Zdobí steny a stropy verejných budov. V minulosti maľovali najmä chrámy, teraz - paláce kultúry, stanice, hotely, štadióny. Takéto obrazy musia byť vyrobené z odolných materiálov, aby mohli existovať spolu s budovami po stáročia. Tvorcovia nástenných malieb, zobrazujúcich historické udalosti alebo výjavy z ich súčasného života, sa snažia sprostredkovať svoju predstavu o svete, pokrokové myšlienky svojej doby. Monumentálna maľba vychováva umelecký vkus širokých más divákov.
monumentálna maľba nachádza sa na stenách, stropoch, klenbách, často prechádza z jednej steny na druhú. Obrazy skúmajú pri pohybe po budove, niekedy aj z ulice, cez veľké okná moderných budov. Inými slovami - monumentálna maľba je vnímaný v pohybe z rôznych uhlov pohľadu a nemal by stratiť na diváka vplyv.
muralista dokáže v maľbe rozvinúť zložitý príbeh-rozprávanie, dokáže spájať udalosti, ktoré sa odohrali na rôznych miestach a v rôznych časoch. Takže veľký Talian umelec Michelangelo na strope Sixtínska kaplnka v Ríme zobrazoval mnoho biblických scén a spájal ich do jednej komplexnej kompozície.
| Slávna freska "Stvorenie Adama" |
Monumentálna maľba sa objavila už dávno ako ľudské obydlie. Už na stenách jaskýň, kde sa uchýlil pračlovek, možno vidieť lovecké výjavy urobené úžasným pozorovaním alebo jednoducho obrázky jednotlivých zvierat. (pozri com. "Primitívne umenie") .
Pri štúdiu histórie starých kultúr sa všade stretávame s pamiatkami monumentálnej maľby. Dávajú nám nielen umelecké potešenie, ale rozprávajú nám aj o živote, živote, práci, vojnách národov. staroveký Egypt, India, Čína, Mexiko a ďalšie krajiny.
Erupcia Vezuvu v 79 pokrytý popolom bohaté mesto Rímskej ríše Pompeje. Vďaka tomu zostalo pre nás veľa nástenných malieb v nedotknuteľnej sviežosti. Niektoré z nich, prevzaté zo stien, teraz zdobia múzeum v Neapole.
 |
| Freska z Pompejí. Afrodita, Ares a Eros. |
Výtvarná kultúra Staroveká Rus našiel svoje vyjadrenie aj v pamiatkach monumentálnej maľby. monumentálna maľba prišiel na Rus z Byzancia po prijatí kresťanstva, ale rýchlo nadobudol národné ruské črty. Napriek tomu, že námety malieb boli náboženského charakteru, ruskí umelci zobrazovali ľudí, ktorých videli okolo seba. Ich svätí sú jednoduchí ruskí muži a jednoduché ruské ženy, sú to celý ruský ľud vo svojich najušľachtilejších črtách. Hlavnými centrami monumentálnej maľby v Rusku boli Kyjev, Novgorod, Pskov, Vladimir, Moskva a neskôr Jaroslavľ. (pozri com. "Staré ruské umenie") . Ale aj mimo týchto veľkých antických miest, v tichých odľahlých kláštoroch, vznikali aj zaujímavé maľby.
V diaľke Kláštor Ferapontov, ukrytý na jazerách bývalej provincie Vologda, veľký ruský umelec Dionysius vytvorili nástenné maľby, ktoré nás potešia muzikálnosťou foriem, nežnosťou a úžasným výberom farieb. Farby na maľovanie Dionysius pripravený z rôznofarebných kameňov, ktorými je obsypaný breh jazera pri kláštore.
 |
| Dionysius. Freska Katedrály Narodenia Panny Márie v kláštore Feropont |
Obrazy sa líšia v závislosti od techniky vykonávania: freska, maľba temperou, mozaika, vitráže.
Slovo freskačasto nesprávne používaný na definovanie akejkoľvek nástennej maľby. Toto slovo pochádza z taliančiny al fresco“, čo znamená „čerstvé“, „surové“. A skutočne, freska je napísaná na surovej vápennej omietke. Farby - suchý pigment, t.j. farbivo v prášku - sa riedi v čistej vode. Keď omietka vyschne, vápno v nej obsiahnuté uvoľní najtenšiu vápenatú kôru. Táto kôrka je priehľadná, fixuje pod ňou farby, robí obraz nezmazateľným a veľmi odolným. Takéto fresky sa k nám v priebehu storočí takmer nezmenili.
Niekedy píšu na už vyschnutú fresku tempera- farby riedené na vajíčko alebo kazeínové lepidlo. Tempera- tiež samostatný a veľmi bežný typ nástennej maľby.
Mozaika nazývaná maľba, vyskladaná z malých farebných kúskov kamienkov resp smalts- nepriehľadné farebné sklo špeciálne zvárané pre prácu s mozaikou. Dlaždice Smalt sa vpichujú do kociek veľkosti podľa želania umelca a z týchto kociek sa podľa náčrtu a kresby v životnej veľkosti (podľa tzv. kartónu) strojom naklepáva obrázok. Predtým sa kocky ukladali do vlhkej vápennej omietky, no teraz sa ukladajú do cementu zmiešaného s pieskom. Cement stvrdne a kocky kameňa alebo smaltu sú v ňom pevne upevnené. Mozaiku poznali už starí Gréci a Rimania. Rozšírený bol aj v Byzancii, balkánskych krajinách a Taliansku. Talianske mesto Ravenna je známe najmä svojimi mozaikami (pozri čl.
Ak chcete použiť ukážku prezentácií, vytvorte si Google účet (účet) a prihláste sa: https://accounts.google.com
Popisy snímok:
Druhy monumentálnej maľby Yaroshchuk Tatyana Viktorovna Učiteľ výtvarného umenia
Monumentálne diela sú maľby veľkých rozmerov, ktoré sa vykonávajú na vonkajších a vnútorných povrchoch budov. Monumentálne dielo a architektúra stavby sú neoddeliteľne spojené, tvoria jeden celok.
Typy monumentálnej maľby: Freska Mozaikový panel z farebného skla
Čo je to freska? Umenie fresky bolo známe v starovekej Rusi. … Slovo „freska“ pochádza z talianskeho „fresco“, čo znamená „čerstvý“, „surový“.
Freska je maľba na mokrej omietke, v preklade z taliančiny znamená „čerstvá“, „surová“, fresku maľovali Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Feofan Grek, Andrey Rublev
Čo je farebné sklo? Okno z farebného skla (francúzsky vitrage, z latinského vitrum - sklo), okrasná alebo výpravná dekoratívna kompozícia (v okne, dverách, priečke, vo forme samostatného panelu) vyrobená zo skla alebo iného materiálu, ktorý prepúšťa svetlo.
