Sandro Botticelli(1. 3. 1445 – 17. 5. 1510) – hlboko veriaci človek, pôsobil vo všetkých väčších kostoloch Florencie a v Sixtínskej kaplnke vo Vatikáne, no v dejinách umenia ostal predovšetkým ako autor veľkoformátových poet. plátna na námety inšpirované klasickou antikou – „Jar“ a „Zrodenie Venuše“. .
Botticelli bol dlhý čas v tieni obrov renesancie, ktorí pracovali po ňom, až kým ho v polovici 19. storočia znovu neobjavili britskí prerafaeliti, ktorí si vážili krehkú lineárnosť a jarnú sviežosť jeho zrelého života. plátna ako najvyšší bod vo vývoji svetového umenia.
Narodil sa v rodine bohatého občana Mariana di Vanni Filipepiho. Dostal dobré vzdelanie. Študoval maľbu u mnícha Filippa Lippiho a prevzal od neho tú vášeň v zobrazovaní dojímavých motívov, ktorá odlišuje Lippiho historické maľby. Potom pracoval pre slávneho sochára Verrocchia. V roku 1470 zorganizoval vlastnú dielňu.
Jemnosť a presnosť línií prevzal od svojho druhého brata, ktorý bol klenotníkom. Nejaký čas študoval u Leonarda da Vinciho v dielni Verrocchio. Originálnym rysom Botticelliho vlastného talentu je jeho inklinácia k fantastickému. Bol jedným z prvých, ktorí zaviedli staroveký mýtus a alegóriu do umenia svojej doby a so zvláštnou láskou pracoval na mytologických témach. Mimoriadne veľkolepá je jeho Venuša, ktorá pláva nahá na mori v mušli a bohovia vetrov ju zasypávajú dažďom ruží a ulitu vyháňajú na breh.
Za najlepšie Botticelliho dielo sa považujú fresky, ktoré začal v roku 1474 v Sixtínskej kaplnke vo Vatikáne. Dokončil mnoho obrazov na objednávku Mediciovcov. Najmä namaľoval zástavu Giuliana Mediciho, brata Lorenza Veľkolepého. V rokoch 1470-1480 sa portrét stáva samostatným žánrom v diele Botticelliho („Muž s medailou“, asi 1474; „Mladý muž“, 80. roky 14. storočia). Botticelli sa preslávil svojim jemným estetickým vkusom a takými dielami ako Zvestovanie (1489-1490), Opustená žena (1495-1500) atď. V posledných rokoch svojho života Botticelli zrejme zanechal maľbu.
Sandro Botticelli je pochovaný v rodinnej hrobke v kostole Ognisanti vo Florencii. Podľa testamentu bol pochovaný v blízkosti hrobu Simonetty Vespucciovej, ktorá inšpirovala najkrajšie obrazy majstra.
Leonardo di Ser Piero da Vinci(15. apríl 1452, obec Anchiano, pri meste Vinci, pri Florencii - 2. máj 1519, - veľký taliansky umelec (maliar, sochár, architekt) a vedec (anatom, prírodovedec), vynálezca, spisovateľ, jeden z najväčších predstaviteľov umenia vrcholnej renesancie, ukážkový príklad „univerzálneho človeka“...
Leonardo je našim súčasníkom známy predovšetkým ako umelec. Okrem toho je možné, že da Vinci mohol byť sochárom: výskumníci z Perugskej univerzity – Giancarlo Gentilini a Carlo Sisi – tvrdia, že terakotová hlava, ktorú našli v roku 1990, je jediným sochárskym dielom Leonarda da Vinciho, ktoré zostúpilo. nám. Sám da Vinci sa však v rôznych obdobiach svojho života považoval predovšetkým za inžiniera alebo vedca. Výtvarnému umeniu sa veľa nevenoval a pracoval dosť pomaly. Umelecké dedičstvo Leonarda preto nie je kvantitatívne veľké a množstvo jeho diel bolo stratených alebo vážne poškodených. Jeho prínos do svetovej umeleckej kultúry je však mimoriadne dôležitý aj na pozadí kohorty géniov, ktorú dala talianska renesancia. Vďaka jeho tvorbe sa maliarske umenie posunulo na kvalitatívne novú etapu svojho vývoja. Renesanční umelci, ktorí predchádzali Leonardovi, rozhodne opustili mnohé konvencie stredovekého umenia. Bol to pohyb k realizmu a veľa sa už dosiahlo v štúdiu perspektívy, anatómie, väčšej slobody v kompozičnom rozhodovaní. Ale pokiaľ ide o malebnosť, prácu s farbou, umelci boli stále dosť konvenční a obmedzení. Čiara na obrázku jasne obkresľovala predmet a obrázok mal vzhľad maľovanej kresby. Najviac podmienená bola krajina, ktorá hrala druhoradú úlohu. .
Leonardo realizoval a stelesnil novú techniku maľby. Jeho línia má právo na rozmazanie, pretože my to tak vidíme. Uvedomil si fenomén rozptylu svetla vo vzduchu a vznik sfumato - oparu medzi divákom a zobrazovaným objektom, ktorý zjemňuje farebné kontrasty a línie. Tým sa realizmus v maľbe posunul na kvalitatívne novú úroveň. . renesančná maľba botticelli renesančný
Rafael Santi(28. marca 1483 - 6. apríla 1520) - veľký taliansky maliar, grafik a architekt, predstaviteľ umbrijskej školy.
Syn maliara Giovanniho Santiho absolvoval počiatočné umelecké školenie v Urbine u svojho otca Giovanniho Santiho, no v mladom veku skončil v ateliéri vynikajúceho umelca Pietra Perugina. Práve výtvarný jazyk a obraznosť Peruginových malieb s ich príklonom k symetrickej vyváženej kompozícii, čistotou priestorového rozlíšenia a mäkkosťou v rozlíšení farieb a osvetlenia mali primárny vplyv na spôsob mladého Raphaela.
