Dyskoteka(angielski Disco, dosł. „disco”) to jeden z głównych gatunków muzyki tanecznej XX wieku, który powstał w połowie lat 70. XX wieku.
Disco rozwijało się niemal jednocześnie w Stanach Zjednoczonych i Europie. Amerykańskie disco charakteryzuje się brzmieniem bliskim funkowi i soulowi. Europejska dyskoteka była ściśle powiązana z tradycyjną muzyką pop i ogólnymi trendami w muzyce pop.
W latach 70. disco miało kilka podstylów, w tym „disco fusion”, „monachijskie brzmienie” itp., a po 1981 r., dzięki rozpowszechnieniu się elektroniki, instrumenty muzyczne, - takie podstyle jak EuroDisco, ItaloDisco i Hi-NRG.
Początki
W 1972 roku zaczęły pojawiać się pierwsze utwory różnych kompozytorów, które można było zaliczyć do kategorii „disco”. Przykłady: „Papa Was A Rolling Stone” zespołu The Temptations; motyw muzyczny do filmu Shaft w wykonaniu Isaaca Hayesa.W USA za pierwsze hity tego stylu uważa się wydany w 1974 roku przez Hughes Corporation „Rock The Boat” (amerykański hit nr 1 roku), „ Głaz Ty, kochanie„George McCrae i „Love's Theme” w wykonaniu Love Unlimited Orchestra (motyw z filmu „Heat”). W Europie jednym z pierwszych hitów disco była piosenka „J’attendrai” w wykonaniu Dalidy (1975). Jednak dopiero dzięki niemieckiej grupie Silver Convention styl disco rozpoczął swój zwycięski marsz po europejskich parkietach.
Wśród licznych grup „disco” nie zabrakło ciekawych projektów produkcyjnych, w tworzenie których zaangażowani byli kompozytorzy z wiodących wytwórni muzycznych, oraz prawdziwi samorodki, które swoją drogę do sukcesu rozpoczynały od nieznanych zespołów szkolnych. Do pierwszej zaliczały się takie grupy jak „Boney M.”, „A la carte” i „Dschinghis Khan”, do drugiej „Eruption”, Amanda Lear, a także grupy „pop-disco” „Pussycat” i „Neoton Familia”. ” „(patrz styl pop-disco).
Ogólna formuła kompozycji dyskotekowej jest następująca: rytm taneczny w tempie około 120-140 uderzeń na minutę i melodie „na żywo”, często mocno zaaranżowane. Istnieje jednak wiele wyjątków od tej reguły, które pozwalają mówić o istnieniu różnych gałęzi gatunku w okresie jego świetności („era klasycznego disco” 1975-81). Na przykład „mellow disco” wyróżniało się wolniejszym tempem 95–110 uderzeń - takie hity jak „Fly, Robin, Fly” Silver Convention i „Love to Love You Baby” Donny Summer. Electro-disco mogłoby być mniej zaaranżowane (brak „skrzypc” w brzmieniu) – dotyczy to popularnych niegdyś na parkietach „Dancer” Gino Soccio, „Beat Of The Night” Fever i „You Make Me Feel (Mighty Real )” Sylwestra. Również w latach 1977-1979 (u szczytu światowej popularności gatunku) wydano wiele kompozycji będących „fuzją” disco z innymi stylami: muzyka klasyczna(„A Fifth of Beethoven” Waltera Murphy’ego), rockiem („Shine A Little Love” Electric Light Orchestra), jazzem („Turn the Music Up” Players Association), muzyką etniczną („Disco Bouzouki” Disco Zespół Bouzouki).
Rozwój
Połowa lat 80. przyniosła nowe zainteresowanie gatunkiem disco. Ponieważ główni muzycy pracujący w tym kierunku byli w Europie, nowa fala disco zaczęła nazywać się EuroDisco. Dzięki zastosowaniu elektronicznych instrumentów muzycznych w ramach gatunku pojawiło się kilka nowych stylów muzyki tanecznej, z których najważniejsze to Hi-NRG i ItaloDisco.
Wybitni przedstawiciele Hi-NRG można tak nazwać zespoły muzyczne i wykonawcy lubią Nowoczesne rozmowy, C.C.Catch, Bad Boys Blue, Fancy, Silent Circle, Joy, London Boys, Patrick Cowley.
Styl ItaloDisco, który powstał kilka lat później niż Hi-NRG, obejmuje następujące elementy Włoscy wykonawcy jak Gazebo, Den Harrow, Ken Lazlo, Mike Mareen, Radiorama, Mr.Zivago, Sabrina, Scotch.
Zespół Bee Gees odegrał jedną z czołowych ról w rozwoju gatunku disco w Stanach Zjednoczonych. W 1975 roku ukazał się ich dyskotekowy hit „Jive Talkin”, który radykalnie zmienił wszystkie wyobrażenia Amerykanów o disco. Członkowie grupy natychmiast stali się „królami disco”, naśladowano ich i pozazdroszczono im.
Spadek
Na początku lat 90. w muzyce tanecznej ukształtowały się nowe kierunki, które ostatecznie zastąpiły dyskotekę. To przede wszystkim EuroDance.
Ten artykuł to początek świetny przegląd muzyka disco w Encyklopedii Disco. Dowiecie się wszystkiego o dyskotece - bez ozdobników i przepychu, kosmetyków i cenzury. Porozmawiamy o początkach kultury disco i tle społeczno-kulturowym, który przyczynił się do jej powstania. Przeczytacie o pierwszych dyskotekach w Europie i Ameryce, odwiedzicie popularne kluby epoki disco i poznacie pierwszych DJ-ów – innowatorów w swoim rzemiośle. Ta recenzja nie udaje, że jest kompletny, w przyszłości rozważymy bardziej szczegółowo każdy aspekt kultury disco.
pochodzenie imienia
Słowo „dyskoteka” pochodzi od francuskiego „dyskoteka” – pierwotnie tak nazywała się zwykła sterta płyt (analogicznie do biblioteki – repozytorium książek). W latach 40., kiedy Paryż znajdował się pod okupacją niemiecką, muzyka taneczna W tamtym czasie zakazano jazzu, bebopu i swingu jako „muzyki czarnych podludzi”, która wniosła kapitał do „żydowskiego” show-biznesu. Od początku 1942 roku jej występ trwał wieczory taneczne było zabronione.
Jednak pomimo intensywnej propagandy paryska młodzież nadal gromadziła się na zamkniętych imprezach i tańczyła swingowo nie do muzyki orkiestry na żywo, ale do płyt. Swoją apolitycznością, cynizmem wobec rządzącego reżimu, specjalnym slangiem z dużą ilością anglicyzmów i miłością do wszystkiego, co amerykańskie, ta subkultura przypominała sowieckich kolesi. Nazywała siebie jazzowym słowem „Zazu”. W Niemczech istniał podobny ruch młodzieżowy zwany „dzieciami swingu” lub „młodzieżą swingową”.
