Termin „impresjonizm” powstał z lekką ręką krytyka magazynu Le Charivari Louis Leroy, który zatytułował swój felieton o Salonie Les Misérables „Wystawa impresjonistyczna”, opierając się na tytule obrazu Claude'a Moneta „Impresja. Wschodzące słońce” (fr. Impression, soleil levant). Początkowo termin ten był nieco lekceważący, wskazując na odpowiedni stosunek do artystów, którzy pisali w nowy, „niedbały” sposób.

Impresjonizm w malarstwie

pochodzenie

W połowie lat 80. impresjonizm stopniowo przestał istnieć jako jeden kierunek i rozpadł się, dając wyraźny impuls ewolucji sztuki. Na początku XX wieku trend odchodzenia od realizmu nabrał rozpędu, a nowe pokolenie artystów odwróciło się od impresjonizmu.

Pojawienie się nazwy

Pierwsza ważna wystawa impresjonistów odbyła się od 15 kwietnia do 15 maja 1874 w pracowni fotografa Nadara. Zaprezentowano 30 artystów, łącznie 165 prac. Obraz na płótnie Monet - „Wrażenie. Wschodzące słońce " ( Wrażenie, soleil levant), obecnie w Musée Marmottin w Paryżu, napisanym w 1872 roku, zrodził termin „impresjonizm”: mało znany dziennikarz Louis Leroy w swoim artykule w czasopiśmie Le Charivari nazwał grupę „impresjonistami”, aby wyrazić swoją pogardę . Artyści z wyzwania przyjęli ten epitet, później zakorzenił się, stracił swoje pierwotne negatywne znaczenie i wszedł do aktywnego użytku.

Nazwa „impresjonizm” jest raczej pusta, w przeciwieństwie do nazwy „szkoła Barbizon”, gdzie jest przynajmniej wskazanie położenia geograficznego grupa artystyczna. Jeszcze mniej jasności jest u niektórych artystów, którzy formalnie nie byli w kręgu pierwszych impresjonistów, chociaż ich techniki i środki są całkowicie „impresjonistyczne” - Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin itp. Ponadto środki techniczne Impresjoniści byli znani na długo przed XIX wiekiem, a Tycjan i Velasquez używali ich (częściowo, w ograniczonym zakresie), nie zrywając z dominującymi ideami swojej epoki.

Był jeszcze jeden artykuł (autorstwa Emile Cardon) i kolejny tytuł – „Wystawa Rebeliantów”, absolutnie potępiający i potępiający. To ona trafnie odtworzyła dezaprobaty mieszczańskiej publiczności i dominującą przez lata krytykę artystów (impresjonistów). Impresjonistów natychmiast oskarżano o niemoralność, buntownicze nastroje, brak szacunku. W ten moment jest to zaskakujące, bo nie jest jasne, co jest niemoralne w pejzażach Camille Pissarro, Alfreda Sisleya, codziennych scenach Edgara Degasa, martwych naturach Moneta i Renoira.

Minęły dziesięciolecia. A nowe pokolenie artystów dojdzie do prawdziwego upadku form i zubożenia treści. Wtedy zarówno krytycy, jak i publiczność dostrzegli potępionych impresjonistów - realistów, a nieco później klasyków sztuki francuskiej.

Specyfika filozofii impresjonizmu

Francuski impresjonizm nie podniósł się problemy filozoficzne i nawet nie próbował wniknąć w kolorową powierzchnię codzienności. Zamiast tego impresjonizm, będąc w pewnym stopniu sztuką kampową i manierystyczną, skupia się na powierzchowności, płynności chwili, nastroju, oświetleniu lub kącie widzenia.

Podobnie jak sztuka renesansu (renesans), impresjonizm zbudowany jest na cechach i umiejętnościach postrzegania perspektywy. Jednocześnie wizja renesansowa eksploduje sprawdzoną subiektywnością i względnością ludzkiej percepcji, która sprawia, że ​​kolor i forma są autonomicznymi komponentami obrazu. Dla impresjonizmu nie jest tak ważne, co pokazano na rysunku, ale jak to pokazano.

Obrazy impresjonistyczne nie niosą krytyki społecznej, nie wpływają problemy społeczne, takich jak głód, choroba, śmierć, reprezentujące tylko pozytywne aspekty życia. To później doprowadziło do rozłamu wśród samych impresjonistów.

Impresjonizm i społeczeństwo

Impresjonizm charakteryzuje się demokracją. Przez inercję sztuka w XIX wieku była uważana za monopol arystokratów, wyższe warstwy populacja. To oni byli głównymi odbiorcami murali, pomników, to oni byli głównymi nabywcami obrazów i rzeźb. Spiski z ciężką pracą chłopów, tragiczne karty naszych czasów, wstydliwe aspekty wojen, biedy, zawirowań społecznych były potępiane, nie aprobowane, nie kupowane. Na krytykę bluźnierczej moralności społeczeństwa w obrazach Teodora Gericaulta Francois Millet znalazł odpowiedź jedynie zwolenników artystów i nielicznych znawców.

Impresjoniści w tej sprawie zajmowali dość kompromisowe, pośrednie pozycje. Odrzucono wątki biblijne, literackie, mitologiczne, historyczne związane z oficjalnym akademizmem. Z drugiej strony gorąco pragnęli uznania, szacunku, a nawet nagród. Wskazówką jest działalność Edouarda Maneta, który przez lata zabiegał o uznanie i nagrody od oficjalnego Salonu i jego administracji.

Zamiast tego pojawiła się wizja codzienności i nowoczesności. Artyści często malowali ludzi w ruchu, podczas zabawy czy relaksu, wyobrażali sobie widok określonego miejsca w określonym świetle, motywem ich pracy była też natura. Podejmowali tematy flirtu, tańca, przebywania w kawiarniach i teatrach, wycieczek łodzią, na plażach iw ogrodach. Sądząc po obrazach impresjonistów, życie to seria małych świąt, przyjęć, przyjemnych rozrywek poza miastem lub w przyjaznym otoczeniu (liczne obrazy Renoira, Maneta i Claude'a Moneta). Impresjoniści byli jednymi z pierwszych, którzy malowali w powietrzu, nie kończąc swojej pracy w studiu.

Technika

Nowy trend różnił się od malarstwo akademickie zarówno pod względem technicznym, jak i koncepcyjnym. Przede wszystkim impresjoniści porzucili kontur, zastępując go małymi, oddzielnymi i kontrastowymi pociągnięciami, które zastosowali zgodnie z teoriami kolorów Chevreula, Helmholtza i Rude'a. Promień słoneczny dzieli się na składowe: fioletowy, niebieski, niebieski, zielony, żółty, pomarańczowy, czerwony, ale ponieważ niebieski jest odmianą niebieskiego, ich liczba zmniejsza się do sześciu. Dwa kolory umieszczone obok siebie wzmacniają się nawzajem i odwrotnie po zmieszaniu tracą swoją intensywność. Ponadto wszystkie kolory są podzielone na podstawowe lub podstawowe i podwójne lub pochodne, przy czym każda podwójna farba jest dodatkiem do pierwszej:

• Niebieski - Pomarańczowy
• czerwony zielony
• Żółty - Fioletowy

W ten sposób stało się możliwe nie mieszanie farb na palecie i uzyskanie pożądanego koloru poprzez prawidłowe nałożenie ich na płótno. To później stało się powodem odrzucenia czerni.

Następnie impresjoniści przestali koncentrować całą pracę na płótnach w warsztatach, teraz wolą plener, gdzie wygodniej jest uchwycić ulotne wrażenie tego, co zobaczyli, co stało się możliwe dzięki wynalezieniu stalowych rurek do farb, które w przeciwieństwie do toreb skórzanych można było zamknąć, aby farba nie wyschła.

Artyści używali również farb kryjących, które nie przepuszczają dobrze światła i nie nadają się do mieszania, ponieważ szybko szarzeją, co pozwoliło im tworzyć obrazy bez „ wewnętrzny", a " zewnętrzny» światło odbijające się od powierzchni.

Różnice techniczne przyczyniły się do osiągnięcia innych celów, przede wszystkim impresjoniści starali się uchwycić ulotne wrażenie, najmniejsze zmiany w każdym temacie w zależności od oświetlenia i pory dnia, najwyższym ucieleśnieniem były cykle obrazów Moneta „Stóg siana”, „Katedra w Rouen” i „Parlament Londynu”.

Ogólnie rzecz biorąc, wielu mistrzów pracowało w stylu impresjonistycznym, ale podstawą ruchu byli Édouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frédéric Bazille i Berthe Morisot. Jednak Manet zawsze nazywał siebie „artystą niezależnym” i nigdy nie brał udziału w wystawach, i chociaż Degas brał udział, nigdy nie malował swoich prac w plenerze.

Oś czasu według artysty

Impresjoniści

Wystawy

• Pierwsza wystawa(15 kwietnia - 15 maja)

• Druga wystawa(Kwiecień )

Adres zamieszkania: ul. Lepeletier, 11 (Galeria Durand-Ruel). Członkowie: Basil (pośmiertnie, artysta zmarł w 1870), Beliar, Bureau, Debutin, Degas, Caillebotte, Cals, Lever, Legros, Lepic, Millet, Monet, Morisot, L. Otten, Pissarro, Renoir, Rouar, Sisley, Tillo, Francois

• Trzecia wystawa(Kwiecień )

Adres zamieszkania: ul. Lepelletier, 6. Członkowie: Guillaumin, Degas, Caillebotte, Cals, Cordeil, Lever, Lamy, Monet, Morisot, Alphonse Moreau, Piette, Pissarro, Renoir, Rouard, Cezanne, Sisley, Tillo, Francois.

