Zrozumienie sztuki nie jest tak trudne, jak się wydaje. Aby to zrobić, nie trzeba uczyć się przez kilka lat, aby zostać krytykiem sztuki. Wystarczy porozmawiać z ekspertami, którzy opowiedzą o słynnych obrazach w taki sposób, aby później w muzeum móc je zobaczyć z nieoczekiwanej perspektywy.
Wykładowca projekt edukacyjny Poziom pierwszy, dyplomowana historyczka sztuki Natalya Ignatova, ujawniła tajemnice pięciu najbardziej tajemnicze obrazy Galeria Trietiakowska.
„Bogatyrs”, Wiktor Wasniecow, 1898
Wiktor Wasniecow znaczną część swojego życia poświęcił obrazowi z trzema bohaterami eposów i baśni. Płótno jest jednym z rekordzistów Tretiakowa pod względem liczby lat spędzonych na jego tworzeniu. Artysta wykonał pierwszy szkic w 1871 r., a swoje arcydzieło ukończył dopiero w 1898 r.Wbrew powszechnemu przekonaniu, że bohaterowie wyszli w pole tylko po to, żeby się przespacerować i rozejrzeć się po okolicy, są gotowi ruszyć do bitwy. Wróg stoi w oddali, jakby za widzem, o jego obecności świadczą gromadzące się chmury, jastrzębie spodziewające się ofiary, ale najważniejsze jest wyciągnięty miecz Dobrego Nikiticza i łuk gotowy do strzału w rękach Aloszy Popowicza. Cesarz stał się prototypem Ilyi Murometsa Aleksander III, artysta namalował od siebie Dobrynyę Nikiticza, ale prototyp Aloszy Popowicza nie jest wiarygodnie znany, mógł to być zwykły człowiek - Wasnetsow w trakcie pracy nad obrazem namalował wiele portretów chłopów, taksówkarzy i kowali, którzy wydawało mu się, że są nieco podobne do słynnych postaci z bajek.
„Nierówne małżeństwo”, Wasilij Pukirew, 1862
Fabuła obrazu została podsunięta Wasilijowi Pukirewowi przez jego przyjaciela, artystę Piotra Szmelkowa. Znał dobrze zwyczaje bogatych i wpływowi ludzie, dla których aranżowane małżeństwa były na porządku dziennym. Pukirew podziękował przyjacielowi za pomysł, przedstawiając go po prawej stronie za plecami panny młodej. Na obrazie obecny jest także sam malarz: namalował się z profilu na obraz drużby panny młodej ze skrzyżowanymi ramionami. Początkowo artysta nie planował umieścić siebie na płótnie: na jego miejscu pojawił się przyjaciel, którego kochanka wyszła za mąż za starszego mężczyznę. Co więcej, przyjaciel Pukirewa ze względu na sytuację rodzinną został zmuszony do wzięcia udziału w tym nieprzyjemnym weselu jako drużba.Następnie przyjaciel poprosił artystę o usunięcie go z płótna, aby wspólni przyjaciele i krewni nie pamiętali już tej historii. Potem Pukirev napisał siebie zamiast niego. Jeśli wizualnie podzielisz płótno po przekątnej od prawego górnego rogu do lewego dolnego rogu, wówczas panna młoda i jej dwójka przyjaciół pojawią się po prawej stronie. Natomiast po lewej stronie celowo przedstawieni byli krewni i przyjaciele pana młodego nieprzyjemni ludzie. W ten sposób płótno jest podzielone na dwie części semantyczne, jakby uosabiało dobro i zło. Co więcej, kapłan staje po stronie zła. Technika ta świadczy o przywiązaniu artysty do zasad realizmu, podnosząc tym samym pytanie o rolę Kościoła w społeczeństwie.
„Poranek w sosnowym lesie”, Iwan Szyszkin, Konstantin Sawicki, 1889
Nie wszyscy miłośnicy słodyczy wiedzą, co... sławny obraz, który następnie odtworzono na opakowaniach cukierków czekoladowych, pracowało dwóch artystów. Szyszkin był odpowiedzialny za las, a Savitsky za niedźwiedzie. Co więcej, to Savitsky wymyślił fabułę filmu. Początkowo były dwa niedźwiedzie, ale potem ich liczba wzrosła. Kolekcjoner Paweł Tretiakow kupił obraz za 4 tysiące rubli.Uważa się jednak, że kolekcjonerowi nie podobała się praca Savitsky'ego. Według legendy Tretiakow powiedział: „Co za okropne niedźwiedzie!” A nazwisko Savitsky'ego zostało rozmazane na płótnie: według jednej wersji zrobił to Tretiakow, według innej sam artysta poczuł się urażony, nie mogąc znieść krytyki ze strony właściciela galerii. Umiejętność Shishkina wyraża się w oświetleniu lasu: na wierzchołkach sosen po mistrzowsku malują pierwsze promienie słońca, których widzowie zwykle nie zauważają, rozpraszani postaciami niedźwiedzi.
„Pojawienie się Chrystusa ludowi”, Aleksander Iwanow, 1857
Pierwszy znaczący obraz NA opowieść biblijna Aleksander Iwanow napisał w 1834 r. Było to „Pojawienie się Chrystusa Zmartwychwstałego Marii Magdalenie”. Zaledwie trzy lata później, w 1837 r., zaczął tworzyć główne dzieło swojego życia - epokowe płótno „Pojawienie się Chrystusa ludowi”. Artysta pracował nad obrazem przez 20 lat we Włoszech. W procesie tworzenia płótna wykonał ponad 500 studiów i szkiców. Wszyscy koneserzy malarstwa w Rosji wiedzieli, że Iwanow pracował na monumentalnym płótnie. W maju 1858 roku malarz zdecydował się wysłać obraz do Petersburga. Legenda głosi, że podczas podróży statek nawiedziła silna burza. Artysta zwinął płótno w rurę i uniósł je nad głowę - postanowił nie widzieć śmierci swojego dzieła, ale utopić się, jeśli statek wejdzie pod wodę.Jednak płótno dotarło jeszcze do Petersburga, gdzie zostało wystawione w jednej z sal Akademii Sztuk Pięknych. Publiczność przyjęła obraz chłodno – pojawiały się skargi na zbyt małą postać Chrystusa i wodę przedstawioną nie w sposób akademicki, ale swobodnymi pociągnięciami. Ciekawe, że Iwanow pod tym względem wyprzedził swoją epokę, bo później impresjoniści pracowali w podobny sposób. Poza tym płótno okazało się niedokończone. Po lewej stronie widać starca w białej przepasce na biodrach, co odbija się w wodzie jako czerwona plama. Na szkicach bandaż rzeczywiście był czerwony, a artysta najwyraźniej po prostu zapomniał go przemalować. Miesiąc po prezentacji dzieła Iwanow zmarł, a kilka godzin po jego śmierci cesarz Aleksander II kupił obraz za 15 000 rubli. Choć kwota była znaczna, początkowo artysta, który poświęcił temu dziełu połowę swojego życia, liczył na znacznie większe wynagrodzenie, lecz niestety nie udało mu się zdobyć nawet tych pieniędzy.