Po wojnie zwykłe słowo „disco” we Francji zaczęło odnosić się do klubów nocnych. W 1947 roku Paul Pasin otworzył w Paryżu pierwszą komercyjną dyskotekę - klub Whiskey à Go-Go (od francuskiego à gogo - „w obfitości, w obfitości”). W 1953 roku do jego modernizacji przyłożyła się Regina Tsilberberg – były piosenkarz pochodzenia polsko-żydowskiego, późniejszy znany menadżer nocnych kabaretów. Wyrzuciwszy z establishmentu modne amerykańskie, zastąpiła je żywymi disc jockeyami, którzy pracowali za dwoma gramofonami. Ta innowacja nadała klubowi żywą i dynamiczną atmosferę!
Dyskoteki Nowego Świata
Dyskoteki zawitały do Ameryki, gdzie w połowie lat 60. czujnie podążały za modą paryską. Sukces Whiskey à Go-Go zainspirował Amerykanów do otwarcia podobnych klubów w Chicago i Los Angeles. Ale jeśli dyskoteki Reginy Zilberberg miały pewien elitarny charakter, to w Ameryce początkowo były dostępne dla ogółu społeczeństwa. Dyskoteka Whiskey-A-Go-Go, otwarta w 1964 roku w West Hollywood, spopularyzowała taniec go-go: pod sufitem zawieszona była klatka, w której tańczyły dziewczyny w krótkich spódniczkach (lub w ogóle bez spódnic).
W Nowym Świecie „dyskoteki” zaczęto nazywać nie tylko samymi klubami, ale także tańcami, które były w nich wykonywane, a nawet strojami publiczności! Tak na przykład nazywano damskie sukienki bez rękawów, które nie krępowały ruchów podczas tańca. 
Zatem, Amerykańskie dziewczyny W latach 60. ludzie chodzili na dyskoteki w... dyskotekach! Takie zamieszanie często zdarza się w przypadku neologizmów, które nie nabrały jeszcze jasnego znaczenia. Ale ulubiony amerykański sposób skracania wszystkiego spowodował jeszcze większe zamieszanie, gdy słowo „disco” zmieniło się w „disco”!
Jednak w epoce rock and rolla dyskoteek było niewiele, a młodzi ludzie woleli spędzać czas w barach. Prawdziwy rozkwit kultury disco nastąpi dopiero w najbliższej dekadzie! Rozprzestrzenianie się dyskotek w Ameryce i za granicą stworzyło zapotrzebowanie na zawód disc jockeya, którego umiejętności były coraz bardziej doskonalone!
Sztuka bycia DJ-em
„Typowy nowojorski DJ disco to młody gej włoskiego pochodzenia” .
(Vince Aletti, krytyk muzyczny)
Specjalnie przeszkoleni ludzie, którzy grali i zmieniali płyty w dyskotekach, nazywani byli hipodromem „disc jockey” lub „DJ”. 
Nazwę tę odziedziczyli po DJ-ach stacji radiowych, które tak nazywano w latach 40-tych.
Jednak w przeciwieństwie do prezenterów radiowych, DJ-e klubowi od dawna są najbardziej „ niska kasta„w swoim zawodzie. Disc jockey siedział skromnie w swojej sterówce, przyjmując rozkazy i zmieniając zapisy. Rola zupełnie nieistotna, jak kelner serwujący drinki znudzonej publiczności.
Jednak prędzej czy później każdy mniej lub bardziej spostrzegawczy DJ zaczął wyczuwać publiczność i rozumieć nastrój, jaki tworzy ta czy inna muzyka. Umiejętnie dobierając piosenki, stał się kimś w rodzaju lalkarza, który pociągając za sznurki emocji, ustawia nastrój na parkiecie!
Jednym z innowatorów, którego nazwisko zapisane jest złotymi literami w historii disco, był DJ Francis Grasso. Ten człowiek zrewolucjonizował kulturę DJ-ską, zmieniając ją z rzemiosła w sztukę. Uważany jest za autora większości technik, którymi DJ-e posługują się do dziś. Pod koniec lat 60., pracując w klubie Sanctuary w Nowym Jorku, Grasso jako pierwszy spopularyzował „beatmatching” – miksowanie dwóch płyt, na których jeden utwór płynnie i niezauważalnie przez publiczność przechodzi w drugi.
„Wcześniej DJ puszczał płytę, potem coś mówił, a potem puszczał kolejną płytę. Teraz piosenki zastępowały się niezauważalnie, nazywano to „przejściem”. A muzyka nigdy się nie kończyła. Wielu DJ-ów, takich jak Nicky Siano, było znanych ze swoich fajnych przejść.”
(Mark Jacobson, dziennikarz)
Trzymając płytę ręką, pozwalając płycie swobodnie się pod nią obracać, Grasso wypuścił ją w odpowiednim momencie, co wywołało efekt zaskoczenia, gdy temat z zupełnie innego utworu nagle przerodził się w jeden utwór. 
Technika ta nazywa się „slip-cuing”.
Na początku lat 70-tych nowojorski DJ pochodzenia jamajskiego DJ Kool Gerk wymyślił technikę, w której zmiksowano dwa identyczne nagrania, co umożliwiło niemal nieograniczone przedłużanie brzmienia jednej kompozycji i powtarzanie ulubionych miejsc publiczności. Technika Kuli Gerk położyła podwaliny pod narodziny nowego gatunku „breakbeat”.
W 1975 roku nowojorski DJ Grand Wizard Theodore przypadkowo wynalazł technikę „drapania”, która później stała się osobliwość muzyka hip hop. 
Przesuwając płytę w przód i w tył podczas jej odtwarzania, sprytnie zintegrował unoszący się dźwięk z rytmem odtwarzanego utworu.
W 1977 roku nowojorski DJ Tom L. Lewis wydał The Disco Bible (później bardziej neutralnie zatytułowany Disco Beats), w którym wymieniono wszystkie największe hity disco i ich tempo. Ułatwiło to życie początkującym DJ-om, którzy nie nabyli jeszcze poczucia rytmu. Lista została później ponownie opublikowana przez magazyn Billboard.
Wraz z rozwojem umiejętności DJ-skich wśród klubowych DJ-ów zaczęły pojawiać się kultowe postacie, wirtuozi swojego rzemiosła, do których występów ludzie podchodzili jakby na koncerty artystów. Jednak zawód DJ-a nadal pozostawał nisko opłacany. Dla większości DJ-ów lat 70. praca w klubie była raczej sposobem na życie i zarabiali nie na muzyce, ale na sprzedaży narkotyków pod ladą.
„Bycie DJ-em było naprawdę fajne, nie zarabiałeś dużo pieniędzy, ale miałeś dużo dziewczyn i darmowe napoje! Pamiętam mój pierwszy seks w pokoju DJ-skim, byłem królem!”