• Czwarta wystawa(10 kwietnia - 11 maja)

Adres zamieszkania: Aleja Opery, 28. Członkowie: Bracquemont, Madame Bracquemont, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cals, Cassatt, Lebourg, Monet, Piette, Pissarro, Rouart, Somm, Tillo, Forain.

• Piąta wystawa(1 kwietnia - 30 kwietnia)

Adres zamieszkania: ul. Piramidy, 10. Członkowie: Bracquemont, Pani Bracquemont, Vidal, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cassatt, Lebour, Lever, Morisot, Pissarro, Raffaelli, Rouart, Tillo, Forain.

• Szósta wystawa(2 kwietnia - 1 maja)

Adres zamieszkania: Boulevard des Capucines, 35 (studio fotografa Nadara). Członkowie: Vidal, Vignon, Guillaume, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Cassatt, Morisot, Pissarro, Raffaelli, Rouar, Tillo, Forain.

• Siódma Wystawa(Marsz )

Adres zamieszkania: Faubourg-Saint-Honoré, 251 (W Durand-Ruel). Członkowie: Vignon, Guillaume, Gauguin, Caillebotte, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley.

• Ósma wystawa(15 maja - 15 czerwca)

Adres zamieszkania: ul. Laffitta, 1. Członkowie: Madam Braquemont, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Cassette, Morisot, Camille Pissarro, Lucien Pissarro, Redon, Rouart, Seurat, Signac, Tillo, Forain, Schuffenecker.

Impresjonizm w literaturze

W literaturze impresjonizm nie rozwinął się jako odrębny nurt, ale jego cechy znalazły odzwierciedlenie w naturalizmie i symbolice.

Przede wszystkim charakteryzuje się ekspresją prywatnego wrażenia autora, odrzuceniem obiektywnego obrazu rzeczywistości, przedstawianiem każdej chwili, co powinno wiązać się z brakiem fabuły, historii i zastąpieniem myśli percepcją, i rozum instynktownie. Główne cechy stylu impresjonistycznego sformułowali bracia Goncourt w swojej pracy „Dziennik”, gdzie słynna fraza „ Widzenie, odczuwanie, wyrażanie - to wszystko sztuka stał się centralną pozycją dla wielu pisarzy.

Międzyregionalna Akademia Zarządzania Personelem

Instytut Siewierodonieck

Wydział Kształcenia Ogólnego i Humanistycznego

Praca kontrolna w kulturoznawstwie

Impresjonizm jako kierunek w sztuce

Zakończony:

uczeń grupy

ІН23-9-06 BUB (4. Od)

Szeszenko Siergiej

W kratę:

Kandydatka Prawa, doc.

Smolina O.O.

Siewierodonieck 2007

Wstęp

4. Postimpresjonizm

Wniosek

Bibliografia

Aplikacje

Wstęp

Ważne zjawisko kultura europejska druga połowa XIX wieku. był artystyczny styl impresjonizmu, który rozpowszechnił się nie tylko w malarstwie, ale także w muzyce i fikcja. A jednak powstało w malarstwie. Impresjonizm (francuski impresjonizm, od wrażenia - wrażenie), nurt w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku. Opracowany w malarstwo francuskie koniec lat 60. - początek lat 70. (nazwa powstała po wystawie w 1874 roku, na której wystawiono obraz C. Moneta „Wrażenie. Wschodzące słońce").

Przejawem stylu impresjonistycznego jest brak jasno określonej formy i chęć ukazania tematu we fragmentarycznym, natychmiastowym utrwalaniu każdego wrażenia pociągnięć, które jednak przy przeglądaniu całości ujawniły swoją ukrytą jedność i powiązanie. Impresjonizm, jako styl szczególny, ze swoją zasadą wartości „pierwszego wrażenia”, umożliwiał opowiedzenie historii poprzez niejako uchwycone przypadkowo szczegóły, które najwyraźniej naruszały ścisłą spójność planu narracyjnego i zasada doboru zasadniczych, ale z ich "prawdą boczną" nadawała historii niezwykłego blasku i świeżości.

W sztukach temporalnych akcja toczy się w czasie. Malarstwo niejako jest w stanie uchwycić tylko jedną chwilę w czasie. W przeciwieństwie do kina zawsze ma jedną „klatkę”. Jak przekazać w nim ruch? Jedną z takich prób uchwycenia świata realnego w jego ruchliwości i zmienności była próba twórców kierunku w malarstwie, zwanego impresjonizmem (od francuskiej impresji). Ten kierunek skupiał różnych artystów, z których każdy można scharakteryzować w następujący sposób. Impresjonista to artysta, który przekazuje swoje bezpośrednie wrażenie natury, widzi w nim piękno zmienności i nietrwałości, odtwarza wizualne wrażenie jasnego światła słonecznego, grę kolorowych cieni, używając palety czystych niezmieszanych kolorów, z których czerń i szarość są wygnane. Strumienie słońca, opary unoszą się z wilgotnej ziemi. Woda, topniejący śnieg, zaorana ziemia, kołysząca się na łąkach trawa nie mają wyraźnych, zamarzniętych konturów. Ruch, który wcześniej został wprowadzony w krajobraz jako obraz poruszających się postaci, w wyniku działania sił natury – wiatru, pędzących chmur, kołyszących się drzew, teraz zastępuje spokój. Ale ten spokój materii nieożywionej jest jedną z form jej ruchu, którą oddaje sama faktura malarstwa - dynamiczne pociągnięcia o różnych kolorach, nieskrępowane sztywnymi liniami rysunku.

1. Narodziny impresjonizmu i jego założyciele

Powstawanie impresjonizmu rozpoczęło się od obrazu E. Maneta (1832-1893) „Śniadanie na trawie” (1863). Nowy sposób malarstwo nie zostało od razu zaakceptowane przez publiczność, która zarzucała artystom, że nie potrafią rysować, rzucając na płótno zeskrobaną z palety farbę. Tak więc różowe katedry Moneta w Rouen wydawały się niewiarygodne zarówno dla publiczności, jak i dla innych artystów - najlepsza z serii obrazów artysty („Poranek”, „Z pierwszymi promieniami słońca”, „Południe”). Artysta nie dążył do przedstawienia katedry na płótnie w latach inny czas dzień - rywalizował z mistrzami gotyku, by pochłonąć widza kontemplacją magicznych efektów świetlnych i kolorystycznych. Fasada katedry w Rouen, jak większość katedr gotyckich, kryje w sobie mistyczny spektakl ożywiających się w słońcu jaskrawych witraży we wnętrzu. Oświetlenie wewnątrz katedr różni się w zależności od kierunku, z którego świeci słońce, pochmurnej lub bezchmurnej pogodzie. Jeden z obrazów Moneta zawdzięcza swój wygląd słowu „impresjonizm”. To płótno było rzeczywiście ekstremalnym wyrazem innowacji powstającej metody malarskiej i zostało nazwane „Wschód słońca w Le Havre”. Kompilator katalogu obrazów na jedną z wystaw zasugerował, aby artysta nazwał to inaczej, a Monet, przekreślając „w Le Havre”, umieścił „wrażenie”. A kilka lat po pojawieniu się jego dzieł napisali, że Monet „ujawnia życie, którego nikt przed nim nie był w stanie uchwycić, o którym nikt nawet nie wiedział”. Na obrazach Moneta zaczęli dostrzegać niepokojącego ducha narodzin nowej ery. Tak więc w jego twórczości pojawił się „seryjny” jako nowy fenomen malarstwa. I zwróciła uwagę na problem czasu. Malarstwo artysty, jak zaznaczono, wyrywa z życia jedną „klatkę” z całą jego niekompletnością i niekompletnością. I to dało impuls do rozwoju serii jako kolejnych ujęć. Oprócz „katedr w Rouen” Monet tworzy serię „Stacji Saint-Lazare”, w której obrazy są ze sobą połączone i wzajemnie się uzupełniają. Nie udało się jednak połączyć „klatek” życia w jedną taśmę wrażeń malarskich. To stało się zadaniem kina. Historycy kina uważają, że przyczyną jego powstania i szerokiej dystrybucji były nie tylko odkrycia techniczne, ale także pilna artystyczna potrzeba ruchomego obrazu, a obrazy impresjonistów, w szczególności Moneta, stały się symptomem tej potrzeby. Wiadomo, że jednym z wątków pierwszej w historii sesji filmowej, zaaranżowanej przez braci Lumiere w 1895 roku, była „Przybycie pociągu”. Lokomotywy parowe, stacja, szyny były tematem serii siedmiu obrazów Moneta „Gare Saint-Lazare” wystawionych w 1877 roku.

