Olga Danilkina, Ivan Isaev, Elena Ishchenko i Boris Klyushnikov – o samotności przedmiotu i nakazach widza, interpasywności i jej siła polityczna, rynek sztuki i jego autonomia
" Głęboko w środku". Główny projekt V Biennale w Moskwie młoda sztuka, 2016
Przygotowania do piątego biennale młodej sztuki przebiegały w napiętej atmosferze – obok stałych logotypów dwóch organizatorów, NCCA i MMSI, pojawiło się trzecie – ROSIZO. Biennale powołało komisarza – podobnie jak „starsze” Biennale w Moskwie – Ekaterinę Kibovską, której główna rola, jak się wydaje, mimo że już trzy stany organizatorów, polegała na poszukiwaniu partnerów prywatnych i sponsorów. Na kuratora głównego projektu wybrano Nadeema Sammana, który według Artsy.net znalazł się w pierwszej dziesiątce młodych i obiecujących kuratorów.
Efektem jego pracy była wystawa „Deep Inside”, która, jak tradycyjnie się mówi, zgromadziła 87 artystów z 36 krajów. Główny projekt (podobnie jak całe biennale) wzbudził skrajne opinie, co znalazło odzwierciedlenie m.in. w okrągłym stole zorganizowanym przez portal Artguide. Redaktorzy magazynu Aroundart.ru Olga Danilkina i Elena Iszczenko postanowiły kontynuować dyskusję i wezwały dwóch młodych kuratorów, Iwana Isajewa i Borysa Klusznikowa, do pogłębienia debaty – na temat głównego projektu i marki młodego biennale, samotności obiektu i nakazów widza, interpasywność i jej siła polityczna, rynek sztuki i jego autonomia.
Zdjęcia: Olga Danilkina
Iwan Isajew: Okrągły stół w Artguide, poświęcony biennale młodzieży, na które zaproszono nas także z Boryą, odbył się z wyraźną przewagą wypowiedzi Victora Misiano, w którym nieco mimochodem poruszono problemy głównego projektu. Zaproszenie do dyskusji w celu publikacji na temat Aroundart.ru wydawała się dobrą okazją do bardziej szczegółowego omówienia głównego projektu, aby rozwinąć i rozszerzyć krytyczną argumentację w stosunku do wystawy w Manufakturze Trekhgornaya. Już przed rozmową było oczywiste, że moje stanowisko będzie raczej oskarżycielskie, zaś Borya zamierzał bronić właśnie tego trybu biennale, uzasadniając to, co zostało pokazane.
Borys Klusznikow: Tak, szczegółowo omawialiśmy wówczas podstawy biennale jako formatu, z jego ogólną problematyką. Jeśli jednak jesteś naprawdę konsekwentny w krytyce, możesz bez końca mediatować wypowiedzi, wątpiąc w ich zasadność. Po krytyce biennale można zakwestionować istnienie instytucji sztuki i ostatecznie krytycznie ocenić samo życie na Ziemi. Przy tego typu krytyce umyka treść wypowiedzi, analiza tego, co zostało zrobione, a nie tego, co można by zrobić w idealnej sytuacji w próżni. Mamy więc taki format, jaki mamy. A teraz myślę, że możemy zastanowić się, jak czytać główny projekt.
Na pierwszym planie: Jurij Szust. Egzo zapomnienie. 2015. W tle: Claire Pogam. Próba przytulenia nr 25. 2015
sztuczna inteligencja: Zacznę od głównych zarzutów dotyczących projektu. Myślę, że wystawa Sammana jest uosobieniem hackerstwa na wszystkich poziomach: od podejścia do wystawy, po wybór prac i instalację. Mówimy o biennale – międzynarodowym wydarzeniu, które ma na celu ożywienie lokalnej sceny, prezentację trendów w tej dziedzinie Sztuka współczesna. Ale widzimy w tym potworną izolację od kontekstu – od moskiewskiej polityki społeczno-politycznej, od Manufaktury Trekhgornaya. Kiedy ogłoszono miejsce, podkreślano, że ma ono charakter historyczny – to Krasnaja Presnia, jedno z centralnych miejsc rewolucji 1905 i 1917 r., sama fabryka jest stara. Nie zauważyłem jednak żadnej pracy w ramach Projektu Głównego, która pasowałaby do tego kontekstu. Mam wrażenie, że większość praca została po prostu przeniesiona z jednego białego sześcianu, w którym była wystawiona gdzieś w Europie, do innego białego sześcianu. Myślę, że dobrze byłoby poznać środowisko, w którym zostałeś zaproszony do pracy. Zrozum procesy jakie tu zachodzą. Praca nie powinna być zawieszona w próżni.
Elena Iszczenko: Większość prac nie powstała specjalnie na Biennale, z wyjątkiem niektórych projektów artystów rosyjskich.
sztuczna inteligencja: To bardzo słuszna uwaga, która potwierdza, że prace zostały po prostu wybrane przez kuratora i przeniesione z jednego białego sześcianu do drugiego. Byli odseparowani od samych artystów.
Być może padłem ofiarą wysokich oczekiwań. Samman był współkuratorem bardzo ciekawej i wysokiej jakości wystawy Rzadka Ziemia w Muzeum Thyssen-Bormenissa. Plus Biennale Antarktyczne, w które zaangażowany jest Samman. Jest zaangażowany w wystarczającą liczbę ciekawych i innowacyjnych projektów. Spodziewałem się, że tym razem będzie eksperymentował. Widzę tu tendencje do obiektów cyfrowych, postcyfrowych, postnaukowych, pseudointeraktywnych, sztuki postinternetowej, sztuki w epoce cyfrowej, takie fantazjowanie o przepływie informacji, sieć globalna, do powszechnej komunikacji, do języka cyfrowego – fetyszyzacja technologii. Ilustracją tego może być naiwne dzieło Jeremy’ego Santiago-Horsemana, które romantyzuje estetykę kodu binarnego: ściana z kruszącym się tynkiem. Artysta widzi fakt i wizualizuje go w oczywisty sposób. Albo coś w rodzaju interaktywnego pudełka przewodów i żarówek Eddiego Wagenknechta, które, zgodnie z opisem katalogowym, to „złożone razem płytki drukowane i kable sieciowe… (które) symbolizują „chmurę”” Media społecznościowe, dane, wycieki"; Ponadto ta skrzynka „przechwytuje i rejestruje anonimowe dane otrzymane z pobliskich sieci WiFi" I wiele innych prac to także niezwykle prymitywne wizualizacje metafory – tak wiele, że ich liczba poważnie przekracza pewną krytyczną liczbę prac „w tle” dla dużej wystawy, co każe myśleć o zbyt nieostrożnym podejściu kuratora do selekcji prac.
Jeremy’ego Santiago-Josmana. Sanktuarium (ab). 2016
PNE: Wręcz przeciwnie, wydaje mi się, że jest to najlepszy dwuletni projekt młodzieżowy, jaki kiedykolwiek widziałem. A obfitość ocen krytycznych wynika tak naprawdę z tego, że do jego oceny podchodzimy z punktu widzenia danych idei, a nie zadań, jakie postawiło przed nami to biennale. Wszelka krytyka wiąże się z pewnymi wymogami – krytycznością, pracą z lokalnym kontekstem, co staje się maksymą.
sztuczna inteligencja: Nie do końca maksyma, ale raczej jeden z aspektów jakości biennale.
