Gil Elvgren (1914-1980) bol významným umelcom 20. storočia. Počas svojej profesionálnej kariéry, ktorá sa začala v polovici tridsiatych rokov minulého storočia a trvala viac ako štyridsať rokov, sa medzi zberateľmi a fanúšikmi pin-up po celom svete etabloval ako jasný favorit. A hoci je Gil Elvgren považovaný najmä za pin-up umelca, zaslúži si titul klasického amerického ilustrátora, ktorý dokázal pokryť rôzne oblasti komerčného umenia.
25 rokov práce pre reklamu Coca-Coly mu pomohlo presadiť sa ako jeden z veľkých ilustrátorov v tejto oblasti. Reklamy na Coca-Cola obsahovali obrázky Elvgrenových dievčat, väčšina z nich znázorňovala typické americké rodiny, deti, tínedžerov – obyčajných ľudí, ktorí sa venujú svojim každodenným záležitostiam. Počas druhej svetovej vojny a kórejskej vojny Elvgren dokonca kreslil ilustrácie s vojenskou tematikou pre Coca-Colu, z ktorých niektoré sa stali v Amerike ikonami.
Elvgrenova práca pre Coca-Colu zobrazovala americký sen o bezpečnom a pohodlnom živote a niektoré ilustrácie príbehov z časopisov zobrazovali nádeje, obavy a radosti ich čitateľov. Tieto obrázky boli publikované v 40. – 50. rokoch 20. storočia v mnohých známych amerických časopisoch ako McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping a Woman's Home Companion. Spolu s Coca-Colou Elvgren spolupracoval aj s Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania a Napa Auto Parts.
Elvgren vynikal nielen svojimi maľbami a reklamnou grafikou – bol aj profesionálnym fotografom, ktorý ovládal fotoaparát rovnako obratne ako so štetcom. Jeho energia a talent sa tam však nezastavili: okrem toho bol učiteľom, ktorého žiaci sa neskôr stali slávnymi umelcami.
Už v ranom detstve sa Elvgren inšpiroval obrázkami známych ilustrátorov. Každý týždeň vytrhával listy a obálky z časopisov s obrázkami, ktoré sa mu páčili, v dôsledku čoho nahromadil obrovskú zbierku, ktorá zanechala stopy na tvorbe mladého umelca.
Elvgrenovu tvorbu ovplyvnili mnohí umelci, napríklad Felix Octavius Carr Darley (1822-1888), prvý umelec, ktorému sa podarilo vyvrátiť nadradenosť anglických a európskych škôl ilustrácie nad americkým komerčným umením; Norman Rockwell (1877-1978), s ktorým sa Elvgren stretol v roku 1947, a toto stretnutie znamenalo začiatok dlhého priateľstva; Charles Dana Gibson (Charles Dana Gibson) (1867-1944), z ktorého štetca vzišiel ideál dievčaťa, ktorý spájal „susedku“ (dievča od vedľa) a „dievča snov“ (dievča-tvojich snov) , Howard Chandler Christy, John Henry Hintermeister (1870-1945) a ďalší.
Elvgren dôkladne študoval tvorbu týchto klasických umelcov, vďaka čomu vytvoril základ, na ktorom bol založený ďalší vývoj pin-up artu.
Gil Elvgren sa teda narodil 15. marca 1914 a vyrastal v St. Paul Minneapolis. Jeho rodičia, Alex a Goldie Elvgrenovci, vlastnili obchod v centre mesta, ktorý predával tapety a farby.
Po skončení strednej školy chcel byť Gil architekt. Jeho rodičia túto túžbu schválili, pretože si všimli jeho talent na kreslenie, keď chlapca ako osemročného prepustili zo školy, pretože maľoval okraje učebníc. Elvgren sa nakoniec zapísal na University of Minnesota, aby študoval architektúru a dizajn, pričom navštevoval umelecké kurzy na Minneapolis Art Institute. Tam si uvedomil, že kreslenie ho zaujíma oveľa viac ako navrhovanie budov.
Na jeseň toho istého roku sa Elvgren oženil s Janet Cummins. A teraz, na Nový rok, sa novomanželia sťahujú do Chicaga, kde bolo veľa príležitostí pre umelcov. Samozrejme, mohli si vybrať New York, ale Chicago bolo bližšie a bezpečnejšie.
Po príchode do Chicaga sa Gil snažil urobiť všetko pre rozvoj svojej kariéry. Zapísal sa na prestížnu Americkú akadémiu umení v centre mesta, kde sa spriatelil s Billom Mosbym, uznávaným umelcom a učiteľom, ktorý bol vždy hrdý na to, že videl, ako sa Gil pod jeho vedením rozvíja.
Keď Gil Elvgren prišiel na Akadémiu, samozrejme, bol talentovaný, ale nevyčnieval od väčšiny študentov, ktorí tam študovali. Iba jedna vec ho však odlišovala od ostatných: presne vedel, čo chce. Najviac zo všetkého sníval o tom, že sa stane dobrým umelcom. Za dva roky štúdia zvládol kurz určený pre tri a pol: navštevoval hodiny v noci, v lete. Vo voľnom čase vždy maľoval.
Bol dobrým študentom a pracoval viac ako ostatní. Jill navštevoval každý kurz, kde mohol získať aspoň nejaké znalosti o maľbe. Za dva roky urobil fenomenálny pokrok a stal sa jedným z najlepších absolventov akadémie.
Jill je úžasná umelkyňa, ktorej sa málokto vyrovná. Silnej postavy, vyzerá ako futbalista; jeho veľké ruky vôbec nevyzerajú ako ruky umelca: ceruzka sa do nich doslova „hrabe“, ale presnosť a náročnosť jeho pohybov možno porovnávať iba so zručnosťou chirurga.
Počas svojho pôsobenia v inštitúte Gil nikdy neprestal pracovať. Jeho ilustrácie už zdobili brožúry a časopisy akadémie, kde študoval.