„Dziedziniec moskiewski”, Wasilij Polenow, 1878
Obraz Wędrowca Wasilija Polenowa jest ściśle powiązany z innym jego dziełem zatytułowanym „Ogród Babci”. Oba płótna przedstawiają ten sam dom w rejonie Arbatu, tylko z różne strony. Polenov napisał własną słynne dzieło, po przeprowadzce do Moskwy z Petersburga i osiedleniu się w jednym z mieszkań domu na skrzyżowaniu ulic Durnowskiego i Trubnikowskiego w pobliżu Cerkwi Zbawiciela na Piaskach.Widok przedstawiony na obrazie był z jego okna. Co więcej, stworzenie arcydzieła zajęło Polenovowi bardzo mało czasu: w rzeczywistości jest to szkic namalowany z życia. Po raz pierwszy w historii malarstwa rosyjskiego artysta połączył dwa gatunki - życie codzienne i pejzaż. Publiczność, zmęczona ponurymi i depresyjnymi obrazami Wędrowców, przyjęła radosną słoneczny obrazek z zachwytem. Nikogo nawet nie zawstydził pokazany w lewym dolnym rogu wysypisko śmieci, które większość widzów myli ze studnią.
Zrozumienie sztuki nie jest tak trudne, jak się wydaje. Aby to zrobić, nie trzeba uczyć się przez kilka lat, aby zostać krytykiem sztuki. Wystarczy porozmawiać z ekspertami, którzy opowiedzą o słynnych obrazach w taki sposób, aby później w muzeum móc je zobaczyć z nieoczekiwanej perspektywy. Wykładowca projektu edukacyjnego Poziom pierwszy, dyplomowana historyk sztuki Natalya Ignatova ujawniła tajemnice pięciu najbardziej tajemniczych obrazów Galerii Trietiakowskiej. Dziękujemy projektowi Level One za udostępniony materiał. Dzięki pracy chłopaków wielu nauczy się rozumieć piękno i czerpać z niego radość.
„Bogatyrs”, Wiktor Wasniecow, 1898
Wiktor Wasniecow poświęcił znaczną część swojego życia obrazowi z trzema bohaterami eposów i baśni. Płótno jest jednym z rekordzistów Tretiakowa pod względem liczby lat spędzonych na jego tworzeniu. Artysta wykonał pierwszy szkic w 1871 r., a swoje arcydzieło ukończył dopiero w 1898 r.
Wbrew powszechnemu przekonaniu, że bohaterowie wyszli w pole tylko po to, żeby się przespacerować i rozejrzeć się po okolicy, są gotowi ruszyć do bitwy. Wróg stoi w oddali, jakby za widzem, o jego obecności świadczą gromadzące się chmury, jastrzębie spodziewające się ofiary, ale najważniejsze jest wyciągnięty miecz Dobrego Nikiticza i łuk gotowy do strzału w rękach Aloszy Popowicza. Prototypem Ilyi Muromets był cesarz Aleksander III, artysta namalował od siebie Dobrynyę Nikiticha, ale prototyp Aloszy Popowicza nie jest wiarygodnie znany, mógł być zwykłym człowiekiem - Wasnetsow w trakcie pracy nad obrazem namalował wiele portretów chłopów, taksówkarzy i kowali, którzy – jak mu się wydawało – byli nieco podobni do znanych postaci z bajek.
„Nierówne małżeństwo”, Wasilij Pukirew, 1862
Fabuła obrazu została podsunięta Wasilijowi Pukirewowi przez jego przyjaciela, artystę Piotra Szmelkowa. Znał dobrze zwyczaje ludzi zamożnych i wpływowych, dla których aranżowane małżeństwa były na porządku dziennym. Pukirew podziękował przyjacielowi za pomysł, przedstawiając go po prawej stronie za plecami panny młodej. Na obrazie obecny jest także sam malarz: namalował się z profilu na obraz drużby panny młodej ze skrzyżowanymi ramionami. Początkowo artysta nie planował umieścić siebie na płótnie: na jego miejscu pojawił się przyjaciel, którego kochanka wyszła za mąż za starszego mężczyznę. Co więcej, przyjaciel Pukirewa ze względu na sytuację rodzinną został zmuszony do wzięcia udziału w tym nieprzyjemnym weselu jako drużba.
Następnie przyjaciel poprosił artystę o usunięcie go z płótna, aby wspólni przyjaciele i krewni nie pamiętali już tej historii. Potem Pukirev napisał siebie zamiast niego. Jeśli wizualnie podzielisz płótno po przekątnej od prawego górnego rogu do lewego dolnego rogu, wówczas panna młoda i jej dwoje przyjaciół pojawią się po prawej stronie. Natomiast po lewej stronie znajdują się krewni i przyjaciele pana młodego, celowo przedstawiani jako nieprzyjemni ludzie. W ten sposób płótno jest podzielone na dwie części semantyczne, jakby uosabiało dobro i zło. Co więcej, kapłan staje po stronie zła. Technika ta świadczy o przywiązaniu artysty do zasad realizmu, podnosząc tym samym pytanie o rolę Kościoła w społeczeństwie.
„Rano w Las sosnowy", Iwan Szyszkin, Konstantin Sawicki, 1889
Nie wszyscy miłośnicy słodyczy wiedzą, że nad słynnym obrazem pracowało dwóch artystów, który następnie został odtworzony na opakowaniach cukierków czekoladowych. Szyszkin był odpowiedzialny za las, a Savitsky za niedźwiedzie. Co więcej, to Savitsky wymyślił fabułę filmu. Początkowo były dwa niedźwiedzie, ale potem ich liczba wzrosła. Kolekcjoner Paweł Tretiakow kupił obraz za 4 tysiące rubli.