Vitráž je obraz tvorený kúskami farebného skla pripevnenými olovenými pásikmi, toto umenie bolo najrozšírenejšie v stredoveku, takmer všetky stredoveké katedrály sú známe svojimi vitrážami, dnes je rozšírené
Čo je to mozaika? Mozaika (francúzska mozaika, talianska mozaika, z latinčiny musivum, doslova - venovaná múzam), obraz alebo vzor vyrobený z častíc rovnakého alebo odlišného materiálu (kameň, smalt, keramické dlaždice atď.) ...
Mozaika je monumentálny obraz, obraz alebo vzor, ktorý je vyrobený z farebných kamienkov, smaltu (farebné nepriehľadné sklo), keramických dlaždíc, pôvodom z antiky, je stále populárny.
Čo je panel? Panel (francúzsky panneau, z lat. pannus - kus látky), 1) časť steny, zvýraznená rámom (štukový rám, ornamentálna stuha a pod.) a vyplnená malebným alebo sochárskym obrázkom. 2) Olejomaľba, tempera atď.
Panel je zarámovaná časť steny alebo stropu vyplnená obrázkom alebo obrázkom, ktorý zdobí stenu alebo strop.
Kreatívna úloha Vytvorte skicu okna z farebného skla
Zhrnutie lekcie: Čo je monumentálna maľba? Uveďte typy monumentálnej maľby. Čo ste sa naučili o freske, vitráži, mozaike, paneli?
Domáca úloha Naučte sa pojmy a definície. Prineste si album, lepidlo, nožnice, farebné perá alebo fixky.
K téme: metodologický vývoj, prezentácie a poznámky
Tento príspevok predstavuje testovú prácu pre 8. ročník podľa programu B.M. Nemenský na tému "Počiatky architektúry a monumentálneho umenia"...
Portrét v maľbe. Typy portrétov.
Účelom tejto prezentácie je oboznámiť študentov s obrazom človeka vo výtvarnom umení, pojmom „portrét“, jeho typmi, spoznať jednotlivé charakteristiky portrétov....
Za prvé diela monumentálnej maľby možno považovať nástenné maľby v jaskyniach Lasko, Altamir a ďalších. Bol široko používaný v pohrebných a chrámových komplexoch starovekého Egypta, ako aj v Kréte-Mykéne, ktorá k nám prakticky neprišla.
Od dávnych čias sa maľba stala hlavným dekoratívnym prvkom pri zdobení kamenných, betónových a tehlových štruktúr. Fresky a boli široko používané v chrámovej architektúre Byzancie, a preto mali veľký vplyv na monumentál starovekej Rusi.
Moderní majstri monumentálnej maľby odvážne kombinujú maľbu so sochárskymi formami, používajú nové umelecké materiály - syntetické farby, keramické reliéfne mozaiky.
V umení stredoveku bola technika farebného skla veľmi rozvinutá. Veľkí majstri renesancie vytvorili veľa fresiek, ktoré boli veľkolepé v dizajne a realizácii. Dnes umelci aktívne ovládajú nové techniky a materiály na vytváranie fresiek a mozaík.
Charakteristické črty monumentálnej maľby
Monumentálna maľba zahŕňa vitráže, fresky, mozaikovú výzdobu budov. V syntéze s architektúrou sú diela monumentálneho umenia často dôležitou sémantickou dominantou súboru.
Výzdoba stien, fasád, stropov dáva monumentálnej maľbe architektonické a ornamentálne kvality blízke dekoratívnemu umeniu. Preto sa často nazýva dekoratívnym a monumentálnym umením.
Podľa figuratívneho a tematického obsahu je zvykom rozlišovať monumentálne a dekoratívne maľby a diela so znakmi monumentality. Oba smery vychádzajú zo zvláštností tohto typu maľby – syntetická a priama súvislosť s architektonickými objektmi.
Obrazové kompozície umiestnené na fasádach a v interiéroch zvyčajne zosobňujú najvšeobecnejšie filozofické a sociálne myšlienky tej doby. To diktuje majestátnosť foriem. Diela, ktoré majú črty monumentality, sa vyznačujú spoločensky významným obsahom. Takže zakladateľ mexickej školy monumentálnej maľby Siqueiros vo svojich obrazoch Národnej prípravnej školy, Paláca výtvarných umení, Národného múzea histórie zobrazil najakútnejšie politické udalosti.
Diela ďalšieho zakladateľa mexickej školy monumentálnej maľby - Diega Riveru - sú úprimne publicistické, historické a vzdelávacie. Monumentálnu maľbu využíval ako prostriedok propagandy, agitácie a vzdelávania.
MONUMENTÁLNA MAĽBA- druh maľby súvisiaci s monumentálnym umením. Monumentálna maľba zahŕňa diela priamo súvisiace s architektonickými konštrukciami, umiestnené na stenách, stropoch, klenbách, menej často na podlahách, ako aj všetky druhy malieb na omietke - ide o fresku (buon fresco, fresco a secco), enkaustiku, tempery, olejomaľba (alebo maľba na inom spojive), mozaiky, malebné panely maľované na plátne, špeciálne upravené pre konkrétne miesto v architektúre, ako aj vitráže, sgrafita, majolika a iné formy plošno-obrazového dekoru v architektúre.
Podľa povahy obsahu a figuratívnej štruktúry sa rozlišujú maľby, ktoré majú vlastnosti monumentality, ktoré sú najdôležitejšou dominantou architektonického súboru, a monumentálne a dekoratívne maľby, ktoré zdobia iba povrch stien, stropov, fasád, ktoré , akoby sa „rozplynuli“ v architektúre. Monumentálna maľba sa nazýva aj monumentálno-dekoratívna maľba, alebo obrazový dekor, ktorý zdôrazňuje osobitný dekoratívny účel nástenných malieb. Diela monumentálnej maľby sú podľa funkcie riešené objemovo-priestorovým alebo plošno-dekoratívnym spôsobom.
Monumentálna maľba nadobúda celistvosť a úplnosť iba v interakcii so všetkými zložkami architektonického súboru.
Najstaršie známe nástenné dekorácie sú škrabané obrysy zvierat v jaskyniach Dordogne vo Francúzsku a na juhu Pyrenejí v Španielsku. Pravdepodobne ich vytvorili Kromaňonci v rokoch 25 až 16 tisíc pred Kristom. Jaskynné maľby v Altamire (Španielsko) a dokonalejšie príklady tohto umenia neskorého paleolitu v jaskyni La Madeleine (Francúzsko) sú všeobecne známe.