Tam sa Gil stretol s mnohými umelcami, ktorí sa stali jeho celoživotnými priateľmi, ako napríklad: Harold Anderson (Harold Anderson), Joyce Ballatrin (Joyce Ballantyne).
V roku 1936 sa Jill s manželkou vrátili do rodného mesta, kde si otvorili vlastný ateliér. Krátko predtým robí svoju prvú platenú zákazkovú prácu: obálku módneho časopisu s pekným mužom v dvojradovom saku a svetlých letných nohaviciach. Hneď po tom, ako Elvgren poslal svoje dielo zákazníkovi, mu zavolal riaditeľ spoločnosti, aby mu zablahoželal a objednal ešte poltucet krytov.
Potom prišla ďalšia zaujímavá zákazka, ktorá mala nakresliť päť dvojčiat Dionne (Dionne Quintuplets), ktorých narodenie sa stalo pre médiá senzáciou. Klientom bol Brown and Biglow, najväčší vydavateľ kalendárov. Toto dielo bolo vytlačené v kalendároch rokov 1937-1938, ktoré sa predali v miliónoch kópií. Odvtedy Elvgren začal kresliť najznámejšie dievčatá v Amerike, čo mu prinieslo veľký úspech. K spolupráci začali Elvgrena pozývať aj ďalšie spoločnosti, napríklad Brown a Biglowov konkurent Louis F. Dow Calendar Company. Umelcove diela sa začali tlačiť na brožúry, hracie karty a dokonca aj zápalkové škatuľky. Potom sa v obchodoch s potravinami objavilo mnoho jeho obrazov v životnej veľkosti vyrobených pre Royal Crown Soda. Ten istý rok sa pre Elvgrena stáva obzvlášť dôležitým, keďže s manželkou mali prvé dieťa Karen.
Elvgren pokračuje v prijímaní rozkazov a rozhodne sa vrátiť so svojou rodinou do Chicaga. Čoskoro stretol Haddona H. Sundbloma (1899-1976), ktorý bol jeho idolom. Sandblom má obrovský vplyv na Elvgrenovu prácu.
Vďaka Sundblom sa Elvgren stal reklamným umelcom pre Coca-Colu. Doteraz sú tieto diela ikonami v histórii americkej ilustrácie.
Bezprostredne po bombardovaní Pearl Harbor bol Elvgren požiadaný, aby namaľoval obrazy pre vojenskú kampaň. Jeho prvá kresba pre túto sériu bola uverejnená v roku 1942 v časopise Good Housekeeping pod nadpisom „Ona vie, čo v skutočnosti je „sloboda“ a zobrazovala dievča oblečené v uniforme dôstojníka Červeného kríža.
V roku 1942 sa narodila Jill Jr. a v roku 1943 už jeho manželka čakala tretie dieťa. Elvgrenova rodina sa však rozrástla, rovnako ako jeho podnikanie. Jill sa venuje reklamným projektom a tiež predáva svoje staré diela. Užíval si život, keďže sám už bol uznávaným umelcom a šťastným rodinným príslušníkom. Keď sa v jeho rodine narodilo tretie dieťa, Elvgren už dostával asi 1000 dolárov za obraz, t.j. asi 24 000 dolárov ročne, čo bola na tú dobu obrovská suma. To znamenalo, že Gil sa mohol stať najlepšie plateným ilustrátorom v USA a, samozrejme, mať špeciálne miesto v Brownovi a Bigelowovi.
Predtým, ako začal pracovať výhradne pre Browna a Bigelowa, prijal svoju prvú (a jedinú) zákazku od Philadelphiskej firmy Josepha Hoovera. Aby sa vyhol problémom s Brownom a Bigelowom, prijal ponuku pod podmienkou, že obraz nebude podpísaný. Za túto prácu s názvom „Dream Girl“ dostal 2 500 dolárov, pretože. bola najväčšia, akú kedy namaľoval (101,6 cm x 76,2 cm).
Spolupráca s Brownom a Bigelowom umožnila Elvgrenovi pokračovať v maľovaní pre Coca-Colu, hoci mohol pracovať pre akúkoľvek inú spoločnosť, ktorá nemala konflikty s Brownom a Bigelowom. Tak začala spolupráca medzi Elvgrenom a Brownom a Bigelowom v roku 1945, ktorá trvala viac ako tridsať rokov.
Režisér Brown a Bigelow Charles Ward urobil meno Elvgrena rozpoznateľným. Navrhol tiež, aby Gil urobil nahý pin-up, s čím umelec s veľkým nadšením súhlasil. Tento obraz bol nahej blond nymfy na pláži pod fialovo-fialovým mesačným svetlom. Táto ilustrácia bola vydaná v balíčku kariet v spojení s prácou iného umelca - ZoÎ Mozert. Nasledujúci rok si Ward objednal od Elvgrena ďalší nahý pin-up pre ďalšie mapy, ale tentoraz to Elvgren urobil úplne sám. Tento projekt zlomil predajné rekordy Brown a Bigelow a volal sa „Mais Oui by Gil Elvgren“.
Prvé tri pin-up projekty pre Browna a Bigelowa sa stali bestsellermi spoločnosti už po niekoľkých týždňoch. Tieto obrázky sa čoskoro začali používať na hranie kariet.
Do konca dekády sa Elvgren stal najúspešnejším umelcom Brown a Bigelow, vďaka médiám bola jeho tvorba široko známa verejnosti, dokonca o ňom časopisy uverejňovali články. Spoločnosti, s ktorými spolupracoval, zahŕňali Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four Roses. Miešaná whisky, všeobecné elektrické spotrebiče a čokolády Pangburn's.