PNE: Tak, ale trzeba wziąć pod uwagę nie je, ale pytania, jakie stawia samo biennale i w formie interakcji: temat – dzieło, widz – dzieło, widz – decyzja kuratora i tak dalej. W tym kontekście staje się jasne, że kuratorka zdecydowała się na bardzo odważną formę. Co zrobiły biennale, które stały się popularne w latach 90. i 2000.? Byli bardzo kontekstualni i oddani relacjom i komunikacji. Najpierw – estetyka interakcji, potem – aktywizm polityczny. Projekty te wciągały widza w interakcję, próbowały uczynić z niego obywatela, przenieść go na jakąś pozycję. A obecne Biennale Sammana wyraźnie pokazuje, że taka postawa, w której trzeba uwieść widza do działania, do jakiejś reakcji, jest już przez młodych artystów uznawana za brutalną. Przyciąga mnie brak tej obywatelskiej kokieteryjności, konieczności zrobienia czegoś, przemyślenia kontekstu, wzięcia w czymś udziału. A jeśli spojrzeć na to z tej strony, staje się jasne, że prace zostały wybrane bardzo precyzyjnie. Na wystawie jest na przykład mnóstwo filmów wideo, a to takie narcystyczne medium, zamknięte w sobie, obiekt mocno kontemplacyjny. Przeciwnie, większość obiektów nie jest interaktywna, wręcz przeciwnie, są samotne i zamknięte w sobie.
Prace, które pamiętam, to głównie filmy poświęcone samotnemu gestowi w pustce, jak człowiek z pszczołami w twórczości Marka Johnsona. Albo instalacja wideo „Wniebowstąpienie” Piotra Dawidczenki z nurkowaniem w błocie. Na wystawie znalazło się wiele prac odbieranych w sposób interpasywny, tworzących komunikację bez komunikacji, połączenie bez komunikacji. Kurator zrywa połączenie widza z dziełem. Jak w tej sali z lustrami – estetyka narcyzmu, rozumiesz, że jesteś zamknięty w sobie, tak jak młoda sztuka. Zasadniczo tak jest osobliwość młodzi ludzie. Mark Fisher nazwał tę depresyjną hedonię – stan, w którym nie możesz robić nic poza dobrą zabawą. Ale ten narcyzm jest paradoksalny: kiedy demonstrujemy na sobie izolację, precyzyjnie znajdujemy punkty interakcji, rozumiemy, że jesteśmy w jakiś sposób połączeni.
Inny ważny punkt tematyczny. Tutaj tematem przewodnim są powiązania, komunikacja – obieg obrazów. Wydawać by się mogło, że wszystko, wszystko już słyszeliśmy: teorię aktora-sieci, teorię komunikacji i że świat poza komunikacją w ogóle nie istnieje. I ta wystawa faktycznie podejmuje temat komunikacji, przeludnienia obrazami, ale jednocześnie prezentuje prace absolutnie niekomunikacyjne. Przez długi czas istniała ideologia powierzchni, przesuwania się, danej technologie cyfrowe, a Deep Inside oferuje inny tryb.
Dziś popularne są różnorodne wykłady performatywne i programy równoległe i wydaje się, że wystawa nie jest już potrzebna. Wiele osób krytykowało za to biennale. Pokazuje jednak to, co można wyrazić w formie biennale – izolację i samotność związaną z przedmiotami. To nie przypadek, że na tej wystawie nie ma performansów – nie da się tej idei wyrazić w performansie. To biennale jest połączeniem tak wielu samotności. Wydaje mi się, że wiele osób czuje się poza wspólnotą, więc to biennale jest wpisane w kontekst – wyraźnie rezonuje z moimi uczuciami.
sztuczna inteligencja: Po prostu wydaje mi się, że ta wystawa powstała według schematów biennale sprzed dziesięciu lat, kiedy pojawił się zestaw cech dla tak konwencjonalnych wystaw. Mieszanka prac przywiezionych z różnych części świata, aby naświetlić pewne abstrakcyjne kwestie. Podczas dyskusji w Artguide przypomnieliśmy sobie Biennale Iluminacje, - to dobry przykład takiej wystawy: prace, które wydają się być związane z tematem, chociaż wszystko może być z nim powiązane. To właśnie determinuje izolację od lokalnego kontekstu, jaka panuje w głównym projekcie biennale.
PNE: Biennale, o którym mówisz, to Magowie Ziemi Jeana Huberta Martina. Ale obecne biennale młodzieży odbywa się zupełnie inaczej.
sztuczna inteligencja: Nie, mówię o tej studenckiej formie biennale, która powstała dzięki ich rozkwitowi, kiedy niemal każdy punkt na ziemi pretendujący do jakiegoś znaczenia w sztuce współczesnej miał swój własny. Dzięki temu powstają według tej samej receptury: problem jest wzięty znikąd, sformułowany możliwie ogólnie, artyści tworzą różne prace na ten temat, a wszystko zostaje zjednoczone w jednej przestrzeni.
Olga Danilkina: Wydaje mi się, że to biennale jest zrobione inaczej. Bardzo mi się podobało, że daje bardzo trzeźwe zrozumienie, że nie możemy sobie pozwolić na naprawdę produktywne myślenie o czymkolwiek innym niż globalny. Jeśli przejdziemy do tego, co lokalne, nieuchronnie zanurzymy się w obszar środków masowego przekazu i ich refleksji politycznej i politycznej procesy społeczne, a próba obiektywnego zrozumienia tego jest raczej beznadziejna – ten gest jedynie zwielokrotni szum informacyjny i raczej nie wyjdzie poza zakres manipulacji, jaką posługują się same środki masowego przekazu. Bardzo podobał mi się ten dystans do takich tematów.
PNE: Ja też, bo prowincjonalizm jest wtedy, gdy nie można rościć sobie prawa do własnej uniwersalności, do tego, że można myśleć uniwersalnie. A to jest szczególnie ważne w przypadku biennale młodzieżowego. Podczas dyskusji w Artguide wiele osób wyraziło pogląd, że nie powinno być biennale młodzieży, że jest to dyskryminacja ze względu na wiek. Sugerowano, że kiedy biennale nosiło nazwę „Stop! kto przyjedzie?”, potem był festiwal, funk, zabawa, a teraz jest biennale i trzeba się jakoś wysilić. Ale zdałem sobie z tego sprawę w rzeczywistości biennale młodzieży dać młodym ludziom możliwość bycia poważnym i bycia traktowanym poważnie, bez tych akcesoriów „młodości” – lekkiej sztuki, przyjęć, zabawy. A ta wystawa temu zaprzecza: jest napięta, mroczna, przedapokaliptyczna, beznadziejna. Wania opowiada o postinternecie, ale często pedałuje żywe kolory, ale ta wystawa jest ciemna i monochromatyczna. W ramach festiwalu Mięso Mielone nie zrobicie takiej wystawy.
