Rynek fonograficzny przeszedł długą drogę od sprzedaży płyt gramofonowych z nagranymi na nich kompozycjami po sprzedaż albumów artystów w sklepach internetowych i serwisach muzycznych.
Przeglądarka serwisu zorientowała się w głównych trendach i poznała pracę firm fonograficznych w świecie rozwijających się technologii.
Narodziny rynku nagrań
Koniec XIX i początek XX wieku na zawsze zmienił sposób, w jaki słuchamy muzyki. Jeśli wcześniejszych wykonawców można było usłyszeć w salach koncertowych, klubach i filharmoniach, to na początku XX wieku rozpowszechniła się radiofonia.
Potem następuje kolejna rewolucja na rynku fonograficznym – pojawienie się i masowa dostępność gramofonów. Płyty gramofonowe pozwalają każdemu, kto chce usłyszeć tę lub inną kompozycję, nieograniczoną liczbę razy w dowolnym dogodnym dla niego czasie. Okres ten jest początkiem historii wytwórni płytowych: Columbia Records, Decca Records, Edison Bell, The Gramophone Company, Invicta, Kalliope i wielu innych.
W miarę upływu czasu niektóre etykiety łączą się duże firmy podczas gdy inni pozostają niezależni, polegając na niewielkiej grupie oddanych słuchaczy.
Artyści odnoszący największe sukcesy tworzą własne wytwórnie. Gwiazdy takie jak The Beach Boys otworzyły własne wytwórnie płytowe, Beatlesi Rolling Stonesów Led Zeppelin, Eminema i wielu innych.
Kliknij, aby powiększyć
Pod koniec lat 80. tak zwana „wielka szóstka wytwórni płytowych” - EMI, CBS, BMG, PolyGram, WEA i MCA - zaczęła przewodzić branży. Pod koniec XX wieku PolyGram i Universal Music Group połączyły się, podobnie jak Sony Music i BMG. Wielka szóstka staje się Wielką Czwórką:
- Uniwersalna Grupa Muzyczna;
- Rozrywka muzyczna Sony;
- Warner Music Group.
Do 2012 roku ta grupa firm, według różnych szacunków, kontrolowała od 70% do 88% światowego rynku fonograficznego.
Firmy fonograficzne w dobie Internetu
W początkach istnienia rynku fonograficznego kontrakt z wytwórnią płytową był warunkiem koniecznym sukcesu artysty, ponieważ nawet najbardziej utalentowani artyści nie mieli szans na poznanie szerokiej publiczności. Podpisanie kontraktu, oprócz wysokiej jakości nagrań w studiu, zapewniło artystce imponującą kampanię reklamową i dostęp do sklepów detalicznych, a samo studio – prawa autorskie do nagrania.
Jednak wraz z pojawieniem się Internetu, rozwojem sieci peer-to-peer i wolnością informacji, netlabels (wytwórnie internetowe) i wytwórnie płytowe stały się coraz bardziej popularne.
Netlabels ewoluowały wraz z nadejściem formaty cyfrowe(MP3, WAV, FLAC i inne). Korzystanie z tych formatów oznacza tworzenie nagrań muzycznych o akceptowalnej jakości i niewielkich rozmiarach. Netlabels rzadko promują grupę, organizują koncerty i bronią praw. Właściciele tych firm koncentrują się na dystrybucji produktów przez Internet i odrzuceniu produkcji na nośnikach fizycznych.
Wytwórnie typu open source wydają muzykę na licencji copyleft, która w przeciwieństwie do praw autorskich pozwala na swobodną dystrybucję i modyfikację utworów.
Najbardziej znaną usługą udostępniania plików końca XX i początku XXI wieku był Napster. Założona w 1999 roku sieć wymiany plików na zawsze zmieniła branżę muzyczną i zakończyła swoje istnienie dwa lata po jej utworzeniu.
W przeciwieństwie do innych podobnych sieci peer-to-peer, Napster miał centralny serwer i był łatwy w użyciu. Serwer zawierał jedynie informacje o plikach, a same pliki pobierane były bezpośrednio z komputerów użytkowników.
Te atuty szybko przyniosły mu popularność iw lutym 2001 roku liczba unikalnych użytkowników sięgnęła 26,4 mln. Jednak taki sukces nie stał się powodem do radości twórców serwisu.
Napster został po raz pierwszy oskarżony o naruszenie praw autorskich przez Recording Industry Association of America (RIAA) w grudniu 1999 roku. Fatalny dla Napstera był proces Wielkiej Czwórki, znany jako sprawa A&M Records przeciwko Napsterowi. Pomimo nazwy wszyscy powodowie są członkami RIAA. Sprawa ta była pierwszym poważnym przypadku stosowania przepisów dotyczących Prawo autorskie w odniesieniu do sieci wymiany plików peer-to-peer.
Sąd orzekł, że Napster powinien zostać pociągnięty do odpowiedzialności za naruszenie praw autorskich. Aby zastosować się do zakazu, Napster zamknął usługę 1 lipca 2001 r. W trakcie postępowania upadłościowego firma przechodziła z rąk do rąk i dziś stała się jej częścią serwis muzyczny Rapsodia.
Pomimo wszystkich możliwości, jakie nowe technologie dały wykonawcom, równowaga sił na światowym rynku nagrań pozostała taka sama. Ale duże wytwórnie nie mogły uniknąć strat z powodu piractwa i rozwoju formatów cyfrowych. I tak w 2007 roku sprzedaż nośników fizycznych spadła o 17%, a przychody Universal Music i Sony Music odpowiednio o 11,7% i 27,7%.
Rozwój Internetu zrewolucjonizował sposób dystrybucji muzyki. Przychody z muzyki cyfrowej wyniosły 400 milionów dolarów w 2004 roku i 5,3 miliarda dolarów w 2011 roku. Nie oznacza to jednak, że stare formaty wkrótce przestaną istnieć.
Doskonałym przykładem jest sprzedaż płyt winylowych. W 1997 roku wynosiły 144 miliony dolarów, w 2006 osiągnęły najniższy poziom 34 milionów dolarów, aw 2013 roku osiągnęły nieoczekiwany wzrost i osiągnęły 218 milionów dolarów.
niezależne wytwórnie
Do dziś wytwórnie i artyści tworzą specjalne wydawnictwa, które można kupić m.in sklepy detaliczne. Święto to obchodzone jest na wszystkich kontynentach z wyjątkiem Antarktydy. Jeśli znajdziesz na liście sklep obsługujący święto i tam się udasz, możesz dostać się na występy wykonawców, a także na ich spotkania z fanami, sety DJ-skie, bitwy, festiwale sztuki ciała i kuchnie plenerowe.
Dave Grohl (były perkusista Nirvany i gitarzysta-wokalista Foo Fighters) solo na perkusji podczas Record Store Day
Święto pojawiło się w 2007 roku na spotkaniu właścicieli i pracowników niezależnych sklepów płytowych. 19 kwietnia następnego roku Metallica otworzyła uroczystość w Rasputin Music w San Francisco.
W 2008 roku w święcie wzięły udział Stany Zjednoczone i Wielka Brytania, ale w następnym roku święto stało się już prawdziwie międzynarodowe. Wspierały go sklepy w Irlandii, Japonii, Kanadzie, Włoszech, Szwecji, Norwegii, Niemczech i innych krajach, w tym w USA i Wielkiej Brytanii. Kierownik sprzedaży Universal Music, Mark Fayderbe, nazwał Record Store Day „najlepszą rzeczą, jaka kiedykolwiek przydarzyła się niezależnym sklepom płytowym”.