Tvárou v tvár takémuto dopytu po svojej práci Elvgren uvažoval o otvorení vlastného ateliéru, pretože už bolo veľa umelcov, ktorí obdivovali jeho prácu a takzvanú „maľbu majonézy“ (takzvaný štýl Sandbloma a Elvgrena, pretože farby na diela vyzerali „krémovo“ a hladké ako hodváb). Ale po zvážení všetkých pre a proti od tejto myšlienky upustil.
Gil Elvgren veľa cestoval, stretol veľa vplyvných ľudí. Jeho plat v spoločnosti Brown and Bigelow sa zmenil z 1 000 dolárov za plátno na 2 500 dolárov a namaľoval 24 obrazov ročne, plus dostával percentá z časopisov, ktoré tlačili jeho ilustrácie. S rodinou sa presťahoval do nového domu na predmestí Winnetka, kde si začal stavať svoj ateliér v podkroví, čo mu umožnilo pracovať ešte produktívnejšie.
Gil mal vynikajúci vkus a bol aj vtipný. Jeho diela sú vždy zaujímavé kompozíciou, farebnými schémami a starostlivo premyslené pózy a gestá ich robia živými a vzrušujúcimi. Jeho obrazy sú úprimné. Gil cítil vývoj ženskej krásy, čo bolo veľmi dôležité. Preto bol Elvgren zákazníkmi vždy žiadaný.
V roku 1956 sa Gil presťahoval so svojou rodinou na Floridu. S novým bydliskom bol úplne spokojný. Tam si otvoril vynikajúce štúdio, kde študoval Bobbyho Toombsa, ktorý sa právom stal uznávaným umelcom. Povedal, že Elvgren bol vynikajúci učiteľ, ktorý ho naučil používať všetky svoje schopnosti premyslene.
Na Floride Gil namaľoval obrovské množstvo portrétov, medzi jeho modely patrili Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. V 50. a 60. rokoch by každá začínajúca modelka alebo herečka chcela, aby Elvgren nakreslil dievča do jej podoby, ktorá by sa potom tlačila na kalendáre a plagáty.
Elvgren vždy hľadal nové nápady pre svoje obrazy. Hoci mu v tom pomáhali mnohí jeho výtvarní priatelia, najviac sa spoliehal na rodinu: o svojich nápadoch diskutoval s manželkou a deťmi.
Elvgren pôsobil v okruhu umelcov, ktorých učil alebo, naopak, u ktorých študoval; ktorí boli jeho priateľmi, s ktorými mal veľa spoločného. Boli medzi nimi Harry Anderson, Joyce Ballantyne, Al Buell, Matt Clark, Earl Gross, Ed Henry, Charles Kingham a ďalší.
Gil Elvgren žil život naplno. Ako vášnivý turista miloval rybárčenie a poľovanie. Dokázal stráviť hodiny v bazéne, mal rád pretekárske autá a tiež zdieľal vášeň svojich detí pre zbieranie starožitných zbraní.
V priebehu rokov mal Elvgren v štúdiu veľa asistentov, z ktorých väčšina sa stala úspešnými umelcami. Keď Elvgren musel odmietnuť spoločnosti kvôli obrovskému množstvu práce, umeleckí riaditelia súhlasili, že počkajú rok alebo viac, aby pre nich Jill pracovala.
Ale celý tento Gilov úspech v roku 1966 bol zatienený hroznou tragédiou, ktorá zastihla jeho rodinu: Gilova manželka Janet zomrela na rakovinu. Potom sa ešte viac pustil do práce. Jeho obľúbenosť zostáva nezmenená, okrem výsledku svojej práce sa nemusí o nič starať. Bolo to najlepšie obdobie Elvgrenovej kariéry, ak nie smrť jeho manželky.
Elvgrenova schopnosť sprostredkovať ženskú krásu bola neprekonateľná. Pri maľovaní zvyčajne sedel na invalidnom vozíku, aby sa mohol ľahko pohybovať a pozerať sa na kresbu z rôznych uhlov, a veľké zrkadlo za ním mu umožňovalo celkový pohľad na obraz ako celok. V jeho práci boli hlavnou vecou dievčatá: uprednostňoval modelky vo veku 15-20 rokov, ktoré práve začínali svoju kariéru, pretože mali bezprostrednosť, ktorá sa so skúsenosťami vytráca. Keď sa ho pýtali na techniku, povedal, že pridáva svoje hmaty: predlžuje nohy, zväčšuje hrudník, zužuje pás, kyprejšie pery, výraznejšie oči, priliehavý nos, čím dodáva modelu na atraktivite. Elvgren vždy starostlivo vypracoval svoje nápady od začiatku do konca: vybral model, rekvizity, osvetlenie, kompozíciu, dokonca aj vlasy boli veľmi dôležité. Scénu si predsa odfotil a začal maľovať.
Charakteristickým rysom Gilovej práce bolo, že pri pohľade na obrazy sa zdalo, že dievčatá na nich čoskoro ožijú, pozdravia sa alebo ponúknu šálku kávy. Vyzerali krásne a plné nadšenia. Vždy šarmantné, vyzbrojené priateľským úsmevom, aj počas vojny dodávali vojakom silu a nádej vrátiť sa domov svojich dievčat.
Mnoho umelcov snívalo o maľovaní tak, ako to robil Elvgren, a všetci obdivovali jeho talent a úspech.
Každý rok maľoval s väčšou ľahkosťou a profesionalitou, jeho rané obrazy sa javili „tvrdšie“ ako neskoršie. Vo svojom odbore dosiahol vrchol dokonalosti.
29. februára 1980 zomrel na rakovinu vo veku 65 rokov Gil Elvgren, muž, ktorý sa zasvätil tomu, že svojim umením robí ľudí šťastnými. Jeho syn Drake našiel v otcovom ateliéri posledný nedokončený, no napriek tomu veľkolepý obraz pre Browna a Bigelowa. Od Elvgrenovej smrti uplynuli tri desaťročia, no jeho umenie stále žije. Elvgren sa bezpochyby zapíše do histórie ako umelec, ktorý výrazne prispel k americkému umeniu dvadsiateho storočia.