Uważa się jednak, że kolekcjonerowi nie podobała się praca Savitsky'ego. Według legendy Tretiakow powiedział: „Co za okropne niedźwiedzie!” A nazwisko Savitsky'ego zostało rozmazane na płótnie: według jednej wersji zrobił to Tretiakow, według innej sam artysta poczuł się urażony, nie mogąc znieść krytyki ze strony właściciela galerii. Umiejętność Shishkina wyraża się w oświetleniu lasu: na wierzchołkach sosen po mistrzowsku malują pierwsze promienie słońca, których widzowie zwykle nie zauważają, rozpraszani postaciami niedźwiedzi.
„Pojawienie się Chrystusa ludowi”, Aleksander Iwanow, 1857
Pierwszy znaczący obraz oparty na historii biblijnej namalował Aleksander Iwanow w 1834 roku. Było to „Pojawienie się Chrystusa Zmartwychwstałego Marii Magdalenie”. Zaledwie trzy lata później, w 1837 r., zaczął tworzyć główne dzieło swojego życia - epokowe płótno „Pojawienie się Chrystusa ludowi”. Artysta pracował nad obrazem przez 20 lat we Włoszech. W procesie tworzenia płótna wykonał ponad 500 studiów i szkiców. Wszyscy koneserzy malarstwa w Rosji wiedzieli, że Iwanow pracował na monumentalnym płótnie. W maju 1858 roku malarz zdecydował się wysłać obraz do Petersburga. Legenda głosi, że podczas podróży statek nawiedziła silna burza. Artysta zwinął płótno w rurę i uniósł je nad głowę - postanowił nie widzieć śmierci swojego dzieła, ale utopić się, jeśli statek wejdzie pod wodę.
Jednak płótno dotarło jeszcze do Petersburga, gdzie zostało wystawione w jednej z sal Akademii Sztuk Pięknych. Publiczność przyjęła obraz chłodno – pojawiały się skargi na zbyt małą postać Chrystusa i wodę przedstawioną nie w sposób akademicki, ale swobodnymi pociągnięciami. Ciekawe, że Iwanow pod tym względem wyprzedził swoją epokę, bo później impresjoniści pracowali w podobny sposób. Poza tym płótno okazało się niedokończone. Po lewej stronie widać starca w białej przepasce na biodrach, co odbija się w wodzie jako czerwona plama. Na szkicach bandaż rzeczywiście był czerwony, a artysta najwyraźniej po prostu zapomniał go przemalować. Miesiąc po prezentacji dzieła Iwanow zmarł, a kilka godzin po jego śmierci cesarz Aleksander II kupił obraz za 15 000 rubli. Choć kwota była znaczna, początkowo artysta, który poświęcił temu dziełu połowę swojego życia, liczył na znacznie większe wynagrodzenie, lecz niestety nie udało mu się zdobyć nawet tych pieniędzy.
„Dziedziniec moskiewski”, Wasilij Polenow, 1878
Obraz Wędrowca Wasilija Polenowa jest ściśle powiązany z innym jego dziełem zatytułowanym „Ogród Babci”. Obydwa płótna przedstawiają ten sam dom na Arbacie, tylko z różnych stron. Polenov swoje najsłynniejsze dzieło napisał po przeprowadzce do Moskwy z Petersburga i osiedleniu się w jednym z mieszkań w budynku u zbiegu ulic Durnowskiego i Trubnikowskiego, w pobliżu Cerkwi Zbawiciela na Piaskach.
Widok przedstawiony na obrazie był z jego okna. Co więcej, stworzenie arcydzieła zajęło Polenovowi bardzo mało czasu: w rzeczywistości jest to szkic namalowany z życia. Po raz pierwszy w historii malarstwa rosyjskiego artysta połączył dwa gatunki - życie codzienne i pejzaż. Publiczność, zmęczona ponurymi i depresyjnymi obrazami Wędrowców, z zachwytem przyjęła pogodny, słoneczny obraz. Nikogo nawet nie zawstydził pokazany w lewym dolnym rogu wysypisko śmieci, które większość widzów myli ze studnią.
Zrozumienie sztuki nie jest tak trudne, jak się wydaje. Aby to zrobić, nie trzeba uczyć się przez kilka lat, aby zostać krytykiem sztuki. Wystarczy porozmawiać z ekspertami, którzy opowiedzą o słynnych obrazach w taki sposób, aby później w muzeum móc je zobaczyć z nieoczekiwanej perspektywy.
Wykładowca projektu edukacyjnego Poziom pierwszy, dyplomowana historyk sztuki Natalya Ignatova ujawniła tajemnice pięciu najbardziej tajemniczych obrazów Galerii Trietiakowskiej.
Wiadomości i fakty publikuje dla swojego czytelnika ten niesamowity materiał.
„Bogatyrs”, Wiktor Wasniecow, 1898
Wiktor Wasniecow poświęcił znaczną część swojego życia obrazowi z trzema bohaterami eposów i baśni. Płótno jest jednym z rekordzistów Tretiakowa pod względem liczby lat spędzonych na jego tworzeniu. Artysta wykonał pierwszy szkic w 1871 r., a swoje arcydzieło ukończył dopiero w 1898 r.
Wbrew powszechnemu przekonaniu, że bohaterowie wyszli w pole tylko po to, żeby się przespacerować i rozejrzeć się po okolicy, są gotowi ruszyć do bitwy. Wróg stoi w oddali, jakby za widzem, o jego obecności świadczą gromadzące się chmury, jastrzębie spodziewające się ofiary, ale najważniejsze jest wyciągnięty miecz Dobrego Nikiticza i łuk gotowy do strzału w rękach Aloszy Popowicza.
Prototypem Ilyi Muromets był cesarz Aleksander III, artysta namalował od siebie Dobrynyę Nikiticha, ale prototyp Aloszy Popowicza nie jest wiarygodnie znany, mógł być zwykłym człowiekiem - Wasnetsow w trakcie pracy nad obrazem namalował wiele portretów chłopów, taksówkarzy i kowali, którzy – jak mu się wydawało – byli nieco podobni do znanych postaci z bajek.
„Nierówne małżeństwo”, Wasilij Pukirew, 1862
Fabuła obrazu została podsunięta Wasilijowi Pukirewowi przez jego przyjaciela, artystę Piotra Szmelkowa. Znał dobrze zwyczaje ludzi zamożnych i wpływowych, dla których aranżowane małżeństwa były na porządku dziennym. Pukirew podziękował przyjacielowi za pomysł, przedstawiając go po prawej stronie za plecami panny młodej. Na obrazie obecny jest także sam malarz: namalował się z profilu na obraz drużby panny młodej ze skrzyżowanymi ramionami. Początkowo artysta nie planował umieścić siebie na płótnie: na jego miejscu pojawił się przyjaciel, którego kochanka wyszła za mąż za starszego mężczyznę. Co więcej, przyjaciel Pukirewa ze względu na sytuację rodzinną został zmuszony do wzięcia udziału w tym nieprzyjemnym weselu jako drużba.
