Najdroższe obrazy świata. Najdroższe obrazy świata

Ranking najdroższych artystów świata prowadzi Leonardo Da Vinci, a uzupełnia Paul Cezanne. Różnica w cenie pomiędzy pierwszą i ostatnią pozycją w 24 najlepszych rankingach wynosi 389,8 mln dolarów

Ocena opiera się na wynikach aukcji otwartych. Opiera się na wynikach uwzględniających Premię Kupującego wyrażoną w dolarach (liczby prezentowane na aukcjach europejskich, czyli w funtach lub euro, przeliczane są na dolary według kursu obowiązującego w dniu notowania).

1. 450,3 miliona dolarów Leonardo da Vinci. Zbawiciel świata. Około 1500

Prawdopodobnie następnym razem nie będziemy edytować tej linii zbyt szybko. 450 312 500 dolarów to rekord nawet nie na lata, ale najprawdopodobniej na całą następną dekadę.

Co więcej, według plotek, obecny rekord w zakresie sprzedaży prywatnej za obraz Paula Gauguina wynosi 300 milionów dolarów), zatem „Salvator Mundi” Leonarda Da Vinci jest najdroższym obrazem na świecie, a nie w żadnym konkretnym segmencie. rynku sztuki, ale w sensie absolutnym.

Co zaskakujące, historyczna sprzedaż odbyła się w warunkach dalekich od idealnego zaplecza informacyjnego. Po pierwsze, wśród ekspertów nie było pełnej jednomyślności co do atrybucji tego dzieła. Jednak wielu ekspertów zgodziło się z argumentami, że był to Leonardo, a nie jego uczeń Giovanni Boltraffio, i ten „szeroki konsensus” w zupełności wystarczył Christie’s i kupującemu. Po drugie, okoliczności nabycia tej rzeczy były jak z bajki: w 1958 roku kupiono ją w Sotheby's za 45 funtów jako dzieło ucznia Leonarda, następnie już w latach 2000-tych kupiono ją na aukcji za około 10 000 dolarów , następnie sprzedany dealerowi Yvesowi Bouvierowi za 80 000 000 dolarów, a „Zbawiciela świata” już odsprzedał miliarderowi Dmitrijowi Rybolovlevowi, najwyraźniej za 127 500 000 dolarów. I to jest trzecie. Sprzedaż odbyła się na tle wielomiesięcznego sporu między Rybolovlevem a Bouvierem. Miliarder zarzuca handlarzowi, że nie był wobec niego do końca szczery i sprzedawał mu obrazy po zawyżonych cenach. Leonardo stał się rzadkim wyjątkiem w serii nieudanych (z finansowego punktu widzenia) zakupów. Ale co!

Dom aukcyjny Christie’s wykonał wiele pracy, aby spopularyzować swoją najważniejszą aukcję w najnowszej historii. „Zbawiciel świata” obejrzało dziesiątki tysięcy widzów. Wśród nich był aktor Leonardo DiCaprio. Według rodzinnej legendy otrzymał imię artysty, a wkrótce sam wcieli się w rolę mistrza w filmie biograficznym. W 2017 roku Paramount nabył prawa filmowe do książki Waltera Isaacsona Leonardo da Vinci. Duże zainteresowanie Leonardem ostatnie lata i przyszły film o nim, a nawet z DiCaprio, oczywiście, nie można uznać za jedno z priorytetowych wyjaśnień fenomenalnej ceny aukcyjnej, ale jako czynnik towarzyszący - całkiem nieźle.

2. 179,4 miliona dolarów Pablo Picasso. Algierki (wersja „O”). 1955

Pablo Picasso (1881–1973) – twórca kubizmu, wybitny malarz, grafik, rzeźbiarz i ceramik, który wywarł ogromny wpływ na rozwój całej sztuki XX wieku.

11 maja 2015 roku za obraz „Algierskie kobiety (wersja „O”)” z 1955 roku zapłacono 179,4 mln dolarów (wraz z prowizją).

Podręcznikowy obraz „Algierskie kobiety (wersja „O”)” należy do serii obrazów namalowanych przez Pabla Picassa od grudnia 1954 do lutego 1955 na podstawie słynnego obrazu Eugene'a Delacroix pod tym samym tytułem. Znajdujące się w zbiorach Luwru „Algierki” Delacroix wywarły swego czasu bardzo silne wrażenie na Picassa, wielokrotnie powtarzał, że chce napisać własną wersję. Cykl ten był także poświęcony pamięci jego przyjaciela i artystycznego rywala Henriego Matisse’a, który zmarł w listopadzie 1954 roku. Jak powiedział Picasso: „Kiedy Matisse umarł, pozostawił mi swoje odaliski w spadku”. Wszystkie prace Picassa z tej serii numerowane są literami alfabetu łacińskiego od „A” do „O”. Tym samym sprzedany za rekordową cenę obraz jest ostatnim, piętnastym z serii.

Obraz Picassa „Algierskie kobiety (wersja O)” pochodzi z kolekcji Victora i Sally Ganz. Ten małżonkowie z Nowego Jorku, mimo skromnych dochodów, w ciągu pięćdziesięciu lat stworzyła kolekcję, która na aukcji w 1997 r. przyniosła 206,5 mln dolarów, a w tym samym czasie małżonkowie Ganzów wydali łącznie około 2 mln dolarów na zakup wszystkich tych dzieł. Jako jeden z pierwszych w ich kolekcji pojawił się portret Marie-Thérèse Walter autorstwa Picassa (słynny obraz „Sen”): w 1941 roku Victor Ganz kupił go za 7 000 dolarów, a w 1997 sprzedał za 48,4 miliona dolarów. „Algierki (wersja „O” „)”, wówczas wstępny szacunek na aukcji w 1997 r. wynosił 10–12 mln dolarów, a cena młotka osiągnęła 31,9 mln dolarów. Niemal dwadzieścia lat później wynik „Algierek” był 5,6 razy wyższy niż wynik z 1997 r.

3. 170,4 miliona dolarów Amedeo Modiglianiego. Leżąc nago. 1917–1918

Na aukcji tematycznej Christie „The Artist's Muse”, która odbyła się 9 listopada 2015 roku w Nowym Jorku, obraz Amedeo Modiglianiego „Reclining Nude” (1917–1918) został sprzedany za rekordową kwotę 170,405 mln dolarów. Wartość aukcji oszacowano na około 100 mln dolarów (dokładnych szacunków nie ujawniono). Wynik ten podniósł rekordową sumę dzieł Modiglianiego aż o 100 mln dolarów: do 9 listopada najdroższym dziełem Modiglianiego była rzeźba „Głowa”, sprzedana w Sotheby's w listopadzie 2014 r. za 70,7 mln dolarów.

Rekord obrazu „Leżący akt” można uznać za fenomenalny także dlatego, że żaden obraz artysty nie zbliżył się dotąd do takich wartości: wcześniej jedynie osiem jego obrazów przekroczyło aukcyjny poziom 30 milionów dolarów. Od 2010 roku cena na czele rankingu obrazów Modiglianiego stoi „Akt” „siedzący na sofie” sprzedany za 68,96 mln dolarów z prowizją Dom Aukcyjny Sotheby's. Teraz Modigliani śmiało dołączył do „klubu” artystów, których prace sprzedają się za ponad 100 milionów dolarów, gdzie towarzyszą mu Pablo Picasso, Francis Bacon, Alberto Giacometti, Edvard Munch i Andy Warhol.

Obraz „Leżący akt”, podobnie jak poprzedni rekordzista „Akt siedzący na sofie”, został zakupiony bezpośrednio od artysty przez jego przyjaciela, paryskiego kolekcjonera i Marchanda Léopolda Zboroswkiego.

Według Christie's „Leżąca akt” znalazła się wśród kilku aktów namalowanych dla Zborowskiego, które wywołały skandal na pierwszej i jedynej wystawie Modiglianiego w galerii Berthe Weil w Paryżu w 1917 roku. Aby przyciągnąć zwiedzających, Zborowski zdecydował się wyświetlić w oknie galerii kilka aktów ( „Leżąca nagość” m.in.). Przechodnie natychmiast stłoczyli się wokół witryny wystawowej. Niestety, po przeciwnej stronie galerii okazał się komisariat policji. Funkcjonariusze zainteresowali się tłumem, który zebrał się po drugiej stronie ulicy, i wezwał na stację właścicielkę galerii. Według Berthy Weil, komisarz, ku śmiechowi „biednych demonów”, które znajdowały się na stacji, kazał jej „natychmiast usunąć te wszystkie śmieci”. Co musiała zrobić. Wystawa została zamknięta przed jej faktycznym otwarciem, a goście, którzy przybyli na wernisaż, pomogli w usunięciu obrazów z wystawy.

„Leżąca akt” była często publikowana w katalogach i monografiach Modiglianiego, brała udział w wystawach w Centrum Sztuk Pięknych (Bruksela), w Stedelijk Museum (Amsterdam), w Muzeum Państwowe sztuki współczesnej (Paryż), w Tate i Royal Academy of Arts (obie galerie w Londynie), w MoMA (Nowy Jork) i Pałacu Królewskim w Mediolanie.

Dzieło znajdowało się w kolekcji Gianniego Mattioli, jednego z czołowych włoskich kolekcjonerów, a jego córka, krytyczka sztuki Laura Mattioli Rossi, wystawiła obraz na aukcję w Christie's.

Na aukcji, która odbyła się 9 listopada, aż sześciu oferentów złożyło ofertę na „Leżącą nagość” w ciągu 9 minut. Zwycięzcą został kupujący, który licytował przez telefon. Po pewnym czasie okazało się, że dzieło kupił chiński miliarder Liu Yiqian. Nowy właściciel powiedział, że planuje przenieść je do Szanghaju, gdzie wraz z żoną Wang Wei otworzyli dwa prywatne muzea. Na świecie Liu Yiqian jest znany jako „potentat taksówkowy”. Jako nastolatek, w niespokojnych latach rewolucji kulturalnej, Liu Yiqian faktycznie rządził ulicami Szanghaju. W latach 80. i 90. dorobił się fortuny na spekulacji na rynku nieruchomości i farmaceutycznym. W 2015 roku majątek Liu Yiqiana szacowano na 1,5 miliarda dolarów.

4. 144 miliony dolarów Qi Baishi. Dwanaście krajobrazów. 1925

17 grudnia 2017 roku na aukcji Beijing Poly International padł absolutny rekord sprzedaży aukcyjnej chiński obraz. Seria rysunków tuszem chińskiego artysty Qi Baishi (1864–1957) zatytułowana „Dwanaście krajobrazów” z 1925 r. poszła pod młotek za 931,5 miliona juanów, czyli 144 miliony dolarów.

Qi Baishi, mistrz narodowego malarstwa chińskiego Guohua, urodził się w 1864 r. (według innej wersji – w 1860 r.) w biednej rodzinie chłopskiej. Chociaż Qi Baishi wykazywał zainteresowanie kreatywnością od dzieciństwa, aż do czterdziestego roku życia jego głównym źródłem dochodu była stolarnia. Ale tutaj też zdolności artystyczne znalazł dla siebie zastosowanie: rzeźbił z drewna figurki zwierząt, tabakierki i popularne drzeworyty. A jednocześnie nie porzucił malarstwa i kaligrafii. Dopiero pod koniec sześćdziesiątki Qi Baishi przeprowadził się do Pekinu i całkowicie poświęcił się malarstwu. Qi Baishi, który nigdy nie zdobył profesjonalnego wykształcenia artystycznego, mimo schyłku życia, zyskał uznanie na szczeblu krajowym: w 1953 roku Ministerstwo Kultury Chińskiej Republiki Ludowej przyznało mu tytuł „Wielkiego Artysty Narodu Chińskiego”. ” Qi Baishi zmarł w 1957 roku w wieku 93 lat.

Dziś ogólnonarodowa miłość Chińczyków do ich „wielkiego artysty” wyraża się w równowartość pieniężna. Od wielu lat Qi Baishi znajduje się w gronie najdroższych chińskich artystów – zarówno pod względem całkowitego obrotu aukcyjnego, jak i ceny poszczególnych dzieł. Na przykład w maju 2011 roku jednym z jego dzieł było „ Długie życie„Cichy świat” („Orzeł na sośnie”), napisany w 1946 roku dla Czang Kaj-szeka, został sprzedany za 425,5 miliona juanów (65 milionów dolarów). Z kolei w 2016 roku Qi Baishi był na trzecim miejscu pod względem obrotów aukcyjnych na świecie, za swoim rodakiem Zhangiem Daqiangiem i Pablo Picasso. Teraz Qi Baishi została pierwszą chińską artystką, która przekroczyła próg aukcyjny wynoszący 100 milionów dolarów.

„Dwanaście krajobrazów” Qi Baishi przedstawia chińskie góry, wioski i kwitnące drzewa w odcieniach błękitu, szarości, brązu i różu. Wielkość każdego z 12 dzieł jest imponująca – 1,8 metra wysokości i prawie pół metra szerokości. Obrazy artysty są dość tradycyjne, co najwyraźniej odpowiada chińskim kolekcjonerom-milionerom. Dla kogo dokładnie zakupiono „Dwanaście krajobrazów”. rekordowa kwota, dom aukcyjny nie ujawnia.

5. 142,4 miliona dolarów Francis Bacon. Trzy szkice z Lucienem Freudem. 1969

Na aukcji sztuki powojennej i współczesnej w Christie's 12 listopada 2013 roku tryptyk Francisa Bacona „Trzy szkice z Lucienem Freudem” został sprzedany za zawrotną kwotę 142,4 mln dolarów. Tak wysoka cena – rekord dla artysty i dla całego rynku sztuki – było raczej nieoczekiwane niż naturalne. Przed aukcją tryptyk szacowano na 85 mln dolarów (dokładny kosztorys dostępny na życzenie). Poprzedni rekord twórczości Bacona, prowadzony od 2008 roku, wynosił niecałe 85 milionów dolarów, a dokładniej 86,281 miliona dolarów – tyle Roman Abramowicz zapłacił 14 maja 2008 roku za Tryptyk z 1976 roku w Sotheby's w Nowym Jorku.

Aby osiągnąć poziom cenowy boomu artystycznego, a nawet go przekroczyć, dom aukcyjny musiał zdobyć naprawdę wybitne dzieło. Tryptyk „Trzy szkice z Lucienem Freudem” z 1969 roku w pełni odpowiada tej definicji.

Po pierwsze, dzięki temu jednemu tryptykowi poznaje się jednocześnie dwóch mistrzów sztuki powojennej: jego nie mniej znany kolega Lucien Freud pozował dla Bacona. Freud i Bacon poznali się w 1945 roku i przyjaźnili się przez dziesięciolecia, nie raz do siebie pisali, ale także rywalizowali ze sobą zawodowo. „Trzy szkice z Lucienem Freudem” powstały w murach Royal College of Art w Londynie (własna pracownia Bacona uległa wówczas zniszczeniu w wyniku pożaru).

Po drugie, jest to jeden z dwóch istniejących tryptyków Bacona, na których przedstawiony jest model pełna wysokość. Drugi taki tryptyk, 1966, w ostatni raz był wystawiany na wystawie w 1992 roku, ale nie wiadomo, gdzie się obecnie znajduje.

Po trzecie, tryptyk ma bardzo wesołe tło – słoneczną żółć. Szczerze mówiąc, taka pozytywność nie jest typowa dla mrocznej, surrealistycznej twórczości Bacona. Jakiś zagraniczny analityk po rekordowej sprzedaży nazwał ten kolor nawet „kolorem złota, który działa magnetycznie na kolekcjonerów”.

Francis Bacon uznał ten tryptyk za jedno ze swoich najlepszych dzieł; była to jedna z najważniejszych wystaw przełomowej retrospektywy artysty w Grand Palais w latach 1971–1972. Później, w połowie lat 70., części tryptyku rozdzielono na prawie 15 lat. Jedna z nich została wystawiona niezależnie w Tate w 1985 roku. Bacon zareagował wyjątkowo negatywnie na ten podział; pod fotografią oderwanej lewej strony tryptyku napisał: „fragment tryptyku... i wydaje mi się, że traci on sens, dopóki nie połączy się go z dwoma pozostałymi fragmentami”. Części zostały ponownie połączone w 1999 roku na wystawie w New Haven (Connecticut). A teraz wszystkie trzy pełnometrażowe portrety Luciena Freuda trafiły do ​​nowego nabywcy za 142,4 miliona dolarów. Mówi się, że tryptyk kupił William Acquavella, być może w interesie klienta.

6. 141,3 miliona dolarów Alberto Giacometti. Wskazujący mężczyzna. 1947

Alberto Giacometti to najbardziej ceniony (dosłownie) klasyk światowej rzeźby. Jego zwiędłe, niemal eteryczne postacie, symbolizujące wyobcowanie i samotność człowieka we współczesnym świecie, niezmiennie osiągają wysokie ceny na aukcjach. Przez pewien czas Giacometti osiągał nawet lepsze wyniki niż wszyscy malarze razem wzięci: 3 lutego 2010 roku rzeźba „Walking Man I” została sprzedana za 65 milionów funtów (104,3 miliona dolarów). Nawiasem mówiąc, był to pierwszy na świecie przedmiot aukcyjny, który przekroczył próg 100 milionów dolarów.

Ponad pięć lat później Pointing Man (1947) osiągnął nowy poziom aukcyjny: wynik (z prowizją) wyniósł 141,3 miliona dolarów, co stanowi rekord nie tylko Giacomettiego, ale całego rynku rzeźb.

Rzeźba Pointing Man została wymyślona i wykonana przez Giacomettiego w 1947 roku w ciągu zaledwie jednej nocy. Jak powiedział rzeźbiarz swojemu biografowi, za kilka miesięcy w Nowym Jorku miała otworzyć się jego pierwsza osobista wystawa w 15-letniej działalności twórczej. Terminy nagliły i pewnej październikowej nocy wyrzeźbił pierwszy model gipsowy. Wykonano z niego sześć odlewów i jeden oryginalny egzemplarz. Na kolejnej wystawie w styczniu 1948 r. centralne miejsce na wystawie obok „Chodzącego mężczyzny” i „Stojącej kobiety” zajął „Wskazujący mężczyzna”. Wystawa wywołała sensację, Giacometti od razu stał się gwiazdą powojennej sceny artystycznej Nowego Jorku.

