Biografia i obrazy Amedeo Modiglianiego. Amadeo Modiglianiego

Słynny malarz Amedeo Modigliani urodził się w 1884 roku w Livorno, na terenie ówczesnego Królestwa Włoch. Jego rodzice byli Żydami sefardyjskimi, w rodzinie było czworo dzieci. Amedeo lub Jedidia (tak brzmiało jego prawdziwe imię) był najmniejszy. Miał stać się jednym z najsłynniejszych artystów końca przedostatniego i początku ubiegłego stulecia, wybitnym przedstawicielem sztuki ekspresjonizmu.

W ciągu swojego bardzo krótkiego życia, a żył zaledwie 35 lat, artysta osiągnął wyżyny niedostępne dla wielu innych ludzi, którzy dożyli podeszłego wieku. Płonął bardzo jasno, pomimo choroby płuc, która go zjadła. W wieku 11 lat chłopiec zachorował na zapalenie opłucnej, a następnie na tyfus plamisty. To bardzo poważna choroba, po której wielu nie przeżyło. Ale Amedeo przeżył, choć kosztowało go to zdrowie. Fizyczna słabość nie przeszkodziła w rozwoju jego geniuszu, choć sprowadziła do grobu przystojnego młodzieńca.

Modigliani spędził swoje dzieciństwo i młodość w. W tym kraju samo środowisko i liczne zabytki pomagały w nauce starożytna sztuka. W kręgu zainteresowań przyszłego artysty znalazła się także sztuka renesansu, która pomogła mu w dalszym rozwoju iw dużym stopniu wpłynęła na postrzeganie rzeczywistości.

Czas kształtowania się Modiglianiego jako osoby i artysty dał światu wielu utalentowanych mistrzów. W tym okresie stosunek do sztuki przeszłości został zrewidowany i nowy prądy artystyczne i kierunki. Przenosząc się do 1906 roku, przyszły mistrz znalazł się w samym środku kipiących wydarzeń.

Podobnie jak mistrzowie renesansu, Modiglianiego interesowali przede wszystkim ludzie, a nie przedmioty. W jego dorobku twórczym zachowało się tylko kilka pejzaży, podczas gdy inne gatunki malarstwa w ogóle go nie interesowały. Ponadto do 1914 roku poświęcił się niemal wyłącznie rzeźbie. W Paryżu Modigliani poznał i zaprzyjaźnił się z licznymi przedstawicielami Czech, m.in. z Maurice'em Utrillo i Ludwigiem Meidnerem.

W jego twórczości okresowo widoczne są nawiązania do sztuki okresu renesansu, a także niewątpliwy wpływ tradycje afrykańskie w sztuce. Modigliani zawsze trzymał się z daleka od wszelkich rozpoznawalnych trendów w modzie, jego twórczość jest prawdziwym fenomenem w historii sztuki. Niestety zachowało się bardzo niewiele dokumentów i opowieści o życiu artysty, którym można w 100% zaufać. Za życia mistrz go nie rozumiał i w ogóle go nie doceniał, obrazy nie były sprzedawane. Ale po jego śmierci w 1920 roku na zapalenie opon mózgowych, wywołane gruźlicą, świat zrozumiał, że stracił geniusza. Gdyby mógł to zobaczyć, doceniłby ironię losu. Obrazy, które za życia nie przyniosły mu nawet kromki chleba, na początku XXI wieku trafiły pod młotek za bajeczne sumy, sięgające dziesiątek milionów dolarów. Zaprawdę, aby stać się wielkim, trzeba umrzeć w biedzie i zapomnieniu.

Rzeźby Modiglianiego mają wiele wspólnego z rzeźbami afrykańskimi, ale bynajmniej nie są zwykłymi kopiami. Jest to ponowne przemyślenie nałożonego specjalnego stylu etnicznego współczesne realia. Twarze jego posągów są proste i niezwykle stylizowane, a jednocześnie w najbardziej niesamowity sposób zachowują swoją indywidualność.

Malownicze dzieła Modiglianiego są zwykle przypisywane ekspresjonizmowi, ale nic w jego twórczości nie może być interpretowane jednoznacznie. Jako jeden z pierwszych wprowadził emocje do obrazów przedstawiających nagie kobiece ciała - akty. Mają w sobie zarówno erotyzm, jak i seksapil, ale nie abstrakcyjny, ale całkowicie prawdziwy, zwyczajny. Na płótnach Modiglianiego przedstawiane są nie idealne piękności, ale żywe kobiety o ciałach pozbawionych doskonałości, dlatego są atrakcyjne. To właśnie te obrazy zaczęto postrzegać jako zwieńczenie twórczości artysty, jego wyjątkowe osiągnięcie.

Biografia Modiglianiego

Amedeo Modigliani (Modigliani, Amedeo) (1884–1920), wybitny włoski malarz i rzeźbiarz . Urodzony 12 lipca 1884 w Livorno. Po studiach w szkole malarstwa w Livorno u G. Micheli, w 1902 roku Modigliani wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych we Florencji, a nieco później do Akademii w Wenecji.

