Band on the Run: Aranżacja, czyli „kasze nie zepsuje się masłem”. Układ

Artykuł poświęcony jest najczęstszym błędom popełnianym przez początkujących kompozytorów podczas tworzenia muzyki/aranżacji na orkiestrę symfoniczną. Jednak błędy, które zostaną omówione, są dość powszechne nie tylko w muzyka symfoniczna, ale także w aranżacjach muzyki pop, rock itp.

Istnieją dwie grupy błędów charakterystycznych dla kompozytorów:

1. 1. Pierwsza grupa wynika z braku wiedzy i doświadczenia. Ten problem jest łatwy do rozwiązania.
2. 2. Druga grupa to wynik braku doświadczenia życiowego i nieukształtowanego gustu. Czynnik ten jest trudny do wyjaśnienia, ale często odgrywa jeszcze większą rolę ważna rola niż trening.

Porozmawiamy o tym poniżej.

Przyjrzyjmy się więc głównym błędom, które zasługują na szczególną uwagę.

1. Nieświadome pożyczanie

Nieświadome zapożyczenie można również nazwać nieumyślnym plagiatem. Prawie każdy napotyka ten błąd. Aby rozwiązać ten problem, należy słuchać jak największej różnorodności muzyki. Często słuchanie jednego kompozytora lub wykonawcy ma na ciebie silny wpływ, istnieje ścisły związek między tobą a elementami muzyki.

Jeśli jednak posłuchasz wystarczająco dużo różnych kompozytorów i zespoły muzyczne, to nie będziesz ich nieświadomie kopiować, ale napiszesz swój własny, niepowtarzalny materiał. Zapożyczenia mogą ci pomóc, ale nie powinny sprawiać, że będziesz wyglądać jak jakiś inny kompozytor.

2. Brak równowagi

3. Nudne tekstury

Tekstury tego samego typu przez długi czas nudziły słuchacza. Jeśli posłucha się partytur profesjonalistów, często można zauważyć, że w każdym takcie dokonywane są w orkiestrze jakieś zmiany, które zabarwiają ją w nowy sposób. Bardzo rzadko do wykonania melodii używany jest tylko jeden instrument. Stale dodawane są dublety, zmieniają się barwy itp.

Aby uniknąć monotonii, przestudiuj aranżacje innych osób i przeanalizuj techniki, które w nich widzisz.

4. Dodatkowy wysiłek

Mowa o nietypowych technikach gry, których użycie wymaga od wykonawcy maksymalnego skupienia. Często więcej proste sztuczki pomóc uzyskać bardziej eufoniczną aranżację. Rzadkie techniki wskazane są wtedy, gdy jest to uzasadnione, czyli gdy pożądanego efektu emocjonalnego nie można osiągnąć w żaden inny sposób.

Oczywiście znani kompozytorzy wykorzystują wszystkie ograniczające możliwości orkiestry, ale ile nerwów go to kosztuje. złota zasada- im prościej, tym lepiej. Jeśli nadal skłaniasz się ku awangardzie, najpierw spróbuj znaleźć orkiestrę, która chce i potrafi to zagrać.

5. Brak emocji i pełni intelektualnej

Powtarzam, że równowaga jest kluczowa. Twoja muzyka będzie miała intelektualną i emocjonalną głębię tylko wtedy, gdy będziesz prowadził ciekawe i satysfakcjonujące życie.

Prawie wszyscy kompozytorzy spędzali dużo czasu podróżując i aktywnie uczestniczyli życie publiczne. Skąd weźmiesz nowe pomysły, jeśli całe twoje życie koncentruje się w czterech ścianach? Czynnik intelektualny oznacza odzwierciedlenie w muzyce twojego światopoglądu.

Studiuj filozofię, ezoteryzm i pokrewne dyscypliny- pomoże Ci się rozwijać kreatywny plan. Tylko człowiek może tworzyć świetną muzykę wielka dusza. Nie wystarczy nauczyć się pisać muzykę. Ogromne znaczenie ma umiejętność komunikowania się z ludźmi i otoczeniem.

6. Histeria i przeciążenie intelektualne

Nadmiar uczuć czy zimny intelektualizm nie prowadzi do niczego dobrego. W muzyce trzeba umieścić emocje kontrolowane przez umysł. W przeciwnym razie stracisz samą istotę sztuki muzycznej.

7. Korzystanie z szablonów

Kreatywność umiera tam, gdzie używane są utarte schematy, klisze itp. Używając tego wszystkiego, stajesz się jak autoaranżer. Powinieneś dążyć do tego, aby każda Twoja praca była niepowtarzalna, odzwierciedlała w niej Twoją indywidualność. Dotyczy to również aranżacji piosenek popowych. Dlatego należy stale szukać nowych technik, krzyżować style i unikać powtórzeń.

Dobrze brzmiące szablony mogą oczywiście wykonać dobrą robotę, ale w rezultacie możesz się zatracić.

8. Nieznajomość narzędzi

Niewłaściwe użycie zakresów instrumentów nie jest niczym niezwykłym. Nie będąc zorientowanym technicznie, możesz pisać partie, których muzycy po prostu nie są w stanie wykonać.

Warto też zwrócić uwagę na to, że dobrze napisana partia ma dobre brzmienie nawet wtedy, gdy grana jest na wirtualnych instrumentach, podczas gdy partie napisane bez uwzględnienia specyfiki instrumentu zabrzmią nieprzekonująco nawet grane na żywo.

Profesjonalny muzyk musi po prostu spojrzeć na nuty, aby zrozumieć, jak kompatybilna jest ta partia z jego instrumentem. Innymi słowy, większość partii da się zagrać, ale mogą być one tak niewygodne, że nie ma sensu się ich uczyć, albo napisane w taki sposób, że nawet grane np. na gitarze będą brzmiały jak inny instrument .

Aby tego uniknąć, powinieneś uważnie słuchać utworów solowych dla instrumentów, z którymi pracujesz. Najlepszą opcją jest nauka podstawowe sztuczki Gry. Możesz także skonsultować się z solistą, pokazując mu swoje dokonania.

Pomoże ci to szybko nauczyć się pisać wygodne partie, które możesz zagrać. Pisząc dla muzyków sesyjnych bardzo ważne ma to związek z tym, jak łatwo twoje role są odtwarzane z arkusza lub jak szybko schodzą.