Następnie przyjaciel poprosił artystę o usunięcie go z płótna, aby wspólni przyjaciele i krewni nie pamiętali już tej historii. Potem Pukirev napisał siebie zamiast niego. Jeśli wizualnie podzielisz płótno po przekątnej od prawego górnego rogu do lewego dolnego rogu, wówczas panna młoda i jej dwoje przyjaciół pojawią się po prawej stronie. Natomiast po lewej stronie znajdują się krewni i przyjaciele pana młodego, celowo przedstawiani jako nieprzyjemni ludzie. W ten sposób płótno jest podzielone na dwie części semantyczne, jakby uosabiało dobro i zło. Co więcej, kapłan staje po stronie zła. Technika ta świadczy o przywiązaniu artysty do zasad realizmu, podnosząc tym samym pytanie o rolę Kościoła w społeczeństwie.
„Poranek w sosnowym lesie”, Iwan Szyszkin, Konstantin Sawicki, 1889
Nie wszyscy miłośnicy słodyczy wiedzą, że nad słynnym obrazem pracowało dwóch artystów, który następnie został odtworzony na opakowaniach cukierków czekoladowych. Szyszkin był odpowiedzialny za las, a Savitsky za niedźwiedzie. Co więcej, to Savitsky wymyślił fabułę filmu. Początkowo były dwa niedźwiedzie, ale potem ich liczba wzrosła. Kolekcjoner Paweł Tretiakow kupił obraz za 4 tysiące rubli.
Uważa się jednak, że kolekcjonerowi nie podobała się praca Savitsky'ego. Według legendy Tretiakow powiedział: „Co za okropne niedźwiedzie!” A nazwisko Savitsky'ego zostało rozmazane na płótnie: według jednej wersji zrobił to Tretiakow, według innej sam artysta poczuł się urażony, nie mogąc znieść krytyki ze strony właściciela galerii. Umiejętność Shishkina wyraża się w oświetleniu lasu: na wierzchołkach sosen po mistrzowsku malują pierwsze promienie słońca, których widzowie zwykle nie zauważają, rozpraszani postaciami niedźwiedzi.
„Pojawienie się Chrystusa ludowi”, Aleksander Iwanow, 1857
Pierwszy znaczący obraz oparty na historii biblijnej namalował Aleksander Iwanow w 1834 roku. Było to „Pojawienie się Chrystusa Zmartwychwstałego Marii Magdalenie”. Zaledwie trzy lata później, w 1837 r., zaczął tworzyć główne dzieło swojego życia - epokowe płótno „Pojawienie się Chrystusa ludowi”. Artysta pracował nad obrazem przez 20 lat we Włoszech. W procesie tworzenia płótna wykonał ponad 500 studiów i szkiców. Wszyscy koneserzy malarstwa w Rosji wiedzieli, że Iwanow pracował na monumentalnym płótnie. W maju 1858 roku malarz zdecydował się wysłać obraz do Petersburga. Legenda głosi, że podczas podróży statek nawiedziła silna burza. Artysta zwinął płótno w rurę i uniósł je nad głowę - postanowił nie widzieć śmierci swojego dzieła, ale utopić się, jeśli statek wejdzie pod wodę.
Jednak płótno dotarło jeszcze do Petersburga, gdzie zostało wystawione w jednej z sal Akademii Sztuk Pięknych. Publiczność przyjęła obraz chłodno – pojawiały się skargi na zbyt małą postać Chrystusa i wodę przedstawioną nie w sposób akademicki, ale swobodnymi pociągnięciami. Ciekawe, że Iwanow pod tym względem wyprzedził swoją epokę, bo później impresjoniści pracowali w podobny sposób. Poza tym płótno okazało się niedokończone. Po lewej stronie widać starca w białej przepasce na biodrach, co odbija się w wodzie jako czerwona plama. Na szkicach bandaż rzeczywiście był czerwony, a artysta najwyraźniej po prostu zapomniał go przemalować. Miesiąc po prezentacji dzieła Iwanow zmarł, a kilka godzin po jego śmierci cesarz Aleksander II kupił obraz za 15 000 rubli. Choć kwota była znaczna, początkowo artysta, który poświęcił temu dziełu połowę swojego życia, liczył na znacznie większe wynagrodzenie, lecz niestety nie udało mu się zdobyć nawet tych pieniędzy.
„Dziedziniec moskiewski”, Wasilij Polenow, 1878
Obraz Wędrowca Wasilija Polenowa jest ściśle powiązany z innym jego dziełem zatytułowanym „Ogród Babci”. Obydwa płótna przedstawiają ten sam dom na Arbacie, tylko z różnych stron. Polenov swoje najsłynniejsze dzieło napisał po przeprowadzce do Moskwy z Petersburga i osiedleniu się w jednym z mieszkań w budynku u zbiegu ulic Durnowskiego i Trubnikowskiego, w pobliżu Cerkwi Zbawiciela na Piaskach.
Widok przedstawiony na obrazie był z jego okna. Co więcej, stworzenie arcydzieła zajęło Polenovowi bardzo mało czasu: w rzeczywistości jest to szkic namalowany z życia. Po raz pierwszy w historii malarstwa rosyjskiego artysta połączył dwa gatunki - życie codzienne i pejzaż. Publiczność, zmęczona ponurymi i depresyjnymi obrazami Wędrowców, z zachwytem przyjęła pogodny, słoneczny obraz. Nikogo nawet nie zawstydził pokazany w lewym dolnym rogu wysypisko śmieci, które większość widzów myli ze studnią.
Dziś w każdym muzeum można posłuchać wspaniałych przewodników, którzy szczegółowo opowiedzą o zbiorach i reprezentowanych w nich artystach. Jednocześnie wielu rodziców wie, że większości dzieci trudno jest spędzić w muzeum choćby godzinę, a opowieści o historii malarstwa dość szybko je męczą. Aby dzieci nie nudziły się w muzeum, oferujemy „ściągawkę” dla rodziców – dziesiątkę zabawne historie o obrazach z Galerii Trietiakowskiej, które zainteresują zarówno dzieci, jak i dorosłych.