(Charlie Anzalone, DJ)
Osobowości najsłynniejszych DJ-ów były bezpośrednio związane z klubami, w których pracowali. I opowieść o nich wypada zacząć od Davida Mancuso i jego klubu Loft, w którym narodziły się podwaliny kultury disco!
Club Loft: „Miłość ratuje dzień”
Wszystko zaczęło się od zwykłych domowych przyjęć, które były menadżer David Mancuso organizował dla przyjaciół w swoim mieszkaniu studyjnym na Broadwayu. Pierwsza impreza odbyła się w Walentynki – 14 lutego 1970 roku i nosiła tytuł „Miłość ratuje dzień” (w skrócie „LSD”). Nie było tam przypadkowych osób – na imprezę Mancuso można było dostać się jedynie za zaproszeniem, które rozdawano wśród bliskich i zaufanych osób. Czy to prawda, że taki spisek bardzo przypomina pierwsze dyskoteki organizowane przez Zazu w okupowanym Paryżu?
Z biegiem czasu wspaniała muzyka i przyjazna atmosfera jaka tam panowała zaczęła przyciągać coraz więcej gości, co skłoniło Mancuso do regularnego organizowania swoich przyjęć. Chociaż oficjalne imię jego klub nigdy takiego nie miał, przyjaciele nadali mu przydomek „Loft” („Poddasze”) i mocno go to utkwiło. Imprezy Mancuso różniły się od ówczesnych nowojorskich barów – raczej niebezpiecznych miejsc, do których ludzie chodzili głównie po to, żeby się upić lub zagrać – tym, że w centrum uwagi znajdowała się muzyka. Za wstęp 2 dolary 50 centów gość mógł bezpłatnie korzystać z szatni i baru, cieszyć się świetną muzyką i komunikować się z ciekawymi ludźmi.
Pokój nie był aż tak duży, ale miał jeden z najlepszych systemów dźwiękowych tamtych czasów! Davidowi bardzo zależało na jakości dźwięku i przez lata doprowadził dźwięk swojego sprzętu do perfekcji! Chociaż Loft miał dwa gramofony, Mancuso nigdy nie miksował utworów. Nawet gdy dopasowywanie beatów stało się powszechnym trendem, David nie włączał kolejnej piosenki, dopóki poprzednia się nie skończyła.
„Tam po raz pierwszy spotkałem DJ-a, który nie tylko puszcza płyty, ale także tworzy atmosferę. Ten duża różnica. A potem pomyślałem: tego właśnie chcę. Nie po to, żeby odtwarzać płyty, ale żeby stworzyć atmosferę!” .
„Przyjęcia były prywatne i niepodobne do niczego innego. Dawid był bardzo oryginalny gust muzyczny. Wszystko tam było przesiąknięte muzyką i dźwiękiem. Poczułaś się wyjątkowo, bo pozwolono Ci tam być. A na zewnątrz tłoczyli się ludzie i błagali: wpuśćcie nas! Ale imprezy tam zawsze miały charakter bardzo prywatny”.
(David Depino, DJ)
David szczególnie starannie dobrał muzykę – po mistrzowsku kontrolował nastrój swoich gości, budując nienaganną sekwencję dźwiękową. 
W przeciwieństwie do innych DJ-ów, którzy grali tylko najnowsze i najpopularniejsze utwory, Mancuso wybierał płyty według własnego uznania. Czasem były to nieznane grupy, czasem nagrania importowane, przywiezione z Europy. Jego kolekcja zawierała dużo jazzu i muzyka etniczna z Afryki, Ameryki Łacińskiej i Jamajki. W klubie Loft dokonano wielu odkryć - zasłyszane tam piosenki (na przykład słynna „Soul Makossa” Manu Dibango) jego przyjaciele DJ-e nosili po swoich klubach, zamieniając je w megahity!
Wśród stałych bywalców Loftu było wielu przyszłych światowej sławy DJ-ów, takich jak Nicky Siano, Larry Levan i Frankie Knuckles. Z biegiem czasu nawet gwiazdy uważały obecność tam za zaszczyt, ale jednocześnie żadna z nich nie starała się być w centrum uwagi – zgodnie z niepisanym regulaminem klubu, wśród gości panowała całkowita równość!
„To był rodzaj artystycznej nirwany, utopijny pomysł. Spotykały się tu grupy ludzi, które zwykle nie gromadziły się w tym samym czasie i miejscu. Ale oni tam byli i wszyscy tak myśleli świetny pomysł przynajmniej przez trzy lub cztery godziny, które tam spędzili.”
Być może klub Loft nie przynosił wielkich zysków, ale pomysł imprez zamkniętych (zaczęto go nazywać „The Loft”) bardzo szybko spotkał się z żywym odzewem wszelkiego rodzaju nieformalnych zepchniętych przez władzę do podziemia: czarnych, Latynosów i geje. W klubie, w którym publiczność składała się w 60% z czarnych i w 70% z homoseksualnych, wszyscy byli równi!
Les Miserables
Pod koniec lat 60. Ameryką wstrząsnęły liczne ruchy protestacyjne: hipisi protestowali przeciwko wojnie, feministki i Afroamerykanie (pozdrowienia od Angeli Davis) walczyły o swoje prawa. 
Jednak otrzymawszy więcej praw, czarni nadal nie mogli domagać się równości z białymi. Latynosów uważano za tych samych ludzi „drugiej kategorii”. Biali po prostu nie chcieli widzieć „kolorowych” ludzi w swoich placówkach.
Rewolucja seksualna zmieniła poglądy społeczeństwa na temat seksu, ale nie na temat mniejszości seksualnych. Homoseksualiści nadal byli postrzegani przez społeczeństwo jedynie jako grzesznicy, osoby chore psychicznie lub przestępcy. W zależności od stanu grozi im kara grzywny, umieszczenie w szpitalu psychiatrycznym, a nawet więzienie. Policja regularnie napadała na bary i inne lokale w poszukiwaniu homoseksualistów. Bary obsługujące gejów zostały ukarane grzywną i pozbawione licencji.
W walce z licznymi barami dla gejów rząd Nowego Jorku wydał dyskryminujące rozporządzenie zakazujące sprzedaży alkoholu gejom. 
Nawet w dzielnicach takich jak Harlem i Greenwich Village, gdzie tradycyjnie mieszkało wielu gejów, było bardzo niewiele barów, w których mogliby swobodnie się gromadzić. Z reguły tego typu placówki były własnością mafii, która umiejętnie rozwiązywała problemy z prawem za pomocą łapówek. Mając w policji własnych ludzi, o nalotach dowiedzieli się z wyprzedzeniem i mieli czas, aby się do nich przygotować. Taki system ostrzegania działał dobrze w latach prohibicji.
