Sedemnáste storočie malo osobitný význam pre formovanie národných kultúr modernej doby. V tejto ére bol zavŕšený proces lokalizácie veľkých národných umeleckých škôl, ktorých originalita bola daná jednak podmienkami historického vývoja, ale aj umeleckou tradíciou, ktorá sa v jednotlivých krajinách rozvinula - Taliansko, Flámsko, Holandsko, Španielsko, Francúzsko. . To nám umožňuje považovať 17. storočie za novú etapu v dejinách umenia. Národná identita však nevylučovala spoločné črty. Umelci 17. storočia, ktorí v mnohom rozvíjali tradície renesancie, výrazne rozšírili okruh svojich záujmov a prehĺbili kognitívny rozsah umenia.
Umenie 17. storočia je v porovnaní s renesanciou komplexnejšie, protirečivé v obsahu a výtvarných formách. Celostné poetické vnímanie sveta, charakteristické pre renesanciu, je zničené, ideál harmónie a jasnosti je nedostupný. Ale obraz človeka zostáva stredobodom umelcovej pozornosti. Titáni, spievaní v umeleckých dielach renesancie, ustúpili človeku, ktorý si uvedomuje svoju závislosť od sociálneho prostredia a objektívnych zákonitostí bytia. Jeho stelesnenie sa stáva konkrétnejšie, emocionálnejšie a psychologicky komplexnejšie. Odhaľuje nekonečnú rozmanitosť a bohatstvo vnútorného sveta, jasnejšie a rozhodnejšie vystupujú národné črty a ukazuje sa jeho miesto v spoločnosti. Skutočný život odhaľujú umelci 17. storočia v rôznych dramatických kolíziách a konfliktoch, groteskno-satirických a komediálnych situáciách. V literatúre ide o rozkvet tragédie a komédie (Shakespeare, Lope de Vega, Calderon, Corneille, Racine, Molière).
Umelecká kultúra 17. storočia odráža zložitosť doby, ktorá pripravila víťazstvo kapitalistického systému v ekonomicky vyspelých krajinách Európy. Začiatkom 17. storočia sa v Holandsku, prvej kapitalistickej krajine v Európe, dosahovali revolučné výdobytky. V Anglicku prebieha buržoázna revolúcia v rokoch 1640-1660 v celoeurópskom meradle. Vo Francúzsku sa formuje klasický model absolutistického štátu. Francúzsky absolutizmus, slúžiaci záujmom feudálnej šľachty, zabezpečoval rast buržoázie svojou protekcionistickou politikou. Feudalizmus bol však stále silný. Španielsko, ktoré bolo v 16. storočí najsilnejšou mocnosťou sveta, sa zmenilo na jeden zo zaostalých reakčných štátov Európy. V Taliansku a Nemecku sa pri zachovaní feudálnej rozdrobenosti formuje malomocenské kniežacie; despotizmus. Dokonca aj v Anglicku sa buržoázia delí o moc s pozemkovou aristokraciou.
Ľudové hnutia zohrali dôležitú úlohu v boji za pokrokový rozvoj európskych štátov. Protest más proti absolutistickému útlaku a dravosti éry primitívnej akumulácie bol hlavnou náplňou spoločenského života 17. storočia. Rozvoj kultúry to do tej či onej miery ovplyvnilo. Vystúpenia pokrokových mysliteľov proti feudalizmu súviseli s kritikou katolíckej cirkvi, ktorá opäť posilňuje jej vplyv a spútava sociálne myslenie.
Všeobecný vzostup ekonomiky vo vyspelých krajinách Európy, rozkvet manufaktúry a obchodu zároveň vytvorili pôdu pre rozvoj exaktných a prírodných vied. Veľké objavy Galilea, Keplera, Newtona, Leibniza, Descarta v matematike, astronómii, fyzike, filozofii prispeli k schváleniu materialistických myšlienok (Bacon, Hobbes, Locke, Spinoza), rozšíreniu a prehĺbeniu predstáv o prírode a vesmíre. Zatiaľ čo pre vedcov renesancie bolo vytváranie vzorcov javov založené na experimentálnom pozorovaní jediného, jednotlivca, myslitelia 17. storočia vychádzali vo svojich vedeckých teóriách z integrálnych systémov a pohľadov na svet. Celostnejšie a hlbšie vnímanie reality sa utvrdzuje aj v tvorbe umelcov. Prijíma nový výklad pojmu syntéza umení.
Samostatné druhy umenia, ale aj jednotlivé diela strácajú izoláciu a majú tendenciu sa navzájom spájať. Budovy sú organicky zaradené do priestoru ulice, námestia, parku. Socha sa stáva dynamickou, napáda architektúru a záhradný priestor. Dekoratívna maľba s priestorovými a perspektívnymi efektmi dopĺňa to, čo je vlastné architektonickému interiéru. Túžba po širokom zobrazení reality viedla v 17. storočí k rôznorodosti žánrových foriem. Vo výtvarnom umení popri tradičných mytologických a biblických žánroch dostávajú samostatné miesto aj svetské: každodenný žáner, krajina, portrét, zátišie.