Nástenné maľby existovali v preddynastickom Egypte (5-4 tisíc pred Kristom), napríklad v hrobkách Hierakonpolis (Hierakonpolis); na týchto obrazoch je už badateľný sklon Egypťanov k štylizácii ľudských postáv. Počas éry Starej ríše (3-2 tis. pred Kr.) sa sformovali charakteristické črty egyptského umenia a vzniklo mnoho nádherných nástenných malieb. V Mezopotámii sa zachovalo len málo nástenných obrazov, kvôli krehkosti použitých stavebných materiálov. Známe sú figuratívne obrazy, odzrkadľujúce istú náklonnosť k realizmu v prenášaní prírody, no ornamenty sú charakteristické skôr pre Mezopotámiu.
V roku 2 tisíc pred Kr. Kréta sa stáva kultúrnym sprostredkovateľom medzi Egyptom a Gréckom. V Knossose a ďalších palácoch ostrova sa zachovalo veľa fragmentov nádherných fresiek, ktoré boli vyhotovené so živým realizmom, ktorý toto umenie výrazne odlišuje od hieratickej egyptskej maľby. V Grécku, v predarchaickom a archaickom období, nástenné maľby naďalej existovali, ale takmer nič sa z nich nezachovalo. O rozkvete tohto žánru v klasickom období svedčia početné zmienky v písomných prameňoch; Nástenné maľby Polygnotus v Propylaea aténskej Akropole boli obzvlášť známe. Pekné príklady starovekej rímskej monumentálnej maľby sa zachovali pod vrstvou popola na stenách domov v mestách Pompeje, Herculaneum a Stabia, ktoré zomreli počas erupcie Vezuvu v roku 79, ako aj v Ríme. Ide o polychrómované kompozície s rôznymi námetmi, od architektonických motívov až po zložité mytologické cykly, ako je freska Odyseus v krajine Laestrigonov z domu na Esquiline v Ríme; v takýchto kompozíciách vidieť umelcove vynikajúce znalosti prírody a schopnosť ich sprostredkovať.
V ranokresťanskom období (3.-6. storočie) a v stredoveku bola monumentálna maľba jednou z popredných foriem umenia. Počas tohto obdobia boli steny a klenby katakomb zdobené freskami a nástenné maľby a mozaiky sa potom stali hlavnými typmi monumentálnej výzdoby chrámov v Západorímskej ríši (do roku 476) aj v Byzancii (4-15 storočia). a ďalšie krajiny východnej Európy. V stredoveku v západnej Európe boli kostoly zdobené najmä freskami alebo maľbami na suchej omietke; v Taliansku mozaiky tiež naďalej existovali. V nástenných maľbách románskeho slohu (11.-12. storočie) na rozdiel od klasickej a renesančnej maľby nie je záujem o plastickú modeláciu objemu a prenos priestoru; sú ploché, podmienené a vôbec sa nesnažia presne reprodukovať okolitý svet.
Plastické modelovanie sa znovu objavuje v dielach talianskych majstrov konca 13. a začiatku 14. storočia, najmä Giotta. V Taliansku bola počas renesancie freska nezvyčajne rozšírená. Umelci tejto doby sa vo svojich dielach snažili dosiahnuť maximálne zdanie reality; zaujímal ich predovšetkým prenos objemu a priestoru.
Umelci vrcholnej renesancie začínajú experimentovať aj s maliarskymi technikami. Áno, zloženie. Posledná večera Leonardo da Vinci v refektári kláštora Santa Maria delle Grazie v Miláne je namaľovaný olejom na zle pripravenom povrchu steny. Časom však značne utrpel a pod vrstvou neskorších aktualizácií sa stal takmer na nerozoznanie. V 16.–18. stor v talianskej monumentálnej maľbe rastie túžba po okázalosti, dekoratívnosti a iluzionizme.
Rozhodujúci prechod od starého k novému, najťažší proces zvládnutia európskeho „jazyka“ v čo najkratšom čase a oboznámenie sa so skúsenosťami svetovej kultúry sú obzvlášť viditeľné v maľbe Petra Veľkého. K uvoľneniu umeleckého systému starovekého ruského maliarstva došlo, ako už bolo spomenuté, už v 17. storočí. Od začiatku XVIII storočia. hlavné miesto v maľbe začína zaujímať olejomaľba na svetskú tému. Nová technika a nový obsah oživujú ich vlastné špecifické metódy, vlastný systém vyjadrovania. Nová technika olej na plátne je však charakteristická nielen pre maľbu na stojane, ale prenikla aj do jej monumentálnych a dekoratívnych foriem.
V súvislosti s výstavbou Petrohradu a vidieckych sídiel kráľovskej rodiny a hodnostárov v blízkosti dvora sa prirodzene rozvíja monumentálna maľba plafondov a nástenných panelov. Monumentálna a dekoratívna maľba sa hojne využívala aj na masových slávnostiach, v divadelných predstaveniach, prehliadkach, slávnostných „procesoch“ vojsk, ilumináciách na počesť „viktórií“, pre ktoré sa stavali víťazné oblúky a pyramídy, bohato zdobené nielen sochárstvom, ale aj s maľovaním.
Žiaľ, práve monumentálna maľba 18. storočia, najmä jeho prvá polovica a predovšetkým doba Petra Veľkého, prežila horšie ako maľba na stojane: dočasné drevené konštrukcie v podobe víťazných oblúkov či pyramíd zmizli samé od seba, budovy boli viackrát prestavané, maľba bola obnovená, zmenila svoj obraz alebo úplne zanikla vôľou času a ľudí. Preto sú problémy monumentálnej a dekoratívnej maľby doby Petra Veľkého možno jednou z najviac rozvinutých v ruských dejinách umenia. Len v poslednom desaťročí sa objavilo množstvo zovšeobecňujúcich prác na túto tému, predovšetkým už spomínané diela B. Borzina „Obrazy Petra Veľkého“ a N. V. Kalyazina, G.N. Komelovej „Ruské umenie Petrinskej éry“, v ktorej autori okrem rozsiahleho obrazového a architektonického materiálu využili výsledky výskumov a objavy súvisiace s reštaurátorskými prácami posledných desaťročí.