Dziś rzeźba „Pointing Man” znajduje się w zbiorach MoMA, Tate Modern i dwóch innych muzeów. Pozostałe trzy egzemplarze znajdują się w zbiorach prywatnych i kolekcjach różnych fundacji. Dzieło wystawione na aukcji jest podobno jedynym egzemplarzem, który został ręcznie namalowany przez samego Giacomettiego. W 1953 roku został zakupiony w Galerii Pierre Matisse przez znanych kolekcjonerów Freda i Florence Olsenów. Od 1970 roku rzeźba znajdowała się w kolekcji prywatnej, z której po raz pierwszy w historii została wystawiona na aukcji. Jak mówią organizatorzy aukcji, oferowali właścicielowi gwarancję, jednak ten odmówił, twierdząc, że jeśli przedmiot nie zostanie sprzedany, zatrzyma go dla siebie. „Być może był trochę zdenerwowany, że faktycznie go kupiono” – skomentował przedstawiciel Christie’s.

Giacometti był jednym z najciekawszych artystów XX wieku. Człowiek Giacomettiego jest pozostawiony sam sobie, nikt go nie potrzebuje, nie ma wsparcia u Boga, a człowiek nie szuka u niego ochrony. Giacometti jest wielkim humanistą: jego prace mówią nam, że człowiek może polegać tylko na człowieku, że jest on w pełni odpowiedzialny za siebie i innych. Postacie Giacomettiego mają chude, nerwowe twarze, żywe oczy i duże stopy: pomimo wszystkich wstrząsów stoją twardo na ziemi.

7. 119,9 miliona dolarów Edvarda Muncha. Krzyk. 1895

2 maja 2012 roku w Sotheby's zakupiono pracę Edvarda Muncha „Krzyk” za 119 922 500 dolarów, dzięki czemu pastel z 1895 r. wyprzedził pracę Pabla Picassa „Akt z popiersiem i zielonymi liśćmi” (która, nawiasem mówiąc, pozostała na liście na szczycie rankingu dwa lata bez dwóch dni).

Obraz jest jedną z czterech istniejących wersji namalowanych na ten słynny temat i jedyną znajdującą się w rękach prywatnych (pozostałe trzy znajdują się w norweskich muzeach). Wyjątkowość polega także na tym, że na wykonanej przez samego artystę ramie napisano czerwoną farbą jego wiersz: „Moi przyjaciele poszli dalej, / A ja zostałem w tyle, / Drżąc z niepokoju: / Poczułem ogłuszający Krzyk Natury. E.M.”

Dzieło zostało wystawione na aukcji przez norweskiego biznesmena Pettera Olsena, syna przyjaciela, sąsiada i mecenasa Muncha, Thomasa Olsena, który nabył je w 1937 roku. Po aukcji były właściciel powiedział, że dla niego znaczeniem obrazu jest spotkanie ze śmiercią, a także – w kontekście współczesności – przerażająca świadomość szkód, jakie ludzkość wyrządziła naturze.

Dochód ze sprzedaży obrazu zostanie częściowo przeznaczony na utworzenie muzeum w mieście Hvitstene (Norwegia), gdzie kiedyś mieszkali Munch i Thomas Olsen; w przyszłym muzeum znajdą się zbiory Pettera Olsena, który zajmuje się także restauracją domu i warsztatu Muncha.

Cena obrazu Muncha jest rekordowa pod każdym względem. Przed aukcją, która odbyła się 1 maja 2012 r., najdroższym pastelem świata był „Resting Dancer” Edgara Degasa (ok. 1879), który w listopadzie 2008 r. na aukcji Sotheby’s w Nowym Jorku zarobił 37 milionów dolarów. Rekord ten pozostawił daleko w tyle poprzedni rekord Muncha, ustanowiony przez obraz „Wampir” z 1894 r., który w listopadzie 2008 r. przyniósł w Sotheby’s w Nowym Jorku 38,1 mln dolarów (kupicielem była Gagosian Gallery).

8. 110,5 miliona dolarów Jean-Michel Basquiat. Nieuprawny. 1982

18 maja 2017 r. listę najdroższych dzieł, jakie kiedykolwiek sprzedano na aukcji publicznej, uzupełniło dzieło Jeana-Michela Basquiata. Na aukcji sztuki współczesnej Sotheby’s wystawiono dzieło „Bez tytułu”, namalowane pastelą olejną, akrylem i puszki z aerozolem na płótnie został sprzedany za 110,5 miliona dolarów, a nabywcą został japoński miliarder Yusaka Maesawa, zagorzały wielbiciel sztuki współczesnej w ogóle, a Basquiata w szczególności. Dokonał także poprzedniego rekordowego zakupu Basquiata: w 2016 roku Maesawa kupił za 57,3 mln dolarów kolejne dzieło „Bez tytułu” (1982). Okazuje się, że 18 maja 2017 r. rekordowa cena za dzieło Jeana-Michela Basquiata niemal się podwoiła .

Charakterystyczny obraz Basquiata przedstawiający maskę lub czaszkę pobił kilka rekordów na raz. Po pierwsze, stało się najdroższym dziełem amerykańskiego artysty. Po drugie, po raz pierwszy w historii tak dużo zapłacono za dzieło czarnoskórego artysty. I po trzecie, obraz „Bez tytułu” (1982) pobił rekord cen dzieł powstałych po 1980 roku. Nie wspominając już o tym, że dzięki tej sprzedaży Jean-Michel Basquiat wszedł do swego rodzaju klubu artystów, których prace sprzedają się za ponad 100 milionów dolarów. Gdyby Basquiat dożył tego dnia, miałby 57 lat, ale niestety niszczycielska dawka heroiny zadecydowała inaczej: artysta zmarł w fatalnym dla wielu legendarnych Amerykanów wieku 27 lat (jak Hendrix, Joplin czy Morrison).

Wszystko zaczęło się na ulicach Nowego Jorku, gdzie 17-letni Jean-Michel uciekł od ojca i macochy (pierwsza nieudana próba ucieczki miała miejsce w wieku 15 lat). Matka Jean-Michela trafiła do szpitala psychiatrycznego, gdy chłopiec miał 13 lat i większość życia spędziła w klinikach zdrowia psychicznego. Ojciec nie dbał o syna. Nie należy jednak wyobrażać sobie dzieciństwa przyszłego artysty, pełnego trudów i upokorzeń. Dorastał z dwiema siostrami w dość zamożnej rodzinie (jego ojciec był odnoszącym sukcesy ekonomistą). Jean-Michel otrzymał dobre wykształcenie, jako dziecko dużo czytał, interesował się historią, poezją i oczywiście sztuką. Był nawet członkiem zarządu Muzeum Brooklyńskiego. Dzięki ojcu z Haiti i matce z Portorykanki Jean-Michel biegle władał językiem francuskim, hiszpańskim i angielskim. Jean-Michel nie był „chłopcem z ulicy” z urodzenia, ale stał się nim z wyboru. To ulice Nowego Jorku rozbudziły w nim talent artystyczny i ukształtowały niepowtarzalny styl Basquiata, oparty na jego intelektualnym zapleczu i buntowniczej energii ulicznego graffiti. Pomimo całej zewnętrznej prymitywności i „prymitywizmu” dzieła Basquiata są głęboko konceptualne, pełne odniesień do literackiego i artystycznego dziedzictwa przeszłości.

Od 1976 roku na domach, płotach i wagonach metra w Nowym Jorku zaczęły pojawiać się napisy, których znaczenie było niejasne (np. „Myśli, że plusz jest bezpieczny…” - „myśli, że plusz chroni”). Następnie każdy szanujący się artysta uliczny podpisywał swoje prace. Napisy te pojawiły się w imieniu pewnego „SAMO” (w skrócie „to samo stare gówno” - w sensie literackim, a następnie „to samo co zawsze”). Basquiat i jego przyjaciel Al Diaz przyjęli ten pseudonim. Przyjaźń trwała do 1979 roku i zakończyła się napisem „SAMO nie żyje”. Basquiat zaczął samodzielnie torować sobie drogę do sławy. Sprzedawał koszulki i pocztówki ze swoimi rysunkami, założył noise-rockowy zespół, z którym występował w klubach i grał w filmach niezależnych. Za namową znajomego zająłem się malarstwem na poważnie.

Pierwszy sukces przyszedł na początku lat 80-tych. Najpierw wystawa zbiorowa, potem osobista, a także artykuł René Ricarda „Promienne dziecko” w słynnym czasopiśmie Artforum sprawiły, że Basquiat stał się powszechnie znany w wąskim, ale niezbędnym kręgu. W 1982 roku Jean-Michel spotkał się ze swoim idolem Andym Warholem, co w dużej mierze zadecydowało o całych przyszłych losach młodego artysty. Niektórzy uważają, że Basquiat wykorzystał sławę Warhola, a Warhola napędzała młodość i twórcza energia Basquiata; inni widzą w tym dziwnym tandemie prawdziwą przyjaźń. Tak czy inaczej, znajomość i patronat Warhola sprawiły, że cała Ameryka, a potem świat, zaczęto mówić o wschodzącej gwieździe Basquiata. Uważany był za najlepszego w gronie młodych amerykańskich artystów neoekspresjonistycznych, do którego należeli także Julian Schnabel, David Salle i in.. Ceny dzieł Jeana-Michela zaczęły rosnąć. Basquiat pracował po 20 godzin dziennie, często nie zdejmując drogich garniturów od Armaniego, a potem bawił się w tych samych poplamionych farbą garniturach na przyjęciach i przyjęciach. Warhol był nawet zazdrosny o jego produktywność, twierdząc, że Basquiat malował obrazy szybciej, niż on, Warhol, je drukował.

Ale Jeana-Michela prześladowała myśl, że wszyscy się o niego martwią nie dlatego, że jest geniuszem, ale dlatego, że był przede wszystkim czarnym geniuszem. Poczuł się jak zabawka dla bogatej białej publiczności i sumiennie odegrał tę rolę. Jego postępujące uzależnienie od narkotyków z czasów spędzonych na ulicach było częścią legendy, na której opierała się jego popularność. Pojawiła się chęć rzucenia wszystkiego, wyjazdu na Hawaje lub Maui, otwarcia tam małej destylarni tequili i życia wolnego, z dala od sławy i wszystkiego, co jej towarzyszy. A Jean-Michel nawet raz próbował, rezygnując z heroiny i na jakiś czas przeprowadzając się na Maui. Ale to nie wyszło. Śmierć Warhola w 1987 roku była dla Basquiata ogromnym ciosem. Prawie przestał wychodzić z domu, cierpiał na paranoję, nie mógł pracować, coraz częściej zażywał narkotyki. Ostatnią śmiertelną dawkę przyjęto 12 sierpnia 1988 r. Basquiat miał 27 lat.

9. 105,5 miliona dolarów Andy Warhol. Wypadek srebrnego samochodu (podwójny wypadek). 1963

Byłoby dziwne, gdyby król pop-artu Andy Warhol (1928–1987) nie znalazł się w pierwszej dziesiątce autorów najdroższych dzieł świata. Wtedy musielibyśmy przyznać, że świadomość masowa i wybór kolekcjonerów to dwa naczynia, które w żaden sposób się nie komunikują. Bo Warhol jest chyba najpopularniejszym artystą XX wieku. Choć Warhol nie „wymyślił” pop-artu, to właśnie on stał się twarzą tego ruchu. Nie tylko ośmieszył kult konsumpcji, ale wprowadził te idee do sztuki (zachowując w swoich pracach element ironii), stworzył nowy kierunek, który zgromadził całe grono zwolenników.

Przez sześć lat Andy Warhol wałęsał się na ostatnich pozycjach naszego rankingu – było zbyt wielu mistrzów „pomest” i droższych – od Rubensa po Klimta. Przez długi czas najlepszym wynikiem Warhola było 71,7 miliona dolarów, zarobione przez sitodruk „Green Car Crash” (1963) w Christie’s w maju 2007 (szacunkowo: 25–35 milionów dolarów). Ale czasy się zmieniają i obecnie arcydzieła dawnych mistrzów, impresjonistów czy modernistów są coraz mniej popularne na rynku. Kluczowe transakcje przeniosły się do segmentu sztuki powojennej i współczesnej. Cena sztuki drugiej połowy XX – początku XXI wieku nieubłaganie rośnie, czego bezpośrednim potwierdzeniem jest aktualna osobista płyta Andy’ego Warhola.

Na aukcji sztuki powojennej i współczesnej Sotheby's, która odbyła się 13 listopada 2013 r. (dzień po podobnej aukcji w Christie's, na której tryptyk Francisa Bacona sprzedano za 142,4 mln dolarów), sitodruk Andy'ego Warhola „Silver Car Crash (Double Crash)” wywołał nowy rekord świata za twórczość artysty – 105,5 mln dolarów.Praca ta, podobnie jak „Green Car Crash”, należy do dużego cyklu „Śmierć i katastrofy”, w którym artysta odzwierciedlił skutki tragicznych wypadków drogowych.

„Silver Car Crash (Double Crash)” to jedno z czterech dwuczęściowych dzieł Warhola z 1963 roku przedstawiających wypadki samochodowe. Pozostałe trzy prace z cyklu znajdują się w muzeach, a w rękach prywatnych pozostaje jedynie Silver Car Crash. Dzieło ma doskonałą proweniencję: znajdowało się w zbiorach Guntera Sachsa, Charlesa Saatchiego i Thomasa Ammanna. Dzieło zostało wystawione na aukcji w Sotheby’s przez prywatnego europejskiego kolekcjonera, który był jego właścicielem przez ponad 20 lat.

Artysta przeniósł na płótno gazetowe fotografie wypadków drogowych, wielokrotnie drukując je metodą sitodruku ze srebrną farbą odblaskową. Praca osiąga wymiary 2,4×4 metry; na jednej połowie wielokrotny obraz samochodu uderzającego w drzewo; druga część to monochromatyczna srebrna powierzchnia.

Wszystkie elementy sukcesu aukcji są oczywiste: rzadkość dzieła, jego znaczenie w dziedzictwie autora, dobre pochodzenie. Trudno powiedzieć, co Warhol jest dziś bardziej interesujące dla kolekcjonerów – marka, osławiona „ironia” czy jakiś rodzaj podtekst filozoficzny Jednak to, co można było kupić za 100 dolarów w 1962 r. (tyle wówczas kosztowały puszki z zupą Campbell’s) i w 1978 r. za dziesiątki tysięcy, jest obecnie warte dziesiątki milionów.

10. 95,4 miliona dolarów Roy Lichtenstein. Pielęgniarka. 1964

Twórczość Roya Lichtensteina (1923–1997) trudno z czymkolwiek pomylić: sławę przyniosły mu obrazy oparte na wielokrotnie powiększonych obrazach z komiksów. Jak wszyscy artyści pop-artu, Lichtenstein podniósł obiekty kultury masowej do rangi dzieł sztuki wysokiej. Zamiast subtelnych przejść kolorystycznych są bloki czystego koloru, jakby dopiero co wyszły z prasy drukarskiej; zamiast skomplikowanych portretów psychologicznych - sztampowe piękności z kart komiksów ze standardowym zestawem emocji. Lichtenstein wręcz odtworzył siatkę rastrową ręcznie, celowo zwiększając lub zmniejszając wielkość punktów, doprowadzając treść dzieła do granic groteski. Wyrwanym z kontekstu zdjęciom komiksowym towarzyszy zwykle emocjonalny tekst: piękności Liechtensteinu toną, płaczą, zazdroszczą, ale piękno i spokój skrajnie wyidealizowanych bohaterek uwalnia nas od potrzeby szczerego współczucia z nimi, wszystko jest postrzegane jako piękny obraz - nic więcej.

Nawiasem mówiąc, obrazy oparte na komiksach nie są jedynym kierunkiem w twórczości Roya Lichtensteina. Retrospektywa artysty w Tate Modern w 2013 roku obejmowała akty, rzeźby, pejzaże w stylu chińskim, abstrakcje, a także własną interpretację dzieł Matisse'a, Picassa, Pieta Mondriana i innych: Liechtenstein reprodukował takie arcydzieła jak Katedra w Rouen Moneta czy „Martwa natura ze złotą rybką” Matisse’a jest nadal utrzymana w tym samym „komicznym” stylu z siatką rastrową.

Ceny dzieł Roya Lichtensteina przekroczyły siedmiocyfrowy próg już pod koniec lat 80., ale dopiero na początku XXI wieku (po śmierci artysty) rynek na jego dzieła zaczął gwałtownie rosnąć, osiągając obecny rekord aukcyjny wynoszący 95 365 mln dolarów Zatem próg wynosi 5 dolarów. Dzieło Roya Lichtensteina po raz pierwszy przekroczyło milion w 2002 roku; Limit 10 milionów został ustalony w 2005 roku, a w 2012 roku za obraz „Śpiąca dziewczyna” zapłacono już 44,9 miliona dolarów. W tym samym roku prace Roya Lichtensteina osiągnęły ten sam poziom cen, co obrazy Claude’a Moneta, rozpoczął się pop-art kosztować tyle samo, co arcydzieła impresjonizmu. Rzeczy Lichtensteina cieszą się popularnością wśród kolekcjonerów z całego świata: o tę samą „Śpiącą dziewczynę” licytowali klienci z Chin, USA, Ameryki Łacińskiej i Europy.

Według Artprice roczny obrót dziełami Liechtensteina na koniec 2013 roku wyniósł ponad 140 milionów dolarów (bez prowizji BP), co pozwoliło mu zająć wysokie 8. miejsce w światowym rankingu pod względem obrotów aukcyjnych. W tym samym roku jego obraz „Kobieta w kapeluszu z kwiatami” (1963) został sprzedany 15 maja w Christie’s za 56,1 miliona dolarów (z prowizją). To przeróbka jednego z kubistycznych portretów Dory Maar autorstwa Picassa, utrzymana w charakterystycznym dla Lichtensteina pop-artowym stylu. Płyta zbiegła się z wielką retrospektywą artysty w Tate.

Dwa i pół roku później na aukcji Christie „The Artist’s Muse” 9 listopada 2015 r. obraz „Pielęgniarka” (1964) został sprzedany za 95 365 mln dolarów łącznie z prowizją (wycena na żądanie). Dzieło należy do kultowego malarstwa Liechtensteinu z początku lat 60. XX wieku. Wizerunek seksownej, pięknej pielęgniarki to jeden z kluczowych obrazów powojennej kultury USA, obok odważnych amerykańskich marynarzy. Na obrazie Lichtensteina urocza blondynka o szkarłatnych ustach jest w równym stopniu ikoną kultury masowej, co „Marlyn” czy „Liz” z sitodruków Warhola. Liechtenstein w tym przypadku pominięto towarzyszący tekst komiks źródłowy, dając nam w ten sposób pole do interpretacji stan emocjonalny bohaterki. Wygląda na wyraźnie przestraszoną – ale czego się boi?