Jest jednak druga strona medalu. Niektórzy wykonawcy i osoby publiczneświęto było krytykowane za początkowo zwracanie uwagi na niezależne wytwórnie, obecnie przejmowane przez duże wytwórnie płytowe.
Howling Owl i Sonic Cathedral – niezależne brytyjskie wytwórnie – połączyły siły, by przeciwstawić się Record Store Day. W artykule zatytułowanym „Why Record Store Day is Dying” na stronie internetowej Sonic Cathedral firmy wyjaśniają swoje stanowisko: „Nie możemy konkurować, więc nie będziemy konkurować. Święto zamieniło się w cyrk, a my będziemy tam klaunami.
Entertainment Retailers Association, firma stojąca za Record Store Day w Wielkiej Brytanii, odpowiedziała na krytykę, mówiąc: „Record Store Day zawsze główny cel wsparcie dla niezależnych sklepów płytowych, ale nie dla niezależnych wytwórni. Ponadto trzy z czterech płyt sprzedawanych podczas Record Store Day pochodzą od niezależnych firm. Trudno to nazwać zdradą wytwórni indie. Wiemy, że nie jesteśmy idealni, ale do cholery, nawet to, co się dzieje ten moment, znacznie lepszy niż świat bez Dnia Sklepu Płytowego”.
Święto obchodzone jest corocznie w trzecią sobotę każdego kwietnia, aw 2016 roku przypada na 16 kwietnia.
Wielkie trzy wytwórnie płytowe
Rok 2012 został zapamiętany przez światowy rynek fonograficzny jako bankructwo EMI. EMI Group została sprzedana Universal Music Group, a EMI Music Publishing zostało przejęte przez Sony Music Entertainment. Wielka Czwórka stała się Wielką Trójką.
Uniwersalna Grupa Muzyczna
Biuro Universal Music Finlandia
Universal Music Group to amerykańsko-francuska korporacja medialna należąca do francuskiego konglomeratu medialnego Vivendi SA. Jest liderem wśród wytwórni Wielkiej Trójki.
Historia Universal Music Group rozpoczyna się wraz z założeniem MCA (Music Corporation of America) w 1924 roku. Zaledwie pięć lat po powstaniu ISA staje się największą agencją na świecie z ponad 700 klientami: aktorami filmowymi, performerami, gwiazdami radia, producentami i reżyserami.
Dziesięć lat później kolejny przyszły „matka” Universal Music Group, Decca, otwiera swój oddział w Ameryce. Firma szybko zyskała popularność nawet w okresie Wielkiego Kryzysu dzięki liście podpisanych artystów i cenie 35 centów za nagranie muzyczne.
W 1962 roku MCA połączyło się z firmą Decca, która posiadała pakiet kontrolny w Universal Pictures. Na czele firm stoi Lev Wasserman, który zasłynął kontraktami z takimi gwiazdami jak Lana Turner, Keri Grant czy Alfred Hitchcock.
Ten rok dla Decca, oprócz udanej fuzji z ISA, zapamiętany został również ze słuchania The Beatles, który później został nazwany jednym z najbardziej duże błędy w historii muzyka popularna. Przesłuchanie zaplanowano na 1 stycznia, jednak ze względu na obfite opady śniegu droga okazała się bardzo długa. Ponadto, po przybyciu grupy, przedstawiciel działu odpowiedzialnego za wykonawców i repertuar, Mike Smith, nalegał na użycie sprzętu firmy Decca, oceniając sprzęt The Beatles jako kiepskiej jakości.
W ciągu godziny zespół zagrał 15 utworów. Nieważne co, członkowie The Beatles i ich menadżer byli przekonani, że kontrakt zostanie podpisany, ale odmówiono im. Oficjalnym powodem odrzucenia było to, że „zespoły gitarowe wychodzą z mody”. Te słowa stały się głośne dla Decca, a sam Dick Rowe (szef działu odpowiedzialnego za wykonawców i repertuar) został zapamiętany jako „człowiek, który odrzucił The Beatles”.
W 1995 roku Seagram przejął MCA, aw 1996 zmienił nazwę MCA na Universal Studios, a jej dział muzyczny, MCA Music Entertainment Group, stał się Universal Music Group. W 2012 roku, po uzyskaniu zgody Komisji Europejskiej i Federalnej Komisji Handlu, UMG przejęło EMI. Warner Music, kolejna wytwórnia z Wielkiej Trójki, walczyła o zakup EMI, ale do długo oczekiwanej fuzji nie doszło ani w 2006, ani w 2009 roku.
Przychody Universal Music Group w latach 2004-2014 w miliardach euro
Universal Music wzięło udział w UNICEF Imagine Project w 2014 roku
Głośne kontrowersje i krytyka
Łapówki w radiu (2006). UMG zostało oskarżone o przekupienie stacji radiowej za odtwarzanie piosenek Nicka Lacheya, Ashlee Simpsona, Briana McKnighta, Big Tymersa i Lindsay Lohan. Firma wypłaciła 12 milionów dolarów odszkodowania
Nadużycie praw autorskich cyfrowych (2007). UMG został oskarżony o nadużycie prawa autorskiego w celu usunięcia wideo Michelle Malkin. W tym filmie Malkin skrytykował Akona, nazywając go mizoginem. Ostatecznie UMG wycofało się z roszczeń, jednak wideo było niedostępne przez 10 dni.
W tym samym roku firma UMG została pozwana za masowe usunięcie 29-sekundowego domowego wideo dziecka tańczącego do Prince'a. Sąd orzekł, że wideo nie narusza praw autorskich Universalu.
Nadużycie praw autorskich cyfrowych (2011). W grudniu Megaupload opublikował film, w którym Kanye West, Snoop Dogg, Alicia Keys i Will.i.am chwalą zasób. UMG zablokowało wideo na YouTube, powołując się na cyfrowe prawa autorskie. Przedstawiciel Megaupload stwierdził, że wszystkie niezbędne umowy filmowe z każdym wykonawcą zostały podpisane. Decyzją sądu film został zwrócony do zasobu z powodu braku powodów do usunięcia.
Niskie opłaty dla wykonawców (2015). UMG zostało pozwane przez 7500 artystów, w tym Chuck D, Whitesnake z Public Enemy, Andres Titus z Black Sheep, Ron Tyson z The Temptations i Martha Davis z Motels, za niesprawiedliwie niskie tantiemy od początku sprzedaży cyfrowej. Firma zapłaciła 11,5 miliona dolarów za rozstrzygnięcie sporu.
Artyści, którzy współpracowali z wytwórnią
- Akon;
- Amy Winehouse;
- Duran Duran;
- Pistolety i Róże;
- Jamesa Blunta;
- Johnny'ego Casha;
- Kanye West;
- Bordowy 5
- Rihanny;
Rozrywka muzyczna Sony
Siedziba Sony Music Entertainment w Los Angeles
Sony Music Entertainment to amerykańska wytwórnia płytowa i druga najbardziej wpływowa z Wielkiej Trójki.
Historia Sony Music Entertainment rozpoczyna się w 1929 roku wraz z założeniem American Record Corporation (ARC). Podczas Wielkiego Kryzysu ARC kupowało małe firmy po okazyjnych cenach, aby uzyskać dostęp do ich katalogów muzycznych. Ta strategia, plus sprzedaż trzech płyt za 1 dolara, zaowocowała sprzedażą 6 milionów utworów muzycznych rocznie.