Na początku 1906 przybył do Paryża, gdzie rozpoczął poszukiwania nowoczesnego języka artystycznego. Był pod wpływem P. Cezanne'a, Toulouse-Lautreca, P. Picassa, fowizmu i kubizmu, ale ostatecznie rozwinął własny styl, który charakteryzuje się bogatym i gęstym kolorem.

W listopadzie 1907 roku Modigliani poznał dr Paula Alexandra, który wynajął dla niego pracownię i został pierwszym kolekcjonerem jego prac. Artysta został członkiem grupy Niezależni iw 1908 i 1910 wystawiał swoje prace w ich salonie.

Znajomość rzeźbiarza Constantina Brancusiego w 1909 roku odegrała fundamentalną rolę w rozwoju twórczości rzeźbiarskiej Modiglianiego. Od Brancusiego Modigliani otrzymał wsparcie i cenna rada. W tych latach Modigliani zajmował się głównie rzeźbą i badaniem dzieł klasycznej starożytności, indyjskich i afrykańskich tworzyw sztucznych. W 1912 wystawił siedem rzeźb w Salon d'Automne.

Wraz z wybuchem I wojny światowej wielu przyjaciół Modiglianiego opuściło Paryż. Artystę gnębiły zmiany w życiu, bezrobocie, bieda. W tym czasie poznał angielską poetkę Beatrice Hastings, z którą mieszkał przez dwa lata. Modigliani przyjaźnił się z tak różnorodnymi artystami jak Picasso, Chaim Soutine i Maurice Utrillo, a także z kolekcjonerami i biznesmenami - Paulem Guillaume i Leopoldem Zborowskim. Ten ostatni został mecenasem artysty i wspierał jego twórczość.

W tych latach Modigliani powrócił do malarstwa i stworzył być może swoje najważniejsze dzieła. Abstrakcja tkwiąca w jego twórczości była konsekwencją studiowania sztuki starożytnych cywilizacji i włoskiego prymitywu, a także wpływów jego przyjaciół kubistów; jednocześnie jego prace wyróżnia uderzająca subtelność charakterystyki psychologicznej. Później strona formalna jego twórczości staje się coraz bardziej prosta i klasyczna, sprowadzająca się do łączenia graficznych i kolorystycznych rytmów.

W 1917 roku Modigliani, już wówczas bardzo chory i skłonny do alkoholizmu, poznał Jeanne Hebuterne, która została jego towarzyszką w ostatnich latach życia. W następnym roku Zborowski zorganizował indywidualną wystawę artysty w Galerii Bertha Weil. Nie odniosła sukcesu, ale wywołała skandal kilkoma obrazami nagości: uznano je za nieprzyzwoite, a na prośbę policji płótna zostały usunięte. Niemniej jednak niektórzy kolekcjonerzy francuscy i zagraniczni wykazali zainteresowanie twórczością Modiglianiego. W 1918 roku artysta udał się na wypoczynek i leczenie na Lazurowe Wybrzeże i pozostał tam przez jakiś czas, kontynuując ciężką pracę. Modigliani zmarł wkrótce po powrocie do Paryża 24 stycznia 1920 roku. Następnego ranka Jeanne Hebuterne popełniła samobójstwo.

Dzieła Modiglianiego łączą w sobie czystość i wyrafinowanie stylu, symbolikę i humanizm, pogańskie poczucie pełni i nieokiełznanej radości życia oraz żałosne doświadczenie udręki wiecznie niespokojnego sumienia.

Wyślij swoją dobrą pracę w bazie wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Wam bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www.allbest.ru/

Ministerstwo Edukacji i Nauki Ukrainy

Mariupolski Uniwersytet Państwowy

Dział historii

Temat: Amedeo Modigliani

Wykonane:

uczennica Soliewa M.

Nauczyciel:

Mariupol2013

Wprowadzenie

1. Życie i epoka

2. Kreatywność

3. Słynne prace

Wniosek

Bibliografia

Wprowadzenie

Na początku 1906 roku wśród młodych artystów, pisarzy, aktorów mieszkających na Montmartre jako swoistej kolonii, w której wszyscy w ten czy inny sposób się znali, pojawiła się nowa postać, która od razu zwróciła na siebie uwagę. Był to Amedeo Modigliani, który właśnie przyjechał z Włoch i zamieszkał na rue Caulaincourt, w małej szopie warsztatowej pośrodku pustkowia porośniętego krzakami, które nazywali „makami” i właśnie wtedy zaczął budować nowe domy. Miał dwadzieścia dwa lata. Był olśniewająco przystojny, ale najwyraźniej pociągało go coś jeszcze bardziej niezwykłego. Wielu z tych, którzy spotkali go wtedy po raz pierwszy, pamiętało przede wszystkim gorączkowy błysk wielkich, czarnych, nieruchomych oczu na tępej, śniadej twarzy. Niski głos wydawał się "gorący", chód - lotny, a cały wygląd - mocny i harmonijny.

