|
Svadobná truhlica. Taliansko. 17 storočie |
 |
|
Súsošie "Zima". Zo série "Štyri ročné obdobia". Nemecko. Meissen |
 |
 |
|
Servisné položky. Francúzsko. Sevr. 1780-1784. Mäkký porcelán, maľba. Mraznička |
 |
|
Sieň francúzskeho umenia 18.-19. storočia |
 |
|
kabinet. Augsburg. XVII storočia. Drevo, rezba, biely kov, zlátenie, 196x135x61 |
 |
|
Bureau-cylinder. Rusko. Koniec 18. storočia. |
 |
|
Váza. Rusko. Prvá štvrtina 19. storočia. Sklo, zlatá maľba. Výška 35,5 |
 |
 |
|
Mraznička. Rusko. Imperial Porcelain Factory. Prvá štvrtina 19. storočia. Porcelán, maľba. Výška 40 |
Zbierky dekoratívneho a úžitkového umenia sú spojené aj s menom A.P. Bogolyubova, ktorý pri otvorení múzea daroval 40 kusov starého porcelánu, prevažne saského. Rôzny riad a nábytok vtedy spolu 92 položiek. V roku 1897, po smrti Bogolyubova, bola podľa jeho vôle prijatá ďalšia skupina vecí, vrátane nábytku, skla, bronzu a strieborných predmetov.
Bogolyubovské zbierky, najmä porcelán, boli v prvých porevolučných rokoch výrazne doplnené z fondu Štátneho múzea, kam prúdili všetky znárodnené umelecké diela. V roku 1970 múzeum získalo vzorky ruského a západoeurópskeho porcelánu (viac ako 300 položiek), ktoré odkázal O. A. Gordeevovi, známemu saratovskému oftalmológovi.
História tohto jemného a rafinovaného umenia siaha stáročia do minulosti. Porcelán vznikol na prelome 7.-8. storočia v Číne. V Európe sa o tom dozvedeli v XIII. Slávny benátsky cestovateľ Marco Polo priniesol niekoľko porcelánových nádob z východu. Európu zachvátila „porcelánová horúčka“, každý chcel mať výrobky z tohto bieleho lesklého materiálu, maľované pestrými neblednúcimi farbami. Zachovali sa informácie, že keď sa veci z porcelánu rozbíjali, stále sa skladovali, často sa črepy vkladali do drahých kovov a nosili sa ako šperky. Porcelán bol cenený nielen pre krásu, ale aj pre dovtedy nevídané vlastnosti. Glazovaný porcelánový povrch nebol vystavený chemickému napadnutiu a bol nepriechodný. O porceláne kolovali legendy. Tajomstvo jeho výroby sa podarilo odhaliť až začiatkom 18. storočia. Ale na ceste bolo objavených veľa nových materiálov, ktoré sa podobali na výrobky čínskych majstrov. Takto sa objavilo mliečne sklo v Benátkach, španielsko-maurská keramika, fajansa v Anglicku a Holandsku.
Prvý v Európe, ktorý dostal porcelán, bol I.F.Betger, ktorý našiel ložiská bieleho ílu (kaolínu) pri Meissene v Sasku. Tajomstvo výroby porcelánu, o ktoré sa v Európe bojovalo po stáročia, bolo objavené. Čoskoro sa porcelán z meissenskej manufaktúry stal známym v celej Európe. A teraz sú produkty tejto rastliny obľúbené u milovníkov umenia.
V zbierke nášho múzea je meissenský porcelán prezentovaný veľmi dobre a kompletne. Patria sem predmety odkázané Bogolyubovom a porcelánové predmety zo zbierky O. A. Gordeeva, ako aj ďalšie exponáty.
Najväčší záujem je o meissenský porcelán z 18. storočia. Toto obdobie sa považuje za klasické obdobie vo vývoji európskeho porcelánu. V tejto dobe sa majster snaží zdôrazniť belosť a jemnosť porcelánu, predkladá materiál, berúc do úvahy jeho prirodzené vlastnosti.
Zvláštnou slávou Meissenu - prvej európskej výroby porcelánu - je malý plast. V obrazoch dám, pánov, alegorických kompozíciách a pastoráliách sa s osobitnou silou prejavila jedna z kvalít rokokového štýlu - ilúzia nepretržitého hladkého toku línie. Mená Johanna Joachima Kaendlera a Petra Reinickeho sa spájajú so vznikom meissenského sochárstva. Ich diela spájali prvky sochárstva a vlastného umenia a remesiel. Rozmarné kontúry a krása farieb – to je to, čo charakterizuje sochy vyrobené podľa ich predlôh.
Dve alegorické postavy zo série „Four Seasons“ – „Zima“ a „Jar“, vyrobené podľa vzorov Johanna Joachima Kaendlera, odhaľujú charakteristické črty rokokového štýlu v porceláne. Ročné obdobia sú znázornené na obrázkoch starých bohov sediacich na oblakoch. Zimu predstavujú Saturn a Hebe, jar Mars a Flóra. Súsošia zdobia jemne štukované kvety maľované pestrými farbami, ktorými sa meissenská továreň preslávila v 18. storočí.
Vysoké umelecké kvality odlišujú malú kolekciu výrobkov z berlínskej továrne. Ide najmä o riad a dekoračné predmety do interiéru. Najjemnejšia fialová, ktorá bola slávou tejto inscenácie, je maľovaná na motívy A. Watteaua "coach cup". Telá čajníkov, kávových kanvičiek, dekoratívnych váz zdobia pastorály, obľúbené v 18. storočí, s kvetinovými ornamentami.
Skupinu predmetov z viedenskej továrne reprezentuje 18. - začiatok 19. storočia, kedy sa v európskom porceláne formovali črty nového štýlu, empíru. Viedenskí majstri, ktorí sa starali o zvýšenú dekoratívnosť, dali svoju vlastnú verziu obrazu. V zrkadle tanierov v bohatom zlatom ráme ornamentu sa najčastejšie umiestňovali kópie z obrazov majstrov renesancie.
Každá krajina išla svojou vlastnou cestou k porcelánu, pričom vyvinula špeciálnu technológiu a osobitný charakter zdobenia, niekedy v rámci rovnakého štýlu. Francúzske jedlá s farebným pozadím boli známe v celej Európe: tyrkysové, ružové, modré, maľované v medailónoch orámovaných pozlátenými ornamentmi. Takýto porcelán sa vyrábal v manufaktúre Sevres - hlavnej výrobe porcelánu vo Francúzsku.
Takto je vymaľovaný modrý zmrzlinovač, tácka a koreniatka, ktoré boli súčasťou služby, ktorá patrila princovi Jusupovovi. Túto službu robili dlhé roky a zdobili ju najväčší maliari porcelánu. Výrobník zmrzliny namaľoval Vincent Jr., autor obrazu na slávnej obrazovej službe, ktorú Sevres objednala Catherine II. a ktorá je teraz uložená v Ermitáži. Služba Yusupov bola vyrobená z "mäkkého porcelánu". A špecifické vlastnosti tohto materiálu dokonale korešpondovali s rokokovým štýlom s jeho obvyklými mäkkými kontúrami a vlnitými líniami. Charakteristiky sevreskej omše určovali aj charakter maľby: žiadny keramický materiál nedáva také zvučné hlboké tóny s mnohými odtieňmi.
V Rusku porcelán prvýkrát získal v polovici 18. storočia D. I. Vinogradov v Imperial Porcelain Factory (IPM) v Petrohrade. V zbierke múzea je ruský porcelán zastúpený výrobkami mnohých súkromných podnikov. Múzeum sa môže pýšiť nádhernými vzorkami IPM, továrňami Gardner, Popov, Kornilov, Gulin, Safronov, ktoré majú svoje jedinečné čaro.
Známe sú úspechy ruských majstrov v štýle klasicizmu začiatku 19. storočia, čiže empíru. Ruský porcelán v tomto štýle, ako aj iné odvetvia úžitkového umenia, poskytuje vynikajúce príklady.
Empire bol inšpirovaný antikou. V motívoch výzdoby dominujú vavrínové vence, levy, gryfy, vojenské atribúty a pod. Vo formách sa ukázala masívnosť hmôt, ich statický charakter. Podľa zákonov tohto štýlu vyrobili remeselníci IPM stolovú dekoračnú vázu v podobe dvoch klasických figúrok podopierajúcich misku oválneho tvaru. Biela farba figúrok vyrobených zo sušienky (neglazovaného porcelánu) je v kontraste s modrým tónom a zlátením základu. Láska Impéria k jasu a kontrastu farieb ovplyvňuje. Ďalšou vázou je tiež súsošie: Venuša kladie na Amora tulec so šípmi. Takéto vázy sa vyrábali na veľké slávnostné alebo výročné služby a umiestňovali sa do stredu obradného stola.
Znaky rovnakého štýlu sú výrazné aj v zmrzlinovači na troch levích labkách tmavej farby pod starým bronzom. Jeho farba bola krásne kombinovaná s trblietkami pozlátenia.
Výraznejšie sú výrobky súkromných tovární. Môžete sa baviť o kňazskom, Gardnerovom či Safronovskom porceláne. Tieto továrne nie sú na rozdiel od IPM zastúpené unikátmi, ale takzvaným obyčajným riadom spojeným so životom určitej triedy. Je ľahké uhádnuť spoločenskú príslušnosť takzvaných „krčmových“ jasných elegantných čajníkov, zdobených nenáročnou kvetinovou maľbou, vytvorených v továrni Popov v rokoch 1830-1850.
Zdrojom, z ktorého remeselníci čerpali formy jedál a motívy maľby, je tradičné ruské ľudové umenie. Táto cesta bude najplodnejšia v čase blížiaceho sa interštýlu, do značnej miery zachráni ruské súkromné továrne v tejto ťažkej dobe pred stratou „keramiky“ nevyhnutnej v ére eklektizmu.V kanvici na kávu továrne Kornilov, maľované na bielom pozadí s drobnými zlatými lístkami a ružičkami, v žiarivo zelených pohároch, vyrobených remeselníkmi kňazskej továrne, sa nestratilo to hlavné: vyváženosť formy a funkčného účelu predmetu.
Zbierka sovietskeho porcelánu je pomerne malá. Predstavuje ju propagandistická čína, ktorá bola v 20. rokoch jedným z prostriedkov revolučnej propagandy.