EI: To ciekawy pomysł, ale wydaje mi się, że wektor wyznaczony przez sformułowanie „biennale młodej sztuki” nie jest zbyt trafny. Skłania do autorefleksji – czym jest młodość, co to znaczy być młodym – co może nie być całkowicie konieczne.
OD: Tak, nie mogę oglądać wystaw z myślą o tym, czy są to młodzi artyści, czy nie. Wydaje się, że „biennale młodej sztuki” to pojęcie, które straciło na znaczeniu.
PNE: Tak masz rację. Socjolodzy na przykład Pascal Ghislain słusznie twierdzą, że w Europie nie ma już podziału na pokolenia we współczesnej sztuce. Ale wydaje mi się, że w Rosji kontekst jest taki, że tutaj koncepcja „młodego artysty” ma sens. Rok 1989, upadek bloku socjalistycznego, ZSRR doprowadził do poważnej przepaści pokoleniowej. Logika dziesięcioleci wciąż jest dla nas jasna i to nie dlatego, że jesteśmy na peryferiach, ale właśnie ze względu na kontekst roku 1989. Spór między konceptualistami i akcjonistami lub artystami pierwszej dekady XXI wieku a akcjonistami jest sporem edypalnym.
EI: Tak, oczywiście, są artyści, którzy żyją w przestrzeni poradzieckiej i są tacy, którzy żyli w przestrzeni sowieckiej. Ale ci, którzy żyją w przestrzeni poradzieckiej, wkrótce przekroczą ten kamień milowy 35 lat, co jest tak uniwersalną kwalifikacją młodego artysty.
PNE: Oczywiście nie mówię o granicy wiekowej. Chociaż Massimiliano Gioni zrobił wystawę Młodszy od Jezusa i nikt nie był temu szczególnie przeciwny. Ale to raczej chcę powiedzieć. Wszyscy obawiają się, że gloryfikowanie młodzieży jest faszyzmem. Ale dziwnie wyobrażasz sobie młodzież, jakby byli napompowanymi facetami, kipiącymi zdrowiem, energią i szowinizmem. Nie, młodzież jest inna i to biennale to pokazuje. To marne dzieci, które nie potrafią odnaleźć się w życiu.
EI: Wydaje mi się, że o to właśnie chodziło w ostatnim biennale – „Czas na marzenia”: o niekończących się frustracjach, o niezadowoleniu i niemożności działania. To biennale, jeśli już o tym mówi, robi to bardzo pośrednio.
Generalnie zgadzam się, że to biennale jest o samotności obiektu i załamaniu komunikacji. Tak naprawdę prace na wystawie wypierają widza: na ostatnim piętrze wszystko blokuje dźwięk teledysku Andrew Normana Wilsona, głupiej popowej piosenki, która miesza się z brzmieniem innych prac, blokując je i tworząc przestrzeń w w którym nie da się przebywać, niewygodnie. A w pokoju lustrzanym jesteś rozdarty i nie możesz się skoncentrować, skup swoją uwagę na jakimś przedmiocie. Nie możesz się z nim skontaktować. Staje się to metaforą wyparcia widza z przestrzeni wystawienniczej i samotności wyizolowanego obiektu. Wydaje mi się, że dobrze to widać w architekturze wystawy, rozwiązaniach ekspozycyjnych: z jednej strony wszystko jest sprawnie i pięknie wyeksponowane, wszystkie kompozycje są zrównoważone, ale im dalej idzie się i zaczyna zaglądać w prace, , to poczucie początkowej integralności i harmonii zaczyna się rozpadać. Cała wystawa się rozpada – brakuje spójności, niemal wszystkie prace są zamknięte w sobie. To atrakcyjny pomysł, ale nadal zależy od rodzaju produkcji obiektu na rynku – większość obiektów na wystawie wygląda jak dobrze wykonane prace galeryjne. A w naszym rosyjskim kontekście tę samotność wzmacnia także poczucie, że te przedmioty zdają się szukać swojego nabywcy, właściciela, ale nie mogą go znaleźć.
PNE: System już dawno nie był tak skonstruowany, a obiekty te nie szukają swojego nabywcy.
EI: Nie powinno się tak budować.
sztuczna inteligencja: Na świecie istnieją dwa główne sposoby zarabiania na nazwisku artysty: albo artysta sprzedaje działalność społeczną i otrzymuje granty, albo produkuje i sprzedaje przedmioty – pojedyncze elementy, którymi wypełnione jest to biennale. W biennale bierze udział wystarczająca liczba odnoszących sukcesy artystów galeryjnych. Wydaje mi się jednak, że tej wystawy nie można traktować jako nowej przeprosin za autonomiczny, izolowany obiekt, bo nie mamy podstaw sądzić, że zrobiono to świadomie. O wiele łatwiej jest zrobić wystawę, jeśli potraktujemy dzieła sztuki jako autonomiczne obiekty bez ich kontekstualizacji, wystawę jako zbiór przedmiotów w białym sześcianie.
PNE: Nie, nie zgadzam się. Po pierwsze dlatego, że jest to wystawa programowa, w której temat i forma są ze sobą ściśle powiązane. Poza tym może jestem zbyt cyniczny, ale nie widzę nic złego w tym, że ludzie robią coś, żeby sprzedać. Źle, gdy staje się to kryterium oceny pracy. Ale nie ocenia się Dostojewskiego po liczbie znaków, które chciał napisać, aby spłacić swój dług. Powstało wiele pięknych i ważnych dzieł, które następnie dobrze się sprzedały.
Po drugie, teraz znacznie łatwiej jest zorganizować tradycyjne spotkanie. Ciekawie jest spojrzeć na to biennale młodzieży w kontekście ostatniego biennale w Moskwie: są to dwie różne odpowiedzi na te same warunki – brak funduszy. A Biennale w Moskwie stworzyło platformę dyskusyjną...
sztuczna inteligencja:...biennale ciepłej lampy. Jak w inkubatorze.
OD: Zgadzam się, że obiekty są zamknięte, ale jednocześnie w wielu pracach rozpoznałam siebie. Nie sądzę, że biennale ignoruje kontekst lokalny, nie, odwołuje się do niego, ale nie bezpośrednio, ten kontekst nie krzyczy na każdym rogu „Jestem wszystkim!” (bo nie jest wszystkim), jak to często bywa.
PNE: Tak, to nie jest połączenie bezpośrednie, ale rezonansowe. Wszyscy ludzie w zglobalizowanym świecie czują w pewnym sensie to samo, ale ten zbieg okoliczności staje się możliwy tylko wtedy, gdy jesteś sam w pokoju i coś robisz. Wszyscy są przez to połączeni. Ta izolacja.
OD: Podobało mi się, że wiele prac zachęca do spojrzenia nie na to, co dzieje się wokół ciebie, ale przede wszystkim na to, jak to postrzegasz, jak w ogóle myślimy. W tym sensie interesująca jest praca Darii Kolcowej z wzorami na oknach, która wyraźnie pokazuje ten stopień interakcji z lokalnym kontekstem.