9. Partytury ze sztucznym dźwiękiem

Jak większość Autorzy pracujący na komputerze z wirtualnymi instrumentami bardzo ważne jest uzyskanie realistycznego brzmienia swoich aranżacji z niewielkimi lub żadnymi poprawkami. Jak wspomniano powyżej, dobrze napisane partie brzmią dobrze nawet podczas odtwarzania na komputerze. To stwierdzenie jest prawdziwe zarówno dla zespołu rockowego, jak i pełnej orkiestry symfonicznej.

Należy dążyć do uzyskania takiego efektu, aby słuchacz nie zastanawiał się, czy orkiestra brzmi mechanicznie, czy bębny są zaprogramowane. Oczywiście, słuchając uważnie, możesz łatwo zrozumieć, czy jest to występ na żywo, czy program.

Ręce i uszy są twoimi głównymi pomocnikami.

______________________

1) Środki i metody mocowania roślin w układzie. Narzędzia i materiały pomocnicze.

2) Naczynie jako element aranżacji.

3) Przygotowanie materiału roślinnego.

4) Suszone kwiaty: metody konserwacji i przetwarzania roślin.

Kompozycje kwiatowe to wykonywanie różnorodnych kompozycji ze świeżych i suszonych kwiatów oraz innych części roślin, z kory drzew, nasion i innych podobnych materiałów.

Kompozycja kwiatowa może być dodatkiem do prezentu lub prezentem samym w sobie.

Materiały do ​​mocowania roślin.

1) Gąbka florystyczna (oaza) jest dwojakiego rodzaju: dla żywych roślin - Zielony kolor oraz do kwiatów sztucznych i suszonych w kolorze brązowym lub szarym. Zalety: łodygi roślin można mocować pod dowolnym kątem, zmniejsza się ryzyko gnicia wody. Oazy dla naturalnych kwiatów nie można zanurzać w wodzie na siłę, suchy blok kładzie się na powierzchni wody, aż do całkowitego nasycenia wodą.

2) Uchwyty do urządzeń: tatuaże, druty, siatki druciane, podkładki z mchu, uchwyty perforowane. Jednocześnie można również stosować mokry piasek, żwir, plastelinę, gips, kit okienny, lejki.

Tatuaże (kenzan) - służą do zabezpieczania oaz i są ołowianym kręgiem z pionowymi kolcami. Jeśli kompozycja jest bardzo duża i stosuje się kilka oaz, są one połączone kilkoma spinkami do włosów. Z kolei tatuaże mocuje się do naczynia za pomocą specjalnej masy lub plasteliny.

Gałęzie i łodygi mogą być bezpośrednio instalowane na tatuażach.

• Drut i siatka druciana - łodygi niektórych roślin są owinięte drutem, aby je wzmocnić, aby nie mogły się wyginać i zakłócać kompozycji. Jeśli oaza jest dołączona duża liczba rośliny lub same rośliny są ciężkie, to przed ich zamontowaniem układa się na ich powierzchni siatkę florystyczną, która zapobiega zniszczeniu oazy pod ciężarem. Stanowi również poręczny uchwyt w wysokich, szerokich lub wąskich wazonach. Siatka jest wycięta w kształcie kwadratu, krawędzie są zagięte wzdłuż obwodu szyi, wkładane do wewnątrz lub zapinane na zewnątrz. Zamiast siatki możesz użyć kratek z gałązek, które są związane drutem, wstążką, rafią lub sklejone i przymocowane do wazonu za pomocą taśmy samoprzylepnej. Również mocowanie z gałęzi może być niezależne element dekoracyjny kompozycje.
• Podkładki z mchu - wykonane z nawilżonego mchu torfowca, są uformowane w półkulę i owinięte drutem, aby lepiej utrwalić kwiaty. Wkładkę umieszcza się na kilka minut w wodzie i umieszcza w naczyniu. Ostrym patyczkiem wykonuje się w nim wgłębienia, w które rośliny wkłada się pod kątem prostym.
• Hydrożel to specjalny polimer absorbujący wodę. Objętość absorbowanej wody jest dziesięciokrotnie większa niż objętość samego polimeru. Hydrożel ma różne odcienie i wyrazisty połysk. Stopniowo, dozując, uwalniają wodę do roślin, zapobiegając gniciu.
• Uchwyty otworów to płytki różne kształty, grubości kilku mm, w których wybijane są otwory. Mogą być ceramiczne, plastikowe, metalowe. Płyty te zamykają naczynia, do których wlewa się wodę, a do otworów wkłada się rośliny,

Narzędzia i materiały pomocnicze: sekatory, nożyczki, nóż do kwiatów, kilka rodzajów drutu, małe szczypce, drewniane patyki do wzmocnienia łodyg, plasteliny lub szpachli okiennej, plastikowe torby, taśma klejąca, probówki, pianka plastikowa, papier pakowy, warkocz, barwniki, klej, tektura, żyłka wędkarska.

Naczynie może mieć różne kształty, kolory i być wykonane z różnych materiałów, najważniejsze, aby podkreślało piękno kompozycji, nie dominując jej i nie przyćmiewając. Wybór pojemnika zależy od charakteru kompozycji, faktury i koloru materiału roślinnego, tła, przeznaczenia i sposobu instalacji.

1) Wazon- jest to naczynie o wysokości równej lub większej od szerokości, zwykle z węższą szyjką; do robienia bukietów i kompozycji lepiej zaopatrzyć się w wazony proste, skromne, o stonowanej kolorystyce. Harmonijnie połączone z kwiatami dowolnego koloru, naczyniami we wszystkich odcieniach brązu i zielone kwiaty a także biały i czarny. Do zimowych bukietów lepiej nadają się wazony o jasnych kolorach lub wazony z dekoracją w postaci kolorowego malowania, modelowania.

W przypadku prostych, skromnych kwiatów wybiera się proste nieszkliwione gliniane wazony, drewniane naczynia, wiklinowe kosze ze słomy lub wierzby.

Kwitnące gałęzie, a także suche gałęzie i gałęzie z jagodami, bukiety roślin owłosionych, łąki, turzyce, trzciny dobrze komponują się z ceramiką.

Bukiety zbożowe lepiej prezentują się w szklanych wazonach.

Do dużych, ciężkich kwiatów (dalia, chryzantema) lepiej wybrać masywne, szorstkie wazony ceramiczne.