W ciągu ostatnich kilku lat status trendsetterów w muzyce zdobyli sypialniani producenci, czyli muzycy nagrywający wydawnictwa we własnej sypialni. Dotyczy to zarówno muzyki tanecznej, jak i eksperymentalnych gatunków mrocznych czy hip-hopu. Wytwórnie muzyczne w w pewnym sensie utraciły swój monopol, stając w obliczu pojawienia się nowego oprogramowanie oraz bezpłatne usługi dystrybucji muzyki, takie jak SoundCloud. Wioska przemówiła do tych, którzy się pojawili ostatnie lata Moskiewskie etykiety i ich mieszkańcy, aby zrozumieć, dlaczego etykiety są potrzebne w 2016 roku, kto kupuje płyty winylowe oraz jak połączyć import zagranicznych artystów z promocją własnych rezydentów.
*Załóż słuchawki, film będzie odtwarzany z dźwiękiem.
Ildar Zainetdinov, twórca GOST Sound:
Jakieś siedem lat temu wraz z przyjaciółmi założyliśmy stowarzyszenie „Rad”, skupiające się na hip-hopie, bitach i lokalnej scenie, i to z tej historii wyrósł GOST Zvuk. Wiele rosyjscy muzycy w ostatnie czasy priorytety się zmieniły i teraz często bardziej interesujące staje się produkowanie w Rosji niż uczestnictwo w zachodnich projektach. Ale cel był i pozostaje ten sam - promować to, co jest w pobliżu, i pięknie to opakować, aby rozwinąć rosyjską scenę elektroniczną.
Jestem pewien, że w pewnym sensie wyznaczyliśmy trend popularności rodzimej muzyki. Doskonale pamiętam jej stan sprzed pięciu i trzech lat. Kiedy podzieliłem się z innymi pomysłami, że chcę stworzyć wytwórnię, w której tak zwana rosyjskość, zarówno pod względem tekstu, jak i muzyki, stanie się kluczowym wektorem, w odpowiedzi kręcili mi palcem w skroni. Wszak wszystko to było przed falą pseudopatriotyzmu na szczeblu państwowym i triumfem Goszy Rubczyńskiego. Cyrylica dopiero zaczynała wchodzić w modę, a Rubchinsky ledwie majaczył na horyzoncie - poza tym panował zupełny spokój.
Jestem absolutnie pewien, że praca wykonywana przez GOST ma ogromny wpływ na kulturowy wizerunek Rosji jako całości. Światowi ludzie z branży muzycznej bacznie obserwują to, co się u nas dzieje. Nieustannie zapraszamy do NII gości zagranicznych, którzy dzielą się swoimi doświadczeniami, a po powrocie do domu opowiadają, jak tu jest wspaniale i fajnie i że mimo trudności politycznych i ekonomicznych jest miejsce na życie kulturalne i nowy twórcze wyrażenia. To bardzo ważna dynamika, którą władze powinny wspierać w każdy możliwy sposób. Ale jak dotąd jest tylko antyprzykład - odwołanie festiwalu Outline, co bardzo mocno uderzyło w rosyjską reputację kulturalną. Choć nie ośmielam się twierdzić, że jest to wyłącznie błąd władz, to jednak w ich interesie było zrobienie wszystkiego, co możliwe, aby festiwal się odbył.
Nasze czasy to era producentów sypialni, którzy od początku do końca tworzą własną muzykę. Zapotrzebowanie na niesamowite studia zniknęło, a muzycy zyskali więcej swobody.
Wszystkie winyle drukujemy w największej holenderskiej fabryce, w której znajduje się nasz dystrybutor. Naszym zadaniem jako producentów jest znalezienie odpowiedniego muzyka, który będzie odpowiadał duchowi wytwórni, a następnie sformułowanie z nim kluczowej idei kreatywności i wybranie najlepsza praca. Patrzę na muzyka z zewnątrz i staram się odsłonić go jak najwięcej. Po uformowaniu koncepcji muzycznej omawiamy cechy wizualne i wizerunkowe artysty, myślimy o promocji w mediach. Później już trwa druk i mastering, czyli studyjna finalizacja materiału. GOST ma wyłączną umowę w tej sprawie z mistrzami, którzy mają ogromne doświadczenie i pracują, na przykład z legendarnym Affex Twinem, Omarem Esem i Theo Parrishem. Uważnie monitorujemy również dystrybucję winyli i dbamy o to, aby cena na rynku wtórnym nie rosła. Dla mnie to fundamentalne pytanie. Nie gonię za naszymi rekordami szalone pieniądze na Discogs, choć aby tak się stało, wystarczy ograniczyć obieg. Ale jestem przeciwny discogs-hucksterom i uważam, że to wytwórnia i jej muzycy powinni zarabiać pieniądze, a nie ten, kto pierwszy kupuje płyty i trzyma je w domu w oczekiwaniu na skok cenowy.
Zadaniem muzyka jest tworzenie muzyki, a naszym zadaniem jest zrobienie z niej pięknego produktu. Powoli zbliżamy się do pomysłu stworzenia własnej agencji bookingowej i organizacji wycieczek dla muzyków. A jednym z moich globalnych celów jest eksport muzyków za granicę. Chcę, aby nasi chłopcy częściej występowali w Europie, USA i Azji.
Teraz w GOST przygotowywanych jest kilka wydań, w tym faceci, którzy właśnie wysłali demo pocztą. Bardzo w tym pomogła seria audycji na Megapolis.fm, które poświęciłem wyłącznie lokalnej scenie. W ciągu roku wyszedł cykl 12 programów, w których wystawiałem wyłącznie muzykę rodzimą.
Mamy muzyków, którzy są jakby gościnni: LAPTI, OL, Noców. Z Pasha Buttechno mamy na ogół do czynienia z klubem NII, a cała reszta to nasi utalentowani przyjaciele i znajomi. Główne prezentacje wytwórni odbywają się w tym samym „NII”, ale istnieje również format prezentacji (festiwale z udziałem kilku młodych muzyków jednocześnie, którzy grają krótkie sety. - ok. red.). Takie wydarzenia mogą odbywać się zarówno w ciekawych miejscach w Moskwie – na przykład w Muzeum Politechnicznym, jak i poza stolicą – w szczególności w petersburskiej Mozaice czy w przestrzeni XOXO w Krasnodarze.
Buttechno
Być może główny muzyk nowej fali elektronicznej i znak rozpoznawczy klubu „NII”
Nie wiem, jak mówić o mojej muzyce. Nawet krytycy nie potrafią jej właściwie opisać. Zawsze łatwiej jest zamieścić linki niż opisać słowami. Muzyką zajmuję się od dawna - najpierw na gitarze, potem przeszedłem na elektronikę. Ildar i ja zaprzyjaźniliśmy się dwa lub trzy lata temu. Podobała mi się jego wytwórnia, a on lubił moje utwory. I tak zaczęli robić wspólny projekt.
Sam wydałem wszystkie płyty przed GOST, ale po tym, jak przyszedłem do chłopaków, tak naprawdę nic się nie zmieniło. To nie jest duża wytwórnia, to wciąż niezależna rzecz. Ale jeśli chodzi o organizację, wszystko stało się jaśniejsze. „GOST” drukuje średnio 300-500 egzemplarzy jednej płyty, a to nie przynosi dużych pieniędzy. Wytwórnia nie wpływa w żaden sposób na format i gatunek mojej muzyki, ale zawsze wybieramy utwory do ostatecznego wydania razem z Ildarem. Oznacza to, że tworzysz treści samodzielnie, a on już może coś doradzić. W ten sposób łączymy nasze pomysły na udane kompozycje.
Często gram na NII, ponieważ to jest mój dom i zawsze czuję się tu dobrze. Organizuję imprezy, na których okazjonalnie gram sam – to normalna praktyka organizatorów.