Pierre Auguste Renoir (1841-1919) wraz z C. Monetem i A. Sisleyem stworzyli trzon ruchu impresjonistycznego. W tym okresie Renoir pracuje nad stworzeniem żywego, kolorowego styl artystyczny z pierzastym pociągnięciem pędzla (znanym jako opalizujący styl Renoira); tworzy wiele zmysłowych aktów ("Kąpiący się"). W latach 80. coraz bardziej skłaniał się w swojej twórczości do klasycznej klarowności obrazów. Przede wszystkim Renoir lubił pisać obrazy dla dzieci i młodzieży oraz spokojne sceny. paryskie życie(„Kwiaty”, „Młody człowiek wyprowadzający psy w lesie Fontainebleau”, „Wazon z kwiatami”, „Kąpiel w Sekwanie”, „Lisa z parasolką”, „Dama w łódce”, „Jeźdźcy w lasku de Boulogne”, „Bal w Le Moulin de la Galette”, „Portret Joanny Samary” i wiele innych). Jego prace charakteryzują jasne i przejrzyste pejzaże, portrety, gloryfikujące zmysłowe piękno i radość istnienia. Ale Renoir ma następującą myśl: „Przez czterdzieści lat zmierzałem do odkrycia, że ​​królową wszystkich kolorów jest czarna farba”. Imię Renoir jest synonimem piękna i młodości tamtych czasów życie człowieka kiedy duchowa świeżość i rozkwit siły fizycznej są w doskonałej harmonii.

2. Impresjonizm w twórczości C. Pissarro, C. Moneta, E. Degasa, A. Toulouse-Lautreca

Camille Pissarro (1830-1903) – przedstawiciel impresjonizmu, autor jasnych, czystych pejzaży („Zaorana ziemia”). Jego obrazy charakteryzują się miękką, powściągliwą gamą. W późny okres twórczość zwróciła się ku wizerunkowi miasta - Rouen, Paryż (Boulevard Montmartre, Pasaż Opery w Paryżu). W drugiej połowie lat 80-tych. był pod wpływem neoimpresjonizmu. Pracował również jako planista.

Claude Monet (1840-1926) - czołowy przedstawiciel impresjonizmu, autor pejzaży cienkich, wypełnionych światłem i powietrzem. W cyklach płócien „Stóg siana”, „Katedra w Rouen” starał się uchwycić ulotne, chwilowe stany środowiska światła i powietrza o różnych porach dnia. Od imienia krajobrazowego Moneta Impresja. Zdarzyło się wschodzące słońce, a nazwa kierunku to impresjonizm. W późniejszym okresie w twórczości C. Moneta pojawiły się cechy dekoracyjne.

Twórczy styl Edgara Degasa (1834-1917) charakteryzuje się nienagannie dokładną obserwacją, najsurowszym rysunkiem, iskrzącą się, przepięknie piękną kolorystyką. Zasłynął swobodnie asymetryczną kompozycją kątową, znajomością mimiki, postawy i gestów ludzi. różne zawody, dokładna charakterystyka psychologiczna: „Niebiescy tancerze”, „Gwiazda”, „Toaleta”, „Prasowcy”, „Odpoczynek tancerzy”. Degas jest doskonałym mistrzem portretu. Pod wpływem E. Maneta przeniósł się do: gatunek na co dzień, przedstawiający paryski tłum uliczny, restauracje, wyścigi konne, tancerki baletowe, praczki, chamstwo zarozumiałego burżua. Jeśli prace Maneta są jasne i wesołe, to w Degas są zabarwione smutkiem i pesymizmem.

Ściśle związana z impresjonizmem jest twórczość Henri Toulouse-Lautreca (1864-1901). Pracował w Paryżu, gdzie malował tancerzy kabaretowych, śpiewaków i prostytutki w swoim własnym stylu, charakteryzującym się jasnymi kolorami, odważną kompozycją i błyskotliwą techniką. Jego plakaty litograficzne cieszyły się dużym powodzeniem.

3. Impresjonizm w rzeźbie i muzyce

Współczesny i kolega impresjonistów był wielkim francuski rzeźbiarz Auguste Rodin (1840-1917). Jego dramatyczna, namiętna, heroicznie wzniosła sztuka gloryfikuje piękno i szlachetność człowieka, jest przesiąknięta impulsem emocjonalnym (grupa Kiss, The Thinker itp.), charakteryzuje się odwagą realistycznych poszukiwań, witalnością obrazów oraz energetyczne modelowanie obrazowe. Rzeźba ma płynną formę, nabiera swego rodzaju niedokończonego charakteru, co sprawia, że ​​jego twórczość jest związana z impresjonizmem, a jednocześnie daje możliwość wywołania wrażenia bolesnych narodzin form ze spontanicznej amorficznej materii. Rzeźbiarz połączył te cechy z dramaturgią idei, pragnieniem refleksje filozoficzne(„Epoka brązu”, „Obywatele Calais”). Artysta Claude Monet nazwał go największym z wielkich. Rodin jest właścicielem słów: „Rzeźba to sztuka zakamarków i wypukłości”.

Wstęp

Impresjonizm jako zjawisko w sztuce

Impresjonizm w malarstwie

Artyści - Impresjoniści

3.1 Claude Monet

3.2 Edgar Degas

3.3 Alfred Sisley

3.4 Camille Pissarro

Wniosek

Lista bibliograficzna

Wstęp

Ten esej poświęcony jest impresjonizmowi w sztuce - malarstwie.

Impresjonizm to jedno z najjaśniejszych i najważniejszych zjawisk w sztuce europejskiej, które w dużej mierze zdeterminowało cały rozwój sztuki współczesnej. Obecnie prace nieuznawanych wówczas impresjonistów są wysoko cenione, a ich wartość artystyczna jest niezaprzeczalna. Trafność wybranego tematu tłumaczy się potrzebą zrozumienia przez każdą współczesną osobę stylów sztuki, poznania głównych kamieni milowych jej rozwoju.

Wybrałem ten temat, ponieważ impresjonizm był rodzajem rewolucji w sztuce, która zmieniła ideę dzieł sztuki jako rzeczy integralnych, monumentalnych. Impresjonizm wysunął na pierwszy plan indywidualność twórcy, własną wizję świata, zepchnął na dalszy plan tematy polityczne i religijne, prawa akademickie. Ciekawe, że grały emocje i wrażenia, a nie fabuła i moralność Wiodącą rolę w pracach impresjonistów.

Impresjonizm (fr. impresjonizm, z wrażenie- wrażenie) - kierunek w sztuce tego ostatniego tercje XIX- początek XX wieku, który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat, którego przedstawiciele starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić świat rzeczywisty w jego mobilności i zmienności, przekazać swoje ulotne wrażenia. Zwykle termin „impresjonizm” oznacza kierunek w malarstwie, chociaż jego idee znalazły swoje ucieleśnienie również w literaturze i muzyce.

Termin „impresjonizm” pochodzi od lekka ręka krytyk magazynu „Le Charivari” Louis Leroy, który swój felieton o Salonie Nędzników zatytułował „Wystawa Impresjonistów”, biorąc za podstawę nazwę tego obrazu Claude'a Moneta.

Auguste Renoir Brodzik dla dzieci, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

pochodzenie

W okresie renesansu malarze Szkoła wenecka próbował przekazać żywą rzeczywistość za pomocą jasnych kolorów i tonów pośrednich. Hiszpanie skorzystali z ich doświadczeń, co najdobitniej wyrażają tacy artyści jak El Greco, Velazquez i Goya, których twórczość wywarła później poważny wpływ na Maneta i Renoira.

W tym samym czasie Rubens barwi cienie na swoich płótnach za pomocą transparentnych odcieni pośrednich. Według Delacroix Rubens pokazywał światło o subtelnych, wyrafinowanych tonach, a cienie o cieplejszych i bardziej nasyconych barwach, oddając efekt światłocienia. Rubens nie używał czerni, która później stała się jedną z głównych zasad malarstwa impresjonistycznego.

Édouard Manet był pod wpływem holenderskiego artysty Fransa Halsa, który malował ostrymi pociągnięciami i uwielbiał kontrast jasnych kolorów i czerni.

Przejście malarstwa do impresjonizmu przygotowali także malarze angielscy. Podczas wojny francusko-pruskiej (1870-1871) Claude Monet, Sisley i Pissarro udali się do Londynu, aby studiować wielkich malarzy pejzażowych Constable, Bonington i Turner. Co do tego ostatniego, już w jego późniejszych pracach zauważalne jest zanikanie związku z rzeczywistym obrazem świata i wycofywanie się do indywidualnego przekazu wrażeń.

Eugène Delacroix miał silny wpływ, wyróżniał już lokalny kolor i kolor nabyty pod wpływem światła, jego akwarele malowane w Afryce Północnej w 1832 lub w Etretat w 1835, a zwłaszcza obraz „Morze w Dieppe” (1835) pozwalają nam mówić o nim jako o prekursorze impresjonistów.

Ostatnim elementem, który wpłynął na innowatorów, była sztuka japońska. Od 1854 roku dzięki wystawom odbywającym się w Paryżu młodzi artyści odkrywają mistrzów japońskiej grafiki, takich jak Utamaro, Hokusai czy Hiroshige. Specjalna, nieznana dotąd w plastyce europejskiej aranżacja obrazu na kartce papieru - kompozycja wyparta lub kompozycja ze skłonnością, schematycznym przenoszeniem formy, zamiłowaniem do syntezy artystycznej, zdobyła przychylność impresjonistów i ich zwolenników .

Fabuła

Edgara Degasa, niebieskie tancerki, 1897, Muzeum Puszkina im. Puszkin, Moskwa

Początek poszukiwań impresjonistów sięga lat 60. XIX wieku, kiedy młodzi artyści nie byli już usatysfakcjonowani środkami i celami akademizmu, w wyniku czego każdy z nich samodzielnie poszukuje innych dróg rozwoju swojego stylu. W 1863 r. Edouard Manet wystawił obraz „Obiad na trawie” w „Salonie odrzuconych” i aktywnie przemawiał na spotkaniach poetów i artystów w kawiarni Guerbois, w których uczestniczyli wszyscy przyszli założyciele nowego ruchu, dzięki czemu stał się głównym obrońcą sztuki nowoczesnej.

