Napriek rozvinutej špecializácii sa 17. storočie ruského maliarstva stalo storočím umenia, nie remeselného falšovania. V Moskve žili vynikajúci maliari ikon. Boli zaregistrovaní v oddelení Ikonickej komory Ikonického rádu.
Simvon Ušakov. Spasiteľ nie je vyrobený rukami.
Koncom 17. storočia začali pôsobiť ako majstri Icon Shopu zbrojnice. Začiatkom 17. storočia dosiahol Procopius Chirin veľký úspech. Chirin bol rodák z Novgorodu. Jeho ikony sú vyhotovené v jemných farbách, postavy sú po obryse ohraničené zlatým okrajom, vybielené s najjemnejšou asistenciou.
Ďalším pozoruhodným ruským maliarom 17. storočia bol Nazarij Savin. Savin preferoval postavy pretiahnutých proporcií, úzke ramená a dlhé fúzy. V 30. rokoch 17. storočia viedol Savin skupinu maliarov ikon, ktorí napísali sviatok deesis a prorocké obrady pre ikonostas kostola Uloženia rúcha Panny Márie a v moskovskom Kremli.
Ivan 4 Vasilievič Hrozný.
V polovici 17. storočia sa vykonali veľké práce na reštaurovaní starých nástenných malieb. Nová nástenná maľba katedrály Nanebovzatia Panny Márie v Moskve, ktorá si zachovala schému predchádzajúcej, bola dokončená v čo najkratšom čase. Na prácu dohliadal Ivan Panssein. Umelci pod jeho vedením napísali 249 zložitých skladieb a 2066 tvárí.
V 17. storočí ruskej maľby vynikla zvláštna túžba umelcov, túžba po realistickom zobrazení človeka. V Rusku sa začína šíriť taký fenomén ako svetská maľba. Svetskí maliari 17. storočia zobrazovali kráľov, generálov a bojarov. V 17. storočí v kultúre Ruska, vrátane maľby, prebiehal proces „sekularizácie“. Do života ruskej spoločnosti preniká stále viac sekulárnych motívov. Rusko sa vydalo na novú cestu, na prahu novej éry svojej histórie.
V maliarstve sa vo väčšej miere zachovali ustálené tradície písma. Cirkevná rada z roku 1667 prísne regulovala témy a obrazy, to isté požadovala listina cára Alexeja Michajloviča. Parsovania boli napísané od neho:
Horlivo odsudzoval akékoľvek odchýlky od kánonov v zobrazení svätých ideológov starých veriacich Avvakuma.
Činnosť maliarov viedla Zbrojnica Kremľa, ktorá sa stala v 17. stor. umelecké centrum krajiny, kam lákali najlepších majstrov.
30 rokov viedol maliarsky biznis Simon Ushakov (1626-1686). Charakteristickým znakom jeho tvorby bol blízky záujem o obraz ľudskej tváre. Pod jeho rukou nadobudli asketické tváre živé črty. Toto je ikona „Spasiteľ nie je vyrobený rukami“.
Jeho ďalšie dielo je všeobecne známe – „Výsadba stromu všeruského štátu“. Na pozadí katedrály Usnutia sú umiestnené postavy Ivana Kalitu a metropolitu Petra, ktorí polievajú veľký strom, na vetvách ktorého sú upevnené medailóny s portrétmi kniežat a kráľov. Na ľavej strane obrázku je Alexej Michajlovič, vpravo jeho manželka s deťmi. Všetky obrázky sú portréty. K ikone „Trojica“ patrí aj Ushakovov štetec, na ktorom sa objavujú realistické detaily. Simon Ushakov mal veľký vplyv na vývoj ruského maliarstva.
Pozoruhodný fenomén v ruskom umení XVII storočia. sa stala školou Jaroslavľských majstrov. Tradičné kostolné a biblické výjavy na ich freskách sa začínajú zobrazovať v obrazoch známeho ruského života. Zázraky svätých ustupujú do pozadia pred obyčajnými javmi. Charakteristická je najmä kompozícia „Úroda“ v kostole proroka Eliáša, ako aj fresky v kostole Jána Krstiteľa. Jaroslavľskí maliari tiež patrili k „priekopníkom“ rozvoja krajiny.
Ďalším príkladom sekulárneho žánru, ktorý odrážal záujem o ľudskú osobnosť, bolo rozšírenie „parsunového“ písma – portrétnych obrázkov. Ak sa ešte v prvej polovici storočia „parsuny“ predvádzali v čisto ikonopiseckej tradícii (obrazy Ivana IV., M. Skopina-Šuiského),
potom v druhom začali naberať realistickejší charakter („parsíni“ cárov Alexeja Michajloviča, Fjodora Alekseeviča, správcu G.P. Godunova).
Michail Fedorovič, cár, prvý z dynastie Romanovcov.
Parsun posledného Rurikoviča v mužskej línii - syna Ivana Hrozného.
patriarcha Nikon
Patriarcha Nikon pod vedením cára Alexeja Michajloviča.
