Na początku XX wieku pojawił się nasz kalendarz nowe święto, której nazwa brzmiała jak rewolucyjne hasło: „Międzynarodowy Dzień Kobiet Solidarności Kobiet Pracujących w walce o równouprawnienie”.
Na szczęście z czasem ten dzień nabrał zupełnie innego znaczenia, a dla nas 8 marca to święto kobiecego piękna i wdzięku.
Pragnąc połączyć historyczne z przyjemnym, zebraliśmy kilka obrazów uroczych, zalotnych i silnych robotnic od wielkich artystów - wiecznych jeńców kobiecego piękna i cnót!
Pochodzący z Moskwy Aleksiej Wenecjanow po raz pierwszy odwiedził wieś w wieku 35 lat, kiedy po ślubie nowożeńcy pojechali odwiedzić rodziców żony w prowincji Twer.
Artysta był tak zafascynowany przyrodą, że od razu zapragnął osiedlić się wśród ruskich bezkresów i kupił majątek w Safonovce.
To tutaj maluje obraz „Na polu ornym”. Cała twórczość Wenecjanowa jest przesiąknięta poezją, jego obrazy poświęcone życiu chłopskiemu idealizują życie na wsi.
Od dzieciństwa Zinaida Serebryakova była zakochana w obrazach Venetsianova. W niej wczesne obrazy czułem niewidoczne połączenie z twórczością rosyjskiego pisarza życia codziennego. Sto lat później wieśniaczki z Wenecjanowa wydają się nadal żyć na jej obrazach.
Wiejskie dziewczęta artysty są majestatyczne, o królewskiej postawie, spokojnie wykonują swoją codzienną pracę - prawdziwa poezja duchowości!
Zinaida Evgenievna Serebryakova. Żniwa
1915, 177×142 cm.
Przypisuje się obrazy „Żniwa” i „Wybielanie płótna”. najlepsze prace Zinaida Serebryakowa. Zostały wpisane posiadłość rodzinna Neskuchnoe w guberni charkowskiej, gdzie od 1898 roku rodzina Serebryakovów spędzała lato i jesień.
W 1914 roku, po długiej podróży przez północne Włochy, Zinaida przybyła do Neskuchnoye i od razu zabrała się do pracy nad obrazem Żniwa.
Badanie twórczości artystów włoski renesans, dopiero od niedawna spotykany w muzeach i galeriach, daje się odczuć w klasycznie zbudowanej kompozycji, a monumentalność form podkreśla piękno kobiecych postaci na tle pejzażu z nierównomiernie odchodzącymi za horyzont pejzażami pól pszenicy.
Obrazy te są uważane za ostatnie idylliczne obrazy przedrewolucyjnej Rosji.
Zinaida Evgenievna Serebryakova „Wybielanie płótna”
1917, 141,8 × 173,6 cm.
Koronka, puder, szminka - wszystko czego potrzebuje czarodziejka...
Francuskie damy pracują również niestrudzenie w obrazach artystów. W epoce rokoka najmodniejszym zawodem mieszkańców miast była praca modniarza.
Eleganckie i luksusowe stroje, gorsety, hafty i koronki były myślami kobiet, ponieważ trzeba było dotrzymać kroku wyznaczającej trendy Madame Pompadour!
A fantazje młodych dziewcząt ucieleśniały rzemieślniczki wszystkich zawodów - modystki. François Boucher na obrazie „The Modiste” zdaje się ukradkiem zaglądać do pokoju i podglądać panie rozmawiające o przyszłym modelu.
Franciszka Busha. "Modystka"
53×64 cm.
W XVIII wieku, w okresie oświecenia we Francji, zwyczajem było w sztuce wychwalanie i potwierdzanie cnót stanu trzeciego, a w malarstwie dobry ton uważana za prostotę i naturalność.
Jean-Baptiste Greuze w obrazie „Praczka” nie tylko przedstawia wdzięczną i czarującą młodą robotnicę – w ten sposób opiewa ciężką pracę.