Ostatni z czeskich Mohikanów, Amedeo Modigliani, prowadził życie całkowicie artystyczne. Bieda, choroby, alkohol, narkotyki, nieprzespane noce, rozwiązłość były jego stałymi towarzyszami. Ale to nie przeszkodziło mu stać się największym innowacyjnym artystą, który stworzył wyjątkowy „świat Modiglianiego”.1

Nie mamy Modiglianiego ani w muzeach, ani w zbiorach prywatnych (kilka zachowanych rysunków oczywiście w żaden sposób nie wypełnia tej luki). Na początku lat 20., kiedy na światowym rynku sztuki odbywała się spontaniczna i głównie spekulacyjna, grasująca „dystrybucja” jego obrazów, nasz kraj żył tak ciężko, że nie miał czasu martwić się o pozyskanie najnowszego zachodniego malarstwa2. Modigliani był tu reprezentowany po raz pierwszy w 1928 tolu na jednej z wystaw sztuka zagraniczna. Po długiej przerwie kilka jego portretów pojawiło się kilkakrotnie na wystawach prac z kolekcji muzealnych i prywatnych w Stanach Zjednoczonych, Francji i Japonii.

Charakterystyczne jest, że mimo tak różnorodnej twórczości Modiglianiego, zachodni historycy sztuki coraz częściej wyrażają opinię, że jego twórczość wymaga jeszcze głębszego zbadania, że ​​nie został on jeszcze w pełni zrozumiany i niedostatecznie obiektywnie oceniony. Naprawdę mimowolnie myślisz o tym, kiedy zapoznajesz się z jego twórczością, a jednocześnie czytasz przynajmniej wszystko, co o nim napisano. Trudno nie zauważyć, że nawet najpoważniejsza, fachowo przenikliwa analiza jego twórczości na Zachodzie wciąż ogranicza się głównie do problemów „czystej formy”. Jest rozpatrywany abstrakcyjnie i skrupulatnie w celu ustalenia tradycjonalizmu lub oryginalności technik jego umiejętności. Rozpatrywane niejako w przestrzeni pozbawionej powietrza, w na siłę zamkniętej sferze, te techniki mistrzostwa albo są skompresowane w bezduszny protokół, przypominający „historię przypadku”, albo konsekwentnie dają pretekst do nieskrępowanych porównań, czasem mniej lub bardziej uzasadnione, czasem arbitralne. Z którym nie łączy się tylko Modigliani, którego jedyne wpływy nie są mu narzucane! Nazwiska i szkoły przyklejone są do jego twórczości w takiej obfitości, że już komuś może się wydawać albo ogólnym naśladowcą, albo eklektycznym uczniem – w każdym razie, dopóki, przechodząc przez różne „etapy”, nie wyjdzie, wreszcie, na polecenie innego badacza, swój własny niepowtarzalny i niepowtarzalny styl. I już w tym kalejdoskopie „wpływów” i „zbliżeń” trudno jest określić te rzeczywiste źródła i hobby, które naprawdę oświetliły mu drogę i pomogły mu stać się sobą w sztuce już w bardzo młodym wieku. Nie jest jasne, dlaczego jego sztuka jest na siłę pozbawiona treści społecznych i filozoficznych. Podziwiają go, wychwalają piękno jego malarstwa i elegancję rysunku, odsuwając na bok jego wpływ duchowy.

Tak więc celem tej pracy jest prześledzenie życia i ścieżki twórczej Amedeo Modiglianiego, a do tego konieczne jest:

zarysować główne etapy krótkiego, ale bogatego w wydarzenia życia artysty;

podkreślić twórczość Modiglianiego;

przeanalizuj główną pracę mistrza.

Pracując z literaturą na ten temat, autor zauważa ich ograniczoną liczbę, ale można zauważyć wzrost zainteresowania twórczością Modiglianiego w ciągu ostatnich 10-20 lat w krajowej historii sztuki. Najsłynniejsze radzieckie studium twórczości tego mistrza można nazwać monografią Vilenkina V.Ya. „Amedeo Modiglianiego”. Autor książki szczegółowo wprowadza czytelnika w życie i twórczość, oferuje głęboką, ale może nie do końca obiektywną analizę twórczości autora. Praca Wernera „Amedeo Modigliani” jest bardziej obiektywna, zawiera również wiele ciekawostek z życia Modiglianiego, analizę dzieł, ale bardziej zwięzłą, ale w przeciwieństwie do pracy Vilenkina zawiera duża liczba kolorowe i czarno-białe ilustracje. Naszym zdaniem najbardziej kompletny zbiór reprodukcji dzieł Modiglianiego znajduje się w książce „Świat arcydzieł. 100 światowych nazwisk w sztuce. Oprócz reprodukcji książka zawiera obszerny artykuł wprowadzający ze szczegółowymi informacjami biografia Amedeo Modiglianiego i krótka analiza Pracuje.

