რა არის იმპრესიონიზმი ხელოვნების განმარტებაში. ისტორია

მოდერნიზმის უმნიშვნელოვანეს სფეროებზე, რომლებმაც გავლენა მოახდინა მე-20 საუკუნის ხელოვნების მსვლელობასა და განვითარებაზე. ეხება კუბიზმი, აბსტრაქტული ხელოვნება, დადაიზმი, სიურრეალიზმი, კოსტრუქტივიზმი არქიტექტურაში, დოდეკაფონია და ალეატორული მუსიკაში. ჯ.ჯოისისა და მ.პრუსტის შემოქმედებითობამ გადამწყვეტი გავლენა იქონია ლიტერატურის განვითარებაზე. შემდგომში მნიშვნელოვანი ყურადღება ეთმობა იმპრესიონიზმს, როგორც მოდერნიზმის ჩამოყალიბების პირველ საფეხურს. ვინაიდან კუბიზმი და აბსტრაქტული ხელოვნება კარგად არის ცნობილი, ისინი განსაკუთრებით არ განიხილება.

მოდერნიზმის ძირითადი ტენდენციებისა და სკოლების მოკლე აღწერაც კი გვაძლევს საშუალებას ვიზუალურად წარმოვიდგინოთ მისი შინაგანი ჰეტეროგენულობა და ამავე დროს ვიგრძნოთ მისი შინაგანი, ღრმა ერთიანობა.

აუცილებელია, რა თქმა უნდა, გავითვალისწინოთ, რომ გასული საუკუნის მხატვრული კულტურა მოდერნიზმით არ შემოიფარგლება. მასთან ერთად იყო ხელოვნებაც, რომელიც აგრძელებდა წინა კულტურის ტრადიციებს, კერძოდ, რეალიზმის ტრადიციებს და შუალედური ტიპის ფენომენებს, რომლებიც მოდერნიზმს აკავშირებდნენ ტრადიციულ ხელოვნების ფორმებთან. 30-იანი წლების დასაწყისისთვის. ასევე იყო სრულიად განსხვავებული მოდერნიზმისგან, შეიძლება ითქვას, პირიქით, დახურული საზოგადოების ხელოვნება.

იმპრესიონიზმი

იმპრესიონიზმი მოდერნიზმის წინამორბედია. ეს არის ხელოვნების მოძრაობის დასაწყისი გარე საგნების გამოსახვიდან ადამიანის გრძნობების გამოსახვამდე, შემდეგ კი მისი იდეების გამოსახვამდე.

იმპრესიონიზმი (ფრ. შთაბეჭდილება - შთაბეჭდილება) არის ტენდენცია XIX საუკუნის ბოლოს - XX საუკუნის დასაწყისის ვიზუალურ ხელოვნებაში, ლიტერატურასა და მუსიკაში. იგი ჩამოყალიბდა ფრანგულ მხატვრობაში 1960-იან და 1970-იან წლებში. მე-19 საუკუნე მოძრაობის სახელი გაჩნდა 1874 წელს მხატვართა პირველი გამოფენის შემდეგ, სადაც გამოიფინა C. Monet-ის ნახატი "შთაბეჭდილება. მზის ამოსვლა". იმპრესიონისტთა პირველი ჯგუფის ბირთვს შეადგენდნენ ო. რენუარი, კ. მონე, კ. პისარო, სისლეი, დეგა და სხვები.

რომანტიზმის ნიშნად ჩამოყალიბებული, იმპრესიონიზმი ბოლომდე არასოდეს შორდებოდა ამ უკანასკნელის იდეალებს. იმპრესიონისტებზე პირდაპირ თუ ირიბად იმოქმედა რომანტიზმის ისეთი წარმოდგენები, როგორიცაა ხელოვნებაში წესებისა და კანონების უარყოფა, თავისუფლების გაბედული გამოცხადება მის მთავარ და ერთადერთ კანონად, გრძნობების სრული ემანსიპაცია, დროისა და მოძრაობის ცნებების შემოღება. ხელოვნება, მხატვრის დამოუკიდებლობისა და ინდივიდუალიზმის იდეა, რომანტიკული იდეები ხელოვნების ნაწარმოების სისრულეზე, იდეები ადამიანის შესახებ, შემოქმედებითობა, სილამაზე და სიმახინჯე და ა.შ. იმპრესიონიზმი უფრო ფხიზელი იყო, ვიდრე რომანტიზმი, მაგრამ ამ სიფხიზლის მიღმა მაინც რომანტიული ელფერი იდგა.

იმპრესიონიზმი არასტაბილური და მოძრავი სისტემაა, რომანტიზმისა და „ნატურალიზმის“, გონიერებისა და გრძნობების, სუბიექტური და ობიექტური, პოეზიისა და მეცნიერების, თავისუფლებისა და მკაცრი კანონის, აღვირახსნილი იმპულსის და მისი ჩარჩოების შეკავების ერთობლიობა.

ერთ-ერთი წყარო, რომელიც ასაზრდოებდა იმპრესიონიზმს, იყო იაპონური ფერადი პრინტები, რომლებიც ფართოდ იქნა ნაჩვენები 1867 წელს პარიზში. ამაში უცნაური არაფერია: რომანტიზმმაც კი კვლავ (როკოკოს შემდეგ) ევროპელების ყურადღება აღმოსავლეთისკენ მიიპყრო. იაპონური ხელოვნებისადმი გატაცება იყო მოდაც და იმ დროის ერთ-ერთი ნიშანი, რომელიც აისახა ეპოქის გემოვნებაზე. ბოდლერი, გონკური, მანე, დეგა, უისლერი იყვნენ იაპონური პრინტების, კიმონოების, ფანებისა და ფაიფურის პირველი მცოდნეები და კოლექციონერები. როგორც ჯ.ტუგენდჰოლდი წერს, იაპონურ გრავიურებში არ იყო წრფივი გეომეტრიული პერსპექტივა, რასაც ასწავლიდა ევროპული აკადემია, მაგრამ მათ ჰქონდათ საჰაერო პერსპექტივა, მათში მზის სხივები მიედინებოდა, დილის ნისლი ტრიალებდა, ორთქლისა და კვამლის ნაზი ღრუბლები ტრიალებდა. იაპონელებმა პირველებმა გაიგეს თავიანთი დიდი ინსტინქტით, რომ ბუნება არ არის სხეულების ერთობლიობა, არამედ მუდმივად ცვალებადი ფენომენების გაუთავებელი ჯაჭვი. ისინი პირველებმა ასახეს ერთი და იგივე ლანდშაფტის მთელი სერია სხვადასხვა განათებით და წელიწადის სხვადასხვა დროს. ეს იყო ჰოკუსაის „ფუჯის მთის 100 ხედი“ და ჰიროშიგეს „ტოკაიდოს სადგურის 53 ხედები“. აკადემია ასწავლიდა ისეთი კომპოზიციის აგებას, თითქოს მხატვარი ჭვრეტდა მის მიერ გამოსახულ სცენას, პირისპირ იჯდა თეატრის აივანზე და ხედავდა მას ჰორიზონტალურ ხაზებში. იაპონელები კი კომპოზიციას ისე განმარტავდნენ, თითქოს მხატვარი გამოსახული სცენის მთავარი გმირი ყოფილიყო. ამიტომ მათში დომინირებს ირიბი ხაზები ჰორიზონტალურზე; ამიტომაც ხშირად აქვთ წინა პლანზე აყვავებული ტოტი ან სხვა დეტალი, რომელიც მთლიანს ფარავს, თუმცა მასთან ჰარმონიულად არის დაკავშირებული. იაპონელების მაგალითზე, ფრანგმა მხატვრებმა ესმოდათ ასიმეტრიის სილამაზე, გაკვირვების მთელი ხიბლი, შემცირების მთელი ჯადოქრობა. იაპონელების მაგალითით ისინი დარწმუნდნენ მსუბუქი ჩანახატების, რამდენიმე ხაზით და რამდენიმე ლაქით გაკეთებული კადრების სილამაზეში.

თუმცა, იაპონური ხელოვნების გავლენა იმპრესიონიზმზე არ უნდა იყოს გადაჭარბებული. იაპონელები, იმპრესიონისტებისგან განსხვავებით, არასოდეს ხატავდნენ პირდაპირ ბუნებიდან. იმპრესიონისტების შთაბეჭდილებები მოდიოდა უშუალო სენსორული აღქმიდან, ხოლო იაპონელები - ემოციური გამოცდილებიდან, ტრადიციული მეთოდების მუდმივ დაცვასთან ერთად.

ტ.მანმა იმპრესიონისტულ მხატვრობას უწოდა "მოჯადოებული ბაღი", ხაზს უსვამდა მის ერთგულებას მიწიერი ცხოვრების იდეალებისადმი. ესთეტიკური აღმოჩენებისთვის იმპრესიონისტებს ჰქონდათ საკმარისი ბუნების მოკრძალებული კუთხეები, სენის ნაპირები, პარიზის ქუჩები. მათი აზრით, ყოველდღიური ცხოვრება მშვენიერია და მხატვარს არ სჭირდება დახვეწილი და გამორჩეული.

იმპრესიონისტები თავიანთ ხელოვნებას უპირისპირებდნენ სალონურ და ოფიციალურ ხელოვნებას, ყოველდღიური რეალობის სილამაზეს - აკადემიურ პრინციპებზე დაფუძნებული სალონური მხატვრობის პომპეზურ და პრეტენზიულ სილამაზეს. მათ უარი თქვეს მითოლოგიური ნაკვეთების დაწერაზე, ერიდებოდნენ „ლიტერატურულს“ (მაშინ ეს სიტყვა პირველად შემოვიდა), რაც მათთვის სალონის სიცრუეს უკავშირდებოდა, სადაც, გ. დე მოპასანის თქმით, კედლები სავსე იყო სენტიმენტალური და რომანტიულით. ფერწერული ტილოები, ისტორიული და მოკრძალებული ნახატები, რომლებიც მოგვითხრობენ, კითხულობენ, ასწავლიან, ზნეობრივად ახდენენ და ხრწნიან. იმპრესიონისტები ერიდებოდნენ სენტიმენტალურობას, პათოსს, გამოსახულების ყოველგვარ მიზანმიმართულ ამაღლებას. მსოფლიოს ახალი ხედვის დამტკიცებით, მათ სილამაზის იდეის დემოკრატიზაცია მოახდინეს.

იმპრესიონისტების შედარება რუს მოხეტიალეებთან, რომლებიც ასევე იბრძოდნენ სალონურ-აკადემიურ ხელოვნებასთან, შეგვიძლია ვთქვათ, რომ შედეგები სრულიად განსხვავებული აღმოჩნდა. რუსმა მოხეტიალეებმა უარყვეს, სალონის სილამაზესთან ერთად, ზოგადად მხატვრობის სილამაზე, უპირველეს ყოვლისა დაჟინებით მოითხოვდნენ ხელოვნების მორალურ და რევოლუციურ მნიშვნელობას. იმპრესიონისტებმა, რომლებმაც უარყვეს სალონის შაქრიანი, შაქრიანი სილამაზე, უარი თქვეს სილამაზის ძიებაზე, როგორც ასეთზე, არამედ სხვა ფორმებში.

იმპრესიონისტებამდე მხატვრები, თუნდაც ყველაზე „მხატვრები“, ყოველთვის ავსებდნენ ტილოზე ნანახს იმით რაც იყო ცნობილი. მეორეს მხრივ, იმპრესიონისტები ცდილობდნენ დაეფიქსირებინათ არასტაბილური მომენტი, რომელიც უახლოვდებოდა წმინდა ხილვადობას. ცოდნამ ადგილი დაუთმო შთაბეჭდილებას. იმპრესიონიზმი უპირველეს ყოვლისა ცვალებადობა და მოძრაობაა. სამყაროს მყისიერი გარდაქმნების გადმოსაცემად, იმპრესიონისტებმა შეამცირეს სურათის შექმნის დრო, რაც შეძლებისდაგვარად მიუახლოვდნენ მას გამოსახული ბუნებრივი ფენომენის რეალურ დროს. მოთხოვნები მისი დასრულების ხარისხის შესახებ ასევე დაკავშირებული იყო ნაწარმოების შექმნის სიჩქარის კონცეფციასთან.

იმპრესიონიზმმა შეცვალა იდეა არა მხოლოდ საგანი ფერწერა, არამედ დაახლოებით სურათი.

იმპრესიონისტ მხატვრებს განსაკუთრებული მიზანი არ დაუყენებიათ სურათის არასრულყოფილება, ესკიზურობა და ფერწერის ტექნიკის სიშიშვლე. ამავდროულად, დასრულების ხარისხის მოთხოვნების თვალსაზრისით, შეიძლება ვისაუბროთ იმპრესიონისტების ნამუშევრების ორმაგ არასრულყოფილებაზე. პირველ რიგში, ეს არის დასრულების გარეგანი სიმკვეთრე, რაც ხშირად იწვევდა უკმაყოფილებას თანამედროვეთა შორის. მეორეც, არასრულყოფილება, როგორც მთელი ფერწერული სისტემის ღიაობა, მუდმივი თავშეკავება, დროში ხანგრძლივობა, ასე ვთქვათ, ელიფსისი ფრაზის ბოლოს. თავისებური შეფასების გამო, იმპრესიონისტების ნახატები ძნელია ცალსახად დახასიათება, მაგრამ მასში არის მათი ამაღელვებელი მიმზიდველობა. თუ საჭირო იქნებოდა იმპრესიონიზმის მარტივი ფორმულის გამოყვანა, ეს შეიძლება იყოს: „ცვალებადობა, ორმაგობა, შექცევადობა, დაქვეითება“.

ფერწერის იდეის შეცვლით იმპრესიონიზმმა მიაღწია განსაკუთრებულ ხარისხს მაყურებლის გააქტიურება (თუნდაც „არასრულყოფილებით“ მისი გაღიზიანებით). მაყურებელი გახდა, თითქოს, თანამონაწილე გამოსახულების შექმნაში და მხატვრის თანაავტორი.

80-იანი წლების შუა ხანებში. მე-19 საუკუნე დაიწყო იმპრესიონიზმის კრიზისი. ბევრმა მხატვარმა, რომლებიც ადრე შეუერთდნენ მიმდინარეობას, მისი ფარგლები ძალიან ვიწრო აღმოჩნდა. საუბარი იყო იმაზე, რომ იმპრესიონიზმის პრინციპები ართმევს სურათს ინტელექტუალურ და მორალურ კომპონენტებს. და მიუხედავად იმისა, რომ 90-იან წლებში. ფართო აღიარება მოვიდა იმპრესიონიზმთან, იგი დაემთხვა მისი, როგორც განუყოფელი ტენდენციის დაშლის დაწყებას და მასში სხვა მიმართულებების გაჩენას. ზოგიერთ მათგანს სურდა როგორმე მოდერნიზაცია მოეხდინა იმპრესიონიზმისკენ, ზოგი კი საერთოდ ახალ გზებს ეძებდა. იმპრესიონისტების პოეტურმა მხატვრობამ, ყოველდღიური ცხოვრების მათმა ამაღლებულმა, ნათელმა აღქმამ, მის ცვალებად, წარმავალ გამოვლინებებზე ლირიკული შეფერილობის მიცემის უნარმა დაიწყო ადგილის დათმობა სხვა ტენდენციებსა და განწყობებზე.