Aby uniknąć problemów z prawem, w establishmentach obowiązywały niepisane zasady: mężczyznom nie wolno było tańczyć z mężczyznami, a kobietom nie wolno było tańczyć z kobietami. Na siedmiu tańczących chłopaków musiała przypadać jedna dziewczyna. Z kolei każda dziewczyna musiała założyć co najmniej trzy sztuki odzieży damskiej.
„Wszystkie kluby, które obsługiwały gejów, były prowadzone przez mafię. Bo tylko oni mieli szansę przeżyć, gdy policja nieustannie napływała z ich obławami. A kiedy przepisy stały się bardziej rygorystyczne, ludzie tacy jak ja i David mogli otwierać własne lokale”.
Idea The Loft pozwoliła gejom, czarnym i Latynosom zapomnieć o konspiracji i policyjnych nalotach. Na zamkniętych imprezach nie było przypadkowych osób, geje i lesbijki mogli ze sobą tańczyć do woli, a czarni i Latynosi mogli przebywać obok białych bez obawy, że zostaną obrażeni. To właśnie ta atmosfera równości, niezależności, jedności, miłości stała się żyzną glebą, na której wyrósł disco!
Kluby z epoki disco
Dziś wyobrażamy sobie kluby dyskotekowe w większości inspirowane filmem „Gorączka sobotniej nocy” – ze świecącym parkietem, światłami stroboskopowymi i lustrzanymi kulami pod sufitem. Jednak na początku lat 70-tych nie istniało jeszcze żadne specjalne wnętrze dyskotekowe, wygląd lokalu zależał wyłącznie od wyobraźni jego właścicieli, która często była znacznie bardziej różnorodna, niż nam się wydaje!
Jeden z najbardziej znane kluby swego czasu były Łaźnie Kontynentalne, zlokalizowane w podziemiach hotelu Ansonia na rogu 73. ulicy i Broadwayu. Jej właściciel, Steve Ostrow, wziął za podstawę ideę starożytnych łaźni rzymskich. I tak jak w Starożytny Rzym, były orgie.
Oprócz dyskoteki w klubie znajdowały się sauny, basen, kabiny prywatności, restauracja i kabaret. Czasami ludzie wychodzili na parkiet w ręcznikach! W klubie tym grało dwóch tytanów muzyki elektronicznej: Larry Levan, przyszły twórca stylu garażowego i Frankie Knuckles, ideolog muzyki house. Wystąpiły takie gwiazdy jak The Pointer Sisters, Gloria Gaynor, Connie Francis i wiele innych.
Prawdziwym siedliskiem kultury disco była Fire Island, popularne plażowe przedmieście Nowego Jorku, gdzie wakacje spędzali głównie biali ludzie. Miejsce to jest wspomniane w piosence Village People o tym samym tytule jako miejsce na „zabawny weekend”. 
W piosence wymieniono tak znane popularne miejsca, jak Ice Palace, Monster, Blue Whale i Sandpiper. Piosenka ostrzega: „nie wchodź w krzaki, bo ktoś cię może złapać” lub „dźgnąć nożem”.
Le Jardin, otwarty przez Johna Addisona w hotelu Diplomat na Manhattanie, naśladował elitarne paryskie dyskoteki lat 60. w duchu Reginy Zilberberg. Miał dwie kondygnacje, penthouse i piwnicę. Były tam palmy i miski z owocami, luksusowe meble i kelnerzy w eleganckich mundurach jeżdżący na rolkach. Publiczność składała się ze śmietanki manhattańskiego społeczeństwa: gejowskiej bohemy, pięknych kobiet i czarujących młodych mężczyzn. Wystąpili kultowi DJ-e, tacy jak Steve D'Acquisto, Bobby „DJ” Guttadaro i Baco Manguel. 
3 marca 1975 roku Gloria Gaynor została koronowana na Królową Disco!
Być może pierwszym miejscem, które wyznaczyło słynne kanony wystroju disco, był klub Gallery, otwarty przez młodego brooklyńskiego DJ-a Nicky'ego Siano. Opierając się na pomyśle klubu Loft Davida Mancuso, Nicky wdrożył jego komercyjną wersję. Ale jeśli w Lofcie muzyka była na pierwszym miejscu, to w Galerii w centrum uwagi był sam Nicky - w klubie jego właściciela i na pół etatu DJ-a panował prawdziwy kult jednostki!
„Przede wszystkim Galeria była bardzo przystępna. Płacisz siedem dolarów i wchodzisz – to wszystko. To wszystko, co płacisz, chyba że chcesz kupić kwas - może jeszcze jednego dolara. Lub 50 centów za Quaalude, to było bardzo, bardzo przystępne!” .
Raz we śnie Nicky widział konsolę DJ-ską nie z dwoma gramofonami, ale z trzema. Konstruując ten system w swoim klubie, był w stanie nie tylko zmiksować dwie płyty, ale także „w locie” dodać do nich fragmenty trzeciej. 
Nika miał doskonały na swoje czasy system oświetlenia, którym sterowano bezpośrednio za pomocą pilota. Jakość dźwięku też była świetna!
Galeria miała czarne ściany, wielokolorowe światła i dużą lustrzaną kulę pod sufitem, która powoli wirując, stwarzała iluzję gwiaździste niebo. Później to wnętrze stanie się formatem dyskotekowych klubów, a lustrzana kula stanie się symbolem disco! Takimi typowymi elementami wnętrza dyskoteki były świecące girlandy i konfetti, fluorescencyjne, neonowe i lampy lawowe, Balony, dym z suchego lodu, świecący parkiet, lustra i wiele, wiele więcej.
Oczywiście najbardziej kultowym klubem ery disco był słynny nowojorski „Studio 54”, ale o tym porozmawiamy osobno!
Warto wspomnieć także o innych legendarnych nowojorskich klubach: Paradise Garage, Galaxy 21, Starship Discovery One, Cock Ring, New York New York, Copacabana, Soho Place, Reade Street, „Tenth Floor” itp.
Oprócz Nowego Jorku duże sale koncertowe odbyły się w innych miastach: Studio One w Los Angeles, The Library w Atlancie, Trocadero Transfer, I-Beam i End Up w San Francisco. Dyskoteki jedna po drugiej pojawiały się w całej Ameryce, nawet w jej najbardziej odległych zakątkach!
Zapalająca muzyka, rozświetlony światłami parkiet taneczny i morze smukłych ciał kołysających się i pulsujących w rytm wesołych rytmów. Tak w przybliżeniu możemy opisać element, który dał początek jednemu z najbardziej żywych, ekstrawaganckich i egzotycznych stylów mody – styl dyskotekowy…
A wszystko zaczęło się w połowa lat 70-tych, kiedy wśród młodych ludzi pojawiło się nowe hobby – dyskoteki. Dyskoteki były miejscem, w którym zwykli ludzie mogli zanurzyć się w świat światła i blasku, pozytywnych emocji i beztroskiej zabawy, zapominając na chwilę o swoich codziennych problemach.