Ta izolacja bardzo odbiła się na moim odczuciu sytuacji naszego środowiska artystycznego. Żaden z filmów prezentowanych na wystawie nie ma rosyjskich napisów, lokal nie został odnowiony. Stopniowo, siedząc w naszym małym świecie, zaczynamy rozumieć, jaki jest mały i jak wszystko jest ograniczone. Ile my ogólnie mówiąc nikt nie potrzebuje. I ten moment jest dobrze odczuwalny na tym biennale.
sztuczna inteligencja: Biennale w zasadzie pokazuje, że nikt nas nie potrzebuje. Znakiem rozpoznawczym jest brak napisów, które wcale nie wymagają dużego budżetu. Z mojego punktu widzenia jest to kolejny dowód na zaniedbanie i nieostrożność w podejściu do wystawy.
OD: Sytuacja z napisami wydaje mi się polityczna jak na tak ogromny projekt.
sztuczna inteligencja: To bardzo ważny sygnał ignorowania lokalnego widza.
Eliego Marii Lundgaarda. Sto wyjaśnień tej samej rzeczy. 2015
PNE: Wydaje mi się, że te kwestie są mniej istotne, bo widza należy usunąć z tej wystawy. Dyktatura widzów istnieje od dawna i należy ją usunąć.
sztuczna inteligencja: Nie proponujecie usunięcia tej dyktatury za pomocą sztuki dla sztuki i autonomicznych form wyrażania siebie?
PNE: NIE. Po pierwsze, nie jest to tylko koncepcja sztuki dla samego dobra sztuka XIX wieku wiek. Inny jest kontekst, inna jest forma relacji między tymi obiektami. I w ogóle ta idea nie tyle dotyczy sztuki autonomicznej, ile pewnej polityki relacji, jaka dziś się ustanawia między ludźmi, między przedmiotami, między czymkolwiek. Polityka ta jest realizowana nie bezpośrednio, ale poprzez pośredników. Komunikujemy się interpasywnie, a nie aktywnie. Dziś ludzie nie chwytają się już za ręce i nie wychodzą na plac. Obecnie istnieją inne metody reakcji politycznej. Dziś można być apolitycznym i będzie to wypowiedź polityczna.
sztuczna inteligencja: Jednak to oświadczenie polityczne potwierdza status quo. Nie można zaprzeczyć, że obecnie dla władz korzystne jest umieszczanie ludzi w izolatkach.
PNE: NIE. Warto zawiesić się na poziomym drążku i przyjrzeć się sztuce publicznej. Co spowodowało kryzys z 2008 roku? Ponieważ ludzie po prostu nie byli w stanie spłacić swoich kredytów. Oni są zmęczeni. Kapitalizm nie wziął pod uwagę tego punktu, który ludzie mogli po prostu zablokować.
EI: Ale jednocześnie prace na wystawie wskazują, że zostały wyprodukowane, że włożono w nie wysiłek i pieniądze. Nawet wideo nie jest znalezione nagranie lub surowe filmy dokumentalne, które wymagają minimalnego wkładu i mogą być produkowane samodzielnie. Nie, z filmów znajdujących się na wystawie wynika, że proces ich produkcji był kosztowny i wymagał zaangażowania zespołu. Jeśli są to przedmioty, to często są one wykonane albo przy użyciu nowych technologii, albo wykonane umiejętnie. Oznacza to, że zmęczenie i bierność, o których mówi cała wystawa, zaprzeczają metodzie ich produkcji, w istocie zaprzeczają strategiom artystycznym uczestników.
PNE: W przypadku tej wystawy nie mówimy o ludziach w ogóle. Prace wywołują efekt, ale nie wymagają żadnego działania.
EI: Zatem artyści, którzy aktywnie tworzą dzieła i promują się, tworzą dzieła, które każą nam być pasywnymi? Któregoś dnia otrzymałem list od PR-owcy jednej z uczestniczek wystawy z Rosji z prośbą o napisanie o niej Wokółsztuki lub przeprowadź z nią wywiad, bo jest piękna, młoda i jest jedną z kilku rosyjskich artystek, które zostały przyjęte do głównego projektu. Ta strategia zdobywania sławy i bycia atrakcyjnym na rynku jest przeciwieństwem bierności, o której mówimy.
sztuczna inteligencja: Nie rozumiem reakcji Bory’ego, który nie widzi w tym sprzeczności. Przyzwyczailiśmy się krytykować stanowisko, gdy zachętą do pracy artysty jest rozwój jego kariery. Jesteśmy przyzwyczajeni do krytykowania zepsucia wyboru.
PNE: O jakim zepsuciu wyboru mówisz w przypadku wystawy kuratorskiej?
sztuczna inteligencja: Widzę to, ponieważ wiele prac na wystawie jest bardzo prymitywnych i Zła jakość. Nie potrafię też wytłumaczyć wyboru niektórych Rosyjscy artyści nic poza tym, że Samman został dosłownie przez nich przepchnięty.
EI: Jak ogólnie oceniasz wybór rosyjskich artystów? Z jednej strony widzimy artyści zagraniczni, mniej lub bardziej znane, które współpracują z galeriami, z drugiej strony rosyjskie, z których połowy nawet my nie znamy.
sztuczna inteligencja: Mam dwa odczucia co do tego wyboru. Z jednej strony poznałam kilka nowych imion, które wydały mi się bardzo ciekawe i na które będę zwracać uwagę. Wiele prac ma moc - niezwykle trafny i zapadający w pamięć film z nurkiem Piotrem Dawidczenko, wspomniane wzory na oknach Darii Kolcowej, „Sharovers” Darii Prawdy, proste, ale dokładnie ściana„Ani słowa o wojnie” Natashy Tichonowej. Z drugiej strony są prace zupełnie dziwne, których wybór wydawał mi się po prostu skorumpowany – wszelkiego rodzaju barszcze, kolaże i hejterzy koncepcji. Nie wyobrażam sobie, żeby kurator przyciągnął te prace z własnej woli.
PNE: Oceniam ten wybór znakomicie! To wspaniale, że jest ich tak dużo nieznani artyści. I nie zgadzam się ze słowami Wanii, że jest to korupcja. Samman wybierał artystów na podstawie próśb. A idealna sytuacja, gdy kurator ma ogląd wszystkiego, jest po prostu niemożliwa. To utopijna wizja. Poza tym nie widzę niczego złego w tym, że ludzie profesjonalnie zajmują się własną promocją i zatrudniają PR-owców.
O pracy. Nie widziałem zbyt wiele zła praca, a także pewną strukturę: wystawa ma prace centralne, dobrze uporządkowane i są prace drugiego rzędu, wykonane nawet nie przez artystów, ale przez projektantów. Najwyraźniej przeszli przez aplikację. Ale te prace nie wyglądają strasznie. Każda praca odgrywa swoją rolę w ogólnym pomyśle.
EI: Jakie prace uważasz za najważniejsze?