Miska a šálky maľované podľa kresieb S. Čechonina a N. Altmana, sochy N. Danka, taniere od A. Shchekatikhina-Pototskaya s revolučnými heslami a emblémami mladého sovietskeho štátu - tento prvý porcelán Krajiny sovietov hovoril jazykom svojho času. Bol vystavený v špeciálnych vitrínach v Moskve na moste Kuzneck a v Petrohrade na Nevskom. „Tento porcelán bol správou z nádhernej budúcnosti, o ktorú sovietska krajina bojovala v hrozných bojoch s hladom, devastáciou a zásahmi,“ napísala E.Ya Danko, výtvarníčka a historiografka továrne Lomonosov (bývalá Imperiálna porcelánka) vo svojom príspevku. memoáre.
Sklo uložené v Múzeu A. N. Radishcheva pochádzalo rovnakým spôsobom ako porcelán: v roku 1897 podľa vôle A. P. Bogolyubova prostredníctvom Štátneho fondu múzea zo súkromných zbierok.
Malá, ale zaujímavá zbierka ruského skla z konca 18. - začiatku 19. storočia bola v roku 1973 odkázaná Múzeu E. P. Razumova.
Ruské sklárne, štátne aj súkromné, sa objavili začiatkom 18. storočia v Moskve a Petrohrade, neďaleko Smolenska a Kalugy. Dopyt po sklenenom tovare je na vzostupe. Rastie aj počet fabrík. Slávna továreň Maltsev sa objavuje na rieke Gus pri Vladimire a továreň Bakhmetiev pri Penze v obci Nikolsky.
Najstaršie diela sklárskeho priemyslu 18. storočia v našej zbierke sú výrobky súkromných tovární. V prvom rade ide o zelený sklenený damašek s nenáročným kvetinovým ornamentom a nápisom: „Vyrobte toto plavidlo v Gavrilovovej továrni v roku 726...“ Toto je raný príklad ruských obyčajných jedál, ktoré sa vyrábali vo veľkom množstve, nešetrili a nestarali sa o to. Namiesto strateného a rozbitého kúpili nový. Preto sa takýchto jedál zachovalo málo. Shtof je zaujímavý aj tým, že je podpísaný. Ukazuje dátum a miesto výroby. Je známe, že v roku 1724 bol v moskovskom okrese založený závod Gavrilov a Loginov. O tejto produkcii nie sú žiadne ďalšie informácie. Náš damask dáva predstavu o povahe produktov málo známeho podniku.
Sklo v Rusku prakticky nebolo označené. Až od 20. rokov 19. storočia (od čias Mikuláša I.) začala cisárska sklárska fabrika označovať svoje výrobky. Prítomnosť pečiatky samozrejme nie je jediným spôsobom, ako určiť miesto a čas výroby predmetu. Pozoruhodnými pamiatkami zo skla sú vysoké kónické poháre, často s vrchnákom, zdobené vyrezávanými erbmi vládnucich osôb alebo monogramami. Benzely boli orámované rastlinnými výhonkami a kučeravkami, ktoré sa nazývali „rokaille“. Na vrchu pohárov pri okraji je vzor rytých a leštených „jamiek“ s oblúkmi. Stojany nôh boli vyrobené vo forme stĺpika s "jablkami", ktoré boli navlečené na stojane, niekedy až päť kusov. Rytina v týchto výrobkoch bola plytká a rozsiahla. Tieto vlastnosti odlišujú ruské poháre od pohárov z Čiech a Nemecka uchovávaných v múzeu.
Je zrejmé, že v súkromných továrňach sa vyrábalo množstvo farebných pohárov, karaf a fliaš. Farebné sklo bolo v Rusku veľmi populárne. Na rozdiel od západnej Európy sa riad vyrábal z pevného farebného skla, ktoré sa vo veľkom množstve objavilo v polovici 18. storočia. Môžu za to úspešné experimenty M. Lomonosova.
Koncom 18. - začiatkom 19. storočia sa objavili vysoké fazetové karafy so zátkami rôznych tvarov, poháre vyvýšené na tenkých nožičkách, elegantné poháre s trblietavými okrajmi - elegantné jedlá, ktoré zdobili slávnostné stoly a zásoby. Fazetovaný riad je vyrobený z bezfarebného skla s prídavkom olova, ktoré dodáva zvláštny lesk. Nazýva sa krištáľ a brúsený s takzvanou „diamantovou tvárou“. Táto technika sa v sklárstve používa dodnes.
Druhá polovica 19. storočia bola obdobím zvýšeného záujmu o umelecké remeslá, najmä o jeho históriu. Zbierka starožitností je rozšírená. Nie náhodou bol súčasne určený aj zvýšený záujem o starožitný nábytok. Zberatelia zbierajú vyrezávaný pozlátený nábytok z 18. storočia, komody, skrine, talianske a nemecké svadobné truhlice, masívne dubové a orechové skrine z Nemecka 17. storočia. Podobné predmety boli v zbierke Bogolyubova.
Fascinácia starožitným nábytkom vedie k falzifikátom, ktoré zaplavili obchody so starožitnosťami. Jedna za druhou v Paríži, Benátkach, Petrohrade vznikajú dielne, ktoré vyrábajú starožitný nábytok, niekedy na nerozoznanie od originálu - drevo je tak hladko leštené, proporcie jeho konštrukčných častí sú tak správne dodržané.
Najstarší nábytok v zbierke múzea pochádza zo 16. – 17. storočia. Ide o nábytok z Nemecka, Francúzska, Talianska, Holandska, zostavený A.P. Bogolyubovom. Naša zbierka nábytku tej doby samozrejme nedáva dôvod hovoriť o existujúcom interiéri, ale umožňuje nám predstaviť národné črty nábytkového umenia z rôznych krajín v pomerne širokom chronologickom rámci.
Nábytok je krátkodobý, materiálom na jeho výrobu je drevo, ktoré je ľahko vystavené rôznym vplyvom. Mnoho z nich zomrelo na prírodné katastrofy alebo v dôsledku vojen, ako aj z dôvodov súvisiacich s vplyvom módy. Nábytok je tovar. To znamená, že sa časom opotrebuje a musí sa vymeniť za nový. Z obydlí obyčajných ľudí sa zachovalo málo nábytku. Hlavné etapy v dejinách nábytkového umenia v niektorých európskych krajinách však možno vystopovať aj v predmetoch našej zbierky.
V Taliansku 16. storočia bola stolička vyrobená z masívneho dreva s vyrezávaným operadlom, svadobná truhlica, súbor benátskych prác, oltár. Na výrobu tohto nábytku bol použitý hnedý orech, materiál charakteristický pre Taliansko, ktorý umožňuje majstrovi dosiahnuť skvelý umelecký efekt. Rezbárske motívy čerpali z dedičstva antického umenia. Na svadobnej truhlici, zjavne z florentskej tvorby, prekvapí vzácna jednota formy a ornamentu, ktorou sa vyznačovali talianski nábytkári 16. - začiatku 17. storočia.
Nábytok tejto éry je vo svojej konštruktívnej logike podobný architektonickým štruktúram. Oltár je vyhotovený vo forme portálu so stĺpmi prepletenými viničom, s pódiom vo výklenku pre postavu Bohorodičky – tieto architektonické prvky sú mimoriadne charakteristické pre mobiliár 16. – 17. storočia. To je obzvlášť cítiť pri skriňovom nábytku vyrobenom v južnom Nemecku. Skriňa sa mení na akúsi dvojposchodovú budovu, ktorej každé poschodie je oddelené rímsou. Poschodia sú zdobené stĺpmi alebo pilastrami. Krídlové dvere pripomínajú portály alebo okná zakončené architrávmi alebo štítmi. Všetky tieto architektonické detaily sú vystužené lepidlom a sú v skutočnosti dekoráciou, ktorá ukrýva dizajn skrine zloženej z dvoch truhlíc. Tento dojem umocňujú sklopné náprsné madlá na jeho bočných fasádach. Takto je navrhnutá šatníková skriňa, zdobená burlom (výrastok na strome, chyba dreva, ktorá dodáva bohatú, krásnu textúru). Šatníkové skrine boli nevyhnutne dodávané s policami a oblečenie sa v nich skladovalo zložené. Mohli slúžiť aj na uskladnenie rôzneho náčinia.
Za tradičnú pre Nemecko v 16.-17. storočí možno považovať aj formu skladacej, takzvanej kurule stoličky. Pre starých ľudí to bol symbol moci. Iba sediac na takomto kresle bolo možné vykonávať rozsudok a odvetu. Takáto stolička sa zvyčajne nosila za konzulmi, vysokými vojenskými vodcami, diktátormi. Hladko zakrivené stojany na nohy, vyrobené z niekoľkých úzkych dosiek, sú pre pevnosť prekrížené a spojené priečnikmi a operadlo tvorí odnímateľná doska vložená do hornej časti stoličky ako podložka.
Od 16. storočia sa v Nemecku objavila zvláštna forma stoličky, ktorá sa v 17. storočí rozšírila v nábytkárskom umení tejto krajiny - takzvaná sedliacka stolička. Naše múzeum má tiež celý rad podobných predmetov s rôznymi variantmi toho istého ornamentu. Prototyp takejto stoličky bol najprv jednoducho peň stromu, zbavený konárov a zosilnený kvôli stabilite na troch nohách. A pre pohodlné mestské obydlia boli vyrobené stoličky so štyrmi nohami - príklady vysokej remeselnej zručnosti. Ozdobené sú len doskou, ktorá slúži ako chrbát. Môže to byť nielen orech, ale aj dub a borovica. Závisí to od toho, kde bola položka vyrobená. V rezbárstve sa spravidla používajú motívy groteskného ornamentu, ktorý sa predstavivosťou majstra často mení na báječný vzor.
17. storočie prináša do nábytkárskeho umenia veľa nového. Je to dané predovšetkým spoločenskými premenami v Európe, ktoré viedli k zmene postavenia tretieho stavu. Po nástupe k moci pestuje skromnosť, jednoduchosť, svätosť rodinného krbu. Holandský nábytok je veľmi žiadaný, vyvážaný do všetkých krajín. Druhým extrémom je Francúzsko, v ktorého umení víťazí veľkolepý, slávnostný štýl.
V našej zbierke nábytku je len jeden predmet, ktorý je typický pre slávnostné zariadenie paláca zo 17. storočia. Ide o takzvanú skrinku - skrinku s mnohými zásuvkami, priehradkami, s posuvnou doskou. Vyrobili ho remeselníci mesta Augsburg, na fasáde ho zdobili kovové platne so zvieratami, točené pozlátené stĺpy. Doska je vyrobená z drahého dreva.
Takéto skrine sa objavili v 16. storočí. Ich vlasťou je Španielsko. Prvé skrinky boli rakvy na spodnom ráme. V 17. storočí to už boli veľké skrine, ktoré sa stali súčasťou výzdoby miestnosti, ktorá sa nazývala kancelária. Medaily, listy, šperky boli uložené v skriniach.