Z rosyjskich wytwórni bardzo lubię „Luck” – taki raczej eklektyczny projekt, trudno określić jego gatunek. Dokładnie w ten sam sposób GOST trudno nazwać wytwórnią czysto techno, nie ograniczamy się do koncepcji gatunkowych. W końcu jest wiele wytwórni techno i wszystkie są takie same ze swoimi czarnymi okładkami i nudną muzyką. A „GOST” to raczej opowieść o poszukiwaniu i studiowaniu talentów mieszkających w Rosji.
Twórcami Sination są Eduard Chaika i Masha Romanovich:
Nasza wytwórnia pojawiła się nieco ponad rok temu. Od czasu do czasu zajmowaliśmy się importem artystów, więc pomyśleliśmy – dlaczego by nie wystartować własny projekt? Tylko po to, by opublikować swoją ulubioną muzykę. Nie lubimy płyt CD, więc wydajemy głównie muzykę na kasetach i nie mamy nic przeciwko próbowaniu przejścia na winyle.
Nasz zespół od dawna prowadzi kilka społeczności muzycznych na VKontakte i uważnie śledzi różne sceny, a także przyjaźni się z wieloma muzykami, więc bardzo łatwo było dołączyć do branży. Nie wyznaczamy sobie ograniczeń gatunkowych, ale długofalowe prowadzenie konkretnych blogów muzycznych wciąż ma duży wpływ na wybór publikowanej przez nas muzyki. Teraz nasza wytwórnia ma orientację na post-punk i synthpop, ale nie zamierzamy rozwodzić się nad tymi gatunkami i już kilka razy od nich odchodziliśmy. Na przykład naszym pierwszym wydawnictwem winylowym był album eksperymentalnego zespołu Bruno's 4 Positions.
Jesteśmy wytwórnią niezależną, więc robimy to z miłości do muzyki - wydajemy wydawnictwa na nośnikach fizycznych i pomagamy w promocji naszych artystów. Ale wiemy, że inne wytwórnie aktywnie organizują wydarzenia ze swoimi rezydentami. Okazjonalnie organizujemy też imprezy i koncerty, ale nie tak często, jak wytwórnia Sination jest dość młoda, a nasi muzycy rozrzuceni po całym terenie. Globus. Mimo to udało się zrobić koncerty dla większości mieszkańców i zagranicznych muzyków, który jest finansowo wykonalny do sprowadzenia do Rosji. Na przykład w zeszłym roku przywieźliśmy Lust For Youth, Minuit Machine, Cold Comfort i Caerulea.
Nasz zespół składa się z dwóch osób plus kilku innych projektantów - Nikita Toropchin i Vladislav Sontos. Od czasu do czasu pomagają za symboliczną opłatą organizować przyjęcia i wydania. Nasi muzycy z reguły nagrywają muzykę w domu, ponieważ Sination nie ma nakładu tysięcy płyt, a zespoły nie występują na Olimpiyskim. Chociaż to oczywiście jest najlepsze.
Nasza praca jest spontaniczna i chaotyczna - są okresy kiedy energiczna aktywność i spokój. Nie możemy wiedzieć, kiedy i co zmotywuje nas do publikacji lub importu. Teraz mamy kilka zaplanowanych projektów, ale nie są one przeznaczone na najbliższą przyszłość. Jesteśmy, wiesz, spokojnymi facetami - nie spieszymy się, bo nasza wytwórnia jest tylko dla duszy. Nigdy tak naprawdę nie chcieliśmy go promować.
W tej chwili mamy tylko siedmiu mieszkańców, ale oczywiście chcemy się rozwijać. To działa tak: poznajemy muzyka, oglądamy materiał, który jest nam bliski i który zrobił na nas wrażenie, a potem proponujemy go wydać. Dlatego nie może być mowy o jakichkolwiek umowach pisemnych czy ustnych, bo nie gonimy za ilością i nikogo nie zmuszamy. Muzycy zawsze mogą przesłać nam swoje dema pocztą, VKontakte i Facebookiem. W żadnym wypadku nie bierzemy tylko znajomych. Zdecydowana większość publikowanych przez nas muzyków znalazła nas sama. Czyli najpierw współpraca, potem przyjaźń, ale nie odwrotnie.
Rosyjskie wytwórnie w ostatnich latach zaczęły cieszyć się niezdrowym popytem nie tylko w Rosji, ale także na Zachodzie. Zwłaszcza idąc wzdłuż wektora elektroniki eksperymentalnej i tanecznej. Najpopularniejsze są te, które specjalizują się w techno, row house i synth ambient. Lubimy Perfect Aesthetics, Full Of Nothing, Klammklang, GOST Zvuk - wszyscy wychowują bardzo oryginalnych i ciekawych muzyków.
Grupa „Fire”, rezydent wytwórni Sination
Rosyjskojęzyczny eksperymentalny minimal-synth
„Ogień” stał się dla mnie czymś w rodzaju pamiętnik osobisty, a to utrudnia mi utrzymanie go w obrębie jednego gatunku czy jednego nastroju, a jeszcze trudniej określić moich odbiorców. Dlatego za każdym razem, gdy słyszę, że komuś podoba się moja muzyka, mam wielką nadzieję, że pomimo tych wszystkich zmian, te osoby zostaną ze mną.
Poznałam Eduarda i Maszę, kiedy zaprosili mnie do występu w Petersburgu w ramach innej grupy - In a Lonely Place. A kiedy „Fire” miał dość materiału, chciałem go wydać na fizycznym nośniku. Wiedziałem, że można to zrobić przez chłopaków. Pomogli mi wydać kasety z minialbumem Mir, a także zorganizowali koncert z legendarnym szwajcarskim post-punkowym zespołem Veil of Light.
Wytwórnia uwalnia od konieczności dbania o wydawanie fizycznych nośników, gadżetów i organizowania koncertów. A ile to konieczne, decyduje wykonawca. Bardzo mi to pomogło. Co więcej, wcześniej miałem już pozytywne doświadczenia ze współpracy z zagraniczną wytwórnią Domestica Records.
Sination współpracuje tylko z osobami o podobnych poglądach, dlatego nie ma potrzeby, aby ingerowali oni w proces twórczy. Nie chcę mieć do czynienia z wytwórnią, która próbuje wpływać na moją muzykę. W końcu nie mówimy o muzyce pop, gdzie wytwórnia pełni zupełnie inną rolę.
Wielu muzyków nie potrzebuje etykiet. Ale dzisiaj relacje między wytwórniami a muzykami bardzo się zmieniły - wydaje mi się, że w lepsza strona. Nie wchodząc w szczegóły, można powiedzieć, że wytwórnie stały się swoistym oknem z muzycznego odosobnienia, które pomaga znaleźć nową publiczność.
Sergey Saburov, współwłaściciel Hyperboloid Records:
„Hyperboloid” pojawił się jako projekt Dmitrija Garina aka Acid Mafia w 2004 roku, a jego ideą było wydawanie muzyki eksperymentalnej i organizowanie fajnych imprez. Na przykład, wielki festiwal"Abrakadabra" (Festiwal muzyki eksperymentalnej i sztuki współczesnej. - ok. red.) odbyła się przy bezpośrednim udziale Garina i Hyperboloida. Przez cały czas pracowaliśmy z ponad trzydziestoma muzykami i jak dotąd żaden z nich nie odszedł. W końcu nie jesteśmy Sony Music i nie zawieramy umów. Wszystko opiera się na zaufaniu i wzajemnym interesie.