W Rosji w drugiej połowie XVIII wieku stał się Greuze artysta mody szlachta prześcigała się w zamawianiu dla niego portretów, sama cesarzowa Katarzyna II, za radą Diderota, nabyła od artysty obraz Paralityka.
Oczywiście taka popularność twórczości Greuze'a nie przeszła niezauważona przez malarstwo rosyjskie, jego obrazy miały ogromny wpływ na rosyjski portret.
Jean-Baptiste Greuze „Praczka”
1761, 32×40 cm.
Koronkowe rzemieślniczki
„Russian Dream” nazywał się Wasilij Tropinin za czarujący portrety kobiet. Po raz pierwszy stworzył w malarstwie rosyjskim nowy typ portret gatunkowy- poetycki wizerunek dziewczyny przy pracy.
Młode piękności na obrazach „Koronkarka” i „Złota szwaczka”, zajęte swoją pracą, na chwilę odrywają wzrok od swojej pracy i chytrze spoglądają na widza.
Wasilij Andriejewicz Tropinin. „złotnik”
1826, 64×81 cm.
Tropinin był artystą poddanym i dopiero w wieku 47 lat uzyskał wolność. Symboliczne jest to, że rok 1823, rok powstania Koronkarki, przyniósł artyście zarówno wolność, jak i oficjalne uznanie.
W tym roku po raz pierwszy pokazuje swoje prace na Akademii Sztuk Pięknych, a artysta otrzymuje tytuł „mianowany na akademików”. Tak więc intymny portret mieszczanki przyniósł twórcy wolność i powodzenie.
Tropinin "Koronkarka"
Opiekun ognisko
Gospodarstwo domowe zawsze spoczywała na barkach kobiet i obowiązkach kuchennych – bezpośredni obowiązek. Dla jednych to błogosławieństwo, dla wielu kłopot. Dla bohaterki obrazu „Kucharz” Bernardo Strozziego to obowiązek i święty obrzęd.
Patrząc na zdjęcie można zadać sobie wiele pytań. Na przykład, dlaczego młoda dziewczyna patroszy ptaka elegancka sukienka i koraliki? Czy ma dużą rodzinę, bo na obiad ma być spora ilość dań?
Kto jest przedstawiony na obrazie - może artysta przedstawił swoją żonę i dlatego tak czule patrzy na widza? Ta opcja jest całkiem możliwa: obraz włączony działka domowa Strozzi to rzadkość, a dla swojej żony mógłby zrobić wyjątek.
Bernardo Strozzi „Kucharz”
1625, 185×176 cm.
Autor zdjęcia - włoski artysta epoki baroku z niezwykłą biografią. Awanturnicza natura Strozziego przejawiała się we wszystkich jego działaniach: w młodości wstąpił do zakonu kapucynów i został księdzem, następnie studiował malarstwo w pracowni genueńskiego artysty Sorriego i jednocześnie pracował jako inżynier okrętowy w Genui flota.
Później artysta uciekł z klasztoru i ukrywał się przed prześladowaniami mnichów w Wenecji. Ale Strozzi nigdy nie porzucił malarstwa. Jego głównym tematem były portrety, sceny religijne, mitologiczne i nie tylko twórczy sposób wielki wpływ wywarł obraz Caravaggia.
„Zawód” pasterki był kiedyś bardzo popularny i często zwracali się do niej artyści. wzruszający obraz pasterkę w średnim wieku znajdujemy w pracach Van Gogha, który malował zwykłych wieśniaków ze szczególnym ciepłem i miłością.
Spójrz na kolor obrazka: żółty pola pszenicy- kolor słońca i ciepła, miękko skontrastowany z błękitną pelerynką pasterską, - częste używanie w pracach artysty, ale nie wywołuje niepokojących uczuć, jak w innych jego obrazach.
Van Gogh niezwykle dokładnie przekazuje swoje uczucia za pomocą odcieni kolorów. Niezależnie od tego, jakie wichry szaleją wokół, kobieta jest spokojna i uległa trudnemu losowi… Zarówno nasza dominująca, jak i szczere uczucie na widok tego zdjęcia - "empatia".
Vincent van Gogh. "Kowbojka"
1889, 52,7×40,7 cm.