Je tiež potrebné uviesť, že tvorivý štýl Raphaela zahŕňal syntézu techník a nálezov iných majstrov. Raphael sa najskôr spoliehal na skúsenosti Perugina, neskôr na zistenia Leonarda da Vinciho, Fra Bartolomea, Michelangela. .
Rané diela ("Madonna Conestabile" 1502 - 1503) sú presiaknuté gráciou, jemnou lyrikou. Oslávil pozemskú existenciu človeka, harmóniu duchovných a fyzických síl v obrazoch miestností Vatikánu (1509-1517), dosiahol dokonalý zmysel pre proporcie, rytmus, proporcie, harmóniu farieb, jednotu postáv a majestátnosť. architektonické pozadie.
Vo Florencii, keď sa Raphael dostal do kontaktu s dielami Michelangela a Leonarda, sa od nich naučil anatomicky správny obraz ľudského tela. Vo veku 25 rokov umelec odchádza do Ríma a od tohto momentu začína obdobie najvyššieho rozkvetu jeho tvorby: vo Vatikánskom paláci predvádza monumentálne maľby (1509--1511), medzi ktorými je nesporné majstrovské dielo majster - freska "Aténska škola", píše oltárne kompozície a maliarske stojany, vyznačujúce sa harmóniou dizajnu a prevedenia, pracuje ako architekt (niekedy Raphael dokonca dohliada na stavbu katedrály sv. Petra). V neúnavnom hľadaní svojho ideálu, stvárneného pre umelca v obraze Madony, vytvára svoj najdokonalejší výtvor – „Sixtínsku madonu“ (1513), symbol materstva a sebazaprenia. Raphaelove maľby a nástenné maľby poznali jeho súčasníci a Santi sa čoskoro stal ústrednou postavou umeleckého života Ríma. Mnoho šľachtických ľudí z Talianska sa chcelo s umelcom oženiť, vrátane Raphaelovho blízkeho priateľa kardinála Bibbieny. Umelec zomrel vo veku 37 rokov na zlyhanie srdca. Nedokončené maľby vily Farnesina, vatikánskych lodžií a ďalšie diela dokončili Raphaelovi žiaci podľa jeho náčrtov a kresieb.
Jeden z najväčších predstaviteľov umenia vrcholnej renesancie, ktorého maľby charakterizuje zdôraznená vyváženosť a harmónia celku, vyváženosť kompozície, pravidelnosť rytmu a jemné využitie možností farby. Bezchybné ovládanie línie a schopnosť zovšeobecniť a zdôrazniť to hlavné urobili z Raphaela jedného z najvýznamnejších majstrov kresby všetkých čias. Rafaelov odkaz slúžil ako jeden z pilierov v procese formovania európskeho akademizmu. Prívrženci klasicizmu - bratia Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov a mnohí ďalší umelci - vychvaľovali dedičstvo Raphaela ako najdokonalejší fenomén svetového umenia.
Tizian Vecellio(1476/1477 alebo 1480-1576) – taliansky renesančný maliar. Meno Tizian je na rovnakej úrovni ako renesanční umelci ako Michelangelo, Leonardo da Vinci a Raphael. Tizian maľoval obrazy na biblické a mytologické námety, preslávil sa ako portrétista. Poverili ho králi a pápeži, kardináli, vojvodcovia a kniežatá. Tizian nemal ani tridsať rokov, keď ho uznali za najlepšieho maliara v Benátkach.
Podľa miesta narodenia (Pieve di Cadore v provincii Belluno) ho niekedy nazývajú da Cadore; tiež známy ako Titian the Divine.
Tizian sa narodil v rodine Gregoria Vecellia, štátnika a vojenského vodcu. Keď mal desať rokov, poslali ho s bratom do Benátok študovať u slávneho mozaikistu Sebastiana Zuccata. O niekoľko rokov neskôr vstúpil do ateliéru Giovanniho Belliniho ako učeň. Študoval u Lorenza Lotta, Giorgia da Castelfranca (Giorgione) a mnohých ďalších umelcov, ktorí sa neskôr preslávili.
V roku 1518 Tizian maľuje obraz „Nanebovstúpenie Matky Božej“, v roku 1515 – Salome s hlavou Jána Krstiteľa. V rokoch 1519 až 1526 maľuje množstvo oltárov, vrátane oltára rodiny Pesaro.
Tizian žil dlhý život. Až do posledných dní neprestal pracovať. Tizian napísal svoj posledný obraz Oplakávanie Krista pre svoj vlastný náhrobok. Umelec zomrel na mor v Benátkach 27. augusta 1576, keď sa nakazil od svojho syna, keď sa oňho staral.
Cisár Karol V. si povolal Tiziana k sebe, obklopil ho cťou a rešpektom a viackrát povedal: „Môžem stvoriť vojvodu, ale kde môžem získať druhého Tiziana. Keď jedného dňa umelec odhodil štetec, Karol V. ho zdvihol a povedal: "Je česť slúžiť Tizianovi dokonca aj cisárovi." Španielsky aj francúzsky králi pozvali Tiziana k sebe, aby sa usadil na dvore, ale umelec sa po dokončení objednávok vždy vrátil do rodných Benátok.Na počesť Tiziana bol pomenovaný kráter na Merkúre. .
Renesancia začala v Taliansku. Svoje meno získala vďaka prudkému intelektuálnemu a umeleckému rozkvetu, ktorý sa začal v 14. storočí a výrazne ovplyvnil európsku spoločnosť a kultúru. Renesancia sa prejavila nielen v maľbe, ale aj v architektúre, sochárstve a literatúre. Najvýraznejšími predstaviteľmi renesancie sú Leonardo da Vinci, Botticelli, Tizian, Michelangelo a Raphael.