Artyści zazwyczaj nagrywają muzykę w domu, a następnie przesyłają ją do nas do obróbki. Zapraszamy tych, którzy mają dostęp do pracowni, ale własnych jeszcze nie posiadamy. Wszystkimi kwestiami na etykiecie zajmują się trzy osoby – Dmitry Garin, Alexey Pixelord i ja. Współpracujemy również z projektantami, ale Pixelord przejmuje wiele projektów wizualnych.
Od zawsze naszym zadaniem było nie tylko umieszczanie muzyki w Internecie, nagrywanie kaset czy drukowanie winyli, ale także pomaganie fajnej muzyce wdzierać się na scenę, dlatego Hyperboloid to dziś nie tylko wytwórnia muzyczna, ale także agencja bookingowa. Organizujemy wycieczki i współpracujemy z markami, które lubimy.
Nie chcemy, aby nasi muzycy nudzili się w domu, dlatego organizujemy imprezy. Nasza muzyka świetnie brzmi w nocy przy tłumie ludzi, dlatego ponad pięć lat temu pojawiła się impreza Hyperboloid Night, która wędrowała po moskiewskich klubach, a teraz odbywa się głównie w Dewar’s Powerhouse.
Dzięki tym imprezom moskiewskie kluby mogą dziś brzmieć nie tylko house i techno, ale i eksperymentalne rzeczy. Powiedzmy, że przywieźliśmy Om Unit, Lapalux i Sinjin Hawke. Ponadto dzięki imprezom nasi muzycy zaczęli częściej występować nie tylko w Rosji, ale także za granicą, a wytwórnia przekształciła się w pełnoprawną społeczność muzyczną.
Oczywiście zajmujemy się importem zagranicznych artystów. Ale kiedy dopiero zaczynaliśmy robić „Hyperboloidę”, główne zadanie miało pokazać, że rosyjscy artyści mogą być nie tylko osławionym „lokalnym supportem”, ale także niezależnymi muzykami. Dlatego rezerwując kogoś z zagranicy kierujemy się przede wszystkim nie jego popularnością, ale tym, jak bardzo sami chcemy go słuchać.
Teraz wytwórnia ma bliskie grono muzyków, którzy nie tylko wydają od nas muzykę, ale także wspierają się nawzajem, stale się komunikują. Nagrania przesyłane są do nas do tej pory, ale przepływ jest dość duży, nie zawsze mamy czas wysłuchać wszystkich. Dlatego stworzyliśmy sub-label „Hyperboloid” -
Wytwórnia internetowa jest internetowym odpowiednikiem wydawnictwa muzycznego offline. Jeśli początkowo tradycyjne wytwórnie fonograficzne dystrybuują treści muzyczne, promują zespoły i wykonawców w realnym świecie, to wytwórnie internetowe wykonują tę samą pracę online. Ze względu na trudną sytuację tradycyjnego przemysłu muzycznego, kiedy nawet tytani muzycznego biznesu są zmuszeni do podejmowania dużego ryzyka przy wydawaniu nowych wydawnictw, w ostatnim czasie wytwórnie płytowe starają się współpracować z zespołami, które z pewnością zwrócą zainwestowane środki. Pod względem kulturowym ta sytuacja jest dość opłakana - w końcu teraz nawet nie całkiem undergroundowe zespoły nie mogą liczyć na publikację, a wydawane są tylko w pełni udane komercyjne projekty.
Jak wiecie, powodem tego jest Internet - który oferuje również nowe sposoby dystrybucji muzyki. Od początku lat 2000. w Ameryce i Europie pojawiły się nowe schematy – kiedy to wydawnictwa nie są wydawane na CD, a wydawane tylko wirtualnie, a zespoły i wykonawcy promowani są przez Internet. Po skopiowaniu podejścia tradycyjnych wytwórni płytowych i przeniesieniu go do sieci, pojawiły się tzw. net-labels lub, po rosyjsku, labele internetowe, lub labele sieciowe, czy labele mp3.
Czym w ogóle jest wytwórnia płytowa? Po pierwsze, jest to organizacja, która nie dystrybuuje żadnej muzyki, ale określony format lub nawet wąski określony kierunek. Jest producent, lub kilku, którzy zajmują się doborem muzyki, a dobra wytwórnia musi mieć swoje oblicze i brzmienie. Niektóre wydawnictwa słucha się tylko dlatego, że zostały wydane np. przez wytwórnię 4AD. Po drugie, wytwórnia zajmuje się ochroną praw autorskich. W przypadku wytwórni internetowych ochrona praw autorskich ogranicza się jedynie do publikowania treści na wolnej licencji, ale dobór muzyki potrafi być dość ostry. Wytwórni to korzystne, że ludzie słuchają jego muzyki, zajmuje się promocją - może organizować koncerty, rozpowszechniać informacje o wydawnictwach w sieci i tak dalej i tak dalej.
Różnic między wytwórniami internetowymi a tradycyjnymi jest jednak więcej – z reguły są to wytwórnie niekomercyjne, z reguły wydawnictwa dystrybuowane są na wolnych licencjach i głównie na licencji Creative Commons. Wytwórnie internetowe rzadko angażują się w promocję grupy i organizację koncertów, w zasadzie ich działalność sprowadza się do dystrybucji muzyki w sieci. Ponieważ łatwiej jest prowadzić biznes wytwórni internetowej, często prowadzi go kilka osób, a nawet jedna.
Bardziej oczywista jest różnica między wytwórnią internetową a takimi serwisami dystrybucji muzyki, jak soundkey.ru czy kroogi.ru. Takie portale po prostu oferują każdemu umieszczanie na nich muzyki i otrzymywanie za to nagrody. Nie zajmują się selekcją, ochroną praw ani promocją. Mówiąc najprościej, label to wydawnictwo, a soundkey.ru i kroogi.ru to sklepy.
Historycznie rzecz biorąc, pierwsze wytwórnie internetowe zajmowały się wydawaniem muzyki elektronicznej (ponieważ ilość samodzielnie tworzonej muzyki elektronicznej jest niezwykle duża), a nawet teraz zdecydowana większość wytwórni internetowych wydaje muzykę elektroniczną. Z czasem pojawiły się wytwórnie wydające indie, alternatywę – czyli głównie taką muzykę, która opiera się na zasadzie Do It Yourself (w rzeczywistości same wytwórnie internetowe kierują się tą zasadą). Za granicą liczba etykiet internetowych od dawna jest nieobliczalna, a my mamy ich dość. Zwykle strona techniczna skromnej wytwórni internetowej jest również skromna - często samodzielny blog wordpress lub nawet tylko konto na blogspot. Ale w tym artykule chciałbym opowiedzieć o kilku rodzimych wytwórniach internetowych, które są ciekawe muzycznie, mają własną tożsamość, wyróżniają się z ogólnego tła i wyznaczają trendy.
Najstarsza działająca rosyjska wytwórnia internetowa, a dokładniej, teraz są dwie - Otium wydaje ambient, idm, downtempo, Sonux - techno. Nie ma podglądu, ale są rss i osobne strony autorstwa autorów. Treść jest rozpowszechniana na licencji Creative Commons.
Wydanie największej rosyjskiej wytwórni internetowej muzyka na żywo. Preferowane style - indie, post rock, indietronica. Jest podgląd muzyki, rss, zawartość jest rozpowszechniana na licencji Creative Commons.
Wydaje muzykę indie, rock, etno. Młoda i mała wytwórnia internetowa, która jednak wyróżnia się pouczającymi recenzjami każdego wydawnictwa, szczegółowymi stronami o autorach, na których znajdują się zdjęcia i filmy. Strona ma rss i jest pseudo-radio internetowe - flash player, który losowo odtwarza utwory z wydawnictw. Najważniejszą różnicą tej wytwórni jest to, że wraz z darmowymi plikami do pobrania umożliwia płacenie za wydania - te pieniądze trafiają do autorów. Licencja nie jest określona, ale mówi, że „wszystkie wydania można bezpłatnie pobierać, słuchać i redystrybuować, jeśli nie zamierzasz na nich zarabiać”.