Natalya Kirillovna Naryshkina, druhá manželka cára Alexeja Michajloviča a ďalšia jej parsuna
Naryshkin.
Patriarcha Nikon s bratmi z kláštora vzkriesenia
Portrét správcu I. I. Chemodanova 90. roky 17. storočia.
BG 
Evdokia Lopukhina - nevesta Petra Alekseeviča
Portrét správcu F. I. Verigina z 90. rokov 17. storočia.
Skupinový portrét účastníkov ruského veľvyslanectva v Anglicku. 1662.
Marfa Vasilievna Sobakina
Wedekind Johann. Portrét cára Michaila Fedoroviča.
Holandsko. 17 storočie Krajina zažíva nebývalý rozkvet. Takzvaný „zlatý vek“. Koncom 16. storočia dosiahli viaceré provincie krajiny nezávislosť od Španielska.
Teraz sa protestantské Holandsko vydalo vlastnou cestou. A katolícke Flámsko (dnes Belgicko) pod krídlami Španielska – svoje.
V nezávislom Holandsku takmer nikto nepotreboval náboženské maľovanie. Protestantská cirkev neschvaľovala luxus výzdoby. Ale táto okolnosť „hrala do karát“ svetskej maľbe.
Lásku k tomuto druhu umenia prebudil doslova každý obyvateľ novej krajiny. Holanďania chceli na obrázkoch vidieť svoj vlastný život. A umelci im ochotne išli v ústrety.
Ešte nikdy nebola okolitá realita tak vykreslená. Obyčajní ľudia, obyčajné izby a najobyčajnejšie raňajky mestského obyvateľa.
Realizmus prekvital. Až do 20. storočia bude dôstojným konkurentom akademizmu s jeho nymfami a gréckymi bohyňami.
Títo umelci sa nazývajú „malí“ Holanďania. prečo? Obrazy boli malých rozmerov, pretože boli vytvorené pre malé domčeky. Takže takmer všetky obrazy Jana Vermeera nie sú vyššie ako pol metra.
Ale viac sa mi páči iná verzia. V Holandsku v 17. storočí žil a pracoval veľký majster, „veľký“ Holanďan. A všetci ostatní boli v porovnaní s ním „malí“.
Hovoríme, samozrejme, o Rembrandtovi. Začnime ním.
1. Rembrandt (1606-1669)
Rembrandt. Autoportrét vo veku 63 rokov. Londýnska národná galéria z roku 1669 Rembrandt mal počas svojho života šancu zažiť najširšiu škálu emócií. Preto je v jeho raných dielach toľko zábavy a odvahy. A toľko zložitých pocitov – v tých neskorších.
Tu je mladý a bezstarostný na obraze „Márnotratný syn v krčme“. Na kolenách leží Saskiina milovaná manželka. Je obľúbeným umelcom. Objednávky sa hrnú.
Rembrandt. Márnotratný syn v krčme. 1635 Galéria starých majstrov, Drážďany Ale toto všetko za nejakých 10 rokov zmizne. Saskia zomrie na konzumáciu. Popularita zmizne ako dym. Veľký dom s unikátnou zbierkou odvezú pre dlhy.
Ale objaví sa ten istý Rembrandt, ktorý zostane po stáročia. Nahé pocity postáv. Ich najtajnejšie myšlienky.
2. Frans Hals (1583-1666)
Frans Hals. Autoportrét. 1650 Metropolitné múzeum umenia, New York Frans Hals je jedným z najväčších maliarov portrétov všetkých čias. Preto by som ho zaradil aj medzi „veľkých“ Holanďanov.
V Holandsku bolo v tom čase zvykom objednávať skupinové portréty. Takže tam bolo veľa podobných diel zobrazujúcich ľudí, ktorí spolupracujú: strelci z toho istého cechu, lekári z toho istého mesta, spravujúci opatrovateľský dom.
V tomto žánri najviac vyčnieva Hals. Koniec koncov, väčšina z týchto portrétov vyzerala ako balíček kariet. Ľudia sedia pri stole s rovnakým výrazom v tvári a len pozerajú. Hals bol iný.
Pozrite si jeho skupinový portrét „Šípy cechu sv. George".
Frans Hals. Šípy Cechu sv. George. 1627 Frans Hals Museum, Haarlem, Holandsko Tu nenájdete jediné opakovanie v postoji či výraze tváre. Zároveň tu nie je žiadny chaos. Existuje veľa postáv, ale nikto sa nezdá byť zbytočný. Vďaka prekvapivo správnemu usporiadaniu figúrok.
Áno, a v jedinom portréte Hals prekonal mnohých umelcov. Jeho modely sú prirodzené. Ľuďom z vyššej spoločnosti na jeho obrazoch chýba prehnaná vznešenosť a modelky zdola nepôsobia ponížene.
A jeho postavy sú veľmi emotívne: usmievajú sa, smejú sa, gestikulujú. Ako napríklad tento „Cigán“ so šibalským pohľadom.