ტენდენციები, რომლებიც ცდილობდნენ იმპრესიონიზმის მოდერნიზაციას, მოიცავდა, კერძოდ, ნეოიმპრესიონიზმი (ან პუტილიზმი). J. Seurat-მა შეიმუშავა უჩვეულო ტექნიკა და P. Signac ცდილობდა თეორიულად დაემტკიცებინა ახალი ტენდენცია. მნიშვნელოვანი იყო განსხვავებები ნეოიმპრესიონიზმსა და იმპრესიონიზმს შორის. ცალკეული შტრიხები, დამახასიათებელი იმპრესიონისტებისთვის, შემცირდა წერტილებამდე; მომენტის დაფიქსირებაზე უარის თქმა მომიწია, რადგან მხატვრობას, რომელიც მომენტის დაფიქსირებას ცდილობს, ძნელად შეუძლია მარადიულზე ლაპარაკი; მხედველობისა და გამოსახულების სპონტანურობა და ბუნებრიობა გაქრა ფონზე, ინტერესი საგულდაგულოდ აშენებული და გააზრებული, თუნდაც სტატიკური კომპოზიციისადმი, ფერის პრიორიტეტი სინათლეზე. პუნტილისტი მხატვარი, რომელიც ქმნის რაიმე ფორმას ან ჩრდილს დიდი რაოდენობით წერტილოვანი შტრიხების დახმარებით, არ სჭირდება არც ხაზები და არც კონტურები. გამოსახულების სიღრმე მიიღწევა იმის გამო, რომ წინ ობიექტები უფრო დიდია და თანდათან მცირდება პერსპექტივაში გადაადგილებისას. დისტანციაზე, ფერის წერტილები ოპტიკურად ერწყმის ერთმანეთს, რაც საოცრად ბუნებრივ შთაბეჭდილებას ტოვებს სინათლის, ჩრდილის, ერთი ტონიდან მეორეზე გადასვლის შესახებ. სეურატის თქმით, არა მხატვარი თავისი ფუნჯით, არამედ მაყურებლის თვალმა უნდა აურიოს ფერადი წერტილები ცოცხალ ოპტიკურ მასშტაბში.

ნეოიმპრესიონიზმი დიდხანს არ გაგრძელებულა. აღმოჩნდა, რომ ახალი ტექნიკა სავსე იყო უარყოფითი ასპექტებით. მან გაათანაბრა მხატვრის ინდივიდუალობა. გარდა ამისა, ნეოიმპრესიონიზმმა გამოაცხადა მხატვრის უძილობა, უარყო იმპრესიონიზმისთვის დამახასიათებელი სპონტანურობა. პოანტილისტი მხატვრების ნამუშევრები შეიძლება რთული იყოს ერთმანეთისგან გარჩევა. ამის შეგრძნებით კ. პისარომ, რომელიც თავიდან ამ სისტემით იყო გატაცებული, შემდეგ გაანადგურა მისი ამ წესით შესრულებული ყველა ტილო.

პერიოდს, რომელიც გაგრძელდა დაახლოებით 1886 წლიდან 1906 წლამდე, ჩვეულებრივ უწოდებენ პოსტიმპრესიონიზმი. ეს საკმაოდ პირობითი ტერმინი აღნიშნავს დროის მონაკვეთს, რომლის საზღვრებს განსაზღვრავს, ერთის მხრივ, იმპრესიონისტების ბოლო გამოფენა, მეორე მხრივ, პირველი სათანადო მოდერნისტული მოძრაობების გამოჩენის დრო, როგორიცაა მაგ. ფოვიზმი და კუბიზმი.

პოლ სეზანმა ძალიან მნიშვნელოვანი გავლენა მოახდინა მოდერნისტული ხელოვნების ჩამოყალიბებაზე. როგორც იმპრესიონისტების თანამედროვე, იგი ქადაგებდა ბუნებისადმი დიამეტრალურად საპირისპირო მიდგომას: არა მისი წარმავალი მდგომარეობების ხელში ჩაგდება, არამედ სტაბილური არსის გამოვლენა. სეზანმა დაუპირისპირა იმპრესიონისტული რყევა, იმპრესიონისტული „ლამაზი მომენტი“ შეკუმშულ მატერიალურობას, მდგომარეობის ხანგრძლივობას და ხაზს უსვამს კონსტრუქციულობას. სეზანის ნახატი ძლიერი ნებისყოფაა, ის ქმნის სამყაროს სურათს, როგორც შენდება. მოცემულია ელემენტები: ფერი, სამგანზომილებიანი ფორმა, სურათის სივრცითი სიღრმე და სიბრტყე. ამ მარტივი დასაწყისიდან სეზანი აშენებს თავის სამყაროებს, რომლებშიც არის რაღაც შთამბეჭდავად გრანდიოზული, მიუხედავად მისი მცირე ზომის ტილოებისა და საგნების მწირი ნაკრებისა (სენტ-ვიქტუარის მთა აიქსში, აუზით ხიდით, სახლები, კლდეები, ვაშლები. და დოქი სუფრაზე).

სეზანი ძირითადად მხატვრების მხატვარი იყო. არცერთი შემდგომი მხატვარი არ გაექცა მის გავლენას, თუმცა არაპროფესიონალი მაყურებლის უმეტესობისთვის ის რთულია და ერთი შეხედვით მოსაწყენი გარეგნული ერთფეროვნებით: მას არც საინტერესო შეთქმულებები აქვს, არც ლირიზმი და არც პალიტრა, რომელიც თვალს ახვევს.

სტაბილურ, მკვრივ ნარინჯისფერ-მწვანე-ლურჯ დიაპაზონში სეზანი ფერად ძერწავს თავის პეიზაჟებს. მათში „განწყობა“ არ არის, მაგრამ მათ გვერდით იმავე კედელზე შეიძლება სხვა ხელოვანის იშვიათი პეიზაჟი დადგეს. პეიზაჟებში სეზანი უპირატესობას ანიჭებს მაღალ ჰორიზონტს, რათა დედამიწის სივრცე ემთხვევა ტილოს სიბრტყეს; ის ცვლის გეგმებს, განაზოგადებს მასებს. წყალში ანარეკლებსაც კი ის მასიური, არქიტექტურული ხდის. ის არაფერში არ ცნობს ამორფულობას და ბუნებაში ხედავს ძლიერ ფორმამშენებელ ძალებს. სეზანისთვის მხატვრობა ხილულის პლასტიკური კონცეფციაა, კონცეფცია და არა იმიტაცია. კონცეფცია წარმოიქმნება ბუნების თვისებებსა და სურათის თვისებებს შორის წინააღმდეგობების გადაწყვეტისგან. ბუნება მუდმივ მოძრაობასა და ცვლილებაშია, სურათი კი ბუნებით სტატიკურია და მხატვრის ამოცანაა მოძრაობა სტაბილურობასა და წონასწორობამდე მიიყვანოს. ბუნებაში არსებობს ახირებული ფორმების გაუთავებელი მრავალფეროვნება, ბუნებრივია ადამიანის სულისთვის მათი შემცირება რამდენიმე მარტივზე. სეზანი გვირჩევს: „... ბუნების ინტერპრეტაცია ცილინდრის, ბურთის, კონუსის მეშვეობით“. სეზანის ტომები ნამდვილად მიისწრაფვის გამარტივებისაკენ, რადგან მას არ სურს თვითმფრინავის ილუზორული განადგურება. მისი მიზანია ბუნებრივი მოვლენების ფერწერული კატეგორიების ენაზე თარგმნა, ზრუნვა, რომ შენარჩუნდეს სიბრტყის გრძნობა, სინთეზირება მოცულობისა და სიღრმის განცდასთან. ამას ის სივრცის განსაკუთრებული ორგანიზებით აღწევს, ზოგჯერ მიმართავს დეფორმაციებსა და ძვრებს და გამოსახულ ობიექტებზე რამდენიმე თვალსაზრისს ერთ კომპოზიციაში აერთიანებს.

სეზანის ნატურმორტებში, მაგიდის ზედაპირი თითქოს მნახველს ეშვება, ამტკიცებს სურათის სიბრტყეს, ხოლო მაგიდაზე დაწოლილი ხილი სხვა კუთხით არის ნაჩვენები. სიბრტყეზე „მიკრული“, თითქოს ერთმანეთის ზემოთ მდებარეობდეს, ხილის მომრგვალებული მოცულობები აღიქმება ორმაგი ინტენსივობით, ხოლო თავად ნაყოფი მონუმენტური, პირველყოფილია. ამავდროულად, მხატვარი უგულებელყოფს საგნების ტექსტურას: მისი ვაშლი არ არის ისეთი, როგორიც უნდა ჭამოთ, თითქოს რაღაც ხისტი, ცივი და მკვრივი ნივთიერებისგან არის დამზადებული, ისევე როგორც ქილა და სუფრის ტილოც კი.

იმპრესიონისტებისგან განსხვავებით, სეზანს ფორმების მატერიალურობა და სიდიადე უფრო იზიდავდა, ვიდრე სინათლისა და ჩრდილის ცვალებადი თამაში. იმპრესიონისტებმა წინა პლანზე წამოაყენეს ნახატის ერთ ნაბიჯში დასრულება, რათა დრო ჰქონდეთ ტილოზე „მყისიერი“ განცდის დაფიქსირებისთვის. სეზანმა კი რამდენჯერმე ამჯობინა არჩეულ ადგილას დაბრუნება, უფრო დახვეწილი და „ხელოვნური“ იმიჯის შექმნა. იმპრესიონისტები, რომლებიც ცდილობდნენ „მომენტის დაჭერას“, მიმართავდნენ რბილ, ჰაეროვან შტრიხებს, სეზანმა გამოიყენა ძლიერი თავდაჯერებული შტრიხები, რაც მის ტილოებს უფრო მოცულობითი გახადა. ხაზოვანი პერსპექტივის კანონების ბრმად დაცვაზე უარის თქმისას სეზანი კიდევ უფრო შორს წავიდა. ბრტყელ ტილოზე სამგანზომილებიანი სამყაროს გამოსახვის მცდელობისას მან დაამახინჯა პროპორციები და პერსპექტივა, თუ ამას კონკრეტული კომპოზიციური პრინციპი მოითხოვდა.

სეზანმა მოახერხა განსაკუთრებული მხატვრული ენის შექმნა. მე-20 საუკუნის ავანგარდულ ფერწერაში ცენტრალური გახდა იდეა, რომ ნახატი არ არის სამყაროსკენ გახსნილი ფანჯარა (რენესანსი), არამედ ორგანზომილებიანი თვითმფრინავი ფერწერული ენის საკუთარი კანონებით. შემთხვევითი არ არის, რომ პიკასომ საკუთარ თავს "სეზანის შვილიშვილი" უწოდა.

სეზანის ნახატში გამოიკვეთა შეუსაბამობის ტენდენცია პლასტიკურ (ფერწერულ) ღირებულებებსა და ადამიანურ ფასეულობებს შორის: მისი ძიების თვალსაზრისით, მთა, ვაშლი, არლეკინი, მწეველი და ა.შ. უფლებები. სეზანი არ ცნობდა მხატვრულ დამოკიდებულებებს, რომლებიც განსხვავდებოდა საკუთარისგან. მას იაპონური ხელოვნებისადმი ოდნავი ინტერესი არ ჰქონდა. დეკორატიულმა, სტილიზებულმა, ღია ფერმა, კონტურმა, რომელმაც მისი მრავალი თანამედროვე მოხიბლა, უარყოფითი დამოკიდებულება გამოიწვია. ისევე, როგორც „ლიტერატურული სული“ და ჟანრიზმი, რომლის გავლენითაც, სეზანის აზრით, მხატვარს „შეიძლება თავი აარიდოს თავის ნამდვილ მოწოდებას - ბუნების კონკრეტულ შესწავლას“. მას არ მოსწონდა არც გოგენი და არც ვან გოგი, ეტყობა საერთოდ არ შეუმჩნევია ტულუზ-ლოტრეკი.

ტულუზ-ლოტრეკის შემოქმედება ირონიული, მაგრამ ასევე ჰუმანურია. ის არ „სტიგმატირებს მანკიერებას“, მაგრამ არც საზრიან კერძად წარმოაჩენს: ორივეს გამორიცხულია ხელოვანის მიკუთვნებულობის გრძნობა, ამქვეყნად ჩართულობა – ისიც მათნაირია, „არც უარესი და არც უკეთესი“. ლოტრეკის მხატვრულ ენას ახასიათებს: გამოსახულების ნათელი მახასიათებელი, ექსპრესია, უკიდურესი ლაკონიზმი. მას უყვარდა პლაკატების ხატვა. მისმა დეკორატიულმა საჩუქარმა, ლაპიდარულმა გამომეტყველებამ ეს ჟანრი ჭეშმარიტი ხელოვნების სიმაღლეებამდე ასწია. თანამედროვე ქალაქის „გამოყენებითი გრაფიკის“ - პლაკატების, პლაკატების, რეკლამების დამფუძნებლებს შორის პირველ ადგილს ლოტრეკი იკავებს.

სულ რაღაც ხუთწლიანი მუშაობის განმავლობაში ვ.ვან გოგმა შექმნა 800-მდე ნახატი და უთვალავი ნახატი; მათი უმეტესობა მისი სიცოცხლის ბოლო ორ-სამ წელიწადში შეიქმნა. მხატვრობის ისტორიამ ასეთი რამ არ იცოდა. ვან გოგმა შთაგონება მიიღო არა მხოლოდ იმპრესიონიზმის იდეებიდან, არამედ იაპონური გრავიურებიდანაც, რაც დაეხმარა მას ნატურალიზმიდან უფრო გამომხატველ და მკაფიო მანერაზე გადასულიყო. თანდათანობით, მის ნახატებში ფერი უფრო და უფრო გაბედული ხდება, მანერა კი უფრო თავისუფალი, ენერგიული, ეხმარება მხატვარს ტილოზე გადმოსცეს თავისი უზომო გრძნობები. სიმბოლისტებისა და პ. გოგენისგან განსხვავებით, რომელთა ნამუშევრებზე გავლენას ახდენდა სიმბოლიზმი, ვან გოგს არასოდეს დაუხატა გამოგონილი სამყარო: მას უბრალოდ არ აინტერესებდა "დაუჯერებელი არსებების" დაწერა, მის ნახატებს ყოველთვის ჰქონდათ მყარი რეალისტური საფუძველი. ვან გოგი ყოველთვის ბუნებიდან მუშაობდა, ის რამდენიმე ტილო, რომელიც მან დახატა, გოგენის რჩევის მიხედვით, მეხსიერებიდან თუ წარმოსახვით, უფრო სუსტი აღმოჩნდა. „საკუთარი თავის გამოხატვა“ ვან გოგისთვის ნიშნავდა გრძნობების, აზრების, ასოციაციების გამოხატვას, რაც მას ხედავდა და აკვირდებოდა: ადამიანები, ბუნება, საგნები.

