Bella Adtseewa

Belgijski artysta Rene Magritte, mimo niewątpliwego związku z surrealizmem, zawsze wyróżniał się w tym nurcie. Po pierwsze, był sceptyczny wobec być może głównego hobby całej grupy Andre Bretona – psychoanalizy Freuda. Po drugie, same obrazy Magritte'a nie przypominają ani szalonych fabuł Salvadora Dali, ani dziwacznych pejzaży Maxa Ernsta. Magritte posługiwał się głównie zwykłymi, codziennymi obrazami – drzewami, oknami, drzwiami, owocami, postaciami ludzkimi – ale jego obrazy są nie mniej absurdalne i tajemnicze niż prace jego ekscentrycznych kolegów. Nie tworząc fantastycznych przedmiotów i stworzeń z głębi podświadomości, belgijski artysta dokonał tego, co Lautreamont nazwał sztuką – zaaranżował „spotkanie parasola i maszyny do pisania na stole operacyjnym”, łącząc w niecodzienny sposób banalne rzeczy. Krytycy i znawcy sztuki wciąż proponują nowe interpretacje jego obrazów i ich poetyckich tytułów, prawie nigdy nie odnosząc się do obrazu, co po raz kolejny potwierdza: prostota Magritte’a jest zwodnicza.

© Zdjęcie: Rene MagritteRene Magritte’a. "Terapeuta". 1967

Sam Rene Magritte nazywał swoją sztukę nawet nie surrealizmem, ale realizmem magicznym i był bardzo nieufny wobec wszelkich prób interpretacji, a tym bardziej poszukiwania symboli, argumentując, że z obrazami liczy się tylko ich oglądanie.

© Zdjęcie: Rene MagritteRene Magritte’a. „Refleksje samotnego przechodnia” 1926

Od tego momentu Magritte okresowo powracał do obrazu tajemniczego nieznajomego w meloniku, przedstawiającego go albo na piaszczystym brzegu morza, albo na moście miejskim, albo w zielonym lesie, albo zwróconym twarzą do górski krajobraz. Nieznajomych mogło być dwóch lub trzech, stali tyłem do widza lub półbokiem, a czasem – jak na przykład w obrazie Wysokie społeczeństwo (1962) (można przetłumaczyć jako „ Wyższe sfery„—przyp. red.) – artysta nakreślił jedynie zarys mężczyzny w meloniku, wypełniając go chmurami i listowiem. znane obrazy, przedstawiający nieznajomego - „Golcondę” (1953) i oczywiście „Syna człowieczego” (1964) - najczęściej powielane dzieło Magritte'a, którego parodie i aluzje pojawiają się tak często, że obraz żyje już oddzielnie od swojego twórcy. Początkowo Rene Magritte namalował obraz jako autoportret, w którym symbolizowała postać mężczyzny nowoczesny mężczyzna, który utracił swoją indywidualność, ale pozostaje synem Adama, który nie potrafi oprzeć się pokusom – stąd jabłko pokrywające jego twarz.

© Zdjęcie: Volkswagen / Agencja reklamowa: DDB, Berlin, Niemcy

"Zakochani"

Rene Magritte dość często komentował swoje obrazy, ale pozostawił jednego z najbardziej tajemniczych - „Kochanków” (1928) bez wyjaśnienia, pozostawiając pole do interpretacji krytykom sztuki i fanom. Pierwsi ponownie dostrzegli w obrazie nawiązanie do dzieciństwa artystki i przeżyć związanych z samobójstwem matki (kiedy wyłowiono jej ciało z rzeki, głowę kobiety zakryto brzegiem koszuli nocnej – przyp. red.). Najprostsza i najbardziej oczywista z istniejących wersji – „miłość jest ślepa” – nie budzi zaufania wśród ekspertów, którzy często interpretują obraz jako próbę przekazania izolacji między ludźmi, którzy nawet w chwilach namiętności nie są w stanie pokonać wyobcowania. Inni widzą tu niemożność zrozumienia i poznania bliskich sobie osób do końca, jeszcze inni „Kochankowie” rozumieją jako zrealizowaną metaforę „utraty głowy z miłości”.