Artysta stworzył tę pracę podczas leczenia w Saint Remy na południu Francji. W tym okresie 1889-1890 studiował twórczość założyciela szkoły Barbizon, Jeana-Francoisa Milleta, i w tym czasie wykonał kopie 23 jego obrazów, wśród nich Pasterkę (choć trudno nazwać dzieło Van Gogha malowanie kopii).
Wincenty tak pisze do brata o swoim zawodzie:
„Zapewniam, że jestem bardzo zainteresowany wykonaniem kopii, a ponieważ nie mam w tej chwili modeli, nie zrezygnuję z pracy nad figurą z tych kopii.
Używam czarno-białych reprodukcji Delacroix i Milleta tak, jakby były prawdziwymi scenami. A potem improwizuję kolor, choć oczywiście nie do końca tak, jakbym robił to sam, ale próbując przypomnieć sobie ich obrazy.
Jednak ta „pamięć”, niejasna harmonia ich kolorów… to moja interpretacja.
Porównując obrazy obu artystów, wydaje się, że Van Gogh namalował pasterkę w swojej wyobraźni.
Proso „Pasterka” 1, Proso „Pasterka” 2.
Jean-Baptiste Chardin obserwował życie zwykłych obywateli i pisał z nich historie. Życie codzienne. Z obrazu „Praczka” tchnie spokojny domowy komfort, w którym wszystko jest ocieplone troskami gospodyni.
Podczas gdy mama myje, syn jest zajęty swoją prostą zabawą. Obrazy dzieci są zawsze obecne w obrazach Chardina, podkreślając miłość matki do dziecka. Ukazanie tych relacji pomaga mu stworzyć duchową atmosferę ciepła i skromnego, ale znaczącego i satysfakcjonującego życia mieszczan.
Praca kobiet na obrazach artystki utożsamiana jest ze szlachetną pracą wykonywaną ze szczególną starannością i miłością.
Jean Baptiste Simeon Chardin. "Praczka"
Redakcja Pracy Socjalnej - my nowy Świat Zbudujmy!
Nowe zawody opanowują kobiety w Kraj sowiecki. Z nami nie są tylko zachodnimi fashionistkami - radziecka kobieta może zbuduj metro!
W serii grafik Aleksandra Samochwałowa z lat 30. portrety dziewcząt pracujących przy budowie metra ucieleśniały ideał socjalistycznej pracy.
Entuzjazm, młoda energia, optymizm i siła przelewają się w tych pracach - będziemy budować nowy kraj. Oto ona z wiertarką, z łopatą, piękna, silna i szczęśliwa, poradzi sobie ze wszystkim!
Artysta wszedł na ideową ścieżkę kraju, szczerze wierzy w uniwersalną twórczość na rzecz lepszej przyszłości. A duchowe impulsy artysty - sprawa jest dość namacalna, wystarczy spojrzeć na dzieło!
Rembrandt van Rijn Saskia jako Flora. kobieta w formie flora(zabarwienie). Oto jak ten obraz jest odszyfrowywany. Kwiaty w dłoniach Sasuke jak różdżka. Opaska jak korona. Sama kobieta jest jak królowa dzikiej przyrody.
Raphael Santi Madonna Rafaela. Obraz jest stary, ale piękny. Artyści pokrywają w swoich pracach tylko to, co najpiękniejsze, a jest to matka z dziećmi. Rafael Santi postanowił nie różnić się od innych artystów i namalował obraz „Madonna”. Uważam, że to zdjęcie jest godne honoru i wysokiej oceny.
Rafael Santi Dama z jednorożcem. Wyobraźnia artysty była znakomita. Napisanie damy z jednorożcem, stworzeniem, które samo w sobie jest magicznym stworzeniem, nie mogło nie stać się tematem czcigodnej sztuki samego Rafaela Santiego. Myślę, że nie ma sensu mówić o pięknie kobiety. Ta kobieta jest doskonała.
Rafał Santi. Mała Madonna Cowper. włoski malarz oraz
architekt, jeden z najwybitniejszych
wspaniali artyści przez cały czas
historia świata, mistrzu
Madonna, przedstawiała inną Madonnę z blond włosami i dzieckiem w ramionach. Zdumiewa mnie prostota jej twarzy i oczu.