„Pielęgniarka” była pokazywana na pierwszych dużych wystawach indywidualnych Lichtensteina w Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku i Neues Nationalgalerie w Berlinie (obie w 1969). Dzieło znajdowało się w kolekcji jednego z pierwszych kolekcjonerów pop-artu, ekscentrycznego Leona Krauschera, który według krytyka sztuki Richarda Polsky'ego powiedział kiedyś: „Pop-art jest sztuką naszych czasów. Wszystko inne to starocie, starożytność. Renoira? Nie mogę go znieść. Zdjęcia do sypialni. Oni wszyscy są tacy sami. To samo mogę powiedzieć o wszystkich tych abstrakcyjnych ekspresjonistach. Dekoracje. Nie ma satyry, nie ma dzisiaj, nie ma zabawy.

11. 91,87 miliona dolarów Edward Hopper. Posiekaj Suey. 1929

Edward Hopper (1882–1967) to artysta kultowy dla Amerykanów, malujący obrazy rodzajowe i pejzaże miejskie. Nazywany jest „poetą pustych przestrzeni” ze względu na swój niepowtarzalny styl autorski. Obrazy Hoppera charakteryzują się lakoniczną i geometryczną kompozycją, brakiem nadmiernych szczegółów, czystymi kolorami, dużymi oknami, długimi cieniami i, co najważniejsze, jego bohaterami są zapatrzeni w siebie mieszkańcy duże miasto. Emanują samotnością, nawet jeśli znajdują się obok siebie – w pokoju, kawiarni czy loży teatralnej. Najbardziej znanym dziełem Hoppera są Nocne marki. Oświetlona jasnym światłem elektrycznym jadalnia na tle gęstniejącej ciemności nocy przypomina scenę teatralną, na której bohaterowie – barman, para i mężczyzna siedzący tyłem do widza – pogrążeni są w myślach i prawie nie prowadzi animowanej rozmowy. Na ponad półtorametrowym płótnie nie widzimy ani jednego wyjścia z jadalni, co dodatkowo podkreśla poczucie beznadziei.

Kolejnym kierunkiem w twórczości Hoppera były pejzaże, w których głównymi bohaterami są puste domy i ulice. Artysta nawet wymyślił nowy gatunek- portret domu, w którym „modele” są nazwane imionami właścicieli lub lokalizacją. Twórczość Hoppera rozkwitła częściowo podczas Wielkiego Kryzysu. Jedno z dzieł tego okresu – pejzaż „Wschodni wiatr nad Weehawken” (1934) z wystawiona na sprzedaż ulicą pustych domów – przez długi czas było jego najdroższym dziełem. W 2013 roku na aukcji Christie’s obraz ze zbiorów Akademii Sztuk Pięknych w Pensylwanii został sprzedany za 40 milionów dolarów (szacunkowo 22–28 milionów dolarów).

Prawie 5 lat później na aukcji dzieł malarstwa amerykańskiego z kolekcji znanego kolekcjonera sztuka narodowa Barneya Ebswortha, ukazało się kultowe dzieło Edwarda Hoppera, jedno z jego najlepszych dzieł w rękach prywatnych, „Chop Suey” (1929). Chop Suey to gulasz z warzyw, sosu sojowego, mięsa i przypraw, popularne danie wśród chińskich imigrantów w Stanach Zjednoczonych. Edward Hopper przedstawił dwie dziewczyny przy stole w chińskiej restauracji, gdzie serwują ten gulasz. I choć dziewczyny się spotkały, a w tle przy stole siedzi inna para, całość pracy przesiąknięta jest charakterystycznym dla „Hoppera” poczuciem samotności, które powstaje wskutek lakoniczności wnętrz i kolorów, spojrzeń do których kierowani są rozmówcy różne strony. Dzieło „Chop Suey” od dawna było obiecane Muzeum Sztuki w Seattle, jednak spadkobiercy Barneya Ebswortha zdecydowali inaczej i wystawili je na aukcję w Christie's z niespotykaną dotąd dla tego artysty wyceną – 70–100 mln dolarów, co dało wynik 85 mln dolarów , oraz biorąc pod uwagę prowizję Kupującego – 91,875 mln dolarów. I najprawdopodobniej rekord ten przetrwa długo, gdyż prace Hoppera pojawiają się na aukcjach niezwykle rzadko (w jego spuściźnie znajduje się zaledwie 350 obrazów, a większość z nich znajduje się w muzeach), a tym bardziej takiej klasy jak „Chop Suey”.

12. 90,3 miliona dolarów David Hockney. Portret artysty. Basen z dwiema postaciami. 1972

David Hockney (1937) to jeden z najważniejszych brytyjskich artystów XX wieku. W 2011 roku, według ankiety przeprowadzonej wśród tysięcy profesjonalnych brytyjskich artystów i rzeźbiarzy, David Hockney został uznany za najbardziej wpływowego brytyjskiego artystę wszechczasów. W tym samym czasie Hockney pokonał takich mistrzów jak William Turner i Francis Bacon. Choć jego twórczość zazwyczaj zaliczana jest do pop-artu wczesne prace ach, skłaniał się bardziej ku ekspresjonizmowi w duchu Francisa Bacona.

David Hockney urodził się i wychował w Anglii, w hrabstwie Yorkshire. Matka przyszłego artysty utrzymywała rodzinę w purytańskiej surowości, a ojciec, prosty księgowy, amatorsko rysujący, zachęcał syna do zajęcia się malarstwem. Mając dwadzieścia kilka lat David przeprowadził się do Kalifornii, gdzie mieszkał całkowity około trzech dekad. Nadal ma tam dwa warsztaty. Hockney uczynił bohaterów swoich dzieł lokalnymi bogaczami, a ich wille, baseny i trawniki zalały kalifornijskie słońce. Jedno z jego najsłynniejszych dzieł okresu amerykańskiego – obraz „Plusk” – to obraz snopka rozprysków unoszących się z basenu po wskoczeniu mężczyzny do wody. Aby zobrazować ten snop, który „żyje” nie dłużej niż dwie sekundy, Hockney pracował przez dwa tygodnie. Nawiasem mówiąc, obraz ten został sprzedany w Sotheby’s w 2006 roku za 5,4 miliona dolarów i przez pewien czas uznawany był za jego najdroższe dzieło.

Hockney ma już ponad osiemdziesiątkę, ale nadal pracuje, a nawet wymyśla nowe techniki artystyczne z wykorzystaniem nowinek technicznych. Kiedyś wpadł na pomysł robienia ogromnych kolaży z polaroidów, drukował swoje prace na faksach, a dziś artysta z entuzjazmem doskonali rysowanie na iPadzie. Na jego wystawach godne miejsce zajmują obrazy rysowane na tabliczce.

W 2005 roku Hockney wreszcie wrócił ze Stanów do Anglii. Obecnie maluje duże (często kilkuczęściowe) pejzaże lokalnych lasów i wrzosowisk w plenerze i pracowni. Według Hockneya w ciągu 30 lat spędzonych w Kalifornii tak bardzo przyzwyczaił się do prostej zmiany pór roku, że naprawdę go to fascynuje i fascynuje. Całe cykle jego ostatnich prac poświęcone są na przykład temu samemu pejzażowi inny czas roku.

W 2018 roku ceny obrazów Hockneya kilkakrotnie przekroczyły granicę 10 milionów dolarów. A 15 listopada 2018 roku Christie’s zarejestrowała nowy absolutny rekord w dziedzinie twórczości żyjącego artysty – 90 312 500 dolarów za obraz „Portret artysty (basen z dwiema figurami)”. Dzięki temu wynikowi David Hockney nie tylko znalazł się na szczycie rankingu żyjących artystów, ale także został jedynym żyjącym autorem znajdującym się na liście Top World Artists.

13. 87,9 miliona dolarów Gustav Klimt. Portret Adele Bloch-Bauer II. 1912

Ściśle rzecz biorąc, Portret Adele Bloch-Bauer II (1912) nie jest najdroższym znanym dziełem Gustava Klimta. Tuż przed tą rekordową transakcją aukcyjną miała miejsce kolejna – prywatna, zamknięta, w związku z czym jej wyniki nie mogą być wykorzystywane do ocen. Ale sam wynik jest znany, a raczej nie obalony: inny obraz tej samej kobiety – „Portret Adele Bloch-Bauer I” z 1907 r. – został nabyty za pośrednictwem Christie's latem 2006 r. przez magnata perfumerii Ronalda Laudera dla Była to wówczas najwyższa kwota zapłacona za pojedyncze dzieło sztuki (wówczas została ona przekroczona przez prywatną umowę na dzieło Jacksona Pollocka kupione za 160 milionów dolarów). I tak formalnie najdroższym przedmiotem aukcyjnym Klimta pozostał „Portret Adele Bloch-Bauer II” z 1912 r., który został sprzedany na aukcji Christie's 8 listopada 2006 r. za 87,9 mln dolarów kolekcjonerowi pragnącemu zachować anonimowość. sprzedano im jeszcze trzy obrazy Klimta za łączną kwotę 103,4 miliona dolarów.

Prace Klimta bardzo rzadko pojawiają się na aukcjach - i nagle wystawiane są jednocześnie cztery płótna, i to o jakości muzealnej. Gdzie? Właściwie pochodzą z muzeum. Trafiły na aukcję po zakończeniu długiego sporu o odszkodowanie. Zarówno portrety, jak i inne obrazy Klimta znajdowały się w Austrii, w rodzinie zamożnego żydowskiego cukrownika Ferdynanda Blocha-Bauera i jego żony Adele. 43-letnia Adele zmarła na zapalenie opon mózgowo-rdzeniowych w 1925 r., przekazując obrazy rządowi austriackiemu po śmierci męża. W 1938 r. Austria została zaanektowana przez Niemcy; Sam Ferdinand Bloch-Bauer zdołał ukryć się w Szwajcarii, a jego obrazy, w tym kilka dzieł Klimta, zostały skonfiskowane, po czym część trafiła do austriackiej Galerii Belvedere, a część została sprzedana. Już w Szwajcarii Ferdynand Bloch-Bauer przepisał swój testament na rzecz dzieci swojego brata. Do dziś przetrwała jedynie Maria (po mężu Altmanie), która miała już 90 lat. W 1942 roku opuściła Austrię i udała się do Stanów Zjednoczonych. Spór o skonfiskowany majątek toczy się od 2000 roku. Rząd austriacki odwołał się do jednego testamentu, spadkobiercy do drugiego. W rezultacie austriacki trybunał arbitrażowy podtrzymał stanowisko Sądu Najwyższego USA i zdecydował o zwróceniu pięciu dzieł Klimta spadkobiercom, na czele którego stoi Maria Altman.

Decyzja ta nie była łatwa i zaskoczyła Austriaków. W 2006 roku pojawiły się nawet doniesienia, że ​​rząd nawoływał obywateli do wykupu obrazów w celu ochrony narodowego skarbu kraju. Eksperci szacowali wówczas cenę pięciu płócien (w tym zakupionego później przez Laudera portretu) na nie mniej niż 245 mln dolarów, planowano nawet wyemitować obligacje w celu zebrania potrzebnej kwoty. Gdy pomysł się nie powiódł, Belvedere (m.in. pod presją anonimowej groźby zniszczenia obrazów, aby nie trafiły do ​​spadkobierców) w obawie przed niebezpieczeństwem zmuszony był usunąć płótna z wystawy.

Gustav Klimt (Gustav Klimt, 1862–1918) to uznany innowator, założyciel Secesji Wiedeńskiej (instytucji, która porzuciła akademizm w twórczości), artysta, który nie raz szokował publiczność w swoich niepurytańskich już czasach. Z nazwiskiem Klimta niezmiennie kojarzą się tajemnicze pogłoski, jakoby nagie kobiety, w tym panie z kręgów arystokratycznych, przechadzały się po ogrodzie artysty, inspirując go. Klimt był bardzo poszukiwany przez całe swoje życie. Urzeczywistniając idee symboliki narodowej, zyskał uznanie władz oficjalnych, a w 1883 roku cesarz Franciszek Józef I przyznał mu nawet główną dostępną nagrodę cesarską Austriacki artysta, - Złoty Order Zasługi. Nie ominęła go także przychylność najbardziej wpływowych i zamożnych klientów prywatnych. Dekoracyjny charakter, wyrafinowanie i erotyzm dzieł Klimta sprawiły, że stały się one pożądaną ozdobą wnętrz najbardziej luksusowych domów początku XX wieku. I trzeba powiedzieć, że z biegiem czasu niewiele się w tym przedsięwzięciu zmieniło.

Wyprzedaż przez spadkobierców dzieł Klimta z kolekcji Ferdynanda Blocha-Bauera to wyjątkowy przypadek, gdy na rynku pojawiły się rzeczy o skali globalnej, „muzealnej” w dosłownym tego słowa znaczeniu. Zdarza się to prawdopodobnie raz na kilka dekad, dlatego stawka jest tak wysoka.

14. 86,9 miliona dolarów Mark Rothko. Pomarańczowy, czerwony, żółty. 1961

Jeden z najbardziej tajemniczych artystów naszych czasów. Jego droga życiowa zdaje się być utkana ze sprzeczności – w poszukiwaniach twórczych, w działaniach, w gestach… Uważany za jednego z ideologów i oczywiście kluczową postać amerykańskiego ekspresjonizmu abstrakcyjnego, Rothko nie mógł znieść, gdy jego prace nazywano abstrakcyjny. Wiedząc już dobrze, czym jest życie z dnia na dzień, pewnego razu wyzywająco zwrócił swoim klientom absolutnie fantastyczną zaliczkę w przeliczeniu na dzisiejsze pieniądze, pozostawiając sobie niemal całkowicie ukończone dzieło. Czekając na swój sukces i możliwość utrzymania się z malarstwa przez prawie pięćdziesiąt lat, nieraz odmawiał osobom, które gdyby chciały, mogłyby zrujnować jego karierę. W każdym razie Rothko, w głębi serca socjalista, podzielający idee Marksa, wrogo nastawionego do bogatych i bogactwa, Rothko w końcu stał się autorem najdroższych obrazów świata, co w rzeczywistości stało się atrybutem wysoki status Ich właścicieli. (To nie żart, rekordowy „Biały Centrum”, sprzedany za 65 milionów dolarów, pochodził od rodziny Rockefellerów.) Marząc o uznaniu masowej publiczności, w końcu stał się twórcą obrazów, które wciąż są naprawdę zrozumiałe tylko dla kręgu intelektualistów i koneserów. Wreszcie artysta, który poprzez muzykę swoich płócien szukał rozmowy z Bogiem, artysta, którego dzieła stały się centralnym elementem wystroju kościoła wszystkich religii, zakończył swoje życie całkowicie desperackim aktem walki z Bogiem. ..

Rothko, który pamiętał Strefę Osiedlenia i Kozaków, mógł być zaskoczony, że oni też są z niego dumni jako z rosyjskiego artysty. Jednak w latach trzydziestych w Ameryce było mnóstwo antysemityzmu - to nie przypadek, że artysta „obciął” nazwisko rodowe Rotkovich. Ale nie bez powodu nazywamy go Rosjaninem. Zacznijmy od faktu urodzenia. Łotewski Dvinsk, dzisiejszy Dyneburg, w chwili narodzin Marka Rotkowicza był częścią Rosji i tak pozostanie aż do upadku imperium, czyli do 1918 roku. To prawda, że ​​​​Rothko nie będzie już świadkiem rewolucji. W 1913 roku chłopiec został zabrany do USA, rodzina przeniosła się do Portland w stanie Oregon. Oznacza to, że spędziłem dzieciństwo i młodość w Rosji, gdzie ukształtowało się moje postrzeganie życia i światopogląd. Oprócz tego, że tu się urodził, Rothko jest kojarzony z Rosją, zauważamy zarówno wątki ideologiczne, jak i konflikty. Wiadomo, że cenił twórczość Dostojewskiego. I nawet występki, na które pozwalał sobie Rothko, z jakiegoś powodu kojarzą się na świecie z Rosjanami. Z jakiegoś powodu depresję na Zachodzie nazywa się „chorobą rosyjską”. Co oczywiście nie jest argumentem, ale kolejnym dotknięciem integralności natury rosyjskiego artysty.

Dokonanie innowacyjnych odkryć w malarstwie zajęło Rothko 15 długich lat. Po przebyciu wielu hobby figuratywnych, m.in. surrealizmu i ekspresjonizmu figuratywnego, w połowie lat 40. XX w. skrajnie uprościł konstrukcję swoich obrazów, ograniczając środki wyrazu do kilku kolorowych brył tworzących kompozycję. Intelektualne podstawy jego twórczości są prawie zawsze kwestią interpretacji. Rothko zazwyczaj nie udzielał bezpośrednich odpowiedzi, licząc na udział widza w zrozumieniu dzieła. Jedyne, na co zdecydowanie liczył, to emocjonalna praca widza. Jego obrazy nie są przeznaczone do odpoczynku, nie do relaksu i nie do „masażu wizualnego”. Są stworzone z myślą o empatii. Niektórzy postrzegają je jako okno, które pozwala zajrzeć w duszę widza, inni postrzegają je jako drzwi do innego świata. Istnieje opinia (być może najbliższa prawdy), że jego pola barwne są metaforycznymi obrazami Boga.

Dekoracyjną moc „pól kolorów” tłumaczy się szeregiem specjalnych technik stosowanych przez Rothko. Jego obrazy nie tolerują masywnych ram - co najwyżej cienkich krawędzi w kolorze płótna. Artysta celowo zabarwił krawędzie obrazów w sposób gradientowy, tak aby pole obrazowe zatraciło swoje granice. Rozmyte granice wewnętrznych kwadratów to także technika, sposób na pozbawiony kontrastu efekt drżenia, pozornego nakładania się bloków barw, pulsowania plam, niczym migotanie światła lamp elektrycznych. To miękkie rozpuszczenie koloru w kolorze osiągano szczególnie w olejach, aż do przejścia Rothko na nieprzezroczysty akryl pod koniec lat sześćdziesiątych. Odkryty efekt pulsacji elektrycznej nasila się, jeśli spojrzysz na obrazy z bliskiej odległości. Według planu artysty optymalne dla widza jest oglądanie trzymetrowych płócien z odległości nie większej niż pół metra.

