Zdjęcie: Megaq, zdjęcie wejściowe - Vladimir Lavrischev/www.leonidfedorov.ru
"Ani jednego kruka ze wszystkich stron!" - krzyczeliśmy na koncertach Fiodorowa przez ostatnie dziesięć lat, a teraz piosenkę „Head and Leg” można wykrzyczeć na każdym wiecu: „A ja, jak się wydaje, nie mogę milczeć, skóra na moich ramionach pęka z ciszy. Zapomniałem znajomych imion. Uczucie pod nogami zamienia się w czucie!” Tyle że to nie będzie już wiec, a prawda jest taka, że Leonid Fiodorow jest osobą niesamowicie apolityczną. Dom. Swoje straszne piosenki pisze do słów Ozerskiego, Vvedensky'ego i Chlebnikova w domu, rozmawiamy w kuchni.
Czy dzisiaj czwartek jest dniem rybnym, czy pościsz?
(Lida, żona i producent Fiodorowa, wyciąga z lodówki i piekarnika różne ryby- smażone, gotowane na parze, solone).
Taką dietę robimy już drugi raz. Pierwszy dzień - tylko kasza gryczana, drugi - tylko gotowany kurczak, trzeci dzień - kefir lub okroshka. Bez chleba warzywa są możliwe. Czwarty dzień to ryby, ale z jakiegoś powodu dzisiaj jest poniedziałek. Nie uwierzysz - każdego dnia kilogram wagi gdzieś idzie. Piąty dzień to warzywa, szósty to święto, czyli owoce. Rano jest dobrze, w oczekiwaniu: ach, myślisz, kurczak, ale wieczorem nie możesz patrzeć na tego kurczaka, kompletny niesmak. A następnego ranka czekasz na owsiankę jak mannę z nieba. To bardzo dziwne uczucie związane z jedzeniem, wiesz?
Co teraz czytasz?
Czytałem biografię Michała Anioła i uderzyło mnie to z jego wielkie bogactwożył zawsze winem, serem, chlebem i oliwkami. To właśnie rozumiem przez dietę. Można jeszcze tydzień siedzieć na chlebie i serze, ale do końca życia - to nie do wyobrażenia. Vasari pisze, że już dość stary Michał Anioł, który był zaangażowany w katedrze watykańskiej, spędził wiele lat na mozaikach, w końcu wszystko wziął i rozbił młotkiem. Był normalnym facetem.
Czytamy Martynova z Lidą, gdy tylko napisze coś nowego. Nie sposób się z nim nie zgodzić, że istnieje rozwarstwienie i delimitacja ludzi w kręgach i partiach, nawet w obrębie tego samego zawodu. Pojechaliśmy na 70. urodziny Silvestrova do Sali Rachmaninowa i zdałem sobie sprawę, że to bardzo wąski krąg, impreza, na której wszyscy znają się od dawna. W muzyce istnieje wiele różnych kręgów. A w filmach nie da się ich zliczyć. Nie ma jednego przestrzeń kulturalna, komunikacja, powietrze to za mało. Wszystko zostało zastąpione przez telewizor lub kilka kolorowych magazynów. Zrozumieć? Gdzie mogą się gromadzić różni ludzie? Nigdzie. Ostatni w muzyce, który doskonale się trzymał różni ludzie, był Kuriochin. W pewnym momencie udało mu się włączyć wszystkich w swój proces. To samo włączenie, ale w skali globalnej, dokonali Beatlesi. Miliony zajęły się gitarami, w tym ja. Wciąż żyli we wspólnej dla wszystkich warstwie kulturowej, w tym wspólnym powietrzu nie miało znaczenia, kto co robił – klasyka, jazz, cokolwiek. A teraz zabawne jest to, że wcale nie są zainteresowani tym, co dzieje się na sąsiedniej imprezie muzycznej. Free jazzowcy nie pasują do populistów, nie ma współpracy.
Kuryokhin był ostatnim w muzyce, który trzymał razem zupełnie różnych ludzi. W pewnym momencie udało mu się włączyć wszystkich w swój proces. To samo włączenie, ale w skali globalnej, dokonali Beatlesi
Kiedy jeszcze śpiewali na wsi, byli free jazzem w czysta forma, codziennie babcie wyciągały nową notatkę, nowy rysunek melodie rozdawano w zależności od pogody i nastroju. A teraz takie znajdziecie tylko na waszych koncertach.
Czytałem o Mozarcie i Beethovenie, że na wszystkich przedstawieniach nie używali nut, ciągle improwizowali. To, co zostawiliśmy w notatkach, to wszystkie blade odciski ich szaleństwa. W pierwszej części zagrał pianista, w drugiej wystąpił sam Beethoven i improwizował. Notatki nic dla nich nie znaczyły. Teraz można wszystko nagrać, nagrać koncert, ale wtedy każdego dnia wszystko było nowe. Jeśli uznamy ich nuty za cenne, to nie sposób sobie wyobrazić ich gry. Spoko goście.
Cóż, w końcu milcząc o tobie i Auktyonie, co tak naprawdę uderzyło cię w tej legendarnej muzyce z czasów Leningrad Rock Club, kiedy zaczynałeś?
Mieszkanie Bashlacheva. Kiedy pozwolili mi posłuchać jego kasety, wcale mi się to nie wydawało. Ale koncert... pamiętam to uczucie. Jakby spod ziemi, spod krzesła biła kolumna ognia i nieziemskiej furii. Fizjologiczne odczucie skrzepu energii. Pół godziny huraganu - słowa i trzy akordy nie są ważne - i widzisz prostego dzieciaka z poprawkami i krwią na rękach. Absolutnie niesamowita, jak żadna inna energia. Wysocki wciąż nudził nas pewnymi myślami, ale tutaj nie ma myśli. To był szkwał i trzęsienie ziemi. I od tego czasu nigdy z nikim nie czułam czegoś takiego. Nie, było wiele koncertów, na których salę wstrząsali rockmani, ale zrozumiałem, że to był dźwięk. Ale Bashlachev nie miał słowa, które by mnie uderzyło, ani dźwięku. Był strumień, ognista lawa, trawa. A potem obejrzałem wideo - bez uczucia, pamiętam tylko obecność na tym koncercie. Nadal nie rozumiem, jak to jest możliwe.
Kiedyś urządzenie dźwiękowe zbadało moje zdrowie. Kliki wyraźnie zlokalizowane w głowie pochodzą ze słuchawek stereo, a komputer z systemem informacja zwrotna zgodnie z reakcją mózgu na tysiące kliknięć w całej objętości głowy, stawia diagnozę. Tak więc szum tej elektronicznej diagnostycznej "muzyki" znacznie przewyższył wszelką przyjemność, jaką kiedyś otrzymałem od niemieckiego "Tangerine Dream". Czy myślisz, że elektronika zastąpi żywe instrumenty?
Niepewny. Raczej zostań muzyka na żywo. To najprawdopodobniej różne gatunki. Widzisz, to jest jak poezja - w każdym razie będą istnieć w literaturze. Oddziaływanie tych muzyki jest inne, mają różne przestrzenie. To jak porównywanie książki z czytnikiem elektronicznym, zawsze bardziej chcesz obrócić papier w dłoniach niż czytelnika. Ale nie możesz już nigdzie iść, wydobyć wszystkich dźwięków i muzyki z komputera, pobrać książki. W Google" program muzeum, więc spędziłem wczoraj trzy godziny w Uffizi bez wstawania z krzesła.
Ledwo go stamtąd wyciągnęłam - mówi Lida - już kręciło mi się w głowie, żeby patrzeć na zdjęcia, ale on nadal nie chce odejść, łamie oczy.
Czy chodzicie razem do prawdziwych muzeów świata?
Kochamy to, tak. Nie zawsze tak było, ale jakieś dziesięć lat temu płótna i farby nagle nas wciągnęły. W styczniu byliśmy w Madrycie Prado.