V týchto časoch bolo hlavným cieľom maliarov realistické zobrazenie ľudského tela, preto maľovali najmä ľudí, zobrazovali rôzne náboženské námety. Vynájdený bol aj princíp perspektívy, ktorý umelcom otvoril nové možnosti.
Centrom renesancie sa stala Florencia, po nej nasledovali Benátky a neskôr, bližšie k 16. storočiu, Rím.
Leonardo je nám známy ako talentovaný maliar, sochár, vedec, inžinier a architekt renesancie. Väčšinu svojho života pôsobil Leonardo vo Florencii, kde vytvoril mnoho majstrovských diel známych po celom svete. Medzi nimi: "Mona Lisa" (inak - "Gioconda"), "Dáma s hranostajom", "Madonna Benois", "John the Baptist" a "St. Anna s Máriou a Ježiškom.
Tento umelec je rozpoznateľný vďaka jedinečnému štýlu, ktorý vyvinul v priebehu rokov. Vymaľoval aj steny Sixtínskej kaplnky na osobnú žiadosť pápeža Sixta IV. Botticelli maľoval slávne obrazy na mytologické námety. Medzi takéto obrazy patria „Jar“, „Pallas a Kentaur“, „Narodenie Venuše“.
Tizian bol vedúcim florentskej školy umelcov. Po smrti svojho učiteľa Belliniho sa Tizian stal oficiálnym, všeobecne uznávaným umelcom Benátskej republiky. Tento maliar je známy svojimi portrétmi na náboženské témy: "Nanebovstúpenie Márie", "Danae", "Pozemská láska a láska nebeská".
Taliansky básnik, sochár, architekt a umelec zobrazil mnoho majstrovských diel, z ktorých je slávna socha „Dávida“ vyrobená z mramoru. Táto socha sa stala hlavnou atrakciou Florencie. Michelangelo namaľoval klenbu Sixtínskej kaplnky vo Vatikáne, čo bola veľká zákazka od pápeža Júliusa II. V období svojho pôsobenia sa viac venoval architektúre, ale dal nám „Ukrižovanie sv. Petra“, „Pohreb“, „Stvorenie Adama“, „Veštec“.
Jeho tvorba sa formovala pod veľkým vplyvom Leonarda da Vinciho a Michelangela, vďaka ktorým získal neoceniteľné skúsenosti a zručnosť. Maľoval reprezentačné miestnosti vo Vatikáne, ktoré predstavujú ľudskú činnosť a zobrazujú rôzne výjavy z Biblie. Medzi slávne obrazy Raphaela patria „Sixtínska Madona“, „Tri Grácie“, „Svätý Michael a diabol“.
Ivan Sergejevič Ceregorodcev
7. august 2014
Študenti umeleckých vysokých škôl a záujemcovia o dejiny umenia vedia, že na prelome 14. a 15. storočia nastal v maliarstve prudký zlom – renesancia. Okolo 20. rokov 14. storočia sa zrazu všetci stali oveľa lepšími v kreslení. Prečo sa obrazy zrazu stali tak realistickými a detailnými a prečo mali obrazy svetlo a objem? Nikto sa nad tým dlho nezamýšľal. Až kým David Hockney nezobral lupu.
Poďme zistiť, čo našiel...
Jedného dňa sa pozeral na kresby Jeana Augusta Dominique Ingresa, vedúceho francúzskej akademickej školy 19. storočia. Hockney začal mať záujem vidieť svoje malé kresby vo väčšom meradle a zväčšil ich na kopírke. Tak narazil na tajnú stránku dejín maľby od renesancie.
Po vytvorení fotokópií Ingresových malých (asi 30 centimetrových) kresieb bol Hockney ohromený tým, aké realistické boli. A tiež sa mu zdalo, že Ingresove riadky pre neho niečo znamenajú.
pripomenúť. Ukázalo sa, že mu pripomínajú dielo Warhola. A Warhol to urobil - premietol fotografiu na plátno a načrtol ju.
Vľavo: detail kresby Ingres. Vpravo: Kresba Mao Ce-tunga Warhola
Zaujímavé prípady, hovorí Hockney. Ingres zrejme použil Camera Lucida – zariadenie, ktoré je konštrukciou s hranolom, ktorý je pripevnený napríklad k stojanu na tablet. Umelec, ktorý sa pozerá na svoju kresbu jedným okom, vidí skutočný obraz a druhým - skutočnú kresbu a svoju ruku. Ukazuje sa optická ilúzia, ktorá vám umožňuje presne preniesť skutočné proporcie na papier. A práve to je „zárukou“ realistickosti obrazu.
Kreslenie portrétu fotoaparátom lucida, 1807
Potom sa Hockney začal vážne zaujímať o tento „optický“ typ kresieb a malieb. Vo svojom ateliéri spolu so svojím tímom rozvešal na steny stovky reprodukcií obrazov vytvorených v priebehu storočí. Diela, ktoré vyzerali „skutočne“ a tie, ktoré nie. Usporiadané podľa času stvorenia a regiónov – sever hore, juh dole, Hockney a jeho tím zaznamenali prudký obrat v maľbe na prelome 14.-15. Vo všeobecnosti každý, kto sa aspoň trochu vyzná v dejinách umenia, vie – renesanciu.