Frans Hals. Cigánska. 1625-1630 Hals, podobne ako Rembrandt, skončil svoj život v chudobe. Z rovnakého dôvodu. Jeho realizmus išiel proti vkusu zákazníkov. Ktorí chceli vyšperkovať svoj vzhľad. Hals nešiel na vyslovené lichôtky, a tak si podpísal vlastnú vetu – „Oblivion“.
3. Gerard Terborch (1617-1681)
Gerard Terborch. Autoportrét. 1668 Kráľovská galéria Mauritshuis, Haag, Holandsko Terborch bol majstrom domáceho žánru. Bohatí a nie príliš mešťania rozprávajú pomaly, dámy čítajú listy a kupec sleduje dvorenie. Dve alebo tri blízko seba umiestnené postavy.
Bol to tento majster, ktorý vyvinul kánony domáceho žánru. Ktoré si potom požičia Jan Vermeer, Pieter de Hooch a mnohí ďalší „malí“ Holanďania.
Gerard Terborch. Pohárik limonády. 60. roky 17. storočia. Štátne múzeum Ermitáž, Petrohrad Pohár limonády je jedným z najznámejších diel Terborchu. Ukazuje to ďalšiu výhodu umelca. Neuveriteľne realistický obraz látky šiat.
Terborch má tiež nezvyčajné diela. Čo hovorí o jeho túžbe ísť nad rámec požiadaviek zákazníkov.
Jeho „Mlynček“ ukazuje život najchudobnejších obyvateľov Holandska. Na obrázkoch „malých“ Holanďanov sme zvyknutí vidieť útulné dvory a čisté izby. Terborch si ale trúfol ukázať neatraktívne Holandsko.
Gerard Terborch. Brúska. 1653-1655 Berlínske štátne múzeá Ako viete, takéto diela neboli žiadané. A sú ojedinelým výskytom aj v Terborchu.
4. Jan Vermeer (1632-1675)
Ján Vermeer. Umelcova dielňa. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Viedeň Ako Jan Vermeer vyzeral, nie je isté. Je len zrejmé, že na obraze „Umelecká dielňa“ zobrazil sám seba. Pravda odzadu.
Preto je prekvapujúce, že nedávno sa stala známa nová skutočnosť zo života majstra. Je spojená s jeho majstrovským dielom „Street of Delft“.
Ján Vermeer. Delftská ulica. 1657 Rijksmuseum v Amsterdame Ukázalo sa, že Vermeer strávil svoje detstvo na tejto ulici. Dom na obrázku patril jeho tete. Vychovala tam svojich päť detí. Možno sedí na prahu a šije, zatiaľ čo jej dve deti sa hrajú na chodníku. Sám Vermeer býval v dome oproti.
Častejšie však zobrazoval interiér týchto domov a ich obyvateľov. Zdalo by sa, že zápletky obrazov sú veľmi jednoduché. Tu je pekná dáma, bohatá obyvateľka mesta, ktorá kontroluje prácu svojich váh.
Ján Vermeer. Žena s váhami. 1662-1663 Národná galéria umenia, Washington Ako Vermeer vynikal medzi tisíckami iných „malých“ Holanďanov?
Bol neprekonateľným majstrom svetla. Na obraze „Žena s váhami“ svetlo jemne obklopuje tvár hrdinky, látky a steny. Dáva obrazu neznámu spiritualitu.
A kompozície Vermeerových obrazov sú starostlivo overené. Nenájdete jediný detail navyše. Stačí odstrániť jeden z nich, obrázok sa „rozpadne“ a kúzlo zmizne.
To všetko nebolo pre Vermeera ľahké. Takáto úžasná kvalita si vyžadovala starostlivú prácu. Len 2-3 obrazy ročne. V dôsledku toho nemožnosť uživiť rodinu. Vermeer tiež pracoval ako obchodník s umením a predával diela iných umelcov.
5. Pieter de Hooch (1629-1884)
Peter de Hooch. Autoportrét. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam Hoch je často porovnávaný s Vermeerom. Pracovali v rovnakom čase, dokonca bolo obdobie v tom istom meste. A to v jednom žánri – domácnosť. V Hochu tiež vidíme jednu alebo dve postavy v útulných holandských dvoroch alebo izbách.
Otvorené dvere a okná robia priestor jeho obrazov viacvrstvovým a zábavným. A postavy do tohto priestoru zapadajú veľmi harmonicky. Ako napríklad v jeho obraze „Sluha s dievčaťom na dvore“.
Peter de Hooch. Slúžka s dievčaťom na dvore. 1658 Londýnska národná galéria
Až do 20. storočia bol Hoch veľmi cenený. Málokto si ale všimol tých pár diel jeho konkurenta Vermeera.
V 20. storočí sa však všetko zmenilo. Hochova sláva pohasla. Je však ťažké nespoznať jeho úspechy v maľbe. Len málokto dokázal tak kompetentne skĺbiť prostredie a ľudí.