Czy chodzisz do teatru? Podczas prezentacji albumu Wolfganga w Centralnym Domu Artystów zaaranżowałeś czysty teatr z tuzinem starych krzeseł Mosfilm i pół tuzinem starych drewnianych radia, nie wspominając o Vice Tolstoganowej na scenie i kreskówce na ekranie.
Rzadko. Ostatni raz poszedł na występ Martynova w Teatrze Boyakov. Tutaj mój pradziadek był absolutnie człowiek teatru, Artysta Ludowy Monachow, założyciel BDT i jego supergwiazda. W „Walking Through the Torments” Aleksieja Tołstoja młode panie biegną do Monachowa. W kinie jest pamiętany z roli właściciela ziemskiego Troekurova w Dubrovsky. W wieku sześćdziesięciu trzech lat, w 1937 roku ożenił się z młodą siedemnastoletnią pięknością, która go otruła. Niektórzy uważają, że NKWD nie mogłoby się bez niego obejść. Lubię to luksusowe życie. Był przyjacielem Benois i Gorkiego. („Nie musisz iść w jego ślady”, zauważa Lida.) Zaczął od wierszy, a skończył z Donem Carlosem w Aleksandrince, po prostu stał się wielkim artystą. To prawda, że za Stalina po 1929 wszystkie jego role wyschły i zaczęły rozdawać pracę urzędniczą. Pradziadek dla mnie i teatru, i jego historii. A kiedy zobaczyłem go młodego na zdjęciu w moich wspomnieniach, byłem oszołomiony - plujący obraz mojego ojca. Język i styl jego pamiętników są dokładnie tym, co sama bym napisała. Co więcej, cała sytuacja i ludzie są bardzo podobne do bieżących wydarzeń. Jakby nic się nie zmieniło.
Bashlachev nie miał słowa, które by mnie uderzyło, ani dźwięku. Był strumień, ognista lawa, trawa w szczelinie
Patrzę na zdjęcie twojego pradziadka i widzę cię jako część kupletów wczesnego „Auktyonu”.
Mówię: nic się nie zmienia. Oto opowieść o Chaliapinie. Jedna modna aktorka odmówiła występu w Teatrze Monachowa, a bilety zostały wyprzedane. Aby nie zbankrutować, Monachow zaprosił Chaliapina, który powiedział: „Jeśli wypijesz ze mną, zaśpiewam za darmo”. A Monachow mówi: „Nie mogę, wrzód”. Jednak nadal pili, ale super bas nie pojawił się na scenie, ponieważ pradziadek zaproponował, że pójdzie do dziewczyn zamiast ratować kasę.
Ile razy Twoje piosenki pojawiły się w telewizji? Policzmy: dwa razy w latach osiemdziesiątych, zero razy w latach dziewięćdziesiątych, kilka razy w dwutysięcznych. Mam na myśli Garkusha z piosenką „Urodziłem się pod maską” w filmie Nauczyciela „Skała” z 1987 roku, tego samego roku „Włamywacza” Ogorodnikowa, ponownie z Garkushą „ Pierścień muzyczny w 1989 r., „Droga” w „Bracie-2” w 2000 r., „Nie będzie zimy” w „Boomer” w 2004 r. Bez wątpienia filmy są szlachetne, ale ... Och, zapomniałem, w radiu w 1995 roku zagrano kilka piosenek z ulubionego przez ludzi "Ptaków". Nie rzadkie?
Cóż, pojechaliśmy do Dibrowa jeszcze trzy razy, do różnych programów, po czym się zamknęli. Czy to przypadek, czy coś. Uczestniczyłem we wszystkich takich programach tylko dlatego, że o to pytali moi przyjaciele - na przykład Oleg Garkusha, Vova Volkov. Gdyby nie moi przyjaciele, nigdy nigdzie nie pojawiłbym się na ekranie. Jestem trochę obcy telewizji. Mój przyjaciel Lesha Agranovich, reżyser wszelkiego rodzaju spektakli, ceremonii i prezentacji, zawsze uważa, że nadszedł czas - i tam mnie wypromuje, w świat. Tak więc kilka lat temu zaprosił nas do występu na jednej z pierwszych ceremonii wręczenia Złotego Orła, gdzie we trójkę byliśmy ja, Volkov i Tatiana Grindenko. A my byliśmy jedynymi wyciętymi z płyty.
Pamiętasz program Musical Ring? W tym pamiętnym „Pierścieniu” w 1989 roku publiczność zareagowała na AU w taki sam sposób, jak na dość oberiutowski wykład Kuryochina „Grzyb Lenina” w programie Szołochowa „Piąte koło”.
Nawiasem mówiąc, kiedy weszliśmy do Leningrad Rock Club, podejrzewano, że zostaliśmy źle potraktowani przez Kozaków. Były już grupy bez patosu, że tak powiem. " dziwne gry", na przykład. Wszyscy uważali nas za dziwnych, nie obchodziło nas, jak postrzegają nas członkowie Komsomola. Szczerze mówiąc, w ciągu ostatnich dwudziestu lat moje pragnienie, by nigdzie nie błyszczeć, nie spędzać czasu, tylko wzrosło. Nie będę mówić za wszystkich innych. Widzisz, w latach osiemdziesiątych, kiedy dopiero zaczynaliśmy grać, oczywiście chcieliśmy uznania i wszelkiego rodzaju sławy, ale szybko się ochłodziliśmy. Było wiele okazji do dokładnego zaistnienia w pudełku. Ale kiedy zacząłem rozmawiać z ludźmi stamtąd, nie podobało mi się to. Nie ludzie, ale cała atmosfera tego, co nazywa się show-biznesem. Połączyłem się więc z telewizją, zacząłem jakoś nagle odrzucać oferty. Krąg społeczny i zainteresowania wyraźnie nie były moje. Oznacza to, że było nudno, ponuro i nie jest jasne, dlaczego. Nie podobały mi się wyniki rzadkich występów w telewizji. Po co tam świecić, skoro w kraju wciąż nie ma przemysłu muzycznego. Zarabia się pieniądze, ale nie ma jakości produktu na wyjściu. A potem, w latach osiemdziesiątych i dziewięćdziesiątych, tym bardziej było to przedszkole. Byli pomysły muzyczne- ich, nie ich, to nie ma znaczenia. A kiedy zdasz sobie sprawę, że poświęciwszy wiele wysiłku i czasu na realizację tych pomysłów, będziesz musiał wszystko zamienić w budkę, w produkt przyswajalny dla widza, wybierasz coś innego: robisz tylko to, co jest interesujący. Więc metodycznie zrobiłem tę interesującą rzecz. Byłoby ciekawie zrobić coś z reżyserami, których znam, może ze mną, ale mamy własny biznes, ciężko znaleźć czas.
Więc lubisz reżysera filmu o Landau, bo tam zagrałeś?
W Charkowie były strzelaniny Stalinowskiej Moskwy, te setki ludzi w ubraniach z lat trzydziestych, to jest tak niepodobne do niczego, nie projekcja, ale eksperyment, w rzeczywistości nie tylko pokaz komediantów. Oczywiście, gdy podoba się zarówno człowiekowi, jak i jego pomysłom, panuje zrozumienie, że nie zrobi filmu poniżej oczekiwanego poziomu. Igor Voloshin, Ilya Khrzhanovsky - są w przybliżeniu na tej samej fali, dużo rozmawialiśmy. Nie całkiem wspólne interesy, ale jesteśmy w tej samej przestrzeni, mimo że jesteśmy różni. Kiedyś inni reżyserzy proponowali scenariusze do przeczytania, pytali, czy im się podobają, czy są świetne. Musiałam powiedzieć, że nie było super, bo nie chciałam wracać, schodzić do piwnic, tracić czasu. To poczucie niższego lotu i poziomu jest nieodłączne od każdego, to znaczy te projekty, w których mogłem uczestniczyć dziesięć lat temu, są teraz w żaden sposób nieodpowiednie.