W tym samym roku Rene Magritte namalował drugi obraz zatytułowany „Kochankowie” - w nim twarze mężczyzny i kobiety również są zamknięte, ale zmieniły się ich pozy i tło, a ogólny nastrój zmienił się z napiętego na spokojny.

Tak czy inaczej, „Kochankowie” pozostają jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazów Magritte’a, którego tajemniczy klimat przejęli dzisiejsi artyści – nawiązuje do niego chociażby okładka album debiutowy grupa brytyjska Pogrzeb przyjaciela ubranego niedbale i pogrążonego w rozmowie (2003).

© Zdjęcie: Atlantyk, Potężny Atom, FretkaAlbum Funeral For a Friend „Casually Dressed & Deep in Conversation”

„Zdrada obrazów”, czyli to nie jest...

Nazwy obrazów Rene Magritte'a i ich związek z obrazem to temat na osobne opracowanie. „Szklany klucz”, „Osiągnąć niemożliwe”, „ Ludzkie przeznaczenie„, „Przeszkoda pustki”, „ Cudowny świat„, „Imperium Światła” są poetyckie i tajemnicze, prawie nigdy nie opisują tego, co widz widzi na płótnie, a w każdym indywidualnym przypadku można się tylko domyślać, jakie znaczenie artysta chciał nadać nazwie. „Nazwy zostały wybrane w sposób w taki sposób, że nie pozwalają mi umieścić moich obrazów w sferze tego, co znane, gdzie automatyzm myślenia z pewnością zadziała, aby zapobiec niepokojowi” – ​​wyjaśnił Magritte.

W 1948 roku stworzył obraz „Zdrada obrazów”, który stał się jednym z najbardziej znanych znane prace Magritte dzięki znajdującemu się na nim napisowi: od niekonsekwencji artysta doszedł do zaprzeczenia, pisząc pod wizerunkiem fajki „To nie jest fajka”. „Ta słynna fajka. Jak mi ją zarzucano! A przecież można do niej napełnić tytoniem? Nie, to tylko obrazek, prawda? Więc gdybym napisał pod zdjęciem: „To jest fajka”, to kłamałby!” - powiedział artysta.

© Zdjęcie: Rene MagritteRene Magritte’a. „Dwa sekrety” 1966

© Zdjęcie: Allianz Insurances / Agencja reklamowa: Atletico International, Berlin, Niemcy

Niebo Magritte’a

Niebo z unoszącymi się po nim chmurami jest tak codziennym i zużytym obrazem, że czyni go „ wizytówka"żadnego konkretnego artysty wydaje się niemożliwe. Nie można jednak pomylić nieba Magritte'a z czyimś - najczęściej z tego powodu, że na jego obrazach odbija się w fantazyjnych lustrach i wielkich oczach, wypełnia kontury ptaków i wraz z linia horyzontu od pejzażu niepostrzeżenie przesuwa się w stronę sztalugi (cykl „Ludzki los”). Pogodne niebo stanowi tło dla nieznajomego w meloniku („Kalkomania”, 1966), zastępuje szare ściany pokoju („Kalkomania”, 1966) Wartości osobiste”, 1952) i odbija się w trójwymiarowych lustrach („Elementary Cosmogony”, 1949).

© Zdjęcie: Rene MagritteRene Magritte’a. „Imperium Światła”. 1954

Wydawać by się mogło, że słynne „Imperium Światła” (1954) wcale nie jest podobne do dzieł Magritte’a – w wieczornym krajobrazie na pierwszy rzut oka nie było miejsca na niezwykłe przedmioty i tajemnicze kombinacje. A jednak taka kombinacja istnieje i tworzy obraz „Magritte” – czyste, dzienne niebo nad jeziorem i dom pogrążony w ciemności.

W ciągu swojego życia Magritte namalował około 2000 obrazów, z których na 50 widnieje kapelusz. Artysta namalował ją w latach 1926-1966 i stała się osobliwość twórczość Rene.