PNE: Na przykład z nurkiem Piotrem Dawidczenko. Wielokrotne refleksje, paranoja. Bez przerwy zanurza się w tym błocie niczym kanalizacja, wykonujący syzyfową robotę. Ta praca nawiązuje do sali lustrzanej. Pamiętam nieudane flagi stanowe Andrew Renville’a, Sharovers. Również Feliksa Kisslinga. Nie mogę powiedzieć, że jest to dzieło niesamowite, ale bardzo precyzyjnie skrojone.
sztuczna inteligencja: Oprócz dzieł o nazwie Boreas chciałbym wymienić „Jerycho” Lee Nevo, „Sale wojenne” Katariny Grutsay. Pracuje z materiałem - od Ekateriny Burlygi czy Revital Cohen i Thor van Balen. Wideo Eli Marii Lundgaarda „A Hundred Explanations of the Same Thing” wydaje mi się jednym z centralnych biennale o tym tytule. Flagi oczywiście; Nazwę je nawet po raz drugi! To jedna z niewielu prac, które powinny były zostać pokazane tu, w Moskwie i właśnie teraz. A „Anti-Sun”, o którym wspomniałeś, to właśnie selfie, które powinno być na każdym biennale!
PNE: To jest dobre! Selfie to bardzo ważne zjawisko, które mówi o samotności. Pamiętajcie o pracy Bruce'a Naumana Kwadrat depresji? Nauman zrobił taką kopertę, zagłębiając się w głębiny i nazwał ją otchłanią rozpaczy. Jednak łyżwiarze zaczęli używać go jako rampy i robić tam selfie. Robienie sobie selfie w otchłani rozpaczy! Robisz sobie selfie, bo jesteś zamknięty w świecie samooceny. Tutaj jest tak samo: robisz sobie selfie na tle czarnej otchłani.
OD: Nie do końca rozumiem krytykę sztuki jako branży w kontekście dużego, międzynarodowego wydarzenia. Czego jeszcze można się po nim spodziewać? Dlaczego tak bardzo przeszkadza nam to, że artysta ma PR-owca?
EI: Branżę trzeba krytykować w ramach biennale. Nasz system jest tak skonstruowany, że podczas biennale dzieje się mnóstwo wydarzeń – każdy chce znaleźć się w katalogu biennale. To samo w sobie nie jest złe – o ile ten system działał sprawnie. Ale przecież ich organizatorzy niemal przed otwarciem dowiadują się, jakie wydarzenia zostały wybrane do programu równoległego i zaczynają gorączkowo je przygotowywać, choć innym razem można było je zrobić lepiej i bardziej przemyślanie, choć bez tego tiku uczestnictwa specjalny program dwuletni Galeria Triumph rozpoczyna współpracę z nowym parkiem sztuki w budowanym kompleksie mieszkaniowym.
sztuczna inteligencja: W Donstroyu.
EI: I w ten sposób dowiemy się, skąd będą pochodzić pieniądze na Moskiewskie Biennale Sztuki Współczesnej.
OD: Na odprawie na temat jej przyszłości wyraźnie powiedzieli, że pieniądze z budżet państwa Prawdopodobnie nie będzie jej to wkrótce dane.
EI: No i zaczęliśmy szukać sponsorów.
sztuczna inteligencja: Biennale jest dla urzędników okazją do wypłacenia pieniędzy, do występów pod pewną etykietą zakorzenioną w samej sztuce. Biennale to gatunek megawystawy, który oczywiście służy określonym celom. Ale takie wydarzenie również ma dobre cechy, leżące w obszarze eksperymentu, czasowości i kruchości dzieł (ich inna czasowość), dialogu z lokalnym kontekstem. Pytanie brzmi: czy powinniśmy się ich pozbyć i zamienić biennale w kolejny spektakl? dzieła autonomiczne. Lub odwrotnie: musimy je zachować i przekształcić w kanon wydawany co dwa lata. To dwie zupełnie różne, choć wzajemnie podatne na zagrożenia pozycje.
Od 8 czerwca do 31 lipca 2018 roku w stolicy odbędzie się szóste Międzynarodowe Biennale Sztuki Młodych w Moskwie. Swoje prace zaprezentuje ponad 50 młodych artystów z całego świata – zwycięzcy otwarty konkurs. Wiek uczestników i kuratorów wynosi do 35 lat włącznie. Komisarzem biennale jest Ekaterina Kibovskaya, kuratorką głównego projektu jest Lucrezia Calabro Visconti.
Jedyne na świecie biennale, w którym biorą udział wyłącznie młodzi artyści, obejmie kilka miejsc: dzielnicę biznesową Rassvet na Krasnej Presnej, Moskiewskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MMOMA), Centrum Stanowe sztuki współczesnej w ramach „ROSIZO”, Muzeum AZ i specjalnej strefy w TSUM. Całkowita przestrzeń projektów biennale jest porównywalna wielkością do Placu Czerwonego. Program składa się z 5 bloków: projekt główny, projekty strategiczne, specjalne projekty, programy równoległe i edukacyjne. Już za półtora miesiąca odbędzie się 55 wydarzeń.
„Celem biennale jest pokazanie aktualnej twórczości utalentowanych młodych artystów. Przecież są wśród nich tacy, którzy za 20-30 lat staną się znani na całym świecie, a których dzieła zdobią zbiory najlepszych muzeów – mówi Ekaterina Kibovskaya. – Często nie zdajemy sobie sprawy, że wiele uznanych dzieł sztuki zostało stworzonych przez młodych ludzi. Wierieszczagin napisał „Apoteozę wojny” w wieku 29 lat, Picasso „Dziewczynę na balu” w wieku 24 lat, Duchamp zaszokował świat „Fontanna” w wieku 30 lat”.
Główny projekt
Głównym projektem biennale będzie wystawa „Abracadabra”. Spośród 1500 zgłoszeń kuratorka projektu Lucrezia Calabro Visconti (Włochy) wybrała 58 prac i połączyła je wspólny temat, który nawiązuje jednocześnie do starożytnego zaklęcia magicznego, jak i do przeboju sowieckich dyskotek – piosenki Steve’a Millera „Abracadabra”.
„Otwarty konkurs tego biennale dał mi niepowtarzalną okazję do poznania praktyk młodych artystów z całego świata. Proces wyboru artystów do projektu Abracadabra był bardzo ekscytujący, mówi kuratorka Lucrezia Calabro Visconti. - „Abrakadabra” ma wiele znaczeń, jest jednym z najbardziej uniwersalnych słów, brzmiącym tak samo w wielu językach. Historia sowieckich dyskotek, w których grano Abrakadabrę Steve'a Millera, oraz praktyki ezoteryczne stały się punktem wyjścia dla narracji poruszającej tematy strajku, metabolizmu, hipochondrii, uwagi, intymności, snu i niedopowiedzenia.
Lucrezia Calabro Visconti – niezależna kuratorka, współzałożycielka organizacji non-profit Projekt badawczy ZATKAĆ. Ukończyła Wydział Sztuk Performance Instytutu Architektury IUAV w Wenecji oraz program kuratorski De Appel w Amsterdamie w 2017 roku. Ostatnie projekty Lukrecji obejmują wystawy sztuki współczesnej, platformy edukacyjne i programy społeczne we Włoszech i Holandii.