1. Życie i epoka

Amedeo Modigliani urodził się 12 lipca 1884 roku w Livorno Zachodnie Wybrzeże Włochy. Jego rodzice pochodzili z zamożnych rodzin żydowskich (jeden z dziadków przyszłego artysty był niegdyś zamożnym bankierem). Ale świat spotkał się z narodzonym dzieckiem niemiło – w roku narodzin Amedeo jego ojciec Flaminio zbankrutował, a rodzina znalazła się na skraju ubóstwa. W tej sytuacji matka przyszłego artysty, Eugenia, która miała niezniszczalny charakter, stała się prawdziwą głową rodziny. Otrzymała bardzo dobre wykształcenie, próbowała swoich sił w literaturze, pracowała jako tłumaczka i uczyła dzieci angielskiego i francuskiego.

Amedeo był najmłodszym i najpiękniejszym z czworga dzieci Modiglianiego. Matka nie szukała w nim dusz także dlatego, że chłopiec dorastał słaby. W 1895 roku poważnie zachorował na zapalenie opłucnej. Zgodnie z rodzinną tradycją Amedeo zaczął rysować dopiero po ciężkiej chorobie na tyfus w 1898 roku. Matka opowiadała, że ​​jej synowi przydarzyła się jakaś niezwykle malownicza, straszna wędrówka, podczas której Amedeo opisywał obrazy, których nigdy wcześniej nie widział, i że podobno właśnie w czasie choroby odkryto w nim pasję do rysowania. Mniej więcej w tym czasie Amedeo poważnie zainteresował się rysowaniem. Do praca szkolna był zupełnie obojętny i już w wieku czternastu lat wstąpił jako terminator do warsztatu miejscowego artysty i rzeźbiarza G. Micheli.

„Dedo (tak miał na imię chłopiec w rodzinie) całkowicie porzucił wszystkie swoje sprawy” – pisała jego matka w swoim pamiętniku – „i nic nie robi, tylko rysuje… Rysuje całymi dniami, uderzając i zawstydzając mnie swoją pasją . Jego nauczyciel jest z niego bardzo zadowolony. Mówi, że Dedo rysuje bardzo dobrze jak na studenta, który uczy się malarstwa dopiero od trzech miesięcy.

W 1900 roku, kiedy Amedeo ponownie zachorował na zapalenie opłucnej, w lewym płucu znaleziono ogniska gruźlicy, które później stały się jedną z przyczyn przedwczesnej śmierci artysty. Matka zabrała syna na poprawę zdrowia na wyspę Capri. W drodze powrotnej nastolatek odwiedził Rzym, Florencję i Wenecję. Z tej podróży zachowały się listy wysłane przez niego do przyjaciela - z żarliwymi deklaracjami miłości do sztuki i wzmianką o piękne zdjęcia, „zaburzając wyobraźnię”. Jednak mieli też coś innego. W jednym ze swoich listów z Capri młody podróżnik opowiada o „spacerze w księżycową noc z bardzo atrakcyjną Norweżką”.

W 1902 roku Modigliani wyjechał do Florencji, gdzie wstąpił do szkoły malarskiej. Po przeprowadzce do Wenecji w marcu 1903 kontynuował studia w tamtejszej Akademii. Do naszych czasów zachowało się bardzo niewiele rysunków i listów artysty odnoszących się do tego okresu. Wenecja była zróżnicowanym etnicznie miastem o bogatych tradycjach kulturowych. Ale Modiglianiego, jak wszystkich młodych artystów jego pokolenia, pociągał Paryż. W styczniu 1906 roku 21-letni artysta postawił stopę na ziemi obiecanej w Paryżu. Jego ukochany wujek, Amedeo Garcin, który pomagał mu wcześniej, zmarł rok wcześniej, a teraz Modigliani otrzymywał od matki tylko skromne „stypendia”.

Zaczął włóczyć się po tanio umeblowanych pokojach - najpierw na Montmartre, a od 1909 roku - na Montparnasse, w dzielnicy artystów. Amedeo biegle władał językiem francuskim, dzięki czemu łatwo zdobywał paryskich przyjaciół, z którymi cieszył się urokami wielkomiejskiego życia, nie omijając barów z burdelami (ryc. 1).

W listopadzie 1907 roku Modigliani poznał młodego lekarza i miłośnika sztuki, Paula Alexandra, pierwszego kolekcjonera jego dzieł. Rozdzieliła ich dopiero wojna światowa (dr Aleksander został wtedy zmobilizowany do pracy w szpitalu wojskowym). To Aleksander w 1909 roku połączył Modiglianiego z wybitnym rumuńskim rzeźbiarzem Constantinem Brancusim. Pod wpływem Brancusiego Amedeo zainteresował się rzeźbą, porzucając na kilka lat malarstwo (il. 2,3). Pył jest jednak tak szkodliwy dla jego słabej klatki piersiowej, że chwilowo zmuszony jest zrezygnować z ulubionej rzeźby. Od jakiegoś czasu odwiedza nawet Akademię Colarossi, a tę wizytę zawdzięczamy niemal jego najnowszym rysunkom nagich modelek, wykonanych w sposób akademicki. Wtedy zaczyna się poszukiwanie czegoś nowego.