Goździki, róże, storczyki, anturium umieszcza się w drogich lub ręcznie robionych metalowych wazonach.

Kwiaty o bezlistnej cienkiej łodydze (gerbera, rumianek), a także pełne wdzięku, delikatne kwiaty umieszcza się w porcelanowych lub szklanych wazonach.

Nisko rosnące rośliny lub kwiaty o krótkiej łodydze (fiołki, przebiśniegi, pierwiosnki, muscari, konwalie) umieszcza się w niskich płaskich wazonach lub w małych kieliszkach do wina z przydymionego kryształu lub szkła.

Zasada wyboru wazonu:.

1) Większość główna zasada- zasada analogii: kształt bukietu powinien albo powtarzać kształt wazonu, albo go kontynuować.

2) Bukietów o zaokrąglonym kształcie nie należy umieszczać w smukłym wysokim wazonie, kompozycja musi mieć ten sam wydłużony kształt, zbierając rośliny o smukłych łodygach.

3) Wysoki wazon z szerokimi ustami nadaje się na jednostronny bukiet z dobrze udekorowanym frontem

4) Do krótkiego i szerokiego bukietu potrzebny jest niski i szeroki wazon.

Jeśli wazon ma być „wpasowany” w zastawę stołową, musi być wykonany z tego samego materiału co naczynia.

5) Dzbanki - nadają się do tworzenia antycznych kompozycji i bukietów kuchennych

6) Koszyczki – najczęściej stosowane kosze tkane są z materiałów naturalnych (winorośl, bambus). Rozmiar kosza powinien być dopasowany do wielkości roślin, materiału. Splot powinien być ciasny.

Taca to płaskie naczynie z wypukłymi krawędziami. Służy do tworzenia kompozycji pulpitu.

Inne przedmioty - patelnie, chochle, słoiki na mleko, imbryki, cukiernice, muszle duże, drewno wyrzucone na brzeg, zabawki dla dzieci, wazony na owoce itp.

Pojemnik rzeźbionych arbuzów, melonów, cukinii.

Stojaki na wazony - ze ścinków drzew, z korzeni, grubych kawałków kory, płyt łupkowych, kamieni itp.

Kwiaty są cięte pod węzłem liścia, pod kątem ostrym nożem. Podczas używania tępego noża tkanki łodygi zgniatają się, co zapobiega przenikaniu wody. Na dnie łodygi usuwane są liście, które szybko gniją w wodzie. Nie robią tego z różami i chryzantemami, bo. ich liście wchłaniają wodę, nie można usunąć kolców i kory. Dla lepszej absorpcji wody, dolny krój jest aktualizowany pod strumieniem wody. Jeśli łodygi rośliny podczas cięcia wydzielają mleczny sok (mak, wilczomlecz, dalia, cynia), wówczas skrawki traktuje się płomieniem lub zanurza we wrzącej wodzie, a następnie skrawki umieszcza się w zimna woda. Łodygi roślin cebulowych należy przyciąć na zielono, ponieważ. niepomalowana część łodygi nie wchłania dobrze wody, należy ją usunąć. Jesienne gałązki i bambus moczy się w stężonym roztworze cukru, dzięki czemu stają się błyszczące i utrzymują się przez długi czas. Napar z kudły wstrzykuje się w łodygi lilii wodnej, dzięki czemu kwiat pozostaje otwarty i utrzymuje się przez długi czas. Stokrotki traktuje się solą. W liliach, tulipanach i niektórych innych kwiatach cząsteczki kurzu są usuwane.

rośliny, bo substancje wydzielane przez niektóre rośliny są toksyczne dla innych.

Niekompatybilne: goździki i róże; słodki groszek i róże; ciemnoczerwone róże i herbaciane róże; konwalie i fiołki; konwalie i bzy; lilie i stokrotki; lilie i maki; lilie i chabry; maki i storczyki; niezapominajki i tulipany; tulipany i żonkile; tulipany i konwalie; pierwiosnek żółty i muscari; pierwiosnki żółte i inne pierwiosnki.

Tematem dzisiejszego artykułu jest techniki struktury i aranżacji (układ angielski). Nie jest tajemnicą dla nikogo, że słowo „układ” często wywołuje strach i przerażenie wśród uczennic i uczennic wszystkich klas podstawowych. uczelnie muzyczne kraj. I nic dziwnego – wszak ta wyjątkowo twórcza nauka wymaga tytanicznych wysiłków, nieustannego samorozwoju. Ale przede wszystkim wyłącznie kreatywność do momentu, szczera miłość do muzyki.

Często zdarza się, że któryś z ulubionych fragmentów lub bardzo długa i intensywna część aranżacji jest zupełnie zbędna i trzeba ją usunąć dla całościowego obrazu kompozycji. Najlepszy dźwięk

W naszym artykule staraliśmy się zrozumieć niektóre cechy, techniki układania, a także zrozumieć strukturę jego tworzenia. Ten zawód nie stoi w miejscu; co było aktualne jeszcze 10-20 lat temu, dziś pod względem technicznym – pod względem samego procesu pracy – zmieniło się diametralnie.

instrumenty tradycyjne

Oto kilka podstawowych technik aranżacji przy użyciu popularnych standardowych instrumentów muzycznych.

Zwykle saksofony lub trąbki, ale także gitary (tzw. instrumenty transponujące) pisane są najpierw w tonacji C. Konieczne jest zapisanie ich w tym samym zakresie, w którym występuje ich rzeczywisty dźwięk.

Wszyscy uwielbiają używać pociągnięć notacja dynamiczna takie jak forte, crescendo, fortepian itp. W nowoczesnych szablonach z reguły nie są one wskazane, więc wszystkie te elementy są całkowicie i całkowicie zależne od twojej osobistej wyobraźni.

Przykładowe portfolio z uzgodnieniami (ROK, POP, REP)

Przykład 1. SKAŁKA
Grupa „Wires” - piosenka „Deep”

Przykład 2. SKAŁKA
Grupa „Hellya” - piosenka „Coco”

Przykład 3. POP
The Produkt$ - piosenka „Mam marzenie”

Przykład 4. POP
Utwór „Klęknij”. układ pod klucz

Przykład 5. REP
Piosenka daj mi. Aranżacja + miksowanie

Przykład 6. REP
Piosenka „Chłopczyca”. Aranżacja + miksowanie

Trudno jest śledzić zgodność z rzeczywistą rozpiętością instrumentu, na którym została napisana partia muzyczna. Szczególnie trudno jest rozgryźć za pierwszym razem z basem, gitarą i innymi rzeczami. Ale to nie ma znaczenia, doświadczony muzyk będzie w stanie „poprawić” na miejscu.