Sandro Botticelli Madonna z Dzieciątkiem i Aniołami. Obraz wyraźnie pokazuje, że podziwiają go nawet aniołowie nieziemskie piękno to nieporównywalnie śliczna kobieta. Ich ręce sięgają po nią, tak jak ręce niemowląt sięgają po matkę. Aniołowie są posłańcami Boga.
Sandro Botticellego. Wenus i Mars. Obraz został namalowany w 1483 roku. Ewentualnie napisane
na zlecenie rodziny kupieckiej
Vespucci. Jeden z historyków zasugerował, że Mars jest przedstawiany jako zamknięty
oczy, jak już
pod wpływem
substancje odurzające. I czy jest, czy nie, nikt nie wie.
Zinaida Serebryakova Pielęgniarka z dzieckiem. Jakie piękne i wspaniałe są Rosjanki. A bycie matką to też wyczyn. Bycie mamą dzieci i zawsze dobry wygląd to nie tylko wielka sztuka, ale i ciężka praca.
Iwan Pietrowicz Argunow Portret cesarzowej Katarzyny II. 1762 IP Argunow
otrzymał odpowiedzialne zamówienie
- tworzenie portretu
Cesarzowa Katarzyna II. Widząc twój portret
napisany przez Iwana
Pietrowicz „na pamięć”, Katarzyna była
Mile zaskoczony.
Iwan Pietrowicz Argunow Obrazy Argunowa. Portret Łobanowej-Rostowskiej. Tylko spójrz, co ona ma szczupła talia. Kobiety tamtych czasów starały się jak najlepiej zachować swoją figurę. Piękne, wspaniałe stroje, udekorowane kamienie szlachetne wyglądać szykownie nawet na najbrzydszych kobietach.
| 0 | 0 | 7 |
Iwan Pietrowicz Argunow Portret nieznanej kobiety w stroju chłopskim. jeden z najbardziej sławnych
dzieła rosyjskie
artysta. Portret
nieznane odzwierciedla zainteresowanie
do tematu chłopskiego,
pojawił się w tym czasie w
Społeczeństwo rosyjskie. Zainteresowanie wynika z pochodzenia samego autora.
| 0 | 0 | 11 |
Jak często podziwiamy dzieła sztuki, nie zastanawiając się, kto jest na nich przedstawiony. W pamięci pozostają tylko nazwiska osób królewskich, a tożsamość dziewczyny, której zamgloną sylwetkę widać w rogu obrazu, pozostaje nieznana. O kobietach, które pozowały artystom do słynnych obrazów, opowiem dzisiajAmator. głoska bezdźwięczna.
Holenderska Mona Lisa
Słynna „holenderska Mona Lisa”, „Dziewczyna z perłą” Jana Vermeera została namalowana około 1665 roku. Przez długi czas obraz ten nosił po prostu nazwę „Dziewczyna w turbanie”, jego nowoczesna nazwa otrzymała dopiero w XX wieku. Przedstawianie turbanów na obrazach stało się popularne od XV wieku, a Vermeer często wykorzystuje ten szczegół toalety na portretach. Cały obraz jest namalowany specjalny gatunek„troni”, które oznaczało wizerunek ludzkiej głowy.
„Holenderska Mona Lisa” od dawna nazywana jest „Dziewczyną w turbanie”
Zgodnie ze swoją nazwą duży kolczyk z perłą przyciąga wzrok widza.
Według najbardziej rozpowszechnionej wersji uważa się, że do portretu pozowała młoda córka Vermeera, Maria, choć niektórzy badacze wciąż sugerują, że mogła to być córka mecenasa artysty, filantropa Ruyvena. Maria była jednym z 15 dzieci Vermeera - jego małżeństwo było naprawdę szczęśliwe. Artysta kochał swoją żonę i często sama pozowała mu do obrazów.