Zložité vzťahy a boj spoločenských síl vedú k vzniku rôznych umeleckých a ideologických smerov. Na rozdiel od predchádzajúcich historických období, keď sa umenie rozvíjalo v rámci homogénnych veľkých slohov (románsky, gotický, renesancia), je pre 17. storočie charakteristické dva veľké štýly – barok a klasicizmus, ktorých prvky sa zreteľne prejavujú v architektúre a v novom chápaní. syntézy umení. Barokové umenie odhaľuje podstatu života v pohybe a boji náhodne premenlivých elementárnych síl. Barokové umenie v extrémnych prejavoch prichádza k iracionalizmu, k mystike, pôsobí na predstavivosť a pocity diváka dramatickým napätím, vyjadrením foriem. Udalosti sú interpretované grandiózne, umelci uprednostňujú zobrazovanie výjavov múk, extázy alebo oslavy činov, triumfov.
Základom umenia klasicizmu je racionálny princíp. Krásne z hľadiska klasicizmu je len to, čo je usporiadané, rozumné, harmonické. Hrdinovia klasicizmu podriaďujú svoje pocity ovládaniu mysle, sú zdržanliví a majestátni. Teória klasicizmu zdôvodňuje delenie na vysoké a nízke žánre. V umení klasicizmu sa jednota dosahuje spájaním a zladením všetkých častí celku, ktoré si však zachovávajú svoj samostatný význam. Baroko aj klasicizmus sa vyznačujú túžbou po zovšeobecňovaní, barokoví majstri však inklinujú k dynamickým masám, zložitým, rozsiahlym súborom. Znaky týchto dvoch veľkých štýlov sa často prelínajú v umení jednej krajiny a dokonca aj v diele toho istého umelca, čo vedie k rozporom.
Spolu s barokom a klasicizmom sa vo výtvarnom umení objavuje aj priamejšia, silnejšia realistická reflexia života, zbavená štýlových prvkov. Realistický smer je dôležitým míľnikom vo vývoji západoeurópskeho umenia. Jeho prejavy sú neobyčajne pestré a živé, tak na rôznych národných školách, ako aj medzi jednotlivými majstrami. Najväčší majstri realizmu patria do 17. storočia – Caravaggio, Velazquez, Rembrandt, Hals, Vermeer z Delftu. V 17. storočí sa do popredia dostali tie národné školy, v ktorých umení sa dosahovali najvyššie tvorivé výsledky. Taliansko, Španielsko, Flámsko, Holandsko, Francúzsko sa rýchlo stávajú vplyvnými umeleckými centrami. V iných európskych krajinách – Anglicku, Nemecku, Rakúsku, Českej republike, Poľsku, Dánsku si umelecká kultúra zachováva odtlačok miestnych vlastností a vzťahov s tradíciou predchádzajúcich období.
Sedemnáste storočie je v Rusku rozkvetom feudálneho obdobia. V tomto čase sa posilnil feudálno-poddanský systém a na ceste sa v hĺbke toho istého systému zrodili buržoázne väzby. Rýchly rozvoj miest a spoločnosti vôbec viedol k rozkvetu kultúry. Na sile naberalo aj maliarstvo v 17. storočí v Rusku. Masy sa začali sústreďovať vo veľkých mestách, čo bolo zase hlavným dôvodom takého prudkého rozvoja kultúry. Obzory ruského ľudu rozšíril aj začiatok priemyselnej výroby, čo ho prinútilo pozrieť sa bližšie do vzdialených oblastí krajiny. V maľbe 17. storočia v Rusku prenikajú rôzne svetské prvky. Obrazy sú čoraz populárnejšie.
Vplyv cirkvi na umenie
Veľkú silu vplyvu umenia, najmä maľby, si uvedomovala aj cirkev. Zástupcovia kléru sa snažili kontrolovať písanie obrázkov a snažili sa ich podriadiť náboženskej dogme. Ľudoví majstri - maliari, ktorí sa podľa ich názoru odklonili od ustálených kánonov, boli vystavení perzekúciám.
Maliarstvo v 17. storočí v Rusku malo ešte ďaleko od realistických tendencií a rozvíjalo sa mimoriadne pomaly. V popredí bola stále abstraktná dogmatická a alegorická vízia maľby. Ikony a nástenné maľby boli preplnené malými scénami a predmetmi okolo hlavného obrazu. Pre vtedajšiu dobu boli charakteristické aj vysvetľujúce nápisy na obrázkoch.
Osobnosť a obrazy 17. storočia
Pri opise maľby v 17. storočí v Rusku nemožno nespomenúť umelca Simona Fedoroviča Ushakova, ktorý je autorom takých slávnych obrazov ako „Spasiteľ nevyrobený rukami“, „Trojica“ a „Výsadba stromu ruského štátu“. “. Pozoruhodným javom v maliarstve bol záujem o človeka ako osobu. Dôkazom toho bola rozšírená portrétna maľba 17. storočia v Rusku.
Treba poznamenať, že portrét sa stal majetkom más až od polovice 18. storočia a do tej doby mohli na umelcovom plátne zanechať spomienku na seba len tí, ktorí boli blízko najvyššej moci. Vzniklo množstvo slávnostných a dekoratívnych malieb pre veľké verejné priestory ako Akadémia umení, Senát, Admiralita či Cisárske paláce. Portréty si mohli objednať aj rodiny, ktoré sa však neoháňali, ale nechali ich vo vlastnom kruhu. Mohli vyzdobiť aj chudobné petrohradské byty inteligencie, ktorá sa snažila sledovať trendy a módu v spoločnosti.
