Muzeum interaktywne to oceanarium, które pełni funkcję zarówno edukacyjną, jak i rozrywkową, pracując w jednym pakiecie (Rozrywka edukacyjna - Edutainment).
- Praca brała udział w Konkursie FUTUWAWA 2014.
- Źródło obrazu: futuwawa.pl
Temat mojej pracy magisterskiej to „Wypoczynek i edukacja w architekturze – Akwarium Warszawskie”. Architektura jest odzwierciedleniem procesów zachodzących w społeczeństwie. Ważnym elementem życia społecznego są zajęcia łączące wypoczynek z edukacją. Autorka wybrała ten temat ze względu na fenomen interaktywnych muzeów, które nieustannie przyciągają rzesze zwiedzających. Warszawa jest największym polskim miastem, liczącym 2 mln mieszkańców, ale nie posiadającym żadnego centrum rekreacyjno-rozrywkowego. Miasto jest oddzielone od rzeki, nad którą znajdują się duże, niezabudowane tereny. Jednym z miejsc łączących wypoczynek z edukacją w Warszawie jest Ogród Zoologiczny i Centrum Nauki Kopernik. ZOO to miejsce bardzo popularne, ale najbardziej atrakcyjne w ciepłe dni, kiedy ludzie chętnie wybierają się na spacery z dziećmi, a Centrum Nauki Kopernik cieszy się niezmiennie dużą popularnością niezależnie od warunków atmosferycznych. W dobie nowych mediów, zwłaszcza wśród młodzieży, filmy o zwierzętach cieszą się dużą popularnością. W części teoretycznej pracy autor bada, w jaki sposób ludzie wybierają formy spędzania czasu wolnego, co wpływa na zmianę zwyczajów i kultury społeczeństwa. Autor wyjaśnia pojęcia czasu wolnego, pokrótce przybliża teorie związane z tym zagadnieniem oraz przedstawia różne aspekty tego zjawiska na przestrzeni wieków. Wykorzystując CBOS „Leisure Poles”, artykuł przedstawia problemy czasu wolnego występujące obecnie w Polsce. W części teoretycznej skupiono się na kulturowych i edukacyjnych aspektach związanych z rekreacją oraz opisano rodzaje obiektów związanych z rozrywką i edukacją. Idea projektu opiera się na stworzeniu oceanicznego pedagogium – atrakcyjnego miejsca łączącego edukację i rozrywkę. Budynek zlokalizowany jest w Warszawie nad Wisłą – na działce sąsiadującej z Centrum Nauki Kopernik i Biblioteką Uniwersytetu Warszawskiego. Budynek posiada na dachu kładkę łączącą dwa brzegi Wisły. I może być częścią nowoprojektowanej ścieżki kulturalno-edukacyjnej, która jest alternatywą dla ścieżki muzeów historycznych ciągnącej się wzdłuż zabytkowego Traktu Królewskiego. Budynek łączy w sobie funkcje edukacyjne i rozrywkowe w formie Akwarium Miejskiego. Dodatkowo projekt przewiduje możliwość wynajęcia części budynku na organizację zajęć dla dzieci i dorosłych, dzięki czemu budynek może pełnić również funkcję centrum kultury. Sala ogólnodostępna może być wynajmowana na imprezy, a częścią ekspozycji może być księgarnia, miejsce, w którym można czytać książki bez konieczności ich kupowania. Budynek ma za zadanie opowiedzieć zwiedzającym pełną historię o oceanach i zwierzętach żyjących w wodzie, w której wyświetlane będą filmy i wykłady o zwierzętach. Wnętrze budynku zaprojektowano jako tematycznie zorganizowane zwiedzanie rozpoczynające się od ostatniej kondygnacji (dostępne z holu głównego z ruchomymi rampami) lub bezpośrednio z kładki. Celem projektu było stworzenie ciągłej historii, wspartej prezentowanymi zwierzętami, interaktywną ekspozycją oraz aranżacją wnętrz. Akwarium Miejskie otwarte jest dla osób w każdym wieku, a jego głównym celem jest przybliżenie zwiedzającym oceanów w atrakcyjny sposób oraz zapewnienie dobrej rozrywki.
"Góry miejskie na terenie FSO" | Miejska góra na terenie fabryki samochodów FSO
Kompleks trzech miejskich gór na dawnym poligonie testowym FSO. Na szczytach gór usytuowane są wolnostojące budynki mieszkalne z ogródkami.
- Autorzy: Maja Wrońska, Anna Majewska.
- Praca brała udział w Konkursie FUTUWAWA 2013.
- Źródło obrazu: futuwawa.pl
Projekt zakłada utworzenie zespołu trzech gór miejskich na dawnym torze testowym FSO. Na zboczu najwyższej góry zaprojektowano domy wolnostojące z ogródkami. Dostęp do budynków możliwy jest ze spiralnej rampy wokół wzgórza. Na drugim wzgórzu znajdują się usługi, a na trzecim dostępne jest przedszkole, szkoła oraz ośrodek sportowy z klubem piłkarskim dla praskiej młodzieży. Podciągnięta zabudowa pozwoliła na zaprojektowanie w okolicy parku rekreacyjnego. Duża liczba trawników generuje biomasę, która odpowiednio przetworzona mogłaby zostać spalona w spalarni znajdującej się wewnątrz najwyższej góry.