ცხოვრების უმაღლესი მნიშვნელობის ინტენსიური ძიება, რომელიც არასოდეს ტოვებდა ვან გოგს, განსაზღვრავს დრამისა და ზეიმის იმ იშვიათ კომბინაციას, რომელიც აღნიშნავს მის მოწიფულ შემოქმედებას. ემოციური კონტრასტებით სავსე სამყაროს მშვენიერების წინაშე მოწამეობრივი აღტაცებითაა გამსჭვალული. ეს პოულობს გამოხატულებას ფერწერულ ენაზე, რომელიც აგებულია კონტრასტული ფერის ჰარმონიაზე და უფრო ექსპრესიული, ვიდრე ოდესმე. ვან გოგის თვალწარმტაცი ხელწერა საშუალებას გაძლევთ უშუალო კონტაქტში შეხვიდეთ მხატვართან, იგრძნოთ მისი ვნება და სულის მაღალი ინტენსივობა. ამას ასევე ხელს უწყობს მის ნახატებში მკაფიოდ გამოხატული მუშაობის მაღალი ტემპი - ფუნჯის შტრიხები, მათრახის მსგავსი, ფერადი კოლტები, დისონანტური ზიგზაგები, რომლებიც ჟღერს როგორც ძახილი, რომელიც გაურბოდა. ნახატები ასევე მოწმობს მხატვრის განწყობის მკვეთრ ცვლილებას; როგორც რელიგიური ადამიანი, მან ერთხელ აღნიშნა, რომ ღმერთის მიერ შექმნილი სამყარო მხოლოდ მისი წარუმატებელი შესწავლაა.

• Სმ:. დიმიტრიევა ნ.ა.ხელოვნების მოკლე ისტორია. მ., 1993. გამოცემა. III. გვ.55-56.
• იხილეთ: იქვე. S. 83.

იმპრესიონიზმი არის მიმართულება მხატვრობაში, რომელიც წარმოიშვა საფრანგეთში მე-19-20 საუკუნეებში, რომელიც არის მხატვრული მცდელობა აღბეჭდოს ცხოვრების ნებისმიერი მომენტი მთელი თავისი ცვალებადობითა და მობილურობით. იმპრესიონისტული ნახატები ხარისხობრივად გარეცხილ ფოტოს ჰგავს, რომელიც ფანტაზიაში აცოცხლებს ნანახი ისტორიის გაგრძელებას. ამ სტატიაში ჩვენ გადავხედავთ მსოფლიოს 10 ყველაზე ცნობილ იმპრესიონისტს. საბედნიეროდ, ათზე მეტი, ოც ან თუნდაც ასზე მეტი ნიჭიერი მხატვარია, ასე რომ, მოდით, ყურადღება გავამახვილოთ იმ სახელებზე, რომლებიც აუცილებლად უნდა იცოდეთ.

იმისათვის, რომ არ შეურაცხყოთ არც მხატვრები და არც მათი თაყვანისმცემლები, სია მოცემულია რუსული ანბანური თანმიმდევრობით.

1. ალფრედ სისლი

ინგლისური წარმოშობის ეს ფრანგი მხატვარი ითვლება XIX საუკუნის მეორე ნახევრის ყველაზე ცნობილ ლანდშაფტის მხატვრად. მის კოლექციაში 900-ზე მეტი ნახატია, რომელთაგან ყველაზე ცნობილია "ქვეყნის ხეივანი", "ყინვა ლუვესიენში", "ხიდი არჟენეილში", "ადრეული თოვლი ლუვესიენში", "გაზონები გაზაფხულზე" და მრავალი სხვა.

2. ვან გოგი

მთელი მსოფლიოსთვის ცნობილი ყურის შესახებ სევდიანი ისტორიით (სხვათა შორის, მან მთელი ყური კი არ მოაჭრა, მხოლოდ წივილი), ვან გონი პოპულარული მხოლოდ სიკვდილის შემდეგ გახდა. და სიცოცხლეში მან შეძლო ერთი ნახატის გაყიდვა, სიკვდილამდე 4 თვით ადრე. ამბობენ, რომ ის იყო მეწარმეც და მღვდელიც, მაგრამ დეპრესიის გამო ხშირად ხვდებოდა ფსიქიატრიულ საავადმყოფოებში, ამიტომ მისი არსებობის მთელი ურჩობა ლეგენდარულ ნაწარმოებებს მოჰყვა.

3. კამილ პისარო

პისარო დაიბადა სენტ თომას კუნძულზე, ბურჟუაზიული ებრაელების ოჯახში და იყო იმ მცირერიცხოვან იმპრესიონისტთაგანი, რომელთა მშობლებმა წაახალისეს მისი ჰობი და მალევე გაგზავნეს პარიზში სასწავლებლად. ყველაზე მეტად მხატვარს ბუნება მოსწონდა და მას ყველა ფერში ასახავდა, უფრო სწორედ, პისაროს განსაკუთრებული ნიჭი ჰქონდა ფერების რბილობის, თავსებადობის არჩევის, რის შემდეგაც თითქოს ჰაერი ჩანდა სურათებში.

4. კლოდ მონე

ბავშვობიდანვე ბიჭმა გადაწყვიტა, რომ მხატვარი გამხდარიყო, ოჯახის აკრძალვების მიუხედავად. პარიზში დამოუკიდებლად გადასვლის შემდეგ, კლოდ მონე ჩაეფლო მძიმე ცხოვრების ნაცრისფერ ყოველდღიურ ცხოვრებაში: ორი წელი სამსახურში შეიარაღებულ ძალებში ალჟირში, სასამართლო დავა კრედიტორებთან სიღარიბის, ავადმყოფობის გამო. თუმცა, იქმნება განცდა, რომ სირთულეებმა არ დაჩაგრა, არამედ შთააგონა მხატვარს ისეთი ნათელი ნახატების შექმნა, როგორიცაა "შთაბეჭდილება, მზის ამოსვლა", "პარლამენტის შენობა ლონდონში", "ხიდი ევროპაში", "შემოდგომა არჟენეილში", " ტროუვილის სანაპიროზე და მრავალი სხვა.

5. კონსტანტინე კოროვინი

სასიამოვნოა იმის ცოდნა, რომ ფრანგებს, იმპრესიონიზმის მშობლებს შორის, ამაყად შეიძლება მოთავსდეს ჩვენი თანამემამულე - კონსტანტინე კოროვინი. ბუნებისადმი ვნებიანი სიყვარული დაეხმარა მას ინტუიციურად მიენიჭებინა წარმოუდგენელი სიცოცხლით სტატიკური სურათი, შესაფერისი ფერების კომბინაციის, შტრიხების სიგანის, თემის არჩევის წყალობით. შეუძლებელია მის ნახატებთან „პირი გურზუფში“, „თევზი, ღვინო და ხილი“, „შემოდგომის პეიზაჟი“, „მთვარის ღამე“ გავლა. ზამთარი“ და მისი ნამუშევრების სერია, რომელიც ეძღვნება პარიზს.

6. პოლ გოგენი

პოლ გოგენს 26 წლამდე არც კი უფიქრია მხატვრობაზე. ის იყო მეწარმე და ჰყავდა მრავალშვილიანი ოჯახი. თუმცა, როდესაც პირველად ვნახე კამილ პისაროს ნახატები, გადავწყვიტე, რომ აუცილებლად დავიწყებდი ხატვას. დროთა განმავლობაში მხატვრის სტილი შეიცვალა, მაგრამ ყველაზე ცნობილი იმპრესიონისტული ნახატებია "ბაღი თოვლში", "კლდეზე", "დიეპის სანაპიროზე", "შიშველი", "პალმები მარტინიკაში" და სხვა.

7. პოლ სეზანი

სეზანი, თავისი კოლეგების უმეტესობისგან განსხვავებით, ცნობილი გახდა სიცოცხლის განმავლობაში. მან მოახერხა საკუთარი გამოფენის მოწყობა და მისგან მნიშვნელოვანი შემოსავალი. ხალხმა ბევრი რამ იცოდა მისი ნახატების შესახებ - მან, ისევე როგორც არავინ, ისწავლა შუქისა და ჩრდილის თამაშის შერწყმა, ხმამაღალი აქცენტი გააკეთა რეგულარულ და არარეგულარულ გეომეტრიულ ფორმებზე, მისი ნახატების თემების სიმძიმე რომანტიკულთან იყო ჰარმონიული.

8. პიერ ოგიუსტ რენუარი

20 წლამდე რენუარი უფროსი ძმის ფან-დეკორატორად მუშაობდა და მხოლოდ ამის შემდეგ გადავიდა პარიზში, სადაც გაიცნო მონე, ბეზილი და სისლეი. ეს ნაცნობობა დაეხმარა მას მომავალში იმპრესიონიზმის გზაზე აეყვანა და მასზე ცნობილი გამხდარიყო. რენუარი ცნობილია როგორც სენტიმენტალური პორტრეტის ავტორი, მის ყველაზე გამორჩეულ ნამუშევრებს შორისაა "ტერასაზე", "გასეირნება", "მსახიობის ჟანა სამარის პორტრეტი", "ლოჟა", "ალფრედ სისლი და მისი ცოლი", " საქანელაზე“, „ბაყაყი“ და მრავალი სხვა.

9. ედგარ დეგა

თუ არაფერი გსმენიათ "ცისფერი მოცეკვავეების", "ბალეტის რეპეტიციების", "ბალეტის სკოლის" და "აბსენტის" შესახებ - იჩქარეთ გაიგოთ მეტი ედგარ დეგას შემოქმედების შესახებ. ორიგინალური ფერების შერჩევა, ნახატების უნიკალური თემები, სურათის მოძრაობის განცდა - ეს ყველაფერი და კიდევ ბევრი რამ დეგას ერთ-ერთ ყველაზე ცნობილ მხატვრად აქცევს მსოფლიოში.

10. ედუარ მანე

არ აურიოთ მანე მონესთან – ეს ორი განსხვავებული ადამიანია, რომლებიც მუშაობდნენ ერთდროულად და ერთსა და იმავე მხატვრულ მიმართულებით. მანეს ყოველთვის იზიდავდა ყოველდღიური სცენები, უჩვეულო გარეგნობა და ტიპები, თითქოს შემთხვევით „დაიჭირა“ მომენტები, შემდგომში საუკუნეების მანძილზე აღბეჭდილი. მანეს ცნობილ ნახატებს შორის: „ოლიმპია“, „საუზმე ბალახზე“, „ბარი ფოლიეს ბერჟერში“, „ფლეიტისტი“, „ნანა“ და სხვა.

თუ თქვენ გაქვთ თუნდაც მცირედი შესაძლებლობა იხილოთ ამ ოსტატების ნახატები პირდაპირ ეთერში, იმპრესიონიზმი სამუდამოდ შეგიყვარდებათ!

ალექსანდრა სკრიპკინა,

იმპრესიონიზმი ფერწერაში

წარმოშობა

სახელის გაჩენა

იმპრესიონისტების პირველი მნიშვნელოვანი გამოფენა გაიმართა 1874 წლის 15 აპრილიდან 15 მაისამდე ფოტოგრაფ ნადარის სახელოსნოში. წარმოდგენილი იყო 30 მხატვარი, სულ - 165 ნამუშევარი. ტილო მონე - „შთაბეჭდილება. Ამომავალი მზე " ( შთაბეჭდილება, soleil levant), ახლა პარიზში Marmottin-ის მუზეუმში, დაწერილი 1872 წელს, წარმოიშვა ტერმინი „იმპრესიონიზმი“: ნაკლებად ცნობილმა ჟურნალისტმა ლუი ლეროიმ ჟურნალ Le Charivari-ში თავის სტატიაში ჯგუფს „იმპრესიონისტები“ უწოდა თავისი ზიზღის გამოსახატავად. . მხატვრებმა, გამოწვევის გამო, მიიღეს ეს ეპითეტი, მოგვიანებით გაიდგა ფესვი, დაკარგა თავდაპირველი უარყოფითი მნიშვნელობა და აქტიურ გამოყენებაში შევიდა.

სახელწოდება „იმპრესიონიზმი“ საკმაოდ უაზროა, განსხვავებით სახელწოდებისგან „ბარბიზონის სკოლა“, სადაც მაინც არის მინიშნება მხატვრული ჯგუფის გეოგრაფიულ მდებარეობაზე. კიდევ უფრო ნაკლები სიცხადეა ზოგიერთ ხელოვანთან, რომლებიც ფორმალურად არ შედიოდნენ პირველი იმპრესიონისტების წრეში, თუმცა მათი ტექნიკა და საშუალებები სრულიად „იმპრესიონისტული“ უისლერი, ედუარ მანე, ევგენი ბუდენი და ა.შ.) გარდა ამისა, ტექნიკური საშუალებები იმპრესიონისტები ცნობილი იყვნენ XIX საუკუნემდე დიდი ხნით ადრე და მათ (ნაწილობრივ, შეზღუდულად) იყენებდნენ ტიციანი და ველასკესი, მათი ეპოქის დომინანტური იდეების გარღვევის გარეშე.

იყო კიდევ ერთი სტატია (ავტორი ემილ კარდონი) და კიდევ ერთი სათაური - „მეამბოხე გამოფენა“, აბსოლუტურად უკმაყოფილო და დამგმობი. სწორედ მან აჩვენა ბურჟუაზიული საზოგადოების უკმაყოფილო დამოკიდებულება და კრიტიკა ხელოვანების (იმპრესიონისტების) მიმართ, რომელიც წლების განმავლობაში დომინირებდა. იმპრესიონისტებს მაშინვე დაადანაშაულეს უზნეობა, მეამბოხე განწყობა, პატივმოყვარეობა. ამ დროისთვის ეს გასაკვირია, რადგან გაუგებარია რა არის ამორალური კამილ პისაროს, ალფრედ სისლის პეიზაჟებში, ედგარ დეგას ყოველდღიურ სცენებში, მონესა და რენუარის ნატურმორტებში.

ათწლეულები გავიდა. და ხელოვანთა ახალი თაობა მივა ფორმების ნამდვილ კოლაფსამდე და შინაარსის გაღატაკებამდე. შემდეგ კრიტიკოსებმაც და საზოგადოებამაც დაინახა დაგმობილ იმპრესიონისტებში - რეალისტები, ცოტა მოგვიანებით კი ფრანგული ხელოვნების კლასიკოსები.