1. Iwan Kramskoj. „Syreny”, 1871
Iwan Kramskoj znany jest przede wszystkim jako autor obrazu „Nieznany” (często błędnie nazywany „Obcym”), a także wielu pięknych portretów: Lwa Tołstoja, Iwana Szyszkina, Dmitrija Mendelejewa. Ale lepiej, aby dzieci zaczęły zapoznawać się z jego twórczością magiczny obraz„Syreny”, z którymi taka jest historia.
W sierpniu 1871 roku artysta Iwan Kramskoj odwiedził wiejską posiadłość swojego przyjaciela, miłośnika sztuki i słynnego filantropa Pawła Stroganowa. Spacerując wieczorami podziwiał księżyc i zachwycał się jego magicznym światłem. Podczas tych spacerów artysta postanowił pisać nocny krajobraz i spróbuj przekazać cały urok, całą magię księżycowej nocy, „złapać księżyc” - jego własnym wyrazem.
Kramskoy rozpoczął pracę nad obrazem. Pojawił się brzeg rzeki księżycowa noc, pagórek i na nim dom otoczony topolami. Krajobraz był piękny, jednak czegoś mu brakowało – magia nie zrodziła się na płótnie. Z pomocą artyście przyszła książka Mikołaja Gogola „Wieczory na farmie niedaleko Dikanki”, a raczej opowieść zatytułowana „Noc majowa, czyli utopiona kobieta” - bajeczna i trochę przerażająca. I wtedy na zdjęciu pojawiły się syreny, oświetlone światłem księżyca.
Artysta tak starannie pracował nad obrazem, że zaczął o nim marzyć i ciągle chciał coś w nim dokończyć. Rok po zakupie przez założyciela Galerii Trietiakowskiej, Pawła Tretiakowa, Kramskoja Jeszcze raz Chciałem coś w nim zmienić i wprowadziłem małe zmiany już w salonie.
Płótno Kramskoja stało się pierwszym „bajkowym” obrazem w historii malarstwa rosyjskiego.
2. Wasilij Wierieszczagin. „Apoteoza wojny”, 1871
Tak się złożyło, że ludzie zawsze walczyli. Od niepamiętnych czasów odważni przywódcy i potężni władcy wyposażali swoje armie i wysyłali je na wojnę. Oczywiście chcieli, aby o ich wyczynach wojskowych dowiedzieli się odlegli potomkowie, dlatego poeci pisali wiersze i piosenki, a artyści tworzyli piękne obrazy i rzeźby. Na tych obrazach wojna zwykle wyglądała jak wakacje - żywe kolory, nieustraszeni wojownicy wyruszający do bitwy...
Artysta Wasilij Vereshchagin wiedział o wojnie z pierwszej ręki - nie raz brał udział w bitwach - i namalował wiele obrazów, na których przedstawiał to, co widział na własne oczy: nie tylko dzielnych żołnierzy i ich dowódców, ale także krew, ból i cierpienie .
Któregoś dnia zastanawiał się, jak w jednym obrazie pokazać wszystkie okropności wojny, jak uświadomić widzowi, że wojna to zawsze smutek i śmierć, jak pozwolić innym przyjrzeć się jej obrzydliwym szczegółom? Zdał sobie sprawę, że nie wystarczy namalować obrazu pola bitwy usianego poległymi żołnierzami – takie płótna istniały już wcześniej. Vereshchagin wymyślił symbol wojny, obraz, na który każdy może sobie wyobrazić, jak straszna jest każda wojna. Namalował spaloną pustynię, pośrodku której wznosi się piramida ludzkich czaszek. Wokół są tylko suche, martwe drzewa i tylko wrony latają na swoją ucztę. W oddali widać zniszczone miasto, a widz łatwo się domyślić, że tam też nie ma już życia.
3. Aleksiej Sawrasow. „Przybyły gawrony”, 1871
Obraz „Przybyły gawrony” znają wszyscy od dzieciństwa i chyba każdy z niego pisał eseje szkolne. A dzisiaj nauczyciele na pewno opowiedzą dzieciom liryczne krajobrazy Savrasova i o tym, że już w tytule tego obrazu słychać radosną zapowiedź poranka roku i wszystko w nim przepełnione jest głębią, blisko mego serca sens. Tymczasem niewiele osób wie, że słynne „Wieże…”, a także wszystkie inne dzieła Savrasowa, mogły w ogóle nie istnieć.
Aleksiej Sawrasow był synem małego moskiewskiego pasmanterysty. Chęć chłopca do zajęcia się malarstwem nie wywołała zachwytu u rodziców, niemniej jednak Kondrat Savrasow wysłał syna do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa i Rzeźby. Zarówno nauczyciele, jak i koledzy z klasy dostrzegli talent młody artysta i przepowiedział mu wspaniałą przyszłość. Okazało się jednak, że Aleksiej, nawet nie studiując przez rok, najwyraźniej z powodu choroby matki, był zmuszony przerwać naukę. Jego nauczyciel Karl Rabus zwrócił się o pomoc do szefa moskiewskiej policji, generała dywizji Iwana Łużyna, który pomógł utalentowanemu młodemu człowiekowi zdobyć wykształcenie artystyczne.
Gdyby Łużyn nie wziął udziału w losach młodego artysty, jeden z najsłynniejszych obrazów w historii malarstwa rosyjskiego nigdy by się nie narodził.
4. Wasilij Polenow. „Dziedziniec moskiewski”, 1878
Czasami, żeby coś napisać piękne zdjęcie, artysta dużo podróżuje, długo i skrupulatnie poszukując jak najwięcej piękne widoki w końcu odnajduje cenne miejsce i za każdym razem przychodzi tam ze szkicownikiem. Zdarza się też, że po to, aby tworzyć dobra robota, wystarczy podejść do własnego okna, spojrzeć na zupełnie zwyczajny moskiewski dziedziniec - i dzieje się cud, pojawia się niesamowity krajobraz wypełniony światłem i powietrzem.
To jest dokładnie cud, który przydarzył się artyście Wasilijowi Polenowi, który na początku lata 1878 roku wyjrzał przez okno swojego mieszkania i dość szybko namalował to, co zobaczył. Chmury płynnie przesuwają się po niebie, słońce wschodzi coraz wyżej, ogrzewając swoim ciepłem ziemię, rozświetlając kopuły kościołów, skracając gęste cienie... Wydawałoby się, że jest to prosty obraz, którego sam artysta nie wykonał początkowo poważnie: napisał to i prawie o tym zapomniał. Ale potem został zaproszony do wzięcia udziału w wystawie. Nie miał nic znaczącego, a Polenov postanowił wystawić „Dziedziniec Moskiewski”.