W 1864 roku Eugene Boudin zaprosił Moneta do Honfleur, gdzie mieszkał przez całą jesień, obserwując, jak jego nauczyciel maluje szkice pastelami i akwarelami, podczas gdy jego przyjaciel Jonkind malował swoje prace wibracyjnymi pociągnięciami. To tutaj nauczyli go pracować na świeżym powietrzu i pisać jasnymi kolorami.

W 1871 roku, podczas wojny francusko-pruskiej, Monet i Pissarro wyjeżdżają do Londynu, gdzie zapoznają się z twórczością prekursora impresjonizmu, Williama Turnera.

Claude Monet. Wrażenie. Wschód słońca. 1872, Muzeum Marmottana Moneta, Paryż.

Pojawienie się nazwy

Pierwsza ważna wystawa impresjonistów odbyła się od 15 kwietnia do 15 maja 1874 w pracowni fotografa Nadara. Zaprezentowanych zostało 30 artystów, łącznie - 165 prac. Obraz na płótnie Monet - „Wrażenie. Wschodzące słońce" ( Wrażenie, soleil levant), obecnie w Musée Marmottin w Paryżu, napisanym w 1872 r., zrodził termin „impresjonizm”: mało znany dziennikarz Louis Leroy w swoim artykule w czasopiśmie „Le Charivari” nazwał grupę „Impresjonistów”, aby wyrazić jego pogarda. Artyści z wyzwania przyjęli ten epitet, później zakorzenił się, stracił swoje pierwotne negatywne znaczenie i wszedł do aktywnego użytku.

Nazwa „Impresjonizm” jest raczej pusta, w przeciwieństwie do nazwy „Szkoła Barbizon”, gdzie jest przynajmniej wskazanie geograficznego położenia grupy artystycznej. Jeszcze mniej jasności jest w przypadku niektórych artystów, którzy formalnie nie byli w kręgu pierwszych impresjonistów, chociaż ich techniki i środki są całkowicie „impresjonistyczne” (Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin itp.). Ponadto środki techniczne impresjoniści byli znani na długo przed XIX wiekiem i byli (częściowo, w ograniczonym zakresie) wykorzystywani przez Tycjana i Velasqueza, nie zrywając z dominującymi ideami ich epoki.

Pojawił się kolejny artykuł (autorstwa Emile Cardon) i kolejny tytuł – „The Rebel Exhibition”, absolutnie potępiający i potępiający. To ona trafnie odtworzyła dezaprobaty mieszczańskiej publiczności i dominującą przez lata krytykę artystów (impresjonistów). Impresjonistów natychmiast oskarżano o niemoralność, buntownicze nastroje, brak szacunku. W tej chwili jest to zaskakujące, bo nie jest jasne, co jest niemoralne w pejzażach Camille Pissarro, Alfreda Sisleya, codziennych scenach Edgara Degasa, martwych naturach Moneta i Renoira.

Minęły dziesięciolecia. A nowe pokolenie artystów dojdzie do prawdziwego upadku form i zubożenia treści. Wtedy zarówno krytycy, jak i publiczność dostrzegli potępionych impresjonistów - realistów, a nieco później klasyków sztuki francuskiej.

Impresjonizm jako zjawisko w sztuce

Impresjonizm, jeden z najbardziej uderzających i interesujących nurtów sztuki francuskiej ostatniego ćwierćwiecza XIX wieku, narodził się w bardzo trudnym środowisku, charakteryzującym się różnorodnością i kontrastami, co dało impuls do powstania wielu nowoczesnych nurtów. Impresjonizm, mimo krótkiego czasu trwania, wywarł znaczący wpływ na sztukę nie tylko Francji, ale także innych krajów: USA, Niemiec (M. Lieberman), Belgii, Włoch, Anglii. W Rosji wpływ impresjonizmu doświadczyli K. Balmont, Andrei Bely, Strawiński, K. Korovin (najbliższy estetyce impresjonistom), wczesny V. Serov, a także I. Grabar. Impresjonizm był ostatnim ważnym ruchem w sztuce w Francja XIX wieku, torując granicę między sztuką nowoczesności a współczesnością.

Według M. Aplatova „czysty impresjonizm prawdopodobnie nie istniał. Impresjonizm nie jest doktryną, nie mógł mieć kanonizowanych form… Francuscy malarze impresjoniści, w różnym stopniu, mają jedną z jej cech”. Zwykle termin „impresjonizm” oznacza kierunek w malarstwie, chociaż jego idee znalazły swoje ucieleśnienie w innych formach sztuki, na przykład w muzyce.

Impresjonizm to przede wszystkim sztuka obserwowania rzeczywistości, przekazywania lub tworzenia wrażenia, która osiągnęła niespotykany dotąd poziom wyrafinowania, sztuka, w której fabuła nie jest ważna. To nowa, subiektywna rzeczywistość artystyczna. Impresjoniści wysuwają własne zasady percepcji i pokazywania otaczającego świata. Zatarli granicę między głównymi przedmiotami godnymi sztuki wysokiej a przedmiotami wtórnymi.

Ważną zasadą impresjonizmu było odejście od typowości. Przemijalność, swobodny wygląd wkroczył do sztuki, wydaje się, że płótna impresjonistów zostały napisane przez zwykłego przechodnia spacerującego bulwarami i cieszącego się życiem. To była rewolucja w wizji.

Estetyka impresjonizmu ukształtowała się po części jako próba zdecydowanego uwolnienia się od konwencji sztuki klasycznej, a także od uporczywej symboliki i zamyślenia późnoromantycznego malarstwa, które proponowało dostrzeganie zaszyfrowanych znaczeń we wszystkim, co wymagało starannej interpretacji. Impresjonizm afirmuje nie tylko piękno codziennej rzeczywistości, ale także nadaje znaczenie artystyczne postrzeganej zmienności otaczającego świata, naturalności spontanicznego, nieprzewidywalnego, przypadkowego wrażenia. Impresjoniści dążą do uchwycenia jego barwnej atmosfery bez szczegółów czy interpretacji.

Impresjonizm, zwłaszcza w malarstwie, jako ruch artystyczny, szybko wyczerpał swoje możliwości. Klasyczny francuski impresjonizm był zbyt wąski i niewielu pozostało wiernych jego zasadom przez całe życie. W procesie rozwoju metody impresjonistycznej podmiotowość percepcji obrazowej przezwyciężyła obiektywność i wzniosła się na coraz wyższy poziom formalny, otwierając drogę wszystkim nurtom postimpresjonizmu, w tym symbolice Gauguina i ekspresjonizmowi Van Gogha. Ale mimo wąskich ram czasowych – jakieś dwie dekady, impresjonizm przeniósł sztukę na zupełnie inny poziom, wywierając znaczący wpływ na wszystko: nowoczesne malarstwo, muzyka i literatura, a także kino.

Impresjonizm wprowadził nowe tematy; dzieła dojrzałego stylu wyróżniają się jasną i spontaniczną witalnością, odkryciem nowych artystycznych możliwości kolorystycznych, estetyzacją nowej techniki malarskiej, samą strukturą dzieła. To właśnie te cechy, które pojawiły się w impresjonizmie, są dalej rozwijane w neoimpresjonizmie i postimpresjonizmie. Wpływ impresjonizmu jako podejścia do rzeczywistości lub jako systemu technik ekspresyjnych odnaleziono niemal we wszystkich szkołach artystycznych początku XX wieku, stał się on punktem wyjścia dla rozwoju wielu nurtów, aż po abstrakcjonizm. Niektóre z zasad impresjonizmu – przekaz natychmiastowego ruchu, płynność formy – przejawiały się w różnym stopniu w rzeźbie z lat 1910. E. Degasa, ks. Rodin, M. Golubkina. Impresjonizm artystyczny w znacznym stopniu wzbogacił środki wyrazu w literaturze (P. Verlaine), muzyce (C. Debussy) i teatrze.

2. Impresjonizm w malarstwie

Wiosną 1874 r. grupa młodych malarzy, w tym Monet, Renoir, Pizarro, Sisley, Degas, Cezanne i Berthe Morisot, zaniedbała oficjalny Salon i zorganizowała własną wystawę, stając się później centralnymi postaciami nowego kierunku. Odbywało się to od 15 kwietnia do 15 maja 1874 w pracowni fotografa Nadara w Paryżu, na Boulevard des Capucines. Zaprezentowanych zostało 30 artystów, łącznie - 165 prac. Taki akt był sam w sobie rewolucyjny i zerwał z odwiecznymi podstawami, a obrazy tych artystów na pierwszy rzut oka wydawały się jeszcze bardziej wrogie tradycji. Minęły lata, zanim ci, później uznani klasycy malarstwa, zdołali przekonać publiczność nie tylko o swojej szczerości, ale także o swoim talencie. Wszystkich tych bardzo różnych artystów połączyła wspólna walka z konserwatyzmem i akademizmem w sztuce. Impresjoniści zorganizowali osiem wystaw, ostatnią w 1886 roku.

To właśnie na pierwszej wystawie w 1874 roku w Paryżu pojawił się obraz Claude'a Moneta przedstawiający wschód słońca. Uwagę wszystkich zwróciła przede wszystkim nietypowym tytułem: „Wrażenie. Wschód słońca". Ale sam obraz był niezwykły, oddawał tę niemal nieuchwytną, zmienną grę kolorów i światła. To właśnie nazwa tego obrazu - "Impresja" - dzięki kpiny jednego z dziennikarzy zapoczątkowała cały nurt w malarstwie, zwany impresjonizmem (od francuskiego słowa "impresja" - wrażenie).