Väčšina zbierky ruského nábytku, ktorá zahŕňa diela z 18.-19. storočia, bola vyrobená buď v malých súkromných dielňach alebo nábytkármi šľachtických panstiev. Majstri vniesli do svojich diel rozmanitý umelecký vkus, všetky vedomosti a zručnosti, ktoré nazbierali, metódy spracovania dreva, dekorácie a dekorácie. Odrazili sa predovšetkým vo vtedajších podobách bytového nábytku, ktoré boli výrazne ovplyvnené ľudovým umením. To sa prejavilo nielen vo formách a dekore, ale aj vo výbere a spracovaní dreva. Koncom 18. storočia sa obľúbeným materiálom stala karelská breza a topoľ. Uplatňujú sa iba v Rusku.
Každá krajina v nábytkárskom umení bola buď predchodcom nejakého štýlu, ako napríklad Taliansko v renesancii, alebo rodiskom slávneho výrobcu nábytku, ako bol T. Chippendale v Anglicku alebo J. Jacob vo Francúzsku.
Ruský nábytok reprezentujú najmä predmety výzdoby šľachtického interiéru prvej tretiny 19. storočia. Bola to jedna z najskvelejších epoch v histórii ruského umenia a remesiel, a najmä nábytku. Umeniu prvých desaťročí 19. storočia dominuje empírový štýl, ktorý vznikol vo Francúzsku a stal sa majetkom celej Európy. Rusko dáva svoju vlastnú špeciálnu, originálnu verziu tohto štýlu, v ktorej sa stalo hovorcom vznešených a progresívnych myšlienok. Dekoratívnosť charakteristická pre empírový štýl, túžba po monumentálnosti a zovšeobecnenie foriem určovali v nábytku samotný výber materiálu a povahu jeho interakcie s formou a dekorom. Hlavným materiálom ruských výrobcov nábytku bude mahagón a karelská breza, ktoré milujú pre krásnu textúru dreva.
Nábytok uložený v našom múzeu je vyrobený prevažne rukami poddaných remeselníkov a predstavuje verziu empírového štýlu, ktorý bol široko zahrnutý v živote ruskej šľachty. Je to jednoduchšie ako palácový nábytok. Tento nábytok sa do múzea dostal po Veľkej októbrovej socialistickej revolúcii z okolitých usadlostí, mestských domov a má nielen umeleckú, ale aj historickú hodnotu.
Obzvlášť pestrý sedací nábytok. Dve dvojité kreslá s prelamovanými vyrezávanými operadlami, zdobené pozlátenými lýrami, sú príkladom ruského domáceho nábytku z prvej štvrtiny 19. storočia. Existujú formy, ktoré sú takmer bez dekorácií, dyhované karelskou brezou zlatej farby s čiernymi očami.
V tomto čase sa v interiéri šľachtického panstva objavila ďalšia miestnosť, takzvaná sedacia miestnosť a jej nepostrádateľným doplnkom je sedačka. Zvyčajne sú tieto pohovky mäkké, obdĺžnikového tvaru, vrchné časti chrbtov a lakťov sú dyhované karelskou brezou alebo mahagónom, ktorý bol v tých rokoch rozšírený. V interiéri bola sedačka kombinovaná s kreslami a stolíkom pred sedačkou. Takéto variácie sa nachádzajú aj v našej expozícii a svedčia o už etablovanom interiéri v dobe empíru. Tento nábytok sa líši od predného: je menej pozlátené, namiesto bronzu sa používa drevo pozlátené po gesso, je zachovaná jedna z tradičných metód spracovania dreva, tak milovaná ruskými majstrami - rezba.
Zbierková činnosť múzea pokračuje. Zbierky umeleckých remesiel sa v posledných rokoch dopĺňajú o zaujímavé exponáty, z ktorých tie najlepšie si našli svoje miesto v expozícii.
Zmeny v každodennom živote a ich vplyv na umenie a remeslá. Vlastnosti ornamentu a dekorácie umeleckých štýlov baroka, rokoka, klasicizmu.
Obchod so striebrom a zlatom: Petrohradská škola, moskovskí remeselníci a manufaktúry, čierne striebro Veľkého Ustyuga. Nové druhy riadu z drahých a neželezných kovov: čajníky, kanvice na kávu, bujóny, samovary. Domáce a cirkevné náčinie. Štátne klenoty. Rády a medaily. Smalty. Smaltovaní umelci A.G. Ovsov, G.S. Musikisky.
Vznik ruského porcelánu. D.I. Vinogradov. Cisárske a súkromné porcelánky. Majolika, fajansa. Umelecké sklo. Dekoratívne látky a tapisérie. Novinka v oblečení. Skriňový a typový nábytok. Intarzie. Drevorezba v civilných a cirkevných interiéroch. Posádky. Dekoratívny kameň. Cameos.
Umelecké ľudové remeslá. Vyrezávané a vykladané donety Gorodets. Vyrezávanie kostí Kholmogor. Zlatá výšivka provincie Tver. Čipka Galicha a Vologda. Gželská keramika.
Hudba a divadlo v 18. storočí
Viachlasný zborový spev. Kants. Inštrumentálna hudba a orchestre. Operné umenie. balet. Hudba na dvore, mestskom a roľníckom živote. Vznik národnej skladateľskej školy. E.I. Fomin. I.E. Khandoshkin. D.S. Bortňansky. M.S. Berezovský. A.O. Kozlovský.
Pokusy o vytvorenie verejného divadla za Petra Veľkého. Amatérske vystúpenia na dvore. Školské divadlá v duchovných a svetských vzdelávacích inštitúciách. Profesionálne telesá zahraničných hercov.
Dramaturgia ruského klasicizmu: tragédie a komédie. Vplyv sentimentalizmu na divadelný repertoár. Vystúpenie činohry a komickej opery na ruskej scéne. A.P. Sumarokov - dramatik a divadelná postava. Zakladateľ ruského profesionálneho divadla, herec a režisér F. G. Volkov. Jeho priateľ a nasledovník I.A. Dmitrevsky. Hromadné divadelné predstavenia.
Pevnostné divadlo. Skupina grófa P.B. Sheremeteva. P.I. Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova a ďalší umelci. Palácové divadlo v Ostankine. Ľudové divadlo.
SKRATKY NÁZVOV HLAVNÝCH MÚZEOVÝCH ZBIEROK UVEDENÝCH V ZOZNAME KULTÚRNYCH PAMIATKOV
BAN - Knižnica Ruskej akadémie vied (St. Petersburg)
VMDPNI - Celoruské múzeum dekoratívneho, úžitkového a ľudového umenia (Moskva)
GIM – Štátne historické múzeum (Moskva)
GMGS – Štátne múzeum mestskej plastiky (St. Petersburg)
GMMK - Štátne múzeá moskovského Kremľa (Moskva)
GNIMA – Štátne výskumné múzeum architektúry (Moskva)
GOP – Štátna zbrojnica (Moskva)
Štátne ruské múzeum - Štátne ruské múzeum (Petrohrad)
Štátna Tretiakovská galéria - Štátna Treťjakovská galéria (Moskva)
Štátne múzeum Ermitáž (Petrohrad)
ZIKhMZ - bývalá Zagorsk (teraz Sergiev-Posad) historická a umelecká múzejná rezervácia (Sergiev Posad, Moskovská oblasť)
MIDU - Múzeum historických pokladov Ukrajiny (Kyjev)
MPIB – Múzeum úžitkového umenia a života 17. storočia „Katedrála dvanástich apoštolov a patriarchálne komnaty v moskovskom Kremli“ (Moskva)
NGM – Novgorod United State Museum-Reserve (Novgorod)
NGP – Novgorodská komora faziet (Novgorod)
SHM – Múzeum umenia Samara (Samara)
PAMIATKY RUSKEJ KULTÚRY
ODDIEL I. HISTÓRIA RUSKEJ KULTÚRY STAROVEKU A STREDOVEKU
(PRED KONCOM 17. STOROČIA)
ĽUDOVÁ DREVENÁ ARCHITEKTÚRA
NÁBOŽENSKÉ STAVBY
1. Klet kostoly: Kostol Lazara z kláštora Murom (14.-16. storočie) – prírodná rezervácia Kizhi; Kostol uloženia rúcha z obce Borodava (15. storočie) - Kirillo-Belozersky Museum-Reserve; Kostol Premenenia Pána z dediny Spas-Vezhi (17. storočie) - Múzeum-rezervácia Kostroma; Kostol sv. Mikuláša z obce Tukholya (17. storočie) - Novgorodské múzeum-rezervácia "Vitoslavlitsy"; kaplnka Michala Archanjela z dediny Lelikozero (18. storočie) - Kizhi Museum-Reserve; Kostol sv. Mikuláša z obce Glotova (18. storočie) - Múzeum-rezervácia Suzdal.
2. Stanové kostoly: Kostol sv. Mikuláša v obci Lyavlya (16. storočie); kostol sv. Juraja z dediny Vershina (17. storočie) - Archangeľské múzeum-rezervácia "Malé Korely"; Kostol vzkriesenia z obce Patakino (18. storočie) - Suzdal Museum-Reserve; Kostol Nanebovzatia Panny Márie (18. storočie) v meste Kondopoga.
K dejinám Ruska na konci 17. - prvej štvrtiny 18. storočia neodmysliteľne patrí meno jednej z najväčších politických osobností Ruska - Petra I. Významné inovácie v tejto dobe prenikajú nielen do oblasti kultúry a umenia. , ale aj priemysel - hutníctvo, stavba lodí a pod.. Začiatkom 18. storočia sa objavili prvé mechanizmy a obrábacie stroje na spracovanie kovov. Veľa v tejto oblasti urobili ruskí mechanici Nartov, Surnin, Sobakin a ďalší.
Zároveň sa kladú základy štátneho systému všeobecného a špeciálneho školstva. V roku 1725 vznikla Akadémia vied, pod ktorou bol otvorený odbor umeleckých remesiel.
A. Nartov. Sústruh. Petrova éra. 18. storočie
V 18. storočí sa formovali nové princípy architektúry a urbanizmu.Toto obdobie bolo poznačené nárastom tvarovania produktov charakteristických čŕt západoeurópskeho baroka (Holandsko, Anglicko).