Słyszałeś o General MIDI? Zawsze możesz użyć własnych, nagranych przez siebie dźwięków, ale muszę powiedzieć, że wszystkie syntezatory mają swój własny bank standardowych dźwięków. Z reguły na nich opiera się dobór barw.

Cechy instrumentów perkusyjnych

Nagraj dźwięki bębnów w prostych nutach. Aby to zrobić, musisz znać standard GM (General MIDI). Prostą praktyczną zasadą w tym formacie jest to, że perkusja próbuje napisać kilka oktaw powyżej swojej normalnej wysokości, jeśli partia jest łatwa do odczytania.

Zauważ to większość nowoczesne style zawiera dużo instrumenty perkusyjne . Zostaną one nagrane na kilku pięcioliniach. Następnie są one transponowane do wygodnej tonacji, redukując liczbę zbędnych znaków i dogodny dla muzyka zakres (czyli 1-2 oktawy). Nie zapomnij też o tłumaczeniu nut dla prawdziwego perkusisty na jego profesjonalny „język”.

Obejrzyj wideo. Świetny przykład tego, jak perkusja jest nagrywana za pomocą MIDI. Sygnały są przesyłane ze sterownika (w tym przypadku perkusji elektronicznej) do komputera i już w sekwencerze są „zawieszane” i dopasowywane są potrzebne dźwięki. Jako kontroler możesz użyć zwykłej klawiatury midi z tradycyjnymi klawiszami lub padami (nawet niedrogi syntezator z wyjściem midi też się nada).

Bębny są warunkowo podzielone tylko na 5 grup. Główna obejmuje wszystkie rozmiary bębnów. A także tomy, które pozwalają zobaczyć główną linię bębnów i całość dodatkowa praca przykleja się do części bębna. Następny ważna grupa– pedały, zarówno zamknięte, jak i otwarte. Ta grupa nazywa się hi-hat. W muzyce latynoamerykańskiej twórczość kong, bongosów, timbalesów traktowana jest oddzielnie jako trzecia wspólnota. Istnieją również instrumenty perkusyjne z tzw. miękkimi i ostre ataki. Do pierwszych należą shakery i marakasy, a do drugich trójkąty, claves.

O nagrywaniu bębnów i instrumentów perkusyjnych przeczytasz w naszym artykule.

Zrozumienie struktury aranżacji

Zacznij, aby zacząć tworzenie i rysowanie konstrukcji. Na tym etapie ważne jest ustalenie dokładnej liczby miar dla wszystkich części. Ile zwrotek, refrenów, jaka będzie koda, a jaka będzie gitarowa solówka. Będziesz potrzebował do tego nuty lub zwykłej nuty, po prostu zaznacz to kreskami, szanując strukturę utworu.

Następnym krokiem jest wybranie barw, których użyjesz w swojej aranżacji. Teraz musimy zdecydować o funkcjach każdego z nich, który z nich będzie solo, a kto akompaniamentem.

Trzeci etap - weź jako podstawę szablon książki lub lepiej, który sam wymyśliłeś, i podejmij główne żmudne zadanie - napisz do nich notatki.

Z reguły szablon powinien wyglądać przystępnie i prosto, więc leży w C-dur (ułatwia to pracę z materiałem ze względu na brak przypadkowych klawiszy personel muzyczny) i ma długość 1-2 barów. Będziesz musiał tylko przerobić go na potrzebne klucze i umieścić w wymaganej liczbie taktów. Tak powstaje muzyka. Możliwe, że w ten sposób niektóre instrumenty będą miały zbyt wiele pustych taktów. To normalne, bo w przeciwieństwie do klasycznego ułożenia - uproszczenia czyjejś pracy, teraz mówimy o prawdziwej kreatywności. Nie ma znaczenia, czy później będziesz chciał coś dodać, więc aby uniknąć zamieszania, zalecamy zapisywanie pustych taktów. Generalnie na tym etapie należy się przygotować indywidualne partytury dla wszystkich Twoich instrumentów.

Po wykonaniu tytanicznej pracy warto pozwolić sobie na krótką przerwę, a potem nowa runda nie mniej głęboka twórczość. Przygotuj szkic całej partytury utworu. Pamiętaj, nie musisz żałować papiery muzyczne, wypisz wszystkie puste takty, chyba że piszesz czystą kopię dla studia, dla wydawcy lub, powiedzmy, dla orkiestry. Po zapisaniu kilku arkuszy nutowych zdarza się, że kompozytor traci godziny i dni na odtworzenie potrzebnego mu obrazu.

Dalej - w sekwencerze urządzenia, na którym pracujesz, czy to syntezator, czy komputer, musisz wprowadzić wszystkie części, ścieżki. Nie trzeba długo ślęczeć nad poszczególnymi partiami, ale lepiej wykonać tę pracę jak najszybciej. Dlaczego pytasz. Po prostu czas minie i zawsze możesz do nich wrócić, jeśli chcesz je zmienić. Szkoda, ale naprawdę często zdarza się, że któryś z twoich ulubionych fragmentów, albo bardzo długa i intensywna część aranżacji okazuje się zupełnie niepotrzebna i trzeba to skasować za powodzenie ogólnego obrazu kompozycji.

Część końcowa

Teraz czas na odsłuchanie gotowego nagrania, wykonanie go dokładnie, a następnie podjęcie decyzji, czy popracować nad jego ulepszeniem, czy zostawić arcydzieło takim, jakie jest. Uwaga, ten etap jest naprawdę bardzo ciekawy, najbardziej odpowiedzialny w całej pracy. Teraz będziesz musiał popracować nad dostosowaniem barwy gotowe prace. Najprawdopodobniej będziesz musiał przesunąć niektóre fragmenty w górę lub w dół o oktawę. Nagraj ponownie nieudane sekcje lub części. Spróbuj „ożywić” partie solowe

Pod tym względem prawie dotarłeś do finału. Teraz, jeśli jest taka możliwość i chęć, dodaj pogłos lub inne elementy przetwarzania dźwięku. Również poprawne zrównoważ głośność każdej jednostki muzycznej w swoim zespole.