Vplyv na ruskú maľbu západoeurópskej kultúry
Treba poznamenať, že maľba v 17. storočí v Rusku sa veľmi zmenila, najmä portrét. Do popredia sa začal dostávať skutočný svet so skutočnými osudmi a procesmi. Všetko sa stalo sekulárnejším a živším. Obrovský vplyv zavial zo Západu. Do Ruska postupne začal prúdiť estetický vkus Západu. Týkalo sa to nielen umenia vo všeobecnosti, ale aj takých umeleckých vecí, ako sú riad, koče, oblečenie a mnoho iného. Stalo sa populárnym venovať sa portrétom ako koníčku. Bolo módou prinášať kráľovi ako dar obrazy zobrazujúce panovníkov. Okrem toho sa vyslancom nebránilo získavať pre nich zaujímavé portréty vo svetových metropolách. O niečo neskôr sa stalo populárnym napodobňovať zručnosť maľovania na plátno od zahraničných umelcov. Objavujú sa prvé „Tituláry“, v ktorých sú vyobrazené portréty zahraničných a ruských panovníkov.
Napriek tomu, že odpor niektorých krúžkov rástol priamo úmerne s nárastom obľuby ľudového umenia, bolo jednoducho nemožné hnutie udržať. V druhej polovici storočia sa v Rusku rozmohlo maliarstvo v 17. storočí. Jedna z hlavných dielní umeleckých centier bola, v ktorej viac ako sto obrazov namaľovali dve desiatky majstrov pod vedením Loputského, Wukhtersa a Bezmina. Ich diela odzrkadľovali existujúce protichodné trendy v maľbe. Niektoré z obrazov boli vyrobené v oficiálnom štýle a druhá časť - v západoeurópskom štýle.
Novinka v portrétovaní
Obraz v 17. storočí v Rusku zmenil svoj vzhľad. Svetský žáner, portrét, dostal novú podobu. Hlavnou témou umenia sa stal človek. Možno konštatovať, že sa zvýšila rola jednotlivca ako osoby. Kanonické „tváre“ ustúpili do pozadia a ustúpili svetským vzťahom a osobnosti ako celku. Poézia sa stala hodnou skutočnej osoby, nielen božskej alebo svätej. Slávnostný portrét opustil javisko ruského umenia. Prirodzene, jeho vplyv sa dnes neskončil, ale stal sa menej významným. V petrovskom období nachádza svoje miesto aj na ruskej pôde a dokonca existuje na rovnakej úrovni ako európsky portrét.
Záver
Takto sa v Rusku rozvíjala maľba 17. storočia. Stručne môžeme konštatovať, že práve v tomto storočí nastal v umení zlom, ktorý ovplyvnil kultúru krajiny a jej ďalší vývoj.
Obsah
Úvod
1.1. Rembrandt Harmensz van Rijn - najväčší holandský umelec 17. storočia
1.2. Rubens Peter Paul
1.3. Francúzsky maliar Nicolas Poussin
Kapitola II Ruskí umelci 17. storočia
2.1. Zubov Alexej Fedorovič (1682-1750)
2.2. Nikitin Ivan Nikitich (1680-1742)
Záver
Bibliografia
Úvod
Maliarstvo 17. storočia sa rozvíjalo pod vplyvom barokového štýlu, ktorý dominoval európskemu umeniu až do polovice 18. storočia. Nová filozofia sveta, ktorá spočívala v zmenených úsudkoch o jednote, rozmanitosti a nekonečnosti sveta, mala veľký vplyv na svetonázor vtedajších umelcov. Nádhera a dynamika, intenzita pocitov a pátosu, okázalosť, realita a iluzórnosť, kontrasty a hra svetla odlišujú maľbu tohto obdobia.
Sedemnáste storočie malo veľký význam pri formovaní národných kultúr novej doby. V tomto čase bol ukončený proces lokalizácie umeleckých škôl, ktorých rôznorodosť bola daná najmä podmienkami historického vývoja a ustálenými tradíciami v jednotlivých krajinách. Ruskí umelci 17. storočia sa venovali najmä maľbe ikon. Španielski umelci 17. storočia sa formovali pod ideológiou mníšskych rádov, takže hlavné zákazky na umelecké diela boli z duchovnej sféry. Talianski umelci 17. storočia pozorne študovali rôzne vedy: prírodné vedy, perspektívu, anatómiu a iné. Náboženské výjavy zobrazovali na obrazoch ako svetské. V epizódach sa naučili sprostredkovať charakter a odhaliť hlboké pocity človeka. Pri pohľade na „Ukrižovanie“, ktoré napísal Andrea Mantegna. Holandskí umelci 17. storočia sa vyznačovali tým, že medzi nimi prevládali takmer všetky druhy maľby. Toto povolanie nebolo ani zďaleka zriedkavé, medzi prvými umelcami bola vážna konkurencia. V Holandsku obrazy umelcov 17. storočia zdobili domy nielen bohatých členov spoločnosti, ale aj obyčajných remeselníkov a roľníkov.