Wcześniej meloniki nosili zwykli przedstawiciele burżuazji, którzy nie chcieli szczególnie wyróżniać się z tłumu. „Melonik... nie jest zaskakujący” – powiedział Magritte w 1966 roku. „To nakrycie głowy, które nie jest oryginalne. Mężczyzna w meloniku to po prostu człowiek z klasy średniej [ukryty] w swojej anonimowości. Ja też to noszę. Nie próbuję się wyróżniać.”

Rene Magritte’a. 1938

Meloniki pojawiły się w modzie specjalnie dla brytyjskiej klasy średniej w drugiej połowie XIX wieku. Na początku XX wieku melonik stał się jednym z najpopularniejszych kapeluszy. Nakrycie głowy uznano za nieformalne i jednocześnie praktyczne, co czyniło go obowiązkowym elementem męskiej garderoby.

To prawda, że ​​​​w latach dwudziestych XX wieku zdarzały się także epizody, w których akcesorium pojawiało się w karierze Magritte’a. W tym czasie artysta porzucił twórczość ilustratora na rzecz katalogu mody. Wczesne obrazy zawierają odniesienia do popkultury, która wówczas była kojarzona z melonikiem. Magritte, który był zapalonym czytelnikiem kryminałów, pracował nad „Mordercą w niebezpieczeństwie”, w którym dwóch detektywów w melonikach przygotowuje się do wejścia do pokoju, w którym popełniono morderstwo.

Zabójca jest w niebezpieczeństwie. 1927

Artysta porzucił wówczas motyw „kapelusza”, nie używając go przez kilkadziesiąt lat. Kapelusze pojawiły się ponownie na płótnie w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych, stając się ważną częścią późnej kariery Rene. Do tego czasu skojarzenia z mężczyzną w kapeluszu zmieniły się diametralnie: z wyraźnego nawiązania do zawodu (głównie detektywów) do symbolu klasy średniej.

Ale jak powinno być w dziele Magritte’a, nie wszystko jest takie, jakim nam się wydaje. „Bawi się tym uczuciem: «Wydaje nam się, że wiemy, kim jest ta osoba, ale czy tak jest». – mówi Caitlin Haskell, organizatorka wystawy Rene Magritte’a w San Francisco. „Wyczuwa się tu nutę intrygi, mimo że sama postać jest stereotypowo burżuazyjna i nie budzi szczególnego zainteresowania”.

Arcydzieło, czyli tajemnice horyzontu. 1955

„Jeśli wziąć geniusz Magritte’a i opisać go jednym zdaniem: „Dlaczego Magritte jest tak ważny?” Dlaczego jego obrazy stanowią integralną część publicznej wyobraźni i świadomości?” To dlatego, że tworzy niezwykle przejrzyście i wyraźne zdjęcia które nie mają jasnego znaczenia” – mówi Anne Umland, kuratorka obrazów i rzeźb w Muzeum Nowego Jorku Sztuka współczesna. „Melonik działa w ten sposób.”

Istnieje teoria, że ​​kapelusz służył jako „anonimizator” samego Rene. Mniej więcej w czasie, gdy kapelusze ponownie pojawiły się na obrazach, Magritte zaczął je nosić do sesji zdjęciowych. Jest to całkiem możliwe dzielni panowie obrazów to autoportrety samego Rene.

Ilustruje to obraz zatytułowany „Syn Człowieczy”, będący autoportretem artysty. Rene wyobraża sobie melonik i duże jabłko unoszące się przed jego twarzą, przyćmiewając jego prawdziwą osobowość.

Syn mężczyzny. 1964

Jednak w latach 50. ulice miasta przestały obfitować w meloniki. Dodatek stał się modny i podążający za trendami mieszkańcy miast musieli z niego zrezygnować. Następnie pomalowane kapelusze Magritte’a realistyczny styl(u szczytu abstrakcyjnego ekspresjonizmu) stał się symbolem anonimowości. Na obrazach Rene wysuwały się na pierwszy plan, zamiast znikać w bezimiennym tłumie.

W rzeczywistości meloniki stały się ikonograficznym podpisem Magritte'a. Okazuje się to zabawną ironią losu: artysta wybrał szczegół, który gwarantowałby nierozpoznawalność, ale wszystko działało na odwrót. Teraz melonik jest jednym z głównych obiektów twórczości legendarnego Rene Magritte’a.

