Maya Myakila (Mia Mäkilä) to znana szwedzka artystka cierpiąca na schizofrenię. Sama nauczyła się rysować i ogólnie uważa się za osobę słabo wykształconą. Urodziła się 21 marca 1979 roku w mieście Norrköping, obecnie mieszka w Sztokholmie, gdzie aktywnie zajmuje się twórczością. Oprócz otaczającej rzeczywistości Maya inspiruje się twórczością reżyserów. Jej ulubieńcami są David Lynch, Ingmar Bergman, Alfred Hitchcock, Roy Andersson, Terry Gilliam i Tim Burton. Wśród artystów: Hieronymus Bosch, Pieter Brueghel, Francisco Goya, Jean-Michel Basquiat i mistrzowie Disney Studio. Jeśli przyjrzysz się uważnie jej pracom, możesz wyraźnie prześledzić ich wpływy.
Jej twórczość można uznać za wołanie o pomoc, chorej i nieszczęśliwej dziewczyny. Ale kim jesteśmy ty i ja, żeby potępiać i uczyć „chorych”, a być może genialnym autorem? Może gdyby nie choroba, to tych prac by nie było? Pamiętacie, jak David Lynch odmówił pomocy psychoterapeuty, podejrzewając, że przez to nie będzie mógł nakręcić swojego dziwnego filmu.
Najczęstsze motywy w obrazach i kolażach Mayi to rodzina, samotność, duchowa deformacja i śmierć. Grupowe ujęcia zniekształconych i zdeformowanych twarzy na tle utopijnego lub pustego świata. Ale czy są zepsute? Artysta zdaje się odsłaniać pędzlem jasne twarze. Ujawnienie potworów ukrytych pod maską. Na tych rysunkach zwykli ludzie, którzy są źli, kłamią i niszczą. I czują strach.
Każdy z nas jest chory na poziomie podświadomości i każdy tryska swoimi myślami, swoją energią - na zupełnie inne sposoby. Samotność i tęsknota są wszechogarniające, toniemy w niej, gdy wokół nie ma nikogo prócz nas samych i naszych myśli. Które wylewają się: dla kogoś w postaci samobójstwa, a dla kogoś w postaci kreatywności. To niekończący się łańcuch pod głośną nazwą – system – który trwa wiecznie. Kręci się jak koło, ale jeśli system jest wieczny, to niestety życie nie jest. Maya, nie bojąc się, tnie ciała ostrymi nożyczkami i skleja z kawałków i skrawków historii - naszego świata, który przedstawia nas z punktu widzenia szaleńca. Z punktu widzenia normalności, ale odwrotnie, bo kto wie, może na tych zdjęciach jesteśmy teraz z Wami.
Temat kobiet dominuje oczywiście w pracach gruzińskiej artystki Mai Ramishvili (Maia Ramishvili). Z każdego jej obrazu patrzą na nas zamyślone dziewczyny, wykwintne damy, fatalne piękności - wszystkie niesamowicie kobiece i piękne.
Jeśli mówimy o dziełach Majów, nie możemy powiedzieć o ich dekoracyjnym charakterze i kunszcie, z jakim przekazywany jest ich charakter. Tło jej obrazów przypomina kolaże z tkaniny, w których artystka dokładnie przemyśla i ucieleśnia każdy detal i wzór. Oglądając płótna Mai Ramiszwili, widz wędruje po obrazie, starając się dostrzec każdy szczegół, by w końcu uświadomić sobie, że dla autorki nie są one detalami. W tło włożono tyle energii, że trudno je nazwać tłem! Bohaterki mają wyraziste oczy, aż nadto duże ręce, czasem nerwowo zaciśniętymi palcami - każdy element, na pierwszy rzut oka, nawet nieistotny, wnosi do obrazu swoją część wyrazistości.
Obrazy Mayi Ramishvili łączą się doświadczenie artystyczne Gruzja i europejskie tradycje, co otwiera nowe i ciekawe możliwości w dziedzinie sztuki. Maya to ta sama artystka, której prace nie tracą na połączeniu tych dwóch zasad i zanurzają widza w świat niesamowitej estetyki i harmonii.
„Bardzo trudno jest określić styl, w jakim tworzę swoje obrazy” – mówi Maya – „ponieważ artysta tworząc swoje dzieło nie myśli o tym, co tworzy. Grafika pochodzą z wnętrza i przekazują Twój nastrój, relacje, emocje…”
Maya Ramishvili urodziła się w 1969 roku w Tbilisi, stolicy Gruzji. Jej talent artystyczny ujawnił się już w r młodym wieku, więc nie było problemów z wyborem zawodu. Maya ukończyła dwie prestiżowe uczelnie: Szkoła Artystyczna ich. Mikołaja i Tbilisi akademia państwowa sztuki. Po ukończeniu studiów, w 1996 roku, rozpoczęła się kariera zawodowa Ramishvili. Mąż Mayi jest również profesjonalnym artystą - Mamuka Didebashvili.