Peter de Hooch. Hráči kariet v slnečnej miestnosti. 1658 Royal Art Collection, Londýn Upozorňujeme, že v skromnom dome na plátne "Hráči kariet" je obraz v drahom ráme.
To opäť hovorí o tom, aké populárne bolo maľovanie medzi obyčajnými Holanďanmi. Obrázky zdobili každý dom: dom bohatého mešťana, skromného mestského obyvateľa a dokonca aj sedliaka.
6. Ján Steen (1626-1679)
Ján Stan. Autoportrét s lutnou. 70. roky 17. storočia Múzeum Thyssen-Bornemisza, Madrid Jan Steen je snáď najveselší „malý“ Holanďan. Ale láskavé moralizovanie. Často zobrazoval krčmy alebo chudobné domy, v ktorých sa našli neresti.
Jeho hlavnými postavami sú milovníci a dámy ľahkej cnosti. Chcel diváka pobaviť, no implicitne ho varovať pred začarovaným životom.
Ján Stan. Chaos. 1663 Umeleckohistorické múzeum, Viedeň Stan má aj tichšie diela. Ako napríklad „Ranná toaleta“. Ale aj tu umelec prekvapuje diváka príliš úprimnými detailmi. Sú tam stopy žuvačky a nie prázdny hrniec. A nejako to vôbec nie je tak, ako pes leží priamo na vankúši.
Ján Stan. Ranná toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam Ale napriek všetkej márnomyseľnosti sú Stanove farebné schémy veľmi profesionálne. V tomto predčil mnohých „malých Holanďanov“. Pozrite sa, ako sa červená pančucha dokonale hodí k modrému saku a žiarivo béžovému kobercu.
7. Jacobs Van Ruysdael (1629-1882)
Portrét Ruisdaela. Litografia z knihy z 19. storočia. Využitie výdobytkov renesancie ako hotový umelecký systém (lineárna a vzdušná perspektíva, šerosvit, blízka tónová farebnosť, štúdium prírody). Hlboký rozvoj jednotlivých štruktúrnych prvkov systému z dôvodu expresivity. Skúška pevnosti systému. Rozvoj individuálnych tvorivých spôsobov. Školy veľkých majstrov(študenti, imitátori). Štúdium diel majstra, umelecké pamiatky, pochopenie princípov umenia majstra, kopírovanie jeho diel, vytváranie vlastných diel na spôsob majstra, formovanie vlastného spôsobu, siahajúce až k spôsobu učiteľa. Výtvarná výchova nadobúda autonómiu od remeselnej stránky veci. maliarsku techniku: tmavý podklad, pastovitá podmaľba - svetlé a tieňové modelovanie formy, predpisovanie - farebné riešenie, detailovanie foriem, lazúrovanie - nanášanie tenkých priehľadných vrstiev farby na farebnosť odtieňov, dodanie celkového tónu obrazu. Maľba na plátno (predtým dominovalo drevo).
Maliari: Caravaggio (Taliansko) - záujem o zobrazovanie prírody, inštalácia na pravde v umení, figúrové kompozície "zátišia". Modely prostého ľudu, vyhýbanie sa idealizácii obrazov, prízemná interpretácia mytologických a kresťanských námetov, zvýraznenie svetlej a tieňovej modelácie objemov (sochy), neutrálne tmavé pozadie, blízka farebnosť, lakonizmus kompozícií, statický charakter, impastová podmaľba, hladká maľba vrchných vrstiev maľby. Rembrandt (Holandsko) – svetelná a tieňová modelácia foriem, stvárnenie atmosféry, impastomaľba (otvorený ťah), teplá tónová farba bohatá na nuansy, emocionálne nuansy psychologických stavov v portrétoch, náboženské a mytologické obrazy, neprikrášlená príroda, duchovná krása škaredý človek. Velasquez (Španielsko) - neprikrášlená príroda, kompozície figúry "zátišia", Dôstojnosť jednotlivca s vonkajšou škaredosťou, jemné farebné odtiene bohaté na odtiene, obrazová maniera, zložité priestorové (plánované) kompozície. Rubens (Flámsko) - barokový štýl, pompéznosť foriem, materiálová veľkorysosť sveta, turbulentná dynamika, diagonálna výstavba kompozícií, voľný maliarsky štýl, koloristická bohatosť, jemné farebné nuansy. Poussin (Francúzsko) - štýl „klasicizmu“, jasnosť, vyváženosť, pokoj a harmónia kompozícií, prehľadnosť priestorových konštrukcií, orientácia na estetiku antiky, idealizácia postáv, stvárnenie lokálnej farebnosti s prepracovaním šerosvitu, vyváženosť farebných škvŕn . El Greco (Španielsko) - presahujúce renesančný umelecký systém, subjektívne videnie formy, skreslenie proporcií, anatómie, vertikálne predĺžené postavy, sploštenie priestoru, odklon od objektívneho šerosvitu, žiarivé svetlo a farba, voľná obrazová maniera, zvýšený duchovný prejav.