I. kapitola Zahraniční umelci 17. storočia
1.1. Rembrandt Harmensz van Rijn - najväčší holandský umelec 17. storočia
Dielo holandského umelca Rembrandta Harmensa Van Rijna (1606-1669) patrí k vrcholom svetovej realistickej maľby. Rembrandt maľoval historické, biblické, mytologické a každodenné témy, portréty a krajiny. Bol najväčším majstrom kresby a leptu v Európe. Jeho tvorba sa vyznačuje túžbou po filozofickom chápaní života, čestnosťou voči sebe i ľuďom, záujmom o duchovný svet človeka. Morálne hodnotenie udalostí a človeka je hlavným nervom majstrovského umenia. Umelec dokonale sprostredkoval spiritualitu modelu a dramatickosť deja prostredníctvom efektov šerosvitu, kedy sa priestor akoby topí v tieni, v zlatom šere a lúč svetla zvýrazňuje jednotlivé postavy ľudí, ich tváre, gestá a pohyby. V tomto spôsobe obrazovej konštrukcie obrazu nemal Rembrandt páru (v zručnosti používať šerosvit mu môže konkurovať iba Talian Caravaggio). Ako sa často stáva v dejinách umenia, napriek svojmu brilantnému talentu Rembrandt zomrel v chudobe a osamelosti, zabudnutý, neužitočný majster. Jeho dielo ale žije stáročia, a tak sa dá bez preháňania povedať, že Rembrandt je jedným z najväčších umelcov v dejinách svetového umenia. Mnohí by ho nazvali neprekonateľným maliarom, dokonca oveľa väčším ako Raphael alebo Leonardo. Zdalo by sa, že jeho dielo bolo spútané tradíciami a dogmami holandského protestantského umenia, pretože nikdy necestoval mimo Holandska. A predsa sa Rembrandt teší nielen z brilantnej techniky maľby, ale svojou tvorbou odhaľuje aj zjavenie: o jednoduchých ľudských citoch ešte nikto nehovoril tak hlboko, nežne, zaujímavo a prenikavo. Vo svojich historických a biblických scénach, v portrétoch svojich súčasníkov siaha do hĺbky psychologickej expresivity. Jeho múdrosť, súcit a nadhľad sú s najväčšou pravdepodobnosťou výsledkom sebapoznania: veľakrát, ako nikto iný, maľoval autoportréty a zachytával svoju životnú cestu, počnúc časom mladosti a úspechu a končiac starobou, čo prinášalo smútok a útrapy. V súčasnosti je známych viac ako sto Rembrandtových autoportrétov, z ktorých každý je úžasným majstrovským dielom. Vďaka šťastným historickým okolnostiam má dnes Rusko jednu z najbohatších zbierok Rembrandtových obrazov. Takmer všetky sú uložené v Štátnom múzeu Ermitáž v Petrohrade, vrátane takých slávnych majstrovských diel ako „Návrat márnotratného syna“, „Danae“, „Portrét Saskie ako Flory“, „Portrét starého muža v červenom“. “, „Dávid a Uria“ atď. Viac ako jedna generácia ruských umelcov študovala na Rembrandtových obrazoch z Ermitáže. Ak nemáte možnosť navštíviť Štátnu Ermitáž, pozývame vás do našej virtuálnej galérie obrazov Rembrandta. Tu môžete vidieť takmer všetky slávne majstrovské diela majstra, z ktorých mnohé sú podrobne opísané. Príjemný výlet do podmanivého sveta úžasného umelca a citlivého človeka - Rembrandta.
1.2. Peter Paul Rubens
Peter Paul Rubens, 1577-1640 - flámsky maliar a diplomat. Narodil sa v Siegene vo Vestfálsku 28. júna 1577 v rodine Jana Rubensa, antverpského právnika. Keď mal Peter Paul Rubens jedenásť rokov, zomrel mu otec a matka sa s deťmi presťahovala do Antverp. Budúci umelec sa vzdelával v jezuitskej škole. Schopnosť jazykov (hovoril šiestimi jazykmi) mu umožnila nielen zvládnuť kultúrne dedičstvo svojej éry, ale aj dosiahnuť významné úspechy na diplomatickom poli. Rubens študoval u troch flámskych maliarov – Tobiasa Verhachta, Adama van Noorta a Otta van Vena. V roku 1598 bol prijatý do cechu sv. Luke. V roku 1600 umelec prišiel do Talianska; tam študoval antickú architektúru a sochárstvo, talianske maliarstvo, maľoval aj portréty (hlavne v Janove) a oltárne obrazy (v Ríme a Mantove). V roku 1603 ho poslal Rubensov taliansky patrón Vicenzo Gonzaga v rámci diplomatickej misie do Španielska. V roku 1608 sa Rubens stal dvorným maliarom Izabely Rakúskej, usadil sa v Antverpách a v roku 1609 sa oženil s aristokratkou Isabellou Brantovou. Z tohto manželstva sa narodili tri deti. Aby Rubens uspokojil rastúci dopyt po svojich obrazoch, vytvoril za pár rokov veľkú dielňu, kde pracovali A. van Dyck, Jacob Jordaens a F. Snyders. Robil náčrty, ktoré jeho žiaci a asistenti preniesli na plátno, a potom na konci práce maľby mierne korigoval. Dokonca zorganizoval ryteckú školu, aby svoje dielo ešte viac rozšíril. Obrazy Rubensa z týchto rokov sú plné vášnivej dynamiky. Medzi zápletkami prevládajú lovecké scény, bitky, živé a dramatické evanjeliové epizódy a výjavy zo života svätých, alegorické a mytologické kompozície; Rubens v nich rád písal energické, mocné telá, ktoré sa jeho súčasníkom tak páčili. Okrem zákaziek