Možno použili rovnaký fotoaparát-lucida? Patentoval ho v roku 1807 William Hyde Wollaston. Aj keď v skutočnosti takéto zariadenie opisuje Johannes Kepler už v roku 1611 vo svojom diele Dioptrie. Potom možno použili iné optické zariadenie - cameru obscuru? Veď je známa už od čias Aristotela a je to tmavá miestnosť, do ktorej cez malý otvor vstupuje svetlo a tak sa v tmavej miestnosti získava projekcia toho, čo je pred otvorom, ale hore nohami. Všetko by bolo v poriadku, ale obraz, ktorý sa získa pri premietaní camery obscury bez objektívu, mierne povedané, nie je kvalitný, nie je jasný, vyžaduje si veľa jasného svetla, nehovoriac o veľkosti projekcia. Ale kvalitné šošovky sa až do 16. storočia takmer nedali vyrobiť, pretože v tej dobe neexistoval spôsob, ako vyrobiť také kvalitné sklo. Veci, pomyslel si Hockney, ktorý už vtedy zápasil s problémom s fyzikom Charlesom Falcom.
Existuje však obraz od Jana van Eycka, majstra z Brugg, flámskeho maliara ranej renesancie, v ktorom je ukrytá stopa. Obraz sa volá „Portrét Chety Arnolfini“.
Jan Van Eyck "Portrét Arnolfini" 1434
Obraz jednoducho žiari obrovským množstvom detailov, čo je celkom zaujímavé, pretože bol namaľovaný až v roku 1434. A náznakom toho, ako sa autorovi podarilo urobiť taký veľký krok vpred v realizme obrazu, je zrkadlo. A tiež svietnik - neuveriteľne zložitý a realistický.
Hokej bol plný zvedavosti. Dostal kópiu takéhoto lustra a pokúsil sa ho nakresliť. Umelec bol konfrontovaný so skutočnosťou, že taká zložitá vec je ťažké nakresliť perspektívne. Ďalším dôležitým bodom bola vecnosť obrazu tohto kovového predmetu. Pri zobrazovaní oceľového objektu je veľmi dôležité umiestniť zvýraznenia čo najrealistickejšie, pretože to dáva obrovský realizmus. Problémom týchto zvýraznení je však to, že sa pohybujú, keď sa hýbe oko diváka alebo umelca, čo znamená, že nie je vôbec ľahké ich zachytiť. A realistický obraz kovu a odleskov je tiež charakteristickým znakom renesančných malieb, predtým sa o to umelci ani nepokúšali.
Tým, že Hockneyho tím vytvoril presný 3D model lustra, zabezpečil, že luster v The Arnolfini bol nakreslený v skutočnej perspektíve s jediným úbežníkom. Problém bol ale v tom, že také presné optické prístroje ako camera obscura s objektívom neexistovali asi storočie po vytvorení obrazu.
Fragment obrazu od Jana van Eycka „Portrét páru Arnolfini“ 1434
Zväčšený fragment ukazuje, že zrkadlo na obraze „Portrét Arnolfiniho“ je vypuklé. Takže tam boli zrkadlá naopak - konkávne. Ešte viac sa v tých časoch takéto zrkadlá vyrábali týmto spôsobom - vzala sa sklenená guľa a jej dno bolo pokryté striebrom, potom sa všetko okrem dna odrezalo. Zadná strana zrkadla nebola zatmavená. To znamená, že konkávne zrkadlo Jana van Eycka by mohlo byť to isté zrkadlo, ktoré je zobrazené na obrázku, len zozadu. A každý fyzik vie, čo je zrkadlo, keď sa odrazí, premieta obraz odrazeného. Práve tu jeho priateľ, fyzik Charles Falco, pomáhal Davidovi Hockneymu s výpočtami a výskumom.
Konkávne zrkadlo premieta obraz veže mimo okna na plátno.
Veľkosť čistej, zaostrenej časti projekcie je asi 30 centimetrov štvorcových – a to je práve veľkosť hláv na mnohých renesančných portrétoch.
Hockney načrtáva projekciu osoby na plátno
Ide o veľkosť napríklad portrétu dóže Leonarda Loredana od Giovanniho Belliniho (1501), portrétu muža od Roberta Campina (1430), vlastného portrétu Jana van Eycka „muža v červenom turbane“ a mnohých ďalšie rané holandské portréty.
Renesančné portréty
Maľovanie bolo vysoko platenou prácou a samozrejme, všetky tajomstvá podnikania boli držané v najprísnejšej tajnosti. Pre umelca bolo prospešné, že všetci nezasvätení ľudia verili, že tajomstvá sú v rukách majstra a nedajú sa ukradnúť. Podnik bol pre cudzincov uzavretý – umelci boli v cechu, tvorili ho aj rôzni remeselníci – od tých, ktorí vyrábali sedlá, až po tých, ktorí vyrábali zrkadlá. A v cechu svätého Lukáša, ktorý bol založený v Antverpách a prvýkrát sa spomína v roku 1382 (vtedy sa podobné cechy otvárali v mnohých severných mestách a jedným z najväčších bol cech v Bruggách – meste, kde žil Van Eyck) boli aj majstri, ktorí robili zrkadlá.
Takže Hockney znovu vytvoril spôsob, akým môžete nakresliť zložitý luster z obrazu od Van Eycka. Niet divu, že veľkosť lustra s premietaním Hockney presne zodpovedá veľkosti lustra na obraze „Portrait of the Arnolfini“. A samozrejme, zvýraznenia na kove - na projekcii stoja na mieste a nemenia sa, keď umelec zmení polohu.
Problém však stále nie je úplne vyriešený, pretože pred objavením sa vysokokvalitnej optiky, ktorá je potrebná na používanie camery obscury, zostávalo 100 rokov a veľkosť projekcie získanej pomocou zrkadla je veľmi malá. . Ako maľovať obrázky väčšie ako 30 štvorcových centimetrov? Boli vytvorené ako koláž - z rôznych uhlov pohľadu sa ukázalo také sférické videnie s mnohými úbežníkmi. Hockney si to uvedomil, pretože on sám sa takýmito obrázkami zaoberal - vytvoril veľa fotografických koláží, ktoré dosahujú presne rovnaký efekt.