„Abracadabra” odbędzie się w dzielnicy „Rassvet” na Krasnej Presnyi. „Rassvet” wyróżnia się niepowtarzalną stworzoną atmosferą twórczą architektura historyczna i nowoczesne rozwiązania konstrukcyjne. Kompleks łączy w sobie dawne budynki fabryki mebli Myur i Meriliz, która dostarczała towary dla dwór cesarski. Obecnie budynki te są rekonstruowane przy użyciu zaawansowanych technologii inżynieryjnych i starannie zachowując ich wygląd architektoniczny. Dzielnica Rassvet to trzeci projekt zintegrowanego zagospodarowania terytoriów KR Properties, wraz z Red Rose i Danilovskaya Manufaktura.
Miejsce: Dzielnica biznesowa„Świt” na Krasnej Presnyi
Adres: ulica Stolyarny 3, bldg. 1
Projekty strategiczne
Główny projekt będzie kontynuowany i rozszerzany o strategiczne wystawy „This site is under Revolution” kuratorki Barbary Cueto w Moskiewskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MMOMA na Gogolewskim) oraz „Dziękuję, proszę, przepraszam” kuratorki Zhenyi Chaiki w Państwowe Centrum Sztuki Współczesnej w ramach „ROSIZO”. Kuratorów wybierała rada ekspercka biennale w drodze otwartego konkursu.
W swoich projektach Barbara Cueto (Hiszpania/Niemcy) szczególną uwagę zwraca na kwestie społeczne, polityczne i społeczne konsekwencje środowiskowe wykorzystanie technologii, bada ruch społeczeństwa w erze postludzkiej, bada rolę sztuki w świecie technologii. Barbara współpracowała z Muzeum Sztuki Współczesnej w Seulu, teatrem Volksbühne w Berlinie, Centrum Sztuki Współczesnej De Appel w Amsterdamie i Bétonsalon w Paryżu. Projekt Ta strona jest w trakcie rewolucji będzie zlokalizowana w budynku MMOMA przy Bulwarze Gogolewskim i będzie kontynuowana w przestrzeni cyfrowej na platformie CosmosCarl.co.uk.
„Internet daje nam nowe możliwości i odgrywa znaczącą rolę w naszym życiu. Nie można jednak zapominać o subtelnej agresji, która nieustannie pojawia się w przestrzeni cyfrowej – wyjaśnia Barbara Cueto. - W przepływie zdjęć, komentarzy i informacji ginie czynnik ludzki, a korporacje zbierają te dane i je wykorzystują komercyjne cele. Jak stawić czoła tym systemom ucisku? Wystawa próbuje się z tym zmierzyć i przepracować te pomysły, aby pokazać dzisiejsze akty oporu.
Temat zaklęcia magicznego będzie kontynuowała Zhenya Chaika (Rosja) – z wykształcenia filozofka, kuratorka programu Art Residence Biennale Przemysłu Ural, za który w 2012 roku została nominowana w kategorii „Innowacja” – główna Nagroda rosyjska w dziedzinie sztuki współczesnej.
„Dziękuję, proszę, przepraszam - to trzy „magiczne słowa”, które znamy od dzieciństwa. Od najmłodszych lat człowiek rozumie, że uprzejmość pozwala dojść do porozumienia, pogodzić się i pozostawić dobre wrażenie na sobie, mówi Zhenya Chaika. - Z biegiem czasu te słowa i, jeśli mówimy o nowoczesne społeczeństwo, wtedy nawiasy i emotikony stają się kluczem otwierającym wszystkie drzwi. Jednak my, dorośli, powinniśmy zastanowić się, czym jest zasób magii? Ile razy trzeba powtórzyć te słowa, aby straciły moc? W ramach wystawy przyjrzymy się światu, jaki tworzą „magiczne słowa”, oraz ruinom, które pozostały po jego zniszczeniu.
Wystawa Ta strona znajduje się w fazie rewolucji („Praca rewolucyjna w toku”)
Miejsce: Moskiewskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MMOMA na Gogolewskim)
Adres: Bulwar Gogolewskiego, nr 10
Wystawa „Dziękuję, proszę, przepraszam”
Miejsce: Narodowe Centrum Sztuki Współczesnej w ramach ROSIZO
Adres: ul. Zoologicheskaya, 13, budynek 2
Specjalny projekt. Centrum
W tym roku do biennale dołączy jedno z muzeów, które wcześniej nie zajmowało się młodą sztuką. Będzie to Muzeum AZ, które zajmuje się ochroną, badaniem i aktualizacją dziedzictwa Anatolija Zvereva i innych artystów lat sześćdziesiątych. Jednocześnie w tym samym Centrum Edukacyjnym MMOMA odbędzie się wystawa „Idealny wiek”, której kuratorami są Andrei Egorov i Anna Harutyunyan, pracownicy naukowi Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej.
„Dla Moskiewskiego Międzynarodowego Biennale Młodej Sztuki wiek odgrywa kluczową rolę. W ramach naszej wystawy postanowiliśmy zastanowić się, jaką rolę odgrywa wiek w naszym życiu, jak go pojmujemy, akceptujemy i czy akceptujemy” – wyjaśnia kurator i kierownik działu naukowego MMOMA Andrei Egorov.
Wystawa „Idealny wiek” składa się z dwóch uzupełniających się części, prezentowanych w różnych przestrzeniach. Część wystawy w MMOMA będzie bawić się koncepcją „trzech wieków”, dotykać zagadnień kultu młodości, ageizmu i frustracji dorastania, a także dotykać tematu wiek twórczy od artystów. Wystawa będzie oparta na pracach znajdujących się w zbiorach muzeum oraz projektach zaproszonych młodych artystów. Muzeum AZ zaprezentuje trzy instalacje site-specific: na dziedzińcu i na tylnej elewacji budynku, w wirtualnej przestrzeni „rozszerzonej rzeczywistości”. Połączy ich obraz idealnego miejsca, w którym wiek traci swoje znaczenie.
Program edukacyjny
W dniach 9-11 czerwca odbędzie się program edukacyjny „Szkoła Końca Czasów”. Odpowiedzialny za kierunek Włoscy artyści Ambra Pittoni i Paul-Flavien Enriquez-Sarano oraz kuratorka głównego projektu Lucrezia Calabro Visconti. Wykłady, warsztaty, występy i zajęcia taneczne mające na celu tworzenie i dzielenie się nową i zapomnianą starą wiedzą, odbędzie się na piątym piętrze Centralnego Domu Towarowego.
Lokalizacja: TSUM, 5 piętro
Adres: ul. Petrovka, 2
12 maja 2017 roku na Uniwersytecie Ca' Foscari w Wenecji komisarz 6. Międzynarodowego Biennale Sztuki Młodych w Moskwie Ekaterina Kibovskaya przedstawiła kuratorkę głównego projektu biennale, które latem odbędzie się w Moskwie 2018. Była to Lucrezia Calabro Visconti, młoda niezależna kuratorka z Włoch.
Tematem Biennale 2018 zaproponowanym przez Lucrezię Calabro Visconti jest "Abrakadabra".