Co dziwne, to właśnie ten „nieistotny obraz” przyniósł sławę i chwałę Wasilijowi Polenowowi - uwielbiała go zarówno publiczność, jak i krytycy: ma ciepło i jasne kolory, a na jego bohaterów można patrzeć bez końca, wymyślając historię o każdym z nich .
5. Iwan Szyszkin. „Poranek w sosnowym lesie”, 1889
„Poranek w sosnowym lesie” Iwana Szyszkina to chyba najbardziej sławny obraz ze zbiorów Galerii Trietiakowskiej. W naszym kraju znają to wszyscy dzięki reprodukcjom w podręcznikach szkolnych, a może dzięki czekoladkom „Miś Niedźwiedź”.
Ale nie wszyscy wiedzą, że sam Szyszkin namalował tylko poranny las w mglistej mgle i nie ma nic wspólnego z niedźwiedziami. Obraz ten jest owocem wspólnej twórczości Szyszkina i jego przyjaciela, artysty Konstantina Sawickiego.
Iwan Szyszkin był skończony mistrz przedstawiają wszelkiego rodzaju subtelności botaniczne - krytyk Aleksander Benois został dość skarcony za swoje uzależnienie fotograficzna dokładność, nazywał swoje obrazy martwymi i zimnymi. Ale artysta nie przyjaźnił się z zoologią. Mówią, że właśnie dlatego Szyszkin zwrócił się do Savickiego z prośbą o pomoc przy niedźwiedziach. Savitsky nie odmówił przyjacielowi, ale nie traktował swojej pracy poważnie - i nie podpisał.
Później Paweł Tretiakow kupił ten obraz od Szyszkina, a artysta zaprosił Savitsky'ego do pozostawienia podpisu na obrazie - w końcu wspólnie nad nim pracowali. Savitsky tak zrobił, ale Tretiakowowi się to nie podobało. Oświadczając, że kupił obraz od Szyszkina, ale nie chce nic wiedzieć o Sawickim, zażądał rozpuszczalnika i własnymi rękami usunięto „dodatkowy” podpis. I tak się złożyło, że dziś Galeria Trietiakowska wskazuje na autorstwo tylko jednego artysty.
6. Wiktor Wasniecow. „Bogatyry”, 1898
Wiktor Wasniecow uważany jest za najbardziej „bajecznego” artystę w historii malarstwa rosyjskiego - to jego pędzle należą do takich znane prace, jak „Alyonushka”, „Rycerz na rozdrożu”, „ Bogatyrski skok" i wiele innych. Ale jego najbardziej słynny obraz- „Bogatyrs”, który przedstawia głównych bohaterów rosyjskich eposów.
Sam artysta tak opisał obraz: „Bohaterowie Dobrynya, Ilya i Alyosha Popovich wyruszają na bohaterską wycieczkę - zauważają na polu, czy gdzieś jest wróg, czy kogoś obrażają?”
Pośrodku, na czarnym koniu, Ilja Muromiec spogląda spod dłoni w dal, bohater w jednej ręce trzyma włócznię, a w drugiej maczugę adamaszkową. Po lewej stronie, na białym koniu, Dobrynya Nikiticch wyjmuje miecz z pochwy. Po prawej stronie, na czerwonym koniu, Alosza Popowicz trzyma w rękach łuk i strzały. Z bohaterami tego obrazu – a raczej z ich prototypami wiąże się ciekawa historia.
Wiktor Wasniecow długo zastanawiał się, jak powinien wyglądać Ilya Muromets i przez długi czas nie mógł znaleźć „właściwej” twarzy - odważnej, uczciwej, wyrażającej zarówno siłę, jak i życzliwość. Ale pewnego dnia, zupełnie przez przypadek, spotkał chłopa Iwana Pietrowa, który przyjechał do Moskwy, aby zarobić pieniądze. Artysta był zdumiony – na moskiewskiej ulicy zobaczył prawdziwego Ilyę Muromets. Chłop zgodził się pozować Wasniecowowi i... pozostał przez wieki.
W eposach Dobrynya Nikitich jest dość młody, ale z jakiegoś powodu obraz Wasnetsowa przedstawia mężczyznę w średnim wieku. Dlaczego artysta zdecydował się na tak swobodne działanie ludowe opowieści? Rozwiązanie jest proste: Wasnetsow przedstawił się na obrazie Dobrej, wystarczy porównać zdjęcie z portretami i fotografiami artysty.
7. Walentin Sierow. „Dziewczyna z brzoskwiniami. Portret V. S. Mamontowej”, 1887
„Dziewczyna z brzoskwiniami” jest jedną z najbardziej słynne portrety w historii malarstwa rosyjskiego, napisany przez artystę Walentina Serowa.
Dziewczyna na portrecie to Verochka, córka filantropa Savvy Mamontova, którego dom artysta często odwiedzał. Co ciekawe, leżące na stole brzoskwinie nie zostały przywiezione z ciepłych regionów, ale rosły niedaleko Moskwy, właśnie w majątku Abramcewo, co w XIX wieku było czymś zupełnie niezwykłym. Ogrodnik-magik pracował dla Mamontowa - w jego w zdolnych rękach Drzewa owocowe kwitły już w lutym, a zbiory zbierano wczesnym latem.
Dzięki portretowi Sierowa Vera Mamontova przeszła do historii, ale sam artysta przypomniał sobie, jak trudno było mu przekonać do pozowania 12-letnią dziewczynkę o niezwykle niespokojnym charakterze. Sierow pracował nad obrazem przez prawie miesiąc, a Vera codziennie przez kilka godzin siedziała spokojnie w jadalni.
Praca nie poszła na marne: kiedy artysta zaprezentował portret na wystawie, obraz bardzo się spodobał publiczności. A dziś, ponad sto lat później, „Dziewczyna z brzoskwiniami” zachwyca odwiedzających Galerię Trietiakowską.
8. Ilja Repin. „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”, 1883–1885.
Patrząc na ten czy inny obraz, często zastanawiacie się, co było źródłem inspiracji artysty, co skłoniło go do namalowania właśnie takiego dzieła? W przypadku obrazu Ilji Repina „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.” zgadnij o prawdziwe powody wcale nie jest to łatwe.