Monumentálna a dekoratívna maľba Petrovskej éry je jednou z najefemérnejších oblastí ruského umenia 18. storočia, pretože o nej vieme viac z opisov, kresieb, niekoľkých zachovaných rytín a akvarelov ako zo vzoriek, ktoré sa dostali až do nás. Týka sa to predovšetkým maľby víťazných brán. Z dreva sa k nám, žiaľ, nedostali a dojem o ich podobe si vytvárame z dochovaných literárnych prameňov – dokumentov, spomienok, kresieb, náčrtov, rytín. Takže vďaka rytine z roku 1710 si predstavujeme, ako ruské vojská vstúpili do Moskvy po víťazstve v bitke pri Poltave (Triumfálne brány A.D. Menšikova v Moskve na počesť víťazstva v Poltave. Arch. N. Zarudnyj). Nedávno boli objavené aj niektoré kresby k maľbe triumfálnych brán (napr. kresba A. Matveeva pre Aničkovské brány, 1732, BAN).
Bolo zvykom postaviť víťazné oblúky na počesť nejakej výnimočnej udalosti: v čase Petra Veľkého sa takto oslavovali hlavné víťazstvá (Poltava, Nishtadský mier atď.); za vlády Anny Ioannovny a Alžbety Petrovny ich stavali najmä pri príležitosti korunovácií, menín a pod. Za Anny Ioannovny na počesť jej vstupu do Petrohradu v roku 1732 po korunovácii postavili dokonca niekoľko brán: a rieka Myi, ako sa vtedy Moika volala) a Aničkovskij (cez Nevského výhľad, neďaleko Aničkovského paláca, ale na druhej strane mosta) (všetko od architekta D. Trezziniho).
Pri stavbe brány boli vypracované a starostlivo vypracované špeciálne programy, o ktorých sa diskutovalo na synode, následne sa robili nákresy a náčrty, ktoré sa aj kontrolovali. V časoch Petra Veľkého konečnú literárnu verziu podpísal podpredseda synody Feofan Prokopovič a schválil ju Peter (ako aj nákresy). Zákazníkmi brány môžu byť navyše rôzne panstvá, nielen štát. Napríklad „Brána školských učiteľov“ vznikla na objednávku slovansko-grécko-latinskej školy. Mohli by existovať jediní zákazníci: brány AD. Menshikov (1709), spomínaný vyššie, G.D. Stroganov (1709, architekt G. Ustinov?), "Významní ľudia Stroganovcov" (1721, architekt I. Ustinov) - všetci v Moskve. Triumfálne brány spravidla stavali poprední architekti (Zarudnyj, Trezzini, Zemcov), zdobili ich známi sochári (K. Osner, N. Pino), mnohí ruskí majstri, ikonopisci zbrojovky, maliari gr. Adolsky, R. Nikitin, A. Matveev, z cudzincov - L. Caravakk.
Triumfálne brány boli brilantnou syntézou takmer všetkých druhov umenia: architektúry, sochárstva (niekedy niekoľko desiatok postáv), maliarstva, všetkých druhov svetelných a farebných efektov. „Lampáš“ korunujúci oblúk bol spravidla zdobený pozdĺž hlavnej fasády portrétom vládnucej osoby. Sochárske a obrazové alegórie oslavovali autokrata alebo udalosť, na počesť ktorej bol postavený oblúk. Celkový dojem vážnosti a slávnosti umocňovala farebnosť: sochy boli maľované, odeté do „antických tóg“, maľba bola postavená na kombinácii veľkých farebných škvŕn s očakávaním „pohľadu“ z diaľky.
Obrazový jazyk výzdoby triumfálnych brán je jazykom alegórií a symbolov (prevzatých najmä z knihy „Symboly a emblémy“, vydanej v roku 1705), ktorá oslavovala ruské víťazstvá a ruský štát. Táto symbolika je dosť naivná a priamočiara. Takže v Menšikovských bránach ponúka Menšikov Petrovi svoje horiace srdce. Alebo: Neptún zakazuje, aby vietor fúkal na Kronštadt. Na obrázku havarovaného Phaetonu možno ľahko prečítať narážku na Karola XII. atď. Na počesť zajatia Azova (známeho z rytiny P. Pikarta) sa okrem obrovských vyrezávaných postáv Herkula a Marsa dva malebné panely zobrazujúce námornú bitku a nápisy. Na jednom nápis znel: „Turci sú ohromení morom, zanechávajú korisť z Moskvy, ich lode sú spálené“, na druhom: „Moskva Ogaryan víťazí, ženie odvážneho na mnoho míľ“.
Alegórie charakteristické pre umenie 18. storočia dobre koexistovali v maľbe triumfálnych brán s množstvom antických bohov a bohýň. A Herkules alebo Bellerophon alebo Perseus a Andromeda boli priateľskí susedia s Georgom Víťazným alebo Archanjelom Michaelom. V Petrových časoch sa obľúbenými hrdinami stali Alexander Veľký (Peter je s ním jednoznačne porovnávaný), Zeus, Mars, Herkules, z biblických Dávid (Karol XII, teda Goliáš). V ruskej histórii bol Alexander Nevsky zaznamenaný s osobitnou pozornosťou. Porazený lev je symbolom porazeného Švédska.
Treba poznamenať, že na triumfálnych bránach sa prvýkrát objavujú historické a bojové kompozície. A práve tu spravidla pôsobia konkrétne historické postavy (Peter, Karol XII., Menšikov), v modernom oblečení a dokonca obdarené určitou psychologickou charakteristikou, v určitom reálnom prostredí – na mori, na bojisku, pod múry pevností – čo z takýchto obrazov robí vlastne prvé historické plátna.
Maliarska a sochárska výzdoba víťazných oblúkov pri príležitosti korunovácií a menín v polovici storočia sa stáva zložitejšou a bohatšou v súlade s barokovou architektúrou a jej výzdobou, ale občianske programovanie a budovanie, racionalistická zdržanlivosť vlastná štýlu ktoré podmienečne nazývame „petrovským barokom“, sa strácajú.“.
Ako už bolo spomenuté, o mnohých obrazoch vieme len z kresieb a akvarelov. Takže o výzdobe centrálnej sály paláca F.M. Apraksin („admirálsky dom“), jeho dekorácia na svadbu najstaršej dcéry kráľa Anny Petrovny s vojvodom z Holštajnska, sa dozvedáme z kresby H.-L. Berner (papier, kar., akv., 1725; Štokholmské národné múzeum) (pozri N.V. Kalyazina, G.N. Komelova v op. cit., s. 67, č. 48-49). Na jeho výzdobe sa podieľali Rastrelli, otec a syn. Maľba tu koexistovala s modelovaním, mramorovanou maľbou, fantasticky lámanou v krištáľových lustroch a zrkadlách. V tomto paláci bývali novomanželia po svadbe a v roku 1732 vstúpil do komplexu budov nového Zimného paláca Anny Ioannovny. Tiež podľa dokumentov vieme o maľbe domov U.A. Senyavin a princ. Repnin na Vasilevskom ostrove, Feofan Prokopovič na Karpovke a ďalší.