18.07.2017 Oksana Kopenkina

Rene Magritte’a. Jasnowidzenie (autoportret). 54 x 64,9 cm 1936 Prywatna kolekcja. Archiwum.ru

W twórczości Rene Magritte’a nie ma ani kropli pozowania. Nie „interesuje” widza tajemniczymi obrazami. Zamiast tego zachęca do myślenia.

Obraz przyjemny dla oka nie jest sztuką dla Magritte’a. Jest dla niego zupełnie pusta.

Dziś encyklopedie uznają Magritte'a za wybitnego surrealistę. Mistrzowi prawdopodobnie by się to nie spodobało. Unikał psychoanalizy i nie lubił Freuda.

Zerwawszy kiedyś twórcze więzi z Andre Brettonem (teoretykiem surrealizmu), zabronił nazywać siebie surrealistą.

Stał się pionierem realizmu magicznego. Magritte był na ogół wolnym artystą, nie gotowym rezygnować z wolności w imię uznania. Dlatego pisał tylko to, co było dla niego ważne.

Kontrowersje dotyczące punktu wyjścia

Rene urodził się 21 listopada 1898 roku w mieście Lessines (Belgia). Później Krótki czas Urodziło się trzech kolejnych braci.

Szczęśliwe dzieciństwo zakończył się dla przyszłego artysty w wieku 14 lat. W 1912 roku jego matka utonęła w rzece. Widząc, jak mieszkańcy wyciągnęli martwe ciało jego matki, młody Rene próbował zrozumieć przyczynę tego, co się stało. Zawsze wierzył w siłę myśli. Musisz tylko bardzo się postarać, a wtedy umysł znajdzie odpowiedzi.

Historycy sztuki spierają się dziś o wpływ tragedii z dzieciństwa na malarza. Niektórzy uważają, że pod patronatem tego dramatu pojawiła się seria obrazów przedstawiających syreny. To prawda, że ​​​​syreny Magritte’a są przeciwieństwem: z rybim wierzchem i ludzkim dnem.

Rene Magritte’a. Zbiorowy wynalazek. 1934 Kolekcja sztuki Nadrenii Północnej-Westfalii, Düsseldorf. Wikiart.org

Inni, nie zaprzeczając wpływowi tej ciemnej strony biografii, nadal skłonni są widzieć naturę talentu w samej osobowości artysty.

R. Magritte'a. Portret. 1935 MOMA, Nowy Jork

Był prawdziwym marzycielem. Wymyślił niespotykane dotąd gry i rozrywkę. Ale romantyczne podejście Rene było obce jego braciom. Nigdy nie udało im się zostać rodziną.

Kto wie, może jest to portret jednego z jego braci. Co odzwierciedla fajne relacje między ludźmi spokrewnionymi więzami krwi.

Czy widzisz oko w bekonie? Myślę, że trzeba kogoś nie lubić, delikatnie mówiąc, żeby namalować jego portret.

Miłość na całe życie

Ale jego żona, Georgette Berger, stała się dla niego naprawdę bliską osobą. Poznali się jako nastolatkowie. A spotkawszy się przypadkiem w ogrodzie botanicznym jako dorośli, już nigdy się nie rozstali.

Georgette była jego muzą i najlepszy przyjaciel. Magritte poświęcił jej więcej niż jeden ze swoich obrazów, a ona poświęciła mu całe swoje życie.

Tylko jedna historia ich zaciemniła życie rodzinne. Po 13 latach małżeństwa Magritte zainteresował się inną kobietą. Georgette zemściła się na nim, wdając się w romans z jego przyjacielem. Mieszkali osobno przez 5 lat.

Z jakiegoś powodu w tym okresie Magritte namalował ten portret Georgette.

Rene Magritte’a. Żorżeta. 1937 Muzeum Sztuk Pięknych w Brukseli. Wikiart.org

Ten portret szczególnie przypomina pocztówkę. Ta otwartość jest charakterystyczna dla niemal wszystkich obrazów Magritte’a.

W 1940 roku para ponownie się połączyła. I nigdy się nie rozstali.