Obraz przedstawia legendarny epizod z życia Iwana Groźnego, kiedy w przypływie gniewu uderzył śmiertelny cios swojemu synowi Carewiczowi Iwanowi. Jednak wielu historyków uważa, że w rzeczywistości nie doszło do morderstwa, a książę zmarł z powodu choroby, a wcale nie z ręki ojca. Wydawałoby się, co mogłoby zmusić artystę do sięgnięcia po tak historyczny epizod?
Jak wspomina sam artysta, pomysł namalowania obrazu „Iwan Groźny i jego syn Iwan” przyszedł mu do głowy po... koncercie, na którym usłyszał muzykę kompozytora Rimskiego-Korsakowa. To było suita symfoniczna„Antar”. Dźwięki muzyki pochwyciły artystę, który chciał urzeczywistnić w malarstwie nastrój, który powstał w nim pod wpływem tego dzieła.
Ale muzyka nie była jedynym źródłem inspiracji. Podróżując po Europie w 1883 roku, Repin wziął udział w walce byków. Widok tego krwawego spektaklu zrobił wrażenie na artyście, który napisał, że „zarażony... tą krwią, po powrocie do domu natychmiast rozpoczął krwawą scenę „Iwan Groźny z synem”. A zdjęcie krwi okazało się wielkim sukcesem.”
9. Michaił Wrubel. „Siedzący demon”, 1890
Jak czasami tytuł obrazu wiele znaczy. Co widzi widz, gdy po raz pierwszy spojrzy na obraz Michaiła Vrubela „Siedzący demon”? Muskularny młody człowiek siedzi na skale i ze smutkiem patrzy na zachód słońca. Ale gdy tylko wypowiemy słowo „demon”, natychmiast pojawia się obraz magicznego złego stworzenia. Tymczasem demon Michaiła Wrubela wcale nie jest złym duchem. Sam artysta nie raz mówił, że demon jest duchem „nie tyle złym, co cierpiącym i bolesnym, ale jednocześnie duchem potężnym,… majestatycznym”.
To zdjęcie jest interesujące, ponieważ technika malarska. Artysta nakłada farbę na płótno nie zwykłym pędzlem, ale cienką stalową płytką – szpachelką. Technika ta pozwala łączyć techniki malarza i rzeźbiarza, dosłownie „rzeźbiąc” obraz za pomocą farb. W ten sposób uzyskuje się efekt „mozaiki” – wydaje się, że niebo, skały, a nawet samo ciało bohatera nie są pomalowane farbą, ale ułożone ze starannie wypolerowanych, być może nawet szlachetnych kamieni.
10. Aleksander Iwanow. „Pojawienie się Chrystusa ludowi (pojawienie się Mesjasza)”, 1837–1857.
Obraz Aleksandra Iwanowa „Pojawienie się Chrystusa ludziom” to wyjątkowe wydarzenie w historii malarstwa rosyjskiego. Nie jest łatwo rozmawiać o tym z dziećmi, zwłaszcza 6-7-letnimi, ale zdecydowanie powinny one zobaczyć to monumentalne płótno, na którym artysta pracował ponad 20 lat i które stało się dziełem jego życia.
Fabuła obrazu oparta jest na trzecim rozdziale Ewangelii Mateusza: Jan Chrzciciel, chrzcząc naród żydowski nad brzegiem Jordanu w imię oczekiwanego Zbawiciela, nagle widzi Go nadchodzącego, w imię którego chrzci ludzi . O cechy kompozycyjne obrazy, o ich symbolach i język artystyczny dzieci dowiedzą się później. Podczas pierwszej znajomości warto porozmawiać o tym, jak jeden obraz stał się dziełem życia artysty.
Po ukończeniu studiów w petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych Aleksander Iwanow został wysłany „na staż” do Włoch. „Pojawienie się Chrystusa ludowi” miało być dziełem dokumentalnym. Ale artysta podchodzi do swojej pracy bardzo poważnie: dokładnie się uczy Pismo Święte, historia, spędza miesiące na poszukiwaniu odpowiedniego krajobrazu, spędza nieskończoną ilość czasu na poszukiwaniu obrazu dla każdej postaci na zdjęciu. Kończą się pieniądze, które mu przydzielono na pracę, Iwanow prowadzi nędzną egzystencję. Żmudna praca nad obrazem doprowadziła do uszkodzenia wzroku artysty i konieczności długotrwałego leczenia.
Kiedy Iwanow ukończył swoje dzieło, włoska opinia publiczna entuzjastycznie przyjęła obraz, był to jeden z pierwszych przypadków Europejskie uznanie Rosyjski artysta. W Rosji nie od razu to doceniono – dopiero po śmierci artysty przyszła do niego prawdziwa sława.
Pracując nad obrazem, Iwanow stworzył ponad 600 szkiców. W pomieszczeniu, w którym jest wystawiona, można zobaczyć niektóre z nich. Interesujące jest wykorzystanie tych przykładów do prześledzenia, w jaki sposób artysta pracował nad kompozycją, krajobrazem i wizerunkami postaci na obrazie.
Wybór rekordów
Wykładowca projektu edukacyjnego Poziom pierwszy, dyplomowana historyk sztuki Natalya Ignatova ujawniła tajemnice pięciu najbardziej tajemniczych obrazów Galerii Trietiakowskiej.
Fakt publikuje dla swojego czytelnika ten niesamowity materiał.
„Bogatyrs”, Wiktor Wasniecow, 1898
Wiktor Wasniecow poświęcił znaczną część swojego życia obrazowi z trzema bohaterami eposów i baśni. Płótno jest jednym z rekordzistów Tretiakowa pod względem liczby lat spędzonych na jego tworzeniu. Artysta wykonał pierwszy szkic w 1871 r., a swoje arcydzieło ukończył dopiero w 1898 r.
Wbrew powszechnemu przekonaniu, że bohaterowie wyszli w pole tylko po to, żeby się przespacerować i rozejrzeć się po okolicy, są gotowi ruszyć do bitwy. Wróg stoi w oddali, jakby za widzem, o jego obecności świadczą gromadzące się chmury, jastrzębie spodziewające się ofiary, ale najważniejsze jest wyciągnięty miecz Dobrego Nikiticza i łuk gotowy do strzału w rękach Aloszy Popowicza.
Prototypem Ilyi Muromets był cesarz Aleksander III, artysta namalował od siebie Dobrynyę Nikiticha, ale prototyp Aloszy Popowicza nie jest wiarygodnie znany, mógł być zwykłym człowiekiem - Wasnetsow w trakcie pracy nad obrazem namalował wiele portretów chłopów, taksówkarzy i kowali, którzy – jak mu się wydawało – byli nieco podobni do znanych postaci z bajek.