W nowych tańcach nie było konieczne posiadanie specjalnych umiejętności, jak to miało miejsce w rock and rollu. Prostota i rytm sprawiły, że był dostępny dla absolutnie każdego. Dodaj do tego panującą wokół atmosferę wakacji, a nawet karnawału, a zrozumiesz dlaczego Styl dyskotekowy zdobył taką miłość. Disco chwilowo stało się stylem życia całego pokolenia z własną muzyką, własnymi idolami, własnymi wartościami i, oczywiście, własnymi wyjątkowa moda.
Gorączka sobotniej nocy
Jak to często bywa, moda na styl disco ukształtowała się początkowo pod wpływem pierwszych wykonawców popowych, których kompozycje grano na dyskotekach. Donna Samer, Gloria Gaynor, Diana Ross, Bee Gees i Village People przyniósł masom nie tylko ekscentryczną muzykę, ale także wyzywająco oryginalny styl ubioru.
Tym samym za namową Dianny Ross młodzi ludzie zaczęli nosić dżinsowe czapki ozdobione cekinami, krótkie dżinsowe spodenki z kolorowymi rajstopami, „Królowa Disco” (Donna Summer) przyczyniła się do spopularyzowania sukienek tunikowych i luźnych koszul w ciemnych odcieniach, haftowane cekinami, a pomysły na kostiumy sceniczne Wieśniaków z powodzeniem znalazły swoich zwolenników w nocnych dyskotekach.
Ale standard stylu disco można nazwać „czarującym” obrazem stworzonym przez Johna Travoltę w kultowym filmie „Gorączka sobotniej nocy” (1977) - biały garnitur z czarnym golfem lub koszulą.
Nowa moda przyniosła nowe trendy. Po raz pierwszy w historii mody upowszechniły się idee unisex, które wcześniej demonstrowano jedynie na wysokich pokazach mody. Co więcej, atakowana była męskość silnej połowy ludzkości.
Słodkie melodie, dopieszczony wygląd wykonawców, wysokie głosy a uniseksualność tańca ostatecznie zatarła granicę między płciami. Mężczyźni, podobnie jak kobiety, nosili przezroczyste T-shirty i topy, obcisłe dżinsy i białe skórzane spodnie.
Często mężczyźni (szczególnie popularni piosenkarze, tancerze i bywalcy dyskotek) nosili jasne kosmetyki. Ulubione kolory to różowe usta i niebieskie powieki makijaż damski i męski z lat 70-tych. Wybierając biseksualny wizerunek w modzie, mężczyźni znacznie zwiększyli zakres swojej garderoby.
Warto zaznaczyć, że wyznawcy stylu Disco, w przeciwieństwie do hippisów i punków, nie zawsze szokowali społeczeństwo swoim wyglądem. Z reguły codzienny strój miłośników dyskoteki był dość umiarkowany i surowy, a egzotyczne stroje z niewyobrażalnymi kombinacjami kolorów używano tylko w strojach wieczorowych. Ale jak to było płótno!
Aby osiągnąć oryginalny wizerunek, dopuszczalne były wszelkie środki, a wyrażanie siebie ograniczało jedynie bogactwo wyobraźni. Jednocześnie na parkiecie można było zobaczyć rozkloszowane dżinsy i seksowne obcisłe spodnie satynowe, krótkie spodenki i trykoty z dzianiny lureksowej, podkoszulki i koszulki poliestrowe, body i sukienki z lycry z rozcięciem sięgającym majtek, buty na platformie i sandały ze skóry węża. Mieszanie niekompatybilnych kolorów i materiałów, które wcześniej uważano za przejaw złego smaku, stało się idealne dla stylu disco.
W epoce dyskoteki dziewczęta nosiły męskie ubrania, którym nadano kobiecy akcent. Męskie marynarki lub bluzki w stylu koszuli noszono bezpośrednio nagie ciało, a brak stanika nie tylko nie był ukryty, ale wręcz przeciwnie, został wyraźnie podkreślony guzikami lub ćwiekami rozpiętymi do pasa.
Nosili także szorty w połączeniu z T-shirtami w jaskrawych kolorach, sukienkami i maxi spódnicami z dżinsu. Początkowo preferowano buty na wysokiej platformie, ale pod koniec lat 70-tych popularne stały się sandały na eleganckich szpilkach. Srebrne sandały uznano za modę. Wczesne lata 80-te Modne stały się szerokie, kolorowe spodnie, zwężające się ku dołowi. Ze względu na kształt i kolor nazywamy je „bananami”.
W Moda męska z lat 70 Popularne były także ubrania podkreślające figurę: obcisłe spodnie z błyszczącego materiału, obcisłe jeansy rozkloszowane u dołu. Za szczególnie szykowne uważano pojawienie się na dyskotece w obcisłym kombinezonie gimnastycznym lub stroju profesjonalnej tancerki we wzór skóry lamparta.
Biały garnitur noszony w połączeniu z czarną koszulą uznawany był za szczyt elegancji. W modzie popularne były także golfy, noszone z marynarką lub osobno. W modzie męskiej klasyczne kolory ustąpiły miejsca kolorom pomarańczowym, srebrnym, limonkowym, jaskrawym żółtym i metalicznym.
Styl disco pozwalał na całkowitą swobodę działania w odniesieniu do ubioru. Nie mogło to nie przyciągnąć całej galaktyki młodych projektantów i projektantów mody, którzy ucieleśniali najbardziej śmiałe pomysły w odzieży.
Być może największy sukces w tej dziedzinie odniósł amerykański projektant Halstona, który stworzył najnowocześniejszą linię odzieży na parkiet. To Halston wprowadził obcisłe sylwetki i tkaniny eksponujące wszystkim ciało tancerza.
Świat mody disco zawdzięczał amerykańskiemu projektantowi pojawienie się takich rzeczy jak kombinezony, zamszowe sukienki koszulowe, kaszmirowe spodnie, komplety miniszortów i długie kardigany.
Do innych kultowy projektant lat 70 był Billa Gibba– autorka bluzek dzianinowych z lureksem. I najbardziej projektant mody wzięto pod uwagę buty Terry’ego de Havillanda, której arcydziełami były buty na platformie w egzotycznych kolorach czy sandały na koturnie ze skóry węża. Charakterystyczną cechą odzieży w stylu disco było jej zastosowanie duże ilości tkaniny z materiałów sztucznych: poliester, spandex, wiskoza, żakard, lureks itp.
Jeśli chodzi o akcesoria w stylu płyt, wszyscy kierowali się tą samą zasadą – im większe i jaśniejsze, tym lepiej. Masywne kolczyki i wisiorki, liczne bransoletki i złote łańcuszki, wielokolorowe pierścionki na nadgarstkach oraz fantastycznie ukształtowane okulary z kolorowymi soczewkami. Wszystkie te przedmioty przypominały ozdoby na choinkę.