იმპრესიონიზმის ფილოსოფიის სპეციფიკა

ფრანგული იმპრესიონიზმი არ აყენებდა ფილოსოფიურ პრობლემებს და არც კი ცდილობდა ყოველდღიურობის ფერად ზედაპირზე შეღწევას. ამის ნაცვლად, იმპრესიონიზმი ყურადღებას ამახვილებს ზედაპირულობაზე, მომენტის სითხეზე, განწყობაზე, განათებაზე ან ხედვის კუთხეზე.

რენესანსის (რენესანსის) ხელოვნების მსგავსად, იმპრესიონიზმი აგებულია პერსპექტივის აღქმის თავისებურებებსა და უნარებზე. ამავე დროს, რენესანსის ხედვა ფეთქდება ადამიანის აღქმის დადასტურებული სუბიექტურობითა და ფარდობითობით, რაც ქმნის ფერს და ქმნის გამოსახულების ავტონომიურ კომპონენტებს. იმპრესიონიზმისთვის არც ისე მნიშვნელოვანია რა არის ნაჩვენები ნახატზე, არამედ როგორ არის ნაჩვენები.

მათი ნახატები წარმოადგენდა მხოლოდ ცხოვრების პოზიტიურ ასპექტებს, არ იმოქმედებდა სოციალურ პრობლემებზე, მათ შორის შიმშილს, დაავადებას, სიკვდილს. მოგვიანებით ამან გამოიწვია განხეთქილება თავად იმპრესიონისტებს შორის.

იმპრესიონიზმის სარგებელი

იმპრესიონიზმის, როგორც ტენდენციის უპირატესობებში შედის დემოკრატია. ინერციით მე-19 საუკუნეში ხელოვნება ითვლებოდა არისტოკრატების, მოსახლეობის ზედა ფენის მონოპოლიად. სწორედ ისინი მოქმედებდნენ ფრესკების, ძეგლების მთავარი მომხმარებლების როლში, სწორედ ისინი იყვნენ ნახატებისა და ქანდაკებების მთავარი მყიდველები. გლეხების შრომისმოყვარეობის ნაკვეთები, ჩვენი დროის ტრაგიკული ფურცლები, ომების სამარცხვინო ასპექტები, სიღარიბე, სოციალური არეულობა დაგმეს, არ მოიწონეს, არ იყიდეს. საზოგადოების მკრეხელური ზნეობის კრიტიკამ თეოდორ გერიკოს ნახატებში, ფრანსუა მილეტმა გამოხმაურება მხოლოდ მხატვრების მხარდამჭერებისა და რამდენიმე ექსპერტისგან იპოვა.

იმპრესიონისტებმა ამ საკითხში საკმაოდ კომპრომისული, შუალედური პოზიციები დაიკავეს. ოფიციალურ აკადემიზმში თანდაყოლილი ბიბლიური, ლიტერატურული, მითოლოგიური, ისტორიული შეთქმულებები გაუქმდა. მეორეს მხრივ, მათ გულმოდგინედ სურდათ აღიარება, პატივისცემა, ჯილდოებიც კი. საჩვენებელია ედუარ მანეს მოღვაწეობა, რომელიც წლების განმავლობაში ცდილობდა აღიარებას და ჯილდოებს ოფიციალური სალონისა და მისი ადმინისტრაციისგან.

სამაგიეროდ, გაჩნდა ყოველდღიური ცხოვრებისა და თანამედროვეობის ხედვა. მხატვრები ხშირად ხატავდნენ ადამიანებს მოძრაობაში, გართობის ან დასვენების დროს, წარმოედგინათ გარკვეული ადგილის ხედვა გარკვეულ შუქზე, ბუნებაც მათი მუშაობის მოტივი იყო. ისინი იღებდნენ ფლირტის, ცეკვის, კაფეებსა და თეატრებში დარჩენას, ნავით გასეირნებას, პლაჟებსა და ბაღებში. იმპრესიონისტების ნახატების მიხედვით ვიმსჯელებთ, ცხოვრება არის პატარა არდადეგების, წვეულებების, სასიამოვნო გართობების სერია ქალაქგარეთ ან მეგობრულ გარემოში (რენუარის, მანეს და კლოდ მონეს ნახატების რიგი). იმპრესიონისტები იყვნენ პირველები, ვინც ხატავდნენ ჰაერში, სტუდიაში მუშაობის დასრულების გარეშე.

ტექნიკა

ახალი ტენდენცია განსხვავდებოდა აკადემიური მხატვრობისგან როგორც ტექნიკურად, ასევე იდეოლოგიურად. უპირველეს ყოვლისა, იმპრესიონისტებმა მიატოვეს კონტური, შეცვალეს იგი მცირე ცალკეული და კონტრასტული შტრიხებით, რომლებიც მათ მიმართეს Chevreul-ის, Helmholtz-ის და Rude-ის ფერის თეორიების შესაბამისად. მზის სხივი იყოფა თავის კომპონენტებად: იისფერი, ლურჯი, ლურჯი, მწვანე, ყვითელი, ნარინჯისფერი, წითელი, მაგრამ რადგან ლურჯი ლურჯის ნაირსახეობაა, მათი რიცხვი ექვსამდე მცირდება. გვერდიგვერდ მოთავსებული ორი ფერი ერთმანეთს აძლიერებს და პირიქით, შერევისას კარგავენ ინტენსივობას. გარდა ამისა, ყველა ფერი იყოფა პირველადი, ან პირველადი, და ორმაგი, ან წარმოებულებად, ყოველი ორმაგი საღებავი დამატებით პირველს:

• ლურჯი - ნარინჯისფერი
• წითელი მწვანე
• ყვითელი - იასამნისფერი

ამგვარად, შესაძლებელი გახდა პალიტრაზე საღებავების არ შერევა და ტილოზე მათი სწორად დატანით სასურველი ფერის მიღება. მოგვიანებით ეს გახდა შავი ფერის უარყოფის მიზეზი.

შემდეგ იმპრესიონისტებმა შეწყვიტეს სახელოსნოებში ტილოებზე მთელი ნამუშევრის კონცენტრირება, ახლა მათ ურჩევნიათ ღია ცის ქვეშ, სადაც უფრო მოსახერხებელია მათი ნანახის წარმავალი შთაბეჭდილების აღება, რაც შესაძლებელი გახდა საღებავისთვის ფოლადის მილების გამოგონების წყალობით. რომელიც ტყავის ჩანთებისგან განსხვავებით შეიძლებოდა დაიხურა, რომ საღებავი არ გამომშრალიყო.

ასევე, მხატვრები იყენებდნენ გაუმჭვირვალე საღებავებს, რომლებიც კარგად არ გადასცემენ სინათლეს და შეუსაბამოა შერევისთვის, რადგან ისინი სწრაფად ფერხდებიან, ამან მათ საშუალება მისცა შეექმნათ ნახატები არა " შიდა", ა" გარე» სინათლე, რომელიც ირეკლავს ზედაპირს.

ტექნიკურმა განსხვავებებმა ხელი შეუწყო სხვა მიზნების მიღწევას, უპირველეს ყოვლისა, იმპრესიონისტები ცდილობდნენ გადაეღოთ წარმავალი შთაბეჭდილება, უმცირესი ცვლილებები თითოეულ საგანში დამოკიდებულია განათებაზე და დღის დროზე, ყველაზე მაღალი განსახიერება იყო მონეს ნახატების ციკლები "Haystacks". „რუანის საკათედრო ტაძარი“ და „ლონდონის პარლამენტი“.

ზოგადად, ბევრი ოსტატი მუშაობდა იმპრესიონისტულ სტილში, მაგრამ მოძრაობის საფუძველი იყო ედუარ მანე, კლოდ მონე, ოგიუსტ რენუარი, ედგარ დეგა, ალფრედ სისლი, კამილ პისარო, ფრედერიკ ბაზილი და ბერტე მორისო. თუმცა, მანე საკუთარ თავს ყოველთვის "დამოუკიდებელ მხატვარს" უწოდებდა და არასოდეს მონაწილეობდა გამოფენებში, და მიუხედავად იმისა, რომ დეგა მონაწილეობდა, ის არასოდეს ხატავდა თავის ნამუშევრებს პირდაპირ ეთერში.

ქრონოლოგია მხატვრის მიხედვით

იმპრესიონისტები

გამოფენები

• პირველი გამოფენა(15 აპრილი - 15 მაისი)

• მეორე გამოფენა(აპრილი)

Მისამართი: ქ. Lepeletier, 11 (Durand-Ruel გალერეა). წევრები: ბასილი (მშობიაროდ, მხატვარი გარდაიცვალა 1870 წელს), ბელიარი, ბიურო, დებიუტინი, დეგასი, კაილბოტე, კალსი, ბერკეტი, ლეგროსი, ლეპიკი, ფეტვი, მონე, მორისო, ლ. ოტენი, პისარო, რენუარი, რუარი, სისლი, ტილო, ფრანსუა

• მესამე გამოფენა(აპრილი)

Მისამართი: ქ. ლეპელეტიე, 6. წევრები: გიომინი, დეგა, კეიბოტი, კალსი, კორდეი, ბერკეტი, ლამი, მონე, მორისო, მორო, პიეტი, პისარო, რენუარი, როუარდი, სეზანი, სისლი, ტილო, ფრანსუა.

• მეოთხე გამოფენა(10 აპრილი - 11 მაისი)

Მისამართი: ოპერის გამზირი, 28. წევრები: Bracquemont, Madame Bracquemont, Gogen, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cals, Cassatt, Lebourg, Monet, Piette, Pissarro, Rouart, Somm, Tillo, Forain.

• მეხუთე გამოფენა(1 აპრილი - 30 აპრილი)

Მისამართი: ქ. პირამიდები, 10. წევრები: ბრაკემონი, ქალბატონი ბრაკემონი, ვიდალი, ვინიონი, გიომენი, გოგენი, დეგასი, ზანდომენეგი, კაილებოტი, კასატი, ლებური, ბერკეტი, მორისო, პისარო, რაფაელი, რუატი, ტილო, ფორეინი.

• მეექვსე გამოფენა(2 აპრილი - 1 მაისი)

Მისამართი: Boulevard des Capucines, 35 (ფოტოგრაფი ნადარის სტუდია). წევრები: ვიდალი, ვინიონი, გიომ, გოგენი, დეგა, ზანდომენეგი, კასატი, მორისო, პისარო, რაფაელი, რუარი, ტილო, ფორეინი.

• მეშვიდე გამოფენა(მარტი)

Მისამართი: Faubourg-Saint-Honoré, 251 (At Durand-Ruel). წევრები: ვინიონი, გიომ, გოგენი, კაილბოტი, მონე, მორისო, პისარო, რენუარი, სისლი.

• მერვე გამოფენა(15 მაისი - 15 ივნისი)

Მისამართი: ქ. ლაფიტი, 1. წევრები: მადამ ბრაკემონი, ვინიონი, გიომინი, გოგენი, დეგა, ზანდომენეგი, კასეტა, მორისო, კამილ პისარო, ლუსიენ პისარო, რედონი, რუატი, სეურატი, სინიაკი, ტილო, ფორეინი, შუფენეკერი.

იმპრესიონიზმი ლიტერატურაში

ლიტერატურაში იმპრესიონიზმი არ განვითარდა, როგორც ცალკეული ტენდენცია, მაგრამ მისი თვისებები აისახა ნატურალიზმსა და სიმბოლიზმში.

უპირველეს ყოვლისა, მას ახასიათებს ავტორის პირადი შთაბეჭდილების გამოხატვა, რეალობის ობიექტური სურათის უარყოფა, ყოველი მომენტის ასახვა, რაც უნდა მოჰყვეს სიუჟეტის, ისტორიის არარსებობას და აზრის აღქმით შეცვლას. და მსჯელობა ინსტინქტით. იმპრესიონისტული სტილის ძირითადი მახასიათებლები ჩამოაყალიბეს ძმებმა გონკურებმა თავიანთ ნაშრომში "დღიური", სადაც ცნობილი ფრაზა " დანახვა, შეგრძნება, გამოხატვა - ეს ყველაფერი ხელოვნებაამრავალი მწერლის ცენტრალურ პოზიციად იქცა.

ნატურალიზმში მთავარი პრინციპი იყო ჭეშმარიტება, ბუნებისადმი ერთგულება, მაგრამ ის ექვემდებარება შთაბეჭდილებას და, შესაბამისად, რეალობის გამოჩენა დამოკიდებულია თითოეულ ინდივიდუალურ ადამიანზე და მის ტემპერამენტზე. ეს ყველაზე სრულყოფილად არის გამოხატული ემილ ზოლას რომანებში, სუნების, ბგერებისა და ვიზუალური აღქმის მის დეტალურ აღწერაში.

პირიქით, სიმბოლიზმი მოითხოვდა მატერიალური სამყაროს უარყოფას და იდეალისკენ დაბრუნებას, მაგრამ გადასვლა შესაძლებელია მხოლოდ წარმავალი შთაბეჭდილებებით, ხილულ საგნებში საიდუმლო არსის გამოვლენით. პოეტური იმპრესიონიზმის თვალსაჩინო მაგალითია პოლ ვერლენის კრებული "რომანები სიტყვების გარეშე" (). რუსეთში იმპრესიონიზმის გავლენა განიცადეს კონსტანტინე ბალმონტმა და ინოკენტი ანენსკიმ.

ასევე, ეს განწყობები შეეხო დრამატურგიას (იმპრესიონისტული დრამა), სამყაროს პასიური აღქმა შემოიჭრება პიესებში, განწყობის ანალიზი, გონების მდგომარეობა, მთელი კომპოზიცია იშლება ლირიკულობით სავსე სცენებად და წარმავალი განსხვავებული შთაბეჭდილებები კონცენტრირებულია დიალოგებში. . დრამა ხდება ერთმოქმედებიანი, განკუთვნილია ინტიმური თეატრებისთვის. ეს ნიშნები სრულად არის ასახული არტურ შნიცლერის შემოქმედებაში.

იმპრესიონიზმი მუსიკაში

მუსიკალური იმპრესიონიზმი მუსიკალური თანამედროვეობის ერთ-ერთი მიმდინარეობა იყო. ახასიათებს წარმავალი შთაბეჭდილებების, განწყობის, დახვეწილი ფსიქოლოგიური ნიუანსების გადმოცემა.

მუსიკაში იმპრესიონიზმის ფუძემდებელია ფრანგი კომპოზიტორი ერიკ სატი, რომელმაც 1886 წელს გამოსცა სამი მელოდია და 1887 წელს სამი სარაბანდი, რომლებიც ატარებენ ახალი სტილის ყველა ძირითად მახასიათებელს. ერიკ სატის გაბედული აღმოჩენები ხუთი და ათი წლის შემდეგ აიღეს და განავითარეს მისმა ორმა მეგობარმა, იმპრესიონიზმის ყველაზე ნათელმა წარმომადგენლებმა, კლოდ დებიუსიმ და მორის რაველმა.