Mistyczny portret młodej Lopukhiny
Portret Marii Iwanowna Łopuchiny, jednej z przedstawicielek rodu hrabiego Tołstoja, jest jednym z najbardziej znane prace Rosyjski artysta Borowikowski. Został namalowany w 1797 roku i obecnie znajduje się w Galerii Trietiakowskiej.
Portret M. I. Lopukhiny jest jednym z najbardziej znane prace Borowikowski
Poeta Jakow Połoński poświęcił swoje wiersze dziewczynie przedstawionej na portrecie: „Już dawno odeszła i nie ma już tych oczu, i nie ma uśmiechu, który w milczeniu wyrażałby cierpienie - cień miłości i myśli - cień smutek, ale Borowikowski ocalił jej urodę”. Artysta posługuje się tradycją malarstwo portretowe recepcja - otoczenie postaci z przedmiotami, które pomagają ją scharakteryzować. To cechy rosyjskiego krajobrazu, delikatny szal i opadające pąki róż.
Portret Lopukhiny jest uważany za najbardziej poetycki w twórczości Borowikowskiego
Co ciekawe, portret Marii Lopukhiny długi czas przerażone młode dziewczyny. Faktem jest, że wkrótce po napisaniu zdjęcia młoda kobieta w wieku 21 lat zmarła na gruźlicę. Wielu wierzyło, że portret zdawał się odbierać jej życie, a jeśli dziewczyny spojrzą na zdjęcie, również wkrótce umrą.
Dziewczyna z parasolką autorstwa Moneta
Słynny obraz Claude'a Moneta "Pole maków w Argenteuil" został namalowany w 1873 roku. To płótno pojawiło się na wystawie impresjonistów w 1874 roku, kiedy po raz pierwszy zadeklarowali się jako oddzielna grupa. Dwie postacie na pierwszym planie to żona Moneta Camila i ich syn Jean.
Obraz Claude'a Moneta Pole maków w Argenteuil został namalowany w 1873 roku
Monet malował, zgodnie ze swoim zwyczajem, w plenerze, starając się wycisnąć atmosferę lekkości i ruchu. Interesujący fakt, na co mało kto zwraca uwagę: w lewym rogu zdjęcia kolejna podobna para, kobieta z dzieckiem. Ledwo zauważalna ścieżka wije się między dwiema parami.
Obraz przedstawia dwie pary, z których jedna to żona i syn Moneta.
Historia miłosna Moneta i Camili była tragiczna: ojciec Moneta wielokrotnie groził, że pozbawi syna alimentów, jeśli nie rozstanie się z ukochaną. Żyli osobno przez długi czas, ale Monet nie mógł długo wytrzymać bez rodziny. Nierzadko jednak artysta prosił żonę o pozowanie do obrazów. Camilę możemy zobaczyć zarówno na płótnie „Dama w zieleni”, jak i wśród „Kobiet w ogrodzie”. Istnieje również kilka indywidualnych portretów Camili i ich syna. A kiedy Camila zmarła, namalował jej pośmiertny portret, który różni się od reszty prac artysty.
Monet namalował pośmiertny portret swojej żony, będąc pod wrażeniem jej śmierci
Pod wrażeniem śmierci ukochanej żony Monet namalował jej pośmiertny portret
Aktorka, która oczarowała Renoira
Auguste Renoir, jeden z najsłynniejszych artystów impresjonistów, kochał i umiał przedstawiać kobiece piękno. Aktorka Jeanne Samari była jego ulubioną modelką. Renoir namalował od niej 4 portrety, ale najbardziej znanym był „Portret aktorki Jeanne Samary”. Został napisany w 1877 roku i jest obecnie przechowywany w Muzeum Puszkina w Moskwie.
Główne odcienie użyte w portrecie to różowy i zielony.
Jeanne pochodziła z teatralnej rodziny i nie długo wybierała swoją karierę. Zadebiutowała w teatrze jako Dorina w Tartuffe Moliera, a jej sława szybko rosła. Przed ślubem dziewczyna często chodziła do pracowni Renoira i pozowała mu. To prawda, że była na sesjach nieregularnie, co rozgniewało artystę. Ale był całkowicie zafascynowany wdziękiem aktorki, więc raz po raz zapraszał ją, by została jego modelką. Ale jej sława i szczęście nie trwały długo: zmarła w wieku 33 lat na tyfus.