14. Štýly v európskom umení 17. - 19. storočia.
Štýl- podriadenosť umeleckých prostriedkov akejkoľvek formatívnej myšlienke; charakterizujú určité princípy tvarovania a špecifický súbor prvkov (motívov). Dôvody zmeny štýlov: mimoumelecké – ekonomika, politika, ideológia; intraartistický – logika vývoja umenia a umeleckého vnímania. V 17. storočí v Európe sa formovali štýly „baroko“, „klasicizmus“. Ich spoločným zdrojom je umenie renesancie. barokový- svieži, luxusný štýl; váženie más, rast zmyselnosti, materialita foriem, estetika nadmieru, dynamika kompozícií, napätie. Kľúčovým prvkom je zakrivená čiara, organická forma. Príčiny vzniku: rozvoj kapitalizmu, nový bohatý konzument umenia, katolícka pomsta v boji proti reformácii, nasýtenie emócií publika, túžba po ďalších vzrušeniach z umenia. Zdroje štýlu: dielo Michelangela, Veroneseho, Tintoretta. Architekti: Bernini, Borromini (Taliansko, 17. storočie), Rastrelli (Rusko, 18. storočie). Sochári: Bernini (Taliansko, 17. storočie), Shubin (Rusko, 18. storočie). Maliari: Rubens, van Dyck, Snyders (Flámsko, 17. storočie), Correggio (Taliansko, 17. storočie) rokoko- Neskorý barok (18. storočie) - zjemnenie foriem, dekoratívnosť, elegancia. Kľúčovým prvkom je umývadlo. Maľba: Watteau, Fragonard (Francúzsko), Hogarth (Anglicko), Rokotov, Levitsky (Rusko).
klasicizmus- jasnosť, pokoj, vyváženosť foriem, harmónia proporcií, miera, statika, symetria, pridržiavanie sa estetiky staroveku. Kľúčovým prvkom je priamka, geometrický útvar, poriadok. Príčiny výskytu: absolutizmus (Francúzsko, Španielsko), túžba diváka po normatívnosti, harmónii, korektnosti v umení (konzervativizmus chutí). Zdroje štýlu: antika, renesancia (tvorivosť Bramante, Palladio, Leonardo da Vinci, Raphael). Architektúra: súbory Louvre, Versailles (Francúzsko, 17. - 18. storočie), stavby architektov Baženova, Kazakova (Rusko, koniec 18. storočia). Obraz: Poussin, Claude Lorrain (Francúzsko, 17. storočie), Losenko (Rusko, 18. storočie), Venetsianov, A. Ivanov (Rusko, 19. storočie). impéria– neskorý klasicizmus, zjednodušenie, stereometria foriem, archeologická citácia antických inklúzií. Architektúra: Zacharov, Beauvais (Rusko, prvá štvrtina 19. storočia). Klasicizmus s rôznym významom prežil dodnes. Začiatok 20. storočia - neoklasicizmus, 30. - 50. roky. 20. storočie - totalitný klasicizmus (Nemecko, Rusko), dnes - jeden z trendov postmoderny. Eklekticizmus- umelecký smer v európskom umení polovice - 2. polovice 19. storočia, spočívajúci v napodobňovaní rôznych historických a národných štýlov (foroko, neogotika, pseudoruský štýl ...). Príklad: budova Historického múzea v Moskve (architekt Sherwood). Moderné- štýl konca 19. - začiatku 20. storočia, založený na organickej krivočiarej štylizácii foriem. Príklad: Rjabušinského kaštieľ v Moskve (architekt Shekhtel).
18. storočie je obdobím, v ktorom nastali kolosálne premeny vo všetkých sférach: politickej, sociálnej, verejnej. Európa vnáša do ruskej maľby nové žánre: krajina, historická, každodenný život. Prevláda realistický smer maľby. Živý človek je hrdinom a nositeľom vtedajších estetických ideálov.
18. storočie sa zapísalo do dejín umenia ako čas obrazových portrétov. Každý chcel mať svoj portrét: od kráľovnej až po obyčajného úradníka z provincií.
Európske trendy v ruskej maľbe
Slávni ruskí umelci 18. storočia boli nútení nasledovať západnú módu na príkaz Petra I., ktorý chcel europeizovať Rusko. Veľký význam pripisoval rozvoju výtvarného umenia a dokonca plánoval vybudovať špecializovanú vzdelávaciu inštitúciu.
Ruskí umelci 18. storočia ovládali nové techniky európskeho maliarstva a na svojich plátnach zobrazovali nielen kráľov, ale aj rôznych bojarov, obchodníkov, patriarchov, ktorí sa snažili držať krok s módou a často zadávali miestnym umelcom namaľovať portrét. Zároveň sa umelci tej doby snažili obohatiť portréty o domáce potreby, prvky národného kroja, prírody atď. Pozornosť sa sústredila na drahý nábytok, veľké vázy, luxusné oblečenie, zaujímavé pózy. Obraz vtedajších ľudí je dnes vnímaný umelcami ako poetický príbeh o svojej dobe.