Wszystko! Na koniec po prostu wybierz Eltona Johna, powiedz piosenkarzowi, że wszystko jest dla ciebie gotowe. Pozwól mu raczej zabrać twoją pracę, oczywiście, jeśli nie żałujesz, że ją oddałeś.

06.09.2013 o 03:14

Witam wszystkich aranżerów i beatmakerów! :) Opowiem wam jak wydobyć właściwe brzmienie utworu instrumentalnego już od pierwszych etapów jego powstawania. Od razu uprzedzam, że tutaj nie będzie żadnych zasad – każdy tworzy aranżację i miksuje na swój sposób i to jest bardzo dobre. Po prostu dzielę się niektórymi z moich obserwacji, które każdy, kto czyta, może wziąć pod uwagę. W tym artykule skupiam się na nowoczesnym brzmieniu.

Wybór instrumentów w aranżacji w celu uzyskania dalszych informacji. Porady.

Wielu początkujących muzyków uważa, że ​​jakość brzmienia miksu zależy od jego miksu i masteringu, i zupełnie nie zdaje sobie sprawy, że pracę nad wyrazistością i wyrazistością każdego instrumentu zaczyna się od samego początku tworzenia podkładu (lub pełnoprawnego podkładu muzycznego). kompozycja). Każdy instrument w miksie powinien odgrywać swoją rolę - rytmiczną, melodyczną, akompaniamentową, nadającą dynamikę itp. Jeśli instrument/dźwięk nie odgrywa żadnej określonej roli, to nie jest potrzebny w miksie. Każdy instrument „siedzi” w określonym zakresie częstotliwości, a dokładniej, pewne częstotliwości każdego instrumentu charakteryzują go w miksie jako taki lub inny instrument. Bardzo ważne jest, aby o tym nie zapomnieć.
Już na etapie tworzenia minusa aranżer przy wyborze jakiegokolwiek instrumentu powinien zastanowić się czy nie koliduje on prywatnie z innymi instrumentami, a jeśli przeszkadza to czy da się to naprawić na etapie miksu nie psując całego uroku jego dźwięk. Instrumenty solowe (partie solowe fortepianu, instrumenty dęte, skrzypce, instrumenty syntetyczne itp.) grające różne melodie powinny brzmieć w różnych oktawach, w przeciwnym razie zamieszanie jest nieuniknione. Korygowanie takiego „bałaganu” na etapie miksowania poprzez obcinanie częstotliwości oznacza psucie brzmienia instrumentu (instrumentów).

Zacznijmy więc od stopy i basu.

Beczka (kopnięcie).
Do tego instrumentu należy podchodzić ze szczególną odpowiedzialnością, gdyż jego charakter i brzmienie wyznaczają „markę” instrumentu. Dobrze brzmiąca para kick-bass to 50% sukcesu miksu. Możesz najpierw podnieść beczkę, a następnie podnieść do niej bas lub odwrotnie.
Beczka w dowolnym muzyka współczesna ma "smakowitą" część częstotliwościową na dole - 50-100Hz. W przypadku niektórych bębnów jest to tak wyraziste, że mają nawet słyszalną tonację. W tym przypadku trzeba też popracować nad jego wysokością, aby brzmiał „w zgodzie” z basem. Lub po prostu wytnij bardzo wąskim pasmem korektora częstotliwość, która odpowiada za przynależność do jakiejś nuty. Ale jeśli nie potrzeba „tonalnego” kopnięcia, to lepiej od razu szukać innego niż obcinać tę częstotliwość.
Jeśli stopa ma wyraźną subpartię, np. przy 70 Hz, to subbas powinien brzmieć przy 50-60 Hz lub 80-90 Hz - należy się tym kierować przy wyborze stopy. To beczki, a nie bas, bo subwoofer basu o dowolnej barwie będzie brzmiał z tą samą częstotliwością, ponieważ instrumentalna ma określoną tonację, niezależną od doboru instrumentów.
Zachowaj ostrożność podczas nakładania bębnów basowych – mogą one brzmieć poza fazą. Bazę niskotonową należy zostawić tylko z jednego kopnięcia, odcinając ją przy drugim (rozwiąże to zarówno problem przeciwfazy, jak i konflikt tonacji).

Gitara basowa
Sferyczny bas ma 3 komponenty - sub, mid i high overtons. Wszystko to może zawierać jeden dźwięk, ale wielu aranżerów (w tym ja) najczęściej tworzy bas z osobnego subwoofera (40-100 Hz) i środka (100-300 Hz, a także zawiera wysokie częstotliwości). Ale średni bas ma znaczenie tylko w miksie, w którym nie ma innych instrumentów, które brzmią w tym zakresie (kontrabas, niska wiolonczela, niskie oktawy fortepianu, riffy gitarowe itp.). Jeśli istnieją takie instrumenty, powinieneś przyjrzeć się bliżej wyborowi basu, ponieważ. jego 100-300 Hz może uszkodzić ich percepcję. Jeśli w aranżacji jest niski bas (sub), ale nie ma niskich instrumentów, to w zakresie tych 100-300 Hz może pojawić się „pustka”. Wtedy, bez względu na to, jak dobrze miks jest wykonany i zmiksowany, bez względu na to, jak interesujące są w nim melodie, słuchacz będzie miał obsesyjna myśl- "czegoś brakuje", a czego dokładnie - żaden słuchacz nie będzie w stanie odpowiedzieć. W takim przypadku nie trzeba kombinować z samym basem, niech zostanie tak, jak jest, albo można np. zakres częstotliwości„partyturę”, grając na przykład w niskich oktawach na wiolonczeli. Smyczki, dowolny syntetyczny preset - to nie ma znaczenia, naszym zadaniem jest po prostu wypełnić tę pustkę w dolnej części środka. Najważniejsze jest to, że to narzędzie do „wypełniania” z jednej strony nie przeszkadza niski bas, az drugiej do instrumentów o wyższych częstotliwościach :).