Lukrecja Calabro Visconti, kurator projektu głównego:
„Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki w Moskwie znane jest ze swojej otwartości artystyczny świat nowe horyzonty i perspektywy. Jestem wdzięczny organizatorom za zaufanie i możliwość zorganizowania wystawy w inspirującym kontekście Moskwy. Główny projekt biennale „Abracadabra” będzie poświęcony Nowoczesne życie, w którym granice pomiędzy sferą prywatną, zawodową i publiczną niemal całkowicie się zacierają. Tytuł „Abracadabra” nawiązuje do starożytnego zaklęcia i popularnego w latach osiemdziesiątych dyskotekowego przeboju Steve’a Millera pod tym samym tytułem. Opisałabym projekt jako metaforę parkietu tanecznego, na którym uczestnicy zarówno dobrze się bawią, jak i przestrzegają pewnych zasad, wchodząc w interakcję w najbardziej nieoczekiwany sposób. Dlatego przy wyborze artystów będę preferować tych, którzy pracują z praktykami performatywnymi, wideo i dźwiękiem.”
Ekaterina Kibowska, komisarz Biennale:
„Moskiewskie Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki to nie tylko projekt główny, którego kuratorką w przyszłym roku będzie Lucrezia Calabro Visconti, ale także projekty strategiczne, programy specjalne, równoległe i edukacyjne. W 2016 roku w ramach biennale odbyło się w Moskwie ponad 60 wystaw, a osobne projekty otwarto w Jekaterynburgu i Niżnym Nowogrodzie. To dużo, ale jestem pewien, że w 2018 roku uda nam się przyciągnąć do naszych zakrojonych na szeroką skalę gości zagranicznych międzynarodowy festiwal jeszcze więcej artystów, kuratorów i instytucji z regionów Rosji. To niewątpliwie poszerzy nasze horyzonty.”
Wasilij Cereteli, dyrektor wykonawczy Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MMOMA): „Moskiewskie Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki jest jednym z najmłodszych biennale na świecie, ale ma już imponujące doświadczenie i osiągnięcia, z których można być dumnym. Dla nas – ROSIZO i MMOMA, organizatorów tej inicjatywy kulturalnej – to ogromny zaszczyt ogłosić kuratora i temat przewodni naszego biennale w murach Uniwersytetu Ca’ Foscari. I mam nadzieję, że za kilka lat artyści biorący udział w Biennale Młodej Sztuki będą mogli wziąć udział w Biennale w Wenecji.”
Jesienią 2017 roku na stronie internetowej www.youngart.ru Rozpoczną się przyjmowanie zgłoszeń od artystów i kuratorów poniżej 35. roku życia do udziału w głównym i strategicznym projekcie biennale.
Międzynarodowe Biennale Sztuki Młodych w Moskwie
- jeden z najbardziej ambitne projekty w dziedzinie sztuki współczesnej w Rosji – odbywa się od 2008 roku. Celem biennale jest odkrywanie nowych nazwisk, wspieranie i stymulowanie inicjatyw twórczych artystów i kuratorów nowego pokolenia, tworzenie warunków do ich publicznej ekspresji, a w rezultacie rozwój środowiska sztuki współczesnej.
Lukrecja Calabro Visconti
(Lucrezia Calabrò Visconti, ur. 1990, Turyn) – niezależna kuratorka, współzałożycielka non-profit projektu badawczego CLOG. Absolwent Wydziału Sztuk Wizualnych i Performatywnych Instytutu Architektury w Wenecji. Magister filozofii na Uniwersytecie Ca Foscari (Wenecja).Uczestniczka programu kuratorskiego CAMPO12 Fundacji Sandretto Re Rebaudengo w Turynie.Szkolona w programie kuratorskim w Artists Space (Nowy Jork).Studiowała w programie kuratorskim De Appel Center ( Amsterdam) Jako asystentka i koordynatorka brała udział w pracach nad projektami Tutttovero w Castello di Rivoli (Turyn) (kurator: Francesco Bonami) oraz Shit and Die w Palazzo Cavour (Turyn) (kurator: Maurizio Cattelan, Miriam Ben Salah i Marta Papini). Współpracowała z magazynami TOILETPAPER i Le Dictateur. Autorka artykułów w różnych publikacjach artystycznych, twórczyni projektów internetowych Curatorshit, shitndie i Ketchup Drool. Wśród ostatnich projektów kuratorskich Lukrecji: „Dlaczego wszyscy są tacy mili?” (Dlaczego wszyscy są tacy mili, 2017, De Appel, Amsterdam), Good Luck, Do zobaczenia po rewolucji, 2017, UvA, Amsterdam i Droga Betty: Biegaj szybciej, gryź mocniej (Droga Betty: Biegaj szybko, gryź mocno!, 2016 , Galeria nowoczesności i najnowsza sztuka, Bergamo).
6. Międzynarodowe Biennale Sztuki Młodych w Moskwie
Projekt strategiczny w MMOMA
Trwają rewolucyjne prace
 Dorota Gaveda i Egle Kulbokite, „Grupa Młodych Czytelników”, instalacja, performance, 2017.  Benjamin Forester, HyperReadings, instalacja, warsztaty.  Joana Mol i Cedric Parisot, „Virtual Observers”, projekt wideo online  Tabitha Razar, „Serdecznie przepraszam”, wideo |
Bezpłatne oprowadzanie mediacyjne odbywają się w: czwartek i środę – o godz. 14:00 i 18:00; sobota – o godz. 13:00; Niedziela – 13:00 i 18:00. Do 22 lipca.
Kurator projektu strategicznego: Barbara Cueto
Po raz szósty Moskiewskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej stało się miejscem strategicznego projektu Międzynarodowego Biennale Młodej Sztuki w Moskwie. W 2018 roku kuratorką głównego projektu „Abracadabra” była Lucrezia Calabro Visconti, a kuratorem strategicznego „Rewolucyjne prace trwają” – Barbara Cueto.
Cueto poprosiła artystów swojego projektu o zastanowienie się, jaka może być forma protestu w dobie cyfrowych oligarchii, jak przeciwstawić się stronniczym instytucjom i nieuczciwym mechanizmom kontroli oraz co można uznać za przemoc w przestrzeni cyfrowej? Projekt w ramach biennale odbędzie się symbolicznie w rezydencji MMOMA przy Bulwarze Gogolewskim, gdzie niegdyś gromadziło się środowisko dekabrystów, i będzie kontynuowany w przestrzeni cyfrowej – na platformie CosmosCarl.co.uk.
W świat wirtualny nasze głosy wydają się pozbawione echa – znikają w nieskończonym strumieniu obrazów i danych. Stajemy się jedynie obserwatorami swoich własne doświadczenie i dostawcy danych dla korporacji. Mimo oczywistości agresywnych działań na polu cyfrowym, w dalszym ciągu maskowane są one argumentami o ochronie i wolności dostępu do informacji. Aby walczyć z represyjnymi, ale płynnymi i nieuchwytnymi systemami, takimi jak Google i Facebook, Revolutionary Works in Progress bada mechanizmy ich omijania i podważania, a także sposoby budzenia świadomości obywatelskiej. Łącznie z pracą wykonaną w różne rodzaje sztuka - od tekstu i performansu po instalację dźwiękową i część wystawy w przestrzeni cyfrowej, wystawa pokazuje, jak artyści przy użyciu minimalnych środków krytykują i opierają się ogólnie przyjętym, ugruntowanym normom, które ich zdaniem nie reprezentują praw różne grupy społeczeństwo. Forma cyfrowa język artystyczny wybierają jak optymalna strategia zwalczanie nowych sposobów wirtualnego tłumienia i manipulacji, które pojawiły się w XXI wieku i skupianie się na społecznych, kulturowych, historycznych i płciowych aspektach tożsamości w kontekście społeczeństwa postcyfrowego.