Ponadto stara się rozwiązać dwa główne stojące przed nim zadania: pierwszym jest zarabianie pieniędzy, a drugim jest to, o czym pisał z Rzymu, „dojście do własnej prawdy o życiu, pięknie i sztuce”, czyli , aby znaleźć swój temat i język. Z pierwszym zadaniem nie poradził sobie do końca życia. Jego młodzieńczo romantyczne zdanie, że „zwykli ludzie nigdy nas nie zrozumieją”, znalazło tu, niestety, prymitywną konkretność. Ani jeden paryski kupiec nie zgodził się kupować nikomu płócien słynny malarz To zbyt ryzykowna inwestycja.

Dało się odczuć czeskie życie. Stan zdrowia artysty pogorszył się. W 1909 i 1912 Modigliani udał się do swoich krewnych we Włoszech, aby go poprawić, ale po powrocie do Paryża znów wolał żyć jak poprzednio. Dużo i często pił Modiglianiego; pijany stał się nie do zniesienia. W „zamglonym” stanie mógł obrazić kobietę, wdać się w aferę, wszcząć bójkę, a nawet pokazać się publicznie nago. Jednocześnie prawie wszyscy, którzy go dobrze znali, zauważają, że trzeźwy artysta był zwykłym człowiekiem, niczym nie różniącym się od większości ówczesnych ludzi.

Przed pierwszą wojną światową Modigliani osiedlił się w słynnym „Hive”, czy inaczej „Rotonde”, nie wspominając o tym, czego nie mogła zdziałać ani jedna opowieść o życiu legendarnych artystów z Montparnasse. Niezdarny, dziwny budynek, który był pawilonem win na Wystawie Światowej w 1900 roku, został zawleczony przez jakiegoś ekscentrycznego dobroczyńcę do ziemi, którą kupił tanio prawie na peryferiach Paryża i założył schronisko dla bezdomnych i beznadziejnej biedoty koledzy artyści. Jakich celebrytów nie widać przez jego brudne szafy-warsztaty, bardziej przypominające trumny z klapami nad drzwiami zamiast łóżek. Mieszkali tu Fernand Léger, Marc Chagall, francuski poeta Blaise Cendrars, a nawet nasz Łunaczarski odwiedził kiedyś Modiglianiego. Temu niesamowitemu „Rojowi” Modigliani zawdzięcza znajomość z człowiekiem, którego szczerze kochał i uważał za jednego z największych artystów swoich czasów. To Chaim Soutine, małomiasteczkowy Żyd, który uciekł z prowincjonalnych Smiłowicz, gdzie współwyznawcy pobili go za jego obrazy, i jakimś cudem przyleciał do wspaniałego Paryża. Soutine okazał się artystą oryginalnym z wielką przyszłością. Modigliani namalował dwa ze swoich portretów, z których jeden, na którym Soutine ma otwartą, dziką twarz łobuza, jest bardzo piękny w malarstwie.

Wraz z wybuchem I wojny światowej życie Modiglianiego stało się jeszcze bardziej mroczne. Wielu jego przyjaciół zostało powołanych do wojska, zapanowała samotność. Ponadto ceny wzrosły; kamień i marmur stały się niedostępnym luksusem, a Modigliani musiał zapomnieć o rzeźbie. Wkrótce poznał pisarkę Beatrice Hastings. Znajomość przerodziła się w burzliwy romans, który trwał dwa lata. Relacje między kochankami można ocenić chociażby po tym, że raz Modigliani przyznał się, że wyrzucił Beatrice przez okno, a innym razem, rumieniąc się ze wstydu, powiedział Jacquesowi Lipchitzowi, że Beatrice pobiła go szmatą.

To właśnie w latach wojny Modigliani zdołał osiągnąć pewien sukces. W 1914 roku Paul Guillaume zaczął kupować prace artysty. W 1916 r. tego „handlarza dziełami sztuki” zastąpił rodowity Polak Leopold Zborowski. W grudniu 1917 r. Zborowski dogadał się z właścicielem Galeria Sztuki Bertha Weil o organizacji indywidualnej wystawy Modiglianiego (była to jego jedyna w życiu „osobista wystawa”). Wydawało się, że mur nierozpoznania zaraz się zawali. Pomysł wystawy przerodził się jednak w farsę. Galeria znajdowała się naprzeciwko komisariatu policji, a kiedy mały tłum zebrał się pod oknem galerii z wystawionym aktem Modiglianiego, aby przyciągnąć publiczność, jeden z policjantów postanowił zobaczyć, co się tam dzieje. Pół godziny później Madame Veil otrzymała polecenie usunięcia „obrzydliwości” z okna, a wystawę trzeba było skrócić przed jej oficjalnym otwarciem.

Kilka miesięcy przed feralną wystawą Modigliani spotkał 19-letnią studentkę, Jeanne Hebuterne (il. 4). Dziewczyna zakochała się w artyście i pozostała z nim aż do śmierci. Jednak jego zachowanie nie poprawiło się po tym. Z Jeanne Modigliani było strasznie niegrzecznie. Poeta André Salmon tak opisał jeden z wielu publicznych skandali Modiglianiego: „Pociągnął ją (Jeanne) za rękę. Chwytając ją za włosy, szarpał z siłą i zachowywał się jak szaleniec, jak dzikus.