ლიტერატურა

• ჟან-პოლ კრესპელი. იმპრესიონისტების ყოველდღიური ცხოვრება 1863-1883 წწმოსკოვის "ახალგაზრდა გვარდია",
• მორის სერული და არლეტ სერული. იმპრესიონიზმის ენციკლოპედია, მოსკოვის "რესპუბლიკა",
• "იმპრესიონიზმი", ბროდსკაია. N.V. სანკტ-პეტერბურგი, ავრორა, 2002 წ. (254 გვერდი, 269 ილუსტრაცია, 7 საავტორო ტექსტის ფურცელი)

ბმულები

• იმპრესიონიზმი, N.V. Brodskaya, ed. Aurora 2010 წ

იმპრესიონიზმი
წარმომადგენლები
ამერიკული იმპრესიონიზმი
კოლექციონერები
მუზეუმები
სხვა

ფონდი ვიკიმედია. 2010 წ.

"იმპრესიონისტების გამოფენა", ეფუძნება კლოდ მონეს ნახატის სახელწოდებას "შთაბეჭდილება. ამომავალი მზე“ (fr. Impression, soleil levant). თავდაპირველად, ეს ტერმინი გარკვეულწილად დამამცირებელი იყო, რაც მიუთითებდა შესაბამის დამოკიდებულებაზე ხელოვანების მიმართ, რომლებიც ახლებურად „უყურადღებოდ“ წერდნენ.

იმპრესიონიზმი ფერწერაში

წარმოშობა

1880-იანი წლების შუა პერიოდისთვის იმპრესიონიზმმა თანდათან შეწყვიტა არსებობა, როგორც ერთი მიმართულება და დაიშალა, რამაც შესამჩნევი ბიძგი მისცა ხელოვნების ევოლუციას. მე-20 საუკუნის დასაწყისისთვის რეალიზმისგან თავის დაღწევის ტენდენციამ იმპულსი მოიპოვა და ხელოვანთა ახალმა თაობამ თავი დაანება იმპრესიონიზმს.

სახელის გაჩენა

ათწლეულები გავიდა. და ხელოვანთა ახალი თაობა მივა ფორმების ნამდვილ კოლაფსამდე და შინაარსის გაღატაკებამდე. შემდეგ კრიტიკოსებმაც და საზოგადოებამაც დაინახა დაგმობილ იმპრესიონისტებში - რეალისტები, ცოტა მოგვიანებით კი ფრანგული ხელოვნების კლასიკოსები.

იმპრესიონიზმის ფილოსოფიის სპეციფიკა

ფრანგული იმპრესიონიზმი არ აყენებდა ფილოსოფიურ პრობლემებს და არც კი ცდილობდა ყოველდღიურობის ფერად ზედაპირზე შეღწევას. ამის ნაცვლად, იმპრესიონიზმი, რომელიც გარკვეულწილად არის ხელოვნება და მანერული, ფოკუსირებულია ზედაპირულობაზე, მომენტის სითხეზე, განწყობაზე, განათებაზე ან ხედვის კუთხეზე.

რენესანსის (რენესანსის) ხელოვნების მსგავსად, იმპრესიონიზმი აგებულია პერსპექტივის აღქმის თავისებურებებსა და უნარებზე. ამავე დროს, რენესანსის ხედვა ფეთქდება ადამიანის აღქმის დადასტურებული სუბიექტურობითა და ფარდობითობით, რაც ქმნის ფერს და ქმნის გამოსახულების ავტონომიურ კომპონენტებს. იმპრესიონიზმისთვის არც ისე მნიშვნელოვანია რა არის ნაჩვენები ნახატზე, არამედ როგორ არის ნაჩვენები.

იმპრესიონისტული ნახატები არ ატარებენ სოციალურ კრიტიკას, არ ეხება სოციალურ პრობლემებს, როგორიცაა შიმშილი, ავადმყოფობა, სიკვდილი, წარმოაჩენს მხოლოდ ცხოვრების პოზიტიურ ასპექტებს. მოგვიანებით ამან გამოიწვია განხეთქილება თავად იმპრესიონისტებს შორის.

იმპრესიონიზმი და საზოგადოება

იმპრესიონიზმს ახასიათებს დემოკრატია. ინერციით მე-19 საუკუნეში ხელოვნება ითვლებოდა არისტოკრატების, მოსახლეობის ზედა ფენის მონოპოლიად. სწორედ ისინი მოქმედებდნენ ფრესკების, ძეგლების მთავარი მომხმარებლების როლში, სწორედ ისინი იყვნენ ნახატებისა და ქანდაკებების მთავარი მყიდველები. გლეხების შრომისმოყვარეობის ნაკვეთები, ჩვენი დროის ტრაგიკული ფურცლები, ომების სამარცხვინო ასპექტები, სიღარიბე, სოციალური არეულობა დაგმეს, არ მოიწონეს, არ იყიდეს. საზოგადოების მკრეხელური ზნეობის კრიტიკამ თეოდორ გერიკოს ნახატებში, ფრანსუა მილეტმა გამოხმაურება მხოლოდ მხატვრების მხარდამჭერებისა და რამდენიმე ექსპერტისგან იპოვა.

იმპრესიონისტებმა ამ საკითხში საკმაოდ კომპრომისული, შუალედური პოზიციები დაიკავეს. ოფიციალურ აკადემიზმში თანდაყოლილი ბიბლიური, ლიტერატურული, მითოლოგიური, ისტორიული შეთქმულებები გაუქმდა. მეორეს მხრივ, მათ გულმოდგინედ სურდათ აღიარება, პატივისცემა, ჯილდოებიც კი. საჩვენებელია ედუარ მანეს მოღვაწეობა, რომელიც წლების განმავლობაში ცდილობდა აღიარებას და ჯილდოებს ოფიციალური სალონისა და მისი ადმინისტრაციისგან.

სამაგიეროდ, გაჩნდა ყოველდღიური ცხოვრებისა და თანამედროვეობის ხედვა. მხატვრები ხშირად ხატავდნენ ადამიანებს მოძრაობაში, გართობის ან დასვენების დროს, წარმოედგინათ გარკვეული ადგილის ხედვა გარკვეულ შუქზე, ბუნებაც მათი მუშაობის მოტივი იყო. ისინი იღებდნენ ფლირტის, ცეკვის, კაფეებსა და თეატრებში დარჩენას, ნავით გასეირნებას, პლაჟებსა და ბაღებში. იმპრესიონისტების ნახატების მიხედვით ვიმსჯელებთ, ცხოვრება არის პატარა არდადეგების, წვეულებების, სასიამოვნო გართობების სერია ქალაქგარეთ ან მეგობრულ გარემოში (რენუარის, მანეს და კლოდ მონეს ნახატების რიგი). იმპრესიონისტები იყვნენ პირველები, ვინც ხატავდნენ ჰაერში, სტუდიაში მუშაობის დასრულების გარეშე.

ტექნიკა

ახალი ტენდენცია განსხვავდებოდა აკადემიური მხატვრობისგან როგორც ტექნიკურად, ასევე იდეოლოგიურად. უპირველეს ყოვლისა, იმპრესიონისტებმა მიატოვეს კონტური, შეცვალეს იგი მცირე ცალკეული და კონტრასტული შტრიხებით, რომლებიც მათ მიმართეს Chevreul-ის, Helmholtz-ის და Rude-ის ფერის თეორიების შესაბამისად. მზის სხივი იყოფა თავის კომპონენტებად: იისფერი, ლურჯი, ლურჯი, მწვანე, ყვითელი, ნარინჯისფერი, წითელი, მაგრამ რადგან ლურჯი ლურჯის ნაირსახეობაა, მათი რიცხვი ექვსამდე მცირდება. გვერდიგვერდ მოთავსებული ორი ფერი ერთმანეთს აძლიერებს და პირიქით, შერევისას კარგავენ ინტენსივობას. გარდა ამისა, ყველა ფერი იყოფა პირველადი, ან პირველადი, და ორმაგი, ან წარმოებულებად, ყოველი ორმაგი საღებავი დამატებით პირველს:

• ლურჯი - ნარინჯისფერი
• წითელი მწვანე
• ყვითელი - იასამნისფერი

ამგვარად, შესაძლებელი გახდა პალიტრაზე საღებავების არ შერევა და ტილოზე მათი სწორად დატანით სასურველი ფერის მიღება. მოგვიანებით ეს გახდა შავი ფერის უარყოფის მიზეზი.

შემდეგ იმპრესიონისტებმა შეწყვიტეს სახელოსნოებში ტილოებზე მთელი ნამუშევრის კონცენტრირება, ახლა მათ ურჩევნიათ ღია ცის ქვეშ, სადაც უფრო მოსახერხებელია მათი ნანახის წარმავალი შთაბეჭდილების აღება, რაც შესაძლებელი გახდა საღებავისთვის ფოლადის მილების გამოგონების წყალობით. რომელიც ტყავის ჩანთებისგან განსხვავებით შეიძლებოდა დაიხურა, რომ საღებავი არ გამომშრალიყო.

ასევე, მხატვრები იყენებდნენ გაუმჭვირვალე საღებავებს, რომლებიც კარგად არ გადასცემენ სინათლეს და შეუსაბამოა შერევისთვის, რადგან ისინი სწრაფად ფერხდებიან, ამან მათ საშუალება მისცა შეექმნათ ნახატები არა " შიდა", ა" გარე» სინათლე, რომელიც ირეკლავს ზედაპირს.

ტექნიკურმა განსხვავებებმა ხელი შეუწყო სხვა მიზნების მიღწევას, უპირველეს ყოვლისა, იმპრესიონისტები ცდილობდნენ გადაეღოთ წარმავალი შთაბეჭდილება, უმცირესი ცვლილებები თითოეულ საგანში დამოკიდებულია განათებაზე და დღის დროზე, ყველაზე მაღალი განსახიერება იყო მონეს ნახატების ციკლები "Haystacks". „რუანის საკათედრო ტაძარი“ და „ლონდონის პარლამენტი“.

ზოგადად, ბევრი ოსტატი მუშაობდა იმპრესიონისტულ სტილში, მაგრამ მოძრაობის საფუძველი იყო ედუარ მანე, კლოდ მონე, ოგიუსტ რენუარი, ედგარ დეგა, ალფრედ სისლი, კამილ პისარო, ფრედერიკ ბაზილი და ბერტე მორისო. თუმცა, მანე საკუთარ თავს ყოველთვის "დამოუკიდებელ მხატვარს" უწოდებდა და არასოდეს მონაწილეობდა გამოფენებში, და მიუხედავად იმისა, რომ დეგა მონაწილეობდა, ის არასოდეს ხატავდა თავის ნამუშევრებს პირდაპირ ეთერში.

ქრონოლოგია მხატვრის მიხედვით

იმპრესიონისტები

გამოფენები

• პირველი გამოფენა(15 აპრილი - 15 მაისი)

• მეორე გამოფენა(აპრილი)

Მისამართი: ქ. Lepeletier, 11 (Durand-Ruel გალერეა). წევრები: ბასილი (მშობიაროდ, მხატვარი გარდაიცვალა 1870 წელს), ბელიარი, ბიურო, დებიუტინი, დეგასი, კაილბოტე, კალსი, ბერკეტი, ლეგროსი, ლეპიკი, ფეტვი, მონე, მორისო, ლ. ოტენი, პისარო, რენუარი, რუარი, სისლი, ტილო, ფრანსუა

• მესამე გამოფენა(აპრილი)

Მისამართი: ქ. ლეპელეტიე, 6. წევრები: გიომენი, დეგა, კეილბოტი, კალსი, კორდეილი, ბერკეტი, ლამი, მონე, მორისო, ალფონს მორო, პიეტი, პისარო, რენუარი, რუარი, სეზანი, სისლი, ტილო, ფრანსუა.

• მეოთხე გამოფენა(10 აპრილი - 11 მაისი)

Მისამართი: ოპერის გამზირი, 28. წევრები: Bracquemont, Madame Bracquemont, Gogen, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cals, Cassatt, Lebourg, Monet, Piette, Pissarro, Rouart, Somm, Tillo, Forain.

• მეხუთე გამოფენა(1 აპრილი - 30 აპრილი)

Მისამართი: ქ. პირამიდები, 10. წევრები: ბრაკემონი, ქალბატონი ბრაკემონი, ვიდალი, ვინიონი, გიომენი, გოგენი, დეგასი, ზანდომენეგი, კაილებოტი, კასატი, ლებური, ბერკეტი, მორისო, პისარო, რაფაელი, რუატი, ტილო, ფორეინი.

• მეექვსე გამოფენა(2 აპრილი - 1 მაისი)

Მისამართი: Boulevard des Capucines, 35 (ფოტოგრაფი ნადარის სტუდია). წევრები: ვიდალი, ვინიონი, გიომ, გოგენი, დეგა, ზანდომენეგი, კასატი, მორისო, პისარო, რაფაელი, რუარი, ტილო, ფორეინი.

• მეშვიდე გამოფენა(მარტი)

Მისამართი: Faubourg-Saint-Honoré, 251 (At Durand-Ruel). წევრები: ვინიონი, გიომ, გოგენი, კაილბოტი, მონე, მორისო, პისარო, რენუარი, სისლი.

• მერვე გამოფენა(15 მაისი - 15 ივნისი)

Მისამართი: ქ. ლაფიტი, 1. წევრები: მადამ ბრაკემონი, ვინიონი, გიომინი, გოგენი, დეგა, ზანდომენეგი, კასეტა, მორისო, კამილ პისარო, ლუსიენ პისარო, რედონი, რუატი, სეურატი, სინიაკი, ტილო, ფორეინი, შუფენეკერი.

იმპრესიონიზმი ლიტერატურაში

ლიტერატურაში იმპრესიონიზმი არ განვითარდა, როგორც ცალკეული ტენდენცია, მაგრამ მისი თვისებები აისახა ნატურალიზმსა და სიმბოლიზმში.

უპირველეს ყოვლისა, მას ახასიათებს ავტორის პირადი შთაბეჭდილების გამოხატვა, რეალობის ობიექტური სურათის უარყოფა, ყოველი მომენტის ასახვა, რაც უნდა მოჰყვეს სიუჟეტის, ისტორიის არარსებობას და აზრის აღქმით შეცვლას. და მსჯელობა ინსტინქტით. იმპრესიონისტული სტილის ძირითადი მახასიათებლები ჩამოაყალიბეს ძმებმა გონკურებმა თავიანთ ნაშრომში "დღიური", სადაც ცნობილი ფრაზა " დანახვა, შეგრძნება, გამოხატვა - ეს ყველაფერი ხელოვნებაამრავალი მწერლის ცენტრალურ პოზიციად იქცა.

ნატურალიზმში მთავარი პრინციპი იყო ჭეშმარიტება, ბუნებისადმი ერთგულება, მაგრამ ის ექვემდებარება შთაბეჭდილებას და, შესაბამისად, რეალობის გამოჩენა დამოკიდებულია თითოეულ ინდივიდუალურ ადამიანზე და მის ტემპერამენტზე. ეს ყველაზე სრულყოფილად არის გამოხატული ემილ ზოლას რომანებში, სუნების, ბგერებისა და ვიზუალური აღქმის მის დეტალურ აღწერაში.