V dôsledku záväzkov Petra I. predmety tradičných ruských foriem rýchlo miznú z kráľovského a aristokratického života v paláci a stále zostávajú v obydliach más vidieckeho a mestského obyvateľstva, ako aj v kostole. Práve v prvej štvrtine 18. storočia sa črtal výrazný rozdiel v slohovom vývoji, ktorý zostal dlho charakteristický pre profesionálnu tvorivosť a ľudové umelecké remeslá. V druhom z nich sa priamo a organicky rozvíjajú stáročné tradície ruského, ukrajinského, estónskeho atď. úžitkového umenia.
Normy ušľachtilého života vyžadujú demonštráciu bohatstva, sofistikovanosti a lesku v živote suverénneho človeka. Formy starého spôsobu života, vrátane Petrovho (ešte stále obchodného, prísneho), boli definitívne vytlačené v polovici 18. storočia. Dominantné postavenie v ruskom umení zaujíma takzvaný rokokový štýl, ktorý logicky dotváral trendy neskorého baroka. Slávnostné interiéry tejto doby, napríklad niektoré miestnosti palácov Peterhof a Carskoye Selo, sú takmer celé zdobené prepracovanými rezbami.
Všeobecné znaky rokajovej výzdoby (zakrivenie línií, bohaté a asymetrické usporiadanie štylizovaných alebo realistických kvetov, listov, mušlí, očí atď.) sú plne reprodukované v ruskej architektúre a nábytku tej doby, keramike, odevoch, kočoch, slávnostných zbraniach , atď. Vývoj ruského úžitkového umenia sa však napriek tomu uberal úplne samostatnou cestou. Napriek nepopierateľnej podobnosti foriem vlastných výrobkov so západoeurópskymi, nie je ťažké si všimnúť rozdiely medzi nimi. Takže, ale v porovnaní s francúzskymi, ruské nábytkové výrobky majú oveľa voľnejšie formy a sú mäkšie v obryse a kresbe. Majstri si stále zachovali zručnosti ľudového rezbárstva, väčšie a všeobecnejšie ako na Západe. Nemenej charakteristická je polychrómia ruských výrobkov a kombinácia zlatenia a maľby, ktorá je vo Francúzsku zriedkavá, ale v Rusku akceptovaná všade.
Od 60. rokov 18. storočia sa v ruskej architektúre začal prechod ku klasicizmu s lakonickými a prísnymi formami, ktoré sa obrátili k antike a vyznačujú sa veľkou zdržanlivosťou a milosťou. Rovnaký proces prebieha aj v úžitkovom umení.
V plánovaní, vybavení a výzdobe mestských kaštieľov a palácov (architekti Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov atď.) Je zreteľná symetria, proporčná jasnosť. Steny priestorov (medzi oknami alebo oproti nim) skrývajú zrkadlá a panely z hodvábneho damašku, dekoračných bavlnených látok a látky.
.
Sedačka - rokokový štýl. Rusko (detail). Polovica 18. storočia
Kreslo v klasickom štýle. Rusko. Druhá polovica 18. storočia
Podlahy sú vyrobené z dreva rôznych druhov a niekedy pokryté plátnom alebo látkou; stropy sú maľované (napr. technikou grisaille imitujúcou reliéfne tvarovanie). Namiesto skladaných parkiet sa používajú podlahy zo smrekových dosiek „pod voskom“. Steny a stropy sú často čalúnené látkou alebo tapetované. Ak sú v predných miestnostiach usporiadané mramorové krby pôsobivých rozmerov, v intímnych komnatách sú postavené tradičnejšie kachle na podstavcoch alebo nohách, obložené kachličkami. Rozdiel medzi lampami je rovnako viditeľný: v halách - to sú šperky vyrobené a drahé lustre, svietniky, svietniky, v komorách - oveľa skromnejšie svietniky a lampy. Ešte väčší kontrast je v podobe predného a bytového nábytku. To všetko nehovorí ani tak o túžbe majiteľov palácov a kaštieľov ušetriť peniaze, ale o ich zohľadnení objektívneho prostredia ako dôležitého faktora v psychologicky vhodnej atmosfére.
Väčšina nábytku a množstvo iných výrobkov na konci 18. – prvej polovice 19. storočia nebolo neustále potrebné; ak to nebolo potrebné, boli odstránené alebo premiestnené do neaktívnych častí priestorov. Sedací nábytok musí byť zakrytý. V tom istom spojení transformovateľný nábytok s pracovnou rovinou - čajové a kartové stolíky, rozkladací jedálenský stôl, stôl na vyšívanie, sústava stolov rôznych výšok, ktoré zapadajú pod seba atď., rôzne vzhľady priestorov v rôznych každodenné situácie. Zároveň sa vyzdvihlo množstvo domácich procesov, ktoré sa v teplom období odohrávali mimo budovy – na terase a v parku. V dôsledku toho sa šíria nové druhy výrobkov - záhradný nábytok, dáždnikové markízy, parkové lampy atď. V 18. storočí sa na jednotlivých panstvách organizovali poddanské dielne, ktoré vyrábali pomerne veľké série nábytku, porcelánu, koberčekov a iných výrobkov.
Koncom 18. storočia vo vybavení veľkých palácov došlo k oddeleniu samotného dizajnu výrobkov (nábytok, lampy, hodiny, gobelíny a iné náčinie a dekorácie) ako osobitnej oblasti tvorivej činnosti od ich remeselná výroba už výrazne ovplyvňuje. Dizajnérmi sú najmä architekti a profesionálni umelci. Pri výrobe produktov pre masový trh sa používajú stroje a mechanické metódy spracovania materiálov, vďaka ktorým sa inžinier stáva vedúcou osobnosťou vo výrobe. To vedie k narušeniu a strate vysokých estetických kvalít, ktoré sú vlastné spotrebnému tovaru, k oddeleniu priemyslu od umenia. Tento trend bol prirodzený v podmienkach kapitalistického rozvoja spoločnosti a jeden z hlavných pre celé 19. storočie.
V priebehu intenzívneho rozvoja kapitalistických vzťahov v Rusku v 19. storočí sa zvyšovali kapacity priemyselnej výroby. V polovici 19. storočia už bola akútne pociťovaná potreba umelecky profesionálneho personálu vývojárov produktov a remeselníkov. Na ich školenie sú otvorené špecializované vzdelávacie inštitúcie v Moskve (gróf Stroganov) a Petrohrade (barón Stieglitz). Už ich názov – „školy technického kreslenia“ – hovorí o vzniku nového typu umelca. Od roku 1860 sa rozvíjalo špeciálne remeselné vzdelávanie umelcov. Vychádza veľa kníh o technológii spracovania rôznych materiálov: drevo, bronz, železo, zlato atď. Vydávajú sa obchodné katalógy, ktoré nahrádzajú predtým vydávaný časopis „Ekonomický obchod“. Od polovice 19. storočia sa formujú vedy súvisiace s problematikou ochrany zdravia pri práci a používania predmetov v domácnosti. Počas celého 19. storočia však všetka masová továrenská výroba z umeleckého hľadiska zostala úplne podriadená jednoznačne dominantnej myšlienke krásy ako dekoratívneho a ornamentálneho dizajnu výrobkov. Dôsledkom toho bolo zavedenie do podoby väčšiny výrobkov slohových prvkov klasicizmu: zložité profilové dostavby, kanelované stĺpy, rozety, girlandy, ornamenty na antické motívy a pod. V mnohých prípadoch boli tieto prvky zavedené do foriem aj priemyselných zariadení - obrábacích strojov.
V slohovom vývoji úžitkového umenia a výrobkov pre domácnosť v 19. storočí sa konvenčne chronologicky rozlišujú tri hlavné obdobia: pokračovanie tendencií klasicizmu v súlade s tzv. empírovým štýlom (prvá štvrtina storočia); neskorý klasicizmus (asi 1830-1860) a eklektizmus (po 60. rokoch 19. storočia).
Prvá štvrtina 19. storočia sa niesla v znamení všeobecného rozmachu ideového a stavebného záberu v ruskej architektúre, čo spôsobilo výrazné oživenie aj v úžitkovom umení.
Kreslo v empírovom štýle. Prvá štvrtina devätnásteho storočia.
Víťazstvo vo vojne v roku 1812 do určitej miery urýchľuje a završuje proces formovania ruskej národnej kultúry, ktorý nadobúda celoeurópsky význam. Činnosť najznámejších architektov - Voronikhina, Quarenghiho, Kazakova, úzko spätá s klasicizmom predchádzajúceho obdobia, spadá len do prvej dekády storočia. Nahrádza ich plejáda takých pozoruhodných majstrov ako Rossi, Stasov, Grigoriev, Beauvais, ktorí vniesli do ruského umenia nové nápady a iného štýlového ducha.
Prísnosť a monumentálnosť sú charakteristické črty architektúry a foriem rôznych domácich potrieb empírového štýlu. V druhom z nich sa dekoratívne motívy citeľne menia, presnejšie ich typológia sa rozširuje o používanie dekoratívnych symbolov starovekého Egypta a Ríma - gryfov, sfingy, fascie, vojenské atribúty („trofeje“), vence veniec a pod. raného klasicizmu vo všeobecnosti narastá množstvo dekoru, jeho „vizuálna váha“ v kompozičnom riešení produktov. K monumentalizácii, niekedy akoby zhrubnutiu foriem, dochádza v dôsledku väčšieho zovšeobecňovania a geometrizácie klasických ornamentálnych motívov - lemoviek, vencov, lýr, brnení a pod., ktoré sa čoraz viac vzďaľujú od svojich skutočných predobrazov. Malebné (scény, krajinky, kytice) maľovanie predmetov takmer úplne zaniká. Ornament sa snaží o bod, obrys, použiteľnosť. Výrobky z väčšej časti, najmä nábytok, sa stávajú veľkými, masívnymi, ale rôznorodými vo všeobecnej konfigurácii a siluete. Ťažkosť empírového štýlu v kusoch nábytku takmer vymizla už v 30. rokoch 19. storočia.
Od polovice 19. storočia sa začali nové rešerše v oblasti architektúry, úžitkovej a priemyselnej tvorivosti.
Zrodilo sa celoeurópske umelecké hnutie, nazývané „Biedermeier“, pomenované podľa buržoázneho jednej z postáv nemeckého spisovateľa L. Eichrodta (dielo vyšlo v 70. rokoch 19. storočia) s jeho ideálom pohodlia, intimity.