Muzeum interaktywne to oceanarium, które pełni funkcję zarówno edukacyjną, jak i rozrywkową, pracując w jednym pakiecie (Rozrywka edukacyjna - Edutainment).
- Praca brała udział w Konkursie FUTUWAWA 2014.
- Źródło obrazu: futuwawa.pl
Temat mojej pracy magisterskiej to „Wypoczynek i edukacja w architekturze – Akwarium Warszawskie”. Architektura jest odzwierciedleniem procesów zachodzących w społeczeństwie. Ważnym elementem życia społecznego są zajęcia łączące wypoczynek z edukacją. Autorka wybrała ten temat ze względu na fenomen interaktywnych muzeów, które nieustannie przyciągają rzesze zwiedzających. Warszawa jest największym polskim miastem, liczącym 2 mln mieszkańców, ale nie posiadającym żadnego centrum rekreacyjno-rozrywkowego. Miasto jest oddzielone od rzeki, nad którą znajdują się duże, niezabudowane tereny. Jednym z miejsc łączących wypoczynek z edukacją w Warszawie jest Ogród Zoologiczny i Centrum Nauki Kopernik. ZOO to miejsce bardzo popularne, ale najbardziej atrakcyjne w ciepłe dni, kiedy ludzie chętnie wybierają się na spacery z dziećmi, a Centrum Nauki Kopernik cieszy się niezmiennie dużą popularnością niezależnie od warunków atmosferycznych. W dobie nowych mediów, zwłaszcza wśród młodzieży, filmy o zwierzętach cieszą się dużą popularnością. W części teoretycznej pracy autor bada, w jaki sposób ludzie wybierają formy spędzania czasu wolnego, co wpływa na zmianę zwyczajów i kultury społeczeństwa. Autor wyjaśnia pojęcia czasu wolnego, pokrótce przybliża teorie związane z tym zagadnieniem oraz przedstawia różne aspekty tego zjawiska na przestrzeni wieków. Wykorzystując CBOS „Leisure Poles”, artykuł przedstawia problemy czasu wolnego występujące obecnie w Polsce. W części teoretycznej skupiono się na kulturowych i edukacyjnych aspektach związanych z rekreacją oraz opisano rodzaje obiektów związanych z rozrywką i edukacją. Idea projektu opiera się na stworzeniu oceanicznego pedagogium – atrakcyjnego miejsca łączącego edukację i rozrywkę. Budynek zlokalizowany jest w Warszawie nad Wisłą – na działce sąsiadującej z Centrum Nauki Kopernik i Biblioteką Uniwersytetu Warszawskiego. Budynek posiada na dachu kładkę łączącą dwa brzegi Wisły. I może być częścią nowoprojektowanej ścieżki kulturalno-edukacyjnej, która jest alternatywą dla ścieżki muzeów historycznych ciągnącej się wzdłuż zabytkowego Traktu Królewskiego. Budynek łączy w sobie funkcje edukacyjne i rozrywkowe w formie Akwarium Miejskiego. Dodatkowo projekt przewiduje możliwość wynajęcia części budynku na organizację zajęć dla dzieci i dorosłych, dzięki czemu budynek może pełnić również funkcję centrum kultury. Sala ogólnodostępna może być wynajmowana na imprezy, a częścią ekspozycji może być księgarnia, miejsce, w którym można czytać książki bez konieczności ich kupowania. Budynek ma za zadanie opowiedzieć zwiedzającym pełną historię o oceanach i zwierzętach żyjących w wodzie, w której wyświetlane będą filmy i wykłady o zwierzętach. Wnętrze budynku zaprojektowano jako tematycznie zorganizowane zwiedzanie rozpoczynające się od ostatniej kondygnacji (dostępne z holu głównego z ruchomymi rampami) lub bezpośrednio z kładki. Celem projektu było stworzenie ciągłej historii, wspartej prezentowanymi zwierzętami, interaktywną ekspozycją oraz aranżacją wnętrz. Akwarium Miejskie otwarte jest dla osób w każdym wieku, a jego głównym celem jest przybliżenie zwiedzającym oceanów w atrakcyjny sposób oraz zapewnienie dobrej rozrywki.