Było równie ekstrawaganckie makijaż w stylu dyskotekowym, w którym przyznano preferencje żywe kolory i bogate tekstury. Modne było połączenie kolorów: jasnoniebieskiego, różowo-fioletowego, liliowo-różowego, fioletowo-liliowego. Absolutną preferencją ery disco była perłowa szminka i perłowy jasnoniebieski cień do powiek.
Wyraźne kontury nie były mile widziane, więc jeśli nakładałaś makijaż palcami, nikt nie zwróciłby na to uwagi. I oczywiście wszystko musiało błyszczeć. Na twarz i włosy przyklejono brokat, na paznokcie nałożono perłowy lakier, ciało pokryto samoopalaczem i nałożono złoty print w panterkę.
Wśród fryzur ogromną popularnością cieszyła się naturalna afrykańska piękność w kształcie mniszka lekarskiego zwana „Afro”. Dopuszczalna była także europejska wersja tej fryzury z białymi włosami. Jeśli natura pozbawiła kogoś pełni włosów, można to było łatwo skorygować różnymi perukami.
Oprócz ekscentrycznych fryzur w modzie pojawiły się także bardziej tolerancyjne opcje. Dla dziewcząt są to proste, długie blond włosy, dla mężczyzn - włosy sięgające prawie do ramion.
Styl dyskotekowyżądał od swoich wyznawców życia w szalonych rytmach w otoczeniu jaskrawych kolorów. Dla ówczesnej młodzieży nie było między nimi granic wewnętrzny świat i otaczający nas świat, dlatego też wyrażanie swojej indywidualności, swojego „ja” było powszechnie uznawane za normę. Samo wyróżnianie się z tłumu poprzez noszenie niezwykle jasnych ubrań nie wystarczyło. Ubrania miały podkreślać zgrabną, elastyczną, wysportowaną sylwetkę.
Dla tanecznego pokolenia lat 70. weekendowe dyskoteki nie wystarczały. Chęć zgubienia ostatnich gramów tłuszczu przyniosła ze sobą nową masową modę na odwiedzanie siłownie i zajęcia aerobiku. Styl disco ukształtował zupełnie nowy ideał mężczyzny. Za standard uznawano wysokiego, szczupłego, opalonego, przystojnego mężczyznę, bez pretensji do muskulatury i szorstkości.
Za idealną kobietę uważano długonogą blondynkę o nierozwiniętych kształtach. Wokół szczupłości narodził się cały kult, który często przeradza się w maniakalną obsesję na punkcie diety i fitnessu. Pod koniec lat 70. kobiety musiały już leżeć, aby zapiąć dżinsy.
Już w środku wczesne lata 80-te Masowe zainteresowanie muzyką disco zaczęło słabnąć. I nie było to zaskakujące. Niekończące się wakacje i nieokiełznana zabawa są nie mniej nudne niż beznadziejna szara codzienność.
Na parkiecie styl disco został ostatecznie zastąpiony przez hip-hop i style tańca „acid”, z ekranów kinowych zniknął wizerunek słodkich bohaterów, a z głośników magnetofonów przestały płynąć głosy wykonawców bez płci. Styl disco również ustąpił miejsca modzie.
Ale na szczęście nie minęło to bez śladu. Styl disco pozostawił po sobie tęczowe dziedzictwo, do którego czasami uciekają się współcześni projektanci.
P.S. I z jakiegoś powodu czasami pod koniec tygodnia, gdy codzienne problemy po prostu nas przytłaczają, wyciągamy z „skrzyń” stare płyty i kulę dyskotekową, kiedyś zrobioną z globusa, dzwonimy do znajomych, przygotowujemy egzotyczne koktajle, ubieramy się szalone stroje i rozpal prawdziwą „gorączkę sobotniej nocy”, w którą możesz ponownie się zanurzyć Magiczny świat beztroskiej zabawy i pozytywnych emocji.
Dziś rzadko można spotkać coś takiego ruchy taneczne jak przez całą dekadę.
Historia tańca disco
Disco lat siedemdziesiątych narodziło się w Walentynki 1970 roku, kiedy David Manusco otworzył The Loft w Nowym Jorku, a ruch taneczny szybko zniknął w 1980 roku. Kiedy ruch disco osiągnął swój szczyt w latach 1978-79, jego podstawową populację stanowili biali, heteroseksualni mieszkańcy miast i przedmieść z klasy średniej. Ale wszystko zaczęło się inaczej. Przez pierwsze osiem lat dyskoteka była ruchem undergroundowym. Następnie film Gorączka sobotniej nocy (grudzień 1977) pomógł przekształcić subkulturę w modę głównego nurtu, powodując 30-krotny wzrost frekwencji w dyskotekach.
W latach siedemdziesiątych narodził się tak powszechny dzisiaj pluralizm, w którym indywidualna różnorodność zainteresowań i gustów zwyciężyła nad masowymi trendami i modami. W ten sposób dyskoteki stały się popularne wśród wielu różne grupy populacja.
Jedną z takich populacji było pokolenie wyżu demograficznego, które czuło się odłączone od rewolucji kontrkulturowej lat 60. Byli nastolatkami i studentami w latach sześćdziesiątych, ale wszystkie wydarzenia ich ominęły. Wielu z nich zazdrościło hipisom nowych swobód i stylu życia, od dążenia do oświecenia po rewolucję seksualną.
Jak wspominał Bruce Pollack w 1979 roku: „Zbyt często przypominano nam, że po prostu nie jesteśmy hipisami. Oni mieli długie włosy i Woodstock, i nie mieliśmy nic, co moglibyśmy nazwać własnym. Potrzebowaliśmy jakiegoś wspólnego działania, pogardzanego przez poprzednie pokolenia, które zjednoczyłoby nas jako grupę. Ten rodzaj undergroundowej kultury powstawał w dyskotekach. Wspaniale było poczuć się wyjątkowo.” Dla znacznej części pokolenia wyżu demograficznego lat siedemdziesiątych nowe tańce stały się rynkiem zbytu, który wyróżniał ich spośród wszystkich innych. Dzięki dyskotece mogli zasmakować wolności, jaką doświadczyli w latach sześćdziesiątych.
Ale całkowicie odmienili swoją kontrkulturę od hippisów. Głównym elementem nowa scena dyskoteka stała się wyrafinowaniem. Oznaczało to wysoką klasę i stylowość, a nie masę, ale indywidualność. W ten sposób rewolucja seksualna, która rozpoczęła się w latach sześćdziesiątych, przekształciła się w efektowną wersję miejską.