MIASTO GÓRA wygenerowałoby nowe:
- JAKOŚĆ ŻYCIA SPOŁECZNEGO – góra: nagromadzenie zabudowy – dostępność wielu różnych funkcji na niewielkim obszarze – domy z ogródkami – więcej mieszkań – uwolnienie terenu – park – duża przestrzeń publiczna – przestrzeń do sportu i rekreacji dla mieszkańców Warszawa – edukacja przez sport dla młodzieży z Pragi.
- SZACUNEK DLA ŚRODOWISKA – zabudowa ciągniona – oszczędność miejsca – spiętrzenie funkcji – biogaz – zielona energia – wykorzystanie łatwo dostępnego i obecnie marnowanego surowca do produkcji energii (trawa z parku i okolicznych terenów zielonych Warszawy) – park – park krajobrazowy nad Wisłą – brak niszczenia ekosystemu – duża przestrzeń biologicznie czynna, biogaz opałowy.
- JAKOŚĆ ARCHITEKTURY – przywrócenie wielopłaszczyznowego życia społecznego na poprzemysłowym, zdegradowanym terenie – domy z ogródkami 15 minut od centrum miasta – zachowanie naturalnego brzegu Wisły.
"Zielona produkcja - hiperstruktura dla 15 000 mieszkańców na terenie Warszawskich Zakładów Metalurgicznych" | Zielona produkcja – hiperstruktura dla 15 000 mieszkańców na terenie Huty Warszawa
projekt studencki hiperstruktura miejska, mieszcząca 15 000 mieszkańców, na terenie opuszczonych Hut Warszawskich. Projekt zakłada utworzenie centrum w tej części miasta przemysł włókienniczy. Hiperstruktura jest podzielona na mniejsze struktury, składające się z 7 elementów w kształcie kwiatów, które obejmują budynki mieszkalne, tereny przemysłowe, tereny rolnicze, szkoły, przedszkola, uczelnie, parki, kościół i cmentarz. Planuje się przeniesienie ruchu samochodowego do poziomu podziemnego, powierzchnia ziemi przeznaczona jest wyłącznie do ruchu pieszego i transportu publicznego.
- Praca brała udział w Konkursie FUTUWAWA 2012.
- Źródło obrazu: futuwawa.pl
Projekt studencki obiektu zlokalizowanego na zdegradowanym terenie przemysłowym Huty Warszawa, mający na celu jego uatrakcyjnienie i wciągnięcie w tkankę miejską, wykonany w Samodzielnej Pracowni Projektowania Przemysłu i Wielkoprzestrzennej Wydziału Architektury w Warszawie Politechnika. Zaprojektowanie centrum tkackiego spowoduje migrację ludzi w ten rejon miasta. Wzrostowi intensywności zabudowy, a co za tym idzie wzrostowi zapotrzebowania na energię, zaadresowano uprawę roślin energetycznych i alg. Cały obiekt podzielony jest na mniejsze układy składające się z siedmiu jednostek widocznych z góry jako „kwiat” i obejmuje osiedle mieszkaniowe, osiedle przemysłowe, osiedle uprawowe oraz szkoły, przedszkola, uczelnię, parkingi, tereny rekreacyjne, kościół i cmentarz. Drogi dla samochodów znajdują się pod ziemią, nawierzchnia przeznaczona jest dla ruchu pieszego i komunikacji miejskiej (autobusy). Konstrukcja może pomieścić 15 000 osób.
Jeszcze bardziej niż rzeźba, malarstwo, dzięki swojemu bogactwu kolorów i możliwości przedstawiania scen z licznymi uczestnikami, pozwala nam zobaczyć życie ludu Majów i wniknąć w nie głębiej. Sceny z życia Majów uchwyciła jak w ruchu: niektóre - jak taśmy z kreskówek, inne - jak prawdziwy kolorowy dokument.
Technika
Do tej pory nie udało się dokładnie ustalić, jaką techniką Majowie malowali ściany: czy był to fresk na warstwie jeszcze mokrego tynku, czy tempera na wyschniętej już powierzchni. Możliwe, że zastosowano obie te metody.
Analizując niektóre malowidła ścienne, można się przekonać, że początkowo jasna farba (w Bonampaku - czerwona) zarysowała kontury postaci i główne linie wewnętrzne; następnie nakładały się różne kolory, każdy w określonym obszarze; zwykle zakrywały linie wewnętrzne, które następnie przerysowywano rozcieńczoną czarną farbą, aby podkreślić dodatkowe szczegóły. Niektóre części ciała zostały zamalowane na ciemniejsze, inne jaśniejsze, ale najwyraźniej różnice w tonacji nie miały na celu uzyskania efektu trójwymiarowości.