Próbując jak najdokładniej wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia rzeczy, impresjoniści stworzyli nową metodę malowania. Jego istotą było oddanie zewnętrznego wrażenia światła, cienia, refleksów na powierzchni przedmiotów oddzielnymi pociągnięciami czystych kolorów, które wizualnie rozpuszczały formę w otaczającym środowisku światło-powietrze.

Wiarygodność poświęcono osobistej percepcji – impresjoniści, w zależności od wizji, potrafili pisać niebo zielone, a trawy błękitne, owoce w ich martwych naturach były nie do poznania, postacie ludzkie były niejasne i szkicowe. Ważne było nie to, co zostało przedstawione, ale ważne było „jak”. Obiekt stał się okazją do rozwiązywania problemów wizualnych.

Charakterystyczna jest zwięzłość, etiudowy charakter metody twórczej impresjonizmu. Przecież tylko krótkie studium pozwoliło na dokładne zarejestrowanie poszczególnych stanów przyrody. To, co wcześniej było dozwolone tylko w etiudach, teraz stało się główna cecha gotowe płótna. Artyści impresjonistyczni z całych sił starali się przezwyciężyć statyczność malarstwa, aby na zawsze uchwycić cały urok nieuchwytnej chwili. Zaczęli stosować asymetryczne kompozycje, aby lepiej podkreślić interesujące ich postacie i przedmioty. W niektórych metodach impresjonistycznego konstruowania kompozycji i przestrzeni wyczuwalny jest wpływ namiętności do wieku – nie starożytności jak dawniej, japońskiego ryciny (takich mistrzów jak Katsushika Hokusai, Hiroshige, Utamaro) i częściowo fotografii, jej zbliżeń i nowych punkty widzenia.

Impresjoniści unowocześnili także kolorystykę, porzucili ciemne, ziemiste farby i werniksy i nałożyli na płótna czyste, widmowe kolory, prawie bez wcześniejszego mieszania ich na palecie. Warunkowa, „muzealna” czerń w ich płótnach ustępuje miejsca grze kolorowych cieni.

Dzięki wynalezieniu gotowych do przenoszenia metalowych tub po farbach, które zastąpiły stare, ręcznie robione farby z olejów i sproszkowanych pigmentów, artyści mogli opuszczać pracownie i pracować w plenerze. Pracowali bardzo szybko, bo ruch słońca zmieniał oświetlenie i kolorystykę krajobrazu. Czasem wyciskały farbę na płótno bezpośrednio z tubki i uzyskiwały czyste, mieniące się kolory z efektem pociągnięcia pędzla. Nakładając odrobinę jednej farby obok drugiej, często pozostawiali szorstką powierzchnię obrazów. Aby zachować świeżość i różnorodność kolorów natury na zdjęciu, impresjoniści stworzyli obrazowy system, który wyróżnia się rozkładem złożonych tonów na czyste kolory i przenikaniem się oddzielnych pociągnięć czystego koloru, jakby mieszał się w oku widza, z kolorowymi cieniami i postrzegane przez widza zgodnie z prawem kolorów dopełniających.

Dążąc do maksymalnej natychmiastowości w przekazywaniu otaczającego świata, impresjoniści po raz pierwszy w historii sztuki zaczęli pisać głównie o na dworze i podniosły rangę studium z natury, które niemal wyparło tradycyjny rodzaj malarstwa, starannie i powoli tworzonego w pracowni. Dzięki samej metodzie pracy w plenerze krajobraz, w tym odkryty przez nich pejzaż miejski, zajmował w sztuce impresjonistów bardzo ważne miejsce. Tematem przewodnim było dla nich drżące światło, powietrze, w którym niejako zanurzeni są ludzie i przedmioty. W ich obrazach czuć było wiatr, wilgotną, nagrzaną słońcem ziemię. Starali się pokazać niesamowite bogactwo kolorów w przyrodzie.

Impresjonizm wprowadził do sztuki nowe wątki - codzienność miasta, pejzaże uliczne i rozrywkę. Jego zakres tematyczny i fabularny był bardzo szeroki. Artyści w swoich pejzażach, portretach i wielopostaciowych kompozycjach starają się zachować bezstronność, siłę i świeżość „pierwszego wrażenia”, bez zagłębiania się w poszczególne detale, w których świat jest ciągle zmieniającym się zjawiskiem.

Impresjonizm wyróżnia się jasną i natychmiastową witalnością. Charakteryzuje się indywidualnością i walorami estetycznymi płócien, ich celową przypadkowością i niekompletnością. Ogólnie rzecz biorąc, dzieła impresjonistów wyróżniają się radością, pasją do zmysłowego piękna świata.

Historia impresjonizmu:

Impresjonizm (fr.impressionisme, od wrażenia - wrażenie) - kierunek artystyczny w sztuce, która powstała we Francji w drugiej połowie XIX wieku.

Nowy ruch powstał jako reakcja na zastój akademizmu panującego w tamtych latach, ale na jego pojawienie się złożyło się kilka czynników: wynalazek fotografii w 1839 r. przez L. Daguerre'a, który wprowadził nową wizję do sztuki; odkrycia naukowe E. Shevrelya i O. Ruda w zakresie separacji kolorów; pojawienie się w 1941 r. blaszanych tub na łatwo psujące się farby, które umożliwiły artystom pracę na świeżym powietrzu. Podatny grunt pod rozwój impresjonizmu przygotowali artyści szkoły Barbizon: to oni jako pierwsi malowali szkice z natury.

Impresjoniści prezentowali swoją sztukę na wystawach organizowanych w nieregularnych odstępach czasu w latach 1874-1886. Historia powstania terminu „impresjonizm” wiąże się z pierwszą wystawą anonimowej wówczas grupy artystów. Krytyk Louis Leroy, ironicznie wypowiadając się o prezentowanych pracach, szczególnie zwrócił uwagę na obraz C. Moneta „Wrażenie. Wschód słońca „(1872), zauważając, że „tapeta na początkowym etapie obróbki jest bardziej wykończona niż ten pejzaż morski…”. Nowa nazwa spodobała się zwolennikom ruchu (choć nie wszystkim), ponieważ odpowiadała wyznawanej przez nich metodzie twórczej: oddaniu wrażenia, utrwaleniu ulotnych chwil życia.

W 1886 roku odbyła się ostatnia wystawa impresjonistów. Jednak jako metoda obrazowa impresjonizm nie przestał istnieć: podobne poszukiwania przeprowadzili mistrzowie innych krajów - Anglia (J. Winstler), Niemcy (M. Lieberman i L. Corinth), Rosja (I. Grabar i K. Korowina).

Cechy impresjonizmu:

Artystyczna koncepcja impresjonizmu opierała się na pragnieniu naturalnego i naturalnego uchwycenia otaczającego świata w jego zmienności, przekazywania jego ulotnych wrażeń. Zasada „malowania tego, co widzisz pośród światła i powietrza” stanowiła podstawę plenerowego malarstwa impresjonistów.

Mistrzowie impresjonizmu:

Edouard Manet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Gustave Caillebotte, James Whistler, Konstantin Korovin, Lovis Corinth i inni.

Przykłady prac artystów impresjonistów:

Słownik wyjaśniający języka rosyjskiego. D.N. Uszakow

impresjonizm

impresjonizm, pl. nie, m. (fr. impresjonizm) (art.). Kierunek w sztuce, który ma na celu przekazanie, odtworzenie bezpośrednich, subiektywnych wrażeń rzeczywistości.

Słownik wyjaśniający języka rosyjskiego. S.I.Ozhegov, NJu Shvedova.

impresjonizm

A, m. Kierunek artystyczny końca XIX - początku XX wieku. dążenie do bezpośredniego odtworzenia przeżyć, nastrojów i wrażeń artysty.

przym. impresjonistyczny, -ty, -ty i impresjonistyczny, -ty, -ty.

Nowy słownik wyjaśniający i derywacyjny języka rosyjskiego, T. F. Efremova.

impresjonizm

m. Kierunek w sztuce ostatniej tercji XIX wieku - początku XX wieku, oparty na chęci odzwierciedlenia rzeczywistego świata w jego mobilności, zmienności i uchwyceniu własnych uczuć artysty, kompozytora itp.