Takmer o storočie neskôr, v roku 1500, bolo konečne možné dobre získať a spracovať sklo - objavili sa veľké šošovky. A mohli sa konečne vložiť do camery obscury, ktorej princíp fungovania je známy už od pradávna. Camera obscura s objektívom bola neuveriteľnou revolúciou vo výtvarnom umení, keďže teraz mohla mať projekcia akúkoľvek veľkosť. A ešte niečo, teraz nebol obraz "širokouhlý", ale o bežnom pomere - teda asi taký ako dnes pri fotení objektívom s ohniskovou vzdialenosťou 35-50mm.
Problém pri použití camery obscury s objektívom je však v tom, že priama projekcia z objektívu je zrkadlová. To viedlo k tomu, že v raných fázach používania optiky bolo veľa ľavákov v maľovaní. Ako na tomto obraze z 17. storočia z Múzea Fransa Halsa, kde tancuje ľavoruký pár, ľavoruký starec ich ohrozuje prstom a ľavoruká opica hľadí pod šaty ženy.
Všetci na tomto obrázku sú ľaváci.
Problém je vyriešený inštaláciou zrkadla, do ktorého je objektív nasmerovaný, čím sa získa správna projekcia. Ale zrejme dobré, rovnomerné a veľké zrkadlo stálo veľa peňazí, takže nie každý ho mal.
Ďalším problémom bolo zameranie. Faktom je, že niektoré časti obrazu na jednej pozícii plátna pod lúčmi projekcie boli neostré, nejasné. V dielach Jana Vermeera, kde je použitie optiky celkom zreteľne viditeľné, jeho diela vo všeobecnosti vyzerajú ako fotografie, možno si všimnúť aj miesta „zaostrené“. Môžete dokonca vidieť vzor, ktorý šošovka dáva - notoricky známy "bokeh". Ako napríklad tu, na obraze „Mliečka“ (1658) je košík, chlieb v ňom a modrá váza neostré. Ale ľudské oko nevidí „nezaostrené“.
Niektoré detaily na obrázku sú neostré
A vo svetle toho všetkého nie je vôbec prekvapujúce, že Antony Phillips van Leeuwenhoek, vedec a mikrobiológ, ako aj jedinečný majster, ktorý vytvoril vlastné mikroskopy a šošovky, bol dobrým priateľom Jana Vermeera. Vedec sa stal posmrtným manažérom umelca. A to naznačuje, že Vermeer presne zobrazil svojho priateľa na dvoch plátnach - "Geograf" a "Astronóm".
Aby ste videli zaostrenú akúkoľvek časť, musíte zmeniť polohu plátna pod projekčnými lúčmi. Ale v tomto prípade sa objavili chyby v proporciách. Ako je vidieť tu: obrovské rameno Anthea od Parmigianina (okolo 1537), malá hlava Anthonyho van Dycka „Lady Genovese“ (1626), obrovské nohy roľníka na obraze od Georgesa de La Tour.
Chyby v proporciách
Samozrejme, všetci umelci používali šošovky rôznymi spôsobmi. Niekto na skice, niekto zložený z rôznych častí – veď teraz bolo možné urobiť portrét a všetko ostatné dokončiť s iným modelom, alebo aj s figurínou.
Po Velasquezovi nezostali takmer žiadne kresby. Jeho vrcholné dielo však zostalo – portrét pápeža Inocenta 10. (1650). Na pápežovom plášti – očividne hodvábnom – je krásna hra svetla. Oslnenie. A napísať toto všetko z jedného uhla pohľadu, bolo treba sa veľmi snažiť. Ale ak urobíte projekciu, potom všetka táto krása nikam neutečie - odlesky sa už nehýbu, môžete písať presne tými širokými a rýchlymi ťahmi ako Velazquez.
Hockney reprodukuje obraz od Velasqueza
Následne si mnoho umelcov mohlo dovoliť cameru obscuru a to prestalo byť veľkým tajomstvom. Canaletto aktívne používal kameru na vytváranie svojich pohľadov na Benátky a netajil sa tým. Tieto maľby nám vďaka svojej presnosti umožňujú hovoriť o Canalettovi ako o dokumentaristovi. Vďaka Canaletto môžete vidieť nielen krásny obraz, ale aj samotný príbeh. Môžete vidieť, aký bol prvý Westminsterský most v Londýne v roku 1746.
Canaletto "Westminsterský most" 1746
Britský umelec Sir Joshua Reynolds vlastnil cameru obscuru a zrejme o nej nikomu nepovedal, pretože jeho fotoaparát sa skladá a vyzerá ako kniha. Dnes je v Londýnskom vedeckom múzeu.
Camera obscura prezlečená za knihu
Nakoniec, na začiatku 19. storočia William Henry Fox Talbot pomocou lucidovej kamery – tej, do ktorej sa musíte pozerať jedným okom a kresliť rukami, preklial a rozhodol sa, že s takouto nepríjemnosťou treba raz skoncovať. a pre všetkých a stal sa jedným z vynálezcov chemickej fotografie a neskôr popularizátorom, vďaka ktorému sa stala masovou.
S vynálezom fotografie zmizol monopol maľby na realizmus obrazu, teraz sa monopolom stala fotografia. A tu sa konečne maľba oslobodila od objektívu a pokračovala v ceste, z ktorej sa odklonila v 15. storočí, a Van Gogh sa stal predchodcom všetkého umenia 20. storočia.