A predsa sa portréty ruských umelcov 18. storočia líšia od portrétov pozvaných zahraničných maliarov v nápadnom kontraste. Za zmienku stojí, že na školenie ruských umelcov boli pozvaní umelci z iných krajín.
Druhy portrétov
Začiatok 18. storočia sa niesol v znamení odvolávania sa portrétistov na poloslávnostné a komorné veduty.Portréty maliarov 2. polovice 18. storočia dávajú vznik typom predný, poloslávnostný, komorný, intímny.
Predný sa líši od ostatných v obraze človeka v plnom raste. Trblietavý luxus - v oblečení aj v domácich veciach.
Polopredný pohľad je obrazom modelu s dĺžkou po kolená alebo pás.
Ak je osoba zobrazená na neutrálnom pozadí až po hruď alebo pás, potom sa tento typ portrétu nazýva komora.
Intímny vzhľad portrétu naznačuje apel na vnútorný svet hrdinu obrazu, zatiaľ čo pozadie je ignorované.
portrétne obrázky
Ruskí umelci 18. storočia boli často nútení stelesniť predstavu zákazníka o sebe v portrétnom obraze, ale v žiadnom prípade v skutočnom obraze. Dôležité bolo brať do úvahy verejnú mienku o tej či onej osobe. Mnohí historici umenia už dlho dospeli k záveru, že hlavným pravidlom tej doby bolo zobrazovať osobu nie tak, aká v skutočnosti bola, alebo aká by chcela byť, ale taká, aká by mohla byť vo svojej najlepšej reflexii. To znamená, že v portrétoch akejkoľvek osoby, ktorú sa snažili zobraziť ako ideál.
Prví umelci
Ruskí umelci 18. storočia, ktorých zoznam je vo všeobecnosti malý, sú najmä I. N. Nikitin, A. P. Antropov, F. S. Rokotov, I. P. Argunov, V. L. Borovikovskij, D G. Levitsky.
Medzi prvých maliarov 18. storočia patria mená Nikitin, Antropov, Argunov. Úloha týchto prvých ruských umelcov 18. storočia bola bezvýznamná. Zredukovalo sa len na písanie obrovského množstva kráľovských obrazov, portrétov ruských šľachticov. Ruskí umelci 18. storočia - majstri portrétov. Aj keď často jednoducho pomáhali zahraničným remeselníkom maľovať steny veľkého počtu palácov a robiť divadelné kulisy.
Meno maliara Ivana Nikitiča Nikitina možno nájsť v korešpondencii Petra I. s jeho manželkou. Jeho štetec patrí k portrétu samotného kráľa, kancelára G. I. Golovina. V jeho portréte vonkajšieho hajtmana nie je nič umelé. Vzhľad nemení parochňa ani dvorný odev. Umelec ukázal hajtmana tak, ako to robí v skutočnom živote. Práve v životnej pravde je hlavná výhoda Nikitinových portrétov.
Dielo Antropova je zachované na obrazoch Katedrály svätého Ondreja v Kyjeve a portrétoch na synode. Tieto diela sa vyznačujú umelcovou záľubou v žltých, olivových farbách, pretože je maliar, ktorý študoval u majstra ikonopisu. Medzi jeho slávne diela patria portréty Alžbety Petrovny, Petra I., princeznej Trubetskoy, atamana F. Krasnoshchekova. Antropovovo dielo spájalo tradície pôvodného ruského maliarstva 17. storočia a kánony výtvarného umenia petrovského obdobia.
Ivan Petrovič Argunov je známy poddaný maliar portrétov grófa Šeremetěva. Jeho portréty sú ladné, pózy ním zobrazovaných ľudí sú voľné a pohyblivé, všetko v jeho tvorbe je precízne a jednoduché. Je tvorcom komorného portrétu, ktorý sa neskôr stane intímnym. Významné diela umelca: Sheremetyevs, P. B. Sheremetyev v detstve.
Nemali by ste si myslieť, že v tom čase v Rusku neexistovali žiadne iné žánre, ale veľkí ruskí umelci 18. storočia vytvorili najvýznamnejšie diela v žánri portrétu.
Vrcholom 18. storočia bolo dielo Rokotova, Levického a Borovikovského. Osoba na portrétoch umelcov je hodná obdivu, pozornosti a rešpektu. Ľudskosť citov je charakteristickým znakom ich portrétov.
Fjodor Stepanovič Rokotov (1735-1808)
O Fjodorovi Stepanovičovi Rokotovovi, ruskom umelcovi z 18. storočia z nevolníkov kniežaťa I. Repnina, nie je známe takmer nič. Tento umelec píše portréty žien jemne a vzdušne. Vnútornú krásu cíti Rokotov a nachádza prostriedky na jej stelesnenie na plátne. Aj oválny tvar portrétov len zdôrazňuje krehký a elegantný vzhľad žien.