Preferowane style to IDM, ambient, minimal, easy jazz. Każdemu wydaniu towarzyszy szczegółowa recenzja. Witryna ma sekcję „pulse video”, w której ma się ukazać teledysk, ale teraz jest tylko jedno wydanie wideo. Treść jest rozpowszechniana na licencji Creative Commons.
Wyjątkowy kierunek muzyczny - wytwórnia zajmuje się publikacją muzyki akademickiej, działa pod auspicjami Konserwatorium Moskiewskiego i wydaje muzykę kompozytorów tego konserwatorium. Kierunki - nowoczesna klasyka, elektronikę akademicką i awangardę. Wszystkie wydania są recenzowane, dodatkowe materiały mogą zawierać wideo na żywo, a nawet nuty i materiały oryginalne. Jest podgląd, wszystkie treści są rozpowszechniane na licencji Creative Commons, chyba że zaznaczono inaczej.
Etykiety są częścią stowarzyszenia kreatywnego UnderGroundWiggaz i zajmują się hip-hopem, RAP-A-NET - prawdziwie rosyjskim rapem, A-HU-LI rec. - instrumentalny hip-hop. Licencja nie jest wskazana, nie ma też podglądu, ale kolekcja jest bardzo bogata.
Style muzyczne - alternatywna, post-punkowa, awangardowa, psychodeliczna, free jazz. Słynna wytwórnia jest hostowana na platformie Blogspot. Muzyka jest rozpowszechniana na licencji Creative Commons, nie ma podglądu, jest rss, muzykę można pobrać jako utwór lub jako album, jest dostęp do dodatkowych materiałów.
Jeśli chcesz zostać muzykiem, prędzej czy później kwestia dystrybucji i sprzedaży twojej pracy pojawi się w taki czy inny sposób. Nawet jeśli jesteś entuzjastą i nie planujesz zarabiać na sprzedaży swoich utworów, a po prostu marzysz o pełnych salach wypełnionych rzeszami fanów, nadal nie możesz obejść kwestii komercyjnej dystrybucji utworów, choćby dlatego, że jest to świetny sposób na indeksowanie nazwy zespołu i marki w Internecie.
Autor raportu dzięki zasobowi, który daje specjalistom możliwość wyboru fototapety na ścianę, fototapety można zamówić lub kupić na stronie internetowej https://klv-oboi.ru/wallpapers-arhitektura/section/3 . Szerokie spektrum zabarwienie i faktury (w tym prace ekskluzywne i projektowe), dowolny format i obraz.
Co jest potrzebne do udanego umieszczenia waszych wydawnictw (singli, albumów, EP)?
Wydanie autorstwa Leny Katiny, wydane przez agregator Tunecore1) Materiał wysokiej jakości, tj. Twój utwór/piosenka musi spełniać określone parametry techniczne i czasowe. Jeśli zdecydujesz się zająć muzyką na poważnie, prędzej czy później dojdziesz do wniosku, że dobrze nagrany utwór w dobrym studiu z profesjonalistą jest na wyższym poziomie niż to, co nagrywasz w domu pod względem obróbki dźwięku.
2) Każde wydawnictwo powinno mieć wysokiej jakości okładkę. Bardzo często wśród początkujących rosyjskich muzyków spotykam się z całkowitym lekceważeniem tej pozycji. Początkującym muzykom po prostu nie chce się zaprzątać głowy i zastanawiać, jaką okładkę będzie miało wydawnictwo – ale na próżno. Wszelkie treści, które planujesz umieszczać na platformach sprzedażowych, powinny być przemyślane w najdrobniejszych szczegółach, łącznie z okładką.
Pamiętaj o sobie, gdy przychodzisz do supermarketu i widzisz nieznany produkt - jakoś przede wszystkim przyciąga Cię etykieta, zdjęcie (okładka, opakowanie, nazwij to, co chcesz), a dopiero potem zwracasz uwagę na produkt lub sam produkt. W muzyce wszystko jest takie samo, im atrakcyjniejsza okładka twojego wydawnictwa, tym większe prawdopodobieństwo, że przyciągnie nowego słuchacza do twojego utworu. Myślę, że lepiej jest, aby muzyk powierzył stworzenie okładki profesjonaliście lub projektantowi. Zamówienie i wykonanie jednej okładki u artysty-projektanta jest przedsięwzięciem tańszym niż nagranie studyjne jednego utworu.
3) Po przygotowaniu wydawnictwa do wydania (tj. masz już piosenki i okładkę), muzyk powinien zdecydować, w jaki sposób będzie ono dystrybuowane. Oczywiście możesz pójść w 100% właściwą drogą i pokazać swoją muzykę wydawcy. I będzie to naprawdę bardzo przydatne doświadczenie, jeśli wydawca będzie zainteresowany. Ale nie zawsze tak jest i ryzykujesz utratę dużej ilości czasu, a nawet nieosiągnięcie pożądanego rezultatu. I możliwe, że proponowane przez wydawcę warunki wydania i dystrybucji Twojego wydawnictwa dla konkretnego muzyka będą nie do zaakceptowania. Na przykład popularne rosyjskie wydawnictwa praktykują nabywanie wyłącznych praw od autorów i posiadaczy praw autorskich na 5 lat po „taryfie” od 50% do 50% (w najlepszym przypadku) lub kupując każdy utwór warunkowo za jakieś pieniądze, np. 1000 rubli na raz i zapominasz o swoich utworach na 5 lat - ogólnie rzecz biorąc, aby manewrować na korzyść wydawcy, istnieje wiele różnych niewygodnych dla artysty sztuczek.
Producent i założyciel rosyjskojęzycznej wytwórni w Chicago, Vladimir Gershanov (VG MUSIC LABEL), z 20-letnim doświadczeniem w show-biznesie, opowiedział kilka szczegółów na temat branży dystrybucji elektronicznej:
„Po postępie technologicznym związanym z pojawieniem się Internetu i rozwojem usług cyfrowych, które stały się dostępne dla niemal całej populacji naszej planety, technologia cyfrowa zaczęła szybko zastępować analogowe media wideo i audio. Muzycy, a także firmy nagraniowe i filmowe zaczęły poważnie mówić o nowych zdalnych formach sprzedaży informacji wideo i audio do publicznej wiadomości. Pojawiła się tzw. elektroniczna dystrybucja treści audio i wideo poprzez sklepy internetowe.
Niedawno, pod koniec lat dziewięćdziesiątych i na początku XXI wieku, największe wytwórnie płytowe bardzo ostrożnie dobierały materiał muzyczny do publikacji, ponieważ koszty produkcji nośników analogowych były stosunkowo wysokie. Z tego powodu wielu muzyków i grup, które nie miały dużo pieniędzy na produkcję, pozostawało „za burtą” w sprzedaży, a co za tym idzie, w showbiznesie w ogóle. Po prostu nie mieli okazji się wypowiedzieć, bo pomijając ich opinie redaktor muzyczny decydować o komercyjnym sukcesie lub porażce projektu.