Mieszanie stopy i basu.
Kiedy więc wybrano odpowiedni bęben basowy, trzeba doprowadzić brzmienie tej pary do dobrego zysku. Każdy bęben ma kick o niskiej częstotliwości w zakresie 90-120 Hz. Częstotliwość tę trzeba znaleźć wąskim pasmem korektora, a następnie głęboko obciąć tym samym wąskim pasmem przy basie. Możesz nawet podnieść go za lufę, aby wzmocnić to kopnięcie. Dlatego cięcie jest bardzo wąskie, wtedy bas nie ucierpi na tym ścięciu, ale beczka będzie bić wyraźniej. Często nawet po tym uderzeniu brakuje wyrazistości, wtedy dodajemy do tego atak dowolnym sound designerem lub kompresorem. Polecam pierwszą opcję, ponieważ. wszystkie ujęcia beczek we współczesnym Internecie są już domyślnie „wciśnięte” przez kompresor. Przykład wtyczki - Projektant przejściowy SPL.
Już na etapie miksowania bębnów basowych można zawiesić saturator basowy na sekcji głównej (np fale basowe) i ustaw w nim częstotliwość, zgodnie z tonacją swojej kompozycji, w oparciu o małą tabelkę:
c = 66 Hz,
d = 74,25 Hz,
e = 82,5 Hz,
f = 88 Hz,
g \u003d 49,5 lub 99 Hz (najbardziej niewygodny z punktu widzenia inżyniera dźwięku klucz)
a = 55 Hz,
b = 61,875 Hz. Wszystkie wielokrotności również pasują, jak widać.
Jeśli używany fale basowe, to domyślnie ma bardzo wysoki poziom nasycenia, więc pokrętło intensywność do rozsądnych granic. W tej chwili ta wtyczka powinna zostać odłożona, ponieważ reszta instrumentów miksu musi zostać przetworzona już z uwzględnieniem tego nasycenia. Niektórzy inżynierowie dźwięku wolą nie wieszać takich wtyczek na sekcji głównej, tłumacząc, że takie przetwarzanie wpłynie również na te instrumenty, które tego nie potrzebują. Pamiętaj jednak, że jeśli instrument nie ma w ogóle niskich częstotliwości (lub są one całkowicie odcięte), to nie będą one „nasycone”.
Jeśli używanych jest wiele tonów basowych, należy je również przetworzyć, aby brzmiały w pełni i nie kolidowały ze sobą. Ale zanim to zrobisz, upewnij się, że każdy z tych basów naprawdę odgrywa ważną rolę pod względem częstotliwości. Jeden z nich będzie odpowiedzialny za część podrzędną, cała reszta powinna być obcięta hojnie (w tym wszystkie niskie brzmiące instrumenty). Średnio-basowy, mogę ci doradzić obróbkę jakiejś lampowej „izolacji”. Tyle że ten proces jest bardzo subtelny i nie uciekniesz od pospolitych klisz, więc wszystko zależy od twojego „smaku sonicznego” :). Jeśli kompozycja jest dynamiczna, to syntetyczny średni bas można też przerobić dowolnym przesterem (wtyczką, która sprawia, że ​​zęby piły są ostrzejsze – np. Wzmacniacz lampowy Voxengo) - to sprawi, że bas będzie brzmiał bardziej nowocześnie. Chociaż nie powinieneś tego nadużywać, ponieważ. może być zbyt chaotycznie. Co więcej, każdy średni bas ma dość ciekawie brzmiące częstotliwości w okolicach 1-3 kHz, można spróbować ich poszukać i lekko podnieść pasmem o średniej szerokości. Jeśli jest kilka średnich basów i są one syntetyczne, to wszystkie trzeba „wycisnąć” wspólnym kompresorem (polecam prosty fale rvox).

Jeśli wszystko jest zrobione poprawnie, to na tym etapie mamy solidnego kopniaka ze smakowitym basem.

Wybór innych narzędzi.
Dalszy dobór instrumentów w kolorze czerwonym zależy od pomysłu aranżera. Od razu należy sobie wyobrazić, co chcemy umieścić w dolnej i wyższej średnicy, w obszarze wysokich częstotliwości. Cała dalsza obróbka zależy całkowicie od charakteru gry na dowolnym instrumencie i jego roli w miksie. Pamiętaj, że słuchacz słucha uważnie tylko w zakresie około 300 Hz-4 kHz, reszta częstotliwości niejako towarzyszy temu, czego słucha. Poniżej 300 Hz - bas, który tworzy jakość. Powyżej 4kHz - wysokie tony, które tworzą efekt bliskości, ożywienia. Dlatego nie należy umieszczać na nich takich instrumentów i melodii w tych częstotliwościach, których słuchacz według Twojego pomysłu powinien słuchać i w które się zagłębiać. Wyjątek – improwizacja na instrumencie basowym, np. w jazzie – jest możliwa tylko pod nieobecność innych instrumentów grających na wyższych częstotliwościach (nie licząc bębnów).
Gra na jakimkolwiek instrumencie w niższych oktawach jest wskazana tylko wtedy, gdy instrument basowy koncentruje się tylko w większości niższe częstotliwości(do 100 Hz), a powyżej ma tylko opcjonalne alikwoty, które zawsze można wyciąć. Również dla wszystkich instrumentów, z wyjątkiem stopy i basu, konieczne jest znaczne podcięcie dna.
Jeśli wiodący instrument jest pomyślany jako instrumentalny, to inne instrumenty nie powinny być „osadzone” w tych częstotliwościach, na których się koncentruje. Mówiąc najprościej, w idealnym przypadku na oktawę powinien przypadać tylko jeden instrument. Nie dotyczy to jednak instrumentów akompaniamentu w tle - padów, smyczków itp., ponieważ zawsze mogą wyciąć nawet swoją główną częstotliwość. Będzie to miało niewielki wpływ na postrzeganie miksu, ponieważ. słuchacz ich nie słucha, słuchacz po prostu je słyszy.

Ekstremalne wysokie tony (od 8 kHz).
Pierwsza rzecz, która wyróżnia słaba jakość audio z dobrego - charakter brzmienia ekstremalnych szczytów. Powinny wystarczyć, ale nie powinny być nachalne, w przeciwnym razie słuchacz odbierze to jako ból (i zrobi to dobrze). Przeanalizowałem wysokiej jakości dźwięk zachodnich wykonawców i mogę powiedzieć, że prawie zawsze na tych częstotliwościach brzmią tylko bębny, żadnych instrumentów. Są to: werbel (snare), kapelusze (kapelusz), shakery (shaker), trójkąt (trójkąt), inne instrumenty perkusyjne o wysokiej częstotliwości. Bębny grające na takich wysokich tonach nie powinny być strunowate (będzie ranić uszy), powinny być krótkie i rześkie. Jeśli wybierzesz kapelusz, im wyżej brzmi, tym powinien być krótszy. Co do krótkiej i rzadko bijącej wysokoczęstotliwościowej perkusji - takie instrumenty bardzo lubią być rozrzucane po panoramie, nawet bardzo mocno. Krótki trójkątny dźwięk, czasem wydobywający się z prawego głośnika, to już klasyka gatunku wszelkich kompozycji slow-tempo :).