W marcu 1918 r. Zborowski przeniósł się na południe Francji, z dala od stolicy, pogrążonej w wojennej zgiełku. Aby dotrzymać sobie towarzystwa, zaprosił kilku artystów – był wśród nich Modigliani. Trafił więc do Cannes, a potem do Nicei, gdzie w listopadzie 1918 roku Jeanne urodziła córkę (również Jeanne). Pod koniec 1919 roku Modigliani (il. 5) wrócił do Paryża z obiema Jeannes, a kilka miesięcy później zachorował na gruźlicze zapalenie opon mózgowych.

Zmarł 12 lipca 1920 r. Tragicznym postscriptum do życia Modiglianiego było samobójstwo Jeanne Hebuterne. Rano po pogrzebie, będąc w ósmym miesiącu ciąży, rzuciła się przez okno.

Na końcu jego biografii zwyczajowo stawia się odważny punkt: w końcu Modigliani znalazł się i wyraził się do końca. I wypalił się w pół zdania, jego twórczy lot zakończył się katastrofą, okazał się też jednym z tych, którzy „swoich na świecie nie przeżywali, swoich na ziemi nie kochali” i co najważniejsze , nie zrobił tego. Nawet na podstawie tego, co uczynił niezaprzeczalnie doskonale w tym jednym i jedynym „okresie”, który trwa dla nas do dziś – któż może powiedzieć, gdzie, w jakich nowych i być może zupełnie nieoczekiwanych kierunkach, w jakich nieznanych głębiach Czy to namiętny, tęskniący za ostatnią, wszechogarniającą prawdą talentów? Czy jest tylko jedna rzecz, której możesz być pewien - że nie poprzestałby na tym, co już osiągnął.

2. Kreatywność

W latach 1898-1900 Amedeo Modigliani pracował w warsztacie Guglielmo Micheli, dlatego można powiedzieć, że początkowy etap jego twórczości zaznaczył się włoskim Sztuka XIX wiek. Ponieważ ten wiek w kraju o chwalebnej artystycznej przeszłości nie jest bogaty w wybitne osiągnięcia, wielu nie docenia ówczesnych mistrzów i ich dzieł. Tymczasem są niekwestionowanym źródłem inspiracji dla początkującego artysty, czego nie może zaprzeczyć fakt, że kilka wczesnych prac Modiglianiego, ukończonych przed przeprowadzką do Paryża, przetrwało do naszych czasów. Być może w Livorno, Florencji czy Wenecji odnajdą się jeszcze nieznane dzieła Modiglianiego z lat 1898-1906, które pozwolą rzucić światło na początkowy etap twórczej biografii artysty. Ponadto możemy skorzystać z niektórych opinii nt wczesne prace Modiglianiego. I w ogóle trudno sobie wyobrazić, że przechodził obok Sztuka współczesna ojczystym kraju: oczywiste jest, że sztuka włoska XIX wieku wywarła na młodym Modiglianim nie mniejsze wrażenie niż dzieła renesansu, a Boldini jest tak samo wyczuwalny we wczesnych paryskich dziełach Modiglianiego, jak Toulouse-Lautrec.

Podczas pobytu w Rzymie w 1901 Modigliani podziwiał malarstwo Domenica Morelli (1826-1901) i jego szkołę. Sentymentalne obrazy Morellego motywy biblijne, jego historyczne płótna i płótna na wątkach z dzieł Tassa, Szekspira i Byrona są teraz całkowicie zapomniane. Odważny krok, wyprzedzający Morelliego, zrobiła grupa bardzo młodych artystów „macchiaioli” (od macchia – kolorowa plama). Tę szkołę, młodych innowatorów, połączyło odrzucenie burżuazyjnych gustów panujących w sztuce, których apologetami byli akademiccy malarze gatunkowi. Pod względem tematyki artyści z grupy Macchiaioli byli bliscy impresjonistom: lubili też przedstawiać chłopskie domy, wiejskie drogi, zalaną słońcem ziemię i blask słońca na wodzie, ale nie wyróżniała się odwagą rozwiązania artystyczne charakterystyczne dla wyznawców Moneta.

Podobno w okresie swojej praktyki Modigliani był przez pewien czas zwolennikiem zasady artystyczne„macchiaioli”. Micheli, jego nauczyciel, sam był ulubionym uczniem jednego z założycieli tej szkoły, Giovanniego Fattori (1828-1905) z Livorno. Micheli była ładna słynny pejzażysta i popularny wśród lokalnych miłośników sztuki, zasłużył na swoje pejzaże morskie, przepełnione poczuciem świeżości i światła.