Vľavo: Byzantská mozaika z 12. storočia. Vpravo: Vincent van Gogh „Portrét pána Trabuka“ 1889
Vynález fotografie je to najlepšie, čo sa maľbe v celej jej histórii stalo. Už nebolo potrebné vytvárať výlučne skutočné obrazy, umelec sa stal slobodným. Samozrejme, verejnosti trvalo storočie, kým dobehla umelcov v chápaní vizuálnej hudby a prestala si myslieť, že ľudia ako Van Gogh sú „blázni“. Umelci zároveň začali aktívne využívať fotografie ako „referenčný materiál“. Potom tam boli ľudia ako Wassily Kandinsky, ruská avantgarda, Mark Rothko, Jackson Pollock. Po maľbe, architektúre, sochárstve a hudbe boli vydané. Pravda, ruská akademická škola maľby uviazla v čase a dnes sa na akadémiách a školách stále považuje za hanbu použiť fotografiu na pomoc a čisto technická schopnosť kresliť čo najrealistickejšie holými rukami sa považuje za najvyšší výkon. .
Vďaka článku novinára Lawrencea Weschlera, ktorý bol pri výskume Davida Hockneyho a Falca, sa odhaľuje ďalšia zaujímavosť: Van Eyckov portrét manželov Arnolfiniovcov je portrétom talianskeho obchodníka v Bruggách. Pán Arnolfini je Florenťan a navyše je predstaviteľom banky Medici (prakticky majstri renesančnej Florencie, v Taliansku považovaní za patrónov umenia tej doby). čo to hovorí? Skutočnosť, že tajomstvo cechu svätého Lukáša - zrkadlo - si mohol ľahko vziať so sebou do Florencie, v ktorej podľa tradičnej histórie začínala renesancia a umelci z Brugg (a podľa toho aj ďalší majstri) považovaný za „primitíva“.
Okolo Hockney-Falcovej teórie je veľa kontroverzií. Ale určite je v tom zrnko pravdy. Pokiaľ ide o historikov umenia, kritikov a historikov, je dokonca ťažké si predstaviť, koľko vedeckých prác o histórii a umení sa skutočne ukázalo ako úplný nezmysel, ale to mení celé dejiny umenia, všetky ich teórie a texty.
Fakty používania optiky ani v najmenšom neuberajú na talente umelcov – veď technika je prostriedkom na sprostredkovanie toho, čo umelec chce. A naopak, to, že je na týchto obrázkoch skutočná realita, im len pridáva na váhe – veď presne tak vyzerali vtedajší ľudia, veci, priestory, mestá. Toto sú skutočné dokumenty.
Národy Európy sa snažili oživiť poklady a tradície stratené v dôsledku nekonečných vyhladzovacích vojen. Vojny vzali ľudí z povrchu zeme a veľké veci, ktoré ľudia vytvorili. Myšlienka vzkriesenia vysokej civilizácie antického sveta dala vznik filozofii, literatúre, hudbe, vzostupu prírodných vied a predovšetkým rozkvetu umenia. Doba si žiadala silných, vzdelaných ľudí, ktorí sa nebáli žiadnej práce. Bolo to v ich strede, kde bolo možné vynoriť sa tých pár géniov, ktorí sa nazývajú „titáni renesancie“. Tí, ktorých voláme len krstným menom.
Renesancia bola predovšetkým talianska. Preto nie je prekvapujúce, že práve v Taliansku dosiahlo umenie v tomto období najväčší vzostup a rozkvet. Práve tu sú desiatky mien titánov, géniov, skvelých a jednoducho talentovaných umelcov.
HUDBA LEONARDO.
Aký šťastný muž! povedia o ňom mnohí. Bol obdarený vzácnym zdravím, pekný, vysoký, modrooký. V mladosti nosil blond kučery, hrdým vzrastom pripomínal Donatellinho svätého Juraja. Mal neslýchanú a odvážnu silu, mužskú zdatnosť. Nádherne spieval, pred publikom skladal melódie a básne. Hral na akomkoľvek hudobnom nástroji, navyše si ich sám vytvoril.
Pre umenie Leonarda da Vinciho súčasníci a potomkovia nikdy nenašli iné definície ako „brilantné“, „božské“, „veľké“. Rovnaké slová platia aj pre jeho vedecké objavy: vynašiel tank, bager, helikoptéru, ponorku, padák, automatickú zbraň, potápačskú prilbu, výťah, vyriešil najťažšie problémy akustiky, botaniky, medicíny, kozmografie , vytvoril projekt okrúhleho divadla, prišiel o storočie skôr ako Galileo, kyvadlo s hodinami, nakreslil súčasné vodné lyžovanie, rozvinul teóriu mechaniky.
Aký šťastný muž! - povedia si o ňom mnohí a začnú spomínať na jeho milovaných princov a kráľov, ktorí s ním hľadali známosti, okuliare a sviatky, ktoré vymyslel ako výtvarník, dramatik, herec, architekt a zabával sa s nimi ako dieťa.
Bol však šťastný neúnavný dlhopečeň Leonardo, ktorého každý deň dával ľuďom a svetu prozreteľnosť a nadhľad? Predvídal hrozný osud svojich výtvorov: zničenie „Poslednej večere“, zastrelenie pamätníka Francesca Sforza, nízky obchod a odporné krádeže jeho denníkov, pracovných zošitov. Celkovo sa dodnes zachovalo len šestnásť obrazov. Málo sôch. Ale veľa kresieb, zakódovaných kresieb: ako hrdinovia modernej sci-fi zmenil vo svojom návrhu detaily, akoby to ten druhý nemohol použiť.
Leonardo da Vinci pracoval v rôznych druhoch a žánroch umenia, no najväčšiu slávu mu priniesla maľba.
