprirodzene. Ľudia na takýchto plátnach môžu pôsobiť ako zamrznuté sochy v „hovoriacich“ pózach. Pózy ľudí v klasicizme hovoria samy za seba, čo sa momentálne deje a aké emócie táto alebo tá postava prežíva - hrdinstvo, porážka, smútok atď. To všetko je podané prehnane – okázalo.
Klasicizmus Klasicizmus, ktorý bol vybudovaný na základoch starodávneho zobrazovania mužov a žien idealizovanej atletickej alebo prehnane ženskej postavy, si vyžadoval od renesancie a následných umelcov, aby v tejto podobe zobrazovali ľudí a zvieratá na svojich obrazoch. Preto v klasicizme nie je možné nájsť muža alebo dokonca starého muža s ochabnutou pokožkou alebo ženu s beztvarou postavou. Klasicizmus je idealizovaný obraz všetkého, čo je na obrázku prítomné. Keďže v starovekom svete bolo akceptované zobrazovanie človeka ako ideálneho výtvoru bohov, ktorý nemá žiadne chyby, umelci a sochári, ktorí začali kopírovať tento štýl, začali plne zodpovedať tejto myšlienke. Klasicizmus sa tiež často uchýlil k antickej mytológii. Pomocou starogréckej a rímskej mytológie sa dali zobraziť tak zápletky z mýtov, ako aj zápletky moderné pre umelcov s prvkami antickej mytológie. Mytologické motívy na obrazoch klasických umelcov následne nadobudli podobu symbolizmu, čiže prostredníctvom starovekých symbolov umelci vyjadrovali to či ono posolstvo, význam, emóciu, náladu.
Nicolas Poussin Narodil sa v Normandii v roku 1594. Je považovaný za najvýznamnejšieho francúzskeho maliara 17. storočia. Po počiatočnom výcviku v Rouene v roku 1612 prišiel do Paríža, potom sa túlal po Taliansku av roku 1624 sa usadil v Ríme, kde žil zvyšok života. on a diela, ktoré sa k nám dostali, pochádzajú z rímskeho obdobia. Realizoval veľké zákazky a stal sa uznávaným šéfom klasicizmu. Dielo tohto majstra sa stalo vrcholom francúzskeho klasicizmu a ovplyvnilo mnohých umelcov nasledujúcich storočí
„Uzdravenie nevidomých“ Obraz „Uzdravenie nevidomých“ je napísaný na evanjeliovom príbehu. Na pozadí dosť strnulo prevedenej krajiny s malebnou architektúrou medzi trsmi stromov je zobrazená skupina ľudí, ktorá pozostáva z tzv. boli z dvoch častí: Kristus s učeníkmi a skupina mešťanov s kľačiacim slepcom, ktorého sa Kristus dotýkal rukou
„Jeruzalem oslobodený“ Väčšina námetov Poussinových obrazov má literárny základ. Niektoré z nich sú napísané podľa diela talianskeho renesančného básnika Torquata Tassa „Jeruzalem oslobodený“, ktorý rozpráva o ťaženiach križiackych rytierov v Palestíne
"Krajina s Polyfémom" Významné miesto v diele Poussina zaujímala krajina. Vždy ju obývajú mytologickí hrdinovia. To sa odráža v názvoch diel: "Krajina s Polyfémom", "Krajina s Herkulesom" Ale ich postavy sú medzi obrovskými horami, oblakmi a stromami malé a takmer neviditeľné.Postavy starovekých mytológií tu pôsobia ako symbol duchovnosti sveta.Tú istú myšlienku vyjadruje aj kompozícia krajiny, jednoduchá, logická, usporiadaná
Claude Lorrain () Claude Lorrain bol súčasníkom Poussina. Skutočné meno umelca je Claude Gellet a prezývku Lorrain dostal podľa mena svojho rodiska v provincii Lorraine Ako dieťa prišiel do Talianska, kde začal študovať maľbu.Umelec prežil väčšinu svojho života v Ríme