Čínsky umelec a fotograf Dong Hong-Oai sa narodil v roku 1929 a zomrel v roku 2004 vo veku 75 rokov. Zanechal po sebe neuveriteľné diela vytvorené v štýle piktorializmu - úžasné fotografie, ktoré vyzerajú ako diela tradičnej čínskej maľby.
Dong Hong-Oai sa narodil v roku 1929 v meste Guangzhou v provincii Guangdong v Číne. Z krajiny odišiel ako sedemročný po nečakanej smrti svojich rodičov.
Ako najmladší z 24 detí odišiel Dong žiť do čínskej komunity v Saigone vo Vietname. Neskôr Čínu niekoľkokrát navštívil, no už v nej nikdy nežil.
Po príchode do Saigonu sa Dong stal učňom v štúdiu fotografie čínskych prisťahovalcov. Tam sa naučil základy fotografie. Rozvinul aj vášeň pre fotografovanie prírody, čo často robil s jedným z fotoaparátov v štúdiu. V roku 1950 ako 21-ročný vstúpil na Vietnamskú národnú umeleckú univerzitu.
V roku 1979 sa otvorila krvavá hranica medzi Vietnamskou socialistickou republikou a Čínskou ľudovou republikou. Vietnamská vláda začala s represívnou politikou voči etnickým Číňanom žijúcim v krajine. V dôsledku toho sa Dong stal jedným z miliónov „lodníkov“, ktorí utiekli z Vietnamu koncom 70. a začiatkom 80. rokov.
Vo veku 50 rokov, keď nevedel po anglicky a nemal rodinu ani priateľov v USA, prišiel Dong do San Francisca. Dokonca si mohol kúpiť malú miestnosť na vyvolávanie svojich fotografií.
Predajom svojich fotografií na miestnych pouličných veľtrhoch dokázal Dong zarobiť dostatok peňazí na to, aby sa pravidelne vracal do Číny fotografovať.
Okrem toho mal možnosť nejaký čas študovať pod Lung Ching-San na Taiwane.
Lung Ching-San, ktorý zomrel v roku 1995 vo veku 104 rokov, vyvinul štýl fotografie založený na tradičnom čínskom zobrazovaní prírody.
Čínski umelci po stáročia vytvárali majestátne monochromatické krajiny pomocou jednoduchých štetcov a atramentu.
Tieto maľby nemali presne zobrazovať prírodu, mali sprostredkovať emocionálnu atmosféru prírody. Počas posledných rokov Song Empire a začiatku Yuan Empire začali umelci kombinovať tri rôzne umelecké formy na jednom plátne... poéziu, kaligrafiu a maľbu.
Verilo sa, že táto syntéza foriem umožnila umelcovi plne sa vyjadriť.
Lung Chin-San, narodený v roku 1891, študoval práve túto klasickú tradíciu maľby. V určitom bode svojej dlhej kariéry začal Lun experimentovať s prenosom impresionistického štýlu umenia do fotografie.
Pri zachovaní vrstveného prístupu k mierke vyvinul metódu vrstvenia negatívov, ktorá zodpovedala trom úrovniam vzdialenosti. Long učil túto metódu Donga.
V snahe napodobniť tradičný čínsky štýl ešte viac, Dong pridal k fotografiám kaligrafiu.
Dongovo nové dielo, založené na starovekej čínskej maľbe, začalo priťahovať kritickú pozornosť v 90. rokoch.
Už nepotreboval predávať svoje fotografie na pouličných veľtrhoch; teraz ho zastupoval agent a jeho dielo sa začalo predávať v galériách po celých Spojených štátoch, Európe a Ázii.
Už sa nemusel spoliehať na individuálnych klientov; jeho dielo teraz vyhľadávali nielen súkromní zberatelia umenia, ale aj korporátni nákupcovia a múzeá. Mal asi 60 rokov, keď prvýkrát v živote dosiahol akúkoľvek úroveň finančného úspechu.
Piktorializmus je smer vo fotografii, ktorý sa objavil okolo roku 1885 po rozsiahlej prezentácii procesu fotografie na nenavlhčenej tlačovej platni. Hnutie dosiahlo svoj vrchol na samom začiatku 20. storočia a obdobie úpadku nastalo v roku 1914, po vzniku a šírení modernizmu.
Termíny „piktorializmus“ a „piktorialista“ sa začali bežne používať po roku 1900.
Piktorializmus prichádza do kontaktu s myšlienkou, že umelecká fotografia má napodobňovať maľbu a rytinu toho storočia.
Väčšina z týchto fotografií bola čiernobiela alebo v sépiových odtieňoch. Medzi použité metódy patrili: nestabilné zaostrenie, špeciálne filtre a poťahovanie šošoviek, ako aj exotické tlačové procesy.
Účelom takýchto techník bolo dosiahnuť „osobné vyjadrenie autora“.
Napriek tomuto cieľu sebavyjadrenia, to najlepšie z týchto fotografií prebiehalo paralelne s impresionistickým štýlom, nie v súlade so súčasnou maľbou.
Pri pohľade späť možno vidieť aj úzku paralelu medzi kompozíciou a obrazovým námetom žánrových malieb a piktorialistických fotografií.
Ak si myslíte, že všetci veľkí umelci sú minulosťou, potom ani netušíte, ako veľmi sa mýlite. V tomto článku sa dozviete o najznámejších a najtalentovanejších umelcoch našej doby. A verte, že ich diela vám utkvejú v pamäti nemenej hlboko ako diela maestra z minulých období.
Wojciech Babski
Wojciech Babski je súčasný poľský umelec. Vyštudoval Sliezsky polytechnický inštitút, no spojil sa s. V poslednej dobe maľuje prevažne ženy. Zameriava sa na prejavy emócií, snaží sa získať čo najväčší účinok jednoduchými prostriedkami.