Hlavným žánrom jeho tvorby je portrét v pološiat. Medzi jeho dielami sú portréty Grigorija Orlova a Petra III., princeznej Yusupovej a princa Pavla Petroviča.
Dmitrij Grigorievič Levitsky (1735-1822)
Slávny ruský umelec 18. storočia Dmitrij Grigorjevič Levickij, žiak A. Antropova, dokázal vo svojich obrazoch citlivo zachytiť a znovu vytvoriť duševné stavy a vlastnosti ľudí. Zobrazuje bohatých, zostáva pravdivý a nezaujatý, jeho portréty vylučujú poslušnosť a lži. Jeho štetec vlastní celú galériu portrétov veľkých ľudí 18. storočia. Práve na slávnostnom portréte sa Levitsky odhaľuje ako majster. Nachádza výrazné pózy, gestá, predvádzanie vznešených šľachticov. Ruská história v tvárach – tak sa často nazýva Levitského dielo.
Obrazy patriace k umelcovmu štetcu: portréty M. A. Ľvovej, E. I. Nelidovej, N. I. Novikova, Mitrofanovcov.
Vladimír Lukič Borovikovský (1757-1825)
Ruskí umelci 18. a 19. storočia sa vyznačujú príťažlivosťou k takzvanému sentimentálnemu portrétu. Umelec Vladimir Lukich Borovikovsky maľuje zamyslené dievčatá, ktoré sú na jeho portrétoch zobrazené svetlými farbami, sú vzdušné a nevinné. Jeho hrdinkami sú nielen ruské roľníčky v tradičnom odeve, ale aj uznávané dámy z vysokej spoločnosti. Ide o portréty Naryshkiny, Lopukhiny, princeznej Suvorovej, Arsenyeva. Obrázky sú si v niečom podobné, no nedá sa na ne zabudnúť. sa vyznačuje úžasnou jemnosťou prenášaných postáv, takmer nepolapiteľnými črtami emocionálnych zážitkov a pocitom nežnosti, ktorý spája všetky obrazy. Borovikovský vo svojich dielach odhaľuje všetku krásu ženy tej doby.
Dedičstvo Borovikovského je veľmi rozmanité a rozsiahle. V jeho tvorbe sú tak slávnostné portréty, ako aj miniatúrne a intímne plátna. Medzi dielami Borovikovského boli najznámejšie portréty V. A. Žukovského, G. R. Derzhavina, A. B. Kurakina a Pavla I.
Obrazy ruských umelcov
Obrazy 18. storočia ruských umelcov sú písané s láskou k človeku, jeho vnútornému svetu a rešpektom k morálnym cnostiam. Štýl každého umelca je na jednej strane veľmi individuálny, na druhej strane má niekoľko spoločných znakov s ostatnými. Tento moment určil práve štýl, ktorý zdôrazňuje charakter ruského umenia 18. storočia.
Väčšina ruských umelcov 18. storočia:
- "Mladý maliar" Druhá polovica 60. rokov 18. storočia Autor Ivan Firsov je najzáhadnejším umelcom 18. storočia. Obraz zobrazuje chlapca v uniforme, ktorý maľuje portrét malého krásneho dievčatka.
- „Rozlúčka Hectora s Andromache“, 1773 Autor Anton Pavlovič Losenko. Posledný obraz umelca. Zobrazuje scénu zo šiesteho spevu Homérovej Iliady.
- "Kamenný most v Gatchina pri Connetable Square", 1799-1801. Autor Semyon Fedorovich Shchedrin. Na obrázku je pohľad na šírku.
A stále
Ruskí umelci 18. storočia sa napriek poddanským podmienkam a prianiam bohatých zákazníkov stále snažili odhaliť pravdu a skutočné charaktery ľudí. Portrétny žáner v 18. storočí stelesňoval špecifické črty ruského ľudu.
Nepochybne možno povedať, že akokoľvek bolo umenie 18. storočia ovplyvnené európskou kultúrou, predsa viedlo k rozvoju národných ruských tradícií.
Podrobnosti Kategória: Výtvarné umenie a architektúra konca 16.-18. storočia Zverejnené 06.02.2017 15:37 Zobrazenia: 2498V našom článku budeme hovoriť o dvoch umelcoch: Jan van Goyene a Jacob van Ruisdale.
Obaja žili v ére oslobodenia Holandska spod cudzieho jarma, a to bol zlatý vek holandského maliarstva. V umení Holandska sa začali rozvíjať tieto žánre: portrét, krajina, každodenný žáner, zátišie. To sa vtedy nedodržiavalo ani vo vynikajúcich centrách umenia – v Taliansku či Francúzsku. Umenie Holandska v 17. storočí. sa v 17. storočí v umeleckom svete Európy stal zvláštnym fenoménom. Holandskí majstri vydláždili cestu umelcom iných národných európskych umeleckých škôl.