Továrenské železo. Rusko. Druhá polovica 19. storočia
V druhej polovici 19. storočia sa z výroby úžitkových predmetov do domácnosti ešte viac vytlačila ručná práca. Postupy a techniky ich výtvarného riešenia, princípy tvarovania, ktoré sa stáročiami vyvíjali, sa po stáročia dostávajú do rozporu s novými ekonomickými trendmi v masovom charaktere a rentabilite výroby vecí na trhu. Reakcia na meniacu sa situáciu je dvojaká. Niektorí majstri – väčšina z nich – robí kompromisy. Vzhľadom na nezničiteľný tradičný pohľad na všetky každodenné veci ako na predmet dekoratívneho a úžitkového umenia, začínajú prispôsobovať ornamentálne motívy klasicizmu schopnostiam strojových a sériových technológií. Objavujú sa „efektívne“ typy dekorácie a dekorácie produktov. Už v 30. rokoch 19. storočia v Anglicku Henry Cool predložil navonok reformný slogan zdobenia továrenských výrobkov prvkami „zo sveta foriem výtvarného umenia“. Mnoho priemyselníkov dychtivo preberá tento slogan a snaží sa využiť pripútanosť masy spotrebiteľov k zvonka zdobeným, ornamentálne obohateným formám bytového zariadenia.
Iní teoretici a praktici úžitkového umenia (D. Reskin, W. Morris) naopak navrhujú zorganizovať bojkot tohto odvetvia. Ich krédom je čistota tradícií stredovekých remesiel.
V krajinách západnej Európy a v Rusku po prvý raz zaujali teoretikov a profesionálnych umelcov remeselní umelci a remeselníci, v ktorých tvorbe sa ešte zachovali hlboké ľudové tradície. V Rusku veľtrhy v Nižnom Novgorode v 70. – 90. rokoch 19. storočia demonštrujú životaschopnosť týchto tradícií v nových podmienkach. Mnoho profesionálnych umelcov - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich a ďalší - sa s nadšením obracia k ľudovému pôvodu dekoratívneho umenia. V rôznych regiónoch a provinciách Ruska, v mestách ako Pskov, Voronež, Tambov, Moskva, Kamenetz-Podolsk a iné, vznikajú remeselné podniky, ktorých základom je ručná práca. Osobitný význam pre oživenie vymierajúcich tvorivých remesiel mala práca dielní v Abramcove pri Moskve, v Talaškine pri Smolensku, podnik P. Vaulina pri Petrohrade a keramický artel Murava v Moskve.
Samovar. 19. storočie
Rusko. Druhá polovica
Priemyselné čerpadlo. 19. storočie
Výrobky všetkých týchto dielní však tvorili tak zanedbateľnú časť celkovej spotreby, že nemohli mať citeľný vplyv na masovú výrobu, hoci dokázali oprávnenosť existencie dekoratívneho umenia, ktoré popri masovej strojovej výrobe zachováva ľudové tradície. vecí. Neskôr sa to potvrdilo aj inváziou strojovej techniky do takých oblastí dekoratívneho a úžitkového umenia ako šperk (šperk), tkanie kobercov, krajčírstvo, čo viedlo k prudkému poklesu ich umeleckej kvality.
Vo formách väčšiny vyrábaných produktov druhej polovice 19. storočia sa prakticky nič nové nevyvíja. Novosť najvšeobecnejšej situácie však už v tejto dobe prispieva k doplneniu vnútorných predpokladov pre novátorské rešerše - uvedomenie si slohových rešerší ako dôležitej tvorivej potreby, ako prejavu umeleckej individuality majstra. Ak sa doteraz slohové smery (gotika, renesancia, barok, klasicizmus atď.) rodili a šírili spravidla v dôsledku všeobecných, takmer „globálnych“, spontánne vykryštalizovaných trendov v estetickom vývoji sveta, potom od r. polovice 19. storočia je štýlová originalita považovaná za priamy tvorivý výkon individuálneho umelca, architekta. V tomto ohľade sa prudko aktivuje záujem o dedičstvo umenia všetkých čias a národov. Toto najbohatšie dedičstvo sa stáva zdrojom napodobenín, priamych výpožičiek alebo prechádza bizarným kreatívnym spracovaním.
Stôl s moderným kreslom. Koniec 19. storočia
Výsledkom je, že väčšinu produktov tvorí nezvyčajne pestrý obraz, v ktorom sa mihajú jasné alebo jemné reminiscencie na starovek, románsku éru, gotiku, taliansku alebo francúzsku renesanciu, umenie Byzancie a starovekého Ruska, baroka atď. , často eklekticky miešanie v dizajne jedného produktu, interiéru, budovy. Preto sa toto obdobie v dejinách architektúry a úžitkového umenia nazývalo eklektické. Napriek tomu sú predmety (lampy, kovové vedrá, korýtka, riad, taburetky a pod.) relatívne lacné, no vyrobené bez akéhokoľvek umeleckého účelu, často v nevzhľadných podobách a nízkej kvality.
Hľadanie nového štýlu sa uskutočňuje s prihliadnutím na skutočnú potrebu v podmienkach strojovej výroby, zásadne nový prístup k tvorbe výrobkov na jednej strane a na zachovanie dekoratívnych tradícií minulosti na strane iné. Buržoázia, ktorá koncom 19. storočia zaujala silné postavenie v ruskej ekonomike, sa usilovala o vlastnú umeleckú ideológiu v architektúre a dizajne - kult racionálneho, relatívneho oslobodenia od archaizmov ušľachtilej kultúry, podnecujúceho všetko v umenie, ktoré by mohlo konkurovať štýlom minulosti. Takým bol na konci 19. storočia secesný štýl – „nové umenie“ v Belgicku, Veľkej Británii a USA, „Jugendstil“ v Nemecku, „secesný štýl“ v Rakúsku, „voľný štýl“ v Taliansku. Jeho názov – „moderný“ (z franc. moderne) znamenal „nový, moderný“ – z lat. modo - "práve teraz, nedávno." Vo svojej čistej podobe, doznievajúcej a miešajúcej sa s inými štýlovými smermi, nevydržal dlho, asi do roku 1920, teda asi 20-25 rokov, ako takmer všetky štýlové smery 17.-20.
Secesia je rôznorodá v rôznych krajinách a v tvorbe jednotlivých majstrov, čo komplikuje pochopenie ním riešených úloh. Charakteristické však bolo takmer úplné vykorenenie všetkých dovtedy používaných dekoratívnych a ornamentálnych motívov a techník, ich radikálna obnova. Tradičné rímsy, rozety, hlavice, flauty, opasky „incoming wave“ atď. sú nahradené štylizovanými miestnymi rastlinami (ľalie, kosatec, karafiáty atď.), ženskými hlavami s dlhými kučeravými vlasmi atď. a umelecký efekt sa dosahuje vďaka expresívnosti siluety, členitosti formy, líniám, spravidla jemne trasovaným, akoby voľne tečúcim, pulzujúcim. V podobách secesných produktov je takmer vždy cítiť nejakú rozmarnú vôľu umelca, napätie pevne napnutej struny, prehnané proporcie. V extrémnych prejavoch je to všetko prudko vyhrotené, povýšené na princíp. Miestami sa objavuje ignorovanie konštruktívnej logiky formy, takmer predstieraná vášeň pre spektakulárnu stránku úlohy, najmä pri riešení interiérov, často efektne divadelných.
So všetkými slabinami - náročnosťou, miestami hlučnosťou foriem, vznikol nový prístup k riešeniu stavby, interiéru, zariadenia s logikou funkčného, konštrukčného a technologického riešenia.
Svietnik v modernom štýle. Začiatok 20. storočia
Sada riadu. Koniec XIX storočia.
Moderný toaletný stolík. Začiatok 20. storočia
Secesia v drvivej väčšine svojich vzoriek neopustila zdobenie výrobkov, ale len nahradila staré dekoratívne motívy a techniky novými. Už začiatkom 20. storočia, v čase triumfov nového štýlu, sa opäť, najskôr nesmelo, potom široko, vrátila móda pre staré štýly, čo malo určitú súvislosť s prípravami na oslavu sv. výročie vlasteneckej vojny z roku 1812. Výstava „Moderné umenie“, usporiadaná v Petrohrade v roku 1903, jasne ukázala zrod „klasifikujúcej moderny“.
Výsledky modernosti sú zložité. Toto je očista úžitkového umenia od eklekticizmu a od „antimachinizmu“ šampiónov ručných remesiel a od neúspešných pokusov obnoviť štýly minulosti. Toto sú prvé príznaky odchodu architektúry a úžitkového umenia na cestu funkcionalizmu a konštruktivizmu, na cestu moderného dizajnu. Zároveň, keď secesia čoskoro objavila trend smerom k znárodňovaniu štýlu, vyvolala novú vlnu čisto dekoratívnych rešerší. Mnoho maliarov sa obracia k úžitkovému umeniu a interiérovému dizajnu (S. Maljutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin atď.), inklinujúc k farebnosti ruskej rozprávky, k „perníku“ atď. následného historického procesu, ktorý riešil naliehavé problémy masovej priemyselnej výroby, takéto experimenty nemohli mať vážny ideologický a umelecký význam, hoci dali podnet na rozvoj ďalšieho odvetvia úžitkového umenia - umeleckého remesla a najmä divadelného a dekoratívneho umenia. .
Secesia akoby vyčistila a pripravila cestu pre etablovanie nových estetických a tvorivých princípov v umení tvorby každodenných vecí, urýchlila vznik novej umeleckej profesie - umeleckého dizajnu (dizajnu).
Formovanie funkcionalizmu a konštruktivizmu do osobitných smerov v architektúre a umeleckom dizajne západných krajín nastalo koncom 10. rokov v súvislosti so stabilizáciou života a úspechom ekonomiky po prvej svetovej vojne. Ale základné základy novej modernej architektúry boli určené už v predvojnovom období v tvorbe takých architektov ako T. Garnier a O. Perret (Francúzsko), X. Berlaga (Holandsko), A. Loos (Rakúsko), P. Behrens (Nemecko), F. Wright (USA), I. Shekhtel, I. Rerberg (Rusko) a ďalší Každý z nich prekonal vplyv moderny po svojom a bojoval.
V roku 1918 boli vytvorené špeciálne oddelenia pre architektúru a umelecký priemysel pod oddelením výtvarných umení Ľudového komisariátu pre vzdelávanie. Vážna pozornosť sa venuje vzdelávaniu špecialistov. V.I.Lenin v roku 1920 podpísal dekrét o zriadení Vyšších štátnych umeleckých a technických dielní (VKHUTEMAS). Absolventi vytvorili nové vzorky látok, nábytku, riadu atď.
Vzdelávanie v dielňach (v roku 1927 sa pretransformovali na Všezväzový umelecko-technický inštitút VKhUTEIN), prebiehalo na fakultách: architektúra, keramika, textil atď. Na fakulte spracovania dreva a kovov pod vedením A. Rodčenko, D . Lissitzky, V. Tatlin a ďalší majstri hľadali nové formy a dizajny rôznych predmetov. Všetky aktivity VKHUTEMAS smerovali k tomu, aby sa u študentov rozvíjali zručnosti integrovaného prístupu k navrhovaniu predmetného prostredia každodenného života a výroby.