Čo zostalo z diel monumentálnej a dekoratívnej maľby z čias Petra Veľkého v Petrohrade a jeho okolí? Málo, veľmi málo a navyše toto málo utrpelo počas Veľkej vlasteneckej vojny a objavuje sa pred nami v zreštaurovanej podobe ako výsledok jedinečného počinu obrovského tímu umeleckých reštaurátorov, architektov a historikov umenia. Ide o obrazy Meshshtkovského a Letného paláca v Petrohrade a Monplaisir, Voliéra a Veľký palác v Peterhofe. Niet pochýb, že ak nie špecificky svetské prvky, tak istý svetský duch preniká aj do cirkevnej architektúry, jej maľby. A v skutočnosti znakom, symbolom inovácií éry Petra Veľkého je jeho hlavná svätyňa - katedrála Petra a Pavla a jej výzdoba, hoci maľba chrámu bola vykonaná po smrti Petra I. (1728 -1732).
Keď už hovoríme o monumentálno-dekoratívnej maľbe, nemožno sa nedotknúť interiéru ako celku, ktorého je tento obraz súčasťou. Pokiaľ ide o dobu Petra Veľkého, o jej ranom období, teda o svetskom vnútrozemí Moskvy a Moskovskej oblasti, vieme najmä z archívnych inventárov kráľovských chórov, obrazov na rytinách či spomienok súčasníkov. Ide o značné obdobie, ktoré zahŕňa posledné dve desaťročia 17. – prvé desaťročie 18. storočia, keďže, ako vieme, skutočná výstavba Petrohradu sa začína v rokoch 1710-1714. a Petrov dekrét zastavuje kamennú výstavbu v Moskve a iných mestách.
V poslednej tretine XVII storočia. v Moskve sa obnovuje a rozširuje niekoľko starých palácov: Zlatá komnata Teremnoy, Fazetová komnata v Kremli, rozširujú sa paláce Kolomna a Izmailovskij, stavia sa Vorobyevskij. Môžeme však posudzovať iba palác Lefortovo (1697-1699, architekt D. Aksamitov), ktorý je zaujímavý najmä tým, že jeho interiér spájal staré starodávne ruské prvky a nové, ktoré sa mali vyvinúť neskôr v Petrohrade, ktorý bol primárne vyjadrené v začlenení obytných priestorov do spoločnej jasnej symetrickej štruktúry. V súlade s tým, tradície v Lefortovo zostávajú hlavné dve komory - jedáleň a spálňa (posteľ). Pohľad na Jedálenskú (obradnú) sieň nám zachovala rytina z roku 1702 od A. Shkhonebeka, zobrazujúca svadbu šaša Teofylakta zo Šanského.
Práve jedáleň slúžila na starej Rusi okrem priameho účelu aj ako miesto prijímania veľvyslancov, rôznych osláv a dokonca aj divadelných predstavení. (Pozri o tom: Evangulova O. S. Svetské vnútro Moskvy a Moskovská oblasť konca 17. - začiatku 18. storočia. // Ruské mesto. Moskva a Moskovský región. M., 1981. Číslo 4. S. 110-120; Pronina IL Terem "Palace. Manor. Evolúcia súboru vnútra v Rusku na konci 17.-prvej polovice 19. storočia", M., 1996). Na rytine vidíme slávnostný, slávnostný, „veľkolepý“ interiér: steny pokryté látkami, zložitý strop, „poškodené“ kachle, pozlátené lustre, tapisérie, veľké ikony (ktoré sa vo svojej dekoratívnej úlohe zhodujú s portréty na stenách). Ešte všednejšia je Rohová komora (tiež rytina od Schkhonebeka) s množstvom zrkadiel a tapisérií. Už v „Petrohradskom období ruských dejín“, keď palác Lefortovo daroval kráľ n.l. Menshikov (a začal sa nazývať Slobodsky), bol prestavaný a interiér je presýtený luxusnými „orientálnymi“ vecami, „čínskymi“ prichádzajúcimi do módy. Verný starej tradícii je panstvo v Preobrazhenskoye, obľúbenom paláci Petra I., s ktorým sa však spájajú aj pochmúrne stránky Petrovej histórie: tu sa zabával Romodanovskij, hlava hrozného preobraženského rádu, a zúril malého rešpektovaná „Najvtipnejšia katedrála“. Spojením všetkých literárnych a historických zdrojov vedci obnovujú obraz interiérov paláca: miestnosti, ktoré vyzerajú ako krabica, steny pokryté damaskom, množstvo nielen „záclon“ (záclon), ale už zrkadiel a portrétov, a Petrove osobné veci (jeho obľúbené kompasy, astroláb atď.).
Moskovská tradícia zdobenia interiéru okamžite nevymrela. Odrazilo sa to aj v interiéri prvého Zimného paláca v Petrohrade. Na rytine Alexeja Zubova (1712), ktorá zobrazuje svadobnú hostinu Petra a Kataríny, aj centrálna sála pripomína krabicu. Zdobia ho nádherné espaliery, rezbárske práce a štuky, tvarované zrkadlá, komplexný luster zo slonoviny a ebenu, ktorý vyrezal sám Peter.
Mimochodom, poznamenávame, že výmena tkaného čalúnenia stien a maľovaného stropu za omietku a dokonca aj štuky a kusy sa vyskytuje aj v Moskve, alebo skôr v architektúre pri Moskve (Menshikovov majetok v Alekseevskej pri Moskve).
Na ďalšej, skoršej rytine A Zubova (1711), zobrazujúcej svadbu Shuga Volkova, ktorá sa konala v Menšikovovom „Dome veľvyslanca“ v Petrohrade (drevené kaštiele na mieste budúceho kamenného paláca), vidíme v interiéri rovnaké vzorované damaškové látky na stenách, množstvo stien so sviečkami - svietidlá (ako by sme teraz povedali) - a veľké množstvo zarámovaných portrétov na bočných stenách, s ktorými sú dve obrovské ikony na vstupnej stene - "Ukrižovanie" a „Nanebovstúpenie Krista“ zrejme konkurujú vo svojej dekoratívnej úlohe. Tak sa postupne v zložitom prelínaní starého a nového formovalo palácové vnútro hlavného mesta, ktoré sa zrodilo na brehoch Baltu.