Ráno v prístave Lorrain venoval svoju prácu krajine, ktorá vo Francúzsku 17. storočia. bol vzácnosťou. Jeho plátna stelesňujú rovnaké myšlienky a kompozičné princípy ako krajiny Poussin, vyznačujú sa však väčšou jemnosťou farieb a majstrovsky postavenou perspektívou. Lorraina zaujímala hra tónov, obraz vzduchu a svetla na plátno
Poludnie Umelec sa priklonil k jemnému šerosvitu a dokonca k rozptýlenému osvetleniu, ktoré mu umožňuje sprostredkovať efekt „rozpúšťania“ obrysov objektov v diaľke. Postavy postáv v popredí sa zdajú byť takmer neviditeľné v porovnaní s epickými majestátnymi stromami, horami svahoch a morskej hladine, na ktorej sa svetlo hrá s jemným odleskom. Je to Lorrain, ktorý nasleduje za zakladateľa tradícií francúzskej krajiny
Charles Lebrun () Rozsiahla pozostalosť po Charlesovi Lebrunovi dokonale vystihuje zmeny, ktorými prešiel francúzsky klasicizmus. obrazy ospevovali moc francúzskej monarchie a veľkosť Ľudovíta XIV. Kráľ Slnko namaľoval aj množstvo portrétov.Jeho zákazníkmi boli najmä kráľovskí ministri a dvorná aristokracia.Maliar sa vo všetkom oddal ich vkusu a svoje obrazy premenil na slávnostné divadelné predstavenie Takto je zobrazený francúzsky kancelár Pierre Seguier: tento politik dostal za svojho života prezývku „pes vo veľkom obojku“, no Lebrun ani len nenaznačil jeho krutosť, šľachtic s noblesným držaním tela a tvárou plnou múdrych dôstojnosť, sedí na koni obklopený družinou
Vstup Alexandra Veľkého do Babylonu Vďaka Lebrunovi bola v roku 1648 založená Francúzska kráľovská akadémia maliarstva a sochárstva, dlhé roky viedol Kráľovskú manufaktúru tapisérií a nábytku. skutočný diktátor, ktorý trval predovšetkým na dôkladnom nácviku kresby a zanedbával farebnosť, pričom sa odvolával na autoritu Poussina, nebadane premenil svoje zásady na mŕtvu dogmu
Klasicizmus, umelecký štýl v európskom umení sedemnásteho - začiatku devätnásteho storočia, ktorého jednou z najdôležitejších čŕt bolo apelovanie na formy antického umenia ako ideálny estetický a etický štandard. Princípy racionalistickej filozofie, z ktorých vychádza, určovali pohľad teoretikov a praktikov klasického štýlu na umelecké dielo ako na plod rozumu a logiky, víťaziace nad chaosom a plynulosťou zmyslovo vnímaného života.
Klasicizmus, ktorý sa rozvíjal v polemickej interakcii s barokom, sa vo francúzskej umeleckej kultúre 17. storočia rozvinul do integrálneho slohového systému. Orientácia na rozumný začiatok, na pretrvávajúce vzory určovali pevnú normatívnosť etických požiadaviek (podriadenosť osobného všeobecnému, vášne - rozumu, povinnosti, zákony vesmíru) a estetické nároky klasicizmu, regulácia umeleckých pravidiel. ; upevneniu teoretických doktrín klasického štýlu napomohla činnosť kráľovských akadémií založených v Paríži – maliarstvo a sochárstvo (1648) a architektúra (1671). V architektúre klasicizmu, ktorá sa vyznačuje logikou plánovania a jasnosťou objemovej formy, hrá hlavnú úlohu poriadok, ktorý jemne a zdržanlivo zatieňuje celkovú štruktúru budovy (architekti: Mansart Francois, Perro Claude, Levo Louis, blondínka Francois); od druhej polovice 17. storočia francúzsky klasicizmus absorbuje priestorový rozsah barokovej architektúry (Hardouin-Mansart Jules a Le Nôtre Andre, dielo architektov vo Versailles).