Modigliani pracował z taką pasją, jak żył. Alkohol i haszysz nigdy nie osłabiły jego niestrudzonej chęci do pracy. Zapewne były okresy, kiedy z powodu braku szerokiego uznania popadał w rozpacz i rezygnację. Pewnego razu, odpowiadając przyjacielowi, który zarzucał mu bezczynność, powiedział: „Tworzę w głowie co najmniej trzy obrazy dziennie. Po co psuć płótno, skoro i tak nikt go nie kupi?” Z drugiej strony Arthur Pfannstiel, autor Modiglianiego i jego dzieł, donosi, że młody artysta nieustannie szkicował, gorączkowo zapełniając swoje niebieskie zeszyty rysunkami, nawet setką dziennie.

Należy pamiętać, że w tym okresie Modigliani wciąż marzył o zostaniu rzeźbiarzem i znaczną część, jeśli nie lwią część swoich wysiłków przeznaczał na rzeźbę. Człowiek o krytycznym nastawieniu, okresowo niszczył te rzeczy, które wydawały mu się nieudane. Ale też stracił wiele miejsc pracy w pospiesznych przeprowadzkach z miejsca na miejsce, prawie zawsze potajemnie i nie płacąc właścicielowi za wynajęty lokal. Wściekli właściciele domów zniszczyli „szalone” obrazy, które zostawił im w zamian za zapłatę; niezbyt cenili jego pracę właściciele knajp, u których częściej wymieniał się na napoje niż na jedzenie. Bezmyślnie rozdawał wiele prac swoim licznym przypadkowym koleżankom, które o nie nie dbały. Modigliani nigdy nie prowadził rejestru swoich dzieł.

Warto zauważyć, że na młodego malarza tak niewielki wpływ miały fowizm i kubizm. Fowiści kładą kolor na podstawę wszystkiego, a dla Modiglianiego najważniejsza jest linia. Początkowo narzekał, że jego „przeklęte włoskie oczy” nie mogą przyzwyczaić się do specjalnego paryskiego oświetlenia. Jego paleta nie była zbyt zróżnicowana, tylko raz czy dwa odwoływał się do kolorystycznego eksperymentu w duchu neoimpresjonistów czy fowistów. Z reguły duże płaszczyzny o jednolitym kolorze zamykał w cienkich, ale wyraźnie zaznaczonych liniowych konturach. Kubizm, ze swoją tendencją do dehumanizacji, był dla Modiglianiego, który szukał możliwości wyrażenia silne emocje, zbyt racjonalne.

Jeśli wczesne płótna Modiglianiego, pomimo ich doskonałych umiejętności technicznych i pojedynczych przebłysków szczególnego uroku i liryzmu, nie są jeszcze autentyczne wybitne prace, to jego rysunki z lat 1906-1909 antycypują już dojrzałego mistrza z lat 1915-1920.

Lato 1909 roku spędził z rodziną w Livorno i tam namalował kilka obrazów, między innymi płótno zatytułowane Żebrak. To płótno, a także dwie wersje Wiolonczelisty, były jednymi z sześciu rzeczy, które wystawił na Salon des Indépendants w 1910 roku. W tym czasie wielu krytyków, poetów i innych artystów już go rozpoznało, jednak z wyjątkiem oddanego mu dr Paula Alexandra nikt nie chciał kupować jego dzieł. Przenosił się z miejsca na miejsce, bo nigdy nie było pieniędzy na porządny warsztat. Kiedyś mieszkał w tzw. „Ulu” – dziwnym, zrujnowanym domu przy ulicy Gdańskiej, gdzie Chagall, Kisling, Soutine i wielu innych zagranicznych artystów wynajmowało też maleńkie pracownie.

W latach 1909-1915 uważał się za rzeźbiarza i bardzo mało malował olejami. W tym okresie Modigliani zawarł wiele ciekawych i potrzebnych znajomości. W 1913 roku poznał Chaima Soutine'a, nieokrzesanego imigranta z Litwy, a następnie jako bliski przyjaciel starał się go nauczyć dobrych manier. Soutine był kilkanaście lat młodszy, a jego żywiołowe malarstwo z charakterystycznymi „eksplozjami” pastowatych kresek z trudem zadowoliłoby przyjaciela z Włoch. W 1914 roku Max Jacob przedstawił Modiglianiego Paulowi Guillaume'owi, pierwszemu marchantowi, któremu udało się wzbudzić zainteresowanie twórczością artysty wśród klientów. Ale Modigliani miał znacznie bliższe relacje z innym Marchandem, Leopoldem Zborowskim, którego poznał w 1916 roku. Znaczna część prac stworzonych przez artystę w ciągu ostatnich trzech, czterech lat powstała dzięki wsparciu Zborowskiego i jego żony. Zborowski był zjawiskiem niezwykłym wśród ówczesnych marszantów: żywił fanatyczną sympatię do swego podopiecznego, pomimo wszystkich wad artysty – przede wszystkim lekkomyślności i irytacji – które zraziłyby osobę mniej oddaną.

W grudniu 1917 roku w Galerii Bertha Weil Zborowski zorganizował jedyną prawdziwą indywidualną wystawę Modiglianiego. Zamiast oczekiwanego sukcesu wybuchł głośny skandal. Tłum zebrał się przed gablotą, w której wystawiono akt. Policja nalegała, aby to płótno i cztery inne akty zostały usunięte z wystawy. Żaden z obrazów nie został sprzedany.