Dziś obrazy Rothko są ozdobą każdego słynne muzeum Sztuka współczesna. I tak w angielskiej galerii Tate znajduje się sala Rothko, w której na żywo znajduje się dziewięć obrazów z tych, które powstały w ramach kontraktu z restauracją Four Seasons. Z tym projektem wiąże się historia, która dość dobrze odzwierciedla charakter Rothko. W 1959 roku z artystą skontaktowano się za poleceniem właścicieli modnej restauracji „Seasons”, która została otwarta w niezwykłym nowojorskim drapaczu chmur Seagram Building (nazwa pochodzi od firmy produkującej alkohol). Wartość kontraktu w dzisiejszych pieniądzach wyniosła prawie 3 miliony dolarów – to bardzo duże wynagrodzenie nawet dla uznanego artysty, jakim był wówczas Rothko. Jednak gdy prace były już prawie ukończone, Rothko niespodziewanie zwrócił zaliczkę i odmówił przekazania jej klientowi. Za główne przyczyny nagłego czynu biografowie uznali niechęć do zadowolenia klasy rządzącej i zabawiania bogatych przy obiedzie. Uważa się również, że Rothko był zdenerwowany, gdy dowiedział się, że jego obrazów nie zobaczą zwykli pracownicy budynku. Najnowsza wersja wygląda jednak zbyt romantycznie.

Prawie 10 lat później Rothko podarował Tate Gallery w Londynie część płócien przygotowanych na Cztery pory roku. Na gorzką ironię losu, 25 lutego 1970 roku, w dniu, w którym pudła z obrazami dotarły do ​​angielskiego portu, artysta został znaleziony martwy w swojej pracowni - z podciętymi żyłami i (najwyraźniej na gwarancję) ogromną dawką tabletek nasennych w jego żołądek.

Dziś twórczość Rothko przeżywa kolejną falę szczerego zainteresowania. Organizowane są seminaria, otwierane są wystawy, publikowane są monografie. Nad brzegiem Dźwiny, w ojczyźnie artysty, wzniesiono pomnik.

Co roku na aukcjach wystawianych jest około 10–15 dzieł samych obrazów Rothko, nie licząc grafik. Płacą za nie miliony i dziesiątki milionów dolarów. A takie ceny to nie przypadek, ale raczej hołd dla jego innowacyjności, chęci otwarcia nowych warstw znaczeń i przyłączenia się do twórczego fenomenu jednego z najbardziej tajemniczych rosyjskich artystów.

8 maja 2012 roku na aukcji sztuki powojennej i współczesnej w Christie’s obraz „Pomarańczowy, czerwony, żółty” z 1961 roku został sprzedany za 86,88 mln dolarów (z prowizją). Praca pochodzi z kolekcji mecenasa sztuki z Pensylwanii Davida Pincusa. David i jego żona Gerry kupili dzieło o wymiarach 2,4 x 2,1 metra od Marlborough Gallery, a następnie wypożyczyli je na długi czas Muzeum Sztuki w Filadelfii. Obraz „Pomarańczowy, czerwony, żółty” stał się nie tylko najdroższym dziełem artysty rosyjskiego pochodzenia, ale także najdroższym dziełem sztuki powojennej i współczesnej sprzedanym na otwartej aukcji.

15. 85,81 mln dolarów Kazimierz Malewicz. Kompozycja suprematystyczna. 1916

Kazimierz Siewierinowicz Malewicz (1878–1935) to z pewnością jeden z pięciu najwybitniejszych rewolucjonistów sztuki XX wieku w skali światowej. Filozof, innowator, twórca nowości podejścia teoretyczne, ideolog suprematyzmu, który stał się wizytówka Rosja na międzynarodowej arenie artystycznej. Dzieła Malewicza są ozdobą najlepszych muzeów świata i marzeniem wielu kolekcjonerów.

Zwieńczenie badań Malewicza można nazwać dziełem „Czarny kwadrat” z 1915 r. (w Galerii Trietiakowskiej znajduje się jedna z czterech zachowanych wersji). Rzecz o dużym znaczeniu metaforycznym: koniec obrazu, koniec malarstwa, punkt wyjścia, wymóg opracowania projektu na przyszłość. Supremus w zamyśle twórcy jest najwyższym stopniem awangardy, zdolnym pozwolić sobie na geometryczną lakoniczność środków wyrazu. W latach dwudziestych Malewicz rozszerzył swój system filozoficzny na obszary stosowane: suprematyzm stał się podstawą zaawansowanego projektowania i architektury. Malewicz realizował się także jako nauczyciel, odkrywając talent u wielu swoich uczniów, którzy pozostali wierni jego ideom nawet w warunkach prześladowań. Historia sztuki obejmuje okresy jego pracy w UNOVIS („Stowarzyszenie Zwolenników Nowej Sztuki”, Witebsk - Piotrogród (Leningrad), 1919–1922), w Ginchuk ( Instytut Państwowy kultury artystycznej, 1923).

Koniec lat dwudziestych XX wieku to okres represji wobec twórców idei awangardy artystycznej. W istocie „szkoła Malewicza” została rozproszona, a sam Malewicz został aresztowany. W 1927 roku artyście podczas zagranicznej podróży służbowej udało się ukryć część swoich dzieł w Berlinie i, jak się uważa, uchronił w ten sposób swoje idee przed zakazem i zapomnieniem. Malewicz zmarł w 1935 r. A jego najlepsze dzieła przez dziesięciolecia leżały w magazynach sowieckich muzeów. Można je było zobaczyć jedynie poprzez nawiązanie znajomości w środowisku muzealnym. Niemniej jednak dzięki staraniom specjalistów i oddanych kolekcjonerów (na przykład George'a Costakisa) informacje o ideach Malewicza, można powiedzieć, przedostały się do podziemia w kręgach sowieckiej inteligencji i wpłynęły na język artystyczny przedstawicieli oficjalna sztuka, artyści lat sześćdziesiątych.

Najdroższym dziełem Kazimierza Malewicza, które od prawie 10 lat jest licytowane na aukcji, jest „Kompozycja suprematystyczna” z 1916 roku. Pierwsze pojawienie się tego dzieła na aukcji publicznej miało miejsce 3 listopada 2008 roku. Dosłownie sześć miesięcy wcześniej, w kwietniu 2008 roku, „Układ Suprematystyczny” został im zwrócony w drodze restytucji przez spadkobierców Malewicza. Co więcej, sprowadzono je nie skądkolwiek, ale ze zbiorów amsterdamskiego Stedelijk Museum. Muzeum musiało wówczas oddać aż pięć dzieł Malewicza ze swojej kolekcji, mimo że w 1958 roku Stedelijk legalnie odkupił je od architekta Hugo Haringa. Tylko Hugo Haring nie miał prawa ich sprzedać: Malewicz pozostawił mu te dzieła na tymczasowe przechowanie, ale nigdy nie miał czasu ich odebrać. Ogólnie rzecz biorąc, arcydzieło pochodzenia kryształowego, świeże na rynku, sprzedało się na aukcji 3 listopada 2008 roku za rekordową kwotę 60 milionów dolarów. Wśród potencjalnych nabywców dzieła Malewicza byli Roman Abramowicz lub urodzony w Syrii handlarz dziełami sztuki David Nahmad. Kimkolwiek był ten tajemniczy właściciel, niemal dziesięć lat później, po odczekaniu wymaganej w tych sprawach przerwy, zamierzał odsprzedać swojego Malewicza. W AI zakładaliśmy, że tak znacząca praca z pewnością będzie kosztować ponad 100 milionów dolarów, a nasz Kazimierz Malewicz dołączy do „klubu” artystów, których dzieła sprzedawane są za dziewięciocyfrowe sumy. Jednak nieco przeceniliśmy zainteresowanie Malewiczem wśród kolekcjonerów z najwyższego segmentu. Ostateczna cena młotka na aukcji 15 maja 2018 r. wyniosła 85,81 mln dolarów, dzięki temu Malewicz utrzymał się na drugim miejscu w rankingu artystów rosyjskiego kręgu artystycznego i po raz pierwszy wszedł do rankingu artystów światowych.

16. 84,69 miliona dolarów Claude Monet. Kwitnące lilie wodne. OK. 1914–1917

Jeśli zostaniesz poproszony o wymienienie najsłynniejszych artystów impresjonistów, prawdopodobnie jako jedno z pierwszych pojawi się nazwisko Claude Monet (1840–1926). To właśnie obraz Claude’a Moneta dał nazwę całemu ruchowi artystycznemu. W kwietniu 1874, po obejrzeniu obrazu Moneta „Impresja. Wschodzące słońce” (po francusku: „Impresja, soleil levant”), krytyk Louis Leroy z gazety Le Charivari napisał: „Tapety, nawet te, wyglądałyby pełniej niż to „Impresja!” Jego opinię podzielała większość ówczesnych krytyków – „Impresja” Moneta stała się negatywną potoczną nazwą dla całego tego niezrozumiałego stylu, w którym obrazy przypominały raczej niestaranne, niedokończone szkice niż ukończone dzieła.

Ale Monet i jego impresjonistyczni przyjaciele nie zwrócili uwagi na krytykę i nadal malowali swoje „impresyjne” obrazy, w których ulotny stan natury, powietrza, chmur na niebie i blasku słońca był ważniejszy niż przedstawienie wszystkich szczegółów . Rodzina Monetów (a artysta poślubił swoją modelkę Camille Doncieux, z czego rodzice Claude'a nie byli zadowoleni) przez wiele lat żyła w biedzie: często brakowało pieniędzy nie tylko na farbę, ale nawet na chleb. Ryzykując bezdomnością z powodu długów czynszowych, Monet musiał regularnie prosić o pożyczkę przyjaciół – pisarza Emile’a Zoli, Édouarda Maneta i innych. Bardzo pomocne było spotkanie z Marchandem Paulem Durand-Ruelem, dzięki któremu – według Moneta Jak pamiętam, on i wielu jego przyjaciół nie umierało wówczas z głodu.

Claude Monet zyskał uznanie dopiero po czterdziestce i żył długo, bo 86 lat, przeżywając obie swoje żony (Camille zmarła na gruźlicę, a 13 lat później artysta poślubił Alice Hosched) i najstarszego syna Jeana. Pod koniec życia Monet zaczął szybko tracić wzrok z powodu zaćmy, ale nadal malował pejzaże wokół swojego domu w Giverny - ogród, słynny obecnie staw z mostem i liliami wodnymi. W wieku 72 lat jego lewe oko widziało tylko 10% normy, a prawe oko było w stanie dostrzec tylko światło. W wieku 83 lat zdecydował się na operację, w wyniku której jego prawe oko zaczęło widzieć wszystko w niebiesko-fioletowej barwie. Nie mogąc widzieć świata w ten sposób, Monet nadal pracował z pamięcią. I to właśnie w ostatnich latach swojego życia praktycznie niewidomy Monet stworzył coś, co później nazwano Kaplicą Sykstyńską impresjonizmu – osiem ogromnych paneli „Lilie wodne”, obecnie przechowywanych w owalnej sali Muzeum Orangerie.

Wiele wody przeszło pod mostem od czasu pierwszych wystaw impresjonistów, na które publiczność przychodziła bardziej, żeby się napawać niż podziwiać. Dziś impresjonizm stał się jednym z najpopularniejszych stylów wśród ogółu społeczeństwa. Retrospektywę tego samego Moneta w paryskim Grand Palais w 2011 roku odwiedziło 920 tysięcy osób. Miłośnicy sztuki byli gotowi stać w kolejce przez trzy godziny na mrozie, aby obejrzeć dwieście obrazów Moneta. A przez ostatnie trzy dni wystawy muzeum było otwarte całą dobę, a przez jego sale przewinęło się 40 tysięcy zwiedzających. Nowsze przykłady obejmują wystawę prac z kolekcji Siergieja Szczekina w Fundacji Louis Vuitton, która stała się najczęściej odwiedzaną wystawą 2017 roku. Wystawę (którą ze względu na fenomenalną popularność trzeba było przedłużyć o dwa tygodnie) odwiedziło łącznie ponad 1,2 mln osób.

Jeśli mówimy o pieniądzach, które są miarą miłości do impresjonizmu wśród tych, których na to stać, to odpowiedź jest prosta: duża. W przypadku Claude’a Moneta rekord przez osiem lat wynosił 80,55 miliona dolarów, zapłacony w szczytowym okresie rynku sztuki, w czerwcu 2008 roku, za pracę z końca 1919 roku „Staw z liliami wodnymi”. W 2016 roku rekord ten został pobity poprzez sprzedaż płótna z podręcznikowej serii ze stogami siana w Giverny, uchwyconego o różnych porach dnia i różnych porach roku. Obraz „Stóg siana” (1890–1891) na aukcji 16 listopada 2016 r. został sprzedany za 81,45 mln dolarów łącznie z premią kupującego.

W maju 2018 roku przyszedł czas na kolejny rekord: na aukcji Christie's płótno „Lilie wodne w rozkwicie”, namalowane około 1914–1917 w Giverny, zostało sprzedane za 84,687 mln dolarów. Dzieło wystawione zostało z kolekcji zmarłego Davida Rockefeller – ten sam, który przeżył sześć lat, przeszedł siedem przeszczepów serca i zmarł w wieku 101 lat. Zgodnie z wolą Rockefellera, pieniądze ze sprzedaży kolekcji miały zostać przeznaczone na cele charytatywne. Według naocznych świadków ostateczną ofertę przyjął telefonicznie pracownik Christie’s, który współpracuje z klientami z Azji. Wygląda więc na to, że te „Lilie wodne” Moneta zawisną gdzieś w rezydencji lub prywatnym muzeum chińskiego miliardera.

17. 84,2 miliona dolarów Barnetta Newmana. Czarny ogień I. 1961

Płyta „Black Fire I” Barnetta Newmana była całkowitym zaskoczeniem na aukcji Christie’s 13 maja 2014 r. Nie chodzi tu o sam rekord, ale o kwotę, jaką udało się osiągnąć pretendentom w bitwie na zakłady. Poprzednie najdroższe dzieło tego abstrakcjonisty „Onement VI” kosztowało 43,8 mln dolarów (Sotheby’s, 14.05.2013; szacunkowo 30–40 mln dolarów), czyli ok. nowy rekord okazał się prawie dwukrotnie wyższy. Notabene szacunki dla „Czarnego Ognia” nie zostały ujawnione, więc nie wiemy dokładniej, o ile zostały przekroczone. Jedno jest pewne: abstrakcje Newmana na rynku sztuki osiągnęły ten sam poziom cenowy, co prace jego najbliższego współpracownika z grupy artystów zwanego „color polowym malowaniem” – Marka Rothko.

Newman należy do pierwszego pokolenia amerykańskich ekspresjonistów abstrakcyjnych, które stały u podstaw ogromnej liczby nowych ruchów. Artyści tacy jak Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still czy Jackson Pollock są korzeniami rozgałęzionego drzewa amerykańskiej sztuki powojennej i znaczą dla Amerykanów to samo, co dla nas Malewicz i Kandinsky. Pewnie dlatego kupują swoje dzieła za takie pieniądze. Nie będzie zaskoczeniem, jeśli za kilka lat w tym rankingu pojawią się odpowiednie wyniki dla Pollocka lub Stilla - wystarczy wystawić na aukcję ich arcydzieło na odpowiednim poziomie.

Barnett (Barney) Newman urodził się w 1905 roku w Nowym Jorku w rodzinie polskich Żydów, którzy wyemigrowali z Imperium Rosyjskie na początku XX wieku (gdyby zostali nieco dłużej, dziś w orbicie sztuki rosyjskiej mielibyśmy kolejnego artystę). Barney studiował malarstwo od osiemnastego roku życia (w Art Student League of New York pod okiem Duncana Smitha, Harry'ego Wicky'ego i Johna Sloana), ale w ciągu pierwszych czterdziestu lat życia zniszczył całą swoją twórczość, w tym prace z lat 30. XX wieku, kiedy to Newman dzielił studio z Adolfem Gottliebem. W latach trzydziestych Newman zaprzyjaźnił się z Marcusem Rothkovichem (później Markiem Rothko) i razem uczęszczali na zajęcia z malarstwa i poezji u modernisty Miltona Avery'ego. Na początku Barnett był bardziej zainteresowany sprawami społecznymi i działalność dziennikarska- zgłosił swoją kandydaturę na burmistrza Nowego Jorku, wraz ze swoim przyjacielem Aleksandrem Borodulinem ułożył manifest „O potrzebie inicjatyw politycznych ze strony ludzi sztuki”, a nawet opublikował pierwszy i jedyny numer pisma magazyn „Odpowiedź”, poświęcony prawom urzędników państwowych, takich jak nauczyciele, sprzątaczki czy strażacy.

W tym samym czasie Newman niejednokrotnie próbował zdać egzamin, aby uzyskać stałe pozwolenie na nauczanie malarstwa, ale wszystkie próby kończyły się niepowodzeniem. Wszystko to zaowocowało protestacyjną wystawą „Czy potrafimy rysować? Komisja Egzaminacyjna mówi – nie!” („Umiemy rysować? Komisja egzaminacyjna mówi nie!”), gdzie zebrano prace odrzucone przez komisję. Wystawa wywołała poruszenie w prasie, Newmanowi pozwolono ponownie przystąpić do egzaminu, ale znowu bez powodzenia. Ogólnie rzecz biorąc, relacje z przedstawicielami sztuki oficjalnej rozwijały się z różnym powodzeniem. W 1943 roku Newman wraz z Rothko i Gottliebem skomponowali odpowiedź na krytykę „New York Timesa” dotyczącą wystawy amerykańskich modernistów. „Przekonania estetyczne” tej trójki sprowadzały się do tego, co następuje: „Nie ma dobre obrazy o niczym. Wierzymy, że temat odgrywa kluczową rolę i że tylko esencja jest potężna, jest tragiczna i wieczna.”