Jedným z prvých Leonardových obrazov je Madonna s kvetom alebo Benois Madonna. Už tu sa umelec javí ako skutočný inovátor. Prekonáva hranice tradičnej zápletky a dáva obrazu širší, univerzálny význam, ktorým je materská radosť a láska. V tejto práci sa jasne prejavili mnohé črty umelcovho umenia: jasné zloženie postáv a objem foriem, túžba po stručnosti a zovšeobecnení a psychologická expresivita.
Obraz „Madonna Litta“ bol pokračovaním načatej témy, kde sa zreteľne prejavila ďalšia črta umelcovej tvorby – hra s kontrastmi. Námet bol dotvorený obrazom „Madona v jaskyni“, ktorý predstavuje ideálne kompozičné riešenie, vďaka ktorému vyobrazené postavy Madony, Krista a anjelov splývajú s krajinou do jedného celku, obdareného pokojnou rovnováhou a harmóniou.
Jedným z vrcholov Leonardovej tvorby je freska Posledná večera v refektári kláštora Santa Maria Della Grazie. Toto dielo zaujme nielen celkovou kompozíciou, ale aj presnosťou. Leonardo sprostredkúva nielen psychologický stav apoštolov, ale robí to vo chvíli, keď dosiahne kritický bod, zmení sa na psychologický výbuch a konflikt. Tento výbuch je spôsobený Kristovými slovami: "Jeden z vás ma zradí." Leonardo v tomto diele naplno využil metódu konkrétneho juxtapozície figúr, vďaka ktorej sa každá postava javí ako jedinečná individualita a osobnosť.
Druhým vrcholom Leonardovej tvorby bol slávny portrét Mony Lisy, čiže „La Gioconda“. Toto dielo položilo základ žánru psychologického portrétu v európskom umení. Veľký majster pri jeho tvorbe bravúrne využil celý arzenál výtvarných výrazových prostriedkov: ostré kontrasty a jemné podtóny, zamrznutú nehybnosť a všeobecnú plynulosť a premenlivosť, najjemnejšie psychologické nuansy a prechody. Celá genialita Leonarda spočíva v úžasne živom výzore Mony Lisy, jej tajomnom a záhadnom úsmeve, mystickom oparu pokrývajúcom krajinu. Toto dielo je jedným z najvzácnejších umeleckých diel.
Každý, kto videl Giocondu privezenú z moskovského Louvru, si pamätá minúty svojej úplnej hluchoty pri tomto malom plátne, napätie všetkého najlepšieho v sebe. Gioconda sa zdala byť „Marťankou“, predstaviteľkou neznáma – musí to byť budúcnosť, a nie minulosť ľudského kmeňa, stelesnenie harmónie, ktorej svet neomrzel a nikdy neomrzí snívať. .
Dalo by sa o ňom povedať oveľa viac. Prekvapený, že to nie je fikcia alebo fantázia. Tu si napríklad môžeme spomenúť, ako navrhol presťahovať katedrálu San Giovanni – takáto práca udivuje nás, obyvateľov dvadsiateho storočia.
Leonardo povedal: „Dobrý umelec musí byť schopný namaľovať dve hlavné veci: osobu a reprezentáciu jeho duše. Alebo sa hovorí o „Kolumbíne“ z petrohradskej Ermitáže? Niektorí vedci to nazývajú, a nie plátno Louvre, „La Gioconda“.
Chlapec Nardo, tak sa volal vo Vinci: nemanželský syn notárskeho úradníka, ktorý považoval vtáky a kone za najlepšie stvorenia na Zemi. Všetkými milovaný a osamelý, ohýbal oceľové meče a ťahal obesených. Vynašiel most cez Bospor a ideálne mesto, krajšie ako tie Corbusiera a Niemeyera. Spievanie jemným barytónovým hlasom a úsmev Mony Lisy. V jednom z posledných zošitov tento šťastlivec napísal: "Zdalo sa mi, že som sa učil žiť, ale učil som sa umierať." Potom to však zhrnul: "Dobre prežitý život je dlhý život."
Je možné nesúhlasiť s Leonardom?
SANDRO BOTTICELLI.
Sandro Botticelli sa narodil vo Florencii v roku 1445 v rodine garbiara.
Za prvé pôvodné Botticelliho dielo sa považuje Klaňanie troch kráľov (okolo roku 1740), kde sa už naplno prejavila hlavná vlastnosť jeho originálneho spôsobu, snovosti a jemnej poézie. Bol obdarený vrodeným zmyslom pre poéziu, no jasný nádych kontemplatívneho smútku ním presvital doslova vo všetkom. Aj svätý Sebastián, sužovaný šípmi svojich trýzniteľov, sa naňho zamyslene a odlúčene pozerá.
Koncom 70. rokov 14. storočia sa Botticelli zblížil s okruhom skutočného vládcu Florencie Lorenza Mediciho, prezývaného Veľkolepý. V luxusných záhradách Lorenza sa zhromaždila spoločnosť ľudí, pravdepodobne najosvietenejších a najtalentovanejších vo Florencii. Boli tam filozofi, básnici, hudobníci. Vládla atmosféra obdivu ku kráse a cenila sa nielen krása umenia, ale aj krása života. Antika, vnímaná však cez prizmu neskorších filozofických vrstiev, bola považovaná za prototyp ideálneho umenia a ideálneho života. Pod vplyvom tejto atmosféry nepochybne vznikol prvý veľký Botticelliho obraz „Primavera (jar)“. Toto je snová, rafinovaná, úžasne krásna alegória večného kolobehu, neustálej obnovy prírody. Je preniknutý tým najzložitejším a najrozmarnejším hudobným rytmom. Postava Flóry, zdobená kvetmi, tancujúce pôvaby v rajskej záhrade, boli vtedy ešte nevídanými obrazmi krásy, a preto pôsobili mimoriadne podmanivým dojmom. Mladý Botticelli okamžite zaujal významné miesto medzi majstrami svojej doby.