Miluje farby, ale na dosiahnutie najlepšieho dojmu často používa odtiene čiernej a šedej. Nebojte sa experimentovať s novými technikami. V poslednej dobe si získava čoraz väčšiu obľubu aj v zahraničí, hlavne vo Veľkej Británii, kde úspešne predáva svoje diela, ktoré sa už nachádzajú v mnohých súkromných zbierkach. Okrem umenia sa zaujíma o kozmológiu a filozofiu. Počúva jazz. V súčasnosti žije a pracuje v Katoviciach.
Warren Chang
Warren Chang je súčasný americký umelec. Narodil sa v roku 1957 a vyrastal v Monterey v Kalifornii. V roku 1981 absolvoval s vyznamenaním Art Center College of Design v Pasadene s titulom Bachelor of Fine Arts v odbore výtvarné umenie. Nasledujúce dve desaťročia pracoval ako ilustrátor pre rôzne spoločnosti v Kalifornii a New Yorku, kým v roku 2009 začal svoju kariéru ako profesionálny umelec.
Jeho realistické maľby možno rozdeliť do dvoch hlavných kategórií: biografické interiérové maľby a maľby zobrazujúce pracujúcich ľudí. Jeho záujem o tento štýl maľby má korene v tvorbe maliara Jana Vermeera zo 16. storočia a zasahuje do objektov, autoportrétov, portrétov rodinných príslušníkov, priateľov, študentov, interiérov ateliérov, tried a domov. Jeho cieľom je vytvoriť náladu a emócie vo svojich realistických obrazoch prostredníctvom manipulácie so svetlom a použitím tlmených farieb.
Chang sa preslávil po prechode k tradičnému výtvarnému umeniu. Za posledných 12 rokov si vyslúžil množstvo ocenení a vyznamenaní, z ktorých najprestížnejšie je Master Signature od Asociácie olejových maliarov v Amerike, najväčšej olejomaľovacej komunity v Spojených štátoch. Iba jeden človek z 50 má možnosť získať toto ocenenie. V súčasnosti žije Warren v Monterey a pracuje vo svojom ateliéri, zároveň vyučuje (známy ako talentovaný učiteľ) na Akadémii umení v San Franciscu.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni je taliansky umelec. Narodil sa v Blair 15. októbra 1955. Vyštudoval scénografiu na Inštitúte umenia v Spolete. Ako umelec je samouk, keďže samostatne „postavil dom poznania“ na základoch položených ešte v škole. Olejom začal maľovať vo veku 19 rokov. V súčasnosti žije a pracuje v Umbrii.
Bruniho raná maľba má korene v surrealizme, no postupom času sa začína sústreďovať na blízkosť lyrického romantizmu a symbolizmu, pričom túto kombináciu umocňuje vynikajúcou prepracovanosťou a čistotou svojich postáv. Živé a neživé predmety nadobúdajú rovnakú dôstojnosť a vyzerajú takmer hyperrealisticky, no zároveň sa neskrývajú za oponou, ale umožňujú vám vidieť podstatu vašej duše. Všestrannosť a sofistikovanosť, zmyselnosť a osamelosť, premyslenosť a plodnosť sú duchom Aurelia Bruniho, živeného nádherou umenia a harmóniou hudby.
Aleksander Baloš
Alkasandr Balos je súčasný poľský umelec špecializujúci sa na olejomaľbu. Narodil sa v roku 1970 v poľských Gliwiciach, no od roku 1989 žije a pracuje v USA, v meste Shasta v Kalifornii.
V detstve študoval umenie pod vedením svojho otca Jana, samouka a sochára, takže už od malička mala umelecká činnosť plnú podporu oboch rodičov. V roku 1989, vo veku osemnástich rokov, Balos odišiel z Poľska do Spojených štátov, kde jeho učiteľka a umelkyňa na čiastočný úväzok Cathy Gaggliardi povzbudila Alcasandera, aby sa prihlásil na umeleckú školu. Balos potom získal plné štipendium na University of Milwaukee Wisconsin, kde študoval maľbu u profesora filozofie Harryho Rosina.
Po ukončení štúdia v roku 1995 bakalárskym titulom sa Balos presťahoval do Chicaga študovať na School of Fine Arts, ktorej metódy sú založené na práci Jacquesa-Louisa Davida. Figurálny realizmus a portrét tvorili väčšinu Balosovej tvorby v 90. rokoch a začiatkom 21. storočia. Balos dnes využíva ľudskú postavu na zvýraznenie čŕt a nedostatkov ľudskej existencie bez toho, aby ponúkal nejaké riešenia.
Dejové kompozície jeho obrazov sú určené na samostatnú interpretáciu diváka, až potom plátna získajú svoj skutočný časový a subjektívny význam. V roku 2005 sa umelec presťahoval do severnej Kalifornie, odvtedy sa rozsah jeho tvorby výrazne rozšíril a teraz zahŕňa voľnejšie metódy maľby vrátane abstrakcie a rôznych multimediálnych štýlov, ktoré pomáhajú vyjadrovať myšlienky a ideály bytia prostredníctvom maľby.
Alyssa Monksová
Alyssa Monks je súčasná americká umelkyňa. Narodila sa v roku 1977 v Ridgewoode v štáte New Jersey. O maľovanie sa začala zaujímať ešte ako dieťa. Navštevovala The New School v New Yorku a Montclair State University a v roku 1999 ukončila štúdium na Boston College s bakalárskym titulom. Zároveň študovala maľbu na Akadémii Lorenza Mediciho vo Florencii.
Potom pokračovala v štúdiu v rámci magisterského štúdia na New York Academy of Art na oddelení figurálneho umenia, ktoré ukončila v roku 2001. Vyštudovala Fullerton College v roku 2006. Krátko prednášala na univerzitách a vzdelávacích inštitúciách po celej krajine a vyučovala maľbu na New York Academy of Art, ako aj na Montclair State University a Lyme Academy College of Art.