Kilka lat później, około 1947–1948, Newman, jak sam sądził, osiągnął dojrzałość twórczą. Artysta wypracował swój własny, rozpoznawalny styl - wielkoformatowe płaskie pola czystego koloru, oddzielone pionowymi cienkimi paskami (nazywał je „zamkami błyskawicznymi” - „błyskawicami”). Te „zamki” wyznaczają przestrzenną strukturę płótna, jednocześnie dzielą i spajają kompozycję. Jego zimne i surowe, ale we własnym emocjonalnym wydaniu dzieła wydają się zwodniczo proste. Bez względu na to, jak krytycy nazywali obrazy Newmana, nazywali je „wypowiedziami filozoficznymi bez”. umiejętności artystyczne”, i „czyste malarstwo bez tematu”. Sam Barnett Newman kładł nacisk na głęboką treść swoich dzieł. Nazywał je imionami postaci biblijnych lub na przykład fikcyjną koncepcją „Pojednania” (według historyków sztuki nazwa cyklu „Pojednanie” pochodziła od słowa „Zadośćuczynienie” - „odkupienie”) i chciał, aby oglądać wyłącznie z bliskiej odległości.

Najdroższe dzieło Newmana, Black Fire I, powstało w 1961 roku, w tym samym czasie, gdy powstawał jego słynny cykl „Drogi krzyżowe”, w którym po raz pierwszy pojawiła się ścisła paleta czerni i bieli. Jednak w odróżnieniu od wcześniejszych prac z Drogi Krzyżowej, w Czarnym Ogniu czarne pole zdaje się wdzierać się na terytorium pola białego, dominuje. Właśnie w tym czasie niespodziewanie zmarł młodszy brat Newmana, George. Malarstwo pomagało artyście uporać się z goryczą straty, emocje wyrażał w języku abstrakcji.

18. 82,5 miliona dolarów Vincent van Gogh. Portret doktora Gacheta. 1890

Przez bardzo długi czas – od 1990 do 2004 roku – palma w rankingu autorów najdroższych dzieł sztuki sporządzonym na podstawie wyników sprzedaży aukcyjnej należała do postimpresjonisty Vincenta van Gogha (1853–1890). „Portret doktora Gacheta” (Portrait du Docteur Gachet), namalowany przez artystę na krótko przed śmiercią, został nabyty przez japońskiego milionera Reei Saito w Aukcja Sotheby’ego w maju 1990 roku za 82,5 miliona dolarów.

Historia samego obrazu okazała się przypominać kryminał. W 1896 roku portret został sprzedany przez żonę brata artysty, Theo van Gogha, słynnemu handlarzowi dziełami sztuki, po czym przez długi czas przechodził z rąk do rąk. Kolejne istotne przesłanie na ten temat datuje się na koniec lat 30. XX w., kiedy obraz znalazł się w Muzeum we Frankfurcie, jednak już w 1938 r., po wystawie „Sztuka zdegenerowana” w Monachium, naziści „przejęli” obraz, ale wkrótce go odsprzedali do kolekcji Kramarskich. Następnie obraz trafił do USA, gdzie jego nowi właściciele wyemigrowali z Holandii przed nazistami. Po śmierci spadkobiercy postanowili sprzedać portret i w 1990 roku wystawić go na aukcji w Nowym Jorku. Za powyższą kwotę obraz nabył japoński milioner, potentat Reei Saito, który według plotek zapisał na pochówek z arcydziełem. Po śmierci Saito w 1996 roku dokładna lokalizacja „Portretu doktora Gacheta” przez długi czas była nieznana, co wywołało wiele spekulacji.

Faktem jest, że Saito w przypływie złości spowodowanej tym, że w Japonii musi płacić bardzo wysokie podatki (ok. 24 mln dolarów rocznie), powiedział, że obrazy pójdą wraz z nim do grobu. Spadkobiercy milionera nie chcieli rozmawiać na temat losów arcydzieła, potwierdzając tym samym rozczarowujące przypuszczenia. Pewne światło na losy obrazu rzucił jednak jeden z liderów tokijskiego domu aukcyjnego, Kionori Yamamoto, który powiedział, że obraz został sprzedany w Stanach Zjednoczonych za „rozsądną cenę” – od 87 do 130 milionów dolarów. Nazwiska nowego właściciela nie ujawniono. Nieco później pojawiła się informacja, że ​​obraz przez cały ten czas przebywał w sejfie japońskiego banku, pożyczkodawcy Saito, jednak bank celowo milczał, aby jego nazwa nie była kojarzona z niepowodzeniami pożyczkobiorcy. Tak czy inaczej, jak dotąd we wszystkich poważnych publikacjach o Van Goghu, w tym w katalogach, „Portretowi doktora Gacheta” towarzyszy adnotacja „Miejsce pobytu nieznane”.

Z jednej strony historia obrazu owiana jest wieloma tajemnicami, w tym szalonymi: założyć, że osoba o zdrowych zmysłach jako Ostatnia wola może wykazywać chęć zabrania ze sobą obrazu Van Gogha do grobu, jest to prawie niemożliwe. Jednocześnie jest bardzo w duchu samego artysty. A dokładniej nasz pomysł na to. W końcu częścią legendy o Van Goghu jest jego szaleństwo, które pozwoliło mu zajrzeć w głębiny niedostępne dla zwykłych śmiertelników. Właściwie dlatego tak dużym zainteresowaniem cieszy się „Portret doktora Gacheta”, lekarza prowadzącego klinikę dla psychicznie chorych. Jednak w odniesieniu do tego lekarza sam Van Gogh wypowiedział tajemnicze zdanie: „Przede wszystkim jest znacznie mniej zdrowy niż ja, a przynajmniej tak samo chory”.

Z drugiej strony zatajenie prawdziwego miejsca położenia arcydzieła może mieć całkowicie prozaiczne wyjaśnienie. Jeśli portret rzeczywiście istnieje, niewykluczone, że jego obecny właściciel, kimkolwiek jest, obawia się powtórzenia historii restytucji z obrazami Klimta. W 1937 r. „Portret doktora Gacheta” został skonfiskowany przez popleczników Góringa w Instytucie Stadel we Frankfurcie. Jeśli więc pojawi się teraz, na tle precedensów z obrazami Klimta i Malewicza, prawowity właściciel raczej nie zrzeknie się swoich praw.

101 lat przed bezprecedensową sprzedażą Portretu doktora Gacheta Vincent proroczo napisał do swojego brata Theo: „Praktyka w handlu dziełami sztuki, polegająca na podnoszeniu cen po śmierci artysty, trwa do dziś… Najwyższe ceny zgłaszane i opłacane prace zmarłych już artystów nie wzrosłyby tak wysoko za ich życia – to trochę tak, jak z handlem tulipanami, gdzie żywy artysta ma więcej minusów niż plusów”.

19. 80,75 miliona dolarów Henri Matisse. Leżący odalisk z magnoliami. 1923

Henri Matisse (1869–1954), założyciel takiego ruchu artystycznego jak „Fowizm” (od francuskiego fauve - dziki), został zepchnięty do sztuki, co dziwne, przez zapalenie wyrostka robaczkowego. W wieku 19 lat młody urzędnik prawny, obiecujący absolwent paryskiej Szkoły Prawa, Henri Emile Benoita Matisse’a Miałem atak zapalenia wyrostka robaczkowego. Po operacji musiał spędzić dwa miesiące w szpitalnym łóżku, a matka młodego mężczyzny, chcąc zabawiać wracającego do zdrowia syna, kupiła mu przybory do rysowania. W końcu Henri tak bardzo zainteresował się przerysowywaniem kolorowych pocztówek, że pomimo protestów ojca, odnoszącego sukcesy handlarza zbożem, porzucił prawo i poszedł na studia, aby zostać artystą.

Po 15 latach poszukiwań twórczych, po przejściu pasji do impresjonizmu i pointylizmu, Matisse wraz ze swoimi przyjaciółmi Andre Derainem, Maurice'em de Vlaminckiem i innymi wybrali dla siebie główny wyraziste środki czysty kolor. Formy w ich obrazach zostały uproszczone i spłaszczone, modelowanie światła i cienia ustąpiło miejsca kontrastowemu zderzeniu bloków lokalnych barw. Modelkę można było przedstawić z zielonym nosem, gdyby był bardziej wyrazisty. „Nie maluję kobiet; Maluję obrazy” – oświadczył Matisse. Krytyk Louis Vaucelle, obejrzawszy obrazy tej grupy artystów na Salonie Jesiennym w 1905 roku, nazwał ich „dzikusami” (franc. les fauves). Nazwa „Fauves” utkwiła w ruchu, choć sami członkowie grupy nigdy jej nie rozpoznali.

Grupa fowistów rozpadła się kilka lat później, a Matisse kontynuował swoją działalność kreatywny sposób, który obejmował przelotne odwołanie do kubizmu (pod wpływem twórczości jego przyjaciela Picassa), fascynację zdobnictwem i w ogóle Wschodem (po podróżach do Algierii i Maroka), a także próby litografii i rzeźby oraz doświadczenie w malarstwie monumentalnym (ile warte są panele? „Taniec” i „Muzyka”, napisane dla rezydencji Siergieja Szczukina w 1909 r.) itp., itp. Wielostronny talent Matisse był doceniany już za życia, jego wystawy odbywały się na całym świecie, a jego prace dobrze się sprzedawały. Dziś Henri Matisse to jeden z najdroższych artystów. Tyle że prawie wszystkie jego najlepsze dzieła znajdują się już w muzeach.

I tak 8 maja 2018 roku na wieczorną aukcję Christie’s wystawiono „Leżącą Odaliskę z Magnoliami” („Odalisque couchée aux magnolias”) z 1923 roku. Dzieło to należy do słynnego cyklu obrazów ze zmysłowymi odaliskami, stworzonych przez Matisse'a pod wpływem relaksującej atmosfery południa Francji, dokąd artysta przeprowadził się w 1916 roku. „Leżąca Odaliska z magnoliami” została zakupiona na Salonie Jesiennym przez dealerów Matisse Josseta i Gastona Bernheim-Jeune w roku, w którym została namalowana. W 1956 roku dzieło zakupił chicagowski magnat stalowy i kolekcjoner Leigh B. Block, a zaledwie kilka lat później Matisse’a odkupił od Block David Rockefeller. Od tego czasu obraz, niczym dobre wino, „starzeje się” w jednej kolekcji, zyskując aurę na wpół zapomnianego arcydzieła, pożądanego przez rynek sztuki.

Zatem, jak można było się spodziewać, „Leżąca Odaliska z magnoliami” ustanowiła nowy rekord cenowy dzieł artysty. Christie's promowało go jako jedno z najwspanialszych dzieł Matisse’a, jakie kiedykolwiek trafiły na aukcję. Krążyły pogłoski, że wartość obrazu wyceniono na około 70 milionów dolarów. Główna walka o los toczyła się pomiędzy szefem działu sztuki powojennej i współczesnej Christie’s, Loïcem Guzierem, a szefem azjatyckiego oddziału Christie’s, Xin Li. Ostateczną ofertę złożył Xin Li (co oznacza, że ​​nabywcą był najprawdopodobniej kolekcjoner z Azji) – 71,5 mln dolarów, a po uwzględnieniu prowizji rekordowa kwota 80,75 mln dolarów. Poprzedni rekord został przekroczony o ponad 30 mln dolarów: należał do płaskorzeźba „Akt z tyłu IV” z 1930 r., sprzedana w 2010 r. za 48,8 mln dolarów z prowizją.

20. 78,1 miliona dolarów Auguste Renoir. Moulin de la Galette. 1876

W ostatnich latach mniej więcej określił się krąg miłośników sztuki, którzy dokonują otwartych transakcji po bajecznych cenach, a każde podejście, a zwłaszcza przelot aukcyjnego poziomu 100 milionów dolarów, zaprasza analityków i dziennikarzy do wybrania, kto z niezbyt dużego lista może wywołać kolejną sensację.

W 1990 roku nie było wyboru, ale była tylko jedna osoba – ten sam milioner Reei Saito. Dzień (!) po zakupie „Portretu doktora Gacheta” Van Gogha za 82,5 miliona dolarów, 17 maja 1990 roku, już w Sotheby’s, ekscentryczny Japończyk kupił obraz Auguste’a Renoira (1841–1919) „Moulin de la Galette” za 78,1 mln dolarów.Tak znaczne sumy, jakie jedna osoba zapłaciła za obrazy, stały się wówczas prawdziwą sensacją w świecie antyków (kogo by to dzisiaj zdziwiło!) i umocniły pozycję impresjonistów i postimpresjonistów jako „blue chipów”. rynku sztuki.

W katalogu aukcyjnym i notatkach prasowych poprzedzających aukcję Sotheby's określił obraz „Moulin de la Galette” (Moulin de la Galette, 1876) jako „najwyższej jakości dzieło Renoira, które pojawiło się na rynku po raz pierwszy”. zareagował, a obraz trafił na aukcję za ogromną sumę.

Warto też zauważyć, że choć obraz ten należy do kategorii podręczników twórczości Renoira, to po śmierci artysty został pokazany publiczności tylko raz, na wystawie w Metropolitan Museum of Art w 1937 roku. Tymczasem obraz powstał w okresie, gdy po skandalicznej wystawie impresjonistów w 1874 roku w pracowni Nadara Renoirowi przyszedł sukces i uznanie, a jego styl wreszcie się ukształtował. Sprzedane na aukcji w 1990 roku dzieło jest autorską repliką słynnego „Moulin de la Galette” z tego samego roku, przechowywanego w Muzeum Orsay w Paryżu. Radosny i radosny nastrój płótna przeniknął światło słoneczne, miłość i beztroska zabawa stały się wizytówką artysty.

Oprócz oczywiście wysokiej jakości obrazu, a także znanego nazwiska autora, tym, co nadaje temu obrazowi Renoira szczególną wartość (nawet pieniężną - ogólnokulturową) jest to, że można go uznać za rodzaj manifestu impresjonizmu - wraz ze słynnymi obrazami „Impresja. Wschód słońca Claude'a Moneta i Obiad na trawie Edouarda Maneta. Jest tu wszystko, za co ceni się impresjonistów: temat wzięty z życia (Renoir znalazł temat obrazu w pobliżu swojego domu, na Montmartre, na Cortot Street, w restauracji Moulin de la Galette) i plener (do malowania scenę z życia, a nie z warsztatu, artysta musiał wynieść duże płótno do ogrodu, gdzie światło, igrając, przechodziło przez liście akacji, posypując ziemię i ubrania tancerzy błękitem i różowe refleksy). Ponadto artysta nie tylko wiernie i obrazowo oddał atmosferę sali tanecznej Montmartre z lat 70. XIX wieku, gdzie w weekendy gromadzili się do tańca sprzedawcy sklepowi, szwaczki, młodzi artyści, pisarze i aktorki, ale także przedstawił na obrazie swoich przyjaciół, prominentnych przedstawiciele ówczesnej bohemy paryskiej – hiszpański artysta Don Pedro Vidal de Solares, malarze Henri Gervais i Frederic Corday, a także dziennikarz Paul Lot. Ogólnie rzecz biorąc, gdyby pewien kolekcjoner postanowił reprezentować w swojej kolekcji wszystkie główne nurty malarstwa, wówczas „Moulin de la Galette” Renoira słusznie stałby się idealnym odzwierciedleniem istoty impresjonizmu.

Zakup tego obrazu za 78,1 mln dolarów okazał się wówczas przedsięwzięciem bardzo nieudanym. Wkrótce wybuchł kryzys, a ceny dzieł impresjonistów spadły o prawie dwadzieścia procent. Boom powrócił dopiero po kilku latach. Nie wiadomo do końca, co stało się z obrazem po śmierci japońskiego kolekcjonera, brak danych o aukcjach otwartych, ale według niepotwierdzonych plotek obraz z kolekcji Saito został sprzedany w 1998 roku za 50 milionów nabywcy, którego nazwa nie została ujawniona. Danych aukcyjnych nie można jednak bezpośrednio porównywać z kwotami niezareklamowanych transakcji prywatnych.

21. 76,7 miliona dolarów Peter Paul Rubens. Masakra niewinnych. OK. 1609–1611

Wśród liderów sprzedaży aukcyjnej, reprezentowanych wyłącznie przez impresjonistów, postimpresjonistów i modernistów, nieoczekiwanie pojawił się jeden z głównych „starych mistrzów” - słynny Fleming Peter Paul Rubens (1577–1640). W lipcu 2002 roku jego obraz „Masakra niewinnych” został sprzedany w Sotheby’s za 76,7 miliona dolarów.

To bardzo niezwykłe, że to płótno złożonej fabuły ewangelii osiągnęło wysoką cenę - wydawałoby się, że na przykład „Bachanalia” z bujnymi pięknościami powinny być bardziej popularne. Ale nie. Jednym z najbardziej okrutnych wątków Nowego Testamentu jest egzekucja przez żołnierzy potwornego rozkazu króla Heroda.

Prawdopodobnie dlatego organizatorzy aukcji ostrożnie oszacowali wartość obrazu na 6 milionów funtów. Na aukcji doszło jednak do poważnej sprzeczki pomiędzy czterema kupującymi. Ostatecznie obraz został zakupiony przez londyńskiego handlarza rękopisami, który działał w imieniu anonimowego nabywcy. Jak się później okazało, prawdziwym nabywcą był kanadyjski kolekcjoner David Thomson, syn magnata prasowego Lorda Thomsona, byłego właściciela londyńskiego Timesa.

Być może przyczyną tak silnego poruszenia był muzealny poziom płótna – nie bez powodu walczyli o nie na aukcjach przedstawiciele szeregu muzeów, m.in. Getty Museum w Los Angeles. Pewną rolę odegrało także nieoczekiwane odkrycie eksperta domu aukcyjnego od malarstwa flamandzkiego, George’a Gordona. Faktem jest, że do niedawna obraz przypisywano jednemu z uczniów Rubensa, jednak George Gordon, po przestudiowaniu podobieństw między „Rzeżą niewinnych” a słynnym obrazem Rubensa „Samson i Dalila” ze zbiorów London National Gallery, sugerował, że autorstwo nie należy do ucznia, ale do nauczyciela. Choć czołowi znawcy i badacze malarstwa Rubensa potwierdzili wnioski brytyjskiego eksperta, przedstawiciele domu aukcyjnego najwyraźniej do niedawna nie byli pewni, czy otrzymali autentyczne arcydzieło mistrza, które mogłoby bez przesady ozdobić każdą muzealną kolekcję .