Práve vysoká povesť mladého maliara mu zabezpečila objednávku na biblické fresky pre Vatikánsku Sixtínsku kaplnku, ktoré vytvoril začiatkom 80. rokov 14. storočia v Ríme. Namaľoval „Scény zo života Mojžiša“, „Trest Koraha, Dathana a Avirona“, pričom preukázal úžasnú kompozičnú zručnosť. Klasický pokoj antických budov, proti ktorým Botticelli rozvinul akciu, ostro kontrastuje s dramatickým rytmom zobrazovaných postáv a vášní; pohyb ľudských tiel je zložitý, zložitý, nasýtený výbušnou silou; človek nadobudne dojem chvejúcej sa harmónie, bezbrannosti viditeľného sveta pred rýchlym náporom času a ľudskej vôle. Fresky Sixtínskej kaplnky po prvý raz vyjadrovali hlbokú úzkosť, ktorá žila v duši Botticelliho, ktorá časom silnela. Úžasný talent Botticelliho ako maliara portrétov sa odrážal v týchto freskách: každá z mnohých maľovaných tvárí je úplne originálna, jedinečná a nezabudnuteľná ...
V 80. rokoch 14. storočia, keď sa Botticelli vracal do Florencie, pokračoval v neúnavnej práci, ale pokojná jasnosť „Príkladov“ už zaostávala. V polovici desaťročia napísal svoje slávne Zrodenie Venuše. Výskumníci si v neskorších dielach majstra všímajú moralizmus, náboženské povýšenie, ktoré bolo pre neho predtým nezvyčajné.
Možno významnejšie ako neskorá maľba sú Botticelliho kresby z 90. rokov ilustráciami k Danteho Božskej komédii. Maľoval so zjavnou a neskrývanou rozkošou; vízie veľkého básnika sú láskyplne a starostlivo sprostredkované dokonalosťou proporcií početných postáv, premyslenou organizáciou priestoru, nevyčerpateľnou vynaliezavosťou pri hľadaní vizuálnych ekvivalentov básnického slova...
Napriek akýmkoľvek duševným búrkam a krízam zostal Botticelli až do samého konca (zomrel v roku 1510) veľkým umelcom, majstrom svojho umenia. Jasne o tom svedčí noblesná modelácia tváre v „Portréte mladého muža“, expresívna charakteristika modelky, nenechajúce pochybnosti o jej vysokej ľudskej dôstojnosti, majstrovej solídnej kresbe a jeho dobromyseľnom pohľade.
Taliansko je krajina, ktorá bola vždy známa svojimi umelcami. Veľkí majstri, ktorí kedysi žili v Taliansku, oslavovali umenie po celom svete. S istotou môžeme povedať, že keby nebolo talianskych umelcov, sochárov a architektov, svet by dnes vyzeral úplne inak. Za najvýznamnejšie v talianskom umení sa samozrejme považuje. Taliansko v renesancii alebo renesancii dosiahlo nebývalý vzostup a rozkvet. Talentovaní umelci, sochári, vynálezcovia, skutoční géniovia, ktorí sa v tých dňoch objavili, sú stále známe každému školákovi. Ich umenie, kreativita, nápady, vývoj sú dnes považované za klasiku, jadro, na ktorom je postavené svetové umenie a kultúra.
Jeden z najslávnejších géniov talianskej renesancie je samozrejme veľký Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci bol taký nadaný, že dosiahol veľké úspechy v mnohých oblastiach činnosti vrátane výtvarného umenia a vedy. Ďalším slávnym umelcom, ktorý je uznávaným majstrom, je Sandro Botticelli(1445-1510). Botticelliho obrazy sú skutočným darom pre ľudstvo. Dnes sú jeho husté v najznámejších múzeách sveta a sú skutočne na nezaplatenie. Nie menej slávny ako Leonardo da Vinci a Botticelli Rafael Santi(1483-1520), ktorý žil 38 rokov a počas tejto doby sa mu podarilo vytvoriť celú vrstvu ohromujúcej maľby, ktorá sa stala jedným z najjasnejších príkladov ranej renesancie. Ďalší veľký génius talianskej renesancie nie je pochýb Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Okrem maľby sa Michelangelo zaoberal sochárstvom, architektúrou a poéziou a v týchto umeniach dosiahol skvelé výsledky. Socha Michelangela nazývaná „Dávid“ je považovaná za neprekonateľné majstrovské dielo, za príklad najvyššieho úspechu sochárskeho umenia.
Okrem vyššie uvedených umelcov boli najväčšími umelcami Talianska renesancie takí majstri ako Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi a ostatné.. Všetky boli ukážkovým príkladom nádhernej benátskej maliarskej školy. Florentská škola talianskeho maliarstva zahŕňa takých umelcov ako: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.
Uviesť všetkých umelcov, ktorí pôsobili počas renesancie, ako aj počas neskorej renesancie a stáročia neskôr, ktorí sa stali známymi celému svetu a oslavovali umenie maľby, vyvinuli základné princípy a zákony, ktoré sú základom všetkých druhov a žánrov výtvarné umenie, napísanie si možno bude vyžadovať niekoľko zväzkov, ale tento zoznam stačí na to, aby sme pochopili, že Veľkí talianski umelci sú práve tým umením, ktoré poznáme, ktoré milujeme a ktoré si budeme navždy vážiť!
Obrazy veľkých talianskych umelcov
Andrea Mantegna - Freska vo fotoaparáte degli Sposi
Giorgione - Traja filozofi
Leonardo da Vinci - Mona Lisa
Nicolas Poussin - Veľkodušnosť Scipia
Paolo Veronese - Bitka pri Lepante