Teraz, wraz z pojawieniem się Internetu i dystrybucji elektronicznej, znacznego obniżenia kosztów procesu produkcyjnego, a także sklepów i wytwórni będących agregatorami tych samych sklepów, dostarczanie informacji do widza stało się znacznie tańsze. Jednak nawet w takich warunkach niezwykle nieopłacalna jest dla artysty bezpośrednia współpraca ze sklepami internetowymi. Prosta arytmetyka. Koszt umieszczenia jednego utworu w prawie każdym sklepie internetowym to 9 dolarów 99 centów. Standardowy pakiet lokacyjny dociera do 200 sklepów internetowych. Załóżmy, że jeśli artysta stworzył nawet nie standardowy godzinny album, a tylko 7 utworów, to umieszczenie ich tylko w jednym sklepie będzie kosztować 69 dolarów 93 centy. A to tylko jeden sklep. A teraz obliczmy, ile to będzie w dwustu sklepach. Są to koszty tylko na jeden rok. Znam tylko jednego wykonawcę, któremu udało się dobrze sprzedawać w iTunes z treściami w języku rosyjskim. A potem musiała kupować piosenki od siebie. Innymi słowy, nierealne jest zwracanie się z inwestycji sprzedażą w sklepach internetowych, jeśli artysta śpiewa po rosyjsku i nie ma promocji, powiedzmy, amerykańskiej, angielskiej czy niemieckiej przed umieszczeniem swoich kompozycji w sklepach internetowych. Mimo to całkiem możliwe jest zarabianie pieniędzy, jeśli materiał muzyczny jest naprawdę oryginalny i poszukiwany. Jednocześnie, jeśli nie w pirackich dystrybucjach, działalność koncertowa i gościnna, wraz z rotacją radiową i telewizyjną, plus internet i prasowy PR, działają jasno i płynnie. Ale nie wszyscy artyści mają takie zasoby. Dlatego potrzebuje agregatora”.
W każdym razie muzyk zawsze ma wybór: oddać wydawnictwo do dystrybucji wydawcy lub dystrybuować je samodzielnie za pośrednictwem agregatora.
W celu samodzielnej dystrybucji własne piosenki Na platformach internetowych iTunes, Google Play, Yandex.Music, Zvooq, Amazon muzyk w jakiś sposób będzie potrzebował podstawowej wiedzy i informacji na ten temat.
Wydanie Grigory Leps, wydane przez wytwórnię Nikitin Music Group za pośrednictwem agregatora Believe Digital Co należy wziąć pod uwagę?
1) Muzyk musi wybrać wiarygodnego pośrednika (agregatora), który przyjmie od niego wydanie i umieści je na różnych platformach. Oczywiście możesz pójść najbardziej ponurą ścieżką i niezależnie bezpośrednio (z pominięciem agregatora) umieścić swoje treści w sklepach, można to zrobić, ale istnieje wiele niuansów: Apple, Yandex. Na przykład muzyka nie opłaca się bezpośrednio współpracować z artystami, a Google i Amazon dają muzykom podobną możliwość, ale za dodatkową opłatą. Jako zalecenie oszczędzania energii, nerwów i pieniędzy - skorzystaj z witryn agregujących.
„Agregator to firma lub wytwórnia, która zawarła stałą umowę na dystrybucję treści wideo i audio ze sklepami internetowymi. Zazwyczaj tacy agregatorzy sami płacą za co najmniej 200 sklepów internetowych rocznie. Oczywiście nie płacą od razu pełnej kwoty, bo np. w USA pracują na preferencyjnych umowach wewnętrznych ze sklepami internetowymi. Jednocześnie we współpracy z wytwórnią dystrybucyjną znacznie zmniejsza się ryzyko samego artysty. To jest dla niego najważniejsze. Jest jeszcze jeden nieprzyjemny moment. Załóżmy, że YouTube płaci artyście dopiero po tym, jak zbierze on 30 USD za swoje utwory. A dla CD Baby (agregator muzyki) ten pasek jest dziesięć razy wyższy - 300 USD. Etykietom dają odsetki natychmiast po otrzymaniu dowolnej kwoty.
W Rosji, w środowisku muzycznym, najpopularniejsze są usługi Tunecore, CD Baby, Believe Digital i Ditto Music.
Dima DOGMA, artysta, producent muzyczny w Pr Starku:
Używany tunecore i centralny ocean.
W tunecore wszystko jest przejrzyste - istnieje konto, na którym rejestrowany jest każdy zakup Twoich treści. Rosyjscy agregatorzy w takich opcjach są znacznie kulawi.
Być może w Rosji dystrybutorzy zarabiają na tym i na wszystkich znany artysta. Dla wszystkich innych główny dochód nadal pochodzi z występów.
Rosyjscy dystrybutorzy pobierają duży procent przychodów za treści, chociaż robią to za pośrednictwem tych samych agregatorów, według tych samych zasad, a jeśli robisz to sam, widzisz każdy grosz. Wystarczy podstawowa znajomość języka angielskiego, aby zrozumieć wszystkie zawiłości zagranicznych dystrybutorów.
Wydanie Sergeya Lazareva, wydane przez agregator Tunecore Co dziwne, zarówno popularni, jak i mało znani artyści wolą korzystać z funkcjonalności platformy Tunecore. Na przykład projekt Lena Katina dystrybuuje swoje 2 ostatnie albumy za pośrednictwem tej platformy lub przebijający zbroję hit Siergieja Łazariewa „ Ty jesteś jedyny One” jest również obecny w bazie danych Tunecore. Co więcej, sam artysta lub nawet jego management może nie być świadomy takiego lokowania, ponieważ prawdopodobnie jest związany kontraktem z rosyjskim wydawnictwem, które w zależności od treści zawartych umów może nie informować artysty o swoich metodach i sposobach rozpowszechnianie treści.
Według stron internetowych emusic.com oraz wiaradigital.com Rosyjskie wydawnictwa i wytwórnie, takie jak Nikitin Music Group, Pierwsze Wydawnictwo Muzyczne, Gazgolder, Czarna Gwiazda, Monolit Studio LLC wykorzystują między innymi możliwości dystrybucyjne zagranicznego agregatora Believe Digital (nawiasem mówiąc, ta firma jest właścicielem usługi Tunecore) i publikują treści muzyczne na zagranicznych platformach sprzedaży muzyki online za pośrednictwem tego agregatora. Z kolei Believe Digital nie współpracuje z poszczególnymi artystami, tylko z wytwórniami i jeśli w bibliotece audio jest więcej niż 500 utworów. Dlatego w zasadzie nie ma różnicy w Rosji, za pośrednictwem którego wydawcy lub agregatora będziesz rozpowszechniać swoje piosenki.
Vladimir Gershanov (VG MUSIC LABEL):
„Ale nie każda wytwórnia gra uczciwie. To również należy wziąć pod uwagę. Jestem doświadczonym reżyserem i założycielem rosyjskojęzycznej wytwórni w USA i całkiem odpowiedzialnie stwierdzam, że 85% moskiewskich wytwórni to piraci. Łatwo to ustalić. Po pierwsze, jeśli przedstawiciel wytwórni mówi, że wszędzie umieszcza materiał muzyczny za darmo, a nawet daje artyście 80-95%, to powinieneś wiedzieć, że to są piraci. Cuda na pewno się zdarzają, ale bardzo rzadko. Założyłem swoją wytwórnię 11 lat temu, ponieważ europejskie wytwórnie nie chciały pracować z rosyjskojęzycznymi materiałami, a ci, którzy to robili, byli zwykłymi oszustami. Ważna jest dobra wartość ubezpieczenia, emisja własnych akcji i miejsce na giełdach światowych. Porządne wytwórnie pomagają artystom zarabiać na swoich treściach wideo, mając bezpośredni kontrakt z YouTube i są nie tylko jego partnerem premium, ale także posiadaczem jego udziałów. To znacznie rozszerza możliwości.