Brakuje też zauważalnych prób przedstawienia perspektywy w tych scenach, które mają kilka planów. Zainteresowanie artysty koncentruje się na linii i rzeczywiście rysunek ujawnia wielki kunszt malarza.
Zastosowano farby pochodzenia roślinnego i mineralnego. Kolory obejmują szeroką gamę: czerwony, różowy, pomarańczowy, żółty, zielony, cyjan i niebieski, fioletowy, sepia, kawa, oprócz bieli i czerni. Mieszanie kolorów i ich większa lub mniejsza koncentracja dawały najbogatszą paletę.
Motywy
Niestety bardzo niewiele malowideł ściennych wytrzymało pogodę i nieubłagany czas, a tylko kilka zostało znalezionych i skopiowanych. Część malowideł zniknęła po ich odkryciu, m.in ostatnie dekady. Prawdopodobnie większość świątyń posiadała malowidła o motywach historycznych, religijnych i zdobniczych. Ograniczamy się do krótkiego przeglądu najważniejszych, odkrytych na następujących stanowiskach: dla okresu klasycznego - Vashaktun i Bonampak w strefie centralnej, Chakmultun i Mulchik w północnej; dla wczesnego postklasyku, Chichen Itza i dla późnego postklasyku, Santa Rita i Tulum, wszystkie w strefie północnej.
Washactun
Fragment ściany z malowidłami odkryto w jednym pomieszczeniu budynku „B-XIII”, wzniesionego we wczesnym okresie klasycznym, prawdopodobnie w V wieku. n. mi. Przedstawia ceremonię, najwyraźniej o charakterze świeckim, podczas której ważne osoby są dzielone w dwa rzędy, z których niektóre mają wyższą rangę niż inne, o czym świadczy ich dekoracja i usytuowanie w ogólny skład. Pomieszczenie, w którym toczy się akcja, zostało pokazane bardzo schematycznie. W obrazie tym, jak dotąd najstarszym w regionie Majów, umiejętność budowania przez artystę kompozycji scenicznej, pewność rysunku i umiejętność oddania ruchu uczestnikom sceny w celu podkreślenia autentyczności przedstawionego wydarzenia są już w pełni zamanifestowane. Hieroglify, prawdopodobnie nominalne, uzupełniają tę kreskówkową historię.
Bonampak
Odkrycie w Bonampak w 1946 roku budynku z całkowicie pomalowanymi ścianami wewnętrznymi (od poziomu ławek do szczytu sklepienia) dało najlepsze wyobrażenie o tym, jak wyglądała sztuka malarska Majów w okresie klasycznym. Trzy pomieszczenia tej budowli prawdopodobnie pomalowano pod koniec VIII wieku. n. mi. Stosunkowo dobry stan malowidła ścienne pozwoliły na ich kopiowanie i szczegółową analizę.
Obrazy Bonampaka poza tym bezcenne wartość artystyczna bardzo ważne z historycznego punktu widzenia, ponieważ przedstawiają moment krytyczny dla cywilizacji Majów. Zaproponowano kilka interpretacji treści obrazów:
- spotkanie władców Bonampaku z jakimś rywalizującym ośrodkiem;
- nalot przeprowadzony przez lud Bonampak na sąsiednią osadę w celu schwytania jeńców i złożenia ich w ofierze rytualnej;
- stłumienie powstania chłopskiego.
Uważamy, że dwie pierwsze opcje można odrzucić z następujących powodów:
- wrogowie, zabici, ranni lub pojmani, nie mają broni i bogatych strojów, to znaczy nie są dżentelmenami;
- jeńcy są torturowani, zanim zostaną zabici, co przeczy wszystkiemu, co wiemy o szacunku okazywanym jeńcom przed złożeniem ich w ofierze;
- nalot mający na celu schwytanie ludzi przeznaczonych na ofiarę nie powinien mieć miejsca szczególne znaczenie i z trudem zasługiwał na to, by przejść do historii.
Natomiast trzecia opcja wydaje nam się prawdopodobna lub przynajmniej uzasadniona samą treścią malowideł: wrogowie władców Bonampaka są łatwo pokonani, to prości ludzie i zanim zostaną zabici, są karani torturami, wyrywając im paznokcie, zgodnie z tym, co widać. Pod względem czasowym malowidła powstały pod koniec późnego okresu klasycznego, czyli tuż przed nagłym upadkiem cywilizacji Majów w strefie centralnej, ustaniem działalności kulturalnej i fizycznym zanikiem duchowieństwa. Ponadto, jeśli założymy, podobnie jak E. Thompson i niektórzy inni badacze, że bunty chłopskie naprawdę położyły kres tej cywilizacji, to jest całkiem oczywiste, że pierwsze próby wyzwolenia mogły się nie powieść i klasa rządząca zdecydowała się na utrwalenie masakry zbuntowanych klas niższych, aby zastraszyć wszystkich niezadowolonych.