22. 71 milionów dolarów Constantin Brancusi. Znakomita dziewczyna (portret Nancy Cunard). Koncepcja 1928. Odlew 1932

Biedny chłopski syn, który przybył pieszo z Rumunii do Paryża, gdzie miał zostać pionierem współczesnej rzeźby awangardowej – tak w skrócie można sobie wyobrazić jednego z największych rzeźbiarzy XX wieku, Constantina Brancusiego ( w Paryżu zaczęto go nazywać Brancusi po francusku). Constantin Brancusi (1876–1957), który przybył do Paryża w 1904 roku i spędził w tym mieście większość swojego życia, nigdy nie wstydził się swojego prostego pochodzenia, a wręcz przeciwnie, był z niego dumny i na każdym kroku wspierał legendę o sobie. możliwy sposób: nawet na oficjalne przyjęcia nosił tradycyjne rumuńskie stroje chłopskie, a swój warsztat na obrzeżach Montparnasse zamienił w pozory rumuńskiego domu z ręcznie rzeźbionymi meblami i kominkiem, w którym smażył mięso na rzeźbionej żelaznej iglicy.

Talent rzeźbiarza obudził się w Konstantynie, gdy pracował jako posłaniec w rumuńskim mieście Craiova. W wolnym czasie Brancusi zaczął rzeźbić figury z drewna i pewnego dnia, jak głosi legenda, zrobił skrzypce ze złomu, co zrobiło na miejscowym przemysłowcu takie wrażenie, że wysłał go na studia do Szkoły Artystycznej Craiova. Następnie utalentowany chłop studiował w Szkole Sztuk Pięknych w Bukareszcie, a w Paryżu przez bardzo krótki czas pracował w warsztacie Rodina, skąd wyszedł ze słowami „W cieniu wielkich drzew nic nie będzie rosło”. Ale nawet to krótkie doświadczenie pracy z Rodinem z pewnością wpłynęło na rozwój Brancusiego jako rzeźbiarza – jedno z jego pierwszych znaczących dzieł zostało nazwane, przez analogię z arcydziełem Rodina, „Pocałunkiem” (1907–1908). Tyle że to był zupełnie inny „Pocałunek”: Brâncuşi odszedł od realizmu w stronę uproszczonych, zgeometryzowanych form; figury kochanków wykute z jednego kawałka kamienia, niemal kwadratowe, ze schematycznymi rysunkami włosów, oczu, ust.

Wiele osób rozpoczyna historię współczesnej rzeźby abstrakcyjnej od „Pocałunku” Brancusiego. Choć sam autor nigdy nie uważał swoich dzieł za abstrakcyjne. Doprowadzanie do perfekcji swoich ulubionych form z kamienia, marmuru, brązu, drewna (Brâncuşi powracał wielokrotnie do swoich cykli „Pocałunek”, „Głowa muzy”, „Ptak w kosmosie”, „Kolumna bez końca” itp.) rzeźbiarz nie chciał dosłownie pokazać wyglądu przedmiotu lub osoby, zwierzęcia, ale przekazać jego ideę, jego wewnętrzną esencję. Poprzez dopracowane formy Brâncuşi chciał wyrazić pewną fundamentalną, ukrytą naturę rzeczy. Prace rumuńskiego rzeźbiarza stanowią niezwykłe połączenie starożytnej, archaicznej sztuki, przesiąkniętej mitami i legendami, z awangardowymi pomysłami współczesnymi autorowi.

Najdroższą jak dotąd rzeźbą Constantina Brâncuşiego jest brązowa „Wykwintna dziewczyna (portret Nancy Cunard)” (powstała w 1928 r.; odlana w 1932 r.). Na wieczornej aukcji impresjonistów i modernistów 15 maja 2018 roku dzieło to zostało kupione za 71 milionów dolarów łącznie z prowizją. Nancy Cunard to pisarka, działaczka polityczna i jedna z ulubionych muz artystów, poetów i pisarzy lat 20. XX w., m.in. Tristana Tzaru, Ernesta Hemingwaya, Man Raya, Louisa Aragona, Jamesa Joyce’a itp. Nancy Cunard znała Constantina Brancusiego i odwiedzała jego warsztatach, ale nigdy specjalnie dla niego nie pozowała. Dowiedziała się, że Brancusi stworzył rzeźbę noszącą jej imię wiele lat później. Pierwsza wersja dzieła, zatytułowana „La jeune fille sophistiquée (Portret de Nancy Cunard)”, została wykonana w drewnie przez Brâncuși w latach 1925–1927. W 1928 roku zdecydował się wykonać portret Nancy Cunard w brązie. W 1932 roku sam Brancusi odlał go w formie gipsowej w jednym egzemplarzu i starannie wypolerował. W uogólnionych, na wpół abstrakcyjnych formach rzeźbiarz przedstawił głowę Nancy na cienkiej szyi z włosami zebranymi z tyłu głowy w kok o skomplikowanym kształcie. Być może kształt fryzury nawiązuje do stylu Cunard kręcenia pasm wokół twarzy. W jednej rzeźbie, łączącej proste linie i kobiece kształty, gładkie i jednocześnie połamane, poskręcane formy, Brâncuşi chciała przekazać sprzeczne piękno jednej z głównych muz „ryczących lat dwudziestych”. I rumuńskiemu geniuszowi z pewnością się to udało.

23. 70,5 miliona dolarów Cy Twombly. Bez tytułu (Nowy Jork). 1968

Amerykański artysta Cy Twombly (1928–2011) wszedł do naszego rankingu autorów najdroższych dzieł sztuki świata z rekordem za swoje dzieło z 1968 r. „Bez tytułu (Nowy Jork)”. Na wieczornej aukcji sztuki powojennej i współczesnej w Sotheby’s, która odbyła się 11 listopada 2015 r., obraz ten, będący częścią serii tzw. „desek” Twombly, został sprzedany za 70,53 mln dolarów (wliczając prowizję).

Cy Twombly jest rozpoznawalny na całym świecie, wielokrotnie brał udział w Biennale w Wenecji, stworzył malowidło sufitowe w jednej z sal Luwru. Jednocześnie pozostaje nadal jednym z najtrudniejszych do zrozumienia przedstawicieli amerykańskiego ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Jak napisał kurator Kirk Varnedou z okazji otwarcia retrospektywy Twombly w MoMA w 1994 roku: „Twombly, wywarł ogromny wpływ na wielu artystów, stał się prawdziwą kością niezgody dla krytyków. Jest niezwykle trudny do zrozumienia, i to nie tylko dla ogółu społeczeństwa: Twombly okazał się obcy nawet ojcom założycielom wysokiej klasy sztuki powojennej.” Co możemy powiedzieć o niespecjalistach, którzy w większości są zakłopotani: tak, moje dziecko potrafi lepiej rysować. Wspomniany artykuł Varnedou nosił tytuł: „Dlaczego twoje dziecko nie może tego zrobić: refleksje na temat pracy Cy Twombly”.

Eksperci Twombly piszą, że pełną głębię jego twórczości można urzeczywistnić jedynie poprzez osobistą znajomość z nimi, a po odtworzeniu zostaje ona całkowicie utracona. Wszystko składa się z ogromnej liczby drobnych szczegółów - zadrapań, otarć, kropli, fragmentów poezji włoskiej i klasycznej pisanych ołówkiem. W 1957 Twombly przeprowadził się na południe Włoch – stąd jego pasja do historii i poezji starożytnej i średniowiecznej Europy. Prace Twombly'ego zawierają także odniesienia do sztuka prymitywna, dzieła Da Vinci, gotowe rozwiązania Marcela Duchampa i dzieła włoskich futurystów, którzy pojmowali mitologię poprzez zasady abstrakcji.

Z dala od tętniącej życiem sceny artystycznej Nowego Jorku narodził się artysta wyjątkowy, który zyskał uznanie stosunkowo późno (w porównaniu chociażby do swoich przyjaciół Roberta Rauschenberga i Jaspera Johnsa). Twombly'ego to jednak mało obchodziło: przez całe życie unikał dziennikarzy i nie zwracał uwagi na krytyków sztuki, z których wielu kwestionowało wartość jego dzieł. W międzyczasie Twombly eksperymentował ze stylem malowania - próbował np. malować w ciemności, aby rysunek był mniej oczywisty i wyraźny.

Co jest takiego specjalnego w tym samym dziele „Bez tytułu (Nowy Jork)”, którego wartość przekracza 70 milionów dolarów? Kiedy po raz pierwszy spojrzysz na tę i podobne rzeczy Twombly, często przychodzi ci na myśl porównanie z obrazem kredowym. rada szkoły. Prace z tej serii nazywane są „deskami”. Jednak ta „tablica” została napisana farbą i kredki woskowe na płótnie. Zdaniem historyków sztuki Twombly w swoich „deskach” starał się oddać na powierzchni obrazu poczucie czasu i ruchu. Te szybko rysowane białe linie można uznać za naturalne zjawisko naturalne, a nie stworzenie rąk ludzkich. Artysta zauważył, że najważniejsze jest dla niego „przeżycie” każdej linii, każdego pociągnięcia. „W obrazie ważny jest nie obraz czy ilustracja, ale bezpośrednie poczucie jego powstania i wyrażone w nim ucieleśnienie” – powiedział Twombly i dodał: „Kiedy kończę kolejny obraz, zwykle spędzam kilka dni w łóżku, żeby wyzdrowieć”. Takie było zaangażowanie artysty w proces tworzenia dzieła. A „deski” Cy Twombly’ego także wyrażały amerykański komponent jego natury. Choć pierwsza „tablica” została namalowana w Rzymie, Twombly następnie wrócił na kilka lat do Nowego Jorku – szare, niemal monochromatyczne „deski” bardziej pasowały do ​​miasta drapaczy chmur niż do słonecznych Włoch. Cóż, może mieszkańcowi spoza Nowego Jorku naprawdę trudno jest zrozumieć, co jest w nich takiego wyjątkowego – w tych tajemniczych dziełach Cy Twombly bez tytułu?

24. 70,06 mln dolarów Fernand Léger. Kontrast kształtów. 1913

Na aukcji Christie's 13 listopada 2017 r. wystawiony po raz pierwszy na aukcji publicznej obraz „Kontrast form” Fernanda Légera (1881–1955) osiągnął rekordową kwotę 70 062 500 dolarów, wliczając prowizję domu aukcyjnego . Poprzedni rekord twórczości Légera – 39 241 000 dolarów – utrzymywał się od 2012 roku. Obraz „Kontrast form” został wystawiony na aukcji przez Fundację Anny Marii i Stephena Kellenów. Fundacja obiecała, że ​​dochód ze sprzedaży przekaże na cele charytatywne.

Obraz „Kontrast form” (1913), który ustanowił rekord aukcji, należy do dorobku artysty namalowanego na początku lat 1910-tych w Paryżu. Léger miał już wtedy za sobą młodzieńczą fascynację impresjonizmem, od 1909 malował w modnym stylu kubizmu, skłaniał się ku czystej abstrakcji, aktywnie wystawiał na Salonie Jesiennym i Salonie Niezależnych. Ale pierwsza wojna światowa, która wkrótce się rozpoczęła, wyrwała artystę na dwa lata z twórczej atmosfery Paryża i wrzuciła go do okopów w pobliżu Argonne i Verdun. Po zagazowaniu Léger został w 1917 roku zwolniony z wojska i powrócił do twórczości. Po doświadczeniu jednej z wojen ważne tematy Temat walki o pokój stał się tematem jego twórczości. Jednak jeszcze częściej obrazy Fernanda Légera zaczęły gloryfikować miejską, stworzoną przez człowieka rzeczywistość. Rozpoznawalny styl dzieł figuratywnych Légera ironicznie nazwano „tubizmem” – ze względu na dominację w kompozycji form rurowych.

Swoją drogą, nie dziwi fakt, że rekord aukcyjny francuskiego artysty Fernanda Légera został wystawiony na aukcji w Nowym Jorku. Léger, w przeciwieństwie do wielu swoich europejskich kolegów, kochał Amerykę i często ją odwiedzał, a od 1940 do 1945 roku mieszkał na stałe w Stanach. Szalone tempo życia w dużych amerykańskich miastach, pasja Amerykanów do innowacji technologicznych i miłość do życia wywarły ogromny wpływ na Légera. Artysta szczególnie ukochał Nowy Jork i nazwał to miasto „dziełem sztuki architektonicznej”. Amerykanie odwzajemnili się. Twórczość artysty za jego życia cieszyła się popularnością wśród amerykańskich potentatów, którzy często zlecali mu wykonanie dzieł monumentalnych. W szczególności Léger udekorował nowojorskie apartamenty Nelsona A. Rockefellera, a także stworzył ogromny mural „Divers” na Long Island.

25. 68,9 miliona dolarów Willem de Kooning. Kobieta jako krajobraz. 1954–1955

Willem de Kooning to jeden z głównych przedstawicieli ekspresjonizmu abstrakcyjnego, największy artysta i rzeźbiarz okresu powojennego. Urodzony w 1904 roku w Rotterdamie, w wieku 22 lat wyjechał do Ameryki. Przez wiele lat zajmował się dekorowaniem mieszkań, witryn sklepowych, stolarstwem itp., a czas wolny od pracy znajdował jedynie na malowanie. Jednak w ciągu tych lat De Kooning spotkał wielu przedstawicieli tętniącego życiem środowiska artystycznego Nowego Jorku. Komunikacja z Arshile Gorky wywarła ogromny wpływ na przyszłego wielkiego malarza abstrakcjonistę. Na przełomie lat 30. i 40. XX w. styl Willema de Kooninga (w 1937 r. dodał do nazwiska partykułę „de”) ukształtował się już, a eksperci zaczęli z entuzjazmem opowiadać o jego abstrakcjach. W 1950 roku De Kooning, Arshile Gorky i Jackson Pollock reprezentowali już MoMA na Biennale w Wenecji. Ale opinia publiczna wówczas nie rozumiała i nie akceptowała jego pracy.

W 1953 roku Willem de Kooning zaprezentował serię pięciu gigantycznych płócien przedstawiających kobiety namalowanych w impastowym, niemal abstrakcyjnym stylu. Na tych pięciu słynnych obrazach postać kobieca przekształca się w zamieszanie kolorów, zawarte jedynie w ramie obrazu. Z ostrych czarnych linii, złotych i srebrnych plamek formuje się głowa, szyja i tułów, pocięte na kawałki w wyraźnie kontrolowanym chaosie. Kobieta na płótnach de Kooninga zamienia się w swego rodzaju symbol, „totem”, któremu artysta „służy” przez niemal całą swoją twórczość.

Wielki sukces komercyjny odniósł Willem de Kooning (a właściwie jego twórczość) już za życia. W 1989 roku (a był to czas boomu artystycznego) dwumetrowa abstrakcja de Kooninga „Mikstura” została sprzedana w Sotheby's za 20,7 miliona dolarów, co było wówczas nie do pomyślenia dla współczesnego artysty. To prawda, że ​​​​autor dzieła prawie nie przejmował się tym. to: Postępująca choroba Alzheimera sprawiła, że ​​artysta nie tylko nie mógł pracować, ale nawet zarządzać swoim majątkiem, co zaowocowało wydaniem odpowiedniego wyroku sądu. A jednak osiem ostatnie lata Już za życia Willem de Kooning został oficjalnie uznany za autora najdroższego dzieła żyjącego artysty.

Ceny dzieł abstrakcjonisty nadal rosły po jego śmierci w 1997 roku. Co więcej, niektóre absolutnie fantastyczne transakcje dziełami Willema de Kooninga przeprowadzono prywatnie, a nie w drodze aukcji. Początkowo staramy się uwzględniać we wszystkich naszych rankingach wyniki wyłącznie z otwartych platform handlowych, gdyż uważamy je za bardziej realistyczne odzwierciedlenie sytuacji na rynku sztuki. Transakcje prywatne są bardziej podatne na wpływ czynników subiektywnych: kto co kupuje, jacy dealerzy przeprowadzają transakcję i na podstawie czego ustalana jest cena. Czasami milionerowi nie jest przykro przepłacać dwa lub trzy razy, aby dostać upragnioną rzecz. Na aukcji wycena z reguły jest bliższa rzeczywistości, jednak jeśli do pracy zgłosi się kilku chętnych chętnych, wówczas możemy spodziewać się znacznego przekroczenia kosztorysu. Jednak najlepszy jak dotąd wynik aukcyjny Willema de Kooninga nie ma porównania z jego sprzedażą prywatną.

Mówimy przede wszystkim o słynnej prywatnej sprzedaży obrazu „Kobieta III” z 1953 roku. Praca ze słynnej serii „Kobiety” Willema de Kooninga od lat 70. XX wieku znajduje się w zbiorach Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie. Jednak rewolucja islamska, która miała miejsce w kraju, uniemożliwiła dalsze istnienie tam tak świeckiej pracy. W rezultacie w 1994 roku „Kobieta III” została sprzedana i wywieziona poza Iran. Trafił do amerykańskiego kolekcjonera Davida Geffena, który z kolei w 2006 roku odsprzedał go w prywatnej transakcji Stevenowi Cohenowi za szalone wówczas 137,5 miliona dolarów.Przez krótki czas było to najdroższe dzieło sztuki na świecie. Nie Picasso, nie Klimt, ale amerykański ekspresjonista abstrakcyjny drugiej połowy XX wieku. Pod tym względem tylko Jackson Pollock może się równać z De Kooningiem, którego abstrakcje, czyli „kropelki”, kupowano w prywatnych transakcjach za te same pieniądze (kilka miesięcy później, w tym samym 2006 roku, sprzedano pracę Pollocka „Nr 5” w prywatnej transakcji za 140 mln dolarów).

W 2016 roku de Kooning i Pollock ponownie wystąpili razem. Znawcy rynku podali, że w lutym 2016 roku w ramach prywatnej transakcji miliarder Ken Griffin kupił „Mixture” Willema de Kooninga za 300 mln dolarów (ten sam, który został sprzedany za 20,7 mln dolarów w 1989 r.) oraz abstrakcję „Numer 17A” Jacksona Pollocka za 200 mln dolarów To jedna z największych transakcji artystycznych na świecie. Obecna cena Blendingu, wynosząca 300 milionów dolarów, stawia to dzieło de Kooninga na równi z dziełem Paula Gauguina Nafea Faa Ipoipo (Kiedy się ożenisz?) z 1892 r., które zostało sprzedane w prywatnej transakcji pod koniec 2014 r. za tę samą kwotę . Jeśli więc weźmiemy pod uwagę nie tylko wyniki aukcji, ale także informacje o transakcjach prywatnych, obrazy Willema de Kooninga należą do najdroższych dzieł sztuki na świecie.