„Pomocou filtrov, ako je sklo, vinyl, voda a para, deformujem ľudské telo. Tieto filtre umožňujú vytvárať veľké plochy abstraktného dizajnu, cez ktoré prenikajú ostrovčeky farieb – časti ľudského tela.
Moje obrazy menia moderný pohľad na už zabehnuté, tradičné pózy a gestá kúpajúcich sa žien. Pozornému divákovi by mohli veľa povedať o takých zdanlivo samozrejmých veciach, akými sú výhody plávania, tanca a pod. Moje postavy sú pritlačené k sklu okna sprchovacieho kúta, deformujúc svoje vlastné telo, uvedomujúc si, že tým ovplyvňujú notoricky známy mužský pohľad na nahú ženu. Hrubé vrstvy farby sa zmiešajú, aby z diaľky napodobňovali sklo, paru, vodu a mäso. Zblízka sa však ukážu úžasné fyzikálne vlastnosti olejovej farby. Experimentovaním s vrstvami farieb a farieb nachádzam moment, kedy sa abstraktné ťahy stávajú niečím iným.
Keď som prvýkrát začal maľovať ľudské telo, bol som ním okamžite fascinovaný a dokonca posadnutý a mal som pocit, že svoje obrazy musím urobiť čo najrealistickejšími. Realizmus som „vyznával“, až kým sa nezačal rozmotávať a dekonštruovať sám. Teraz skúmam možnosti a potenciál štýlu maľby, kde sa stretáva reprezentačná maľba a abstrakcia – ak oba štýly dokážu koexistovať v rovnakom čase, urobím to.“
Antonio Finelli
taliansky umelec - strážca času“ – Antonio Finelli sa narodil 23. februára 1985. V súčasnosti žije a pracuje v Taliansku medzi Rímom a Campobasso. Jeho diela boli vystavené vo viacerých galériách v Taliansku i v zahraničí: Rím, Florencia, Novara, Janov, Palermo, Istanbul, Ankara, New York a nachádzajú sa aj v súkromných a verejných zbierkach.
Kresby ceruzkou" Strážca času“ Antonio Finelli nás posiela na večnú cestu vnútorným svetom ľudskej dočasnosti a dôslednej analýzy tohto sveta s ním spojeného, ktorej hlavným prvkom je prechod časom a jeho stopy na koži.
Finelli maľuje portréty ľudí akéhokoľvek veku, pohlavia a národnosti, ktorých mimika naznačuje prechod v čase a umelec tiež dúfa, že na telách svojich postáv nájde dôkazy o nemilosrdnosti času. Antonio definuje svoje diela jedným všeobecným názvom: „Autoportrét“, pretože vo svojich kresbách ceruzou zobrazuje nielen človeka, ale umožňuje divákovi kontemplovať skutočné výsledky plynutia času vo vnútri človeka.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni je 37-ročná talianska umelkyňa, dcéra diplomata. Má tri deti. Dvanásť rokov žila v Ríme, tri roky v Anglicku a Francúzsku. Vyštudoval dejiny umenia na BD School of Art. Potom získala diplom v odbore reštaurátor umeleckých diel. Predtým, ako našla svoje povolanie a začala sa naplno venovať maľbe, pracovala ako novinárka, koloristka, dizajnérka a herečka.
Flaminiaina vášeň pre maľovanie vznikla už v detstve. Jej hlavným médiom je olej, pretože miluje „coiffer la pate“ a tiež sa hrá s materiálom. Podobnú techniku sa naučila v dielach umelca Pascala Toruu. Flaminia je inšpirovaná veľkými majstrami maľby ako Balthus, Hopper a François Legrand, ako aj rôznymi umeleckými smermi: street art, čínsky realizmus, surrealizmus a renesančný realizmus. Jej obľúbený umelec je Caravaggio. Jej snom je objaviť terapeutickú silu umenia.
Denis Černov
Denis Chernov je talentovaný ukrajinský umelec, narodený v roku 1978 v Sambir, Ľvovská oblasť, Ukrajina. Po absolvovaní Vysokej školy umenia v Charkove v roku 1998 zostal v Charkove, kde v súčasnosti žije a tvorí. Študoval tiež na Charkovskej štátnej akadémii dizajnu a umenia, odbor grafika, ktorú ukončil v roku 2004.
Pravidelne sa zúčastňuje umeleckých výstav, v súčasnosti ich je na Ukrajine aj v zahraničí viac ako šesťdesiat. Väčšina diel Denisa Černova je uložená v súkromných zbierkach na Ukrajine, v Rusku, Taliansku, Anglicku, Španielsku, Grécku, Francúzsku, USA, Kanade a Japonsku. Niektoré diela sa predávali v Christie's.
Denis pracuje v širokej škále grafických a maliarskych techník. Kresby ceruzkou patria k jeho obľúbeným maliarskym postupom, veľmi pestrý je aj zoznam tém jeho kresieb ceruzou, maľuje krajinky, portréty, akty, žánrové kompozície, knižné ilustrácie, literárne a historické rekonštrukcie a fantasy.
Žánre maľby sa objavili, získali popularitu, zanikli, vznikli nové, začali sa rozlišovať poddruhy v rámci existujúcich. Tento proces sa nezastaví, kým človek existuje a snaží sa zachytiť svet okolo seba, či už ide o prírodu, budovy alebo iných ľudí.
Predtým (pred 19. storočím) existovalo delenie žánrov maľby na takzvané „vysoké“ žánre (francúzsky veľký žáner) a „nízke“ žánre (francúzsky žáner petit). Takéto rozdelenie vzniklo v 17. storočí. a bol založený na tom, aký námet a zápletka boli zobrazené. V tomto smere medzi vysoké žánre patrili: bojový, alegorický, náboženský a mytologický a medzi nízke žánre portrét, krajina, zátišie, animalizmus.