W wieku sześćdziesięciu trzech lat, w 1937 roku, mój pradziadek poślubił młodą siedemnastoletnią piękność, która go otruła
Wszyscy ludzie z „Auktyon” jakoś przypadkowo przypadkowo podnieśli się do wspólnej kreatywności. Na przykład mężczyzna z operowym wokalem, Siergiej Rogozhin, pojawił się w polu widzenia Ozerskiego w Instytucie Kultury i natychmiast zaśpiewał w AC; przyjechała tancerka disco, jak mówią teraz – reprezentantka stylu życia taniec współczesny, Vova Veselkin - i od razu stworzył szalony duet z Olegiem Garkushą. Nigdy nie miałeś jasnego planu tego, jak powinna wyglądać UA?
Tak, nieplanowana gospodarka. Ale byliśmy ambitni, chcieliśmy wszystkiego na raz. Zgromadzeni ludzie nie są całkiem zwyczajni, ale taki już los. Jak w poezji Garkusha, „chłopiec, jak chłopiec, urodził się pod czapką”. Tych chwil nie da się wytłumaczyć, stało się i tyle. W tamtym kraju po prostu nie mieliśmy prawa występować, tylko na tańcach. Kiedy rzuciłem pracę po dwóch dniach wolnego od pracy, moi rodzice powiedzieli, że zwariowałem, ponieważ graliśmy w klubie rockowym tylko pięć razy w roku i było to całkowicie darmowe. Podobała im się scena i dźwięk, to wszystko. Ale od 1988 roku pojawiły się możliwości, że tak powiem, nie darmowej jazdy. Garkusha i Bondarik, ostrożni ludzie, pracowali w swoich biurach do 1991 roku czy coś takiego.
A kiedy poznałeś Siergieja Kuryochin?
Gdzieś w 1985 roku, ale Garkusha był z nim bardziej zaznajomiony, aktywnie uczestniczył w Pop Mechanics. Gdy tylko Kuryokhin zobaczył Garkusha w „Auktyon”, natychmiast wziął go w swoje ręce. Mieliśmy wspólny znajomy, Firsov, tutaj czasami się z nim spotykaliśmy, zwłaszcza w ostatnich latach życia Siergieja. Widzisz, Kuryokhin ogólnie wpłynął na wszystkich i wszystko, ale reszta miała nie mniejszy wpływ. "Akwarium" jako fenomen muzyczny wpłynęło na mnie znacznie bardziej niż "Pop Mechanics". „Pop Mechanics” był produktem tego klimatu. To było dla nas normalne wizualne ucieleśnienie tego, co dzieje się wokół. Przyniósł kozę na scenę, przyniósł artyści ludowi w roli dozorców, dobra robota. Jakaś szczególna aspiracja, okrzyki „ach!” nie mieliśmy. Widzisz, w tamtym czasie to było w głowach wszystkich. Zawsze bardziej interesowała mnie muzyka, byłbym zbyt leniwy, żeby wziąć kozę, ale on z łatwością ucieleśniał to ogólne zbiorowe szaleństwo. Pokaz był dla mnie fioletowy również w Auktyone. Ozersky chce występu - proszę, niech to zrobi. Miller chce mi założyć jakiś garnitur - daj spokój, jeśli nie jest w nim za ciasny. Niczego nie wymyśliliśmy, wszystko zaczerpnięte z atmosfery tamtych czasów.
W całkowicie sowieckim, ale dobrym filmie Nauczyciela „Skała” pomysł był wizualny - pokazać awanturników-trubadurów nieznośnych dla państwa jako cichych, użytecznych dla społeczeństwa „trybów”: prosty palacz Vitya Tsoi, łagodny tata Borya Grebenshchikov, smukły nauczyciel tańca Anton Adasinsky, czuły kinooperator Oleg Garkusha i tak dalej. A czym był na przykład Tsoi?
Choi jest niesamowity, jego los jest niesamowity. Nie palacz, ale raczej Lermontow. Osiągnął gigantyczną popularność bez żadnych mediów. Kiedy pojawił się w telewizji, był tak sławny, takim idolem, że był PR dla telewizji, a nie dla Vityi. Wszyscy bez wyjątku wiedzieli o Tsoi. Kiedyś graliśmy w "Pop Mechanics", w sierpniu 1988 roku w Ałuszcie. Przybyliśmy w tłumie, wszyscy mechanicy popu, było nas piętnastu, w tym ja, Garkundel, Gasparyan. Pierwszy dzień był zupełnie dziki: nie chcieli nas umieścić w hotelu, spaliśmy w jakimś drewnianym obozie pionierskim, nikt nas nie potrzebował. Ponadto odbył się skandaliczny koncert. Ale następnego dnia przybył Tsoi, który już zrobił „Typ krwi”. I w magiczny, dramatyczny sposób wszystko zmieniło się od razu. Zakwaterowaliśmy się w najlepszym hotelu, poszliśmy na specjalną plażę. Fani tłoczyli się ze wszystkich stron, krzycząc: „Choi!” Więcej Afryka - Sergey Bugaev był szalenie popularny po filmie "Assa". Nikt w ogóle nie znał Kuryochin, zwłaszcza my, a Tsoi brzmiał z każdego magnetofonu, kiosku, tawerny i zakamarka.
Pokaz był dla mnie fioletowy również w Auktyone. Ozersky chce występu - proszę, niech to zrobi. Miller chce na mnie założyć jakiś garnitur - niech nie będzie za ciasny
Twoje duety z Volkovem i Ozerskim słychać tylko w małych klubach. Co, zbyt leniwy, żeby powiesić plakaty na płotach, zebrać coś w rodzaju „olimpijskiego”?
No u-u... A dlaczego i dlaczego? Myślę, że nie trzeba tego teraz robić. Nie chodzi o plakaty, nigdy nie znasz innych Vasya Pupkins wiszących nad Tverskaya. Jest jakieś wewnętrzne poczucie, ile osób może słuchać tej muzyki, kto naprawdę jej potrzebuje. Rozumiem, dlaczego Tsoi mógł zgromadzić pół miliona ludzi. A czym my jesteśmy, z jakimi piosenkami właściwie moglibyśmy wyjść: „Nie mogę i nie mogę być jak wszyscy inni”? (Śmiech.) Nie sądzę, że teraz z Vvedensky i Chlebnikov można być idolami kraju.
Kiedy poznałeś Vladimira Volkova?
Wołkow zawsze wiedział. Ale nie znaliśmy się osobiście aż do 1997 roku. Byłem daleko od muzyki, którą grał Volkov, od jakiegokolwiek free jazzu i innych rzeczy. W jakiś sposób los go połączył na pogrzebie Kuryokhina. Vova mówił o swoim „Volkov-Trio”, a potem wyszła nasza pierwsza płyta - „Nie będzie zimy”. Kiedy został nagrany, miałem wielkie wątpliwości, czy ta płyta powinna zostać wydana. To była nawet dla nas dziwna i niezwykła produkcja dźwiękowa. Odbudowano podejście do muzyki. Wybrali eksperyment, więc to, co nasza dziesiątka robiła przez ostatnie dziesięć lat, nie mogło w żaden sposób pomóc, to zupełnie inna czynność. Doskonale wiem, że moi bliscy przyjaciele, czyli cały Auktyon, tego nie potrzebują, nie leży to w ich obszarze zainteresowań. Nie chodzi o to, kogo śpiewać do wersetów, Chlebnikowa czy Chwostenki. Chodzi o to. Wszystkie płyty nagrane z Volkovem to rzeczy absolutnie jednorazowe. Ostatnio Vova i ja posłuchaliśmy kawałka „Besonders” i zdaliśmy sobie sprawę, że teraz zrobilibyśmy to zupełnie inaczej, ale minęło tylko pięć lat. Widzisz, to jest wstawione w kontekst czasu, może być rejestrowane tylko natychmiast. Volkov jest absolutnie mobilny - przygotował się w pół godziny i przybył. Gwizdnęliśmy coś i siedzimy cicho w nocy grając, on cicho gra na kontrabasie, żeby nie obudzić sąsiadów. Przy dużej jednostce AU nie było to wtedy możliwe, ale już teraz jest to możliwe. Wszyscy już rozumieją, zebrali się i poczuli. Nagle stało się jasne, jak nagrywać bez prób, bez setek ujęć, jak rejestrować tę samą dana czasową, właśnie w tej chwili. Wszystkie krążki AU zostały wykonane tradycyjnie: my cały rokćwiczyłem piosenki, dość boleśnie, a potem szybko wszystko zapisywałem. Dlatego nigdy nie byłem zadowolony z wyniku: to, co wymyślono, nigdy nie znalazło się na płycie i nie mogłem zrozumieć, dlaczego. Nagle dotarło do mnie, że tylko to, co wydarzyło się w samym studiu, okazało się niespodziewanie rozbłysnąć w trakcie samego nagrywania, a nie na próbach trwających rok. „Dweller of the Peaks” wyszedł, bo nie tylko wszystko, co z góry wymyślono, ale także spostrzeżenia różnych osób na temat samego nagrania, od razu pasowały. Ale wciąż był wynalazek. A cała praca z Volkovem to czysta improwizacja, bez duplikatów. Po prostu wypróbowujemy trzy - zwykle - opcje i wybieramy. Więc? Nie w ten sposób? Tutaj jest! On jest taki. I to wszystko.