Jan van Goyen (1596-1656)
Terborch "Portrét van Goyena" (okolo 1560)
Jan van Goyen je jedným z prvých umelcov, ktorí zobrazujú prírodu prirodzene, jednoducho, bez prikrášľovania. Je tvorcom národnej holandskej krajiny. Príroda jeho krajiny mu dala dostatok poddaných na celý život.
Jan van Goyen sa narodil v roku 1596 v Leidene v rodine obuvníka.
Hoci Jan van Goyen v mladosti strávil istý čas v Paríži, láska k jednoduchej krajine bola vo Francúzsku neznáma, takže o nejakom vplyve predstaviteľov francúzskej maľby na jeho tvorbu snáď ani nestojí za reč.
Vo svojej krajine mal niekoľko učiteľov maľby, ale rok strávil iba v ateliéri Isaiaha van de Veldeho a s ostatnými mentormi komunikoval ešte menej.
Jan van Goyen "Krajina s dunami" (1630-1635). Kunsthistorisches Museum (Viedeň)
Tvorba
Najprv Goyen maľoval holandské dediny či okolie s ich vegetáciou, potom v jeho obrazoch začali prevládať pohľady na pobrežie, kde väčšinu obrazov zaberala obloha a voda.
Jan van Goyen "Pohľad na rieku" (1655). Mauritshuis (Haag)
Stromy, chatrče či mestské budovy zohrávajú v jeho obrazoch druhoradú úlohu, no pôsobia veľmi malebne, rovnako ako malé plachetnice a veslice s postavami rybárov, kormidelníkov a pasažierov.
Goyenove obrazy sú prevažne monotónne. Umelec miloval jednoduchosť farieb, no zároveň sú jeho farby harmonické. Farbu nanášal jemnou vrstvou.
Jan van Goyen Pohľad na Merwede pri Dordrechte (okolo 1645). Rijksmuseum (Amsterdam)
Neskoré diela umelca sa vyznačujú takmer monochromatickou paletou a priesvitná pôda im dodáva osobitnú hĺbku a jedinečné čaro.
Krajina Jana van Goyena s dvoma dubmi (1641). Rijksmuseum (Amsterdam)
Jeho obrazy sú príjemné práve pre svoju jednoduchosť a realizmus. Umelec vytvoril pomerne veľa umeleckých plátien, ale jeho práca nebola vždy ocenená dôstojným spôsobom. Preto si Goyen musel privyrábať inými spôsobmi: obchodoval s tulipánmi, zaoberal sa oceňovaním a predajom umeleckých diel, nehnuteľností a pozemkov. Ale pokusy o podnikanie zvyčajne neviedli k úspechu.
Jan van Goyen "Zimná scéna na ľade"
Teraz je jeho práca oceňovaná a každé múzeum považuje jeho obrazy za cenné exponáty.
V Ermitáži je aj niekoľko obrazov Jana van Goyena: „Pohľad na rieku. Meuse, blízko Dortrechtu, „Scheveningen pobrežie, neďaleko Haagu“, „Zimná krajina“, „Výhľad na rieku. Mása“, „Pohľad na vidiek“, „Krajina s dubom“ atď.
Jan van Goyen "Krajina s dubom"
Okrem maľby sa Goyen zaoberal leptom (druh rytiny na kov) a kresbou.
V roku 1632 sa Goyen presťahoval s rodinou do Haagu, kde žil až do konca svojho života – do roku 1656.
Jacob van Ruisdael (1628/1629-1682)
Jacob Isaacs van Ruisdael sa narodil a zomrel v Haarleme (Holandsko). Neexistujú žiadne jeho presné portréty. Tento portrét je len špekulatívny.
V súčasnosti je Ruisdael považovaný za najvýznamnejšieho holandského krajinára, no počas jeho života nebol jeho talent dostatočne docenený. Jeho učiteľom by mohol byť jeho vlastný strýko – umelec Solomon van Ruysdael.
Ruisdael bol tiež praktickým chirurgom so sídlom v Amsterdame.
Tvorba
Umelec umne sprostredkoval ľudské emócie krajinou. A pre neho bola dôležitá akákoľvek zložka krajiny: vetva stromu ohnutá nárazom vetra, rozdrvené steblo trávy, búrkový mrak, vyšliapaná cestička ... A všetky tieto zložky boli v jeho obrazoch harmonicky spojené do jedného PRÍRODA.
Písal malými ťahmi. Rád maľoval lesné húštiny, močiare, vodopády, malé holandské mestečká či dedinky a predovšetkým - víťaznú oblohu. Ruisdaelove krajiny sú zrozumiteľné pre každého človeka akejkoľvek národnosti, pretože vyjadrujú spoločnú jednotu s prírodou pre všetkých ľudí.
Ruisdael vytvoril asi 450 obrazov. Iné zdroje uvádzajú číslo 600. Väčšina jeho krajiniek je venovaná prírode jeho rodného Holandska, ale maľoval aj dubové lesy Nemecka a vodopády Nórska.