Tancerka z elastycznością węża
Słynny autor „Dziewczyny z brzoskwiniami” Valentin Serov, poznawszy Idę Rubinstein w Paryżu w 1910 roku, poprosił ją, by została modelką nowego płótna. Wcześniej pozowała dla wielu artystów - Kees van Dongen, Antonio de la Gandara, André de Segonzac, Leon Bakst, później - dla Romaine Brooks.
Portret Idy Rubenstein został niemal natychmiast kupiony od Serowa
Ale to portret rosyjskiego artysty stał się najbardziej znany. Obraz niemal natychmiast odkupiono od autora i umieszczono w zbiorach Muzeum Rosyjskiego.
Córka Sierowa, Olga, napisała, że w rzeczywistości Ida wcale nie była taka szczupła, a artysta celowo ją stylizował
Ida Rubinstein była znaną rosyjską tancerką i aktorką. Od 1909 do 1911 występowała w trupie Siergieja Diagilewa. Rubinstein był wysoka, ale jej wdzięk zadziwił publiczność i mówiono o niej jako o tancerce „z gibkością węża i plastycznością kobiety”. Role Kleopatry i Zobeidy stały się jej gwiazdą. Po odejściu z Diagilewa stworzyła własną trupę, w której występowała przez długi czas. A w 1921 roku zagrała nawet we włoskim filmie The Ship.
Chłopaki, wkładamy naszą duszę w stronę. Dziękuję za to
za odkrycie tego piękna. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas o godz Facebook oraz W kontakcie z
Przede wszystkim wiemy o obrazie dwie rzeczy: jego autora i być może historię płótna. Ale o losie tych, którzy patrzą na nas z płócien, wiemy niewiele.
strona Postanowiłam opowiedzieć o kobietach, których twarze są nam znane, ale ich historie już nie.
Joanna Samary
Auguste Renoir, Portret aktorki Jeanne Samary, 1877
Aktorka Jeanne Samary, choć nie mogła zostać gwiazdą estrady (grała głównie pokojówki), miała szczęście do czegoś innego: przez pewien czas mieszkała niedaleko warsztatu Renoira, który w latach 1877-1878 namalował jej cztery portrety, w ten sposób gloryfikując znacznie więcej, niż mogłoby ją to uczynić kariera aktorska. Zhanna grała w przedstawieniach od 18 roku życia, w wieku 25 lat wyszła za mąż i miała troje dzieci, a potem nawet napisała książkę dla dzieci. Ale ta urocza dama niestety nie żyła długo: w wieku 33 lat zachorowała na tyfus i zmarła.
Cecylia Gallerani
Leonardo da Vinci, Dama z gronostajem
1489-1490
Cecilia Gallerani była dziewczyną ze szlacheckiej rodziny włoskiej, zaręczoną już w wieku 10 (!) lat. Jednak gdy dziewczynka miała 14 lat, zaręczyny z nieznanych przyczyn odwołano, a Cecylię wysłano do klasztoru, gdzie poznała (a właściwie wszystko było ustawione) księcia Mediolanu Ludovico Sforzę. Rozpoczął się romans, Cecylia zaszła w ciążę, a książę osiedlił dziewczynę w swoim zamku, ale potem przyszedł czas na dynastyczne małżeństwo z inną kobietą, której oczywiście nie podobała się obecność jej kochanki w ich domu. Następnie, po narodzinach Galleraniego, książę wziął sobie syna i poślubił zubożałego hrabiego.
W tym małżeństwie Cecilia urodziła czworo dzieci, które były prawie pierwszymi w Europie salon literacki, odwiedził księcia z wizytą i bawił się z przyjemnością z jego dzieckiem z nowa kochanka. Po pewnym czasie zmarł mąż Cecylii, wybuchła wojna, ona straciła dobre samopoczucie i znalazła schronienie w domu siostry tej samej żony księcia – w tak cudownym związku udało jej się przebywać z ludźmi. Po wojnie Gallerani wróciła do swojej posiadłości, w której mieszkała aż do śmierci w wieku 63 lat.