"Góry miejskie na terenie FSO" | Miejska góra na terenie fabryki samochodów FSO
Kompleks trzech miejskich gór na dawnym poligonie testowym FSO. Na szczytach gór usytuowane są wolnostojące budynki mieszkalne z ogródkami.
- Autorzy: Maja Wrońska, Anna Majewska.
- Praca brała udział w Konkursie FUTUWAWA 2013.
- Źródło obrazu: futuwawa.pl
Projekt zakłada utworzenie zespołu trzech gór miejskich na dawnym torze testowym FSO. Na zboczu najwyższej góry zaprojektowano domy wolnostojące z ogródkami. Dostęp do budynków możliwy jest ze spiralnej rampy wokół wzgórza. Na drugim wzgórzu znajdują się usługi, a na trzecim dostępne jest przedszkole, szkoła oraz ośrodek sportowy z klubem piłkarskim dla praskiej młodzieży. Podciągnięta zabudowa pozwoliła na zaprojektowanie w okolicy parku rekreacyjnego. Duża liczba trawników generuje biomasę, która odpowiednio przetworzona mogłaby zostać spalona w spalarni znajdującej się wewnątrz najwyższej góry.
MIASTO GÓRA wygenerowałoby nowe:
- JAKOŚĆ ŻYCIA SPOŁECZNEGO – góra: nagromadzenie zabudowy – dostępność wielu różnych funkcji na niewielkim obszarze – domy z ogródkami – więcej mieszkań – uwolnienie terenu – park – duża przestrzeń publiczna – przestrzeń dla sportu i rekreacji dla warszawiacy – edukacja przez sport dla młodzieży z Pragi.
- SZACUNEK DLA ŚRODOWISKA – zabudowa ciągniona – oszczędność miejsca – spiętrzenie funkcji – biogaz – zielona energia – wykorzystanie łatwo dostępnego i obecnie marnowanego surowca do produkcji energii (trawa z parku i okolicznych terenów zielonych Warszawy) – park – park krajobrazowy nad Wisłą – brak niszczenia ekosystemu – duża przestrzeń biologicznie czynna, biogaz opałowy.
- JAKOŚĆ ARCHITEKTURY – przywrócenie wielopłaszczyznowego życia społecznego na poprzemysłowym, zdegradowanym terenie – domy z ogródkami 15 minut od centrum miasta – zachowanie naturalnego brzegu Wisły.
"Zielona produkcja - hiperstruktura dla 15 000 mieszkańców na terenie Warszawskich Zakładów Metalurgicznych" | Zielona produkcja – hiperstruktura dla 15 000 mieszkańców na terenie Huty Warszawa
projekt studencki hiperstruktura miejska, mieszcząca 15 000 mieszkańców, na terenie opuszczonych Hut Warszawskich. Projekt zakłada utworzenie centrum w tej części miasta przemysł włókienniczy. Hiperstruktura jest podzielona na mniejsze struktury, składające się z 7 elementów w kształcie kwiatów, które obejmują budynki mieszkalne, tereny przemysłowe, tereny rolnicze, szkoły, przedszkola, uczelnie, parki, kościół i cmentarz. Planuje się przeniesienie ruchu samochodowego do poziomu podziemnego, powierzchnia ziemi przeznaczona jest wyłącznie do ruchu pieszego i transportu publicznego.
- Praca brała udział w Konkursie FUTUWAWA 2012.
- Źródło obrazu: futuwawa.pl
Projekt studencki obiektu zlokalizowanego na zdegradowanym terenie przemysłowym Huty Warszawa, mający na celu jego uatrakcyjnienie i wciągnięcie w tkankę miejską, wykonany w Samodzielnej Pracowni Projektowania Przemysłu i Wielkoprzestrzennej Wydziału Architektury w Warszawie Politechnika. Zaprojektowanie centrum tkackiego spowoduje migrację ludzi w ten rejon miasta. Wzrostowi intensywności zabudowy, a co za tym idzie wzrostowi zapotrzebowania na energię, zaadresowano uprawę roślin energetycznych i alg. Cały obiekt podzielony jest na mniejsze układy składające się z siedmiu jednostek widocznych z góry jako „kwiat” i obejmuje osiedle mieszkaniowe, osiedle przemysłowe, osiedle uprawowe oraz szkoły, przedszkola, uczelnię, parkingi, tereny rekreacyjne, kościół i cmentarz. Drogi dla samochodów znajdują się pod ziemią, nawierzchnia przeznaczona jest dla ruchu pieszego i komunikacji miejskiej (autobusy). Konstrukcja może pomieścić 15 000 osób.