Taniec dyskotekowy w latach 70
W latach 70. pojawił się jeszcze jeden powód zmiany estetyki i wygląd dyskoteki (oprócz własnej chęci zmiany). A ukrywało się to w tym, że przedstawiciele klasy robotniczej zaczęli odwiedzać dyskoteki. Dyskoteka była atrakcyjna, ponieważ jej wyrafinowanie stanowiło dla pracowników znaczącą zmianę, której mogli z łatwością „spróbować”. Wystarczyło się odpowiednio ubrać i zapłacić za wstęp, a już mogli na noc zamieszkać w eleganckim, futurystycznym świecie. A także, co ważne, robić to ramię w ramię z ludźmi, którzy są o krok wyżej na drabinie społecznej.
Dla młodych Amerykanów z klasy średniej i robotniczej możliwość „zrobienia kroku w inne życie” stała się tak atrakcyjna, że nie mogli jej odmówić. To było typowe zjawisko z tamtych czasów: za dnia w fabryce pracował Amerykanin włoskiego pochodzenia, a nocą był królem disco.
Warto zauważyć, że dyskoteki zaoferowały także smak wolności i samorealizacji trzem innym subkulturom lat siedemdziesiątych: gejom, Latynosom i Afroamerykanom. Po dziesięcioleciach marginalizacji każdej z tych mniejszości wszystkie znalazły ujście w dyskotekach.
1) Geje byli pierwsi. Najpierw trafili do Loftu, który otworzył David Manusco w Nowym Jorku, a następnie do Galerii i Paradise Garage. Po kontrkulturowej rewolucji lat sześćdziesiątych w mediach akceptacja gejów była stosunkowo większa, a w 1971 r. w Nowym Jorku przyznano im nawet pewne wolności.
2) Następnie smaku disco zasmakowali nowojorscy Latynosi (głównie Portorykańczycy i Kubańczycy), którzy przenieśli na parkiety swoje tradycje tańca latynoamerykańskiego z lat 50. XX wieku. Amerykańska kultura popularna w dużej mierze porzuciła taniec w parach w bliskich związkach w 1960 roku, kiedy zwrot akcji zmienił dynamikę tańca towarzyskiego. Jednak tancerze latynoscy w Nowym Jorku nigdy nie przestali tańczyć w partnerach, po części dlatego, że dla Latynosów taniec w partnerstwie był zawsze preferowany od tańca solo.
3) A co z muzyką w 1972 roku? Gdyby teraz ktoś został wysłany na scenę disco z początku lat siedemdziesiątych za pomocą jakiegoś wehikułu czasu, zdziwiłby się, gdyby usłyszał, że wszyscy tańczą tylko do popu, soulu i Motown – muzyki lat sześćdziesiątych. Następnie w 1973 roku w Nowym Jorku pojawiły się nowe dźwięki przywiezione z Afryki – „Soul Makossa”, singiel Manu Dibango, który ożywił scenę disco na Manhattanie nowa energia. To było oszałamiająco niepodobne do niczego innego w tamtym czasie – powtarzający się motyw bez melodii, bez fabuły w tekście i ze stałym rytmem. Te nowe dźwięki zostały wkrótce uzupełnione większymi wersjami orkiestrowymi w stylu filadelfijskim, rytmami funkowymi i następną generacją soulu i Motown. Po połączeniu stało się to ostateczną muzyką ery disco.
Rozwój i upowszechnienie tańca
Można zatem powiedzieć, że pierwotna subkultura disco była fuzją zabawnej imprezy miejskiej, tańca, wspieranej przez muzykę latynoską i afroamerykańską. Taniec disco szybko rozprzestrzenił się na Europę i części Azji.
Czasami wydaje się dziwne, że ponad milion białych Amerykanów z dużych miast i przedmieść gromadziło się w dyskotekach, które pierwotnie były miejscami spotkań gejów, czarnych i Latynosów. Ale w rzeczywistości wszystko jest proste. Głównym elementem sceny disco było wyrafinowanie, a to oznaczało chęć postrzegania siebie jako rozwiniętej jednostki. Przesłanie rewolucji kontrkulturowej lat 60. było niezliczoną ilość razy omawiane w prasie, powtarzane w setkach popularnych piosenek i uświetniane w dziesiątkach filmów. W 1976 roku przeniósł się do klasy robotniczej. Tańce wiejskie zaczęto uważać za proste. Również około 1970 roku pojawiło się określenie „homofobia”, które uznano za obraźliwe. Zarówno mieszkańcom przedmieść, jak i pracownikom fizycznym spodobał się pomysł, że ewoluują i „wychodzą poza to”. W epoce disco lat 70. tancerzy krytykowano za szukanie powierzchownych przyjemności, ale był to też czas tolerancji dla sprzeciwu – w większym stopniu niż w kolejnych dekadach.
Nowe wolności wyrażały się także na parkiecie. Może to być wyrażanie siebie poprzez tańce solowe lub odbicie wielu odcieni rewolucji seksualnej rozgrywającej się w tańcach disco, które często podkreślały seksualność i towarzyszyły im także teksty o jawnie seksualnym charakterze.
Podobnie jak większość innych trendów, dyskoteka była również sposobem na bycie nowoczesnym. Oprócz nowoczesności prezentował także futuryzm, będący podstawą sceny disco. Wszystko było nowatorskie, od projektu klubu po zupełnie nowe modele noszące nowe syntetyczne tkaniny poliestrowe.
Elektroniczna syntetyzowana muzyka taneczna wkroczyła do dyskoteki pod koniec lat 70., ponieważ idealnie pasowała do nowoczesnych systemów dźwiękowych z gigantycznymi subwooferami wielkości minivanów, nowoczesnym oświetleniem, wytwornicami mgły i multimediami komputerowymi. efekty wizualne, animowane efekty neonowe i wielokolorowe lasery.
Tancerze czuli, że dyskoteka to cały ruch. Ale to była oryginalna dyskoteka, zanim stała się modą. Podziemna faza disco trwała dość długo – osiem lat – znacznie dłużej niż druga, superpopularna faza, która trwała zaledwie 2 lata. W ciągu tych dwóch lat liczba klubów tanecznych wzrosła z 1500 do 45 000. Wkrótce jednak „gorączka dyskotekowa” stała się „modą ubiegłego roku” i w 1980 roku uznano ją za martwą.
Taniec z epoki disco
W latach sześćdziesiątych Latynosi z Nowego Jorku, głównie Portorykańczycy i Kubańczycy, kontynuowali swoje nastoletnie tradycje popularnej w latach pięćdziesiątych huśtawki na stojaku. Tańczyli go głównie po spotkaniach kościelnych w kościele Mariackim w Bronksie i innych miejscach. Takie tradycje przetrwały częściowo dlatego, że wśród mieszkańców Ameryki Łacińskiej tańce w parach zawsze były uważane za męskie. Kiedy scena disco rozkwitła w Nowym Jorku w 1970 roku, taniec w parach odrodził się, a Latynosi stali się pierwszymi tancerzami disco.