Zinaida Jusupowa
VA Sierow, „Portret księżniczki Zinaidy Jusupowej”, 1902
Najbogatsza rosyjska dziedziczka, ostatnia z rodu Jusupowów, księżniczka Zinaida była niesamowicie przystojna i pomimo tego, że zabiegały o jej względy m.in. dostojne osoby, chciała wyjść za mąż z miłości. Spełniła swoje pragnienie: małżeństwo było szczęśliwe i urodziło dwóch synów. Jusupowa poświęciła dużo czasu i wysiłku działalność charytatywna, a po rewolucji kontynuował ją na emigracji. Ukochany najstarszy syn zginął w pojedynku, gdy księżniczka miała 47 lat, a ona nie mogła znieść tej straty. Wraz z nadejściem niepokojów Jusupowowie opuścili Petersburg i osiedlili się w Rzymie, a po śmierci męża księżniczka przeniosła się do syna do Paryża, gdzie spędziła resztę swoich dni.
Maria Łopuchina
V.L. Borowikowski, „Portret M.I. Łopuchina", 1797
Borowikowski namalował wiele portretów rosyjskich szlachcianek, ale ten jest najbardziej czarujący. Maria Lopukhina, członkini hrabiowskiej rodziny Tołstoja, jest tu przedstawiona w wieku zaledwie 18 lat. Portret został zamówiony przez jej męża Stepana Avraamovicha Lopukhina wkrótce po ślubie. Swoboda i nieco wyniosłe spojrzenie wydają się albo typową pozą dla takiego portretu z epoki sentymentalizmu, albo przejawem melancholijnego i poetyckiego usposobienia. Los tej tajemniczej dziewczyny okazał się smutny: zaledwie 6 lat po namalowaniu obrazu Maria zmarła na suchoty.
Giovannina i Amacilia Pacini
Karl Bryullov, Jeźdźca, 1832
„Amazonka” Bryullov – genialny formalny portret, w którym wszystko jest luksusowe: jasność kolorów, przepych draperii i piękno modeli. Przedstawia dwie dziewczynki noszące nazwisko Pacini: najstarsza Giovannina siedzi na koniu, najmłodsza Amacilia patrzy na nią z ganku. Zdjęcie dla Karla Bryullova - jej wieloletniego kochanka - zamówiła ich przybrana matka, hrabina Julia Pawłowna Samoiłowa, jedna z piękne kobiety Rosja i spadkobierczyni kolosalnej fortuny. Hrabina gwarantowała swoim dorosłym córkom duży posag. Okazało się jednak, że na starość była praktycznie zrujnowana, a potem adoptowane córki Giovanina i Amazilia drogą sądową odebrały od hrabiny obiecane pieniądze i majątek.
Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, Narodziny Wenus
1482–1486
Słynny obraz Botticellego przedstawia Simonettę Vespucci, pierwszą piękność florenckiego renesansu. Simonetta urodziła się w r bogata rodzina, w wieku 16 lat wyszła za mąż za Marco Vespucciego (krewnego Amerigo Vespucciego, który „odkrył” Amerykę i nadał kontynentowi swoje imię). Po ślubie nowożeńcy osiedlili się we Florencji, zostali przyjęci na dworze Lorenzo Medici, w latach słynących z wystawnych biesiad i przyjęć.
Piękna, a jednocześnie bardzo skromna i życzliwa Simonetta szybko zakochała się we florenckich mężczyznach. Sam władca starał się o nią zaopiekować Florencja Lorenzo, ale jego brat Giuliano poszukiwał go najaktywniej. Piękno Simonetty zainspirowało wielu ówczesnych artystów, wśród których był Sandro Botticelli. Uważa się, że od momentu ich poznania Simonetta była wzorem dla wszystkich Madonn i Wenus Botticellego. W wieku 23 lat Simonetta zmarła na gruźlicę, mimo wysiłków najlepszych nadwornych lekarzy. Następnie artysta przedstawił swoją muzę tylko z pamięci, a na starość zapisał, że zostanie pochowany obok niej, co zostało zrobione.