Maya Ramishvili urodziła się w 1969 roku w Tbilisi, stolicy Gruzji. Jej talent artystyczny objawił się już w młodym wieku, więc nie było problemów z wyborem zawodu. Maya ukończyła dwie prestiżowe uczelnie: Liceum Plastyczne. Nikoladze i Państwowej Akademii Sztuk Pięknych w Tbilisi. Po ukończeniu studiów, w 1996 roku, rozpoczęła się kariera zawodowa Ramishvili. Mąż Mayi jest również profesjonalnym artystą - Mamuka Didebashvili.
Temat kobiet dominuje oczywiście w pracach gruzińskiej artystki Mai Ramishvili (Maia Ramishvili). Z każdego jej obrazu patrzą na nas zamyślone dziewczyny, wykwintne damy, fatalne piękności - wszystkie niesamowicie kobiece i piękne.
Jeśli mówimy o dziełach Majów, nie możemy powiedzieć o ich dekoracyjnym charakterze i kunszcie, z jakim przekazywany jest ich charakter. Tło jej obrazów przypomina kolaże z tkaniny, w których artystka dokładnie przemyśla i ucieleśnia każdy detal i wzór. Oglądając płótna Mai Ramiszwili, widz wędruje po obrazie, starając się dostrzec każdy szczegół, by w końcu uświadomić sobie, że dla autorki nie są one detalami. W tło włożono tyle energii, że trudno je nazwać tłem! Bohaterki mają wyraziste oczy, przesadnie duże dłonie, czasem nerwowo zaciśnięte palce – każdy element, na pierwszy rzut oka nawet nieistotny, wnosi do obrazu swoją cząstkę wyrazistości.
Obrazy Mai Ramishvili łączą doświadczenia artystyczne Gruzji z tradycjami europejskimi, co otwiera nowe i ciekawe możliwości w dziedzinie sztuki. Maya to ta sama artystka, której prace nie tracą na połączeniu tych dwóch zasad i zanurzają widza w świat niesamowitej estetyki i harmonii.
„Bardzo trudno jest określić styl, w jakim tworzę swoje obrazy” – mówi Maya – „ponieważ artysta tworząc swoje dzieło nie myśli o tym, co tworzy. Prace artystyczne pochodzą z wnętrza i oddają Twój nastrój, relacje, emocje…”
Sama artystka krótko opowiada o sobie:
(Upadek)
Maya Myakila - szwedzka artystka, schizofreniczka. Znana z psychodelicznych i przerażających obrazów. Urodzona 21 marca 1979 w Norrköping w Szwecji. Obecnie mieszka i pracuje w Sztokholmie w Szwecji. Jest szwedzką artystką znaną z braku wykształcenia.
Sama artystka krótko opowiada o sobie:
„Myślę, że nazywają mnie 'Fear Painter', ponieważ zajmuję się trudnymi emocjami, a tematy takie jak strach, tęsknota, szaleństwo, złość i smutek są obecne w mojej sztuce. Ale inspiruję się głównie filmami i reżyserami takimi jak David Lynch, Ingmar Bergmana, Alfreda Hitchcocka, Roya Anderssona, Terry'ego Gilliama i Tima Burtona oraz artystów - Hieronymusa Boscha, Pietera Brueghela, Francisco Goya, Jean-Michela Basquiata i mistrzów Disney Studio w latach 30.
Według autora tak okropnych zdjęć najważniejsza w jej życiu jest prawda. „No cóż, jest jeszcze miłość i sztuka, i być może są ważniejsze, ale jeśli nie żyjemy zgodnie z prawdą, nie możemy prawdziwie kochać człowieka, a jeśli nie mówimy prawdy o dziełach sztuki, to o żadnej sztuce i mowy nie może być” – mówi artysta.
To prawda, że \u200b\u200bza główny cel swoich okropnych obrazów uważa. Nawet jeśli jest to dość przerażająca prawda. Mia Makila porusza wiele tematów: politykę, miłość, ludzi, życie w ogóle. Sądząc po obrazach Mii, nie ma na świecie prawdy, która ukrywałaby coś dobrego. Zastanawiam się, skąd sama Mia wie, że to wszystko prawda? W ten czy inny sposób odnajduje w swoich obrazach ucieleśnienie swoich demonów i koszmarów, swoich lęków i smutków, maluje je, aby się ich pozbyć. W jej obrazach jest naprawdę dużo rzeczy z koszmarów sennych: przerażające, niepasujące do siebie obrazy. Zebrane przez jakąś niewytłumaczalną logikę w jednym miejscu.