Liczba głosów.
Trzeba pamiętać, że układ do utworu iw całości kompozycja muzyczna, nie sugerując głosu - zupełnie inne rzeczy. Głos jest tym samym instrumentem, wymagającym „dziury” częstotliwości dla wyrazistego brzmienia.
Jeśli minus jest tworzony pod głosem konkretnej osoby, wskazane jest przeanalizowanie jego głosu pod kątem barwy, pozostawiając odpowiedni zakres częstotliwości pusty w minusie. Jeśli głos jest wysoki, mniej skupiamy instrumenty na wysokich oktawach, jednocześnie hojnie uderzając młotkiem w środkową i dolną strefę środkową. Kiedy niski głos po prostu zostaw dolny środek pusty. Bywa, że ​​markowy minus świetnej jakości nie współgra z głosem równie znakomitego wokalisty i żadne miksowanie tego nie naprawi.

Kilka słów o wyrównaniu.
Po internecie krąży frazes, że nie da się pracować jako korektor na plus. Dlaczego, jest to bardzo możliwe. Ale nie ma sensu podnosić tych częstotliwości jakiegokolwiek instrumentu, których w nim nie ma lub są znikome. Pojawi się tylko buczenie lub dźwięczne podteksty. Praca na plus z korektorem to podbijanie tylko dominujących częstotliwości instrumentu, których po prostu nie ma w miksie lub które wymagają lepszego podkreślenia. Jeśli jednak chcesz podkreślić jakąś częstotliwość, powinieneś najpierw spróbować wyciąć podteksty, a dopiero jeśli nie doprowadzi to do dobrego wyniku, podnieś pożądany.

Miksowanie nie polega na tworzeniu zachodniej jakości z kakofonii, to po prostu korekcja przetwarzania w celu uzyskania lepszego dźwięku. Dlatego dobrze brzmiący miks to przede wszystkim bardzo precyzyjnie dostrojony aparat słuchowy aranżera do kompetentnego doboru instrumentów i dźwięków w miksie.

(с) Egor Quartz Music Mishchinov
http://vk.com/egor_quartz

Twoja kolej pomysły muzyczne w zwartą całość!

Dobra aranżacja jest prawie tak samo ważna jak pisanie dobrej muzyki. Jeśli zrobisz to dobrze, otrzymasz hit typu „zrób to sam”, jeśli zrobisz to źle, otrzymasz tylko rozproszoną garść pomysłów.

Tutaj 14 punktów, z których każdy pomoże ulepszyć aranżację:

1. Uczenie się od ekspertów.
Posłuchaj swoich ulubionych kawałków i spróbuj zrozumieć ich aranżacje – co takiego mają w sobie, że działają. Im więcej słuchasz, tym więcej łapiesz „chipsów”. Często możesz z nich korzystać samodzielnie.
Nawiasem mówiąc, od dawna kręciłem się nad pomysłem, aby zebrać wszystkie te znaleziska w pewnym słownik ewentualnie z przykładami fragmenty muzyczne. Pytanie tylko, jak iw jakim środowisku wygodniej jest to zrobić.

2. Bądź krytyczny wobec swojej pracy.
Tak, wszystko jasne, kiedy właśnie się umawiasz, jesteś pełen emocji i wrażeń i dumny z siebie. Ale (przynajmniej nie za każdym razem) postaraj się odnaleźć w swojej aranżacji części, które nie działają. A jeśli znajdziesz bezwzględnie wyrzucić. Tak, na krótką metę proces ten nieco spowalnia pracę, a nawet trochę ją odrzuca. Ale na dłuższą metę twoje układy stają się lepsze.

3.Nauka teorii muzyki.
Nawet małe kawałek wiedzy może dać ci zupełnie nowy kierunek (o tak, sam to przetestowałem więcej niż raz!). Nie zawsze jest zbyt nudny lub naukowy (Tutaj nie do końca zgadzam się z autorem. Widziałem wiele rosyjskich podręczników prezentowanych w strasznie zawiłym, zagmatwanym języku. Jednocześnie istnieje wiele anglojęzycznych artykuły, w których wszystko jest przedstawione prosto, zrozumiale i technologicznie.Na szczęście w ostatnie lata sytuacja zmienia się na lepsze.
Eksploracja nowej strony teoria muzyki, zaczynasz lepiej rozumieć, co sprawdza się w Twojej aranżacji, a co nie. Często możesz z góry powiedzieć coś konkretnego, nawet nie słuchając samej rzeczy.

4. Stara się używać czystego wokalu.
W utworze wokal jest królem (lub królową). Wokale są centralnym punktem całego utworu. Czy to prawda? Dlaczego więc nie podkreślić go tak bardzo, jak to możliwe? Na przykład, na początku lub na końcu piosenki odchodzą tylko wokal. Efekt może być naprawdę potężny.
Dobrym przykładem jest początek utworu „Waiting Dla Deszcz” Roxette.
Pobierz i posłuchaj przykładu, MP3-zip, 548KB
Na początku przez całe 20 sekund - same wokale, choć przetworzone z "efektem telefonu" i brzmiące na tle elektrycznego pianina. Potem powoli, pojedynczo, zaczynają być dodawane instrumenty, jakby muzycy wchodzili na scenę. Jednak muzyka nadal nie brzmi dobrze. I „eksploduje” w drugiej zwrotce, gdzie wszystkie instrumenty grają już pełną parą. Ta technika jest dobrze opisana w następnym akapicie. Brzmi bardzo efektownie. (Cóż, w tym przypadku – miękko, biorąc pod uwagę, że aranżacja jako całość jest nieco minimalistyczna).