Jednak ranking w naszym rankingu opiera się na wynikach aukcji i według tych wskaźników Willem de Kooning wciąż pozostaje daleko w tyle za liderami takimi jak Picasso czy Giacometti. Co więcej – aukcyjny powód wpisania go do czołówki światowych artystów pojawił się dopiero pod koniec 2016 roku. Abstrakcja „Untitled XXV” z 1977 r. została sprzedana 15 listopada 2016 r. na aukcji sztuki powojennej i współczesnej Christie's za 66,3 mln dolarów. Dwa lata później 13 listopada 2018 r. na aukcji sztuki amerykańskiej z kolekcji Barneya Ebswortha Willem de Obraz Kooninga „Kobieta” jako pejzaż” z lat 1954–1955 pobił poprzedni rekord. Młotowa cena tego dzieła, którego od 1997 roku posiada wybitny amerykański kolekcjoner sztuki Barney Ebsworth, wyniosła 68,9 mln dolarów, co stanowi aktualny rekord aukcyjny De Kooninga. Zobaczmy, co stanie się dalej.

26. 65,2 miliona dolarów ZHAO Wuji. Czerwiec - październik 1985. 1985

Abstrakcjonista Zhao Wuji (Zao Woi-Ki, 1921–2013) może być uważany za artystę zarówno przez Chińczyków, jak i Francuzów. Urodzony w Pekinie, technik tradycyjnego malarstwa chińskiego uczył się w Instytucie Sztuk Pięknych w Hangzhou (do którego Zhao Wuji wstąpił w wieku 14 lat), a następnie za radą swojego nauczyciela wyjechał z rodziną do Francji, do Paryża, gdzie osiadł na Montparnasse i wkrótce wszedł do kręgu modernistów, m.in. Pierre'a Soulagesa, Nicolasa de Staela, Alberto Giacomettiego i innych. W poszukiwaniu własnego stylu artysta przeszedł od sztuki chińskiej do wpływów zachodnich, a następnie ponownie przypomniał sobie o swoich korzeniach i zaczął w swoich abstrakcjach wykorzystywać tradycyjne techniki chińskiego malarstwa za pomocą pędzla i tuszu. Synteza ruchów wschodnich i zachodnich zaowocowała ostatecznie ogromnymi abstrakcyjnymi obrazami, którym od 1959 roku Zhao Wuji przestał nadawać nazwy. Daty powstania umieściłem po prostu w tytule, aby widz nie był ograniczony nieuniknionymi skojarzeniami z konkretnymi tytułami, ale mógł szukać sensu w samych dziełach.

Co ciekawe, sukcesy Zhao Wuji za jego życia przyszły nie tylko na Zachodzie, gdzie pasja do sztuki abstrakcyjnej ma długą historię, ale także w Azji, gdzie odbywały się jego wystawy i pojawiali się zamożni klienci. O jednym z nich napisał Zhao Wuji, architekt kompleksu budynków Raffles City w Singapurze ogromny tryptyk„Czerwiec-październik 1985” ma 10 metrów długości i 2,8 metra wysokości. Ten tryptyk zdobi hol głównego budynku Raffles City. 30 września 2018 roku na aukcji Sotheby’s w Hongkongu wystawiono tryptyk „Czerwiec – październik 1985” o wartości 45 mln dolarów, który został sprzedany za 65,2 dolarów z prowizją. To rekord chińskiego dzieła namalowanego techniką olejną na płótnie, a nie tradycyjnymi technikami.

27. 60,5 miliona dolarów Paul Cezanne. Draperia, dzbanek i miska na kompot. OK. 1893–1894

Obecność na liście Paula Cézanne’a (1839–1906) jest swego rodzaju hołdem złożonym odkryciom i poszukiwaniom artysty, który położył podwaliny pod kubizm i szereg innych ruchów XX wieku. Warto dodać, że klasyk i tak typowy dla malarstwa Cézanne’a „Draperia, dzbanek i miska na kompot” został zakupiony na aukcji za rekordową kwotę. Ta martwa natura jest częścią serii sześciu prac przedstawiających te same obiekty. Obraz został sprzedany w Sotheby's w 1999 roku za 60,5 miliona dolarów.

Praca ta ujawniła wszystkie najbardziej uderzające cechy maniery artysty: chęć zredukowania wszystkich obiektów do kształtów geometrycznych - cylindra, kuli i stożka, klarowność koloru, monumentalną formę. Jeśli impresjoniści próbowali uchwycić zmieniające się cechy natury, Cezanne stworzył „obrazy dla muzeów”, przekazujące niewzruszoną część natury. Udało mu się połączyć w jednym obrazie kilka punktów widzenia na przedmioty, łącząc techniki perspektywy bezpośredniej i odwróconej, co przygotowało przejście do kubizmu. Malował swoje martwe natury przez długi czas, uważnie przeglądając obrazy. Odkrycia Cezanne’a dały początek całej armii jego ideologicznych wyznawców, „cezannenistów”, którzy podzielali i rozwijali idee artysty. Jego wpływ na sztuka światowa przełomu wieków i, oczywiście, sztuka rosyjska (pamiętajcie „ Jack Diamentów") trudno przecenić.

Julia Maksimowa, AI
Władimir Bogdanow, AI
Maria Onuchina, AI
Anna Sawicka, AI

Czy zastanawiałeś się kiedyś, ile kosztuje najdroższy obraz świata? Jest wiele obrazów, których ceny przekraczają 1 milion dolarów, ale są też obrazy, które kosztują ponad 100 milionów dolarów. Trudno w pełni docenić te arcydzieła malarstwa światowego – prawie wszyscy autorzy najdroższych obrazów, jakie kiedykolwiek sprzedano, zmarli i nie będą już w stanie stworzyć czegoś takiego. Z tego powodu cena tych obrazów po prostu rośnie z czasem. Przedstawiamy zatem TOP 10 najdroższych obrazów na świecie.

10 ZDJĘĆ

1. Nr 5, 1948, Jackson Pollock – 140 000 000 dolarów.

Numer 5 z 1948 r. został sprzedany przez Davida Geffena Davidowi Martinezowi w 2006 r. za 140 milionów dolarów. Kawałek włókna szklanego o wymiarach 8 na 5 stóp ucieleśnia unikalną technikę malarską stosowaną przez Pollocka, jednego z największych artystów ekspresjonistycznych. To typowy obraz Pollocka, niezbyt przystępny w odbiorze, a będący podstawą ewolucji sztuki współczesnej. Pollock zasłynął z wyjątkowej techniki malarskiej, w której po ułożeniu płótna na podłodze nakładał farbę powodując jej kapanie z patyków, strzykawek i twardych pędzli.

2. Arcydzieło, Roy Lichtenstein – 165 000 000 dolarów.

Roy Lichtenstein to jeden z pionierów kultury pop-artu. Jego najsłynniejsze dzieło, Arcydzieło (1962), zawiera elementy klasycznego pop-artu i komiksu. Obraz był częścią pierwszej wystawy Lichtensteina w Ferus Gallery w Los Angeles, na którą składały się inne dzieła, takie jak „Utopiona dziewczyna” i „Portret Madame Cézanne”. Niektórzy krytycy uznali „Arcydzieło” za kolejny wyblakły, efektowny obraz, inni zaś uważają, że ma on głębsze znaczenie.

3. Leżąca nagość, Amedeo Modigliani – 170 400 000 dolarów.

Leżący akt, znany również jako Czerwony akt lub Rellining Nude, to obraz olejny z 1917 roku autorstwa włoskiego artysty Amedeo Modiglianiego. Obraz stanowi płynne połączenie klasycznego idealizmu i współczesnej zmysłowości. Obraz nagiej kobiety leżącej na sofie wydaje się realistyczny pod względem erotycznym, ale ma w sobie surrealistyczne, niemal wysublimowane piękno, które przyciąga widza. Na tym zdjęciu nie ma nic niegrzecznego i wulgarnego. Zamiast tego postrzegana jest jako zmysłowa, napalona kobieta w kwiecie wieku, która nie boi się dawać i żądać fizycznej przyjemności.

4. Les Femmes d’Alger, Picasso – 179 400 000 dolarów.

W 2015 roku Les Femmes d'Alger Version O sprzedała obraz za 179,4 miliona dolarów, ustanawiając rekord świata w kategorii najdroższego obrazu, jaki kiedykolwiek sprzedano na aukcji. Obraz ten jest zwieńczeniem serii 15 prac Picassa, Kobiety z Algieru. Ta praca doskonale pokazuje zamiłowanie Picassa do tworzenia dzieł nawiązujących do stylu vintage, zachowując jednocześnie całkowicie świeże podejście.

5. Nie. 6, Mark Rothko – 186 milionów dolarów.

Styl Rothko charakteryzuje się użyciem dużych płócien i poziomych pasów w jasnych kolorach. Rothko używa tutaj spartańskiej palety z najciemniejszymi odcieniami, symbolizującymi nękającą go depresję.

6. Nr 17A, 1948, Jackson Pollock – 200 000 000 dolarów.

Ekspresjonizm abstrakcyjny był sztuką popularną po II wojnie światowej, która kładła nacisk na podświadomość i spontaniczną twórczość. Do tej szkoły malarstwa należała twórczość Jacksona Pollocka – jego technika malowania kapiącego ma swoje korzenie w twórczości Andre Massona i Maxa Ernsta. Ta abstrakcyjna praca powstała gdzieś w 1948 roku i została opisana w artykule magazynu Life z 1947 roku.

7. Kiedy wyjdziesz za mąż? Paul Gauguin, 210 milionów dolarów.

W 1892 roku obraz Paula Gauguina stał się najdroższym obrazem świata. Jego obraz przedstawiający dwie dziewczyny z Tahiti pobił rekord świata w lutym 2015 roku, kiedy został kupiony przez Muzea Kataru od prywatnego szwajcarskiego kolekcjonera Rudolfa Stahelina za zdumiewającą kwotę 300 milionów dolarów.

8. Gracze w karty, Paul Cezanne, 250 milionów dolarów.

Gracze w karty zostali kupieni przez katarską rodzinę królewską od greckiego magnata żeglugowego George'a Embirikosa za olbrzymią kwotę 274 milionów dolarów.

9. Wymiana, Willem de Kooning, 300 000 000 dolarów. 10. Salvator Mundi, Leonardo da Vinci, 450 300 000 dolarów.

Salvator Mundi został rzekomo napisany przez Leonarda da Vinci (wielu krytyków uważa inaczej). Obraz przedstawia Jezusa Chrystusa ubranego w renesansowe szaty i udzielającego błogosławieństwa, trzymającego w lewej ręce kryształową kulę. Szklana kula w dłoni symbolizuje krystaliczne sfery nieba – Chrystus ukazany jest jako zbawiciel świata i władca kosmosu.

Niedawno dom aukcyjny Christie's sprzedał obraz za ponad 90 milionów dolarów. Nazywa się „Portret artysty (basen z dwiema figurami)” i stał się najdroższym dziełem żyjącego artysty sprzedanym na aukcji.

Mimo wszystkich rekordów znalazł się dopiero na pięćdziesiątym miejscu na liście najdroższych obrazów świata. Likeyou sporządził listę dwudziestu dzieł, które sprzedały się za najwięcej pieniędzy.

1. Salvator Mundi, 450,3 miliona dolarów

Z czego słynie?
Wokół dzieła Leonarda da Vinci istnieje wiele kontrowersji i tajemnic. Niektórzy uważają go za ostatni oryginalny obraz artysty w prywatnej kolekcji, inni uważają go za „remake”, z którym da Vinci nie ma nic wspólnego.

Kiedy i za ile został sprzedany?
W 2017 za 450 mln.

Ile by to dzisiaj kosztowało
Tak dużo.

2. „Wymiana” – 310 milionów dolarów

Z czego słynie?
Willem de Kooning rozpoczął pracę w stylu sztuki abstrakcyjnej w The Exchange. Uważa się, że obraz odzwierciedla brzydką rzeczywistość nowego świata.

W 2015 za 300 mln.

Ile by to dzisiaj kosztowało
310 milionów

3. „Gracze w karty” – 272 miliony dolarów

Z czego słynie?
Jest to jeden z pięciu obrazów z serii „Gracze w karty” Paula Cézanne’a.

Kiedy i za ile został sprzedany
W 2012 roku za 250 mln.

Ile by to dzisiaj kosztowało
272 miliony

4. „Kiedy się pobrać?”, 217 milionów dolarów

Nafea Faa Ipoipo (Kiedy wyjdziesz za mąż?), Paul Gauguin (1982) – sprzedany za 300 mln USD 😳
Obraz przedstawiający dwie dziewczyny z Tahiti jest najdroższym sprzedanym. Z niepotwierdzonych informacji wynika, że ​​obraz nabył, któryś z bogatych szejków z Kataru. pic.twitter.com/KJH0xLigH5

Z czego słynie?
Obraz Paula Gauguina przedstawia jego żonę. W czasie ich ślubu na Tahiti miała zaledwie trzynaście lat.

Kiedy i za ile został sprzedany
W 2015 roku za 210 mln.

Ile by to dzisiaj kosztowało
217 milionów

5. „Numer 17A” – 206 milionów dolarów

Corrijo, syn 300 milionów. El Pollock que veis al fondo, numer 17A (1948) sprzedał się a la misma persona por 200. pic.twitter.com/MKzl2QFDfr

Z czego słynie?
Obraz został namalowany przez Jacksona Pollocka bez szkiców. Niesamowite, prawda? Ponadto używał podłogi jako sztalugi i spryskał ją pędzlami oraz strzykawką.

Kiedy i za ile został sprzedany
W 2015 roku za 200 mln.

Ile by to dzisiaj kosztowało
206 milionów

6. Węże wodne II, 191,3 miliona dolarów

Z czego słynie?
Niewiele wiadomo o tym dziele Gustava Klimata w porównaniu z Pocałunkiem.

Kiedy i za ile został sprzedany
W 2013 za 183 mln.

Ile by to dzisiaj kosztowało
191 milionów

7. „Nr 6. (fioletowy, zielony i czerwony)” – 192 miliony dolarów

Z czego słynie?
Mark Rothko starał się przekazać czyste emocje za pomocą jasnych kolorów, jednak jego współcześni wciąż próbowali jego prace w swoich wnętrzach. Tak naprawdę powtórzenie jego dzieła nie jest tak proste, jak się wydaje.

Kiedy i za ile został sprzedany
W 2014 roku sprzedano je za 186 milionów.

Ile by to dzisiaj kosztowało
192 miliony

8. „Portrety Meren Solmans i Opoen Coppit” – 186 milionów dolarów

Z czego słynie?
Obrazy zostały zamówione małżonkowie do słynnego już artysty Rembrandta zaraz po ślubie. Rodzina nie przetrwała długo i w 1878 roku obraz został sprzedany do kolekcji prywatnej. Później obrazy kupiły Francja i Holandia, ale zawsze wystawiane są razem.

Kiedy i za ile został sprzedany
W 2015 roku po 90 milionów każdy.

Ile by to dzisiaj kosztowało
186 milionów

9. „Kobiety Algierii (wersja O)” 185,2 mln dolarów

Z czego słynie?
Jest to cykl aż piętnastu obrazów, który nosi nazwę „Wersja O”.

Kiedy i za ile został sprzedany
W 2015 za 179 mln.

Ile by to dzisiaj kosztowało
185,2 mln

10. „Leżąca nagość” – 175,9 miliona dolarów

Z czego słynie?
Amedeo Modigliani namalował wiele aktów, a Leżący akt nie będzie jedynym na tej liście.

Kiedy i za ile został sprzedany
W 2015 roku za 170 mln.

Ile by to dzisiaj kosztowało
176 milionów

11. „Nr 5, 1948”, 170 milionów dolarów

Z czego słynie?
Kolejna praca Jacksona Pollocka, uważana za jedną z najbardziej znane prace w stylu abstrakcyjnego ekspresjonizmu.

Kiedy i za ile został sprzedany
W 2005 roku za 140 mln.

Ile by to dzisiaj kosztowało
170 milionów

12. „Kobieta III” – 166,9 mln dolarów

Z czego słynie?
Obraz Willema de Kubinki należy do cyklu, w którym w centrum uwagi znajduje się kobieta.

Kiedy i za ile został sprzedany
W 2006 roku za 137,5 mln.

Ile by to dzisiaj kosztowało
166,9 mln

13. „Arcydzieło” – 165 milionów dolarów

Z czego słynie?
Pop-artowy obraz namalowany przez Roya Lichtensteina odzwierciedlał stan ówczesnego współczesnego społeczeństwa. Dziś problemy jego obrazów nie są jeszcze przestarzałe.

Kiedy i za ile został sprzedany
W 2017 za 165 mln.

Ile by to dzisiaj kosztowało
Tak dużo.

14. „Portret Adele Bloch-Bauer I”, 163,9 mln dolarów

Z czego słynie?
Obraz przez długi czas przechodził w spadku, ostatecznie jednak został zakupiony przez osobę prywatną.

Kiedy i za ile został sprzedany
W 2006 roku za 135 mln.

Ile by to dzisiaj kosztowało
163,9 mln

15. „Sen” – 162,8 miliona dolarów

Z czego słynie?
Pablo Picasso przedstawił swoją ukochaną na obrazie w ciągu zaledwie jednego dnia.

Kiedy i za ile został sprzedany
W 2013 za 155 mln.

Ile by to dzisiaj kosztowało
162,8 mln

16. „Leżąca nagość (lewa strona)” – 157,2 miliona dolarów

Namalowany niemal sto lat temu „Nu couché” to najwspanialsze dzieło z kultowego cyklu, w którym

Wpływowi ludzie mają tendencję do przekształcania estetyki w pieniądze. Jeśli myślisz, że najdroższe obrazy świata jesteś na wystawach, to jesteś w głębokim błędzie. Takie egzemplarze wystawiono na aukcję. Oczywiście nie wszyscy ludzie rozumieją taką sztukę. Niektórzy uważają to arcydzieło za kicz, inni są gotowi zapłacić za obraz wygórowane sumy pieniędzy. W każdym razie powinieneś zapoznać się z najbardziej arcydziełami obrazów.
Opowiemy Wam o obrazach, które okazały się najdroższe na świecie. W tym rankingu nie znajdziecie znanej „Mony Lisy” Leonarda da Vinci. Ponieważ to arcydzieło jest ubezpieczone na ogromną sumę pieniędzy. Mówiąc dokładniej – o 100 milionów dolarów. NA ten moment„Mona Lisa” właśnie z tego powodu została wpisana do Księgi Rekordów Guinnessa. Trzeba też wziąć pod uwagę, że jeśli przeliczyć na dzisiejszy kurs dolara, to kwota ta wynosi już 670 mln.