Strategiczny projekt biennale, którego kuratorką jest Barbara Cueto, to sposób na osobistą i grupową walkę uczestników biennale z systemem. Definiując ją jako instytucjonalnie nakierowaną na jednostkę, autorzy zapraszają do spojrzenia na nią z perspektywy nierówności, indywidualnego wpływu i działania, czyli przejawów zaangażowania obywatelskiego. Pojawił się na przykład projekt Benjamina Forstera HyperReadings – otwarty oprogramowanie, na platformie której użytkownicy mogą tworzyć listę książek do samokształcenia i udostępniać ją innym użytkownikom.
Ekspozycja dzięki swojej rozległości zamienia muzeum w narzędzie oddziaływania, a ekspozycję w żywe działanie program edukacyjny, obejmujące warsztaty, dyskusje i performansy – zarówno cyfrowe, jak i fizyczne.
Uczestnicy projektu w MMOMA:
Benjamin Forster (Australia) i Julia Babyka (Australia/Niemcy), Joana Moy (Hiszpania) i Cedric Parisot (Hiszpania), Dorota Gaveda (Polska) i Egle Kulbokaite (Litwa), Ignas Krunglevicius (Litwa), Morekhshin Allahyari (Iran), Pyuk Fong (Holandia), Saemundur Thor Helgason (Islandia) i Frederic Pissuise (Holandia), Stephanie Saijuko (USA), Tabitha Roser (Francja), Ho Rui An (Singapur), Art & Feminism (USA), ShareLab (Serbia), UnmakeLab (Korea).
Artyści wirtualnej części projektu CosmosCarl.co.uk:
Hackblossom (USA), Benjamin Grosser (USA), Ramsey Nasser (Liban), Jasmine Visser (Holandia), FemArtNet (Hiszpania), Marina Pinsky (Rosja), Basel Abbas (Cypr), Ruanne Abou-Rame (USA).
O Biennale:
Międzynarodowe Biennale Sztuki Młodych w Moskwie to jeden z największych i najbardziej ambitnych projektów z zakresu młodej sztuki, który latem tego roku będzie realizowany już po raz szósty. Misją Biennale, organizowanego przez ROSIZO-NCCA i MMOMA, jest odkrywanie nowych nazwisk, tworzenie warunków do publicznej prezentacji młodych autorów oraz rozwój sztuki współczesnej w środowisku miejskim. Projekt strategiczny będzie tradycyjnie zlokalizowany w dwóch lokalizacjach – Moskiewskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej i ROSIZO-NCCA – i będzie prezentował najlepsze projekty kuratorskie wybrane w drodze konkursu przez radę ekspertów Biennale. Kuratorką Projektu Głównego Biennale w 2018 roku była Lucrezia Calabro Visconti, niezależna kuratorka i współzałożycielka non-profit projektu badawczego CLOG. To ona nadała projektowi nazwę „Abrakadabra”. Abracadabra preferuje praktyki oparte na czasie, dynamiczne obrazy i interdyscyplinarne badania, prowadzone zbiorowo lub indywidualnie, których celem jest aktywizacja przestrzeni i krajobrazów poprzez pojęcia performatywności, dramaturgii i sprawczości.
Partner Projektów Strategicznych
Partnerzy projektu 
Lukrecja Calabro Visconti. Dzięki uprzejmości CLOG
12 maja 2017 roku na Uniwersytecie Ca' Foscari w Wenecji komisarz 6. Moskiewskiego Międzynarodowego Biennale Młodej Sztuki Ekaterina Kibovskaya przedstawiła kuratorkę głównego projektu biennale, które odbędzie się w Moskwie latem 2017 r. 2018. Była to niezależna kuratorka z Włoch, Lucrezia Calabro Visconti. Tematem, który zaproponowała na biennale, był „Abrakadabra”. Według Viscontiego „Tytuł Abracadabra nawiązuje do starożytnego zaklęcia i dyskotekowego hitu Steve’a Millera z lat osiemdziesiątych o tym samym tytule. Opisałabym projekt jako metaforę parkietu tanecznego, na którym uczestnicy zarówno dobrze się bawią, jak i przestrzegają pewnych zasad, wchodząc w interakcję w najbardziej nieoczekiwany sposób. Dlatego przy wyborze artystów będę preferować tych, którzy pracują z praktykami performatywnymi, wideo i dźwiękiem.” Przypomnijmy, że od 2015 roku kurator biennale jest, podobnie jak jego uczestnicy, przedstawicielem nowego pokolenia.
Lucrezia Calabro Visconti (27 l.) jest niezależną kuratorką i współzałożycielką non-profit projektu badawczego CLOG. Ukończyła Wydział Sztuk Wizualnych i Performatywnych Instytutu Architektury w Wenecji, kształciła się w Turynie i Nowym Jorku, a obecnie studiuje w ramach programu kuratorskiego De Appel Center w Amsterdamie. Jako asystentka i koordynatorka brała udział w wielu projekty wystaw, którego kuratorami są Francesco Bonami i Maurizio Cattelan. Współpracowała z magazynami TOILETPAPER i Le Dictateur. Autor artykułów w różnych publikacjach artystycznych, twórca projektów internetowych Curatorshit, shitndie i Ketchup Drool. Do ostatnich projektów kuratorskich Lukrecji należą: Dlaczego wszyscy są tacy mili? (Dlaczego wszyscy są tak mili, 2017, De Appel, Amsterdam), Good Luck, Do zobaczenia po rewolucji, 2017, UvA, Amsterdam i Droga Betty: Biegaj szybciej, gryź mocniej (Droga Betty: Biegaj szybko, gryź mocno!, 2016 , Galeria Sztuki Nowoczesnej i Współczesnej, Bergamo).
Międzynarodowe Biennale Sztuki Młodych w Moskwie odbywa się od 2008 roku. Twórcy i organizatorzy Biennale – Ministerstwo Kultury Federacja Rosyjska, Departament Kultury Miasta Moskwy, Państwowe Centrum Sztuki Współczesnej (NCCA) w ramach Państwowego Centrum Muzealno-Wystawienniczego „ROSIZO”, Moskiewskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej.
Komisarz Moskiewskiego Międzynarodowego Biennale Młodej Sztuki Ekaterina Kibovskaya ma nadzieję poszerzyć horyzonty Biennale i, oprócz specjalistów z różne kraje, aby przyciągnąć jeszcze więcej artystów, kuratorów i instytucji z regionów Rosji. Przyjmowanie zgłoszeń artystów poniżej 35 roku życia do udziału w projekcie głównym biennale rozpocznie się jesienią 2017 roku na stronie internetowej