miestnych cirkví a antverpských aristokratov dostával umelec zákazky aj zo zahraničia, najmä z Anglicka. Veľká dielňa, ktorej budovu navrhol v štýle janovského paláca (obnovený v rokoch 1937-1946), sa čoskoro stala spoločenským centrom a dominantou Antverp. V 20. rokoch 17. storočia Rubens pracoval pre francúzsky kráľovský dom. Pre Máriu de Medici napísal cyklus alegorických panelov na výjavy z jej života a vyrobil kartónové tapisérie na objednávku Ľudovíta XIII. a tiež začal cyklus skladieb s epizódami zo života francúzskeho kráľa Henricha IV. Navarrského, ktorý zostal nedokončený. Od začiatku 20. rokov 17. storočia pôsobil Rubens v diplomacii. V rokoch 1628 a 1630 Rubens cestoval do Madridu a Londýna na diplomatické misie a podieľal sa na uzavretí mierovej zmluvy medzi Španielskom, Anglickom a Holandskom. Po návrate do Antverp bol Rubens prijatý s veľkými poctami; španielsky kráľ mu udelil titul štátneho radcu a anglický kráľ - osobná šľachta. Rubens sa čoskoro oženil so šestnásťročnou Elenou Fourmanovou; mali päť detí. Počas týchto rokov sa Rubensov štýl zmenil – kompozície sú budované vo voľnom a plynulom rytme, strnulá sochárska interpretácia foriem, charakteristická pre rané obdobie tvorivosti, je nahradená ľahšou a vzdušnou farebnou modeláciou. V nich možno postrehnúť vplyv diel Tiziana, ktoré Rubens skopíroval počas svojho pobytu v Madride. Napriek tomu, že veľa času strávil prácou na veľkých dekoratívnych kompozíciách a štruktúrach (maľovanie plafondu v banketovej sieni v paláci Whitehall v Londýne; víťazné oblúky na počesť vstupu Infante Ferdinanda do Antverp; výzdoba Torre de la Lovecký zámok Parada), Rubensovi sa podarilo napísať aj komornejšie, lyrické diela. Je medzi nimi portrét "Helena Fourman Fur Coat" (okolo 1638-1640, Viedeň, Kunsthistorisches Museum), "Kermessa" (okolo 1635-1636, Louvre), a najmä niekoľko žiarivých, jasne osvetlených krajín vytvorených v posledných piatich rokov života na vidieckom sídle neďaleko Mechlina. Rubens zomrel 30. mája 1640.
Rubensovi sa vo svojich dielach podarilo dosiahnuť to, po čom túžili tri predchádzajúce generácie flámskych umelcov: spojenie flámskeho realizmu s klasickou tradíciou oživenou talianskou renesanciou. Umelec bol obdarený veľkou tvorivou energiou a nevyčerpateľnou fantáziou; čerpajúc inšpiráciu z rôznych zdrojov, vytvoril si svoj vlastný jedinečný štýl. Ním zhotovené oltárne obrazy sa vyznačujú zmyselnosťou a emocionalitou; výzdobou zámkov aristokracie z éry nastupujúceho absolutizmu sa zaslúžil o rozšírenie barokového štýlu - umeleckého jazyka nielen protireformácie, ale aj svetskej kultúry tejto doby.
1.3. Francúzsky maliar Nicolas Poussin
Narodil sa v roku 1594 v Les Andelys v Normandii. Prvým Poussinovým učiteľom bol Quentin Varin z Amiens, ktorý žil v Les Andelys v rokoch 1611 až 1612. V roku 1612 prišiel Poussin do Paríža, kde Alexandre Cutois, kráľovský komorník, dal mladému umelcovi príležitosť navštíviť kráľovskú zbierku obrazov; tam prvýkrát videl diela Rafaela a majstrov jeho školy. V Paríži sa Poussin zoznámil s básnikom Giovannim Battistom Marinom, pre ktorého následne dokončil nádhernú sériu kresieb s námetmi od Ovidia, Vergilia a Tita Livia, ktorá je dnes uložená na zámku Windsor.
Na jar roku 1624 umelec prišiel do Ríma a usadil sa tam na zvyšok svojho života. V roku 1640, keď Poussinova sláva konečne dorazila aj do jeho vlasti, dostal pozvanie od Ľudovíta XIII. a bol nútený sa na chvíľu vrátiť do Paríža. V Paríži Poussin vytvoril také diela ako Eucharistia, Zázrak sv. Francis Xavier (obaja v Louvri) a Čas zachraňuje pravdu pred závisťou a nezhodou (Lily, Múzeum výtvarného umenia). Ten bol poverený kardinálom Richelieuom a mal zdobiť strop. Je známe, že život na kráľovskom dvore dotkol Poussina a v roku 1642 sa vrátil do Ríma.
Hlavnými zdrojmi Poussinovej maľby sú diela klasickej antiky a talianskej renesancie. Početné kresby svedčia o jeho veľkom záujme o pamiatky starovekého Ríma. Vlastní množstvo náčrtov antických reliéfov, sôch a sarkofágov. Klasické motívy, také početné v Poussinových dielach, však takmer vždy mení a prerába v súlade s vlastnými umeleckými cieľmi. Z diel majstrov talianskej renesancie mal na umelca najsilnejší vplyv obraz Raphaela a Tiziana. V neskorších dielach Apolóna a Daphne (okolo 1664) a sérii štyroch obrazov The Seasons (1660 – 1664, všetky v Louvri) sa Poussin obracia k lyrickým motívom; tieto diela sú kompozične bohatšie a jemnejšie v technike ako čisto romantické plátna raného obdobia. Séria Ročné obdobia s biblickými scénami Raj (jar), Ruth (leto), Exodus (jeseň) a Potopa (zima) je jednou z najlepších Poussinových krajín.