V 20. rokoch 20. storočia sa rozvinul trend „výrobného umenia“, ktorý rozvíjal princípy funkcionalizmu a konštruktivizmu, usiloval sa v mysliach umelcov zaviesť estetický ideál racionálne organizovanej materiálovej produkcie. Akékoľvek bývalé formy umenia boli „výrobcami“ vyhlásené za buržoázne, pre proletariát neprijateľné. Z toho pramení ich popieranie nielen „prakticky zbytočného“ výtvarného umenia, ale aj všetkého čisto dekoratívneho umenia, akým je šperk.V 20. rokoch 20. storočia u nás ešte nedozreli technické a ekonomické podmienky na realizáciu ich nápadov.
VKHUTEMAS a „výrobní robotníci“ 20. rokov boli ideovo a esteticky úzko spätí s „Bauhausom“ a v rade dôležitých momentov s ním predstavovali v podstate jediný smer vtedajšieho výtvarného dizajnu. V rámci tohto nového hnutia sa formovala estetika moderného dizajnu, prekonávajúca rozpory v úžitkovom umení predchádzajúceho obdobia. Praktickou umeleckou činnosťou zakladateľov dizajnu bol aj rozvoj arzenálu výtvarných a výrazových prostriedkov umenia vytvárať veci. V ich dielach (nábytok, lampy, riad, látky a pod.) bola najväčšia pozornosť venovaná takým vlastnostiam materiálov a foriem, ako sú textúra, farba, plastická expresivita, rytmická štruktúra, silueta atď., ktoré sa stali kľúčovými v kompozičné produkty bez toho, aby boli v rozpore s požiadavkami konštruktívnej logiky a vyrobiteľnosti formy. Ďalšou oblasťou, ktorá sa u nás v 20. rokoch úspešne rozvíjala, je inžiniersky dizajn. V roku 1925 bola v Moskve podľa projektu vynikajúceho inžiniera V. Shukhova postavená slávna rádiová veža, ktorej prelamovaná silueta sa na dlhú dobu stala symbolom sovietskeho rádia. O rok skôr vytvoril J. Gakkel podľa najnovších technologických výdobytkov prvú sovietsku dieselovú lokomotívu, ktorej tvar aj dnes pôsobí celkom moderne. V 20. rokoch sa realizovala potreba vedeckého výskumu zákonitostí ľudskej činnosti v ním umelo vytvorenom objektívnom prostredí. Organizuje sa Ústredný ústav práce, v jeho stenách sa uskutočňuje výskum v otázkach vedeckej organizácie práce, kultúry výroby. Pozornosť vedcov a konštruktérov priťahujú otázky biomechaniky, organoleptiky atď. K pozoruhodným prácam tých rokov patrí projekt pracoviska vodiča električky (N. Bernshtein).
I. Gakkel. Lokomotíva. Začiatok 30. rokov 20. storočia
V druhej polovici 18. storočia dosiahlo ruské úžitkové umenie výrazný rozmach. Napomáhal tomu rozvoj hospodárstva, obchodu, vedy a techniky a do značnej miery aj úzke väzby s architektúrou a výtvarným umením. Rástol počet veľkých a malých tovární, závodov, dielní vyrábajúcich látky, sklo, porcelán, nábytok. Zemepáni na svojich panstvách zariaďovali rôzne dielne založené na poddanskej práci.
Humanistické myšlienky osvietenstva sa svojráznym spôsobom premietli do úžitkového umenia konca 18. storočia. Majstri tejto doby sa vyznačovali pozornosťou k osobnému vkusu a potrebám človeka, hľadaním pohodlia v prostredí.
Nový štýl – ruský klasicizmus – sa na prelome 70. – 80. rokov 18. storočia etabloval vo všetkých druhoch úžitkového umenia. Architekti M. F. Kazakov, I. E. Starov, D. Quarenghi, C. Cameron, A. N. Voronikhin vytvorili interiéry v duchu ušľachtilej jednoduchosti a zdržanlivosti s jasným delením dielov, so štrukturálne opodstatneným usporiadaním plastickej aj malebnej architektonickej výzdoby.
Nábytok, svietniky, lustre boli navrhnuté pre priestory paláca v rovnakých princípoch. V zdobení nábytku, riadu, tkanín, postavených v jasnom rytme, sa objavili antické motívy - akant, meander, iónika, živo interpretované kvety, girlandy, obrazy amorov, sfingy. Pozlátenie, farby sa stali jemnejšími a zdržanlivejšími ako v polovici 18. storočia.
Na konci 18. storočia vášeň pre starovek prinútila opustiť aj zložitý a veľkolepý kostým. Do módy prišli ľahké voľné šaty so splývavými záhybmi, s vysokým opaskom v antickom štýle (V. L. Borovikovskij. „Portrét M. I. Lopukhina.“ 1797).
Syntéza umenia v ruskom klasicizme je založená na princípe harmonickej kombinácie všetkých druhov umenia.
Nábytok. V období klasicizmu sú jeho formy jednoduché, vyvážené, jasne postavené, rytmy pokojné. Obrysy si ešte zachovali určitú jemnosť, zaoblenie, no už vynikli vertikálne a horizontálne línie. Ozdoby (nízke rezby, maľby, bronzové a mosadzné onlay) zdôrazňovali výraznosť štruktúr. Bol tam väčší záujem o pohodlie. Pre predné izby na rôzne účely boli navrhnuté zostavy: obývacia izba, kancelária, predná spálňa, predsieň. Vznikli nové formy nábytku: stolíky na kartové hry, ručné práce, ľahké prenosné bobbie stolíky (s vekom v tvare fazule), rôzne druhy komôd. Široko používané boli pohovky av sekretárkach kancelárskeho nábytku kancelária s valcovým rolovacím vekom.
Rovnako ako v predchádzajúcich obdobiach je ruský nábytok masívnejší, zovšeobecnenejší, jednoduchší v detailoch ako západný nábytok. Materiálom na to boli miestne dreviny - lipa, breza (s pozlátením a morením do svetlých farieb), orech, dub, topoľ, jaseň, hruška, bažinatý dub. Koncom 18. storočia začali využívať karelskú brezu a dovážali farebné drevo mahagón, amarant, palisander a iné druhy. Majstri dokázali ukázať svoju krásu, štruktúru, farbu, lesk, zručne zdôraznený leštením.
Ruskí remeselníci dosiahli veľké úspechy v technike sadzby (intarzie). Jeho podstata je v kompozícii ornamentov a celých Obrazov (zvyčajne z rytín) na povrchu drevených predmetov z kúskov farebného dreva. Diela tohto druhu sú známe nielen medzi dvornými nábytkármi hlavného mesta, ale aj medzi bývalými nevoľníkmi, ktorí pôsobili v Moskve a Moskovskej oblasti: Nikifor Vasiliev (obr. 78), Matvey Veretennikov a bezmenní majstri z Tveru, Archangelsk, ktorí zaviedli mrož slonovina do súpravy. Ukážky vysokého umenia rezbárstva nábytku paláca Ostankino patria nevoľníkom Ivanovi Mochalinovi, Gavrile Nemkovovej a ďalším. V Petrohrade bol známy nábytok a rezbárske práce remeselníkov z Okhty, ktorí boli za Petra I. prenesení do hlavného mesta z rôznych miest.
Tkaniny. Zo všetkých odvetví sa v druhej polovici 18. storočia najúspešnejšie rozvíjal textilný priemysel (Moskva, Ivanovo, Jaroslavľ, gubernia Vladimir). Jeho vzostup určovali nielen veľké manufaktúry, ale aj malé roľnícke podniky. Špeciálnu dokonalosť dosiahli remeselníci v nových vzorovaných ľanových látkach so zložitými väzbami, s hrou prírodných striebristo-bielych odtieňov ľanu. Tu sú tradície roľníckeho tkania, hlboké pochopenie ovplyvneného materiálu. Vyrábala sa aj hromadná lacná pestrá a krashenina. Dekoratívne vlastnosti farebných látok a vlnených látok sa výrazne zlepšili.
Prudko sa rozvinula výroba hodvábnych látok na šaty a dekoračné látky, šatky, stuhy (ill. 80). Do konca 18. storočia neboli kvalitou nižšie ako francúzske – najlepšie v Európe. Ruskí tkáči sa naučili používať rôzne nite, najkomplexnejšie tkanie, pripomínajúce vyšívanie. Kompozičnými technikami, bohatosťou palety v dekoračných látkach sa dosiahol prenos priestoru, jemnosť tónových prechodov, presnosť vzoru kvetov, vtákov, krajiny. Takéto látky sa používali pri výzdobe palácov, posielali sa ako dary do zahraničia.
Až do 80. a 90. rokov 18. storočia sa vzory zo zložitých, vlnitých kvetinových girland, stužiek a korálikov používali v tkaninách na šaty, najmä v tkaninách na slnečné šaty. Postupne však boli girlandy nahradené pruhmi, vzory sa zjednodušili, ich rytmy sa zjemnili, farebná schéma bola ľahšia, jemnejšia.
V rokoch 1750-1760 v Petrohrade a neskôr v Moskve, v obci. Ivanovo (dnes mesto Ivanovo) rozvinulo výrobu chintzu (bavlnená tkanina s tlačeným vzorom s pudingom, neblednúcimi farbami a následným leštením). Vo vzoroch chintzu remeselníci, najmä tí z Ivanova, svojráznym spôsobom prerábali motívy hodvábnych tkanín. Na základe ľudového podpätku spojili šťavnatú malebnú škvrnu a grafický rez (kontúry vzoru, mriežky, bodky na pozadí). Kaliko boli spočiatku veľmi drahé. Koncom 18. storočia sa začali vyrábať ich lacné odrody.
Porcelán. Do konca 18. storočia sa ruský porcelán stal jedným z najlepších v Európe. Štátna továreň na porcelán pracovala úspešne v Petrohrade. Jeho výrobky sa vyznačovali mierne teplou belosťou, brilantnou glazúrou a vysokou technickou kvalitou. Formy riadu, váz, ich maľba neboli nižšie ako západné.
Vzniká najvýznamnejšia zo služieb - Arabeska pre súdne recepcie (1784, ill. 77). Stolová výzdoba tohto súboru deviatich alegorických sôch oslavuje anexiu Gruzínska a Krymu, „cnosť“ Kataríny II. (sochár Zh. D. Rashet). Dominujú v ňom pokojné pózy charakteristické pre klasicizmus konca 18. storočia, svetlé pozlátenie, prísne proporcie obslužných jedál maľovaných vo forme arabesiek, na základe antických ornamentov.