Słownik encyklopedyczny, 1998

impresjonizm

IMPRESJONIZM (z francuskiej impresji - impresji) kierunek w sztuce ostatniej tercji 19 - wczesny. 20 wieków, których przedstawiciele starali się uchwycić świat realny w jego ruchliwości i zmienności w najbardziej naturalny i bezstronny sposób, przekazać swoje ulotne wrażenia. Impresjonizm powstał w latach 60. XIX wieku, w malarstwie francuskim: E. Manet, O. Renoir, E. Degas wprowadzili do sztuki świeżość i bezpośredniość postrzegania życia, obraz jakby natychmiastowych, przypadkowych ruchów i sytuacji, pozornej nierównowagi, fragmentaryczności kompozycja, nieoczekiwane punkty widzenia, kąty, cięcia postaci. W latach 1870-80. impresjonizm ukształtował się w pejzażu francuskim: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley opracowali spójny system plenerowy; pracując pod gołym niebem, stworzyli wrażenie iskrzącego się światła słonecznego, bogactwa barw natury, rozpływania się trójwymiarowych form w wibracji światła i powietrza. Rozkład skomplikowanych tonów na czyste kolory (nakładane na płótno osobnymi pociągnięciami i przeznaczone do ich optycznego mieszania w oku widza), kolorowe cienie i odbicia dały początek niezrównanemu lekkiemu, drżącemu obrazowi. Oprócz malarzy (amerykański - J. Whistler, niemiecki - M. Lieberman, L. Corinth, Rosjanie - K. A. Korovin, I. E. Grabar) rzeźbiarze dostrzegali zainteresowanie impresjonizmem w natychmiastowym ruchu, płynnej formie (francuski - O. Rodin , włoski - M. Rosso, rosyjski - P. P. Trubetskoy). Do muzycznego impresjonizmu con. 19 - błagam. XX wiek (we Francji – C. Debussy, częściowo M. Ravel, P. Duke itp.), które rozwinęły się pod wpływem impresjonizmu w malarstwie, charakteryzują się przekazywaniem subtelnych nastrojów, niuansów psychologicznych, skłonnością do programowania pejzażowego, zainteresowanie barwą i barwnością harmoniczną. W literaturze o cechach stylu impresjonistycznego mówi się w odniesieniu do: literatura europejska ostatnia trzecia XIX wieku, poezja rosyjska wczesna. XX wiek (K. Hamsun w Norwegii, I. F. Annensky w Rosji itp.).

Impresjonizm

(francuski impresjonizm, od impresja wrażenie), kierunek w sztuce ostatniej tercji XIX – początku XX wieku. I. ukształtował się w malarstwie francuskim na przełomie lat 60. i 70. XIX wieku. W okresie dojrzałości (lata 70. XIX w. - pierwsza połowa lat 80. XIX w.) I. reprezentowała grupa artystów (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, C. Pissarro, A. Sisley, B. Morisot i in.), zjednoczyli się w walce o odnowę sztuki i przezwyciężenie oficjalnego salonowego akademizmu i zorganizowali w tym celu 8 wystaw w latach 1874-1886; E. Maneta, który jeszcze w latach 60. XIX wieku. z góry określił orientację I. i która również w latach 70.-80. był z nim związany pod wieloma względami, nie znalazł się w tej grupie. Tytuł „I”. powstał po wystawie z 1874 roku, na której wystawiono obraz C. Moneta „Wrażenie. Rising Sun” („Impression, Soleil levant”, 1872, obecnie w Musée Marmottan w Paryżu).

I. kontynuuje to, co zaczęła realistyczna sztuka lat czterdziestych i sześćdziesiątych. wyzwolenie z konwencji klasycyzmu, romantyzmu i akademizmu i afirmacji piękna codzienności, prostych, demokratycznych motywów, osiąga żywą autentyczność obrazu. I. czyni autentyczne, estetycznie znaczące, Nowoczesne życie w swojej naturalności, w całym bogactwie i blasku jego barw, ujmując widzialny świat w jego nieodłącznej nieustannej zmienności, odtwarzając jedność człowieka i jego otoczenia. Podkreślając niejako ulotny moment nieustannego biegu życia, jakby przypadkowo uchwycony przez oko, impresjoniści porzucają narrację, fabułę. Artyści w swoich pejzażach, portretach i wielopostaciowych kompozycjach starają się zachować bezstronność, siłę i świeżość „pierwszego wrażenia”, co pozwala uchwycić to, co niepowtarzalne w tym, co widzą, bez zagłębiania się w poszczególne szczegóły. Przedstawianie świata jako ciągle zmieniającego się zjawisko optyczne, I. nie stara się podkreślać jego trwałych, głębokich walorów. Wiedza o świecie w sztukach wizualnych opiera się głównie na wyrafinowanej obserwacji, doświadczeniu wizualnym artysty, który posługuje się dziełami i prawami naturalnej percepcji optycznej dla osiągnięcia artystycznej perswazji. Proces tego postrzegania, jego dynamika znajduje odzwierciedlenie w strukturze dzieła, która z kolei aktywnie kieruje percepcją obrazu przez widza. Jednak dobitny empiryzm metody I., który czynił ją powiązaną z naturalizmem, skłaniał niekiedy przedstawicieli I. do samowystarczalnych eksperymentów wizualnych i obrazowych, ograniczając możliwości wiedza artystyczna istotne momenty rzeczywistości. Ogólnie rzecz biorąc, dzieła impresjonistów wyróżniają się radością, entuzjazmem dla zmysłowego piękna świata; i tylko w niektórych utworach Degasa i Maneta pojawiają się gorzkie, sarkastyczne nuty.

Impresjoniści po raz pierwszy tworzą wieloaspektowy obraz codzienności nowoczesne miasto, przekazując oryginalność krajobrazu i wygląd zamieszkujących go ludzi, ich sposób życia i, rzadziej, pracę; Temat specyficznie miejskiej rozrywki pojawia się także w Indiach. Jednocześnie w sztuce I. słabnie moment krytyki społecznej. Dążąc do prawdziwy obraz bliscy człowiekowi życia codziennego impresjoniści pejzażyści (zwłaszcza Pissarro i Sisley) rozwijają tradycje szkoły Barbizon. Kontynuując poszukiwania plenerowe (patrz Plein air) J. Constable, Barbizons, a także C. Corot, E. Boudin i J. B. Jongkind, impresjoniści opracowali kompletny system plenerowy. W ich pejzażach motyw codzienności często zamienia się w wszechobecny, mobilny światło słoneczne wnosząc do obrazu poczucie świętowania. Praca nad obrazem bezpośrednio w plenerze umożliwiła odtworzenie natury w całej jej rzeczywistej żywotności, subtelną analizę i natychmiastowe uchwycenie jej stanów przejściowych, uchwycenie najdrobniejszych zmian kolorystycznych, które pojawiają się pod wpływem wibrującego i płynnego powietrza medium (organicznie jednoczące człowieka i naturę), które niekiedy staje się w I. samodzielnym obiektem obrazu (głównie w pracach Moneta). Aby zachować świeżość i różnorodność kolorów natury na obrazie, impresjoniści (z wyjątkiem Degasa) stworzyli system malarski, który wyróżnia się rozkładem złożonych tonów na czyste kolory i przenikaniem się oddzielnych pociągnięć czystego koloru , jakby mieszając się w oku widza, jasne i jasne kolory, bogactwo walerii i refleksów, kolorowe cienie. Formy wolumetryczne niejako rozpływają się w otaczającej je lekkiej powłoce powietrznej, dematerializują się, nabierają niestabilności konturów: gra rozmaitych kresek, pastowatych i płynnych, nadaje warstwie barwnej drgania, ulgę; stwarza to osobliwe wrażenie niekompletności, formowania obrazu przed kontemplującym płótno. Wszystko to wiąże się z dążeniem artysty do utrwalenia w obrazie efektu improwizacji, który w poprzedniej epoce był dozwolony tylko w szkicach i który zwykle zanikał, gdy przetwarzano je w gotowe prace.; Tak więc u I. następuje zbliżenie szkicu do obrazu, a często połączenie kilku etapów pracy w jeden ciągły proces. Impresjonistyczny obraz to osobny kadr, fragment poruszającego się świata. Tłumaczy to z jednej strony równoważność wszystkich części obrazu, jednocześnie rodzących się pod pędzlem artysty iw równym stopniu uczestniczących w figuratywnej konstrukcji dzieła; z drugiej pozorna przypadkowość i nierównowaga, asymetria kompozycji, odważne cięcia figur, nieoczekiwane punkty widzenia i skomplikowane kąty, które aktywują konstrukcję przestrzenną; tracąc głębię, przestrzeń czasem „wychodzi” na płaszczyznę lub idzie w nieskończoność. W niektórych sposobach konstruowania kompozycji i przestrzeni zauważalny jest wpływ japońskiego grawerunku i do pewnego stopnia fotografii.

W połowie lat 80. XIX wieku. I., wyczerpawszy swoje możliwości jako kompletny system i jeden kierunek rozpada się, dając impulsy do późniejszej ewolucji sztuki. I. wprowadził do sztuki nowe wątki, rozumiejąc estetyczne znaczenie wielu aspektów rzeczywistości. Prace dojrzałego I. wyróżniają się jasną i bezpośrednią witalnością. Jednocześnie I. charakteryzuje się również identyfikacją estetycznej wartości wewnętrznej i nowej ekspresyjne możliwości kolorystyka, podkreślona estetyzacja sposobu wykonania, wyeksponowanie struktury formalnej dzieła; to właśnie te cechy, które dopiero pojawiają się w I., otrzymują dalszy rozwój w neoimpresjonizmie, postimpresjonizmie. W latach 1880-1910. I. miał znaczący wpływ na wielu malarzy w innych krajach (M. Lieberman, L. Corinth w Niemczech; K. A. Korovin, V. A. Serov, I. E. Grabar, wczesny M. V. Larionov w Rosji itp.), co przejawiało się w rozwoju nowych aspektów rzeczywistości, w opanowaniu efektów pleneru, podkreśleniu palety, szkicowej manierze, opanowaniu pewnych technik technicznych. Pewne zasady sztuk wizualnych – transmisja chwilowego ruchu i płynność formy – zostały w różnym stopniu odzwierciedlone w rzeźbie w latach 80. i 10. XIX wieku. (E. Degas i O. Rodin we Francji, M. Rosso we Włoszech, P.P. Trubetskoy i A.S. Golubkina w Rosji); jednocześnie wzmożona malowniczość rzeźby impresjonistycznej wchodziła niekiedy w konflikt z namacalnością i cielesnością tkwiącą w samej naturze rzeźbiarskiego obrazu. Tradycje I. są namacalne w wielu realistycznych nurtach sztuki XX wieku. I. w sztukach plastycznych miał pewien wpływ na kształtowanie się niektórych zasad I. oraz na rozwój środków wyrazu w literaturze, muzyce i teatrze; jednak w tych formach sztuki sztuka nie stała się integralnym systemem artystycznym o znaczeniu kamieni milowych.