V 17. - začiatkom 18. storočia sa klasicizmus formoval v architektúre Holandska, Anglicka, kde sa organicky spájal s palladianizmom (Ainigo Jones, Christopher Wren), Švédskom (N. Tessin mladší). V klasickej maľbe sa čiara a šerosvit stali hlavnými prvkami modelovania formy, miestna farba jasne odhaľuje plasticitu postáv a predmetov, oddeľuje priestorové plány obrazu; poznačená vznešenosťou filozofického a etického obsahu, všeobecnou harmóniou diel Poussina Nicolasa, zakladateľa klasicizmu a najväčšieho majstra 17. storočia; „ideálne krajiny“ (maliar Lorrain Claude).
Klasicizmus 18. - začiatku 19. storočia (v zahraničných dejinách umenia býva označovaný ako neoklasicizmus), ktorý sa stal celoeurópskym štýlom, sa formoval tiež najmä v lone francúzskej kultúry, pod silným vplyvom myšlienok tzv. osvietenie. V architektúre boli určené nové typy nádherného kaštieľa, veľkolepá verejná budova, otvorené mestské námestie (Gabrielle Jacques Ange a Souflot Jacques Germain), hľadanie nových, usporiadaných foriem architektúry, túžba po drsnej jednoduchosti v tvorbe Ledoux Claude Nicolas predvídal architektúru neskorého štádia klasického štýlu - empíru. Občiansky pátos a lyrizmus v kombinácii s plastom (Pigalle Jean Baptiste a Houdon Jean Antoine), dekoratívnou krajinou (Robert Hubert). Odvážna dráma historických a portrétnych obrazov je vlastná dielam hlavy francúzskeho klasicizmu, maliara Jacquesa Louisa Davida.
V 19. storočí sa maľba klasicizmu, napriek aktivitám jednotlivých významných majstrov, akým bol Jean Auguste Dominique Ingres, zvrháva v oficiálne apologetické či namyslene erotické salónne umenie. Rím sa stal medzinárodným centrom európskeho klasického štýlu 18. - začiatku 19. storočia, kde dominovali tradície akademizmu s charakteristickou kombináciou vznešenosti foriem a chladnej idealizácie (nemecký maliar Anton Raphael Mengs, sochári: Talian Canova Antonio a Dán Thorvaldsen Bertel). Architektúru nemeckého klasicizmu charakterizuje ťažká monumentalita stavieb Karla Friedricha Schinkela, pre kontemplatívno-elegickú náladu maliarstva a plastiky - portréty Augusta a Wilhelma Tischbeinovcov, sochárstvo Johanna Gottfrieda Schadowa.
V anglickom klasicizme vynikajú starožitnosti Roberta Adama, parkové statky Palladiana Williama Chambersa, nádherne strohé kresby J. Flaxmana a keramika J. Wedgwooda. Vlastné verzie klasického štýlu vyvinuté v umeleckej kultúre Talianska, Španielska, Belgicka, škandinávskych krajín, USA; vynikajúce miesto v dejinách svetového umenia zaujíma ruský klasicizmus 60. – 40. rokov 18. storočia. Koncom prvej tretiny 19. storočia sa vedúca úloha tohto slohového smeru v umení takmer všeobecne vytrácala, nahrádzali ho rôzne formy architektonického eklektizmu. Umelecká tradícia klasického štýlu ožíva v neoklasicizme konca 19. a začiatku 20. storočia.
Referenčné a biografické údaje Small Bay Planet Art Gallery sú pripravené na základe materiálov z Dejín zahraničného umenia (editovali M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), Umelecké encyklopédie zahraničného klasického umenia a Veľkej ruskej encyklopédie.
Klasicizmus (z latinského „classicus“, t. j. „príkladný“) je smer v maľbe, ktorého jednou z charakteristických čŕt bolo prísne dodržiavanie množstva pravidiel a kánonov. Pravidlá boli vyvinuté ako prostriedok na dosiahnutie hlavného cieľa - vzdelávať obyvateľstvo, ukazovať im vznešené príklady a príklady.