V architektúre Petrových palácov je potrebné si všimnúť vzhľad miestností, ktoré boli svojím účelom úplne nové, predtým nepoznané: tanečné sály, kabinety (Petrov dubový kabinet vo Veľkom paláci Peterhof, Orechový kabinet v Menšikovskom, „skrinky starožitností“. ", alebo "zriedkavé", Lakované skrinky - v záľubách pre "Číňanov" a "Japoncov" atď.), Špeciálne predné izby - Predná spálňa, dokonca Predná kuchyňa, "latríny" (šatne) atď. Každý z nich si vyžadoval svoju výzdobu.
Interiér petrohradských palácov z čias Petra Veľkého, jasne sledujúci zásadu pravidelnosti a praktickosti v architektúre a tematický v maliarstve, zostáva verný už tradičnej výzdobe a slávnosti interiéru ako celku.
Pokiaľ ide o konkrétne pamiatky monumentálneho a dekoratívneho maliarstva doby Petra Veľkého, zoberme si chronologicky najstarší komplex - Petrov letohrádok v Letnej záhrade. Zdá sa, že jeho maľba je najcharakteristickejšia pre petrovské obdobie. Námet nástenných malieb je rovnaký: pomocou symbolov a alegórií, tak milovaných v tejto dobe, sa oslavuje hrdinský čas a predovšetkým štátna moc, inšpirujú sa myšlienky vlastenectva. Po prvýkrát sa tu objavila téma víťazstiev Ruska v Severnej vojne, jeho glorifikácie v syntéze s architektonickým a umeleckým obrazom ako celkom.
Petrov letohrádok v Letnej záhrade s nádhernou vonkajšou výzdobou od A. Schlutera - sochárske reliéfy medzi oknami (o nich bude reč v kapitole 4. Plastika), basreliéf "Minerva obklopená trofejami" na južnej fasáde a tzv. drevený panel s vyobrazením Minervy ako strážkyne domu, so sovou (symbol bdelosti) vo vestibule a pod., si zachoval pôvodnú výzdobu interiéru len v Zelenom kabinete a kuchyni na poschodí.
Dekoratívne práce v letnom paláci začali skoro, v rokoch 1713-1714. Ruskí majstri A. Zacharov, P. Zavarzin, F. Matveev maľovali (na drevo) steny Zeleného kabinetu. Nástenné maľby sú ešte v štýle 17. storočia: sú to ornamenty, fantastické vtáky, masky, ale aj obľúbený motív košíkov s kvetmi v paneloch nad dverami.
Plafondy letohrádku (je ich 7) boli dokončené už v 29. rokoch 18. storočia. Plafond prijímacej siene na dolnom poschodí „Triumf Ruska“ vytvoril Georg Gzel v roku 1719 (G. Gzel, pôvodom Švajčiar, študoval vo Viedni a pracoval v Amsterdame, kde ho videl Peter. V Rusku - od roku 1717 ). „Triumf“ zosobňujú tri ženské postavy obklopené amormi a sprevádzané atribútmi oslavujúcimi štát. Ústredná postava spočíva na pozemskej sfére - to je obraz Moci vládcu. Postava s krížom - Náboženstvo, s klasmi - Plodnosť.
V strede plafondu jedálne, ktorý je skutočnou hymnou autokratickej moci a vojenských víťazstiev, je zobrazený Petrov portrét. Vo zvyšku miestností sú zákresy plafondov nasledovné: v pracovni – „Triumf Minervy“, v Trónnej sále – „Triumf Kataríny“ (v podaní Gzel), v Spálni – „ The Triumph of Morpheus“, v detskej izbe – „Pokoj a pokoj“ (štýlom a farbou tiež blízko Gzelovi). spôsobom. Gzel tiež pripomínajú alegórie štyroch častí sveta (postavy Európy, Ázie, Afriky, Ameriky) v oválnych medailónoch Zeleného kabinetu.
Zvláštnosťou plafondov letného paláca je, že nezaberajú celý strop, ale sú to akoby vložené maľby. Boli vykonávané stojanovým spôsobom - nižšie a potom vložené do stropu. Technologicky sa líšia napríklad aj od nástenných malieb Menšikovského paláca: nejde o tempery na omietke, ale o olejomaľbu na plátne napnutom na nosidlách.
Výklad zápletiek v plafondoch je typický pre dobu Petra Veľkého: neexistujú žiadne špecifické postavy (až na zriedkavé výnimky), jazyk je alegorický a symbolický, a ak na jednom z plafondov (jedáleň) vidíme Petrov portrét, potom je uvedený do alegorickej kompozície a plne korešponduje s abstraktným jazykom vo všeobecnosti.
V ďalšej pozoruhodnej pamiatke - v Menšikovskom paláci - je najskorším príkladom monumentálnej a dekoratívnej maľby z čias Petra Veľkého plafond Orechovej izby v Menšikovovej kancelárii. (Izba je zdobená orechovými panelmi, odtiaľ jej názov.) Plafond bol niekoľkokrát maľovaný. Prvá (1711-1712) a druhá (1715-1716) vrstva sú temperovo-olejovou technikou na omietke a grisaille, tónomaľba.
V prvej vrstve v strede kompozície sa našiel najskorší obraz - na pozadí čierno-fialovej oblohy bojovníka so štítom a mečom, opierajúceho sa o „Knihu Marsu“, venovanú bojovému umeniu. víťazstva (Peter sa na jeho tvorbe aktívne podieľal). Medzi atribútmi bitky (niektorí bádatelia v nej vidia bitku pri Poltave a v postave bojovníka vidno aj črty samotného Petra) delové gule, delá, zástavy plukov, pošliapané zástavy nepriateľov, bubon, fajky, atď. sudy na prášok. To všetko vytvára určité romantické haló. Marsovi, ako sa bojovníkovi niekedy hovorí, chýba agresivita, jeho odvážna tvár pôsobí dosť unavene. V. Borzin nachádza analóg tohto obrazu nie v starovekom umení, ale v starej ruštine a porovnáva bojovníka s archanjelom Michaelom na nástenných maľbách smolenskej katedrály Novodevičského kláštora v Moskve a v katedrále Nanebovzatia Najsvätejšej Trojice-Sergius. Lavra. Autor obrazu je neznámy. Archívne dokumenty nám uvádzajú mená účinkujúcich: A. Zakharov, bratia Adolskij, D. Solovjov a ďalší majstri, ale vodca a autor „vynálezov“ nie je menovaný, postava bojovníka sa nachádza v strede strop a v rohoch sú emblémy tak známe majstrom 18. storočia. podľa knihy „Symboly a emblémy“ a sprievodných hesiel osvetového a vzdelávacieho zmyslu známeho z obdobia Petra Veľkého („Súhlasím, že prinesiem víťazstvo“, „predvídať“, „tma pomáha“, „kde pravda je viera“ že príde sila“). Bádatelia sa domnievajú, že tento obraz zhotovili aj domáci majstri – G. Adolskij „so súdruhmi“ v rokoch 1711-1712.