W odniesieniu do literatury styl jest powszechnie uważany za zjawisko stylistyczne, które pojawiło się w ostatniej tercji XIX wieku. i uchwycone pisarzy o różnych wierzeniach i metodach, a wąsko - jako nurt o pewnej metodzie i światopoglądzie skłaniający się ku dekadencji, która rozwinęła się na przełomie XIX i XX wieku. Oznakami „impresjonistycznego stylu” jest brak jasno określonej formy i chęć przekazania tematu fragmentarycznie, natychmiast utrwalając wszelkie wrażenia, które jednak przy przeglądaniu całości ujawniły swoją ukrytą jedność i powiązanie. Jako styl szczególny I. ze swoją zasadą wartości pierwszego wrażenia umożliwił narrację poprzez niejako uchwycone przypadkowo szczegóły, które najwyraźniej naruszały ścisłą spójność planu narracyjnego i zasadę dobór zasadniczych, ale z ich „boczną” prawdą nadaną opowieści niezwykłej jasności i świeżości oraz pomysł artystyczny≈ nieoczekiwane rozgałęzienia i różnorodność. Pozostając fenomenem stylistycznym, nie miałem na myśli, zwłaszcza wśród wielcy pisarze(na przykład A. P. Czechow, I. A. Bunin itp.), łamanie zasady artystyczne realizm, ale znalazło odzwierciedlenie we wzbogaceniu tych zasad i stale rosnącej sztuce opisu (np. opis burzy Czechowa w opowiadaniu Step; L. N. Tołstoj zwrócił uwagę na cechy I. w stylu Czechowa). Na początku XX wieku kilka odmiany stylu I. na zasadzie ogólnej realistycznej. Bracia J. i E. Goncourt („poeci nerwów”, „koneserzy niedostrzegalnych doznań”) byli założycielami „ja psychologicznego”, którego wyrafinowaną technikę można zaobserwować w powieści K. Hamsuna „Głód”, w wczesny T. Mann (w opowiadaniach), S. Zweig, w tekstach I. F. Annensky'ego. „Plein air”, drżącą malowniczość odczuwają ci sami bracia Goncourt, E. Zola w stylu opisów Paryża („Page of Love”), duńskiego pisarza E.P. Jacobsena (w opowiadaniu „Mogens”); malowniczo wyraża sytuacje liryczne za pomocą impresjonistycznej techniki (w tym składni i rytmu) niemieckiego poety D. von Lilienkrona. Angielscy pisarze neoromantyczni R.L. Stevenson i J. Conrad rozwinęli egzotyczne barwne właściwości I.; ich sposób był kontynuowany w późniejszej literaturze na tematy „południowe”, aż do opowiadań S. Maughama. W Romansach bez słów P. Verlaine'a dreszczowi duszy i malowniczym migotaniu („pewne odcienie urzekają nas”) towarzyszy muzyczny nastrój, a jego wiersz „Sztuka poetycka” (1874, wyd. 1882) brzmi jak manifest poetycki I. i jakby zapowiadający poetykę symboliki.

Później Hamsun i kilku innych pisarzy z początku XX wieku. I. w mniejszym lub większym stopniu jest izolowana od realistyczne zasady i zamienia się w szczególną wizję i postawę (lub metodę) - niejasny, nieokreślony subiektywizm, częściowo antycypujący literaturę „strumienia świadomości” (dzieło M. Prousta). Taki ja swoją „filozofią chwili” kwestionował semantyczne i moralne podstawy życia. Kult „wrażenia” zamknął człowieka w sobie; tylko to, co ulotne, nieuchwytne, niewyrażalne niczym innym jak doznaniami, stało się wartościowe i jedyne rzeczywiste. Płynne nastroje obracały się głównie wokół tematu „miłości i śmierci”; obraz artystyczny został zbudowany na niepewnych niedopowiedzeniach i niejasnych aluzjach, które podniosły „zasłonę” nad fatalną grą nieświadomych elementów w życiu człowieka. Dekadenckie motywy są charakterystyczne dla Szkoła wiedeńska I. (G. Bar; A. Schnitzler, zwłaszcza jego jednoaktówki Zielona papuga, 1899, Lalki, 1906 itd.), w Polsce - dla J. Kasprowicza, K. Tetmayera. Wpływ I. odczuli m.in. O. Wilde, G. von Hoffmannsthal (teksty m.in. „Ballada życie zewnętrzne»; dramaty libretto), w literaturze rosyjskiej - B. K. Zaitsev (studia psychologiczne), K. D. Balmont (z tekstami "transitory"). W połowie XX wieku I. jako samodzielna metoda wyczerpała się.

Użycie terminu „ja”. Malarstwo muzyczne jest pod wieloma względami warunkowe – malarstwo muzyczne nie stanowi bezpośredniej analogii z malarstwem i nie pokrywa się z nim chronologicznie (jego rozkwit przypada na lata 90. i pierwszą dekadę XX wieku). W muzycznym I. najważniejsze jest przekazywanie nastrojów, które nabierają znaczenia symboli, subtelnych psychologicznych niuansów i skłonność do poetyckiego programowania pejzażowego. Charakteryzuje go także wyrafinowana fantazja, poezja starożytności, egzotyka, zainteresowanie barwą i harmonicznym blaskiem. Z główną linią I. w malarstwie łączy go entuzjastyczny stosunek do życia; chwile intensywnego konfliktu sprzeczności społeczne koszt w nim. Klasyczna ekspresja muzycznego I. odnaleziona w twórczości C. Debussy'ego; jego cechy pojawiły się także w muzyce M. Ravela, P. Duke'a, F. Schmitta, J. J. Rogera-Ducasa i innych kompozytorów francuskich.

Musical I. odziedziczył wiele cech sztuki późnego romantyzmu i narodowych szkół muzycznych XIX wieku. (" potężna wiązka”, F. Liszt, E. Grieg i inni). Równocześnie impresjoniści przeciwstawiali wyraźny relief konturów, czystą materialność i przesycenie palety muzycznej późnych romantyków ze sztuką powściągliwych emocji i przejrzystej, skąpej faktury i płynnej zmienności obrazów.

Twórczość kompozytorów impresjonistów znacznie wzbogaciła środki wyrazu muzyki, zwłaszcza sferę harmonii, do której dotarły wielkie piękno i wyrafinowanie; komplikacja kompleksów akordowych łączy się w nim z uproszczeniem i archaizacją myślenie modalne; w orkiestracji dominują czyste kolory, kapryśne refleksy, niestabilne i nieuchwytne rytmy. Na pierwszy plan wysuwa się błyskotliwość środków harmonicznych i barwowych: ekspresyjne znaczenie każdego dźwięku, akord zostaje wzmocniony, ujawniają się nieznane dotąd możliwości poszerzenia sfery modalnej. Szczególnej świeżości muzyce impresjonistów nadało ich częste odwoływanie się do gatunków pieśni i tańca, do żywiołów język muzyczny narody Wschodu, Hiszpania, wczesne formy Murzynki jazz.

Na początku XX wieku musical I. rozprzestrzenił się poza granice Francji. Został pierwotnie opracowany przez M. de Falla w Hiszpanii, A. Casella i O. Respighi we Włoszech. Oryginalne cechy tkwią w angielskim musicalu I. z jego „północnym” krajobrazem (F. Delius) lub pikantną egzotyką (S. Scott). W Polsce egzotyczną linię muzycznego I. reprezentował K. Szymanowski (do 1920 r.), który skłaniał się ku ultra-wyrafinowanym obrazom starożytności i starożytnego Wschodu. Wpływ estetyki I. na przełomie XIX i XX wieku. doświadczyli tego także niektórzy rosyjscy kompozytorzy, w szczególności A.N. Skriabin, który był jednocześnie pod wpływem symboliki; W głównym nurcie rosyjskiego I., kapryśnie połączonego z wpływami szkoły N. A. Rimskiego-Korsakowa, swoją podróż rozpoczął I. F. Strawiński, w kolejnych latach kierował antyimpresjonistycznym nurtem w muzyce zachodnioeuropejskiej.

O. V. Mamontova (I. w sztukach plastycznych), I. V. Nestiev (I. w muzyce).

W teatrze przełomu XIX i XX wieku. wzrosła uwaga reżyserów i wykonawców na oddanie atmosfery akcji, nastroju danej sceny i ujawnienie jej podtekstu. Jednocześnie autentyczność i sens życia zostały przekazane za pomocą celowo pobieżnych cech w połączeniu z indywidualnymi, jaskrawo ekspresyjnymi szczegółami, które ujawniały mroczne doświadczenia bohatera, jego myśli i impulsy do działania. Nagłe zmiany rytmiczne, użycie dźwięków, malarskie plamy barwne posłużyły reżyserowi do stworzenia pewnego emocjonalnego bogactwa w przedstawieniu, ujawniając tym samym wewnętrzny wzrost dramatyzmu ukryty za posunięciem. życie codzienne. Środki wyrazu I. zostały użyte w przedstawieniach A. Antoine (Francja), M. Reinhardta (Niemcy), V. E. Meyerholda (Rosja), w przedstawieniach Moskwy Teatr Artystyczny(na przykład w produkcjach sztuk A.P. Czechowa). Współcześni zwracali uwagę na cechy I. w aktorstwie G. Rezhan (Francja), E. Duse (Włochy), V. F. Komissarzhevskaya i innych aktorów.