Poussin vytvára diela, ktoré predvídajú drsné občianstvo neskorého klasicizmu („Smrť Germanicus“, okolo 1628, Inštitút umenia, Minneapolis), barokové plátna („Mučedníctvo nad Erazmom“, okolo 1628-1629, Vatikánska Pinakotéka), osvietensko-poetické obrazy na mytologické a literárne námety, vyznačujúce sa osobitnou aktivitou farebného systému, blízkeho tradíciám benátskej školy. („Spiaca Venuša“, Galéria umenia, Drážďany; „Narcis a ozvena“, Louvre, Paríž; „Rinaldo a Armida“, Múzeum výtvarného umenia pomenované po A. S. Puškinovi, Moskva; všetky tri – asi 1625-1627; „Flóra kráľovstva“ , asi 1631-1632, Galéria umenia, Drážďany; "Tancred a Erminia"). Poussinove klasické princípy sa jasnejšie odhaľujú na plátnach druhej polovice 30. rokov 20. storočia. („Znásilnenie Sabiniek“, 2. verzia, cca 1635; „Izrael zbiera Mannu“, cca 1637-1639; obe – v Louvri v Paríži). Prenasledovaný kompozičný rytmus vládnuci v týchto dielach je vnímaný ako priamy odraz racionálneho princípu, ktorý mierni základné impulzy a dodáva veľkosť ušľachtilým činom človeka. V rokoch 1640-1642 pôsobil Nicolas Poussin v Paríži na dvore Ľudovíta XIII. („Čas zachraňuje pravdu pred zásahmi závisti a nezhody“, asi 1641-1642, Art Museum, Lille). Intrigy dvorných umelcov na čele so S. Vue podnietili Poussina k návratu do Ríma.
Kapitola II Ruskí umelci 17. storočia
2.1. Zubov Alexej Fjodorovič
Najprv bol maliarom v Zbrojnici, od roku 1699 sa učil u Adriana Schkhonebeka „robenie erbov“ (na známkový papier). Na dôkaz svojich znalostí rytiny Zubov už v roku 1701 predložil zbrojnici kópiu holandskej Biblie z roku 1674 podpísanú: „Z fresky Zostúpenie Ducha Svätého“.
Zubov sa čoskoro stal zručným rytcom a vyryl mnoho veľkých listov, v ktorých dosiahol špičkovú technológiu. Obrovská veduta Petrohradu, vyrytá ním na 8 doskách, vo dvojici pohľad na Moskvu, vyrytá Janom Bliklandtom, je najlepším dielom Zubova. Vlastní aj zábery námorných bitiek („Bitka pri Grengame“, 1721), slávností pri príležitosti víťazstiev („Slávnostný vstup ruských vojsk do Moskvy po víťazstve pri Poltave“, 1711) a iných dôležitých udalostí tej doby. Zubov doplnil prednú časť takýchto obrazov o presne sprostredkované detaily života. Vytváral rytiny, pričom využíval kresby a projekty architektov, napríklad M. G. Zemtsova. Dokumentárny charakter kompozícií sa spájal s dekoratívnosťou rytého plechu a obrazom údajných stavieb. Pohľady na mesto stvárnil umelec „z vtáčej perspektívy“, čo prispelo k pocitu mierky grandióznych scén – panorám brehov Nevy.
Od roku 1714 pôsobil Zubov v Petrohrade. Bol starším majstrom v petrohradskej tlačiarni. Po smrti Petra I., za vlády Kataríny I., robí Zubov portrét cisárovnej (1726, z originálu I. Adolského), vyryje spolu s P. Pikartom jazdecký portrét Petra (1726), na objednávku A. D. Menshikova, portréty jeho manželky a dcér „najpokojnejšieho“ princa – D. M. a M. A. Menshikova (1726). Na jeseň roku 1727 bola zatvorená petrohradská tlačiareň, v ktorej bol Zubov od svojho príchodu do severnej metropoly. Po rezignácii bol nútený, podobne ako jeho brat, premeniť sa na majstra populárnych populárnych tlačovín. Umelec sa pokúšal zamestnať v Ryteckej komore Akadémie vied, ale nikdy tam nezískal trvalé zamestnanie. V roku 1730 sa vrátil do Moskvy.
V starom hlavnom meste Zubov stále pracuje veľmi intenzívne. V roku 1734 vytvoril portréty Petra I., Petra II. a Anny Ioannovny. Veľa pracuje na zákazkách cirkví a bohatých občanov. Ale diela Zubova tejto doby ukazujú, aká tenká bola vrstva novej kultúry, ako veľmi záviseli ruskí umelci na prostredí, aké silné boli tradície predpetrinskej éry. Svedčí o tom slávny "Pohľad na Solovecký kláštor" - obrovská rytina, ktorú Zubov urobil spolu so svojím bratom Ivanom v roku 1744. Akoby tam neboli výhľady na Petrohrad, bitky, portréty. Akoby neexistovala ani samotná petrovská éra. Akoby nikdy neopustil moskovského Zubova a zbrojnicu. Posledné nám známe diela rytca pochádzajú z roku 1745 a posledná zmienka o ňom je z roku 1749. Majster zomrel v chudobe a temnote.
Posledný list vyrytý Zubovom bol zaznamenaný v roku 1741. Jeho najlepšie portréty v čiernom štýle: "Catherine I", "Peter I", dve princezné "Daria a Marya Menshikov" - sú mimoriadne zriedkavé; dláto - "Catherine I", "Golovin" a "Stefan Yavorsky". Rovinský ("Ruskí rytci", M. 1870) uvádza zoznam 110 tabúľ od Zubova. Niektoré dosky prežili dodnes a sú dokonca schopné produkovať stále dobré výtlačky.