Tak więc na 10. miejscu w naszej ocenie znajduje się zdjęcie „Portret Adele Bloch-Bauer” za 87,9 mln dolarów. To kolejne arcydzieło Gustava Klimta. Oczywiście, jak każdy inny obraz, ma on swoją wyjątkową historię. Dlaczego właśnie ta kobieta została przedstawiona? Słynny magnat przemysłowy sponsorował wielu artystów, jednym z nich był Gustav. Adele Bloch Bauer była żoną potentata. Gustav chciał podziękować bogatemu człowiekowi za jego pomoc finansową.
Kim była ta kobieta? Nie ma tu nic specjalnego. Najsłynniejszym salonem kierowała pani pochodzenia żydowskiego, do której stale przychodzili zarówno artyści, jak i inne kreatywne osoby. Nawiasem mówiąc, jest to jedyna kobieta, którą artysta namalował dwukrotnie. Dla Waszej informacji, drugi obraz Adele również został kupiony na aukcji za 135 mol. dolarów. To arcydzieło zostało zakupione na aukcji w 2006 roku przez kolekcjonera, który chciał pozostać anonimowy. Jak obrazy trafiły na aukcję? Po śmierci Adele jej mąż przekazał portrety austriackiej galerii. Następnie obrazy zostały skradzione z galerii. W 2005 roku, po procesie, obrazy zwrócono potomkom pani. I dopiero wtedy trafiły na aukcję. „Portret Adele Bloch Bauer” sprzedany za 135 milionów dolarów. Wspominaliśmy już o tym arcydziele. Również obraz Gustava Klimta nazywa się „Austriacka Mona Lisa” i „Złota Adele”. Krążą pogłoski, że dziewczyna była kochanką artysty. Obraz kupił amerykański przedsiębiorca Ronald Lauder.

Abstrakcyjne spojrzenie na ludzi z Pabla Picassa
Obraz „Dora Maar z kotem” został sprzedany za 95,2 mln dolarów. Co ciekawe:

• obraz został namalowany w 1941 roku
• kota niełatwo tu dostrzec ze względu na kształty użyte w piśmie
• Kupił go rosyjski biznesmen Rustam Tariko.

Obraz wygląda bardzo dziwnie, niepowtarzalnie i majestatycznie. Najwyraźniej mówią prawdę. Pablo Picasso nie jest utalentowanym artystą, ale szalonym geniuszem. Jego związek z kobietą był bardzo romantyczny. Ale para miała bardzo niezwykłe myślenie i charaktery. Dlatego portret Dory jest bardzo zniekształcony. Nie ma tu wyraźnych linii i krawędzi, tak jak w jej wewnętrznym stanie duszy.

Andy Warhol jest jednym z najsłynniejszych artystów naszych czasów
Nawet jeśli jesteś osobą, która praktycznie nic nie rozumie ze sztuki, to prawdopodobnie znasz Andy'ego Warhola z jego obrazów Elvisa Presleya i Marilyn Monroe. Ulubione motywy Warhola to:

1. powtórzenie obrazu
2. groźba śmierci
3. Światowa sława.

Obraz . Obraz powstał w 1963 roku. Przez czterdzieści lat zajmował honorowe miejsce wśród innych dzieł kolekcjonera Annibale Berlinghieri. W 2008 roku zdecydował się wystawić go na aukcji. Obraz został sprzedany nieznanej osobie za 100 milionów dolarów.

Siódme miejsce i ponownie Pablo Picasso. Dzieło zostało napisane przez Picassa, gdy miał 24 lata. Historia milczy na temat tego, kim jest ten facet, dlaczego ma w dłoni fajkę, a na głowie koronę z róż.
Aukcja Sotheby's znalazła właściciela obrazu. Po raz kolejny okazało się, że jest to nieznana osoba, która nie oszczędziła na tę pracę 104 milionów dolarów. Co ciekawe, pierwotny koszt obrazu to 70 mln. Jak dzieło sztuki trafiło niedawno na aukcję? Pierwszym właścicielem był John Hay Whitney. On kupił „Chłopiec z fajką” za jedyne 30 tysięcy dolarów w 1950 roku.

Kolejne arcydzieło Pabla Picassa
Obraz namalowany został w 1932 roku. Jest uosobieniem duszy i ciała kochanki artysty Marii Teresy Walter. Pablo poznał swoją ukochaną w 1927 roku. Obraz został niedawno sprzedany. A dokładniej w 2010 roku na aukcji Christie's. Został zakupiony przez nieznanego kolekcjonera za 196 i pół miliona dolarów. I znowu obraz został pierwotnie zakupiony za jedyne 19 tysięcy dolarów. rodziny Brodych w 1951 r. Po śmierci męża wdowa po Sydney postanowiła sprzedać arcydzieło.

1. czerwono-krwawe niebo
2. krzycząca postać
3. pewne uogólnienia krajobrazu.

Petter Olsen, jego pierwszy właściciel, a zarazem norweski miliarder, wystawił arcydzieło na aukcję. sprzedany za 119 milionów 922 000 dolarów.

• obraz nie został namalowany, zastosowano tutaj pociągnięcia i pociągnięcia
• każdy element tego arcydzieła jest unikalnym symbolem
• arcydzieło zostało uznane za najlepsze spośród wszystkich obrazów artysty

Właścicielem obrazu był amerykański kolekcjoner David Geffen. Sprzedał go w 2006 roku milionerowi Stevenowi Cohenowi za imponującą kwotę 137 i pół miliona dolarów. Okaz ten można badać i studiować w nieskończoność, za każdym razem ucząc się czegoś nowego.

Na drugim miejscu w rankingu najdroższych obrazów świata znajduje się obraz tajemniczy, można nawet powiedzieć, że to cały Wszechświat lub wyobraźnia jednej osoby. Obraz namalował światowej sławy artysta abstrakcjonista Jacksona Pollocka. Nazywany jest także twórcą „malarstwa akcji”. Artysta zadziwił świat swoim myśleniem. Jest pewien, że najważniejszy jest nie wynik obrazu, ale on sam proces twórczy, doświadczenia w tym momencie i tak dalej. Za każdym razem, gdy coś go niepokoiło, chciał o czymś nakrzyczeć, wylewał swoją duszę rozpryskując i zalewając farbą. Główne kolory w arcydziele:

1. żółty
2. brązowy
3. szary

Nie należy próbować zrozumieć, o czym dokładnie myślał artysta, co go zastanawiało i czym się martwił. Ten obraz można interpretować w dowolny sposób, wystarczy użyć własnej wyobraźni. Zamknięta aukcja Sotheby's znalazła właściciela tego arcydzieła. Obraz kupił David Geffen, znany kolekcjoner najbardziej arcydzieł malarstwa. I koszt „Liczby 5”- dokładnie 140 milionów dolarów.
Zaskakujące, ale prawdziwe. Tutaj nie użyliśmy zwykłego płótna, ale arkusza płyty pilśniowej. Zastosowano tu żółto-brązowe plamy. A szary kolor był na samym początku. To arcydzieło wygląda bardziej jak duże gniazdo.

Najdroższy obraz świata

Oto końcowa część naszej oceny. Najbardziej znanym dziełem sztuki zakupionym przez rodzinę królewską Kataru jest. Autorem arcydzieła jest francuski artysta Paula Cézanne’a. Losowano je dokładnie przez 1 rok, począwszy od 1892 r., a kończąc na 1893 r. Rodzina królewska kupiła obraz 2 lata temu. To najdroższa cena za arcydzieło otwartej licytacji, wynosząca 250 milionów dolarów.

Prawdziwa sztuka jest po prostu bezcenna. Przyjrzeliśmy się arcydziełom, które zostały już sprzedane. Grzechem byłoby jednak nie zwrócić uwagi na obrazy, które zostały już docenione, ale nie znalazły jeszcze swojego właściciela. Przyjrzyjmy się niektórym z nich. Nie wiemy, być może któreś z tych arcydzieł zostanie dziś sprzedane na zamkniętej aukcji. I być może te obrazy szybko nie znajdą swoich właścicieli.

Vincent van Gogh
Wartość obrazu szacuje się na 85–130 milionów dolarów. Miejsce jej pobytu pozostaje w tej chwili nieznane. Portret namalowano w roku 1890. Po namalowaniu obraz w tajemniczych okolicznościach trafił do Stanów Zjednoczonych podczas II wojny światowej. Następnie przeniosła się do Amsterdamu do Siegfrieda Kramarskiego. I dopiero w 1990 roku obraz został wystawiony na aukcję w Christie's.
Co niesamowitego kryje się w portrecie?

1. to najnowsze dzieło genialny Wang Goga
2. napisany na 2 tygodnie przed śmiercią
3. głównym bohaterem nie jest prosta postać, ale prawdziwy psychiatra Paul Gachet, który leczył artystę.

Twarz wyraża melancholię, smutek i żal. Nie wiadomo, dlaczego artysta przed śmiercią spotkał się ze swoim lekarzem, któremu ufał, tak smutnym. Tutaj możemy się tylko domyślać.

Chciałbym także przypomnieć kilka słów o rosyjskich artystach. Przyjrzyjmy się arcydziełom, które nie znalazły się w rankingu najdroższych obrazów na świecie, ale stały się najcenniejsze w Rosji.

Marek Rothko

Obraz namalowany został w 1950 r. Został sprzedany za 72,8 mln dolarów. To arcydzieło jest słusznie uważane za 12. najdroższy obraz na świecie. Kontrowersje budzi także pytanie, czy Marka można nazwać rodzimą rosyjską duszą. Urodził się na Łotwie i opuścił Rosję w wieku 10 lat, kiedy jeszcze nie było słowa o tym, co narysuje. Dlatego nie będziemy wspominać o takich artystach.

Kazimierz Malewicz

Oczywiście tego artystę znają wszyscy, od małych dzieci po tych, którzy nie rozumieją nic o sztuce, dzięki „Czarnemu kwadratowi”. Niemniej jednak najdroższym dziełem Malewicza była „Kompozycja suprematystyczna”, napisana w 1915 roku. W 2008 roku obraz został sprzedany w Sotheby's za 60 milionów dolarów.

Jaką drogę zawędrowała kompozycja na aukcję Sotheby’s?

Kazimierz zdecydował się na zorganizowanie wystawy swoich prac już w 1927 roku. W tym celu sprowadził do Berlina około stu swoich dzieł. Ale zupełnie niespodziewanie wezwano go do domu. Obrazy pozostały w magazynie słynnego architekta Hugo Heringa.
W czasach nazistowskich bardzo trudno było zachować takie obrazy, ale architektowi się to udało. W rezultacie w 1958 roku obrazy zostały sprzedane holenderskiemu Muzeum Stendelek. Malewicz już w tym czasie umarł.
Na początku XXI wieku około 40 spadkobierców Malewicza wszczęło postępowanie sądowe. W końcu Hering nie jest właścicielem obrazów. Tylko 5 obrazów zostało pozytywnie ocenionych. Jedną z nich była „Kompozycja suprematystyczna”. I dopiero po tak długiej podróży obraz został sprzedany w Sotheby’s.

Wartość obrazów tkwi w estetyce i duchowym oświeceniu, a nie zawsze da się zdefiniować te kategorie w kategoriach pieniężnych. Ale w dzisiejszych czasach wszystko irracjonalne staje się dostępne, a ludzie z łatwością zamieniają estetykę na monety. Na cenę obrazu wpływają zarówno wybitne umiejętności artysty, jak i umiejętności sprzedawcy. Oprócz, najdroższy dzieła sztuki to obrazy, które zostały sprzedane, są sprzedawane i będą sprzedawane. Nie będziemy w stanie ocenić na przykład Mony Lisy, nigdy nie była tak sprzedawana, w związku z czym jest to bezcenny egzemplarz.
Jakie więc obrazy są ogłaszane?

Najdroższy obraz świata – 1. miejsce. „Numer 5” Jacksona Pollocka – 140 milionów dolarów.

„Numer 5” – Jackson Pollock 140 milionów dolarów

Pierwszy słynny obraz tzw "Numer 5" został stworzony w 1948 roku przez artystę Jacksona Pollocka. Tworzył swoje prace w stylu abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Stał się twórcą tzw. „malarstwa akcji”. Polegało to na mieszaniu kolorów na płótnie, wykorzystując spontaniczność artysty, co dało efekt abstrakcji. Jeśli chodzi o „Number 5”, to klasyka gatunku, która mieni się brązem i żółte kwiaty. Obraz można interpretować na różne sposoby, wszystko zależy od wyobraźni widza. To dzieło sztuki zostało sprzedane na aukcji Sotheby, która odbyła się za zamkniętymi drzwiami.

Oszacowano koszt obrazu na 140 milionów. Szczęśliwym posiadaczem obrazu był David Geffen, człowiek dobrze znany w kręgach kolekcjonerskich.

Drugie miejsce. „Kobieta III”, Ville de Cuny, 137,5 miliona dolarów.

„Kobieta III”, Ville de Cuny, 137,5 miliona dolarów

Kolejnym dziełem wymagającym naszej szczególnej uwagi jest dzieło sztuki pt „Kobieta III”, stworzony w 1953 roku przez artystę „Kobieta III”. Właścicielem obrazu był także znany kolekcjoner David Geffen, który z kolei w 2006 roku sprzedał to dzieło amerykańskiemu miliarderowi Steve’owi Cohenowi za 137,5 mln Dolary amerykańskie. Uważane jest za najlepsze dzieło artysty De Cuny, którego nie ma w muzeach.

Trzecie miejsce. „Złota Adela” Gustaw Klimt, $ 135 milionów.

To kolejny obraz sprzedany za bajeczne pieniądze „Portret Adele Bloch Bauer I”, stworzony jeszcze w 1907 roku przez artystę Gustava Klimta. Ten portret ma inną nazwę „Złota Adela” i jest arcydziełem secesji. Kobieta na portrecie była pięknością pochodzenia żydowskiego. Prowadziła salon, do którego często przychodzili artyści i inna bohema. Co więcej, stała się jedyną kobietą, której portret artysta namalował dwukrotnie. Po śmierci Adele jej mąż przekazał wszystkie portrety austriackiej galerii, a później naziści ukradli z galerii ten obraz. Dopiero w 2005 roku, po procesie, przeszło na potomków Adele. A w 2006 roku to dzieło sztuki zostało sprzedane 135 milionów. dolarów dla Ronalda Laudera.

Czwarte miejsce. „Akt na tle popiersia i zielonych liści” Pablo Picasso, 107 milionów.

Kolejnym w naszym rankingu jest tzw „Akt na tle popiersia i zielonych liści”, namalowany w 1932 roku przez słynnego artystę, autora wielu światowych arcydzieł, Pablo Picasso. Została sprzedana 107 milionów. dolarów amerykańskich stosunkowo niedawno, w 2010 r. Nabywca jest nadal nieznany, ponieważ obraz kupił anonimowo w Christie’s. Na tym obrazie przedstawiona jest Marie-Thérèse Walter. Ta pani była kochanką artysty. Obraz utrzymany jest w odcieniach błękitu i różu, co sugeruje, że był ukoronowaniem twórczości Pabla Picassa. Poprzedni właściciele obrazu, Sidney F. Brody i jej mąż, kupili go w 1951 roku za 19 000 dolarów, jednak po śmierci męża zdecydowano się na odsprzedaż „Aktu z popiersiem i zielonymi liśćmi”.

Piąte miejsce. „Chłopiec z fajką” Pablo Picasso, $ 104 miliony

Inny obrazek Pablo Picasso „Chłopiec z fajką”, namalowany w 1905 r., został również sprzedany w 2004 r. za 104 miliony dolarów. Autor namalował ten obraz w różowym okresie swojej twórczości. Przedstawia młodego mężczyznę trzymającego fajkę w lewej ręce. Na głowie ma koronę z róż. Wstępny koszt tego obrazu oszacowano na 70 milionów dolarów, ale znaleźli się ludzie, którzy chcieli go kupić za duże pieniądze. Długoletnim właścicielem tego dzieła sztuki był John Hay Whitney, który nabył w 1950 roku za jedyne 30 tysięcy dolarów. Prawdziwy właściciel obrazu do dziś nie jest znany.

Szóste miejsce. "Tryptyk", Francis Bacon, 86 milionów dolarów.

Kolejny obraz został zakupiony w 2008 roku w Sotheby’s za 86 milionów dolarów. Ten "Tryptyk", napisane Franciszka Bacona w 1976 r. Roman Abramowicz stał się dumnym posiadaczem tego dzieła. Obraz przedstawia fabułę zaczerpniętą z mitologii starożytnej Grecji, która przedstawia prześladowanie Orestesa przez Furie. Ma ona charakter symboliczny i mówi o cierpieniu człowieka na Ziemi.

Siódme miejsce. „Portret doktora Gacheta”, Vincent van Gogh, 85–130 milionów dolarów.

„Portret doktora Gacheta”, namalowany pod koniec XIX wieku w 1890 roku. Autorem tego obrazu jest Vincent van Gogh. Portret ten trafił do Stanów Zjednoczonych podczas II wojny światowej. Obraz został następnie sprzedany Siegfriedowi Kramarskiemu w Amsetrdam. I skończyło się na aukcji Christie’s. Jest to ostatnie dzieło Van Gogha, które namalował na kilka tygodni przed śmiercią. Głównym bohaterem filmu jest psychiatra Paul Gachet, który był lekarzem samego Van Gogha. Twarz psychiatry wyraża smutek i smutek. Zastanawiano się nad tym przez 15 lat najdroższy obraz świata, jego koszt oszacowano na 85–130 mln dolarów amerykańskich. Wciąż jednak nie wiadomo, kto go posiada i gdzie się znajduje.

Tak więc widać, że najdroższe obrazy świata sprzedawane są za setki milionów dolarów. Ale do tej pory nie oszacowano wartości wielu obrazów, ponieważ prawdziwa sztuka jest bezcenna.