Rozdelenie do žánrov je skôr ľubovoľné, pretože. na obrázku môžu byť prítomné prvky dvoch alebo viacerých žánrov súčasne.
Animalizmus alebo živočíšny žáner
Animalizmus, alebo animalistický žáner (z lat. zviera - zviera) - žáner, v ktorom je hlavným motívom obraz zvieraťa. Môžeme povedať, že ide o jeden z najstarších žánrov, pretože. kresby a postavy vtákov a zvierat boli prítomné už v živote primitívnych ľudí. Napríklad na známom obraze I.I. Shishkinovo „Ráno v borovicovom lese“, prírodu zobrazuje samotný umelec a medvede sú úplne iné, len sa špecializujú na zobrazenie zvierat.
I.I. Shishkin "Ráno v borovicovom lese" Ako možno rozlíšiť poddruh Ippian žáner(z gréckeho hrochy - kôň) - žáner, v ktorom obraz koňa pôsobí ako stred obrazu.
NIE. Sverchkov "Kôň v stajni" Portrét
Portrét (z francúzskeho slova portrét) je obraz, v ktorom je ústredným prvkom obraz osoby alebo skupiny ľudí. Portrét vyjadruje nielen vonkajšiu podobnosť, ale odráža aj vnútorný svet a sprostredkúva umelcove pocity voči osobe, ktorej portrét maľuje.
I.E. Repin Portrét Mikuláša II Žáner portrétu sa delí na individuálne(obrázok jednej osoby) skupina(obrázok niekoľkých ľudí), podľa povahy obrázku - do popredia keď je osoba zobrazená v plnom raste na výraznom architektonickom alebo krajinnom pozadí a komora keď je osoba zobrazená po hrudník alebo pás na neutrálnom pozadí. Skupina portrétov, zjednotených podľa nejakého atribútu, tvorí súbor, respektíve portrétnu galériu. Príkladom sú portréty členov kráľovskej rodiny.
Samostatne pridelené autoportrét na ktorom sa umelec zobrazuje.
K. Bryullov Autoportrét Portrét je jedným z najstarších žánrov – prvé portréty (sochárske) boli prítomné už v starovekom Egypte. Takýto portrét pôsobil ako súčasť kultu o posmrtnom živote a bol „dvojníkom“ človeka.
Scenéria
Krajina (z franc. paysage - krajina, oblasť) je žáner, v ktorom je ústredný obraz prírody - rieky, lesy, polia, more, hory. V krajine je hlavným bodom, samozrejme, dej, ale rovnako dôležité je sprostredkovať pohyb, život okolitej prírody. Príroda je na jednej strane krásna, obdivovaná a na druhej strane je dosť ťažké premietnuť to do obrazu.
C. Monet "Pole maku v Argenteuil" Poddruh krajiny je prímorská krajina alebo prístav(z francúzštiny marine, taliansky marina, z latinčiny marinus - more) - obraz námornej bitky, mora alebo iných udalostí odohrávajúcich sa na mori. Významný predstaviteľ morských maliarov - K.A. Aivazovský. Je pozoruhodné, že umelec napísal veľa podrobností o tomto obrázku z pamäti.
I.I. Aivazovsky "Deviata vlna" Umelci sa však často usilujú čerpať more z prírody, napríklad W. Turner namaľoval obraz „Snehová búrka. Parník pri vstupe do prístavu dáva núdzový signál, naráža na plytkú vodu,“ strávil 4 hodiny pripútaný na kapitánskom mostíku lode plaviacej sa v búrke.
W. Turner „Snehová búrka. Parník pri vstupe do prístavu dáva núdzový signál a naráža na plytkú vodu. Vodný živel je zobrazený aj v riečnej krajine.
Samostatne prideľovať panoráma mesta, v ktorej sú hlavným predmetom snímky ulice a budovy mesta. Mestská krajina je Veduta- obraz mestskej krajiny vo forme panorámy, kde mierka a proporcie sú určite zachované.
A. Canaletto "Piazza San Marco"Existujú aj iné typy krajiny - vidiecke, priemyselné a architektonické. V architektonickej maľbe je hlavnou témou obraz architektonickej krajiny, t.j. budovy, stavby; zahŕňa obrazy interiérov (výzdoba interiéru). Niekedy Interiér(z franc. intérieur - interný) sa rozlišuje ako samostatný žáner. V architektonickej maľbe sa rozlišuje iný žáner — Capriccio(z talianskeho capriccio, caprice, rozmar) - architektonická fantazijná krajina.
Zátišie
Zátišie (z francúzskeho nature morte - mŕtva príroda) je žáner venovaný zobrazovaniu neživých predmetov, ktoré sú umiestnené v spoločnom prostredí a tvoria skupinu. Zátišie sa objavili v 15.-16. storočí, no ako samostatný žáner sa sformovalo až v 17. storočí.
Napriek tomu, že slovo „zátišie“ sa prekladá ako mŕtva príroda, na obrázkoch sú kytice kvetov, ovocia, rýb, diviny, jedál – všetko vyzerá „ako živé“, t.j. ako skutočný. Od svojho vzniku až po súčasnosť bolo zátišie dôležitým žánrom maľby.
C. Monet "Váza s kvetmi" Ako možno rozlíšiť samostatný poddruh Vanitas(z latinského Vanitas - márnosť, márnosť) - žáner maľby, v ktorom ústredné miesto na obrázku zaujíma ľudská lebka, ktorej obraz má pripomínať márnosť a krehkosť ľudského života.