Zarabianie na Content-Id jest możliwe nie tylko z własnej strony YouTube, ale także z każdej innej, na której aktualnie znajduje się materiał muzyczny. Niemal niemożliwe jest, aby małe wytwórnie, zwłaszcza sam artysta, zrobiły to bez bycia partnerem premium YouTube. Inny forma handlowa- wydawanie kolekcji, które zawierają utwory kilku wykonawców w zależności od gatunku. Bardzo efektowna dystrybucja nowości materiał muzyczny według bazy setek stacji radiowych „od Malty po Iczkerię”. Radiowa rotacja przynosi na koniec każdego kwartału bardzo dobre raporty finansowe. Nawiasem mówiąc, każda szanująca się wytwórnia jest zobowiązana do przedstawienia artyście raportu finansowego ze sprzedaży na jego pierwsze żądanie. Zwykle odbywa się to co trzy miesiące”.
Wydanie Lil Kate feat. Basta, wydany przez wytwórnię Gasgolder za pośrednictwem agregatora Believe Digital Każdy młody zespół, który nagrał swoje pierwsze demo, marzy o wejściu do wytwórni i zdobyciu sławy. Dla wielu umowa z wytwórnią płytową wygląda jak panaceum, które natychmiast rozwiązuje wszystkie problemy. Ale czy tak jest? Czy naprawdę warto od razu przenosić prawa do swojej muzyki, pozwalając innym decydować, gdzie pojedziesz z koncertem, w jakim studiu będziesz nagrywać i pod jaką okładką ukaże się Twoja nowa płyta? Czy wytwórnie muzyczne naprawdę zapewniają początkującym artystom łatwy sposób na zdobycie tego, czego chcą?
Na początek postaramy się rozważyć wszystkie możliwe aspekty pracy muzyka z jego pracą. Pierwszym i najbardziej oczywistym jest DIY (Do It Yourself to skrót używany w odniesieniu do osób, które działają na własną rękę, bez żadnego wsparcia i koneksji). Jesteś pełnoprawnym właścicielem swojego produktu, możesz go dowolnie rozporządzać. W takiej sytuacji artysta przejmuje funkcje wytwórni i sam zajmuje się poszukiwaniem studia, produkcją, organizacją własnych koncertów, wydawaniem gadżetów itp. Jeśli wybrałeś taką formę pracy, to najbardziej kompetentną decyzją byłoby zatrudnienie menedżera, który Ci w tym pomoże.
Uświadom sobie, że pracując nad swoim produktem samodzielnie, nie będziesz w stanie poświęcić należytej uwagi kreatywności; znaczną część czasu będziesz musiał poświęcić sprawom organizacyjnym, co z pewnością wpłynie na ogólną jakość Twoich działań. Jednak gromadząc we własnym zakresie cały sztab specjalistów, zyskasz szansę na realizację swoich celów. Jednym z udanych przykładów autopromocji może być grupa Enter Shikari, długi czas którzy wydawali swoje prace metodą DIY. Chłopaki odnieśli znaczący sukces komercyjny, wzbudzając ogromne zainteresowanie dużych wytwórni płytowych, po części dzięki temu, że przez pewien czas odrzucali dobre oferty różnych mniejszych wytwórni. Być może u Ciebie też zadziała. Wierzyć w własne siły? Do przodu!
Następną formą są etykiety DIY lub indie. Są to małe konglomeraty, nastawione bardziej na rynek podziemny lub wąsko ukierunkowany. Często dochody takich wytwórni są bardzo niskie, wiele pracuje „dla idei”, ale kontrakt z taką wytwórnią może być niezwykle przydatny dla początkującego artysty jako odskocznia i sposób na zdobycie niezbędnych kontaktów. Tak, tak, to znajomości pomogą Ci w dalszym rozwoju. Rzeczywistość jest taka, że nawet największe wytwórnie muzyczne opierają swoją działalność na rozległej sieci znajomości, wzajemnych przysługach i obietnicach. Wracając do DIY labels, warto zauważyć, że w przeciwieństwie do samego artysty mają już pewne kanały dystrybucji i promocji swojej twórczości. Często zdarza się, że artyści sami tworzą małe indie labele promujące ich twórczość, a następnie powoli poszerzają listę podpisanych grup. Ponadto w większości niezależne wytwórnie mają dość przejrzystą i zrozumiałą umowę dla artysty, w przeciwieństwie do większych wytwórni należących do dużych korporacji muzycznych. Etykiety te nazywane są głównymi wytwórniami. Mówimy o tzw. „wielkiej czwórce wytwórni płytowych”, które odpowiadają za około 70% światowego rynku muzycznego. Należą do nich Universal Music Group, Sony Music Entertainment, EMI Group (wraz z UMG wchłoniętym przez francuski konglomerat medialny Vivendi SA) oraz Warner Music Group.
W Rosji istnieje kilka oddziałów tych wytwórni: Universal Music Russia, Sony Music Russia, Warner Music Russia i inne. Każdy z tych gigantów muzyki. Industry ma imponującą listę powiązanych z nimi mniejszych marek, co jednak nie przeszkadza obu stronom w skutecznym zarabianiu i promowaniu swojego produktu na rynku. Takie konglomeraty są całkowicie samowystarczalne: duża agencja fonograficzna jest w stanie zapewnić nową płytę od realizatora dźwięku po półki sklepów muzycznych (lub serwisów internetowych, takich jak Apple Music czy iTunes, co jest bardziej zgodne z nowoczesnym realiów przemysłu muzycznego) i zorganizowanie wspierającej go trasy koncertowej artysty. Ale dla początkującego (a tym bardziej undergroundowego) artysty droga do kontraktu z taką wytwórnią jest właściwie zamknięta: w nowoczesne warunki nie stosuje już przestarzałego schematu, według którego muzycy z lat 80. otrzymywali wielomilionowe kontrakty z firmy fonograficzne. 
O ile wcześniej zespół, wysyłając demo do wytwórni, mógł liczyć na to, że manager A&R wybierze ich twórczość spośród tysięcy zgłoszeń, to teraz taki wynik wydarzeń jest bardzo mało prawdopodobny. Wraz z pojawieniem się nowych technologii i początkiem ery Internetu, dostęp do tworzenia muzyki dla szerokiego grona słuchaczy stał się otwarty, w wyniku czego napływ nagrań na pocztę wytwórni od początkujących muzyków stał się po prostu niekontrolowany. To skłoniło wiele firm do zmiany Nowa scena pracować z talentami, zauważając i podpisując się tylko tymi, którym udało się już wybić i wyróżnić spośród miliona równie ambitnych postaci kultury muzycznej.
Ale era cyfrowa również przyniosła znaczące zmiany dla całej branży, stawiając szereg nowych, absolutnie unikalnych i wcześniej nieistotnych pytań. Jedno z nich - czy naprawdę współczesny artysta musi być podpisany z wytwórnią? W ciągu ostatnich 10 lat domowe studia nagraniowe bardzo się rozwinęły, liczne urządzenia umożliwiły profesjonalne nagrywanie w domu, wielu projektantów pracuje nad okładkami wydań, oferując swoje usługi online, sale koncertowe zapraszać młodych artystów na występy za pośrednictwem mailingów, bez korzystania z usług agencje koncertowe. A co najważniejsze, sprzedaż fizycznych nośników na zawsze zeszła na dalszy plan, ustępując miejsca serwisom streamingowym i możliwości zakupu wydania w formacie cyfrowym.
To tylko niewielka lista przykładów nieodwracalnych zmian, jakie zaszły w przemyśle muzycznym na całym świecie. I ten system cały czas dynamicznie się rozwija, ukazując nowe możliwości bezpośredniej pracy ze słuchaczem.