Dlatego termin „Latin Hustle” odnosi się do Latynosów z Nowego Jorku, którzy nadal wykonywali te tańce, a nie dlatego, że był to taniec pochodzenia latynoamerykańskiego. Struktura, układy kroków i rytmy disco zgiełku są w zasadzie takie same jak jitterbug i bop tańczone przez amerykańskich nastolatków w latach 50. XX wieku, które zostały zapomniane w następnej dekadzie. Jednak muzyka była nowa.
W epoce dyskoteki istniały zarówno tańce w parach, jak i tańce solowe, ale popularność obu tańców zmieniała się w ciągu dekady. Przez pierwsze osiem lat taniec disco był głównie tańcem dla par, ale w 1978 roku to się zmieniło. Jak powiedziała Maria Torres, tancerka disco z Nowego Jorku: „To, co naprawdę zabiło tańczące pary, to Gorączka Sobotniej Nocy”. Disco było pierwotnie tańcem undergroundowym, tańczonym głównie przez Latynosów, czarnych i gejów. Byli wybitnymi wykonawcami, ale wszystko odbywało się zasadniczo pod ziemią. Potem, kiedy ukazała się „Gorączka sobotniej nocy”, wiele osób zaczęło gromadzić się w klubach, aby doświadczyć tego, co zobaczyli w filmie. Ale to, co uważali za „pośpiech”, to freestyle, który uprawiał John Travolta.
Oryginalny scenariusz „Gorączki sobotniej nocy” obejmował tylko taniec par, tak jak miało to miejsce w fabule Odyssey Club z 2001 roku. Ale John Travolta uważał, że taniec solo lepiej rozwija charakter fabuła i nalegał, aby zmienić scenariusz, aby mógł tańczyć freestyle. Travolta powiedział: „Oparli ten film na fakcie, że główny bohater był najlepszym tancerzem. Musiałem więc udowodnić widzom, że bohater jest najlepszym tancerzem. Travolta nie wiedział, że ta zmieniona scena zmieni dynamikę tańca disco.
Innym powodem wzrostu liczby solowych tańców freestyle jest późniejsze lata stało się, że w ówczesnym społeczeństwie „modne” stało się picie dużych ilości alkoholu. W ciągu zaledwie jednego roku powstało 44 000 nowych dyskotek. Było to częściowo spowodowane tym, że sprzedaż alkoholu była tak lukratywna, że kluby opracowały nowe sposoby zachęcania do picia. Taniec w parach wymagał znacznych umiejętności (i trzeźwości), podczas gdy styl dowolny można było z łatwością wykonywać pod wpływem alkoholu.
Źródło Wikipedia i 4dancing.ru
Dyskoteka to jasne święto, które zanurza Cię w stanie słodkiej miłości. Taniec, który daje poczucie wolności i odrywa od codzienności.
Taniec i styl muzyczny Disco to chyba najpopularniejszy trend w popkulturze ubiegłego wieku. Historia tego gatunku rozpoczyna się około połowy lat 70. jednocześnie w USA i Europie. Amerykański styl disco wchłonął tradycje i brzmienia funku i soulu. Europejski ruch disco odziedziczył charakterystyczne nurty tradycyjnej muzyki pop i przeplatał się z nowymi trendami w muzyce pop.
Historia dyskoteki
Za rok narodzin nowego chwytliwego tańca uważa się rok 1974. To się stało istotne wydarzenie w klubach Nowego Jorku, a kilka lat później w Ameryce nastąpił prawdziwy boom na dyskotekę. Niemal jednocześnie dyskoteka po przekroczeniu oceanu podbiła Europę, a później Związek Radziecki. W ZSRR nowy taniec przeniknął z dwóch stron jednocześnie - z zachodu z Ameryki i ze wschodu z Indii, gdzie kręcono film „Disco Dancer”, który zyskał niezwykłą popularność w Związku Radzieckim.
W 1977 roku w Stanach Zjednoczonych ukazał się film „Gorączka sobotniej nocy” z Johnem Travoltą w roli głównej. To zdjęcie wyraźnie pokazuje życie prawdziwego fana disco, który na parkiecie zapomniał o wszelkich życiowych kłopotach i przeciwnościach losu.
U początków styl europejski Dyskotekę zdominowały grupy „Abba” i „Boni M”, które cieszyły się bodaj największą sławą w całej historii muzyki pop. Producenci i kompozytorzy przyczynili się do rozpowszechnienia i popularyzacji nowego stylu.
Styl ten rozkwitł w latach osiemdziesiątych ubiegłego wieku. Nawet teraz nie straciło to na aktualności. Co roku w Rosji odbywa się festiwal „Disco 80s”, na który zapraszane są gwiazdy krajowe i zagraniczne.
Co to jest dyskoteka?
Korzenie stylu disco należy doszukiwać się w nurtach funk i soul, które wchłonęły czarną muzykę i kulturę taneczną. Głównymi cechami disco są „żywe” i elektroniczne przetwarzanie muzyki oraz szybkie tempo, od 120 uderzeń na minutę, czyli dwukrotność tętna ludzkiego.
Czarująca popularność disco polega na prostocie podstawowych ruchów, braku ścisłych zasad i wymagań oraz możliwości improwizacji. W dyskotece możesz pokazać swoją indywidualność, zademonstrować własne oryginalne ruchy i pochwalić się swoimi umiejętnościami. Taniec wykonywany jest na dyskotekach w dużych grupach.
Cechą charakterystyczną dyskotek lat osiemdziesiątych były efekty migotania, lustrzane ściany i obracające się lustrzane kule, migające światła i światła stroboskopowe. Cała ta sytuacja przyczyniła się do wzrostu popularności disco i jego wejścia w modę.
Rodzaje dyskotek
Najpopularniejsze rodzaje dyskotek to:
- Mellow disco - powolna, liryczna dyskoteka, w tempie 95-110 uderzeń na minutę.
- Hustle to amerykańska forma disco. Ten pary tańczą, który można tańczyć na dyskotekach z dowolnym partnerem, przy dowolnej muzyce, w każdej, nawet najmniejszej przestrzeni. Z biegiem czasu hustle przejął ruchy wielu tańców latynoamerykańskich i wyłonił się jako styl niezależny.
- Eurodisco to styl disco powszechny w Europie i ZSRR. Z kolei Eurodisco dzieli się na podtypy, z których najpopularniejsze to Hi-NRG i ItaloDisco. Wybitnymi przedstawicielami Eurodisco, którzy zdobyli światową popularność, byli wykonawcy C. Catch, Samantha Fox, Kylie Minogue, Sabrina, Sandra, grupy „Modern Talking”, „Pet Shop Boys”, „Bad Boys Blue” i inni.
Styl disco jest popularny i kochany nawet teraz. Nie tylko przedstawiciele starszego pokolenia, które „rozkręcało” dyskoteki w latach osiemdziesiątych, w szczytowym okresie popularności disco, ale także młodzi ludzie chętnie słuchają i tańczą disco.