„Nierówne małżeństwo”, Wasilij Pukirew, 1862
Fabuła obrazu została podsunięta Wasilijowi Pukirewowi przez jego przyjaciela, artystę Piotra Szmelkowa. Znał dobrze zwyczaje ludzi zamożnych i wpływowych, dla których aranżowane małżeństwa były na porządku dziennym. Pukirew podziękował przyjacielowi za pomysł, przedstawiając go po prawej stronie za plecami panny młodej. Na obrazie obecny jest także sam malarz: namalował się z profilu na obraz drużby panny młodej ze skrzyżowanymi ramionami. Początkowo artysta nie planował umieścić siebie na płótnie: na jego miejscu pojawił się przyjaciel, którego kochanka wyszła za mąż za starszego mężczyznę. Co więcej, przyjaciel Pukirewa ze względu na sytuację rodzinną został zmuszony do wzięcia udziału w tym nieprzyjemnym weselu jako drużba.
Następnie przyjaciel poprosił artystę o usunięcie go z płótna, aby wspólni przyjaciele i krewni nie pamiętali już tej historii. Potem Pukirev napisał siebie zamiast niego. Jeśli wizualnie podzielisz płótno po przekątnej od prawego górnego rogu do lewego dolnego rogu, wówczas panna młoda i jej dwoje przyjaciół pojawią się po prawej stronie. Natomiast po lewej stronie znajdują się krewni i przyjaciele pana młodego, celowo przedstawiani jako nieprzyjemni ludzie. W ten sposób płótno jest podzielone na dwie części semantyczne, jakby uosabiało dobro i zło. Co więcej, kapłan staje po stronie zła. Technika ta świadczy o przywiązaniu artysty do zasad realizmu, podnosząc tym samym pytanie o rolę Kościoła w społeczeństwie.
„Poranek w sosnowym lesie”, Iwan Szyszkin, Konstantin Sawicki, 1889
Nie wszyscy miłośnicy słodyczy wiedzą, że nad słynnym obrazem pracowało dwóch artystów, który następnie został odtworzony na opakowaniach cukierków czekoladowych. Szyszkin był odpowiedzialny za las, a Savitsky za niedźwiedzie. Co więcej, to Savitsky wymyślił fabułę filmu. Początkowo były dwa niedźwiedzie, ale potem ich liczba wzrosła. Kolekcjoner Paweł Tretiakow kupił obraz za 4 tysiące rubli.
Uważa się jednak, że kolekcjonerowi nie podobała się praca Savitsky'ego. Według legendy Tretiakow powiedział: „Co za okropne niedźwiedzie!” A nazwisko Savitsky'ego zostało rozmazane na płótnie: według jednej wersji zrobił to Tretiakow, według innej sam artysta poczuł się urażony, nie mogąc znieść krytyki ze strony właściciela galerii. Umiejętność Shishkina wyraża się w oświetleniu lasu: na wierzchołkach sosen po mistrzowsku malują pierwsze promienie słońca, których widzowie zwykle nie zauważają, rozpraszani postaciami niedźwiedzi.
„Pojawienie się Chrystusa ludowi”, Aleksander Iwanow, 1857
Pierwszy znaczący obraz oparty na historii biblijnej namalował Aleksander Iwanow w 1834 roku. Było to „Pojawienie się Chrystusa Zmartwychwstałego Marii Magdalenie”. Zaledwie trzy lata później, w 1837 r., zaczął tworzyć główne dzieło swojego życia - epokowe płótno „Pojawienie się Chrystusa ludowi”. Artysta pracował nad obrazem przez 20 lat we Włoszech. W procesie tworzenia płótna wykonał ponad 500 studiów i szkiców. Wszyscy koneserzy malarstwa w Rosji wiedzieli, że Iwanow pracował na monumentalnym płótnie. W maju 1858 roku malarz zdecydował się wysłać obraz do Petersburga. Legenda głosi, że podczas podróży statek nawiedziła silna burza. Artysta zwinął płótno w rurę i uniósł je nad głowę - postanowił nie widzieć śmierci swojego dzieła, ale utopić się, jeśli statek wejdzie pod wodę.
Jednak płótno dotarło jeszcze do Petersburga, gdzie zostało wystawione w jednej z sal Akademii Sztuk Pięknych. Publiczność przyjęła obraz chłodno – pojawiały się skargi na zbyt małą postać Chrystusa i wodę przedstawioną nie w sposób akademicki, ale swobodnymi pociągnięciami. Ciekawe, że Iwanow pod tym względem wyprzedził swoją epokę, bo później impresjoniści pracowali w podobny sposób. Poza tym płótno okazało się niedokończone. Po lewej stronie widać starca w białej przepasce na biodrach, co odbija się w wodzie jako czerwona plama. Na szkicach bandaż rzeczywiście był czerwony, a artysta najwyraźniej po prostu zapomniał go przemalować. Miesiąc po prezentacji dzieła Iwanow zmarł, a kilka godzin po jego śmierci cesarz Aleksander II kupił obraz za 15 000 rubli. Choć kwota była znaczna, początkowo artysta, który poświęcił temu dziełu połowę swojego życia, liczył na znacznie większe wynagrodzenie, lecz niestety nie udało mu się zdobyć nawet tych pieniędzy.
„Dziedziniec moskiewski”, Wasilij Polenow, 1878
Obraz Wędrowca Wasilija Polenowa jest ściśle powiązany z innym jego dziełem zatytułowanym „Ogród Babci”. Obydwa płótna przedstawiają ten sam dom na Arbacie, tylko z różnych stron. Polenov swoje najsłynniejsze dzieło napisał po przeprowadzce do Moskwy z Petersburga i osiedleniu się w jednym z mieszkań w budynku u zbiegu ulic Durnowskiego i Trubnikowskiego, w pobliżu Cerkwi Zbawiciela na Piaskach.
Widok przedstawiony na obrazie był z jego okna. Co więcej, stworzenie arcydzieła zajęło Polenovowi bardzo mało czasu: w rzeczywistości jest to szkic namalowany z życia. Po raz pierwszy w historii malarstwa rosyjskiego artysta połączył dwa gatunki - życie codzienne i pejzaż. Publiczność, zmęczona ponurymi i depresyjnymi obrazami Wędrowców, z zachwytem przyjęła pogodny, słoneczny obraz. Nikogo nawet nie zawstydził pokazany w lewym dolnym rogu wysypisko śmieci, które większość widzów myli ze studnią.