Tematycznie obrazy te ułożone są w następującej kolejności:
- W sali wschodniej pod auspicjami bóstw znajdujących się w górnej części sklepienia halach-vinik, członkowie jego rodziny i jego trzy bataby są najpierw przygotowywani, a następnie obecni w towarzystwie najwyższych rangą osób dworu bonampak , w procesji muzyków i tancerzy; na środkowym pasie - kupcy lub służący przynoszą im przedmioty wykonane ze skór jadeitu i jaguara; drugi pasek zawiera inskrypcję hieroglificzną, która powinna uzupełniać przedstawioną narrację.
- W centralnej sali bogów zastąpiono częściowo postaciami ludzkimi ubranymi w szaty (przypuszcza się, że mogli to być artyści), stojącymi wśród jeńców i zwierząt; niemal całą powierzchnię zajmuje obraz bitwy, procesu, tortur i śmierci jeńców.
- Bóstwa ponownie zajmują całą górną część sklepienia, podczas gdy halach-vinik, jego rodzina, batabowie i inni dygnitarze obserwują taniec wykonywany na stopniach platformy, w podzięce bogom za szczęśliwe zakończenie społecznego konfliktu *
* (Istnieją inne interpretacje wątków przedstawionych na freskach Bonampaka. - Zobacz o tym: Kinzhalov R. V. Kultura starożytnych Majów. L., 1971, s. 210-214)
Historyczny charakter wydarzenia odzwierciedlony w malowidłach ściennych w Bonampaku jest oczywisty. Styl obrazów jest realistyczny i dynamiczny. Z autentyczną naturalnością oddaje dramatyczne napięcie, jakiego doświadczali wszyscy uczestnicy przedstawionych wydarzeń – zarówno panowie, jak i chłopi, każdy w roli, do której był przeznaczony.
Palenque
Ślady malowideł ściennych odkryto w kilku budynkach w Palenque, w większości w bardzo złym stanie. W budynku tzw. „E” elewację pomalowano od podstawy do poziomu nadproża. Z ogólnej szacunkowej liczby ok. 150, określonej na podstawie pozostałych śladów, zidentyfikowano 75 motywów zdobniczych o charakterze geometrycznym. Udało się ustalić, że w północno-zachodnim wewnętrznym narożniku tego samego budynku znajdowało się teraz całkowicie zniszczone malowidło, na którym znajdowała się postać ludzka. Wejście północne zachowało część tego, co tworzyło wewnętrzną ramę; motywy boczne mogły przedstawiać symboliczny pas wody lub ciało węża w towarzystwie ryby.
W budynku „C” współczesny artysta Villagra, na podstawie kilku rozpoznawalnych elementów, rzekomo odtworzył scenę ofiarowania podobną do sceny na panelu „Pałac” i „Panelu niewolników”. W galerii północnej skopiował odręcznie narysowany napis hieroglificzny na pasie tworzącym kwadrat, niestety bardzo zniszczony. Na ostatniej kondygnacji wieży odnaleziono również fragment ewentualnej inskrypcji kalendarzowej.
Pomimo tego, że znajduje się ponad 300 km od Petén, ten zabytek dystryktu Puuk zachowuje malowidła ścienne, które są tematycznie i stylistycznie powiązane z tymi z Washaktun, od którego jest chronologicznie oddzielony o dwa stulecia. Wiadomo, że tradycja malarstwo historii był szeroko rozpowszechniony w okresie klasycznym, zarówno w strefie centralnej, jak i północnej.
W niektórych pomieszczeniach budynków Chakmultun, zbudowanych w późnym okresie klasycznym, pomalowano ściany wewnętrzne i sklepienia. Było kilka scen podzielonych na sekcje, najwyraźniej o charakterze świeckim. Obejmują one liczne postacie ukazane na tle sylwetek obiektów architektonicznych (platforma, klatka schodowa, świątynia czy mieszkanie z palmowym dachem). Z wyjątkiem nakryć głowy, które są dość zróżnicowane, postacie noszą skąpe ubrania; mają broń, parasole i inne przedmioty. Niektórzy stoją nieruchomo, inni chodzą, wspinają się po schodach, noszą broń, wydają rozkazy. Jednopłaszczyznowa kompozycja jest dobrze zorganizowana.
Rysunek z „Panelu niewolników” w Palenque
Podobieństwo do malarstwa Majów z okresu klasycznego jest oczywiste. Jednak ruchy są tutaj zaakcentowane nieco naiwnie, a styl jest dość prowincjonalny, co jednak jest naturalne, biorąc pod uwagę miejsce tego pomnika w ramach politycznych, do których należał. Niemniej jednak te malowidła ścienne są dobrym przykładem klasycznej sztuki malarskiej w strefie północnej.
Mulczyk
Podczas gdy obraz Chakmultuna jest dość zbliżony do obrazu Washaktun, obrazy Mulchika, małego pomnika w dystrykcie Puuc niedaleko Uxmal, przypominają, choć słabo, te z Bonampaka, które były mniej więcej współczesne.