Obejrzyj wideo z wywiadu z Leonidem Fiodorowem i Dmitrijem Ozerskim
| Do mojego świata |
Tak jak powinno coś żałować, ale jakoś nie żałuje. Oczywiście wszyscy robią paskudne rzeczy, ale nigdy nie robiłem ich celowo.
lubię Graj muzykę. Ale wydaje mi się dość głupie, żeby robić z tego pracę, rutynę, zawód.
Publiczny w moim rozumieniu nie uczestniczy w proces twórczy. Relacje na scenie, granie muzyki – dla mnie jest w tym sól. Ale to: „Cześć, przyjaciele, witaj, Moskwa” - nie rozumiem tego.
przepraszam spędzać czas na nauce języków.
Na końculata 80.- na początku lat 90. tu było najstraszniej - ten system kuponowy, nie wolno było grać... Jednocześnie jakoś wszystko traktowaliśmy łatwo, z przyjemnością wykonując swoją pracę, nie mając do tego prawa. Ale nie mam absolutnie żadnej nostalgii. Wszystko wokół było takie podłe, takie fałszywe.
Najważniejsze dla mnie aby koncert odbył się w środku. Jeśli tak się nie stanie, to bez względu na to, jak dobre jest, dla mnie jest złe. I odwrotnie, zewnętrznie może się nie udać, ale jeśli wszystko się zgadza w środku, to jest to normalne.
Wwiedeński- Jest mój organicznie. Kiedy nagrywałem jego wiersze, zdałem sobie sprawę, że z łatwością mógłbym zaśpiewać cały dwutomowy zestaw.
Ostatnie czasy W ogóle nic nie czytam, z wyjątkiem biografii lub książek o sztuce, o religii, pamiętnikach interesujących mnie ludzi. Powieści, większość wierszy – po prostu nie mogę się do tego zmusić. Wydaje mi się, że to wszystko jest bezsensowne, dzikie.
Niektóre małe zadania wkłada w nas sztukę.
W Rosji przemysł muzyczny nigdy nie powstał, na co wszyscy liczyli, ponieważ mamy kapitalizm. Garkusha niedawno powiedział mi, że w Petersburgu jest pięćset zespołów rockowych. W czasach klubu rockowego byliśmy, jak sądzę, pięćdziesiątym czwartym. No, może w całym mieście było sto zespołów. A teraz - pięćset! Gdzie to wszystko jest? Grają gdzieś. Tego nie rozumiem.
Internet to narzędzie, z którego możesz korzystać w dowolny sposób. Bardzo tragiczne wydarzenie co mogło się wydarzyć w kraju, stało się - to Biesłan. Pod względem moralnym jest to porównywalne z wojną. I rozmawiali o tym przez rok. A potem nic. Jaki jest pożytek z tego przepływu informacji? To wszystko gadanina. Tyle tylko, że teraz stało się bardziej rozbudowane – nie dziesięciu z nas rozmawia w kuchni, ale jest nas 500 osób. Rozmawiamy o śmieciach: Miedwiediew, Putin. Gówno jest kompletne! Nie ma z tym nic wspólnego prawdziwe życie nie ma. Tutaj Biesłan ma - do naszego dzisiejszego życia.
Przyjdź na twój koncert 10 tys. osób. A ty ich uderzyłeś. I co wtedy?
globalne wyzwanie nie wymaga dużego siła fizyczna Ona potrzebuje więcej uwagi. Możesz odrzucić drobiazgi, a globalne zadanie będzie Cię napędzać.
Kiedy weźmiesz dowolny wiersz Chlebnikowa i zaczynasz do niego wchodzić, rozumiesz, że rozwiązał globalne problemy. Zrozumiałe lub niezrozumiałe, interesujące lub nie, początkowo są tak ogromne, że nawet nie mamy kogo postawić obok nas.
pamiętam na jednym z koncertów Kuryochin, w Oktyabrsky, nad sceną kołysała się łódź na łańcuchach, na której siedziała Ałła Pugaczowa i robiła na drutach. I nie wydała dźwięku.
Kuriochin powiedział:że muzyka jest chwilową rzeczą. Absolutnie się z nim zgadzam. Jest to podobne do tego, o czym pisała Joyce. Był pewien, że całej wielkości, całego szumu pisarza należy szukać w zeszyty- to w nich właśnie nawiedziła go inspiracja. Wszystko, co jest bardziej udane lub nieudane, następnie rozpryskuje się w skończonej pracy, nie jest już tym samym.
Był taki moment kiedy uczono mnie notatek, ale szczerze o wszystkim zapomniałem i nawet nie chcę się w to wchodzić.
Mowa bezpośrednia zniknęła nie tylko z literatury, ale z życia w ogóle. Spojrzałbym w oczy tego poety, który teraz napisze "Kochałem cię, miłość może być jeszcze...". Zapomnieliśmy, jak powiedzieć: „Kocham cię”.
Historia Zachodu o zubożeniu, zamrożeniu religii – nawet religii, czyli Boga – w ogóle mi się to nie podoba. W końcu nie ma nic w zamian - tylko ponure i tępe przygnębienie. I nie rozumiem, do czego to naprawdę służy.
Żyjemy w absurdzie. Po prostu tego nie rozumiemy, ale to prawda.
Z biografii: Leonid Valentinovich Fedorov urodził się 8 stycznia 1963 roku w Petersburgu - rosyjski muzyk rockowy, lider grupy Auktyon. W ciągu ostatnich 20 lat Leonid Fiodorow słusznie zdobył reputację jednego z liderów niezależnej muzyki rockowej w Rosji. Pochodzący z Petersburga (dawniej Leningrad), w latach 80. ... Przeczytaj w całości
Leonid Fiodorow, jeden z najstarszych rockmanów w Rosji i członek słynna grupa Auktyon bardzo nieoczekiwanie zareagował na wywiad. Do momentu, gdy rejestrator pojawił się w jego dłoni, Leonid łatwo się komunikował, dużo mówił o sobie i sam zadawał pytania, ale gdy tylko rejestrator pojawił się w jego dłoni, on… nagle stał się nieśmiały. Trzymając gitarę na kolanach, jakby zakłopotany, chwytał ją palcem i odpowiadał na pytania, czasem tracąc kontakt z powyższym.
Andriej Pomidorrow: Czy usłyszymy kiedyś nowe piosenki z "Auktyon", czy będą nowe albumy?
Leonid Fiodorow:
Mam nadzieję (śmiech). Jest teraz jedna propozycja, jeśli wszystko dobrze się skończy, to napiszemy w Ameryce.
AP: Dlaczego w Ameryce, a nie tutaj?