Po śmierci męża Georgette wspomina, że ​​do dziś, oglądając jego obrazy, rozmawia z nim i często się kłóci.

Magritte nie chciał ucieleśniać swojej miłości w formie banału. Próbując dotrzeć do istoty tego uczucia, tworzy płótno „Kochankowie”. Na nim twarze młodych ludzi owinięte są w prześcieradła.

Rene Magritte’a. Zakochani. 54 x 73,4 cm 1928. Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MOMA), Nowy Jork. Renemagritte.org

Praca ta uderza swoją anonimowością. Nie widzimy twarzy bohaterów. Taka bezosobowość charakteryzowała niemal wszystkie prace artysty.

Nawet jeśli na twarzach nie było woalki, rysy twarzy zasłaniał zwykły przedmiot. Na przykład jabłko.

Rene Magritte’a. Syn mężczyzny. 116 x 89 cm 1964. Kolekcja prywatna. Archiwum.ru

Uznanie i obywatelski obowiązek

W 1918 roku młody człowiek ukończył Królewską Akademię Sztuk Pięknych. Opuściwszy próg „alma mater” zaczął mozolnie szukać środków do życia.

Nie mógł sprzeciwić się swojemu pomysłowi, dostosowując się do gustów publiczności. Dlatego dostałem pracę w warsztacie malowania tapet.

Trudno wyobrazić sobie smutniejszą sprzeczność: artysta, chcąc przede wszystkim uchwycić myśl, zmuszony był namalować na tapecie kwiaty.

Ale Rene nadal pisał czas wolny. Bohaterami jego obrazów są zwyczajne przedmioty. A raczej idee, które się za nimi kryją.

Istnieje seria obrazów zaprzeczenia, na których artysta celowo rysuje np. fajkę i zostawia podpis: „To nie jest fajka”. Zwracając w ten sposób uwagę na to, co kryje się za zwykłą powłoką obiektu.

Rene Magritte’a. Zdrada obrazów (To nie jest fajka). 63,5 x 93,9 cm 1948. Kolekcja prywatna. Wikiart.org.

Każdy obraz Magritte'a to dowcipna, niezależna historia. Elementy płótna nie rozciągają się i nie odkształcają. Są realistyczne i rozpoznawalne.

Ale w kompozycyjnej całości tworzą one jakąś zupełnie nową myśl. Mistrz twierdził, że każdy z jego obrazów ma „wplecione” w niego szczególne znaczenie. Żadnego bezsensownego bałaganu.

Jaki jest na przykład cel deszczu ludzi? Sam artysta nigdy nie rozszyfrował swoich obrazów. Każdy szuka dla siebie ukrytego podtekstu.

Rene Magritte’a. Golkonda. 100 x 81 cm 1953. Zbiory prywatne, Houston. Archiwum.ru

W 1927 roku otwarto pierwszą wystawę Rene, która nie odniosła krytycznego sukcesu. A małżeństwo Magrittesów wyjeżdża do Paryża, stolicy sztuki awangardowej.

Po krótkiej współpracy ze środowiskiem Bretton artysta wybiera własną drogę i szybko osiąga sukces.

Współcześni pamiętają, że Rene różnił się od wszystkich artystów. Nigdy nie miał własnego warsztatu. A w domu, w którym mieszkał Magritte, nie było charakterystycznego dla malarza nieporządku. Magritte powiedział, że farba została stworzona do nakładania na płótno, a nie do rozmazywania jej na podłodze.

Jednak jego obrazy były równie „czyste”, a nawet trochę suche. Ostre linie, doskonałe kształty. Ekstremalny realizm zamieniający się w iluzję.

Rene Magritte’a. Warunki ludzka egzystencja. 1934. Zbiory prywatne. Archiwum.ru

Wraz z nadejściem wojny Magritte zaczął malować obrazy nietypowe dla jego stylu. Historycy sztuki będą nazywać ten czas okresem „”.

Rene uważał, że jego obywatelskim obowiązkiem jest malowanie obrazów afirmujących życie, dających widzowi nadzieję. Gołębica pokoju z ogonem kwiatów - świecący przykład sztuka „wojskowa” Magritte’a.