5. Mądrze wykorzystuj przestrzeń.
Postaraj się zostawić miejsce w utworze, zwłaszcza w wierszu. Wcale nie jest konieczne, aby instrumenty grające akordy brzmiały wszędzie. Czasami możesz wyłącz wszystko oprócz perkusji, wokalu(lub melodia instrumentalna) i ewentualnie bas. Będzie bardzo skuteczny, efekt jest szczególnie silny, gdy wszyscy dołączają do chóru reszta instrumentów. Co wspaniale ilustruje ten sam przykład z Roxette.
(Tutaj też nie do końca zgadzam się z autorem – jeśli to nie jest wstęp czy kod, to wszak przynajmniej jeden Podkładka Odszedłbym, inaczej muzyka się rozpadnie. Albo to musi być naprawdę wartościowy wokal! Nawiasem mówiąc, o podkładkach patrz punkt 10)

6. Zmienianie refrenów.
W ogóle . Proponuje się tutaj inną metodę: wyłącznie za pomocą aranżacji.
Jasny cel powtarzane Powtórz refren- być zapamiętanym. Ale proste powtarzanie może być nudne. Jedno rozwiązanie to trochę zmienić skład narzędzi w niektórych refrenach, zmiana dynamika lub włączanie i wyłączanie poszczególnych instrumentów w różnych powtórzeniach refrenu. Dodajemy więc trochę różnorodności.
Wspaniałą ilustrację tej metody można usłyszeć w piosence Zemfiry „Proved”.
Pobierz i posłuchaj przykładu, MP3-zip, 466 KB
W końcowych refrenach nawet trochę różne style i akcenty. Ale po takiej zmianie powtórzenie zwykłego refrenu słychać ponownie w nowy sposób.
W powyższym fragmencie Zemfira śpiewa refren trzy razy z rzędu. Ale nie brzmi to nudno, bo chociaż śpiewa je tak samo, to przy drugim powtórzeniu grupa zmieniła rytm, a nawet styl, po czym wróciła do starego.
Kolejny ciekawy moment: solo-gitara, która pojawiła się na drugiej powtórce niejako „wyrasta” w trzecią i tym samym nadaje jej nieco inny kolor.

7. Unikaj nakładania się.
Zwróć uwagę na miejsca w utworze, w których przecinają się melodia i partie towarzyszące. Jeśli mamy wokal lub melodię, musimy dać im miejsce (zasada „uwolnij rejestr!” - porozmawiamy o tym w akapicie 14). Jeśli w tym samym czasie gra gitara prowadząca lub syntezator w tym samym zakresie i w tym samym rytmie, jako melodia, okazuje się, że się pokrywa.

8. Próbowanie nietypowych narzędzi.
Jeśli masz ciągle te same stare dźwięki w swoich piosenkach, znudzi ci się to. Zarówno zmienić znajome syntezatory, lub spróbować czegoś zupełnie innego, może nawet dzikiego. Możesz nawet zrobić próbki od dźwięki niemuzyczne. W rzeczywistości dosłownie wszystko, co hałasuje, jest w porządku. 🙂 A odgłosy wcale nie muszą być harmonijne. To bardzo kreatywne zadanie: osiągnąć muzykalność nawet z takiego materiału. Ale zadanie jest zwykle wykonalne, nawet jeśli nie bierze się egzotycznych przypadków, takich jak utwór, którego cała sekcja perkusyjna jest zbudowana z dźwięków wydawanych przez człowieka - kichania, kaszlu, klapsów itp.

9.Warstwy.
Najprostszy sposób zagęścić mieszankę- brać wiele narzędzi grając w tę samą grę. Lub nawet kilka identycznych instrumentów grających na tym samym. Podczas miksowania i panoramowania występują pewne subtelności. Kiedyś przyjrzymy się im bliżej.

10. Korzystanie z podkładek.
Pady brzmią miękko i długo. Zwykle nie przykuwają uwagi słuchaczy, ale dodają aranżacji nastroju i pewnej głębi. Jeśli piosenka brzmi zbyt niewyraźnie, „subtelnie” i nie możesz zrozumieć, o co chodzi, czasem rozwiązaniem staje się Podkładka. Eksperci twierdzą, że tak dobry sposób ustaw odpowiednią głośność padu: musisz złapać poziom, przy którym pad jest prawie niesłyszalny na tle innej muzyki i nieco go zmniejszyć. Tak, zgadza się, w końcu idealny pad nie powinno być słyszane. Jego zadaniem jest działanie na podświadomość. Jest tak, jakby go nie było. Ale spróbuj go całkowicie wyłączyć, a natychmiast muzyka stanie się uboższa.

11. Uświadom sobie rytm.
Móc twarda synchronizacja wszystkie instrumenty, sprawiając, że grają w tym samym rytmie. Czy możesz pozwolić im grać? różne rytmy. Cokolwiek postanowisz, musi to być świadoma decyzja. Jeśli w ogóle nie zwrócisz uwagi na rytm, układ będzie niechlujny i luźny.

12. Rozpoznaj oczekiwania odbiorców.
Kiedy budujesz aranżację, czasami najlepiej jest zrobić coś tradycyjnie i zakończyć piosenkę mocnym refrenem. Ono - na co ludzie czekają a może chcesz posłuchać. W tym samym czasie czasami przeciwstawiać się konwencjom i zrazić "coś takiego" - i będzie super. Najważniejsze, znowu, aby robić wszystko nie przez przypadek, ale świadomie.

13. Dokonywanie naszego oryginalnego początkowego odliczania.
okrutna prawda polega na tym, że większość słuchaczy jest bardzo niecierpliwa i często ocenia utwór po nim pierwsze kilka sekund. Partytura otwierająca to nie tylko rytm przed rozpoczęciem melodii czy wokalu, to bardzo ważna część, która rządzi się swoimi prawami. Więc poświęć trochę czasu i spraw, aby był bezbłędny.

14. Myślę o rejestrach.
Rejestr określa, jak wysoko lub nisko brzmi dana część. Czasami możliwe jest nawet przesunięcie całej partii o mniej niż całą oktawę (na przykład te same akordy można zagrać w innej pozycji na gitarze). Tu obowiązują zasady i to dość subtelne. Ale ogólnie, jeśli wszystkie instrumenty grają w tym samym rejestrze, okazuje się, że jest to albo nudne, albo kompletny bałagan, ponieważ dźwięk jest zbyt gęsty. Lepszy podzielić strony na różne rejestry. Dobrze jest również używać różnych rejestrów w miarę postępu utworu.