LF: Bo są muzycy, którzy zaproponowali nam nagrywanie. Nie wiem, czy o nich słyszeli - John Zorn, saksofonista, Mark Ribot, gitarzysta "mokry". Zorn jest prawdopodobnie najlepszym saksofonistą na świecie.
AP: Ale co z Rubanovem?
LF: I też będzie, to była oferta „Auktyon”, a nie mnie.
AP: Dlaczego masz koncerty w Ameryce tak często, kilka razy w roku?
LF: Nie, chodziliśmy gdzieś raz w roku. Teraz jakoś tak się stało, że grali w fajnych miejscach.
AP: Prawie wszystkie projekty niezależne od „Auktionu”, które robisz razem z Volkovem. Dlaczego wybór padł na niego?
LF: Bardzo dobry muzyk i niesamowita osobowość. Takich ludzi w Rosji i chyba na świecie jest niewielu. Nie ma z kim go nawet porównać. No może tylko Starostin.
AP: Kiedyś pomogłeś grupie Leningradu. Teraz jesteś pod wrażeniem tego, co robi ten zespół?
LF: Wyprodukowałem pierwszy album „Leningradu”, pomogłem im w nagraniu. Tak, i tak mnie to nie obchodzi. Potem było ciekawie, nietypowo. Potem było trochę i skład drugiego. Śpiewał Wdowina.
AP: I dla ostatnie czasy czy podobał ci się któryś z wykonawców?
LF: Oto jedyna rzecz, która mi się podobała - to grupa „Inside” i Nino Katamadze.
AP: Okresowo, gdy piszą w wiadomościach „Grupa Auktyon”, dodają „Petersburg”. Lubisz to słowo i kochasz Piotra?
LF: Urodziłem się i mieszkałem tam do 2002 roku. Jak możesz go nie kochać?
AP: A teraz mieszkasz w Moskwie?
LF: Tak, przy okazji też lubię Moskwę.
AP: A mieszkasz w stolicy, bo jesteś bliżej wszystkich ruchy muzyczne?
LF: Nie. Ponieważ moja żona jest z Moskwy, mój syn tam studiuje. Cóż, jakoś to się stało. W większości jesteśmy tam. Generalnie trudno powiedzieć, gdzie mieszkamy. Przez większość czasu jedziemy.
AP: Czy masz wakacje, jak czasem robią to grupy?
LF: Są, ale rzadko. Próbujemy, ale jakoś to nie działa. Stało się to po prostu w zeszłym roku. Latem złamałem kręgosłup i spędziłem dwa miesiące na leżeniu. To prawda, że właśnie w tym momencie napisałem album „Besoners”, żeby w ogóle nie umrzeć (śmiech). Raz w życiu pojechaliśmy do Tunezji, drugi raz chcieliśmy pojechać do Czarnogóry. Mamy tam przyjaciela, ale pierwszego dnia złamałem kręgosłup.
AP: Czy jesteś mile widziany w aktywnym sporcie?
LF: Tak, byłbym mile widziany, gdyby był czas. I tak będzie wolny czas, lepiej się położę. Starość jest wyczerpująca. Tak i trochę czasu. Oprócz koncertów odbywają się również nagrania płyt. W zeszłym roku nagraliśmy dwie płyty. Dużo jakoś.
AP: Piosenki z najnowsze albumyświetnie sprawdzi się jako ścieżka dźwiękowa do sztuki. Masz propozycje napisania muzyki do filmu lub sztuki?
LF: Nie było takich propozycji, które by się naprawdę czepiały. I niewiele wolności. Jest mi o wiele łatwiej, gdy po prostu biorą gotowy utwór i gdzieś go wstawiają. Kiedy konkretnie piszę, z jakiegoś powodu nie wchodzę w to, czego potrzebuję. Na przykład napisałem "Nie będzie zimy" dla jednej dziewczyny, a ona w końcu bała się wziąć piosenkę. Ale potem zabrzmiała w trzech innych filmach.
AP: Słyszałem to tylko w Boomer.
LF: Oprócz „Boomera” były inne filmy. Tak, ten album to generalnie cały film w rozproszeniu. Nie podoba mi się to, co dzieje się teraz w filmach. Ostatnio nie zrobiono nic niezwykłego. Ale jedyne, co mi się podoba, to film „Cztery”. Scenariusz Sorokina. Jego przez długi czas zostaliśmy zbanowani, dopóki nie otrzymał Grand Prix w Amsterdamie. Chociaż nadal jest zabroniony. Ten film jest jak nic innego. Teraz przynajmniej zaczęli strzelać lepiej, pięć lat temu kino było ogólnie okropne.
AP: A jak ci się podobają "Boomer" i "Brat"?
LF: Nie lubię. Byliśmy przyjaciółmi z Bałabanowem przez jakiś czas, powiedziałem mu to w jego oczach. W rzeczywistości ma dobry film choć nie skończone. I nawet w tej formie jest niesamowity. Zginęła tam aktorka. Wydał go niedokończony. Właściwie po obejrzeniu tego filmu spotkałem go. Ale „Bracie”… mimo wszystko Amerykanie strzelają lepiej. Podobał mi się Bodrov, spotkałem go na krótko przed śmiercią. On mnie zmusił silne wrażenie. Genialny aktor. No cóż, co do ruchu reżysera… nie rozumiem.
Lider grupy „Auktyon” Leonid Fiodorow powiedział"Rozprawiać" o „archaistach” Anri Volokhonsky i Alexei Khvostenko – postaciach, których prace zajmują ważne miejsce w jego życiu i muzyce.
- Miesiąc temu (19 marca) poeta, tłumacz Anri Volokhonsky, z którym masz przyjazne stosunki, ma 80 lat. W 2012 roku Anri Girshevich otrzymał nagrodę Andrei Bely Prize „za wybitny wkład w rozwój literatury rosyjskiej”. Jak poznałeś? Jaka jest Twoja wizja postaci Wołochońskiego w kontekście? Kultura narodowa?
„Myślę, że jest przynajmniej gigantem. Trudno mi powiedzieć dokładniej, bo jest moim przyjacielem, a ja przyjaźnię się z nim od dwudziestu lat, a może i dłużej. Khvost przedstawił nas (Alexey Khvostenko. - Y.V.) i nawet nie pamiętam, w którym roku, wydaje mi się, w 1990 czy 1991, za jego sugestią wpadliśmy do Henriego, potem często jeździliśmy do Niemiec, przyjechał do niego, mieszkał wtedy w Monachium, od tamtej pory jesteśmy przyjaciółmi. Widzisz, trudno mi mówić o jego miejscu w literaturze i kulturze. W ciągu tych dwudziestu lat zrobiliśmy z Volkovem to, co zrobiliśmy, mamy wiele pomysłów, a ja mam inne prace, które robię z Henri. Dla mnie jest nie tylko ważny, ale prawdopodobnie jedną z najważniejszych osób.
Leonid Fiodorow i Aleksiej Chwostenko. Zdjęcie: Konstantin Hoshan
- W 2012 r. Wydawnictwo „Nowy Przegląd Literacki” opublikował zbiór dzieł Wołochonskiego w trzech tomach, co ogólnie okazało się jakąś „wewnętrzną” sprawą - dla siebie, dla wąskiego kręgu specjalistów .
- Tak to jest. Z jednej strony Henri jest autorem hitu „Pod błękitnym niebem”, ale niewiele osób wie, że w rzeczywistości jest autorem tej piosenki. Między innymi on i Khvost stworzyli ważną warstwę kulturową, podczas gdy w naszym kraju wszyscy kochają takie, powiedzmy, konceptualne czy ideologiczne rzeczy, ale one absolutnie, jak mi się wydaje, okazały się oderwane. Może nie bez powodu odeszli: Tail był generalnie „człowiekiem świata” - do niczego nie należał, był całkowicie wolny, Henri odszedł bardziej wymownie, nie chciał tu mieszkać, nawet żyć, nie chciał żyć z tymi ludźmi i dlatego nie chciał istnieć ani w jednej, ani w drugiej ideologii. Wyjechali dawno temu i dlatego wydaje mi się, że Grebenshchikov jest jednym z niewielu, którzy ich znali, łącznie ze mną. Poznaliśmy ich pośrednio przez Seryozha Kuryokhin: powiedział mojemu przyjacielowi, a mój przyjaciel, kiedy pojechaliśmy do Francji, opowiedział mi o Khvost. Właściwie to imię nic mi nie mówiło, nie słyszałem ani nie czytałem, a tym bardziej. Teraz możemy już powiedzieć, że to klasyka – ta jedna, ta druga. Ale trudno mi ocenić, na ile mają one wpływ: nie zajmuję się literaturą. Może dla niektórych młodych, ale to pokolenie jest dalej, wiesz lepiej, w rzeczywistości.