Rene Magritte’a. Korzystny znak. 1944. Zbiory prywatne. Wikiart.org

Osiągnięto nieśmiertelność

Po wojnie Magritte powrócił do swojego zwykłego stylu, dużo myśląc o temacie śmierci i życia.

Wystarczy przypomnieć jego parodie słynnych obrazów innych artystów, w których wszystkich bohaterów zastąpił trumnami. Tak wygląda obraz „Balkon” w interpretacji Magritte’a.

Rene Magritte’a. Perspektywa II: Balkon Maneta. 80 x 60 cm 1950. Muzeum Sztuk Pięknych w Gandawie. Archiwum.ru

Magritte dostrzega wielkość śmierci jeszcze przed myślą. Ci ludzie prawdziwi ludzie którzy kiedyś pozowali dla Edouarda Maneta, już nie żyją. I wszystkie ich myśli zniknęły na zawsze.

Ale czy Magritte’owi udało się oszukać śmierć? Jego żona Georgette stwierdziła, że ​​tak! Żyje w swoich obrazach, w zagadkach-rebusach, które każdy nosi w sobie. I wzywanie widza do znalezienia odpowiedzi.

Po śmierci artystki na raka trzustki w 1967 roku Georgette do końca swoich dni zachowała w nienaruszonym stanie wszystko, co należało do jej utalentowanego męża – pędzle, paletę, farby. A na sztalugach wisiał jeszcze niedokończony obraz „Imperium Światła”.

Rene Magritte’a. Imperium Światła. 146 x 114 cm, lata 50. XX w. Kolekcja Peggy Guggenheim w Wenecji.

Dla tych, którzy nie chcą przegapić najciekawszych rzeczy o artystach i malarstwie. Zostaw swój e-mail (w formularzu pod tekstem), a jako pierwszy dowiesz się o nowych artykułach na moim blogu.

W kontakcie z

Utworzony tajemnicze obrazy Rene Magritte urodził się pod koniec XIX wieku w małym kraju Belgii. W wczesne dzieciństwo według jego wspomnień bał się szachów i notacji muzycznej. Gdy Rene miał 13 lat, jego matka utonęła w rzece po skoku z mostu. Po wydobyciu zwłok stwierdzono, że jej głowa była owinięta gazą. To właśnie tutaj w twórczości przyszłego artysty pojawiły się portrety bez twarzy.

Po dwuletnich studiach w Akademii Królewskiej w Brukseli Belgijski artysta Magritte Rene opuścił stamtąd i rozpoczął pracę jako artysta reklamowy w papierni. W 1926 roku po podpisaniu kontraktu podjął pracę w galerii Sento. Od teraz jest... Jego pierwsza wystawa w 1927 roku spotkała się z krytyką. Następnie Rene, po rozwiązaniu umowy, wraz z żoną Georgette Berger wyjechali do Paryża, gdzie artysta wstąpił do kręgu surrealistów. W pewnym sensie się z nimi nie zgadza, uważając się za „magicznego surrealistę”. Paryż staje się nudny, a para wraca do ojczyzny, Brukseli. Znów praca w reklamie, Rene i jego brat otwierają agencję.

Rozpoczęło się Drugie Wojna światowa, Belgia pod okupacją. Rene Magritte maluje obrazy w podobnym stylu. W okres powojenny Obrazy Magritte'a cieszyły się niesamowitą popularnością w USA, wystawa za wystawą, na artystę spadały duże pieniądze, uznanie i sława. Sam Magritte Rene żył skromnie, całe życie miał jedną żonę i zmarł na raka w wieku 68 lat.

A teraz, prawie 42 lata później, Królewskie Muzeum Sztuk Pięknych otworzyło muzeum, w którym znajdowały się wyłącznie prace mistycznego artysty Magritte'a. Już sam wygląd budynku utrzymany jest w niecodziennej stylistyce, widać przesuwaną kurtynę na ścianie, za którą rosną drzewa, błękitne niebo i gdzieś widać wejście. W ten sposób Belgowie uczcili pamięć Rene, który malował swoje obrazy o wymowie filozoficznej.