Klasicizmus sa orientoval na diela antického umenia, no neznamenalo to obyčajné kopírovanie. Smer tiež predpokladal kontinuitu estetických tradícií renesancie, ktorej umelci sa veľmi často obracali k téme antiky.
Klasicizmus má pôvod v maliarstve umelcov západoeurópskych krajín na konci 16. storočia. Bratia Carracciovci veľkou mierou prispeli k systematizácii a konsolidácii úspechov veľkých majstrov renesancie, najmä Michelangela a Raphaela. V 80. rokoch 16. storočia otvorili Akadémiu umení v Bologni, ktorej príprava bola založená na podrobnom štúdiu princípov práce veľkých maliarov (od základov stavby kompozície až po kresbu) a napodobňovaní ich zručností.
Na začiatku XVII storočia. začínajúci maliari z rôznych krajín prichádzajú do Ríma študovať maľbu na základe oboznámenia sa s majstrovskými dielami staroveku a renesancie. Veľký úspech dosiahol Francúz Nicolas Poussin (1594-1664). Následne vytvoril mnoho umelecky hodnotných diel na témy staroveku a mytológie. Jeho diela sa vyznačovali neprekonateľnou presnosťou kompozície a premyslenosťou farebných schém („Midas a Bacchus“, 1625; „Triumf Neptúna“, 1634).
Ďalší francúzsky umelec Claude Lorrain (1600-1682) namaľoval sériu krajín okolo Ríma. Stal sa prvým z maliarov, ktorý sa začal vážne zaujímať o problematiku zobrazovania ranného a večerného osvetlenia, sýtosti svetla. Filigránska práca so svetlom a obrazmi siluet, vytvárajúca efekt hĺbky priestoru – to všetko vytvára štýl Lorrainových diel („Krajina s obchodníkmi“, 1628; „Únos Európy“, 1655 atď.).
Klasicizmus dosiahol svoj vrchol v 17. storočí. spolu s rozkvetom absolútnej monarchie vo Francúzsku a výrazným vzostupom divadelného umenia. Na čele smeru je Akadémia umení, otvorená v roku 1648 v Paríži, ktorá vytvorila súbor neotrasiteľných pravidiel a zákonov pre maľbu.
Len krásne a vznešené sa mohlo stať predmetom umenia; estetickým ideálom zostala antika (preto v dielach klasicistov nenájdeme človeka s neforemnou postavou či ochabnutou pokožkou). Akadémia tiež stanovila zásady zobrazovania „vášní“; rozdelila aj žánre umenia na „vysoké“ (historické, náboženské, mytologické) a „nízke“ (portrét, krajina, zátišie, každodenný žáner) a kombinácia žánrov v obrazoch nebola povolená.
V dielach klasicizmu sa kládol hlavný dôraz na: logický význam deja, jasné a kompetentné zloženie a správny prenos objemu. Čiara a šerosvit sa stali hlavnými prvkami budovania formy; rozdelenie v plánoch krajiny sa uskutočnilo pomocou farby (popredie bolo hnedé, stredné - nazelenalé, vzdialené - modré).
Významnými predstaviteľmi európskeho „neskorého klasicizmu“ alebo „neoklasicizmu“ boli francúzski umelci Jacques-Louis David (1748-1825) a Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). Mimoriadne suchý a plný drámy, obrazový jazyk Jacquesa-Louisa Davida spieval s rovnakým úspechom ideály Veľkej francúzskej revolúcie („Smrť Marata“, 1793) a oslavoval prvé cisárstvo vo Francúzsku („Zasvätenie cisára Napoleona I“, 1805-07).
Obrazy Ingresa, ktorý sa často obracal k romantickým námetom, potešia zmyslom pre štýl, pôvabnosť línií a veľkolepú hru farieb a svetla (Veľká odaliska, 1814; Sediaci kúpeľ, 1808).
Postupne sa maľba európskeho neoklasicizmu, napriek aktivitám jednotlivých významných maliarov (Jacques-Louis David a Jean-Auguste-Dominique Ingres), zvrháva v oficiálne apologetické či sentimentálne salónne umenie.