- W wielotomowej antologii „Nad błękitną laguną”, opracowanej przez Konstantina Kuzminsky'ego i poświęconej nieoficjalnej literaturze Moskwy i Leningradu, Anri Volochonsky i Alexei Khvostenko są przedstawieni jako grupa „Archaistów”. Prawdopodobnie tradycje, które były z nimi związane - te różne średniowieczne, barokowe gatunki, są dla ciebie nie mniej ważne. Nie przez przypadek nowy album może mieć nieoczekiwane powiązania z tekstami Aleksieja Chwostenki w albumie „Romansy”, napisanym do dzieł tego samego Aleksandra Wwiedeńskiego?
– Trudno mi coś o tym powiedzieć – pewnie dlatego, że robią to ci sami ludzie. Jak, dlaczego współpracowaliśmy zarówno z Henrim, jak i Khvost - chociaż trudno to nazwać pracą? Szczerze mówiąc od tamtego czasu nie spotkałem ludzi tak wyluzowanych i wolnych - wolnych, w tym od wszelkiego rodzaju konwencji, ale jednocześnie - nieokiełznanych, to jest niesamowite. Znałem ludzi, którzy byli wolni od konwencji - jakaś punka, byli brutalni, twardzi, a Henri i Tail są bardzo mądrzy, wyedukowani ludzie I to nie jest edukacja szkolna. Volokhonsky jest ogólnie encyklopedystą, lubi studiować teksty, bardzo interesujące jest rozmawianie z nim o rzeczach związanych z absolutnie dowolnymi tekstami z dowolnej epoki. Ma bardzo trzeźwy, precyzyjny umysł, w niektórych przypadkach mówi intuicyjnie, ale jest wiele rzeczy, które konkretnie wie, ponieważ je studiował i studiuje. Jest racjonalny, niszczy mity, które mają ludzie. Jeden z odkrywczych momentów: Henri mówi, że Puszkin nie mógł napisać wiersza „Trzy dziewczyny pod oknem kręciły się późnym wieczorem”, ponieważ w rzeczywistości „pod oknem” nie można było kręcić: „przy oknie” ty może się kręcić, a Puszkin był bardzo dokładną osobą i nie pisałby w ten sposób. Z pewnością było to „gówno”, oczywiście, lub „rozmawiane”, więc Henri mówi, że takie głupie słowo „zakręcone” nie należy do Puszkina, ale oczywiście zostało poprawione. Jest wiele takich rzeczy, ciekawie jest analizować z nim takie miejsca i to nie tylko w tekstach rosyjskich.
- To było niesamowite, ich związek "A.H.V." jak się rozumieli.
– Zaskakujące, bo są też bardzo różne. Na początku zaprzyjaźniłem się z ogonem, byliśmy bardzo blisko, nie traktował mnie zbyt dobrze, a wydawał mi się takim pisarzem - potem to się zmieniło z biegiem lat. Są tak różne, nawet temperamentem. Na przykład Wołochonski jest bardzo prywatną osobą - bez wahania po prostu nigdy nie lubił być publicznie, podczas gdy nie odmawia wywiadów, może spokojnie rozmawiać na każdy temat. Chwostenko był, przeciwnie, publiczny. W dziedzinie wiedzy oczywiście przegrał z Wołochonskim, ale jednocześnie był kreatywny, taki pasjonat: wszystko było interesujące, bardzo kochał muzykę, w przeciwieństwie do Henri, który był spokojny o muzykę, Chvost był zainteresowany w kinie i znacznie więcej niż Henri, w większym stopniu – w literaturze. Volokhonsky uważa Khvosta za absolutnego geniusza i cieszę się, że Khvost był moim przyjacielem.
- Jeśli spojrzysz na swoją pracę, zwłaszcza na ten moment, wtedy ma się wrażenie, że bliżej ci do pracy z tekstami Wołochonskiego niż Chwostenki.
- Jestem po prostu ciekawa i im dalej, tym ciekawiej: jest tyle niezwykłych rzeczy. Na poziomie, na którym tłumaczy i pisze, nie sądzę, żeby ktokolwiek pracował. Teraz ukazała się księga tekstów liturgicznych - to dość mocny cios i był rezonans. Niektóre teksty zostały napisane dawno temu i są to dokładne tłumaczenia na rosyjski, mają szczególny dźwięk i za granicą, w Paryżu, moim zdaniem te tłumaczenia są już używane. Wydaje mi się, że Henri tłumaczy na przykład Kabałę z takim samym sukcesem. Zawsze traktuje ten lub inny dokument jako tekst, najważniejsze jest to, że wyświetla go w bardzo wysoki poziom, klasycznym przykładem jest Lady Dai.
Dla Henri każdy tekst jest ważny, każda bezwartościowość jest zawsze podnoszona do rangi bardzo ważnej i na tym polega niezwykłość. To ciekawe, bo od razu masz gigantyczny zasięg, który...
– Więcej niż mediator.
- Oczywiście. Nie, nie mamy w ogóle takich ludzi, pracujących w takim zakresie, czyli literackich. Wszyscy, no wiesz, ludzie sztuki, kochają siebie. Ale tutaj wcale tak nie jest, plus to, co robi Wołochonski, robi w oparciu o konkretną wiedzę, a nie w taki sposób, jak przyszło mi do głowy „tłumaczę psalmy”. Jego tłumaczenie Psalmów jest najdokładniejszym tłumaczeniem na rosyjski z hebrajskiego, nie zrewidowanym, jak czytałem. To, co bardzo mi się w nim podoba, to to, że zawsze ma autoironię, ale jednocześnie jest godność - to nie przeszkadza mu, jako osobie, w traktowaniu siebie z godnością. I to samo z resztą.
Poniżej znajduje się mój wywiad z muzykiem Leonidem Fiodorowem. Jest muzyczna, wysoce specjalistyczna i całkowicie poświęcona interesującej mnie kwestii: stosunku spontaniczności do sztuczności w procesie tworzenia muzyki. Innymi słowy, czy muzyka się rodzi, czy jest produkowana?
Pytanie nie jest bezczynne. 99% całej muzyki, którą słyszymy, jest produkowane. I w porządku przemysłowym. Muzyka to najcieńsza, przewiewna tkanina rzeczywistości społecznej, uformowana jak pierogi, pakowana, pakowana i sprzedawana w supermarketach w ten sam sposób. Nie jest źle. Po prostu jest.