პირიქით, სიმბოლიზმი მოითხოვდა მატერიალური სამყაროს უარყოფას და იდეალისკენ დაბრუნებას, მაგრამ გადასვლა შესაძლებელია მხოლოდ წარმავალი შთაბეჭდილებებით, ხილულ საგნებში საიდუმლო არსის გამოვლენით. პოეტური იმპრესიონიზმის თვალსაჩინო მაგალითი - კრებული

რუსული ენის განმარტებითი ლექსიკონი. დ.ნ. უშაკოვი

იმპრესიონიზმი

იმპრესიონიზმი, pl. არა, მ (ფრ. impressionisme) (ხელოვნება). მიმართულება ხელოვნებაში, რომელიც მიზნად ისახავს რეალობის პირდაპირი, სუბიექტური შთაბეჭდილებების გადმოცემას, რეპროდუცირებას.

რუსული ენის განმარტებითი ლექსიკონი. ს.ი.ოჟეგოვი, ნ.იუ.შვედოვა.

იმპრესიონიზმი

ა, მ. XIX საუკუნის ბოლოს - მე-20 საუკუნის დასაწყისის ხელოვნების მიმართულება. სწრაფვა მხატვრის გამოცდილების, განწყობებისა და შთაბეჭდილებების პირდაპირი რეპროდუქციისაკენ.

ადგ. იმპრესიონისტური, -th, -th და იმპრესიონისტული, -th, -th.

რუსული ენის ახალი განმარტებითი და წარმოებული ლექსიკონი, T.F. Efremova.

იმპრესიონიზმი

მ. XIX საუკუნის ბოლო მესამედის - მე-20 საუკუნის დასაწყისის ხელოვნებაში მიმართულება, რომელიც ეფუძნება რეალური სამყაროს ასახვის სურვილს მის მობილურობაში, ცვალებადობაში და მხატვრის, კომპოზიტორის საკუთარი განცდების დაჭერით და ა.შ.

ენციკლოპედიური ლექსიკონი, 1998 წ

იმპრესიონიზმი

იმპრესიონიზმი (ფრანგული შთაბეჭდილებიდან - შთაბეჭდილება) მიმართულება მე-19 საუკუნის ბოლო მესამედის ხელოვნებაში - ადრეული. 20 საუკუნეში, რომლის წარმომადგენლები ცდილობდნენ ყველაზე ბუნებრივად და მიუკერძოებლად დაეფიქსირებინათ რეალური სამყარო მისი მობილურობითა და ცვალებადობით, გადმოეცათ თავიანთი წარმავალი შთაბეჭდილებები. იმპრესიონიზმი წარმოიშვა 1860-იან წლებში, ფრანგულ მხატვრობაში: ე. მანემ, ო. რენუარმა, ე. დეგამ შეიტანეს ხელოვნებაში სიცოცხლის აღქმის სიახლე და უშუალობა, მომენტალური, თითქოსდა, შემთხვევითი მოძრაობებისა და სიტუაციების გამოსახულება, აშკარა დისბალანსი, ფრაგმენტული. კომპოზიცია, მოულოდნელი ხედები, კუთხეები, ფიგურების ჭრა. 1870-80-იან წლებში. იმპრესიონიზმი ჩამოყალიბდა ფრანგულ ლანდშაფტში: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley შეიმუშავეს თანმიმდევრული პლეინ-ჰაერის სისტემა; ღია ცის ქვეშ მუშაობისას მათ შექმნეს ცქრიალა მზის განცდა, ბუნების ფერების სიმდიდრე, სინათლისა და ჰაერის ვიბრაციაში სამგანზომილებიანი ფორმების დაშლა. რთული ტონების დაშლა სუფთა ფერებად (ტილოზე დაწესებული ცალკეული შტრიხებით და შექმნილია მათი ოპტიკური შერევისთვის მაყურებლის თვალში), ფერადი ჩრდილები და ანარეკლები წარმოშვა შეუდარებელი მსუბუქი, მოციმციმე ნახატი. მხატვრების გარდა (ამერიკელი - ჯ. უისლერი, გერმანელი - მ. ლიბერმანი, ლ. კორინთი, რუსები - კ. ა. კოროვინი, ი. ე. გრაბარი), მოქანდაკეები აღიქვამდნენ იმპრესიონიზმის ინტერესს მყისიერი მოძრაობის, თხევადი ფორმით (ფრანგული - ო. როდენი, იტალიელი). - M. Rosso, რუსული - P. P. Trubetskoy). მუსიკალური იმპრესიონიზმისთვის კონ. 19 - სათხოვარი. მე -20 საუკუნე (საფრანგეთში - C. Debussy, ნაწილობრივ M. Ravel, P. Duke და სხვ.), რომელიც განვითარდა იმპრესიონიზმის გავლენით ფერწერაში, ახასიათებს დახვეწილი განწყობის გადაცემა, ფსიქოლოგიური ნიუანსი, მიდრეკილება ლანდშაფტის პროგრამირებისკენ, ა. ინტერესი ტემბრისა და ჰარმონიული ფერადოვნების მიმართ. ლიტერატურაში საუბარია იმპრესიონისტული სტილის თავისებურებებზე მე-19 საუკუნის ბოლო მესამედის ევროპულ ლიტერატურასთან, დასაწყისის რუსულ პოეზიასთან მიმართებაში. მე -20 საუკუნე (კ. ჰამსუნი ნორვეგიაში, ი. ფ. ანენსკი რუსეთში და სხვ.).

იმპრესიონიზმი

(ფრანგ. impressionnisme, შთაბეჭდილებიდან ≈ შთაბეჭდილება), მიმართულება მე-19 ≈ მე-20 საუკუნის დასაწყისის ხელოვნებაში. ფრანგულ მხატვრობაში 1860-იანი წლების ბოლოს და 1870-იანი წლების დასაწყისში ჩამოყალიბდა ი. მომწიფების დროს (1870-იანი წლები - 1880-იანი წლების პირველი ნახევარი) ი. წარმოდგენილი იყო მხატვართა ჯგუფით (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, C. Pissarro, A. Sisley, B. მორისოტი და სხვები.), გაერთიანდნენ ხელოვნების განახლებისა და ოფიციალური სალონური აკადემიზმის დასაძლევად ბრძოლაში და ამ მიზნით მოაწყვეს 8 გამოფენა 1874 წლიდან 1886 წლამდე; ე. მანე, რომელიც ჯერ კიდევ 1860-იან წლებში. წინასწარ განსაზღვრა ი-ს ორიენტაცია და რომელიც ასევე 1870-80-იან წლებში. დაკავშირებული იყო მასთან მრავალი თვალსაზრისით, არ შედიოდა ამ ჯგუფში. სათაური "მე". წარმოიშვა 1874 წლის გამოფენის შემდეგ, სადაც გამოიფინა C. Monet-ის ნახატი „Impression. ამომავალი მზე“ („Impression, Soleil levant“, 1872, ახლა მუზეუმში Marmottan, პარიზი).

ი.აგრძელებს იმას, რაც დაიწყო 1840-60-იანი წლების რეალისტური ხელოვნება. კლასიციზმის, რომანტიზმისა და აკადემიზმის კონვენციებისგან განთავისუფლება და ადასტურებს ყოველდღიური რეალობის სილამაზეს, მარტივ, დემოკრატიულ მოტივებს, აღწევს გამოსახულების ცოცხალ ავთენტურობას. ი. ავთენტურ, თანამედროვე ცხოვრებას ესთეტიურად მნიშვნელოვანს ხდის თავისი ბუნებრიობით, ფერების მთელი სიმდიდრითა და ბზინვარებით, იპყრობს ხილულ სამყაროს მისი თანდაყოლილი მუდმივი ცვალებადობით, ხელახლა ქმნის ადამიანისა და მისი გარემოს ერთიანობას. ხაზს უსვამენ, თითქოს, ცხოვრების უწყვეტი ნაკადის გარდამავალ მომენტს, თითქოს შემთხვევით მოჰკრა თვალი, იმპრესიონისტები ტოვებენ თხრობას, სიუჟეტს. თავიანთ პეიზაჟებში, პორტრეტებსა და მრავალფიგურიან კომპოზიციებში მხატვრები ცდილობენ შეინარჩუნონ „პირველი შთაბეჭდილების“ მიუკერძოებლობა, სიძლიერე და სიახლე, რაც საშუალებას აძლევს მათ აღბეჭდონ ცალსახად დამახასიათებელი ის, რასაც ხედავენ, ცალკეული დეტალების გარეშე. სამყაროს, როგორც მუდმივად ცვალებადი ოპტიკური ფენომენის გამოსახვა, ი. არ ცდილობს ხაზი გაუსვას მის მუდმივ, ღრმა თვისებებს. ვიზუალურ ხელოვნებაში სამყაროს ცოდნა ეფუძნება ძირითადად დახვეწილ დაკვირვებას, მხატვრის ვიზუალურ გამოცდილებას, რომელიც იყენებს ნამუშევრებს და ბუნებრივი ოპტიკური აღქმის კანონებს მხატვრული დამაჯერებლობის მისაღწევად. ამ აღქმის პროცესი, მისი დინამიკა აისახება ნაწარმოების სტრუქტურაში, რაც, თავის მხრივ, აქტიურად წარმართავს მაყურებლის მიერ სურათის აღქმას. ამასთან, ვიზუალიზაციის მეთოდის ხაზგასმული ემპირიზმი, რომელიც მას ნატურალიზმთან აკავშირებდა, ზოგჯერ ვიზუალური ხელოვნების წარმომადგენლებს თვითკმარი ვიზუალურ-მხატვრობის ექსპერიმენტებამდე მიჰყავდა, რაც ზღუდავდა რეალობის არსებითი მომენტების მხატვრული ცოდნის შესაძლებლობებს. ზოგადად, იმპრესიონისტების ნამუშევრები გამოირჩევა ხალისიანობით, სამყაროს სენსუალური სილამაზისადმი ენთუზიაზმით; და მხოლოდ დეგას და მანეს ზოგიერთ ნაწარმოებში არის მწარე, სარკასტული ნოტები.

იმპრესიონისტები პირველად ქმნიან თანამედროვე ქალაქის ყოველდღიურობის მრავალმხრივ სურათს, გადმოსცემენ მისი ლანდშაფტის ორიგინალურობას და მასში მცხოვრები ხალხის გარეგნობას, მათ ცხოვრების წესს და ნაკლებად ხშირად შრომას; კონკრეტულად ურბანული გართობის თემა ინდოეთშიც ჩნდება. ამასთან, ი-ს ხელოვნებაში სუსტდება სოციალური კრიტიკის მომენტი. იმპრესიონისტი ლანდშაფტის მხატვრები (განსაკუთრებით პისარო და სისლი) ადამიანთან ახლოს ყოველდღიური ბუნების ჭეშმარიტი გამოსახვისკენ მიისწრაფვით, ავითარებენ ბარბიზონის სკოლის ტრადიციებს. J. Constable-ის, Barbizons-ის, ასევე C. Corot-ის, E. Boudin-ისა და J.B. Jongkind-ის (იხ. მათ პეიზაჟებში ყოველდღიური მოტივი ხშირად გარდაიქმნება ყოვლისმომცველი, მოძრავი მზის შუქით, რაც სურათში სადღესასწაულო განცდას მოაქვს. ნახატზე უშუალოდ ღია ცის ქვეშ მუშაობამ შესაძლებელი გახადა ბუნების რეპროდუცირება მთელი მისი რეალური სიცოცხლით, დახვეწილი ანალიზი და მყისიერად დაფიქსირება მისი გარდამავალი მდგომარეობების დაფიქსირება, ოდნავი ფერის ცვლილებების დაფიქსირება, რომელიც ჩნდება ვიბრაციული და თხევადი მსუბუქი ჰაერის გავლენის ქვეშ. მედიუმი (ორგანულად აერთიანებს ადამიანს და ბუნებას), რომელიც ზოგჯერ ი.-ში ხდება გამოსახულების დამოუკიდებელი ობიექტი (ძირითადად მონეს შემოქმედებაში). სურათზე ბუნების სიახლისა და ფერების მრავალფეროვნების შესანარჩუნებლად, იმპრესიონისტებმა (დეგას გარდა) შექმნეს ფერწერული სისტემა, რომელიც გამოირჩევა რთული ტონების სუფთა ფერებად დაშლით და სუფთა ფერის ცალკეული შტრიხების ურთიერთშეღწევით. , თითქოს ერთმანეთში ერევა მნახველის თვალში მსუბუქი და კაშკაშა ფერები, ვალერიისა და რეფლექსების სიმდიდრე, ფერადი ჩრდილები. მოცულობითი ფორმები, თითქოს, იხსნება მსუბუქი ჰაერის გარსში, რომელიც მათ ფარავს, დემატერიალიზდება, იძენს კონტურების არასტაბილურობას: სხვადასხვა შტრიხების თამაში, პასტისა და თხევადი, ფერად ფენას აძლევს კანკალს, რელიეფს; ეს ქმნის არასრულყოფილების თავისებურ შთაბეჭდილებას, ტილოს ჭვრეტის პირის წინაშე გამოსახულების ფორმირებას. ეს ყველაფერი დაკავშირებულია მხატვრის სურვილთან, შეენარჩუნებინა ნახატში იმპროვიზაციის ეფექტი, რომელიც წინა ეპოქაში მხოლოდ ესკიზებში იყო დაშვებული და რომელიც ჩვეულებრივ ქრება, როდესაც ისინი დამუშავებული იყო დასრულებულ ნამუშევრებად. ამრიგად, ი.-ში ხდება ესკიზისა და ნახატის დაახლოება და ხშირად მუშაობის რამდენიმე ეტაპის შერწყმა ერთ უწყვეტ პროცესში. იმპრესიონისტული სურათი არის ცალკე ჩარჩო, მოძრავი სამყაროს ფრაგმენტი. ეს განმარტავს, ერთის მხრივ, სურათის ყველა ნაწილის ეკვივალენტობას, ერთდროულად დაბადებული მხატვრის ფუნჯის ქვეშ და თანაბრად მონაწილეობს ნაწარმოების ფიგურალურ კონსტრუქციაში; მეორეს მხრივ, მოჩვენებითი შემთხვევითობა და დისბალანსი, კომპოზიციის ასიმეტრია, ფიგურების თამამი ჭრა, მოულოდნელი ხედვა და რთული კუთხეები, რომლებიც ააქტიურებენ სივრცის კონსტრუქციას; კარგავს სიღრმეს, სივრცე ხანდახან „გამოდის“ თვითმფრინავზე ან მიდის უსასრულობამდე. კომპოზიციისა და სივრცის აგების ზოგიერთ მეთოდში შესამჩნევია იაპონური გრავიურის და გარკვეულწილად ფოტოგრაფიის გავლენა.