Ruský klasicizmus sa objavil v procese europeizácie Ruska za Kataríny II. a bol rozšírený koncom 18. a v prvej polovici 19. storočia. Na plátnach umelcov dominujú myšlienky občianstva, vznešených morálnych ideálov, vlastenectva a hodnoty ľudskej osoby. Starožitná kultúra, ako aj európsky klasicizmus, je považovaná za absolútnu klasiku a neoceniteľné historické dedičstvo. Umenie je vnímané ako prostriedok, ktorý by mal skrotiť hrubé vášne a zapojiť sa do morálnej výchovy prostredníctvom romantického potvrdenia krásy.
K predstaviteľom ruského klasicizmu patria predovšetkým portrétisti D. G. Levickij (1735-1822), F. Rokotov (1736-1808), V. A. Tropinin (1776-1857), O. Kiprensky (1782-1836), V. Borovikovskij (1757-1825). ). Maliari vytvorili celú galériu nádherných portrétov svojich súčasníkov – diel, ktoré ospevujú vnútornú krásu a vznešenosť ľudských túžob.
Portréty nám sprostredkovali obrazy slávnych ľudí a ukázali vyspelosť a umeleckú zručnosť umelcov. Medzi najznámejšie diela patrí Korunovačný portrét Kataríny II. od F. Rokotova, 1763; "Portrét E. I. Nelidovej" od D. Levického, 1773; „Portrét M. I. Lopukhina“ od V. Borovikovského, 1797; "Portrét Puškina" od V. Tropinina, 1827
Slávny ruský klasicista je K. A. Bryullov (1799-1852). V jeho obrazoch sa spájal akademický klasicizmus s romantizmom. Umelcov najslávnejší obraz „Posledný deň Pompejí“ (1830-33) je pozoruhodný svojím dramatickým dejom, divadelným efektom plasticity, zložitosťou osvetlenia a virtuóznym výkonom.
Títo a ďalší umelci - predstavitelia klasicizmu - vo svojich dielach v mnohých ohľadoch predvídali úspechy ruského realizmu v nasledujúcich desaťročiach.
Formovanie klasicizmu v Rusku Vznik a formovanie klasicizmu v Rusku je úzko späté s rozvojom sociálneho myslenia a výchovných myšlienok druhej polovice 18. storočia. Myšlienky občianstva a povinnosti, ako aj morálna výchova občana boli široko rozvinuté. Klasicizmus ako nový umelecký smer bol definovaný v 60. rokoch 18. storočia. Rozhodol sa napodobniť starodávnu klasiku a vážil si ju pre jasnosť formy a logiku myslenia, ale predovšetkým pre ideál občana, ktorý vytvorila. Základom estetiky klasicizmu bolo tvrdenie, že umenie v jednom ideálnom obraze krásy spája to, čo v skutočnosti existuje v samostatných a nesúrodých častiach. Umenie musí nahradiť krásu a harmóniu, ktorá v prírode ako celku chýba. V Rusku zachytil štýl klasicizmu pomerne veľké časové obdobie, takže existuje rozdelenie na chronologické etapy. Prvé obdobie – 60. – 80. roky 18. storočia – raný klasicizmus, zrelý klasicizmus „zapadá“ do posledných dvadsiatich rokov osemnásteho storočia. Začiatkom 19. storočia vznikol nový názov pre neskorú fázu klasicizmu. V napoleonskom Francúzsku sa zrodil takzvaný „empírový štýl“ – empírový, ktorý sa rozšíril aj do Ruska.
A. P. Losenko - zakladateľ ruského klasicizmu A. P. Losenko (1737 -1773) je právom považovaný za zakladateľa akademickej maliarskej školy ruského klasicizmu. Jedným z najlepších maliarových obrazov je Hektorova rozlúčka s Andromache.Dej diela je prevzatý zo VI. knihy Homérovej Iliady. Hektor, syn trójskeho kráľa Priama, sa lúči s manželkou a malým synom. Ide brániť mesto Trója obliehané Achájcami.