Tematy są dość podobne, ponieważ dotyczą głównie bitwy i poświęcenia jeńców. Jednak pewne różnice każą sądzić, że tutejszy konflikt zbrojny mógł mieć inne przyczyny niż w Bonampaku. W walce biorą udział tylko zwykli ludzie, prawie nadzy, bez żadnych atrybutów, które mogłyby wskazywać na ich wysokie pochodzenie społeczne. Walka między dwiema grupami ludzi odbywa się bez użycia innej broni niż duże okrągłe kamienie. Umarli leżą na ziemi; powieszeni są przedstawione w pobliżu. Nad walczącymi widać mężczyznę pomalowanego na czarno i trzymającego nóż. Po obu stronach tej sceny znajduje się kilka postaci w dużych i bogatych nakryciach głowy obszytych piórami (jak w Uxmal), z maską, z której ust wychodzi wąż, oraz z licznymi dekoracjami i wstążkami na ramionach i nogach.
Nie wiadomo, jakie były relacje między tymi ważnymi panami a walką zwykli ludzie, ale w scenie na przeciwległej ścianie widać dwóch oprawców, pomalowanych na czarno, uzbrojonych w duże noże, przygotowujących się do zabicia dwóch wysoko postawionych osób leżących na podłodze.
Jako hipotezę można przyjąć, że wydarzeniem historycznym, które chcieli uwiecznić, nie było powstanie chłopskie przeciwko miejscowym władcom, jak w Bonampaku, ale wykonanie batabów Mulczika przeciwko władcom Uxmal, bardziej główny ośrodek od których zależał Mulchik. Władcy obu osad nie brali udziału w bitwie, ale złożono w ofierze przywódców upadłego powstania.
Przed nami znowu obraz, który najwyraźniej uchwycił ważny moment historyczny. Zastosowane tu środki artystyczne są znacznie skromniejsze niż w Bonampaku. Mimo to twórcom tej kompozycji udało się oddać cały dramatyzm wydarzeń.
Chichen Itza
Przejście od okresu klasycznego do postklasycznego oznaczało dla Jukatanu zastąpienie Majów klasa rządząca obcych władców, którzy byli nosicielami kultury Tolteków, znanych nam z Tuły lub Tollana, jak nazywano go w starożytnych źródłach historycznych. Oprócz dominacji politycznej najeźdźcy narzucili nowe wierzenia i nowe bóstwa, swoje upodobania artystyczne i techniki, które stopniowo połączyły się z tradycjami Majów. W malarstwie zmiany te znalazły odzwierciedlenie w takim samym stopniu jak w architekturze i rzeźbie.
Z wyjątkiem rzadkich przykładów odkrytych w „Klasztorze Kobiet”, wszystkie inne malowidła ścienne pochodzą z wczesnego okresu postklasycznego (XI-XIII w.) prowadzą nas do wniosku, że wiele z tych malowideł zostało wykonanych przez artystów Majów. Poniżej rozważamy główne obrazy znalezione w dwóch budynkach „Świątyni Wojowników”, położonych jeden nad drugim, oraz w „Świątyni Jaguarów”, która jest częścią kompleksu do gry w piłkę.
Scena bitwy ze Świątyni Wojowników w Chichen Itza
Budynek znajdujący się pod „Świątynią Wojowników” otrzymał nazwę „Świątynia Chakmool”. Obrazy, które zachowały swoją jasność, znaleziono na pojedynczych kamieniach z obalonych murów. Obrazy te zostały skopiowane. Udało im się wtedy częściowo ustalić ich pierwotną kolejność, co umożliwiło odtworzenie scen, które kiedyś z nich się składały.
Kamienie były częścią okładzin ławek ustawionych wzdłuż ścian i otaczających ołtarz. Przedstawiają dwie grupy ludzi, w większości patrzących na ołtarz. Czternaście osobistości po stronie południowej (zapewne kapłanów) siedzi na ławach pokrytych skórami jaguarów; ich kostiumy są wystawne i obejmują wyszukane nakrycia głowy z piórami, maski z wężem wychodzącym z ust, długie spódnice, krótkie peleryny; przedstawione są tarcze, wężowe berła i ofiary leżące na naczyniach. Ludzie siedzący po przeciwnej stronie to wojownicy uzbrojeni w oszczepy i tarcze; ukazani są z profilu na tronach w postaci jaguara. Wojownicy i kapłani nie mają cech Majów.
Teraz zajmiemy się „Świątynią Wojowników”, znajdującą się nad „Świątynią Chakmool” i zbudowaną później niż ona. Kamienie znalezione w gruzach budowlanych z zawalonych ścian zachowały ślady farby. W rezultacie przywrócono kilka scen o treści epickiej i historycznej. W ocalałych elementach zachodniej części muru dzielącego świątynię na dwa pomieszczenia znajdują się następujące motywy:
- tafla wody otoczona kamiennym pasem, po której spaceruje tragarz i gdzie walczy kilku wojowników, których ciała są pomalowane poziomymi czerwonawymi liniami; przedstawiona jest tu także świątynia i łódź, prawdopodobnie zdobyte przez wojownika;
- chaty wioski i świątynia są atakowane przez wojowników, których ciała również są pokryte linami;
- procesja nagich, pasiastych jeńców ze związanymi rękami, prowadzona przez wojowników pomalowanych na czarno; na dole tej sceny jest pierzasty wąż.