Druhá vrstva (grisaille) je kompozícia s amormi, girlandami kvetov a ozdobnými monogramami, na ktorej pracovali ruskí majstri A. Zacharov a L. Fedorov, možno pod vedením Caravaccu: ľahké široké ťahy pripomínajú jeho maľbu vo Voliére a Monplaisir v Peterhofe.
Tretia vrstva je neskoršia - 1717-1719. (niektorí považujú za dátum jeho dokončenia dokonca rok 1722). Tento je čisto ornamentálny, s rozetou v strede a grotesknými motívmi, plafond vytvoril F. Pilman, umelec z rodiny dedičných lyonských dekoratérov, žiak Clauda Gillota, u ktorého kedysi študoval Antoine Watteau. Pilman prišiel do Ruska na osobný telefonát z Leblonu v roku 1717. Medzi groteskami a rastlinnými motívmi sa v strope objavujú ženské hlavy, v ktorých niektorí bádatelia vidia podobnosť s Menšikovovými dcérami. Plafond je vyhotovený v nádhernej škále červeno-koralových a olivovo-zelených tónov na zlatom pozadí (uchovávané v Ermitáži). Miestne červené a modré farby s čiernou a žltou v prvej vrstve svedčia o stále živých tradíciách 17. storočia. Je zvláštne, že maľba prvej vrstvy s bojovníkom bola objavená a známa až pri obnove Menshikovského paláca v 60. rokoch 20. storočia, pretože ešte počas života Petra a Menshikova bola maľba pokrytá maľbou na nosidlách. , ktorú vykonal Pilman v oleji na plátne . Postava bojovníka v dôsledku všetkých úprav bola jednoducho vybielená.
N. Yu. Zharkova podľa nášho názoru oprávnene videla v motívoch plafondu tajomníkov spoločnú zhodu s dekoratívnymi prvkami fasády Menshikovovho paláca, ktorú možno rozlíšiť na rytine A Zubova „Vstup z mora s triumfom“ (1714), a výzdoba víťazného oblúka postavená pri menšikovskom panstve priamo na ľade v januári 1712, o čom máme predstavu aj z rytiny A. Zubova z roku 1711 [viď. viac o tomto: Zharkova N.Yu. Zápletka plafondu „sekretára“ Menšikovského paláca a jeho prepojenie s umením Petrohradu v prvej štvrtine 18. storočia // Petrohradské čítania (na výročie mesta). Abstrakty správ z konferencie. SPb., 1992. S. 116-119].
Keď už hovoríme o výzdobe paláca Menshikov, nemali by sme zabúdať, že jeho dekoratívnou štruktúrou bola nielen maľba a sochárstvo, ale aj dlaždice vyrobené podľa holandského vzoru alebo jednoducho holandského pôvodu, ako aj tkaniny, štukové lišty, mramor a mramor. maľovanie, porcelánové služby, dovoz nábytku. Do tohto dekoru boli vpletené monogramy Menšikova a Petra (v mrežiach schodiska na 2. poschodí), prvky Rádu sv. Ondreja I. I. a pod. na zlaté a strieborné nite krojov a pozlátené hlavičky klincov na sedákoch stoličiek. Bola to „celá kronika doby s príbehom o živote konkrétnych ľudí a krajiny, o sláve a snoch, o ťažkom boji, schvaľovaní ideálov svetského života a politiky štátu, o priateľstve Menšikova a Petra I., o víťazstvách, ktoré získalo Rusko ...“ ... jedným z najdôležitejších princípov súboru interiérov paláca petrinského baroka je tematický princíp, zmysluplný koncept“ (pozri: Pronina I. A. Terem. Palác. Kaštieľ. S. 45-46).
Z prímestských sídiel sú najskoršie nástenné maľby Monplaisir. Monplaisir, ako už bolo spomenuté, postavili postupne Braunstein, Leblon a Michetti v priebehu desaťročia od roku 1714 do roku 1723 a už v procese výstavby sa začal zdobiť maľbami a rezbami. Centrálnu časť Monplaisir - Holandský dom (alias Central - Assembly - Hall) lemovala na jednej strane sekretariát, spálňa a námorná pracovňa, na druhej strane lakovacia pracovňa, kuchyňa a špajza. Galérie končili pavilónmi lusthaus. Všetky apartmány sú zariadené. Plafond Ústrednej snemovej siene zhotovil už v roku 1718 F. Pilman; štyri párové skupiny sôch - alegórie ročných období - podporujú tento nádherný klenutý strop zdobený stropom. Sochy sú z alabastru, autorstvo zatiaľ nebolo stanovené (Schluter? N. Pino?). Maľba stropu je v plnej jednote s ozdobnou lištou a drevorezbou. Toto je hymnus na živly, ročné obdobia, všetky pozemské dary - alegorické vyjadrenie radosti z bytia.
Ústrednou postavou stropu Pilman je Apollo. V padsugoch sú zobrazené štyri prvky: severná - Voda, najdynamickejšia kompozícia s Neptúnom, Amfitritom a Nereom; južný je Oheň („Forge of the Volcano“), východný je Zem, západný je Vzduch, ktorého alegóriou je Juno. Všetko preukazuje výbornú znalosť antickej mytológie. Aj zvyšné panely sú pripisované F. Pilmanovi. Centrálny strop sekretariátu - "Bacchov triumf"; Spálne - "Veselý karneval" (s maskami komédie del "arte); Morský kabinet - "Monkey Fun" (obľúbený dej západoeurópskeho maliarstva 17.-18. storočia, stačí si spomenúť na "Opice v kuchyni" od D. Teniersa alebo náčrtov A. Watteaua pre Frencha Marleyho); v skrinke a lakovej skrini - „Ročné obdobia“ (v skrinkovej alegórii zimy v podobe ženskej postavy s kotlíkom a amorom trasúcim sa chladom, v r. lakový kabinet - jeseň v podobe ženy s hroznom a pohárom vína. 94 veľkých a malých panelov „čínskej a japonskej práce“ vyrobili lakári pod vedením Holanďana G. Brumkorsta ( Brumhorst), ktorý bol špeciálne pozvaný na prácu v Rusku.