2.2. Nikitin Ivan Nikitich
Narodený v Moskve, syn kňaza Nikitu Nikitina, ktorý slúžil v Izmailove, brat kňaza Irodiona Nikitina, neskoršieho veľkňaza Archanjelskej katedrály v Kremli, a maliara Romana Nikitina.
Študoval v Moskve, zrejme v zbrojárskej komore, možno pod vedením Holanďana Shkhonebeka v ryteckej dielni. V roku 1711 bol preložený do Petrohradu, študoval u Johanna Tannauera, nemeckého umelca, ktorý ako jeden z prvých prijal pozvanie Petra Veľkého, aby sa presťahoval do Petrohradu, aby učil ruských umelcov perspektívnu maľbu. Rýchle získanie autority na súde. V rokoch 1716-1720 ho na štátnom dôchodku spolu s bratom Romanom poslali medzi dvadsať ľudí na štúdiá do Talianska, Benátok a Florencie. Študoval u takých majstrov ako Tommaso Redi a J. G. Dangauer. Po návrate sa stáva dvorným maliarom. Nikitin teda vlastní portrét umierajúceho Petra Veľkého. V roku 1732 bol spolu s bratom Romanom, tiež umelcom, zatknutý v súvislosti s urážkou na cti Feofana Prokopoviča. Po piatich rokoch vyšetrovacej väzby v Petropavlovskej pevnosti bol zbičovaný a doživotne vyhnaný do Toboľska. V roku 1741 po smrti Anny Ioannovnej dostal povolenie vrátiť sa do Petrohradu. Odišiel v roku 1742 a zomrel na ceste.
Existujú len tri podpísané diela Nikitina, spolu s tými, ktoré sú mu pripisované, len asi desať. Skoré diela stále obsahujú stopy parsuny, čo bol jediný portrétny štýl v Rusku v 17. storočí. Nikitin je jedným z prvých (často označovaných ako prvý) ruských umelcov, ktorí sa vzdialili od tradičného ikonopiseckého štýlu ruskej maľby a začali maľovať s perspektívou, tak ako v tom čase v Európe. Je teda zakladateľom tradície ruštiny
atď.................
V dejinách ruského umenia bolo 17. storočie obdobím boja dvoch maliarskych škôl a formovania nových žánrov. Pravoslávna cirkev mala stále obrovský vplyv na kultúrny život človeka. Určité obmedzenia vo svojej činnosti zaznamenali aj umelci.
maľovanie ikon
Počas neskorého stredoveku bol v Rusku centrom koncentrácie umelcov a remeselníkov Kremeľ, alebo skôr Zbrojnica. Pracovali tam najlepší majstri architektúry, maliarstva a iných druhov kreativity.
Napriek rýchlemu rozvoju umenia v celej Európe mala maľba v Rusku v 17. storočí iba jeden žáner - maľbu ikon. Umelci boli nútení tvoriť pod bedlivým dohľadom cirkvi, ktorá sa ostro stavala proti akýmkoľvek inováciám. Ruská ikonopisecká maľba sa formovala pod vplyvom maliarskych tradícií Byzancie a v tom čase už mala jasne vytvorené kánony.
Maliarstvo, podobne ako kultúra v Rusku v 17. storočí, bolo dosť samostatné a rozvíjalo sa veľmi pomaly. Jedna udalosť však viedla k úplnej reforme ikonopiseckého žánru. Pri požiari v roku 1547 v Moskve zhorelo veľa starovekých ikon. Bolo potrebné obnoviť stratené. A v tomto procese bol hlavným kameňom úrazu spor o povahu tvárí svätých. Názory boli rozdelené, prívrženci starých tradícií verili, že obrazy by mali zostať symbolické. Zatiaľ čo umelci modernejších názorov boli za to, aby svätí a mučeníci mali viac realizmu.
Rozdeliť na dve školy
V dôsledku toho sa maľba v Rusku v 17. storočí rozdelila na dva tábory. Prvý zahŕňal zástupcov školy „Godunov“ (v mene Borisa Godunova). Snažili sa oživiť tradície maľby ikon Andreja Rubleva a ďalších stredovekých majstrov.
Títo majstri pracovali na zákazkách pre kráľovský dvor a reprezentovali oficiálnu stránku umenia. Charakteristickými znakmi pre túto školu boli kanonické tváre svätých, zjednodušené obrazy davu ľudí v podobe mnohých hláv, zlaté, červené a modrozelené tóny. Zároveň si možno všimnúť pokusy umelcov sprostredkovať materialitu niektorých predmetov. Godunovská škola je najznámejšia pre svoje nástenné maľby v komnatách Kremľa, v Smolenskej katedrále, katedrále Najsvätejšej Trojice.
Protichodnou školou bol „Stroganov“. Názov je spojený s obchodníkmi Stroganovmi, pre ktorých bola vyrobená väčšina objednávok a ktorí pôsobili ako "sponzori" vo vývoji maľby v Rusku v 17. storočí. Práve vďaka majstrom z tejto školy sa začal prudký rozvoj umenia. Ako prví vyrobili miniatúrne ikony pre domáce modlitby. To prispelo k ich rozšíreniu medzi radových občanov.
Stroganovskí majstri čoraz viac presahovali cirkevné kánony a začali venovať pozornosť detailom prostredia, vzhľadu svätých. A tak sa krajina začala pomaly rozvíjať. Ich ikony boli farebné a dekoratívne a interpretácia biblických postáv bola bližšie k obrazom skutočných ľudí. Najznámejšie zo zachovaných diel sú ikony „Nikita the Warrior“, „John the Baptist“.