To pytanie, w odpowiedzi, rodzi wiele innych. Na przykład, czy w ogóle trzeba tworzyć muzykę? Czy trzeba zajmować się projektowaniem utworu, jeśli jest to możliwe, że tak powiem, „samą piosenką”? Jako produkt spontanicznych intuicyjnych przeżyć autora. Czy piosenka wymaga aranżacji? Pozwólcie, że wyjaśnię kontekst. Kiedyś biegałem z tym pomysłem, cytuję siebie ze starego wywiadu z serwisu:
„... Idealna piosenka istnieje w najczystszej formie. Sama. Piosenka „płacz”, piosenka „modlitwa”, piosenka „śmiech”. Aby wydobyć ją w piosence, przekazać jej idealną treść, musisz najpierw nauczyć się ignorować jej formę. Nie ma znaczenia, jakie aranżacje będą w piosence. Nie ma znaczenia, jak to jest zrobione. Poza tym nie jest ważne, o czym śpiewać. Możesz śpiewać o wszystkim i grać jak chcesz, ale nie zdasz ani grama przydatna informacja. Większość piosenek jest zrobiona w ten sposób, ciągle słyszymy je wokół nas, że nic w nich nie ma, w ogóle nie istnieją. Być może coś tam było, gdy autor zobaczył piosenkę, ale w dalszym procesie komponowania (składania słów, układania itp.) autor ją zabił. Nie trzeba „komponować”, trzeba się wyciągać. Są tam od dawna. Dlatego najważniejsze nie jest pytanie „jak”, ale pytanie „dlaczego”? Dlaczego to robisz? Dlaczego śpiewasz piosenki? Jeśli sam jesteś w stanie odpowiedzieć na to pytanie, wszystko jest w porządku ... ”.
Teraz mam nieco inne zdanie na ten temat, jeśli kogoś to interesuje, to mogę zamieścić później. Ale tu nie chodzi o mnie, chodzi o Leonida Fiodorowa.
Od dawna wiadomo, że charakter utworu jest sam w sobie cenny i nie wymaga aranżacji. Leonid Fiodorow jest wspaniałym melodyjnym z jego unikalnym psychogennym przekazem. Idea „śmierci komponowania”, do której w końcu doszedł, wydaje mi się absolutnie naturalna dla jego twórczości.
„Koniec ery kompozytorów” – koncepcja kompozytora Martynova. Pod wieloma względami przecina się z pojęciem „śmierć autora” w nowoczesna filozofia. Ogólne warunki- epoka zwycięskiego postmodernizmu, w której wszyscy mamy tu zaszczyt. W poststrukturalizmie, jak wiadomo, cały świat, cały wszechświat jest tekstem. W koncepcji Martynova-Fedorova takim tekstem jest muzyka. Ale są różnice między tymi dwoma postawami, co więcej, natury ontologicznej. W rozmowie z Fiodorowem nie zagłębiałem się w ten temat. Zależało mi na tym, żeby go najpierw poznać. pryncypialne stanowisko. Sprawił, że było to przekonujące.
Ten fragment wywiadu został przeprowadzony przed koncertem Fiodorowa w klubie Podzemka w Rostowie, tydzień temu. W lutowym numerze magazynu „Kto jest szefem” ukaże się pełnometrażowy wywiad z innymi tematami niezwiązanymi z tym tematem.
„TWORZENIE MUZYKI ZABIJA MUZYKĘ”.
Tretyakov: - Pewnego dnia masz nowy album „Beauty”. Skąd wzięła się ta nazwa?
Fedorov: - Nagraliśmy ten album z Vladimirem Volkovem. To jakby ostatnia część naszej trylogii „Thayal” i „Bezonders”. Dlaczego piękno? No pewnie dlatego, że muzyka jest piękna.
T: - I w pewien sposób zasadniczo różni się od poprzednie prace? Od tych samych „Bezonders” do wierszy Vvedensky'ego?
F: - W ogóle nie ma w tym poezji (uśmiecha się).
T: - Absolutnie?
F: Tak (uśmiecha się). Są teksty. Napisali je Andrey Smurov z Amsterdamu i Artur Molev z Petersburga. Autorzy piosenki „Bin Laden”. Ale to nie jest poezja, to jest „antypoezja”. Musisz słuchać. Trudno mi od razu powiedzieć, co jest tam fundamentalnie nowe. Z każdą płytą staram się robić coś nowego. Sampli jest niewiele, więcej muzyki na żywo. To nie jest możliwe do wykonania na żywo. Przynajmniej dla mnie samego. Więc nadal nie wyobrażamy sobie, jak to wszystko będzie wyglądało na żywo.
T: - Po śmierci Ogona jakoś zrezygnowałeś z udziału w nim dziedzictwo twórcze? Wiem, że był zaplanowany hołd dla jego piosenek, czy weźmiesz w nim udział?
F: Nie wiem. Chcę zrobić album oparty nie na jego piosenkach, które wszyscy znają, ale na jego późniejszych wierszach, absolutnie cudowny. Ogon ma książkę „Verpa”. Mam pomysł na zrobienie albumu na podstawie tej książki. Chcę, żeby okazało się zupełnie inaczej, nie dla nikogo podobny ogon. Myślę, że z czasem zrealizujemy ten pomysł.
T: - Dużo mówi się o albumie nagranym w Ameryce. Z udziałem Marca Ribota, Johna Medeskiego z MEDESKI, MARTIN & WOOD, trębacza Franka Londona z The Klezmatics, saksofonisty Neda Rothenberga. To są wszyscy najważniejsi muzycy świata ostatnie lata dziesięć.
F: W porządku. Album został nagrany w Nowym Jorku. Mamy szczęście, że grają z nami tak wspaniali muzycy.
T: - Czy muzyka jest całkowicie improwizowana, czy piosenki są napisane wcześniej?
F: - Piosenki zostały wymyślone wcześniej, niektóre z nich były nawet grane wcześniej na koncertach. Ale całość została napisana spontanicznie, od razu.
T: - Czy Marc Ribot nie bawił się kluczami do mieszkania, jak na płytach Toma Waitsa?.
F: - Nie wiem (uśmiecha się). Grałem na gitarze i śpiewałem, a Ribot, nawiasem mówiąc, również grał na gitarze. Album jest obecnie w fazie miksowania. Jak się to wszystko nazywa, jeszcze nie wiem. Jest pomysł, aby wszystkich tych muzyków zaprosić do wspólnego grania na prezentacji w Rosji. Aby ludzie byli szczęśliwi.
T: – Leonidzie, wiele osób, które znają twoją pracę tylko z grupy Auktyon, jest zakłopotanych – dlaczego twoja muza tak bardzo się zmieniła. Kiedy to się stało i co spowodowało?
F: - Mogę tak powiedzieć, staram się teraz wymyślać jak najmniej. Te rzeczy zdarzają się same. Albo się zdarzają, albo nie. W pewnym momencie, podczas nagrywania albumu „Bird”, zdałem sobie sprawę, że nie zadowala mnie już jakaś dana, pewność w muzyce. Nie podobają mi się szczegóły. Najbardziej cieszą mnie takie „pozornie przypadkowe” rzeczy, w cudzysłowie, bo tak naprawdę nie ma nic losowego.
T: O tym chciałem z tobą porozmawiać.
F: Oto umowa. Przez te wszystkie lata miałem własny interes - chciałem, aby moja muzyka podobała się przede wszystkim mnie. I uczenie się od własne doświadczenie Doszedłem do wniosku, że im mniej myślę o tym, jaka powinna być moja muzyka, tym ciekawsza będzie dla mnie. Teraz próbuję wymyślić triki, które dałyby jak najwięcej swobody ludziom, którzy ze mną grają. Aby moja muzyka mogła mnie zaskoczyć i zachwycić. Dlatego z jednej strony moje rzeczy stają się coraz bardziej prymitywne, a z drugiej poszerzają się możliwości muzyki.
T: Czy piosenki stają się bardziej otwarte na interpretację?
F: Tak, dokładnie. Ich forma staje się całkowicie otwarta. Symfoniczny, czyli kameralny – to nie ma znaczenia. Muzyka moim zdaniem początkowo jako idea nie powinna nieść w sobie nic zbędnego, jest spontaniczna. Dopiero później w procesie tworzenia muzyki zaczynasz coś wymyślać, wprowadzasz. I okazuje się, że jest fałszywy. Wyrażony pomysł jest kłamstwem. Kiedy zaczynasz tworzyć muzykę, zaczyna tracić swoje pierwotne magiczne właściwości. Staje się fałszywy.
T: - Po pierwsze, czy zaczyna cię osobiście oszukiwać?