V 80. rokoch 18. storočia vznikla séria sôch „Ľudia Ruska“ (tvorivé spracovanie rytín) – žiarivo dekoratívne, s charakteristickými obrazmi – predstaviteľmi jednotlivých národností (Jakut, Samojed, Tatar). Vyrábali sa sochárske figuríny pouličných predavačov, remeselníkov zobrazovaných v pohybe a pri práci. Porcelánová socha sa po mnoho desaťročí stala obľúbenou ozdobou noblesných interiérov.
Zo súkromných porcelániek je najživotaschopnejšia továreň Franza Gardnera (1765) (dedina Verbilki pri Moskve). Už koncom 18. storočia zhotovil kulisy pre kráľovský dom s originálnym využitím motívov ruských rádov na obrazoch. Pomerne lacný porcelán Gardner, ktorý sa vyznačoval jednoduchosťou formy a bohatou maľbou kvetov blízko ľudovým tradíciám, mal úspech v hlavnom meste aj v provinciách (obr. 79).
sklo. Farebné sklo prináša pravú slávu ruskému sklu v poslednej tretine 18. storočia. M.V.Lomonosov svojou prácou o teórii farby a technológii farebných skiel otvoril ruskému sklárstvu nové cesty, obohatil paletu skla a oživil ruské mozaiky. Zorganizoval továreň na výrobu smaltu, korálikov a skla v dedine Ust-Ruditsa v provincii Petrohrad. V tavení farebného skla boli Lomonosovom vyškolení majstri štátneho závodu v Petrohrade Družinin a Kirillov. Rastlina ovláda výrobu skla hlbokých a čistých tónov - modrá, fialová, ružovo-červená, smaragdovo zelená. Teraz v jeho výrobe už nedominuje gravírovaný krištáľ, ale tenké farebné a bezfarebné sklo. Poháre, poháre, karafy dostávajú hladké tvary, v ktorých telo plynule prechádza do nohy a vytvára jemné, pôvabné kontúry. Zlaté a strieborné maľby girlandy, mašle, hviezdy, monogramy sú pokojné v rytme a zdôrazňujú plastické objemy nádob.
Vyrába sa aj takzvané mliečne biele sklo (hrnčeky, karafy, cirkevné predmety), ktoré svojím vzhľadom a charakterom pripomína nástenné maľby drahšieho porcelánu.
Koncom 18. storočia sa súkromné sklárne Bakhmetyev v provincii Penza, Malcevovci v provinciách Vladimir a Oryol a mnohé ďalšie rozvíjali a dosahovali veľké úspechy. Ich bezfarebné a farebné sklo, krištáľ, sú široko distribuované po celom Rusku.
Umelecké spracovanie kovu. Rozkvet šperkového umenia v Rusku začína v polovici 18. storočia a pokračuje počas celého storočia. Má umelecké materiály mimoriadnej krásy: diamanty, smaragdy, zafíry a iné drahokamy a polodrahokamy, maľované smalty, farebné kovy (zlato, striebro, platina, zliatiny). Umenie rezania kameňov dosahuje vysoký stupeň dokonalosti. Na vylepšenie hry kameňa nachádzajú klenotníci rôzne umelecké a technické techniky na montáž pohyblivých častí. Šperkárski umelci vytvárajú rozmarné tvary, pestrofarebné šperky: náušnice, prstene, tabatierky, spony na topánky, gombíky na luxusné obleky pre mužov aj ženy.
V poslednej tretine 18. storočia formy šperkov nadobúdajú rovnováhu, sprísňuje sa farebná škála drahých kameňov.
V tomto období dosiahli striebrotepci veľké úspechy. V súlade s novým vkusom sú formy strieborných súprav jednoduché a jasné. Sú zdobené flautami, starožitnými ornamentami. Na strieborných pohároch a tabatierkach majstri Veliky Ustyug reprodukujú z rytín obrazy starovekých scén, víťazstiev ruských vojsk.
Výnimočným fenoménom v úžitkovom umení 18. storočia sú oceľové umelecké výrobky tulských majstrov: nábytok, rakvy, svietniky, gombíky, spony, tabatierky. Dekoratívnosť svojich diel stavajú na protiklade hladkej ľahkej ocele a dekorácií v podobe fazetovaných kúskov trblietavých ako diamanty. Remeselníci používajú leštenie (tepelné spracovanie v peci pri rôznych teplotách) kovu, ktoré dáva rôzne odtiene - zelené, modré, fialové, od hrubých po svetlé. Tradície ľudového umenia sa odrážajú v láske k jasnej farbe, v hlbokom pochopení materiálu.
Farebný kameň. V druhej polovici 18. storočia boli objavené náleziská mramorov, čerešňovo-ružového orla na Urale, pestrofarebných jaspisov, pestrých brekcií, altajských porfýrov, modrých bajkalských lapisov. Okrem Peterhofu (1722-1723) a Jekaterinburgu (začiatok 30. rokov 18. storočia) v samom srdci Altaja začala v roku 1787 fungovať továreň Loktevskaja (od roku 1802 ju nahradila Kolyvanskaja). Existuje dostatok príležitostí na použitie farebného kameňa pri výzdobe a výzdobe monumentálnych a dekoratívnych diel interiérov palácov.
Schopnosť odhaliť estetické vlastnosti materiálu vždy vyznačovala ruských majstrov, ale obzvlášť jasne sa prejavila v umení rezania kameňa. Kamenári pracujúci podľa projektov architektov umelecky odhaľujú rozprávkovú krásu kameňa, jeho prirodzený vzor, nezvyčajné odtiene farieb, lesk a zvýrazňujú ich vynikajúcim leštením. Pozlátený bronz v podobe rúčok, hlavica len dopĺňa a zvýrazňuje tvar. Projekty na výrobky na rezanie kameňa, obelisky, vázy, ktoré boli založené na starovekých formách, vytvorili Quarenghi a Voronikhin.
Rozkvet ruského úžitkového umenia 18. storočia bol spojený s tvorbou architektov Kazakova, Starova, Quarenghiho, Camerona, Voronikhina a množstva vyškolených ľudových umelcov. No jeho pravú slávu vytvorili z väčšej časti zvyšní neznámi poddaní remeselníci – nábytkári, rezbári, tkáči, kamenári, šperkári, sklári, keramikári.
Rozvoj dekoratívneho a úžitkového umenia prispel k zdokonaľovaniu remeselných a manufaktúrnych výrobných techník, vzniku umeleckého priemyslu (výroba tapisérií, umeleckého skla, fajansy, rezanie kameňa, výroba hodvábu a súkna), manufaktúrna výroba módnych vecí, luxusného tovaru, objavovanie a rozvoj ložísk z medi, cínu, striebra, farebného kameňa, vysoko kvalitných ílov.
Významná je úloha Akadémie vied na „prosperite slobodného umenia a manufaktúr“, odrážajúcej nové prírodovedné a technické záujmy v dekoratívnom a úžitkovom umení. V prvej polovici 18. storočia sa objavujú nové formy výchovy a vzdelávania majstrov v umeleckých manufaktúrach; v Rusku existujú cechové organizácie remeselníkov, čo nepopiera široké zastúpenie zahraničných majstrov v rôznych oblastiach dekoratívneho a úžitkového umenia.
V umení a remeslách (interiérové predmety, nábytok, výzdoba) je štýl aktívne diktovaný módou. V dôsledku toho sa objavujú nové typy predmetov, aktualizujú sa estetické nápady v umení a remeslách. V dekoratívnom a úžitkovom umení polovice 18. storočia je tendencia k syntéze umenia, kde sa architektúra, sochárstvo, maliarstvo a úžitkové remeslo spájajú do dekoratívneho celku.
V dôsledku toho sa umenie interiérového dizajnu stáva zvláštnym druhom umeleckej činnosti v tvorbe architektov 18. storočia. Tento typ umeleckej činnosti spôsobuje vznik nových typov priestorov (študovne, predné izby, spálne, obývačky, „obrazové sály“) a ich obsah (Letný palác, Palác AD Menšikova, Palác Veľký Peterhof, Monplaisir).
To všetko prispieva k rozvoju nábytkárskeho podnikania, objavujú sa nové typy a formy nábytku, materiály a spôsoby jeho zdobenia. Vplyv anglického a holandského nábytku je tu veľmi silný. Pod vplyvom Európy sa v Rusku formuje dokonca aj barokový a rokokový štýl v nábytku.
Klasicistický nábytok má charakteristický charakter a formu. Antické motívy možno vo veľkej miere vysledovať vo formách a dekorácii nábytku. V polovici 18. storočia sa architekti podieľali na vývoji nových typov nábytku, v Rusku sa objavilo nábytkové umenie a autorský nábytok (Brenna, Ľvov, Cameron, Voronikhin). V druhej polovici 18. storočia sa objavili prvé nábytkárske dielne (dielňa G. Gambsa a I. Otta). Pre toto obdobie v nábytkárskom umení je charakteristický štýl "Jakob". V druhej polovici 18. storočia sa materiály v nábytkárskom umení menili: objavil sa tu mahagón, pozlátené drevo, topoľ, karelská breza; Čoraz častejšie sa pri výrobe nábytku používa textil a výšivky.
Osobitné miesto v dekoratívnom a úžitkovom umení zaujíma keramika a fajansa. Deje sa tak najskôr v dôsledku rozšírenia dovozu výrobkov z fajansy z Anglicka a Holandska. Čoskoro sa však v Moskve objavila prvá súkromná manufaktúra A. Grebenshčikova, ktorá vyrábala ruskú jemnú fajansu. Neskôr sa sformoval štýl slávnostného palácového riadu s matným rytím a rozšírila sa móda krištáľu ako interiérového predmetu. To znamená otvorenie prvej Malcovovej súkromnej továrne na sklo a krištáľ v okrese Mozhaisk.
V 18. storočí vďaka rastúcej obľube umeleckých remesiel, interiérových dekorácií, vzrástla spotreba skla, z ktorého sa vyrábali rôzne zrkadlá a svietidlá.
Sochárstvo a maliarstvo druhej polovice 18. storočia.