Wewnątrz sanktuarium malowane kamienie tworzą scenę podzieloną poziomo na dwie części, tworzące jeden kompleks tematyczny. Tutaj podjęto próbę wyrażenia niektórych prawdziwych wydarzeń: poniżej morze, po którym płynie kilka łodzi z dwoma wojownikami w każdej; ich ciała są pomalowane na kolor ciemnej kawy; uzbrojeni są w strzałki, miotacze włóczni i tarcze, czyli broń charakterystyczną dla Tolteków; jeden wojownik ma lekkie ciało; w górnej części sceny znajduje się położona nad brzegiem morza wioska, której mieszkańcy zajęci są codzienną pracą; palmowe dachy kilku chat i świątyni stają w płomieniach, a ze świątyni wyłania się pierzasty wąż. Fragmenty te wskazują, że temat wielkiego malowidła ściennego wiązał się z podbojem północnego Jukatanu przez Tolteków.
Kilka kamieni przedstawia ofiary z ludzi; jasnoskóry mężczyzna, trzymany przez dwie osoby pomalowane na czarno, czeka na cios w klatkę piersiową, który powinien zadać mu nakoma, również o czarnym ciele; ofiara leży na zakręcie pierzastego węża, który służy jako kamień ofiarny. Na zewnętrznym północnym zboczu tego samego budynku przedstawiona jest procesja postaci ludzkich, pozbawionych mięsa i niosących noże. ludzkie głowy i płonący koksownik.
Mała świątynia, która wznosi się na wschodniej platformie kompleksu gier w piłkę, nazywana jest „Świątynią Jaguarów” ze względu na wizerunek procesji jaguarów w dekoracji fasady.
Świątynia składa się z dwóch pomieszczeń; wnętrze najwyraźniej zostało pomalowane w całości. Niestety obrazy są bardzo zniszczone. Najbardziej zachowana i najsłynniejsza przedstawia bitwę, w której bierze udział ponad 100 postaci. Górna część muralu maluje nam obraz spokojnego życia wioski Majów; następnie następuje scena ataku na nią przez obcych wojowników. Choć w małej skali, liczni wojownicy są pokazani w bitwie uzbrojeni we włócznie, oszczepy, miotacze włóczni i tarcze, a zamieszanie bitwy wyraża się na różne sposoby, np. Skrzyżowane włócznie; wszystko to podane w bardzo dynamicznym rytmie. W innej części tej samej sali przedstawiona jest scena składania ofiar z ludzi, gdzie grupa wojowników, obecna przy tym rytualnym akcie, tańczy wokół jeńca.
Na drugiej ścianie widać dużą czerwoną łódź z wojownikami. Murale w Chichen Itza mają charakter narracyjny i odzwierciedlają sceny Życie codzienne i religijno-symboliczne - gdzie przedstawiana jest śmierć lub ofiara. Artyści, czy to Toltekowie, czy Majowie, walczyli, zwłaszcza w sceny walki, gloryfikować militarną kastę zdobywców i pozostawić dla potomności opis jej wyczynów.
O sposobie twórczym artystów z Chichen Itza można powiedzieć, że osiągnęli swój cel, posługując się średnimi środkami artystycznego wyrazu, ograniczając się tylko do tego, co najistotniejsze i nie wchodząc w przesadne szczegóły.
Święta Rita
Pod koniec ubiegłego wieku w pobliżu Corozal w Belize odkryto kilka sztucznych wzgórz. W jednym z nich znajdował się budynek, na którego zewnętrznych ścianach zachowały się malowidła ścienne. Zostały skopiowane, ale wkrótce zmarły. Fototapeta Santa Rita przenosi nas w artystyczny świat zupełnie inny niż ten, z którym mieliśmy do czynienia do tej pory. Nie było próby uwiecznienia faktu historycznego ani gloryfikowania władców.
Oto mitologiczny świat, który jest opisany w wielu przedhiszpańskich kodeksach. Pod symbolicznym „pasem” niebiańskim, podobnym do „pasa” z kodeksów Mixteków, wzdłuż pasa ziemi, również warunkowego, ozdobionego strzałami, nożami ofiarnymi i płomieniami, spaceruje szereg postaci w złożonej dekoracji, w tym zwierzęcych hełmach, maski, kilka ubrań jedno na drugim; ci ludzie dokonują czynów, które trudno zinterpretować w realnym, historycznym kontekście. Są to prawdopodobnie bóstwa uczestniczące w procesji; niektóre są połączone linami, inne siedzą i rozmawiają, ich ciała i twarze są pomalowane.