LOSENKO PRESNE NEZOBRAZUJE OBSAH TEJTO SCÉNY. S POUŽITÍM JEDNOTLIVÝCH MOTÍVOV STAROŽITNÉHO EPOSU VESTOVIL VÝTVARNÍK DO DIELA INÝ OBSAH, ÚPLNE ZALOŽENÝ NA PRINCÍPACH KLASICIZMU. PLÁN LOSENKA JE ZALOŽENÝ NA MYŠLIENKE POVINNOSTI VOČI VLASTI A HRDINSKEJ SEBEOBETOVANÍ V MENE VLASTI. TENTO VYSOKÝ MYŠLIEN PODĽA VŠETKÉHO ROZHODNUTIA DREVA. VŠETKO OSOBNÉ, HĽBKO ĽUDSKÉ, SA VRÁTI SPÄŤ. V POROVNANÍ S HOMERICKYMI HRDINAMI SA OBRAZY, KTORÉ VYTVORIL KLASICISTICKÝ UMELEC, ZDAJÚ VYBITÉ, ALE VYSOKÉ. STRÁCAJÚ SVOJU VITALITU A ROZMANITOSŤ, ALE STÁVAJÚ SA VÝRAZMI JEDNEJ MYŠLIENKY, JEDNÉHO POCITU. KOMPOZÍCIA OBRAZU JE PREHĽADNE NAVRHNUTÁ A LOGICKY POSTAVENÁ. DVE HLAVNÉ POSTAVY, HECTOR A ANDROMACHE, SÚ ODsunuté VPRED A ULOŽENÉ V CENTRE. SÚ ZAHRNUTÉ V KLASICKOM TROJUHOLNÍKU A VYSOKÝM VZHĽADOM SO SVETLOM. VĽAVO JE SKUPINA STRÁŽCOV A BOJOVNÍKOV S PANEROU. VPRAVO - SLUŽOBNÍCI DRŽIACI HECTOROVU PRILBU, KOPIJ A ŠTÍT. HLAVNÉ POSTAVY OBCHÁDZAJÚ V POLOKRUHU. SEKUNDÁRNE POSTAVY PLNIA FUNKCIU MUTE EXTRA, AKCIE SA NEZÚČASTŇUJÚ. BOJOVNÍCI A SLUŽOBNÍCI SKLADAJÚ PASÍVNY „DAV“, KTORÝ JE PROTIAKTÍVNYM „HRDINOM“. TU JE JASNE ZOBRAZENÝ OFICIÁLNY POHĽAD NA HISTÓRIU, AKO NA ČINY KRÁĽOV A HRDINOV, ĽUDIA SA NA NICH NEMÔŽU A NEMALI BY SA PODIEĽAŤ.
Hlavnú myšlienku diela stelesňujú iba ústredné postavy. Vplyv klasicizmu je cítiť v riešení hlavných obrazov nemenej zreteľne ako v riešení kompozície. Hector v patetickej póze, s natiahnutou rukou, dvíhajúc oči k nebu, sľubuje, že dá svoj život za slobodu Tróje. Tragický pátos poznačil nielen pózu a gesto hrdinu, ale aj celý jeho zjav, odvážny a vznešený. Hector stelesňuje klasický ideál mužskej krásy.
Klasickým príkladom štýlu klasicizmu v portrétnom žánri je slávny „Portrét Kataríny II. – zákonodarca v chráme bohyne spravodlivosti“ (1783) od D. G. Levitského. Podmienečne rétorický pátos obrazu je stelesnený pomocou plastickej expresivity postoja a gest, charakteristických pre tento štýl. Postava Kataríny je vyzdvihnutá do popredia a zvýraznená svetlom. Vystretou rukou ukazuje na oltár, na ktorom sú pálené kvety maku (mak je symbol spánku).
V portrétnom opise Kataríny Veľkej vystupuje do popredia to univerzálne významné, oficiálne a vysoké, tak cenené v klasicizme, zatemňujúce osobnú a citovú stránku duše. „Božia“ cisárovná sa prezentuje v antickom outfite – šaty sú prirovnané k tunike, na hlave nemá cisársku korunu, ale vavrínovú Nenets.