Významnú úlohu vo vývoji maliarstva 18. storočia zohrala tvorba Vladimír Lukič Borovikovský. Napriek tomu, že umelec nebol oficiálne uvedený ako študent akadémie, nepochybne využil rady jej učiteľov a predovšetkým Levického. Prirodzený talent a železná vytrvalosť mladého umelca čoskoro viedli k tomu, že Borovikovskij bol povýšený medzi prvých majstrov konca 18. storočia. Vytvoril sériu vynikajúcich portrétov svojich súčasníkov, medzi ktoré patria G. Derzhavin, V. Arsenyeva, M. Lopukhina, O. Filippova a mnohí ďalší. Pre väčšinu Borovikovského diel je charakteristický neustály záujem o duchovné zážitky človeka, zdôraznená lyrika a kontemplácia, rozdúchaná oparom sentimentality, tak charakteristickej pre éru. Umelec nikdy nešiel cestou vonkajších, povrchných charakteristík obrazu, neustále sa snažil sprostredkovať najjemnejšie duchovné pohyby zobrazovaných tvárí.
V jeho tvorbe dominuje komorný portrét. Borovikovský sa snaží potvrdiť sebaúctu a morálnu čistotu človeka (portrét Lizynky a Dashinky, portrét E.N. Arsenyeva atď.). Borovikovského na prelome 18. – 19. storočia zaujali silné, energické osobnosti, zameriava sa na občianstvo, šľachtu, dôstojnosť portrétovaných. Vzhľad jeho modelov sa stáva zdržanlivejším, krajinné pozadie je nahradené obrazom interiéru (portréty A.A. Dolgorukova, M.I. Dolgoruka atď.).
Borovikovský je tiež uznávaným majstrom portrétnych miniatúr. Zbierka Ruského múzea obsahuje diela patriace do jeho štetca - portréty A.A. Menelasa, V.V. Kapnista, N.I. Ľvova a ďalších. Umelec často používal cín ako základ pre svoje miniatúry.
Ruská portrétna maľba 18. storočia dosahuje svoj skutočný vrchol v tvorbe o D.G. Levitsky . Už v jednej zo svojich raných prác - portréte architekta A. Kokorinova - Levitsky ukázal vynikajúce schopnosti ako maliar. Vysokou umeleckou hodnotou je portrét veľkého francúzskeho materialistického filozofa D. Diderota, ktorý namaľoval Levitskij v Petrohrade v roku 1773, a séria portrétov žiakov Smolného inštitútu vytvorená umelcom. Obrazy týchto dievčat sú poznačené úprimnosťou a vrúcnosťou, originalita každej z nich je majstrovsky vyjadrená.
Portréty nasledujúcich rokov - Ľvova, otec umelca, Bakuninovci, Anna Davia a mnoho ďalších majstrovských diel Levitského - sú jasným dôkazom jeho skvelého talentu.
Levitsky vytvoril rozsiahlu galériu portrétov svojich súčasníkov, zachytávajúcich živé obrazy ľudí tej doby tak široko a úplne ako ktokoľvek iný. Umenie Levitského dopĺňa históriu vývoja ruskej portrétnej maľby v 18. storočí. Treba si však všimnúť aj niektoré historicky podmienené obmedzenia jeho práce: ako iní pozoruhodní umelci svojej doby, Levitsky nedokázal odrážať sociálne rozpory reality. Ľudia, ktorých zobrazuje umelec, v súlade s prevládajúcimi estetickými predstavami vždy trochu pózujú, akoby sa divákovi snažili ukázať v tom „najpríjemnejšom“ svetle. V mnohých svojich dielach však umelec dosahuje úžasnú jednoduchosť a vitalitu.
Levitského odkaz je obrovský a dodnes vyvoláva v publiku pocit priam estetického potešenia. Profesionálna dokonalosť jeho diel a ich realistické zameranie zaraďuje umelca na jedno z najčestnejších miest v celých dejinách ruského umenia.
Medzi najznámejšie diela D.G. Levitského patria: „Portrét E.A. Vorontsovej“, „Portrét architekta A.F. Kokorinova“, „Portrét N.A. Ľvova“, „Portrét M.A. Dyakovej“, „Portrét Ursuly Mniszek“, „ Portrét dcéry Agashi v ruskom kroji“ atď.
V oblasti portrétnej tvorby povedali svoje nové slovo aj ruskí umelci druhej polovice 18. storočia. Ostrosť psychologických charakteristík, ktoré poznačili mnohé portréty tejto doby, je pozoruhodná - štetec najlepších ruských majstrov čoraz viac tiahne k pravdivému prenosu obrazu človeka. Je príznačné, že v tejto dobe už vznikali portréty nielen šľachty a „mocných tohto sveta“, ale aj množstva pokrokových osobností verejného života. Na týchto portrétoch úplne chýbajú prvky nádhery a vonkajšieho lesku; umelci obracajú svoju pozornosť na prenos vnútorného obsahu človeka, na odhalenie sily jeho mysle, ušľachtilosti jeho myšlienok a túžob.
Vývoj ruského portrétu našiel výraz v dielo F. Rokotova.
Fedor Stepanovič Rokotov- jeden z najlepších ruských portrétistov. Po získaní výtvarného vzdelania pod vedením L.-J. Le Lorraine a gróf Pietro Rotary pracovali na spôsob druhého menovaného, no zahĺbil sa do prírody viac ako on a bol usilovný pri vykonávaní. V roku 1762 bol prijatý ako adjunkt do novovzniknutého Petrohradu. Akadémia umení za obraz „Venuša“, ktorý jej bol odovzdaný, a za portrét cisára Petra III.
Portréty tohto umelca odlišuje jemná obrazová zručnosť. Intímna spiritualita obrazu, najmä v ženských portrétoch, prináša Rokotov veľkú expresivitu a silu. Vysoko technická dokonalosť umelcových diel - z hľadiska povahy kresby a obrazovej zručnosti sa s ním dá porovnávať iba Levitsky. Portréty vytvorené Rokotovom sa vyznačujú rafinovanosťou kresby a eleganciou farieb.
Medzi najznámejšie diela Rokotova patria: "Portrét neznámej ženy v ružových šatách", "Portrét A.I. Voroncova", "Portrét G.G. Orlova v brnení", "Korunovačný portrét Kataríny II", "Portrét A.P. Struyskaja" , "Portrét básnika V.I. Maikova", "Portrét Surovtseva" atď.
V druhej polovici XVIII storočia. v ruskom maliarstve sa začalo rozvíjať domáci žáner. Žánrová maľba však bola vedením Akadémie umení a privilegovanými vrstvami spoločnosti považovaná za niečo podlé, nehodné umelcovho štetca. Napriek tomu po roľníckej vojne vedenej E. Pugačevom tak v literatúre, divadle a hudbe, ako aj v maliarstve 70. – 80. rokov 18. storočia. začal prejavovať záujem o roľníctvo, jeho spôsob života, spôsob života. Často to boli sentimentálne obrazy idylických pastierov a pastierok, ktoré nemali nič spoločné so skutočným sedliackym životom. Boli však aj výnimky.
Jeden z prvých v ruskom maliarstve, roľnícku tému rozvinul nevolník princ G. A. Potemkin Michail Šibanov . Maľoval obrazy „Sedliacka večera“, „Sviatok svadobného paktu“ atď. V Šibanovových obrazoch nie je popieranie nevoľníctva, ale na týchto plátnach nie je žiadna idealizácia roľníckeho života. Umelec sa vyznačuje znalosťami a chápaním života a charakteru ruského roľníka.
Roľnícka tématika sa premietla do tvorby umelca I. M. Tankova (1739 - 1799), autora obrazu „Sviatky na dedine“ a I. A. Ermeneva (1746 – po 1792), ktorý namaľoval akvarely „Sedliacky obed“, „ Žobráci speváci“ a pod.). Po prvýkrát v histórii ruského umenia umelec sprostredkoval pochmúrnu stránku ľudového života, biedu chudoby.
V druhej polovici XVIII storočia. začína skutočný rozkvet ruského sochárstva. Rozvíjalo sa pomaly, ale ruské osvietenské myslenie a ruský klasicizmus boli najväčšími podnetmi pre rozvoj umenia veľkých občianskych myšlienok, rozsiahlych problémov, ktoré viedli k záujmu o sochárstvo v tomto období. Shubin, Gordeev, Kozlovský, Shchedrin, Prokofiev, Martos - každý sám o sebe bol najjasnejšou individualitou, zanechal v umení svoju stopu. Všetkých však spájali spoločné tvorivé princípy, ktoré sa naučili od profesora Nicolasa Gilleta, ktorý v rokoch 1758 až 1777 viedol triedu sochárstva na Akadémii, spoločné myšlienky občianstva a vlastenectva a vysoké ideály staroveku.
Hľadanie zovšeobecneného krásneho nevylučuje plnú hĺbku pochopenia ľudského charakteru, túžbu sprostredkovať jeho všestrannosť. Táto snaha je citeľná v monumentálnej a dekoratívnej plastike a stojanovej plastike druhej polovice storočia, ale najmä v žánri portrétu.
Jeho najvyššie úspechy sú spojené predovšetkým s kreativitou. Fedot Ivanovič Šubin (1740-1805), krajan Lomonosov, ktorý prišiel do Petrohradu už ako umelec, ktorý pochopil zložitosť vyrezávania kostí. Prvým dielom Shubina v jeho vlasti je busta A.M. Golitsyn už svedčí o plnej zrelosti majstra. Všetka všestrannosť charakteristík modelu sa odhalí pri jeho kruhovej prehliadke, hoci je tu nepochybne hlavný pohľad na sochu.
Šubin pôsobil nielen ako maliar portrétov, ale aj ako dekoratér. Zhotovil 58 oválnych mramorových historických portrétov pre palác Chesme (nachádza sa v Zbrojnici), plastiky pre Mramorový palác a pre Peterhof, sochu Kataríny II. - zákonodarkyne (1789-1790). Niet pochýb, že Shubin je najväčším fenoménom ruskej umeleckej kultúry 18. storočia. Spolu s ruskými majstrami pôsobil v Rusku francúzsky sochár Etienne-Maurice Falconet, ktorý v pamätníku Petra Veľkého na Senátnom námestí v Petrohrade vyjadril pochopenie pre Petrovu osobnosť a jeho historickú úlohu v osudoch Ruska.
Fjodor Fjodorovič Ščedrin(1751-1825). Prešiel rovnakými fázami školenia na akadémii a odchodom do dôchodku v Taliansku a Francúzsku ako Shubin. „Marsyas“, ktorý ho popravil v roku 1776, je plný búrlivého pohybu a tragického svetonázoru. Ako všetci sochári klasickej éry, aj Shchedrin je fascinovaný starodávnymi obrazmi („Spiaci Endymion“; „Venuša“), pričom do ich sveta ukazuje obzvlášť poetický prienik.