Najbardziej zrozumiała scena przedstawia dwoje ludzi rozdzielonych przez bęben ozdobiony ludzką czaszką, która musi śpiewać, sądząc po podwójnym strumieniu okółków-słów wydobywających się z jego ust; na szczycie bębna znajduje się dysk słoneczny z trójkątnymi promieniami, gwiezdnymi oczami i głową gada, bardzo podobny do tego, który znamy z kodeksów meksykańskich czy mikstekckich. Twarz postaci grającej na bębnie zakryta jest maską przedstawiającą czaszkę, ma na głowie płaskie nakrycie głowy zakończone pióropuszem i wężem; jego ciało nie jest widoczne, podobnie jak większość postaci, z powodu niewiarygodnie bogatych szat, oznak władzy i ozdób. Inna postać, również we wspaniałych strojach i kunsztownym nakryciu głowy, trzyma przed perkusistą dwie odcięte głowy ludzkie. Wizerunkom tym towarzyszą hieroglify kalendarza Majów, w których dominuje znak Achab oraz cyfry kropek i pasków.
Malowidła ścienne o treści religijnej i mitologicznej z Santa Rita zostały wykonane w późnym okresie postklasycznym w stylu bardzo podobnym do stylu kodeksów Mixtec, stylu Codex Borgia, a także stylu malowideł ściennych Mixtec z Mitli. Dla artysty ludzkie ciała nie miało znaczenia; szczególną uwagę należało zwrócić na ubiór, atrybuty władzy, malowanie twarzy, wszystkie elementy charakteryzujące bóstwa.
W kilku budynkach tego miasta zachowały się fragmenty malowideł, które wcześniej pokrywały większość elewacji i ścian wewnętrznych (są to świątynie znane jako „Nurkujący Bóg”, „Świątynia Fresków” i „Castillo”). Znów mamy przed sobą wątki religijno-mitologiczne, wyrażone, jak w Santa Rita, stylem bardzo zbliżonym do kodeksów. Motywy obejmują sceny z udziałem jednego do trzech bóstw, wśród których dominują bogini roślinności i bóg deszczu; ponadto istnieje stare bóstwo, którym może być Itzamna. Bogini miele ziarna kukurydzy na metate; ksiądz w masce z turkusu i macicy perłowej, w nakryciu głowy ozdobionym muszlą, trzyma woreczek z kadzidłem (kopal).
Tematem przewodnim wydaje się być uzależnienie roślinności od deszczu i przypomnienie obrzędów niezbędnych do zapewnienia dobrych zbiorów. Figurki są mniej statyczne i nie tak przeładowane detalami jak w Santa Rita. Zastosowane kolory: biały, czarny, niebieski turkus i bardzo rzadko czerwony.
Rysunek wzorowany na „Świątyni Fresków” w Bonampak, która reprezentuje różne warstwy społeczeństwa
Malowidła ścienne Tulum należą do późnego okresu postklasycznego (XIII - koniec XV wieku). To prawdziwe strony kodeksów reprodukowane na ścianach. I choć zauważalne są w nich obce wpływy (Toltekowie, Aztekowie, Mixtekowie), to jednak bliżej im do kultury Majów.
Temat kobiet dominuje oczywiście w pracach gruzińskiej artystki Mai Ramishvili (Maia Ramishvili). Z każdego jej obrazu patrzą na nas zamyślone dziewczyny, wykwintne damy, fatalne piękności - wszystkie niesamowicie kobiece i piękne.
Jeśli mówimy o dziełach Majów, nie możemy powiedzieć o ich dekoracyjnym charakterze i kunszcie, z jakim przekazywany jest ich charakter. Tło jej obrazów przypomina kolaże z tkaniny, w których artystka dokładnie przemyśla i ucieleśnia każdy detal i wzór. Oglądając płótna Mai Ramiszwili, widz wędruje po obrazie, starając się dostrzec każdy szczegół, by w końcu uświadomić sobie, że dla autorki nie są one detalami. W tło włożono tyle energii, że trudno je nazwać tłem! Bohaterki mają wyraziste oczy, aż nadto duże ręce, czasem nerwowo zaciśniętymi palcami - każdy element, na pierwszy rzut oka, nawet nieistotny, wnosi do obrazu swoją część wyrazistości.
Malarstwo Mai Ramishvili łączy doświadczenia artystyczne Gruzji z tradycjami europejskimi, co otwiera nowe i ciekawe możliwości w dziedzinie sztuki. Maya to ta sama artystka, której prace nie tracą na połączeniu tych dwóch zasad i zanurzają widza w świat niesamowitej estetyki i harmonii.
„Bardzo trudno jest określić styl, w jakim tworzę swoje obrazy” – mówi Maya – „ponieważ artysta tworząc swoje dzieło nie myśli o tym, co tworzy. Prace artystyczne pochodzą z wnętrza i oddają Twój nastrój, relacje, emocje…”
Maya Ramishvili urodziła się w 1969 roku w Tbilisi, stolicy Gruzji. Jej talent artystyczny objawił się już w młodym wieku, więc nie było problemów z wyborem zawodu. Maya ukończyła dwie prestiżowe uczelnie instytucje edukacyjne: szkoła plastyczna im. Mikołaja i Tbilisi akademia państwowa sztuki. Po ukończeniu studiów, w 1996 roku, rozpoczęła się kariera zawodowa Ramishvili. Mąż Mayi jest również profesjonalnym artystą - Mamuka Didebashvili.