Obraz F. de Champagne prostredníctvom obrazov tulipánu, lebky, presýpacích hodín predstavuje tri symboly krehkosti bytia - Život, Smrť, Čas.
historický žáner
Historický žáner - žáner, v ktorom obrazy zobrazujú významné udalosti a spoločensky významné javy minulosti alebo súčasnosti. Je pozoruhodné, že obraz môže byť venovaný nielen skutočným udalostiam, ale aj udalostiam z mytológie alebo napríklad opísaným v Biblii. Tento žáner je veľmi dôležitý pre dejiny, ako pre dejiny jednotlivých národov a štátov, tak aj pre ľudstvo ako celok. V obrazoch je historický žáner neoddeliteľný od iných druhov žánrov – portrét, krajina, bojový žáner.
I.E. Repin "Kozáci píšu list tureckému sultánovi" 
K. Bryullov "Posledný deň Pompejí" Bojový žáner
Bojový žáner (z francúzskeho bataille - bitka) je žáner, v ktorom obrazy zobrazujú vrchol bitky, vojenské operácie, okamih víťazstva, výjavy z vojenského života. Bojová maľba sa vyznačuje obrazom veľkého počtu ľudí na obrázku.
A.A. Deineka "Obrana Sevastopolu" Náboženský žáner
Náboženský žáner je žáner, v ktorom je hlavná dejová línia na obrazoch biblická (scéna z Biblie a evanjelia). Ikonografia patrí podľa námetu k náboženským, ich rozdiel spočíva v tom, že na bohoslužbách sa nezúčastňujú obrazy náboženského obsahu a pre ikonu je to hlavný účel. ikonografia preložené z gréčtiny. znamená „modlitebný obraz“. Tento žáner bol obmedzený prísnymi limitmi a zákonmi maľby, pretože. navrhnuté tak, aby neodrážali realitu, ale aby sprostredkovali myšlienku Božieho začiatku, v ktorom umelci hľadajú ideál. Na Rusi dosiahla ikonomaľba svoj vrchol v 12. – 16. storočí. Najznámejšie mená maliarov ikon sú Theophanes the Greek (fresky), Andrei Rublev, Dionýsius.
A. Rublev "Trojica" Ako vyniká prechodné štádium od maľby ikon k portrétu Parsuna(skreslené z lat. persona - osobnosť, osoba).
Parsuna Ivana Hrozného. autor neznámy domáci žáner
Obrazy zobrazujú výjavy z každodenného života. Umelec často píše o tých momentoch života, ktorých je súčasníkom. Charakteristickými črtami tohto žánru sú realizmus obrazov a jednoduchosť deja. Obraz môže odrážať zvyky, tradície, štruktúru každodenného života konkrétneho človeka.
Maľba pre domácnosť zahŕňa také slávne obrazy ako „Barge Haulers on Volga“ od I. Repina, „Trojka“ od V. Perova, „Nerovné manželstvo“ od V. Pukireva.
I. Repin "Nákladné člny na Volge" Epicko-mytologický žáner
Epicko-mytologický žáner. Slovo mýtus pochádza z gréčtiny. „mythos“, čo znamená tradícia. Obrazy zobrazujú udalosti legiend, eposov, legiend, starovekých gréckych mýtov, starých legiend, folklórnych zápletiek.
P. Veronese "Apollo a Marsyas" alegorický žáner
Alegorický žáner (z gréckeho alegoria - alegória). Obrázky sú písané tak, aby mali skrytý význam. Nehmotné myšlienky a pojmy, neviditeľné pre oči (sila, dobro, zlo, láska), sa prenášajú prostredníctvom obrazov zvierat, ľudí, iných živých bytostí s takými prirodzenými vlastnosťami, ktoré majú symboliku už zafixovanú v mysliach ľudí a pomáhajú pochopiť všeobecný zmysel práce.
L. Giordano "Láska a neresti odzbrojujú spravodlivosť" Pastoračný (z francúzskeho pastorale - pastier, vidiek)
Žáner maľby, ktorý oslavuje a poetizuje jednoduchý a pokojný vidiecky život.
F. Boucher "Jesenná pastorácia" Karikatúra (z talianskeho caricare - preháňať)
Žáner, v ktorom sa pri vytváraní obrazu zámerne využíva komický efekt zveličovaním a vyostrovaním čŕt, vystupovania, oblečenia a pod. Účelom karikatúry je uraziť, na rozdiel napr. ktorého účelom je jednoducho urobiť vtip. S pojmom „karikatúra“ úzko súvisia také pojmy ako dlaha, groteska.
Nahý (z francúzskeho nu - nahý, vyzlečený)
Žáner, na obrazoch ktorého je zobrazené obnažené ľudské telo, najčastejšie ženské.
Tizian Vecellio "Urbinská Venuša" Podvod alebo trompley (z fr. trompe-l'œil - optická ilúzia)
Žáner, ktorého charakteristickým znakom sú špeciálne techniky vytvárajúce optickú ilúziu a umožňujúce stierať hranicu medzi realitou a obrazom, t.j. klamlivý dojem, že predmet je trojrozmerný, pričom je dvojrozmerný. Niekedy sa snag rozlišuje ako poddruh zátišia, ale niekedy sú v tomto žánri zobrazovaní aj ľudia.
Per Borrell del Caso „Útek pred kritikou“ Pre úplnosť vnímania trikov je žiaduce zvážiť ich v origináli, pretože. reprodukcia nie je schopná plne vyjadriť efekt, ktorý umelec zobrazuje.
Jacopo de Barberi "Jarabica a železné rukavice" Dejovo-tematický obrázok
Zmes tradičných žánrov maľby (každodenná, historická, bitka, krajina atď.). Iným spôsobom sa tento žáner nazýva figuratívna kompozícia, jeho charakteristické znaky sú: hlavnú úlohu hrá osoba, prítomnosť akcie a spoločensky významnej myšlienky, vzťahy (konflikt záujmov / postáv) a psychologické akcenty sú nevyhnutne ukázané.
V. Surikov "Boyar Morozova" 