Wszystko, co chcielibyście wiedzieć o tym wspaniałym kraju. Turcja - przydatne i pouczające artykuły, fakty i aktualności, kurorty, hotele, recenzje, forum i wiele więcej na stronie turkeyforfriends.

Obrazy artysty Rene Magritte’a

Duża rodzina

Ludzkie przeznaczenie

Fałszywe lustro

Imperium Światła

Nieznany

Nieświadoma wróżka

Nostalgia

Wspomnienie podróży

Piosenka o miłości

Portret z fajką

Cudowny świat

Pusta przeszkoda

Magritte'a, Reniu

Rene Magritte’a(Rene Magritte) 1898 - 1967 - belgijski artysta surrealistyczny. Filozof surrealizmu w sztukach plastycznych. Znany jako autor dziwne obrazy, które zawierają dwuznaczność i tajemnicę. W przeciwieństwie do innych surrealistów, którzy starają się zniekształcić sam przedmiot (formę, obraz), w obrazach Rene Magritte'a „obiektywność” obrazu prawie nie zostaje naruszona - znaczenie, percepcja, zrozumienie, wielość znaczeń są surrealistyczne.

W każdym ze swoich obrazów Magritte przygotowuje paradoks. Każdy obraz jest kombinacją obrazu, sposobu jego przedstawienia, a nawet nazwy obrazu. Magritte zwracał uwagę na tytuły obrazów specjalne znaczenie- zdają się „prowadzić” widza do refleksji, wprowadzając go w „rebus”. Sprawiają, że widz szuka rozwiązania, ale znalezione odpowiedzi będą paradoksem lub aporią logiki. Sytuacja ta zmusza widza do zanurzenia się w procesach myślowych, z których wnioski mogą zaskoczyć samego widza. Widz nieświadomie staje się filozofem.

Do tego właśnie dąży artysta. Dla podobnego efektu swoich obrazów sam siebie nazywa „ magiczny realista Jak powiedział sam Rene Magritte, jego celem jest skłonienie widza do myślenia. A styl celowej prymitywnej prostoty obrazów zmusza do skupienia się na ich symbolice. Rene Magritte jak nikt inny wykorzystywał i „spekulował” na temat zasada – symbole rządzą światem.

Podobna praktyka dostrzegania dwuznaczności i mimowolnego rozwoju procesów myślenia istnieje w praktykach buddyzmu zen, gdzie paradoksalne (wbrew logice) zadania prowadzą do burzliwego procesu poszukiwania odpowiedzi, a w wynik końcowy- do zrozumienia harmonijnego piękna odpowiedzi. Filozofia jedności i integralności przeciwieństw.

Ale Rene Magritte nie stara się rozwijać intelektualnej strony swojej twórczości, cynicznie wykorzystuje zdobytą już popularność. Zatrzymuje się jedynie na efekcie percepcji wzrokowej, tworzy jedynie paradoks percepcji, a późniejsze wnioski pozostawia widzowi.

Niestety artysta nie wypracował swojego niepowtarzalnego stylu. Chociaż Magritte miał dużo później działa w formie „wariacji” przeszłości dobre obrazy które zyskały uznanie. Treść semantyczna obrazów skupia się na idei - paradoksalnej różnicy w postrzeganiu obrazu (obrazu) i rzeczywistości.

Słynny obraz mężczyzna w meloniku staje się symbolem samego artysty. Obraz - " Syn mężczyzny”, stała się prawdziwym arcydziełem całej koncepcji „magicznego realisty” Rene Magritte’a, wywołując wiele dyskusji i wariacji czytelniczych. Nawet dla społeczeństwa, w którym modernistyczne postrzeganie świata i religii stało się normą, takie wykorzystanie symboli w obrazie można nazwać prowokacją intelektualną, gdy w głowie widza nasuwają się sprzeczne wnioski.

Pomimo zewnętrznego prymitywizmu w technice wykonania, artysta i jego obrazy stają się bardzo zauważalną postacią w kulturze Europy. Jego dzieła i ich symbolika stają się rozpoznawalne w społeczeństwie. Portret Magritte'a widnieje na banknocie 500 franków belgijskich.

Obrazy René Magritte'a:

1928-1929

1936

1967 - Magritte zmarł na raka trzustki.