Jaroslavľské fresky
Jedinečnou pamiatkou v dejinách maliarstva 17. storočia v Rusku sú fresky v Kostole proroka Eliáša v Jaroslavli, na ktorých pracovali umelci zo Zbrojnice. Charakteristickým znakom týchto fresiek sú výjavy zo skutočného života, ktoré prevažujú nad biblickými príbehmi. Napríklad v scéne s liečením hlavnú časť kompozície zaberá obraz roľníkov počas žatvy. Bol to prvý monumentálny obraz v domácom žánri.
Medzi týmito freskami možno nájsť rozprávkové a mytologické výjavy. Ohromujú svojimi jasnými farbami a komplexnou architektúrou.
Simon Ušakov
V každej fáze kultúrneho rozvoja krajiny sa objavujú významné osobnosti. Osobou, ktorá presadila maliarstvo v Rusku v 17. storočí novým smerom a prispela k jeho čiastočnému oslobodeniu od náboženskej ideológie, bol Simon Ushakov.
Bol nielen dvorným maliarom, ale aj vedcom, učiteľom, teológom, človekom širokých názorov. Simon bol fascinovaný západným umením. Zaujalo ho najmä realistické zobrazenie ľudskej tváre. To je jasne vidieť v jeho diele "Spasiteľ nie je vyrobený rukami".
Ushakov bol inovátor. Bol prvým ruským umelcom, ktorý použil olejové farby. Vďaka nemu sa začalo rozvíjať umenie rytia do medi. Ako hlavný umelec zbrojnice tridsať rokov napísal mnoho ikon, rytín, ako aj niekoľko pojednaní. Medzi nimi aj „Slovo milovníkovi ikonopisu“, v ktorom vyjadril svoje myšlienky, že umelec by mal ako zrkadlo pravdivo odrážať svet okolo seba. Nasledoval to vo svojich spisoch a učil to svojich študentov. V jeho poznámkach sú odkazy na anatomický atlas, ktorý chcel napísať a ilustrovať rytinami. Zrejme však nebol publikovaný alebo sa nezachoval. Hlavnou zásluhou majstra je, že položil základy portrétnej tvorby 17. storočia v Rusku.
Parsuna
Po výrazných premenách v ikonopise sa začal formovať žáner portrétu. Najprv sa hrala v ikonopiseckom štýle a volala sa „parsuna“ (z latinčiny – osoba, osobnosť). Umelci čoraz viac pracujú so živou prírodou a farárky sa stávajú realistickejšími, tváre na nich naberajú na objeme.
V tomto štýle boli namaľované portréty Borisa Godunova, cárov Alexeja Michajloviča, Fjodora Alekseeviča, cárov Evdokia Lopukhina, Praskovya Saltykova.
Je známe, že na dvore pôsobili aj zahraniční umelci. Výrazne prispeli aj k rozvoju ruského maliarstva.
knižná grafika
Aj do ruských krajín sa tlač dostala dosť neskoro. Paralelne s jeho vývojom si však obľubu získavali aj rytiny, ktoré sa používali ako ilustrácie. Obrazy boli náboženského aj domáceho charakteru. Knižná miniatúra z tohto obdobia sa vyznačuje zložitou ornamentikou, dekoratívnymi písmenami a nachádza sa tu aj portrét. Majstri školy Stroganov výrazne prispeli k rozvoju knižných miniatúr.
Maliarstvo v Rusku v 17. storočí sa zmenilo z vysoko duchovného na sekulárnejšie a blízke ľuďom. Napriek odporu cirkevných predstaviteľov umelci obhajovali svoje právo tvoriť v žánri realizmu.
Jedným z dominantných štýlov je baroko: je to okázalý impulzívny štýl, ktorý sa prejavuje okázalosťou a prehnanosťou. Michelangela da Caravaggio možno považovať za zakladateľa baroka, ktorý vznikol v Taliansku.
Prvým a najvýznamnejším predstaviteľom cirkevného baroka bol umelec známy ako El Greco. Dielo de Silva Velasqueza je považované za vrchol španielskeho umenia zlatého veku baroka.
Najväčšími predstaviteľmi flámskeho maliarstva 17. storočia sú Peter Rubens a Rembrandt.
Začiatkom 18. storočia zaujíma popredné miesto nový štýl, rokoko. Názov tohto smeru pochádza z francúzskeho slova, ktoré znamená „vzor kameňov a mušlí“. Charakteristickou črtou nového smeru bol odchod zo skutočného života do vynájdeného sveta, ktorý bol živo vyjadrený v práci najlepších predstaviteľov štýlu.
Jedným z predstaviteľov prvého obdobia francúzskeho rokoka je Antoine Watteau, Francois Boucher, Nicolas Lancret. Portrétny žáner bol vyvinutý v diele Jeana Nattiera.
V talianskom rokoku boli významným predstaviteľom štýlu Giovanni Tiepolo, Francesco Guardi, Pietro Longhi.
Svetlý, vycibrený rokokový štýl v maľbe vystriedal v druhej polovici 18. storočia klasicizmus s hlbokým obsahom a snahou o ideálny štandard. Predstaviteľmi francúzskeho klasicizmu polovice 18. storočia sú Joseph Marie Vien, Jacques Louis David. Predstavitelia nemeckého klasicizmu - Anton Mengs, Anton Graff, Franz Maulberch.