Wiera Mamontowa
VA Serow, „Dziewczyna z brzoskwiniami”, 1887
Najbardziej sławny obraz portret mistrza Valentina Serowa został napisany w majątku bogatego przemysłowca Savvy Ivanovicha Mamontova. Codziennie przez dwa miesiące pozowała artyście jego córka, 12-letnia Vera. Dziewczyna dorosła i stała się czarująca dziewczyna, żonaty wzajemna miłość dla Aleksandra Samarina, który należy do sławnych rodzina szlachecka. Po podróż poślubna we Włoszech rodzina osiedliła się w mieście Bogorodsk, gdzie jedno po drugim urodziło się troje dzieci. Ale niespodziewanie w grudniu 1907 roku, zaledwie 5 lat po ślubie, Vera Savvishna zmarła na zapalenie płuc. Miała zaledwie 32 lata, a jej mąż nigdy nie ożenił się ponownie.
Aleksandra Pietrowna Strujskaja
F.S. Rokotow, „Portret Struyskiej”, 1772
Ten portret Rokotowa jest jak zwiewna wskazówka. Alexandra Struyskaya miała 18 lat, kiedy wyszła za mąż za bardzo bogatego wdowca. Istnieje legenda, że na ślub jej mąż dał jej nic innego jak nowy kościół. I przez całe życie pisał do niej wiersze. Nie wiadomo na pewno, czy to małżeństwo było szczęśliwe, ale każdy, kto był w ich domu, zwracał uwagę na to, jak bardzo różni są małżonkowie. Przez 24 lata małżeństwa Aleksandra urodziła mężowi 18 dzieci, z których 10 zmarło w niemowlęctwie. Po śmierci męża żyła jeszcze 40 lat, rzetelnie zarządzała majątkiem i pozostawiła porządny majątek dzieciom.
Galina Władimirowna Aderkas
BM Kustodiew „Kupiec herbaty”, 1918 r
„Kupiec herbaty” Kustodiewa jest prawdziwą ilustracją tej jasnej i dobrze odżywionej Rosji, gdzie są jarmarki, karuzele i „chrupanie francuskiego chleba”. Obraz powstał w porewolucyjnym głodnym roku 1918, kiedy o takiej obfitości można było tylko pomarzyć.
Galina Władimirowna Aderkas pozowała na tym portrecie żonie kupca - naturalnej baronowej z rodziny, której historia sięga jednego rycerza inflanckiego z XVIII wieku. W Astrachaniu Galia Aderkas była współlokatorką Kustodiewów z szóstego piętra; żona artysty przyprowadziła dziewczynę do studia, zauważając kolorową modelkę. W tym okresie Aderkas była bardzo młoda - studentka pierwszego roku medycyny - a na szkicach jej sylwetka wygląda na znacznie szczuplejszą. Po ukończeniu uniwersytetu i pracy przez pewien czas jako chirurg porzuciła zawód i lata sowieckieśpiewała w rosyjskim chórze, brała udział w filmach dubbingowych, wyszła za mąż i zaczęła występować w cyrku.
Lisa del Giocondo
Leonardo da Vinci, Mona Lisa, 1503-1519
Być może jeden z najbardziej znanych i tajemnicze portrety wszystkich czasów i narodów jest słynna Monia Lisa autorstwa wielkiego Leonarda. Wśród wielu wersji o tym, kto jest właścicielem legendarnego uśmiechu, w 2005 roku oficjalnie potwierdzono następujące: płótno przedstawia Lisę del Giocondo, żonę Francesco del Giocondo, handlarza jedwabiem z Florencji. Portret mógł zostać zamówiony przez artystę z okazji narodzin syna i zakupu domu.
Wraz z mężem Lisa wychowała pięcioro dzieci i najprawdopodobniej jej małżeństwo opierało się na miłości. Kiedy jej mąż zmarł na dżumę i Lisę również dotknęła ta ciężka choroba, jedna z córek nie bała się zabrać do siebie matki i pozwolić jej odejść. Mona Lisa wyzdrowiała i mieszkała przez jakiś czas ze swoimi córkami, umierając w wieku 63 lat.