Sama artystka krótko opowiada o sobie:
(Upadek)
Maya Myakila - szwedzka artystka, schizofreniczka. Znana z psychodelicznych i przerażających obrazów. Urodzona 21 marca 1979 w Norrköping w Szwecji. Obecnie mieszka i pracuje w Sztokholmie w Szwecji. Jest szwedzką artystką znaną z braku wykształcenia.
Sama artystka krótko opowiada o sobie:
„Myślę, że nazywają mnie 'Fear Painter', ponieważ zajmuję się trudnymi emocjami, a tematy takie jak strach, tęsknota, szaleństwo, złość i smutek są obecne w mojej sztuce. Ale inspiruję się głównie filmami i reżyserami takimi jak David Lynch, Ingmar Bergmana, Alfreda Hitchcocka, Roya Anderssona, Terry'ego Gilliama i Tima Burtona oraz artystów - Hieronymusa Boscha, Pietera Brueghela, Francisco Goya, Jean-Michela Basquiata i mistrzów Disney Studio w latach 30.
Zdaniem autora tak przerażające zdjęcia, najważniejszą rzeczą w jej życiu jest prawda. „No cóż, jest jeszcze miłość i sztuka, i być może są ważniejsze, ale jeśli nie żyjemy zgodnie z prawdą, nie możemy prawdziwie kochać człowieka, a jeśli nie mówimy prawdy o dziełach sztuki, to o żadnej sztuce i mowy nie może być” – mówi artysta.
To prawda, że \u200b\u200bza główny cel swoich okropnych obrazów uważa. Nawet jeśli jest to dość przerażająca prawda. Mia Makila porusza wiele tematów: politykę, miłość, ludzi, życie w ogóle. Sądząc po obrazach Mii, nie ma na świecie prawdy, która ukrywałaby coś dobrego. Zastanawiam się, skąd sama Mia wie, że to wszystko prawda? Tak czy inaczej znajduje w swoich obrazach ucieleśnienie swoich demonów i koszmarów, swoich lęków i smutków, maluje je, aby się ich pozbyć. W jej obrazach jest naprawdę dużo rzeczy z koszmarów sennych: przerażające, niepasujące do siebie obrazy. Zebrane przez jakąś niewytłumaczalną logikę w jednym miejscu.
Maya Myakila (Mia Mäkilä) to znana szwedzka artystka cierpiąca na schizofrenię. Sama nauczyła się rysować i ogólnie uważa się za osobę słabo wykształconą. Urodziła się 21 marca 1979 roku w mieście Norrköping, obecnie mieszka w Sztokholmie, gdzie aktywnie zajmuje się twórczością. Oprócz otaczającej rzeczywistości Maya inspiruje się twórczością reżyserów. Jej ulubieńcami są David Lynch, Ingmar Bergman, Alfred Hitchcock, Roy Andersson, Terry Gilliam i Tim Burton. Wśród artystów: Hieronymus Bosch, Pieter Brueghel, Francisco Goya, Jean-Michel Basquiat i mistrzowie Disney Studio. Jeśli przyjrzysz się uważnie jej pracom, możesz wyraźnie prześledzić ich wpływy.
Jej twórczość można uznać za wołanie o pomoc, chorej i nieszczęśliwej dziewczyny. Ale kim jesteśmy ty i ja, żeby potępiać i uczyć „chorych”, a być może genialnym autorem? Może gdyby nie choroba, to tych prac by nie było? Pamiętacie, jak David Lynch odmówił pomocy psychoterapeuty, podejrzewając, że przez to nie będzie mógł nakręcić swojego dziwnego filmu.
Najczęstsze motywy w obrazach i kolażach Mayi to rodzina, samotność, duchowa deformacja i śmierć. Grupowe ujęcia zniekształconych i zdeformowanych twarzy na tle utopijnego lub pustego świata. Ale czy są zepsute? Artysta zdaje się odsłaniać pędzlem jasne twarze. Ujawnienie potworów ukrytych pod maską. Na tych rysunkach zwykli ludzie, którzy są źli, kłamią i niszczą. I czują strach.
Każdy z nas jest chory na poziomie podświadomości i każdy tryska swoimi myślami, swoją energią - na zupełnie inne sposoby. Samotność i tęsknota są wszechogarniające, toniemy w niej, gdy wokół nie ma nikogo prócz nas samych i naszych myśli. Które wylewają się: dla kogoś w postaci samobójstwa, a dla kogoś w postaci kreatywności. To niekończący się łańcuch pod głośną nazwą – system – który trwa wiecznie. Kręci się jak koło, ale jeśli system jest wieczny, to niestety życie nie jest. Maya, nie bojąc się, tnie ciała ostrymi nożyczkami i skleja z kawałków i skrawków historii - naszego świata, który przedstawia nas z punktu widzenia szaleńca. Z punktu widzenia normalności, ale odwrotnie, bo kto wie, może na tych zdjęciach jesteśmy teraz z Wami.