F: Tak. Chodzę do tego od dłuższego czasu. Przez długi czas nie mogłem tego wszystkiego sformułować dla siebie. Wcześniej nie mogłem zrozumieć dlaczego? Dlaczego na przykład nie podoba mi się moja piosenka? Pracujemy nad piosenką tak długo i nie podoba mi się to. Ale właśnie w trakcie tworzenia piosenki straciliśmy jej pierwotne właściwości. Straciłem najważniejszą rzecz - oryginalny argument piosenki. Dlatego pojęcie aranżacji jest dla mnie zagubione już od dziesięciu lat. Nie robię już aranżacji, nie lubię ich. Ponadto uważam, że układy są szkodliwe. Są szkodliwe dla muzyki. Tworzenie muzyki zabija muzykę.
T: - Ale to właśnie w procesie takiej produkcji muzyki leży działalność kompozytora?
F: - Chociaż kocham i szanuję wielu genialnych kompozytorów Spośród tych, którzy byli i tych, którzy mogą się jeszcze urodzić i żyć, uważam, że komponowanie nie jest już ścieżką. Są na przykład Bach, Beethoven i są Pigmeje. Obaj piszą muzykę. Tylko klasycy piszą po swojemu, Pigmeje ocierają się o siebie nawzajem i muzyka też wychodzi. W rzeczywistości muzyka klasyków i pigmejów jest absolutnie porównywalna. W tym przypadku ginie całe znaczenie komponowania. Po co? Nie wierzę już w komponowanie.
T: – To właśnie Martynow nazwał „koniec ery kompozytorów”.
F: - A właściwie powiedział dokładnie. Dlatego Martynov i ja pracujemy teraz razem.
T: - Moim zdaniem taka interpretacja muzyki jest bardzo charakterystyczna dla filozofii Wschodu, z jej czysto kontemplacyjnym, intuicyjnym podejściem do twórczości.
F: Nie wiem. Wschód ma swoją własną drogę, my myślę, że mamy swoją własną drogę.
T: - Tyle, że dużo mówią na te tematy, a John Cage łączył wszystkie takie interpretacje. Myślę, że Martynov powinien kochać swoją muzykę.
F: - Nie wiem, Martynov kocha muzykę barokową. Wołkow też. Nie chodzi o to, kto co kocha. Każdy może to osiągnąć, jeśli jest taka potrzeba. Muzyka jest jedną z niewielu sztuk, które odzwierciedlają otaczającą rzeczywistość. Jaka jest rzeczywistość tego, co dzieje się wokół - taka jest muzyka. Mówię tu tylko o odpowiedniej muzyce. Bach, Beethoven to odpowiedni kompozytorzy. Jest nieodpowiednia muzyka, która niczego nie odzwierciedla.
T: Podaj przykład.
F: - Jakakolwiek muzyka, która teraz rozchodzi się zewsząd. Wszystkie te „tatuaże” i „nana” nie są odpowiednią muzyką. Muzyka, która atakuje nas zewsząd nie jest odpowiednia.
T: - A na przykład japoński „szum”? Czy jest odpowiedni? Ruiny, czy to Otomo Yoshihido?
F: - Jest odpowiednia muzyka, nie jest odpowiednia, ale wciąż jest muzyka przyszłości. Otomo Yoshihido jest teraz moim ulubionym muzykiem. Japończycy bardziej niż ktokolwiek inny na świecie skupiają się na przyszłości. Pamiętam, jak poszedłem na jego koncert. Przyjechał do Moskwy, do klubu Dom. Moja żona i ja przyszliśmy na jego koncert i po prostu położyliśmy się na podłodze. Leżeliśmy na podłodze, bo nigdy wcześniej czegoś takiego nie słyszałem. I dźwięk! Gdziekolwiek jesteś na korytarzu, jego muzyka jest taka, że kiedy ją słyszysz, to tak, jakbyś siedział w słuchawkach. Absolutnie fizyczne uczucie, że nie słuchasz muzyki uszami, ale to jest w twojej głowie. Nigdy wcześniej tego nie doświadczyłem ani później. Nigdy. Co więcej, jest tak potężny, że w porównaniu z Yoshihido, cała muzyka na świecie tylko piszczy.
G: - Mam wrażenie, że jego muzyka w ogóle się nie rusza. Wydaje się, że jest skoncentrowany w jednym punkcie. Jak drzewo, po prostu rośnie z jednego miejsca i to wszystko. Muzyka absolutnego spokoju.
F: - A muzyka powinna być w spoczynku. Nie chodzi nawet o to. Japończycy to naród skoncentrowany na przyszłości, aw muzyce znów wyprzedzają wszystkich, ponieważ ich muzyka absolutnie adekwatnie odzwierciedla współczesną rzeczywistość. Ale muzyka Yoshihido już tam jest, w przyszłości. W ogóle nie mogę jej dosięgnąć.
T: - Czy spotkałeś się kiedyś z estetycznym freebie w takim podejściu?
F: - Tacy muzycy nie mogą mieć żadnych gratisów. To zależy od poziomu muzyka. Mogę opowiedzieć taką historię, Vladimir Volkov był kiedyś na koncercie Serge'a Ginzburga. Jak się później okazało, był na jednym ze swoich ostatnie koncerty. Cóż, chanson to tawerna i tawerna, pomyślał Wołodia. W tym czasie wciąż słabo znał angielski, a Ginzburg prowadził koncert po angielsku. Ginzburg nic nie śpiewał, niczego nie grał. Po prostu mówił i to wszystko. Nic nie rozumiałem - mówi Wołodia - ale przez dwie godziny nie mogłem oderwać wzroku od sceny. Wydawało mi się, że ten człowiek śpiewa mi przez dwie godziny piękny blues.
Teraz to magia! Jeśli to jest mistrz, to nie ma znaczenia, co zrobi. Jeśli mistrz jest włączony, nie może grać źle. Freebie może się zdarzyć tylko wtedy, gdy jesteś wyłączony. I jest naprawdę wielcy mistrzowie, w ogóle nie zezwalają na gratisy. Nie stać ich na to. Sam Wołkow jest taki sam. Kiedy pisaliśmy z nim po raz pierwszy. Pisaliśmy, pisaliśmy. Wygląda na to, że nagrali wszystkie piosenki. A potem zaczęli je spisywać. A Wołkow za każdym razem grał w nowy sposób, w każdym deblu nie tylko grał dobrze, ale całkowicie wszystko przemyślał. I byłem po prostu oszołomiony tym podejściem. Na przykład słucham wszystkich jego ośmiu opcji ścieżek. I rozumiem, że nie mogę wybrać tego, którego potrzebuję do nagrywania. Wszyscy są tacy dobrzy. Nie ma w nich ani jednej dodatkowej nuty! I na początku po prostu zwariowałem. Nie mogłem wymyślić, co z tym wszystkim zrobić? Jak być? Tacy ludzie po prostu nie mogą sobie pozwolić na gratisy. Albo grają, albo nie. Ale bez względu na to, w co grają, włączają się i to wszystko.
T: - Ale są nieudane koncerty?
F: - Każdy je ma, jeśli osoba z jakiegoś powodu się nie włączyła.
T: - A gdzie się włącza muzyk? W noosferze Wernadskiego? W jakiejś przestrzeni informacyjnej?
F: Do muzyki.
T: Co masz na myśli mówiąc "do muzyki"? Czy muzyka istnieje sama z siebie, czy autor zawiera w sobie siebie?
F: Nie, nic takiego. Nie samo w sobie, ale w specyficzna muzyka. Nie chodzi o wymianę energii, ludzie lubią o tym często rozmawiać, nic takiego. Wszystko można sprowadzić do wymiany energii. Muzyka dzieje się w pewnym momencie. Jeśli dopasujesz to, w rzeczywistości, jeśli jesteś muzykiem, włączasz się. Artysta może czegoś nie zrozumieć, wtedy po prostu się nie włączy, nie weźmie udziału i tyle. Muzyka i muzycy mogą nie pasować do siebie. Wszystko się dzieje.
T: - Życzę ci dzisiaj normalnego połączenia.
F: Tobie też dziękuję.