Príkladom zrelého klasicizmu v ruskej historickej maľbe je obraz „Volenie Michaila Fedoroviča Romanova do cárstva 14. marca 1613“ od G. I. Ugryumova (17641823), nasledovníka A. P. Losenka.
Umelec si vybral jeden z dôležitých momentov ruských dejín – zvolenie mladého bojara M.F.Romanova do kráľovstva, ktorý sa stal zakladateľom novej dynastie, ktorá vládla v Rusku do roku 1917. Pri prevode pozemku maliar vychádzal z oficiálneho výkladu tejto udalosti historikmi: Michail, uvedomujúc si ťažkú situáciu, v ktorej sa Rusko nachádzalo, ustupuje len prosbám ľudu. Zahanbený mladík, priložiac si pravú ruku k srdcu, ten druhý sa akoby vzdialil od veľvyslanectva, ktoré k nemu prišlo. V strede kompozície, na kazateľnici pred ikonostasom, je zastúpená skupina hlavných postáv – Michael, jeho matka a arcibiskup Theodoret. Hrdinovia sú zvýraznení kompozične, ako aj pomocou svetlých a jasných farebných kombinácií. Vpravo sú známe historické postavy. Ich gestá sú plné vážnosti a vážnosti. Naproti tomu na ľavej strane zobrazujú obyčajných ľudí, ktorí sa horlivo a príťažlivo usilujú o novoobjaveného kráľa. Ugryumov s veľkou zručnosťou maľuje bohatý interiér, vyrezávaný ikonostas a veľkolepé oblečenie zobrazených ľudí.
Koloseum, ako žiadna iná pamiatka, je úzko späté s antickou mytológiou a históriou. Ako skutočný klasicistický umelec sa Matveev snažil vyjadriť myšlienku krásy a hrdinskej vznešenosti, sprostredkovať majestátny dych minulosti. "Protagonista" Koloseum sa nachádza striktne v strede kompozície Maliar rozdeľuje priestor Podľa pravidiel klasicizmu Matveev na plánoch paralelných s plátnom. presne sprostredkúva obrysy objektu kontúrou, v popredí kamene, kríky a čiary a šerosvit charakterizujú jeho štruktúru a farba žulového parapetu odráža farbu objektu; Dĺžka susedných objektov. Klasicizmus povyšuje všetko z druhého plánu odhaleného nielen pozorovaného v prírode do určitého absolútneho, hrubšieho ako Koloseum, ale aj z perspektívy, takže tunajšia farebnosť sa mení na pôdu a budovy a záhrady Ríma na ideálnu rasu predmetov. Celá hĺbka po oboch stranách vegetácie je zelená, ruiny sú Koloseum. Tretí plán je hnedý, žltý - pre architektonické detaily, pozadie pre hlavný objekt. šedá - pre steny domov.
Portréty zrelého klasicizmu (Empire) v tvorbe V. L. Borovikovského Príkladom empírového portrétu môže byť dielo V. L. Borovikovského (17571825) „Portrét M. I. Dolgorukyho“, ktoré vytvoril umelec v roku 1811.
Dokonalá postava krásnej ženy vyniká v jasnej siluete na hladkom pozadí steny. Borovikovsky tu spojil plnosť plastických foriem s krásou siluety a noblesou farieb. Línie sú elastické, objemy výrazné. Umelec buduje priestor tak, že tmavočervený zamat šiat dokonale oddeľuje belosť odhalených ramien a paží. Umelec je mimoriadne stručný a výrazný. Vznešené myšlienky klasicizmu začali časom zastarávať. Spoločnosť bola „unavená“ z opakovaného opakovania hotových vzoriek a apologéti štýlu naďalej trvali na tom, že dokonalosť už dosiahlo staroveké umenie a už nie je čo vymýšľať, vymýšľať, objavovať. Postupne sa klasicizmus zmenil na akademizmus.