TM Ojczyzna.

Dosł.: Mauclair K., Impresjonizm. Jego historia, jego estetyka, jego mistrzowie, przeł. z francuskiego, M.; Meyer-Grefe Yu., Impresjoniści, przeł. z niem., M., 1913; Venturi L., Od Maneta do Lautreca, przeł. z wł., M., 1958; Rewald J., Historia impresjonizmu, przeł. z angielskiego, L.≈M., 1959; Impresjonizm, przeł. z francuskiego, L., 1969; Chegodaev A.D., Impresjoniści, M., 1971; Bazin G., L "époque impressionniste, 2 ed., P., 1953; Leymarie J., L" impressionisme, v. 1/2 gen. 1959; Danckert W., Das Wesen des musikalischen Impressionismus, "Deutsche Vierteljiahrsschrift für Literaturwissenschaft und Geistesgeschichte", 1929, Bd 7, N. 1; Koelsch H.F., Der Impressionismus bei Debussy, Düsseldorf, 1937 (Diss.); Schulz H.≈G., Musikalischer Impressionismus und impressionistischer Klavierstil, Würzburg, 1938; Kroher E., Impressionismus in der Musik, Lpz., 1957.

Wikipedia

Impresjonizm

Impresjonizm(, z wrażenie- wrażenie) - nurt w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat, którego przedstawiciele starali się opracować metody i techniki, które umożliwiły najbardziej naturalne i żywe uchwycenie realny świat w swojej mobilności i zmienności, aby przekazać ich ulotne wrażenia. Zwykle termin „impresjonizm” odnosi się do kierunku w malarstwie, chociaż jego idee znalazły swoje ucieleśnienie również w literaturze i muzyce, gdzie impresjonizm działał również w pewnym zestawie metod i technik tworzenia literatury i utwory muzyczne w którym autorzy starali się przekazać życie w zmysłowej, bezpośredniej formie, będącej odzwierciedleniem ich wrażeń.

Termin „impresjonizm” powstał z lekkiej ręki krytyka magazynu „Le Charivari” Louisa Leroya, który swój felieton o Salonie Nędzników zatytułował „Wystawa impresjonistów”, opierając się na tytule obrazu "Wrażenie. Wschodzące słońce Claude'a Moneta. Początkowo termin ten był nieco lekceważący i wskazywał na odpowiedni stosunek do artystów malujących w ten sposób.

Impresjonizm (ujednoznacznienie)

Impresjonizm

• Impresjonizm- kierunek w art.
• Impresjonizm - Kierunek muzyczny.
• Impresjonizm to trend w kinie.
• Impresjonizm to styl literacki.

Impresjonizm (muzyka)

muzyczny impresjonizm- nurt muzyczny zbliżony do impresjonizmu w malarstwie i równoległy do ​​symboliki w literaturze, który rozwinął się we Francji w ostatniej ćwierci XIX w. - na początku XX w., przede wszystkim w twórczości Erica Satie, Claude'a Debussy'ego i Maurice'a Ravela.

Za punkt wyjścia „impresjonizmu” w muzyce można uznać lata 1886-1887, kiedy to w Paryżu ukazały się pierwsze impresjonistyczne opusy Erica Satie - a w efekcie pięć lat później pierwsze dzieła Claude'a Debussy'ego w nowym stylu, które zyskały rezonans w środowisku zawodowym (przede wszystkim „Popołudnie Fauna”).

Impresjonizm (literatura)

Impresjonizm w literaturze- jeden ze stylów literackich, które rozprzestrzeniły się na świecie na przełomie XIX i XX wieku, oparty na skojarzeniach.

Pojawił się pod wpływem tytułowego europejskiego stylu artystycznego. Opracowany w wielu krajach Europy, w tym w Rosji.

W literaturze styl ten nie rozwinął się jako odrębny kierunek, a jego cechy znalazły odzwierciedlenie w naturalizmie i symbolice. Główne cechy stylu impresjonistycznego sformułowali bracia Goncourt w swojej pracy „Dziennik”, gdzie fraza: "Widzenie, odczuwanie, wyrażanie - to wszystko sztuka", stał się centralną pozycją wielu pisarzy.

Impresjonizm wyraża się w powieściach Emila Zoli. Reprezentantami impresjonizmu w literaturze są także Thomas Mann, Oscar Wilde, Stefan Zweig. Przykładem poetyckiego impresjonizmu jest kolekcja Paula Verlaine'a Romanse Without Words (1874). W Rosji wpływ impresjonizmu odczuli Konstantin Balmont i Innokenty Annensky.

Nastrój impresjonizmu dotknął także dramaturgii (dramat impresjonistyczny), gdzie bierne postrzeganie świata, analiza nastroju, Stany umysłowe, w dialogach skupiają się odmienne wrażenia. Znaki te znajdują odzwierciedlenie w pracach Arthura Schnitzlera, Maurice'a Maeterlincka, Hugo von Hoffmanstla.

Impresjonizm w szczególności w literaturze, aw sztuce w ogóle, stracił na znaczeniu w połowie lat dwudziestych.

Impresjonizm (kino)

Impresjonizm w kinie- prąd w kinie.

Kino, bycie Sztuka wizualna podobnie jak malarstwo stało się spadkobiercą tradycji Artyści francuscy Impresjoniści na początku XX wieku. Pojawił się pod wpływem stylu malarskiego o tej samej nazwie, a także rozwinął się głównie we Francji.

Termin „impresjonizm filmowy” został wprowadzony przez francuskiego entuzjastę kina Henri Langlois i był aktywnie używany przez teoretyka filmu Georgesa Sadoula. Za przedstawiciela filmowego impresjonizmu uważany jest francuski reżyser i aktor Abel Gance. Fotogeniczna wizja rzeczywistości i wizualne odzwierciedlenie emocji psychologicznych stały się koncepcją programową nowego nurtu sformułowanego przez Louisa Delluca. Aktorka Eva Francis, żona Delluca, zagrała w wielu filmach impresjonistycznych, m.in. w "Gorączce" (1921) i "Kobiecie znikąd" (1922) Delluca i "El Dorado" (1921) L'Herbier.

Filmowi impresjoniści wierzyli, że kino powinno przemawiać do widza we własnym języku, używając tylko własnego zestawu środków wyrazu. Wnieśli znaczący wkład w teorię i estetykę kina. Na początku lat dwudziestych artykuły ukazywały się w: czasopisma oraz książki o specyfice filmowego impresjonizmu, o kompozycji w nim obrazu filmowego, o rytmie w kinie.

Przykłady użycia słowa impresjonizm w literaturze.

Pasja do fotografii była oczywiście zakorzeniona w Japończykach na długo przed wynalezieniem Daguerre'a - szczerze impresjonizm, chęć naprawienia chwili.

Ta muzyka - młodsza siostra poetycka symbolika Verlaine'a i Laforgue'a oraz impresjonizm w malarstwie.

Na schodach wymieniano opinie, błysnęły złe słowa: impresjonizm, Poczta impresjonizm a nawet symbolika.

Jest to opozycja camera obscura działającej zgodnie z prawami kartezjańskimi. perspektywa liniowa, impresjonizm z rozprowadzeniem warstwy koloru po powierzchni, jest niezwykle istotne.

Niemcy, które dały światu Dürera i Cranacha, nie były w stanie wyznaczyć ani jednego wybitny mistrz w dziedzinie współczesności Dzieła wizualne, choć niemiecki ekspresjonizm w malarstwie i monachijska szkoła miejska w architekturze były nurtami ciekawymi i oryginalnymi, a niemieccy artyści odzwierciedlili w swojej twórczości wszystkie ewolucje i wzloty charakterystyczne dla impresjonizm, kubizm i dadaizm.

Ten polityczny impresjonizm, oczywiście, nie przypisuje się opozycyjnym umysłom analitycznym.

malowniczy styl impresjonizm polega na negacji zewnętrznej formy realnych rzeczy i odtworzeniu ich wewnętrznej formy - masy polichromowanej.

Chociaż Ravel słusznie nazywany jest kompozytorem impresjonistycznym cechy charakteru impresjonizm przejawiała się w nim tylko w niektórych pracach, podczas gdy w pozostałych przeważa klasyczna klarowność i proporcjonalność konstrukcji, czystość stylu, wyrazistość linii i biżuterii w detalach wykończeniowych.

Następnie kompozytor zaatakował epigonów impresjonizm, kontrastując jego niejasność i wyrafinowanie z klarownością, prostotą i rygorem pisma linearnego.

Ale nie tylko to łączyło polskiego kompozytora z Francuzami impresjonizm: lata I wojny światowej obejmują kształtowanie się nowego stylu Shimanovsky, bardziej nowoczesnego języka harmonicznego, który nie mieści się już w ramach klasycznej harmonii romantycznej.

Dużo naprawdę sprawia, że ​​Debussy jest związany z malowniczością impresjonizm: samowystarczalny blask nieuchwytnych, płynnych momentów, miłość do krajobrazu, zwiewne drżenie przestrzeni.

To nie przypadek, że Debussy jest uważany za głównego przedstawiciela impresjonizm w muzyce.