1880-იანი წლების შუა პერიოდისთვის. ი., ამოწურა თავისი შესაძლებლობები, როგორც ინტეგრალური სისტემა და ერთი მიმართულება, იშლება, რაც იმპულსებს აძლევს ხელოვნების შემდგომ ევოლუციას. ი.-მ ხელოვნებაში შემოიტანა ახალი თემები, გაიაზრა რეალობის მრავალი ასპექტის ესთეტიკური მნიშვნელობა. ნათელი და უშუალო სიცოცხლისუნარიანობით გამოირჩევა სექსუალურ ი. ამავე დროს, ი.-ს ახასიათებს აგრეთვე ესთეტიკური შინაგანი ღირებულებისა და ფერის ახალი გამომსახველობითი შესაძლებლობების იდენტიფიცირება, შესრულების მეთოდის ხაზგასმული ესთეტიზირება და ნაწარმოების ფორმალური სტრუქტურის გამოვლენა; სწორედ ეს თვისებები, რომლებიც მხოლოდ ი. 1880≈1910-იან წლებში. ი.-მ მნიშვნელოვანი გავლენა მოახდინა სხვა ქვეყნების ბევრ მხატვარზე (მ. ლიბერმანი, ლ. კორინთი გერმანიაში; კ. ა. კოროვინი, ვ. ა. სეროვი, ი. ე. გრაბარი, ადრეული მ. ვ. ლარიონოვი რუსეთში და სხვ.), რაც განვითარებაში გამოიხატა. რეალობის ახალი ასპექტები, პლეინ ჰაერის ეფექტების დაუფლება, პალიტრის გამოკვეთა, ესკიზური მანერა, გარკვეული ტექნიკური ტექნიკის დაუფლება. ვიზუალური ხელოვნების გარკვეული პრინციპები - მყისიერი მოძრაობის გადაცემა და ფორმის სითხე - სხვადასხვა ხარისხით აისახა სკულპტურაში 1880-იან და 1910-იან წლებში. (ე. დეგა და ო. როდენი საფრანგეთში, მ. როსო იტალიაში, პ. პ. ტრუბეცკოი და ა. ს. გოლუბკინა რუსეთში); ამავდროულად, იმპრესიონისტული ქანდაკების გაზრდილი ფერწერულობა ხანდახან ეწინააღმდეგებოდა სკულპტურული გამოსახულების ბუნებაში თანდაყოლილ ხელშესახებობასა და სხეულებრივობას. მე-20 საუკუნის ხელოვნების მრავალ რეალისტურ მოძრაობაში შესამჩნევია ი-ის ტრადიციები. ი. ვიზუალურ ხელოვნებაში გარკვეული გავლენა იქონია ი-ის ზოგიერთი პრინციპის ჩამოყალიბებაზე და ლიტერატურაში, მუსიკასა და თეატრში გამომსახველობითი საშუალებების განვითარებაზე; თუმცა, ხელოვნების ამ ფორმებში ხელოვნება არ იქცა ეტაპობრივი მნიშვნელობის განუყოფელ მხატვრულ სისტემად.

ლიტერატურასთან მიმართებაში სტილი ფართოდ განიხილება, როგორც სტილისტური ფენომენი, რომელიც წარმოიშვა XIX საუკუნის ბოლო მესამედში. და დაიპყრო სხვადასხვა რწმენისა და მეთოდის მწერლები და ვიწროდ - როგორც ტენდენცია გარკვეული მეთოდით და მსოფლმხედველობით, რომელიც მიზიდული იყო დეკადენციისკენ, რომელიც განვითარდა მე-19 და მე-20 საუკუნეების მიჯნაზე. „იმპრესიონისტული სტილის“ ნიშნებია მკაფიოდ განსაზღვრული ფორმის არარსებობა და საგნის ფრაგმენტულად გადმოცემის სურვილი, მყისიერად აფიქსირებს ყოველი შთაბეჭდილების შტრიხს, რაც, თუმცა, მთლიანობის განხილვისას გამოავლინა მათი ფარული ერთიანობა და კავშირი. როგორც განსაკუთრებული სტილი, ი.-მ, პირველი შთაბეჭდილების ღირებულების პრინციპით, შესაძლებელი გახადა თხრობა ისეთი, თითქოს, შემთხვევით ჩამორთმეული დეტალებით, რომლებიც აშკარად არღვევდა ნარატიული გეგმის მკაცრ თანმიმდევრულობას და პრინციპს. არსებითი, მაგრამ მათი „გვერდითი“ ჭეშმარიტების შერჩევა სიუჟეტს არაჩვეულებრივ სიკაშკაშესა და სიახლეს ანიჭებდა, ხოლო მხატვრული იდეა - მოულოდნელი განშტოება და მრავალფეროვნება. სტილისტურ ფენომენად დარჩენას ი. არ გულისხმობდა, განსაკუთრებით დიდ მწერლებს შორის (მაგალითად, ა. პ. ჩეხოვი, ი. ა. ბუნინი და ა. (მაგალითად, ჩეხოვის მიერ ჭექა-ქუხილის აღწერა მოთხრობაში „სტეპი“; ჩეხოვის სტილში ი.-ის თავისებურებები აღნიშნა ლ. ნ. ტოლსტოიმაც). მე-20 საუკუნის დასაწყისისთვის საერთო რეალისტურ საფუძველზე წარმოიშვა ი-ს რამდენიმე სტილისტური სახეობა. ძმები ჯ. და ე. გონკურები („ნერვების პოეტები“, „შეუმჩნეველი შეგრძნებების მცოდნეები“) იყვნენ „ფსიქოლოგიური მე“-ს ფუძემდებელი, რომლის დახვეწილი ტექნიკა ჩანს კ. ჰამსუნის რომანში „შიმშილი“, ქ. ადრეული T. Mann (მოთხრობებში), S. Zweig, I.F. Annensky-ის ლექსებში. „პლეინ ჰაერი“, მღელვარე ფერწერულობა იგრძნობა იგივე ძმებმა გონკურმა, ე. ზოლამ პარიზის აღწერის სტილში („სიყვარულის გვერდი“), დანიელი მწერლის ე.პ. იაკობსენის (მოთხრობაში „მოგენსი“); მხატვრულად გამოხატავს ლირიკულ სიტუაციებს გერმანელი პოეტის დ.ფონ ლილიენკრონის იმპრესიონისტული ტექნიკის (მათ შორის სინტაქსისა და რიტმის) საშუალებით. ინგლისელმა ნეორომანტიკოსმა მწერლებმა რ.ლ სტივენსონმა და ჯ.კონრადმა განავითარეს ი. მათი მანერა გაგრძელდა შემდგომ ლიტერატურაში „სამხრეთის“ თემებზე, ს. მოჰემის მოთხრობებამდე. პ.ვერლენის რომანსებში უსიტყვოდ სულის მღელვარებასა და თვალწარმტაც ციმციმებს („გარკვეული ჩრდილები გვხიბლავს“) თან ახლავს მუსიკალური განწყობილება და მისი ლექსი „პოეტური ხელოვნება“ (1874, გამოქვეყნდა 1882) ორივე მანიფესტად ჟღერს. პოეტური I. და მოსწონს სიმბოლიზმის პოეტიკის წინათგრძნობა.

მოგვიანებით ჰამსუნი და მე-20 საუკუნის დასაწყისის ზოგიერთი სხვა მწერალი. ი. ნაკლებად თუ მეტწილად იზოლირებულია რეალისტური პრინციპებისგან და გადაიქცევა განსაკუთრებულ ხედვასა და დამოკიდებულებაში (ან მეთოდად) - ბუნდოვან, განუსაზღვრელ სუბიექტივიზმს, ნაწილობრივ მოლოდინში "ცნობიერების ნაკადის" ლიტერატურას (მ. პრუსტის შრომა). ). ასეთი ი. თავისი „მომენტის ფილოსოფიით“ ეჭვქვეშ აყენებდა ცხოვრების სემანტიკურ და მორალურ საფუძვლებს. „შთაბეჭდილების“ კულტმა ადამიანი ჩაკეტა საკუთარ თავში; მხოლოდ ის, რაც წარმავალი, ელასტიური, არაფრით გამოუხატავია, გრძნობების გარდა, გახდა ღირებული და ერთადერთი რეალური. ფლუიდური განწყობილება ძირითადად „სიყვარულისა და სიკვდილის“ თემის ირგვლივ ტრიალებდა; მხატვრული გამოსახულება აგებული იყო რყევად შეფასებებზე და ბუნდოვან მინიშნებებზე, რომლებიც ხსნიდნენ „ფარდას“ ადამიანის ცხოვრებაში არაცნობიერი ელემენტების ფატალურ თამაშზე. დეკადენტური მოტივები დამახასიათებელია ი-ს ვენის სკოლისთვის (გ. ბარი; ა. შნიცლერი, განსაკუთრებით მისი ერთმოქმედებიანი პიესები მწვანე თუთიყუში, 1899, თოჯინები, 1906 და სხვ.), პოლონეთში - ი. კასპროვიჩისთვის, კ. ტეტმაიერი . ი.-ის გავლენა განიცადეს, მაგალითად, ო. უაილდი, გ. ფონ ჰოფმანშტალმა (ლირიკული პოეზია, მათ შორის „გარე ცხოვრების ბალადა; ლიბრეტო დრამები), რუსულ ლიტერატურაში - ბ.კ.ზაიცევი (ფსიქოლოგიური კვლევები), კ.დ. ბალმონტი (თან ერთად. მისი "გარდამავალი" ლექსები). მე-20 საუკუნის შუა ხანებისთვის I. როგორც დამოუკიდებელმა მეთოდმა ამოწურა თავი.

ტერმინის "მე" გამოყენება. მუსიკალური მხატვრობა მრავალი თვალსაზრისით პირობითია - მუსიკალური მხატვრობა არ წარმოადგენს მხატვრობის პირდაპირ ანალოგს და არ ემთხვევა მას ქრონოლოგიურად (მისი აყვავების პერიოდი იყო 1990-იან წლებში და მე-20 საუკუნის პირველ ათწლეულში). მუსიკალურ ი.-ში მთავარია განწყობების გადმოცემა, რომლებიც იძენენ სიმბოლოების მნიშვნელობას, დახვეწილ ფსიქოლოგიურ ნიუანსებს და მიდრეკილებას პოეტური ლანდშაფტის პროგრამირებისკენ. მას ასევე ახასიათებს დახვეწილი ფანტაზია, ანტიკურობის პოეტიზაცია, ეგზოტიკა, ტემბრისადმი ინტერესი და ჰარმონიული ბრწყინვალება. მხატვრობაში ი.-ს ძირითად ხაზთან საერთო აქვს ცხოვრებისადმი ენთუზიაზმით განწყობილი; მწვავე კონფლიქტების მომენტები, მასში არსებული სოციალური წინააღმდეგობები გვერდის ავლით. C. Debussy-ის შემოქმედებაში ნაპოვნი მუსიკალური I. კლასიკური გამოხატულება; მისი თვისებები ასევე გამოჩნდა მ. რაველის, პ. დიუკის, ფ. შმიტის, ჯ.ჯ. როჯერ-დუკას და სხვა ფრანგი კომპოზიტორების მუსიკაში.

მუსიკალურმა ი.-მ მემკვიდრეობით მიიღო გვიანი რომანტიზმისა და XIX საუკუნის ეროვნული მუსიკალური სკოლების ხელოვნების მრავალი თვისება. („ძლიერი მუჭა“, ​​ფ. ლისტი, ე. გრიგი და სხვები). ამავდროულად, იმპრესიონისტებმა კონტურების მკაფიო რელიეფი, გვიანდელი რომანტიკოსების მუსიკალური პალიტრის წმინდა მატერიალურობა და ზედმეტად გაჯერება დაუპირისპირეს თავშეკავებული ემოციების ხელოვნებას და გამჭვირვალე, ძუნწ ტექსტურას და სურათების თავისუფალ ცვალებადობას.

იმპრესიონისტი კომპოზიტორების შემოქმედებამ მრავალმხრივ გაამდიდრა მუსიკის გამომხატველი საშუალებები, განსაკუთრებით ჰარმონიის სფერო, რომელმაც მიაღწია დიდ სილამაზესა და დახვეწილობას; მასში აკორდის კომპლექსების გართულება შერწყმულია მოდალური აზროვნების გამარტივებასა და არქაიზაციასთან; ორკესტრაციაში დომინირებს სუფთა ფერები, ახირებული ანარეკლები, არასტაბილური და გაუგებარი რიტმები. წინა პლანზე მოდის ჰარმონიული და ტემბრული საშუალებების ბრწყინვალება: ძლიერდება თითოეული ბგერის, აკორდის გამომხატველი მნიშვნელობა, ვლინდება მოდალური სფეროს გაფართოების მანამდე უცნობი შესაძლებლობები. განსაკუთრებული სიახლე იმპრესიონისტების მუსიკას ანიჭებდა მათ ხშირ მიმართვას სიმღერისა და ცეკვის ჟანრებზე, აღმოსავლეთის, ესპანეთის ხალხების მუსიკალური ენის ელემენტებზე და ნეგრო ჯაზის ადრეულ ფორმებზე.

მე-20 საუკუნის დასაწყისში საფრანგეთის საზღვრებს გასცდა მუსიკალური ი. იგი თავდაპირველად შეიმუშავეს M. de Falla-მ ესპანეთში, A. Casella-მ და O. Respighi-მ იტალიაში. ორიგინალური თავისებურებები თანდაყოლილია ინგლისურ მუსიკალურ ი. თავისი „ჩრდილოეთის“ ლანდშაფტით (ფ. დელიუსი) ან პიკანტური ეგზოტიკით (ს. სკოტი). პოლონეთში მიუზიკლის ეგზოტიკურ ხაზს წარმოადგენდა კ. შიმანოვსკი (1920 წლამდე), რომელიც მიზიდული იყო ანტიკურობისა და ძველი აღმოსავლეთის ულტრა დახვეწილი სურათებისკენ. I. ესთეტიკის გავლენა მე-20 საუკუნის მიჯნაზე. ზოგიერთმა რუსმა კომპოზიტორმაც განიცადა ეს, კერძოდ, A. N. Scriabin, რომელიც ერთდროულად განიცდიდა სიმბოლიზმის გავლენას; რუსული ი.-ს მეინსტრიმში, ახირებული შერწყმული ნ.ა. რიმსკი-კორსაკოვის სკოლის გავლენით, ი.ფ. სტრავინსკიმ დაიწყო თავისი მოგზაურობა, შემდგომ წლებში იგი ხელმძღვანელობდა ანტიიმპრესიონისტულ ტენდენციას დასავლეთ ევროპის მუსიკაში.

ო.ვ.მამონტოვა (ი. სახვით ხელოვნებაში), ი.ვ.ნესტიევი (ი. მუსიკაში).