Nástenné maľby galérií s lustgausemi zhotovili neskôr, v rokoch 1720-1722, artel ruských majstrov - M. Zacharov, S. Bushuev, F. Vorobyov, V. Broshevsky, M. Negrubov, L. Fedorov, V. Morozov , G. Ivanov. D. Solovjov, B. Mochenov (Mocheny?) a ďalší - pod vedením F. Pilmana (?) a L. Caravacca (?) v technike vaječnej tempery na sadre. Všimnite si, že hlavné jadro artelu sa zachovalo veľmi dlho, tí istí umelci pracovali v 30. rokoch 18. storočia pod vedením už ruského maliara Andreja Matveeva a v 40. rokoch 18. storočia pod vedením Ivana Višňakova. Negrubov a Bushuev, napríklad Pilman, dali najvyššie hodnotenie: „... títo študenti sa odo mňa naučili výtvarné umenie, ozdoby, ktorými sa čistia stropy, steny alebo čokoľvek iné v domoch, a môžu vládnuť všetkým tým malebným veciam bez akéhokoľvek bremeno "(Uspensky A. Slovník umelcov XVIII storočia, ktorí písali v cisárskych palácoch. M., 1913. S. 15-16).
Celý dekor bol vyrobený s ohľadom na vystavenie zbierky obrazov, pretože prvá zbierka obrazov v Rusku sa nachádzala v Monplaisir, už v roku 1725 tam bolo asi 200 plátien.
Výzdoba Monplaisirových galérií je ľahká, pôvabná - je ozdobou štylizovaných listov, mušlí, girlánd a košíkov kvetov, roziet, vtákov, masiek, okrídlených príšer. Vo westernovej galérii je jar znázornená ako milé dievča, ku ktorému sa Amor ponáhľa. Obraz bol vyrobený podľa náčrtov Caravacca. Caravaccus namaľoval aj stanový strop voliéry (voliéry) - dvanásťstranný altánok s kupolou a svetelnou lampou: Diana, Actaeon, Aurora, Apollo medzi amormi a rôzne ozdoby.
Obraz Monplaisir, vytvorený technikou tempery na omietke artelom ruských majstrov pod vedením a „podľa vzorov“ Pilmana a Caravaccu, je skutočnou syntézou najlepších vlastností architektúry, monumentálnej a dekoratívnej maľby, rezbárstva. a modelovanie prvej polovice 18. storočia, ukážka kolektívnej tvorby architektov, staviteľov, maliarov, sochárov, sochárov, dekoratérov.
Vo výzdobe veľkého paláca Peterhof si rezbárstvo zaslúži osobitný záujem. V dubovom kabinete (1718-1720) sú steny zdobené zvislými dubovými (odtiaľ názov) panelmi (zachovalo sa 8 zo 14), na ktorých boli krásne prezentované symboly morskej sily, ročné obdobia, atribúty vied a umenia, vynikajúce rezbárstvo. Kresby a modely pre nich predviedol francúzsky sochár a rezbár Nicola Pino, ktorý prišiel do ruských služieb, ktorý tu prejavil vysoký zmysel pre formu a nevyčerpateľnú fantáziu v dekoratívnych motívoch.
Okrem všetkého v interiéroch paláca Leblon najskôr použil iluzionistický efekt zrkadiel, neskôr obľúbenú barokovú techniku, ktorá bola široko používaná v budovách Rastrelli v polovici storočia.
O maľbe Veľkého Peterhofského paláca je ťažké hovoriť - v skutočnosti je navždy stratený. Vieme, že na jeho stropoch pracovali aj Caravakk a Pilman (ten napríklad maľoval strop slávnej Dubovej pracovne spolu s ruskými majstrami - Negrubov, Bashuev, Skorodumov, Morozov, Semenov atď.). B. Tarsia, ktorá zachovávala benátske tradície, v roku 1726 predviedla plafond Obrazovej siene (slávny „Kabinet módy a milostí“, neskôr vyzdobený 368 obrazmi P. Rotaryho) (olej, plátno). Štyri alegorické maľby na výbehoch vytvorili ruskí majstri Bushuev a Negrubov (tempera na omietke). B. Tarsia vlastnil aj plafond Centrálnej siene (1726-1727).
Ako už bolo spomenuté, svetské prvky prenikajú aj do cirkevnej architektúry. Tak ako steny vladimirsko-suzdalských kostolov zdobili „vtáčiky“ a gryfy inšpirované ľudovou fantáziou a stránky liturgických kníh zdobili bizarní „teratologickí“ človiečikovia, čo sú mnohé príklady umenia starovekého Ruska, svetský princíp napáda nástenné maľby na evanjeliových parcelách hlavnej petrohradskej katedrály - sv. Petra a Pavla. Zápletky Svätého písma zároveň nie sú prekrútené, neodporujú „liste“ a ustálenej ikonografii, jednoducho už obsahujú množstvo čisto ľudských skúseností a každodenných skutočností.
Dokončenie katedrály Petra a Pavla trvalo najmenej päť rokov (1726-1731). Najlepší rezbári a pozlacovači v Moskve vyzdobili ikonostas podľa vzorov I. Zarudného. V roku 1726 bol ikonostas privezený z Moskvy. Maliar ikon Andrey Merkuriev „a jeho kamaráti“ predviedol 41 obrazov.
Práca v kostole Petra a Pavla, tak ako všetky ostatné, sa robila „narýchlo“ a „malými rukami“, ako bolo zvykom zapisovať do zápisníc kancelárie z budov, a to natoľko, že akákoľvek neprítomnosť a odchod do iné mesto bolo prísne evidované, pasy vyberané, majstri sa vracali do kancelára „na stráž“. Tak to bolo aj u známych maliarov, napríklad u jedného z bratov Adolských a Ivana Nikitina „z partikulárnej lodenice“.
Katedrála Petra a Pavla mala byť zdobená viacfarebnými omietkovými maľbami: na stenách - štylizovaný kvetinový ornament a celkom realisticky interpretované girlandy, v kupole - mnohofigurálna kompozícia, v bubne a klenbách nad rímsami - obrazy na evanjelickú tematiku.
Obrazy „pod klenbami“ katedrály boli v skutočnosti originálnymi maliarskymi dielami, jedným z prvých namaľovaných pre chrám olejom na plátne. Prvýkrát sa v Rusku, pokiaľ vieme, spojila „ikonomaľba“ s jej stáročnými tradíciami a novou maľbou, trojrozmernou a priestorovou, snažiacou sa o zobrazenie skutočného sveta, v jednom interiéri kostola. Nová bola nielen technika, ale aj samotný svetonázor. Všetko ovplyvnil zlom, ktorý sa v ruskej kultúre črtal už v 17. storočí. Evanjeliové výjavy sú interpretované bez stredovekých konvencií, ľudské postavy stratili svoju ikonickú netelesnosť, okolitý svet je zobrazený akoby iluzórne a pozorne detailne.
Podobné informácie.