მე -19 საუკუნის ბოლოს - მე -20 საუკუნის დასაწყისის თეატრში. გაიზარდა რეჟისორებისა და შემსრულებლების ყურადღება მოქმედების ატმოსფეროს, კონკრეტული სცენის განწყობის გადმოცემაზე და მისი ქვეტექსტის გამოვლენაზე. ამავდროულად, ცხოვრების ავთენტურობა და მნიშვნელოვნება გადმოცემული იყო მიზანმიმართულად ზედმიწევნითი მახასიათებლების დახმარებით ინდივიდუალურ კაშკაშა ექსპრესიულ დეტალებთან ერთად, რომლებიც ავლენდნენ გმირის დაჩრდილულ გამოცდილებას, მის აზრებს და მოქმედებების იმპულსებს. რიტმების უეცარი ცვლილებები, ბგერების გამოყენება, ფერწერული ფერის ლაქები რეჟისორმა გამოიყენა სპექტაკლში გარკვეული ემოციური სიმდიდრის შესაქმნელად, რომლის მეშვეობითაც გამოიკვეთა დრამის შინაგანი ზრდა, რომელიც იმალება ყოველდღიური ცხოვრების მსვლელობის მიღმა. ი-ს გამომსახველობითი საშუალებები გამოიყენებოდა ა.ანტუანის (საფრანგეთი), მ.რეინჰარდტის (გერმანია), ვ.ე.მეიერჰოლდის (რუსეთი) სპექტაკლებში, მოსკოვის სამხატვრო თეატრის სპექტაკლებში (მაგალითად, პიესების სპექტაკლებში. ა.პ. ჩეხოვი). თანამედროვეებმა აღნიშნეს ი.-ის თვისებები გ.რეჟანის (საფრანგეთი), ე.დუზეს (იტალია), ვ.ფ.კომისარჟევსკაიას და სხვა მსახიობების მსახიობობაში.

T. M. სამშობლო.

ლიტ.: მოკლერ კ., იმპრესიონიზმი. მისი ისტორია, მისი ესთეტიკა, მისი ოსტატები, ტრანს. ფრანგულიდან მ.,; მაიერ-გრეფე იუ., იმპრესიონისტები, მთარგმნ. გერმანულიდან., მ., 1913; ვენტური ლ., მანედან ლოტრეკამდე, თარგმანი. იტალიურიდან., მ., 1958; Rewald, J., A History of Impressionism, trans. ინგლისურიდან, L.≈M., 1959; იმპრესიონიზმი, ტრანს. ფრანგულიდან, ლ., 1969; ჩეგოდაევი ა.დ., იმპრესიონისტები, მ., 1971; Bazin G., L "époque impressionniste, 2 ed., P., 1953; Leymarie J., L" impressionisme, v. 1≈2, გენ., 1959; Danckert W., Das Wesen des musikalischen Impressionismus, "Deutsche Vierteljiahrsschrift für Literaturwissenschaft und Geistesgeschichte", 1929, Bd 7, N. 1; Koelsch H. F., Der Impressionismus bei Debussy, Düsseldorf, 1937 (Diss.); Schulz H.≈G., Musikalischer Impressionismus und impressionistischer Klavierstil, Würzburg, 1938; Kroher, E., Impressionismus in der Musik, Lpz., 1957 წ.

ვიკიპედია

იმპრესიონიზმი

იმპრესიონიზმი(,-დან შთაბეჭდილება- შთაბეჭდილება) - მე -19 საუკუნის ბოლო მესამედის - მე -20 საუკუნის დასაწყისის ხელოვნების ტენდენცია, რომელიც წარმოიშვა საფრანგეთში და შემდეგ გავრცელდა მთელ მსოფლიოში, რომლის წარმომადგენლები ცდილობდნენ შეიმუშაონ მეთოდები და ტექნიკა, რამაც შესაძლებელი გახადა ყველაზე ბუნებრივად და ნათლად აღებეჭდა რეალურ სამყაროს თავისი მობილურობითა და ცვალებადობით, გადმოსცეს თავისი წარმავალი შთაბეჭდილებები. ჩვეულებრივ, ტერმინი "იმპრესიონიზმი" ნიშნავს მიმართულებას ფერწერაში, თუმცა მისი იდეები ასევე განხორციელდა ლიტერატურასა და მუსიკაში, სადაც იმპრესიონიზმი ასევე გამოჩნდა ლიტერატურული და მუსიკალური ნაწარმოებების შექმნის მეთოდებსა და ტექნიკებში, რომლებშიც ავტორები ცდილობდნენ გადმოეცათ. ცხოვრება სენსუალური, პირდაპირი ფორმით, როგორც მათი შთაბეჭდილებების ასახვა.

ტერმინი "იმპრესიონიზმი" წარმოიშვა ჟურნალ "Le Charivari"-ს კრიტიკოსის ლუი ლეროის მსუბუქი ხელით, რომელმაც თავის ფელეტონს Les Misérables-ის სალონის შესახებ "იმპრესიონისტების გამოფენა" უწოდა, საფუძვლად აიღო ნახატის სათაური. „შთაბეჭდილება. ამომავალი მზე კლოდ მონეს მიერ. თავდაპირველად, ეს ტერმინი გარკვეულწილად დამამცირებელი იყო და მიუთითებდა შესაბამის დამოკიდებულებაზე მხატვრების მიმართ, რომლებიც ასე ხატავდნენ.

იმპრესიონიზმი (გაურკვევლობა)

იმპრესიონიზმი

• იმპრესიონიზმი- მიმართულება ხელოვნებაში.
• იმპრესიონიზმი მუსიკალური მიმართულებაა.
• იმპრესიონიზმი კინოში ტენდენციაა.
• იმპრესიონიზმი ლიტერატურული სტილია.

იმპრესიონიზმი (მუსიკა)

მუსიკალური იმპრესიონიზმი- მუსიკალური ტენდენცია ფერწერაში იმპრესიონიზმის მსგავსი და ლიტერატურაში სიმბოლიზმის პარალელურად, რომელიც განვითარდა საფრანგეთში მე-19 საუკუნის ბოლო მეოთხედში - მე-20 საუკუნის დასაწყისში, პირველ რიგში, ერიკ სატის, კლოდ დებიუსისა და მორის რაველის შემოქმედებაში.

მუსიკაში „იმპრესიონიზმის“ ამოსავალ წერტილად შეიძლება ჩაითვალოს 1886-1887 წლები, როდესაც პარიზში გამოიცა ერიკ სატის პირველი იმპრესიონისტული ოპუსები. - და შედეგად, ხუთი წლის შემდეგ, კლოდ დებიუსის პირველი ნამუშევრები ახალ სტილში, რომელმაც რეზონანსი მიიღო პროფესიულ გარემოში. (უპირველეს ყოვლისა, "ფაუნის შუადღე").

იმპრესიონიზმი (ლიტერატურა)

იმპრესიონიზმი ლიტერატურაში- ერთ-ერთი ლიტერატურული სტილი, რომელიც გავრცელდა მსოფლიოში XIX საუკუნის ბოლოს - XX საუკუნის დასაწყისში, ასოციაციების საფუძველზე.

გამოჩნდა ამავე სახელწოდების ევროპული მხატვრული სტილის გავლენით. განვითარებულია ევროპის ბევრ ქვეყანაში, მათ შორის რუსეთში.

ლიტერატურაში ეს სტილი არ განვითარდა, როგორც ცალკეული მიმართულება და მისი თვისებები აისახა ნატურალიზმსა და სიმბოლიზმში. იმპრესიონისტული სტილის ძირითადი მახასიათებლები ჩამოაყალიბეს ძმებმა გონკურებმა თავიანთ ნაშრომში "დღიური", სადაც ფრაზა: "დანახვა, შეგრძნება, გამოხატვა - ეს ყველაფერი ხელოვნებაა", გახდა მრავალი მწერლის ცენტრალური პოზიცია.

იმპრესიონიზმი გამოხატულია ემილ ზოლას რომანებში. ასევე იმპრესიონიზმის წარმომადგენლები ლიტერატურაში არიან თომას მანი, ოსკარ უაილდი, შტეფან ცვაიგი. პოეტური იმპრესიონიზმის მაგალითია პოლ ვერლენის კრებული „რომანები სიტყვების გარეშე“ (1874). რუსეთში იმპრესიონიზმის გავლენა განიცადეს კონსტანტინე ბალმონტმა და ინოკენტი ანენსკიმ.

იმპრესიონიზმის განწყობა ასევე შეეხო დრამატურგიას (იმპრესიონისტული დრამა), სადაც სამყაროს პასიური აღქმა, განწყობის ანალიზი, გონებრივი მდგომარეობა შემოიჭრა პიესებში, განსხვავებული შთაბეჭდილებები კონცენტრირებულია დიალოგებში. ეს ნიშნები აისახება არტურ შნიცლერის, მორის მეტერლინკის, ჰუგო ფონ ჰოფმანსტლის ნაშრომებში.

იმპრესიონიზმმა კონკრეტულად ლიტერატურაში და ზოგადად ხელოვნებაში თავისი მნიშვნელობა 1920-იანი წლების შუა ხანებში დაკარგა.

იმპრესიონიზმი (კინო)

იმპრესიონიზმი კინოში- აქტუალური კინოში.

კინო, როგორც ვიზუალური ხელოვნება, ისევე როგორც ფერწერა, მე-20 საუკუნის დასაწყისში გახდა ფრანგი იმპრესიონისტი მხატვრების ტრადიციების მემკვიდრე. იგი გამოჩნდა ამავე სახელწოდების ფერწერის სტილის გავლენით და ასევე განვითარდა ძირითადად საფრანგეთში.

ტერმინი „ფილმ-იმპრესიონიზმი“ შემოიღო ფრანგმა კინოს მოყვარულმა ანრი ლანგლუამ და აქტიურად გამოიყენა კინოთეორეტიკოსმა ჟორჟ სადულმა. ფრანგი რეჟისორი და მსახიობი აბელ განსი კინოიმპრესიონიზმის წარმომადგენელად ითვლება. რეალობის ფოტოგენური ხედვა და ფსიქოლოგიური ემოციების ვიზუალური ასახვა გახდა ლუი დელუკის მიერ ჩამოყალიბებული ახალი ტენდენციის პროგრამის კონცეფცია. მსახიობმა ევა ფრენსისმა, დელუკის მეუღლემ, ითამაშა ბევრ იმპრესიონისტულ ფილმში, მათ შორის "ცხელება" (1921) და "ქალი არსაიდან" (1922) დელუკისა და "ელ დორადო" (1921) ლ'ჰერბიეს.

კინოიმპრესიონისტებს სჯეროდათ, რომ კინო მაყურებელს საკუთარ ენაზე უნდა ელაპარაკოს, მხოლოდ საკუთარი გამომხატველი საშუალებების გამოყენებით. მათ მნიშვნელოვანი წვლილი შეიტანეს კინოს თეორიასა და ესთეტიკაში. 1920-იანი წლების დასაწყისში პერიოდულ გამოცემებსა და წიგნებში გამოჩნდა სტატიები კინოიმპრესიონიზმის სპეციფიკის, მასში ფილმის გამოსახულების შემადგენლობის შესახებ, კინოში რიტმის შესახებ.

ლიტერატურაში სიტყვა იმპრესიონიზმის გამოყენების მაგალითები.

ფოტოგრაფიის გატაცება, რა თქმა უნდა, იაპონელებში იყო ჩადებული დაგერის გამოგონებამდე დიდი ხნით ადრე - გულწრფელი იმპრესიონიზმი, მომენტის დაფიქსირების სურვილი.

ეს მუსიკა არის ვერლენისა და ლაფორგის პოეტური სიმბოლიზმის უმცროსი და იმპრესიონიზმიფერწერაში.

ნაბიჯებზე აზრები გაცვალეს, ცუდი სიტყვები გაბრწყინდა: იმპრესიონიზმი, პოსტი იმპრესიონიზმიდა კიდევ სიმბოლიკა.

ეს არის კამერის ობსკურას წინააღმდეგობა, რომელიც მუშაობს ხაზოვანი პერსპექტივის დეკარტის კანონების მიხედვით, იმპრესიონიზმიფერთა ფენის ზედაპირზე გავრცელებით უაღრესად მნიშვნელოვანია.

გერმანიამ, რომელმაც მსოფლიოს მისცა დიურერი და კრანახი, ვერ შეძლო თანამედროვე სახვითი ხელოვნების დარგში ერთი გამორჩეული ოსტატის წამოყენება, თუმცა გერმანული ექსპრესიონიზმი ფერწერაში და მიუნხენის ურბანული სკოლა არქიტექტურაში საინტერესო და ორიგინალური ტენდენციები იყო და გერმანელი მხატვრები ასახავდნენ მათი ნამუშევარი ყველა ევოლუცია და ამაღლება, რაც დამახასიათებელი იყო იმპრესიონიზმიკუბიზმი და დადაიზმი.

ეს პოლიტიკური იმპრესიონიზმირა თქმა უნდა, ოპოზიციურ ანალიტიკურ გონებას არ ამართლებს.

თვალწარმტაცი სტილი იმპრესიონიზმიმდგომარეობს უძრავი ნივთების გარეგანი ფორმის უარყოფაში და მათი შინაგანი ფორმის - პოლიქრომული მასის რეპროდუქციაში.

მართალია რაველს სამართლიანად უწოდებენ იმპრესიონისტ კომპოზიტორს, მაგრამ დამახასიათებელი ნიშნები იმპრესიონიზმიმასში მხოლოდ ზოგიერთ ნამუშევარში გამოიხატა, დანარჩენში კი ჭარბობს სტრუქტურების კლასიკური სიცხადე და პროპორციულობა, სტილის სისუფთავე, ხაზების სიცხადე და სამკაულები დასრულების დეტალებში.

შემდგომში კომპოზიტორი თავს დაესხა ეპიგონებს იმპრესიონიზმიაპირისპირებს მის ბუნდოვანებას და დახვეწას ხაზოვანი წერის სიცხადეს, სიმარტივესა და სიმკაცრეს.

მაგრამ არა მხოლოდ ეს აკავშირებდა პოლონელ კომპოზიტორს ფრანგებთან იმპრესიონიზმი: პირველი მსოფლიო ომის წლები მოიცავს შიმანოვსკის ახალი სტილის ფორმირებას, უფრო თანამედროვე ჰარმონიულ ენას, რომელიც აღარ ჯდება კლასიკური რომანტიული ჰარმონიის ჩარჩოებში.

ბევრი ნამდვილად ხდის დებიუსის თვალწარმტაცი დაკავშირებას იმპრესიონიზმი: მიუწვდომელი, თხევადი მომენტების თვითკმარი ბრწყინვალება, ლანდშაფტის სიყვარული, სივრცის ჰაეროვანი კანკალი.

შემთხვევითი არ არის, რომ დებიუსი მთავარ წარმომადგენელად ითვლება იმპრესიონიზმიმუსიკაში.