W maju 1919 Modigliani wrócił do Paryża, a Jeanne przybyła tam nieco później. Pojawiły się pierwsze oznaki sukcesu. O artyście zaczęły pisać gazety. Kilka jego płócien zostało zaprezentowanych na Wystawie Sztuki Francuskiej w Londynie. Jego praca zaczęła być poszukiwana wśród kupujących. Modigliani miał wreszcie powód do ożywienia - gdyby nie nowe pogorszenie stanu zdrowia. Modigliani zdołał jednocześnie ugruntować swoją pozycję jako realista i nieobiektywny. Ten natchniony eklektyk – arystokrata, socjalista i sensualista w jednym – sięga zarówno po techniki mistrzów Wybrzeża Kości Słoniowej (których posągi zadziwiają wyobraźnię, nie budząc poczucia przynależności), jak i malarzy ikon Bizancjum i wczesnego renesansu ( którzy nas dotykają, ale nie mogą nami wstrząsnąć do głębi). ). Z tego wszystkiego powstaje rozedrgany, ekscytujący – jednym słowem niepowtarzalny – Modigliani!

3. Słynne prace

Artysta sztuki Amedeo Modigliani

Niesamowita maniera Modiglianiego była szczególnie widoczna w jego aktach i portretach. To właśnie te prace postawiły go przede wszystkim na czołowych miejscach w sztuce XX wieku.

Twórcza droga Modiglianiego okazała się tragicznie krótka. Poświęcono mu bardzo mało czasu - większość jego najlepszych dzieł przypada na ostatnie pięć lat jego życia. Tym tłumaczy się stosunkowo skromne rozmiary jego spuścizny i pewna ciasnota w doborze tematów – wg ogólnie mówiąc, Modigliani pracował tylko w dwóch gatunkach (akt i portret). Mimo to, nawet w tak hojnej dla talentów epoce, jak początek ubiegłego stulecia, udało mu się nie zgubić w ogólnej masie „artystycznej” i zadeklarował się jako jeden z najbardziej oryginalnych i poetyckich malarzy współczesnych. A styl, który stworzył, wciąż prześladuje wielu artystów, prowokując ich (często nieświadomie) do naśladowania i powtarzania.

Wydłużone formy Modiglianiego zawsze budziły duże zainteresowanie. Ich pochodzenie było różnie wyjaśniane przez krytyków. Niektóre z tych wyjaśnień są raczej anegdotyczne - na przykład, relatywnie rzecz biorąc, „alkoholowe”. Argumentowano, że wydłużone formy są efektem uzależnienia artystki od alkoholu, patrzenia na kobiety przez dno szklanki lub zakrzywioną szyjkę butelki. Tymczasem podobne formy spotykamy także u mistrzów renesansu, przed którymi kłaniał się Modigliani, oraz na ukochanych przez niego afrykańskich maskach. Afrykańskie maski nie wyczerpały jego artystycznych zainteresowań. Przyciągała go także sztuka starożytnego Egiptu, posągi z wysp Oceanii i wiele innych. Nie było jednak mowy o pożyczkach bezpośrednich; jeśli antyczne rzeźby miały wpływ na styl Modiglianiego, to tylko pośrednio. Modigliani akceptował tylko to, co odpowiadało jego własnym poszukiwaniom.

W ciągu swoich „rzeźbiarskich” pięciu lat artysta namalował tylko około dwóch tuzinów obrazów Łączna jego zachowane obrazy są blisko 350. Później porzucił rzeźbę. Być może rzeźbienie stało się dla niego po prostu zbyt trudne. Rzeźba w kamieniu jest ciężka Praca fizyczna, a unoszący się w tym samym czasie kamienny pył był przeciwwskazany przez zepsute gruźlicą płuco artysty. Tak czy inaczej, stworzony przez autora prace rzeźbiarskie- integralna część pracy Amedeo. Wszystkie istniejące rzeźby Modiglianiego powstały w latach 1909-1914. Są to 23 kamienne głowy i dwie postacie (stojąca kobieta i kariatyda). Modigliani wielokrotnie wykonywał szkice kariatyd, zamierzając stworzyć całą serię głów i figur dla wymyślonej przez siebie świątyni piękna. Ten plan nie miał się spełnić. To prawda, że ​​na Salonie Jesiennym w 1912 roku pokazał siedem głów (również rodzaj serii). Przyjaciel artysty, słynny rzeźbiarz Jacob Epstein, zanotował w swojej autobiografii, że nocą Modigliani zapalał świece osadzone na kamiennych głowach i oświetlał nimi pracownię, starając się „naśladować oświetlenie starożytnej pogańskiej świątyni.

Modigliani był rzeźbiarzem samoukiem, dlatego jego wczesne rzeźby wyglądają szorstko (a nawet niezdarnie). Ale ciężko pracując, wkrótce znalazł swój własny styl, zarówno elegancki, jak i mocny. Kamienne głowy Modiglianiego mają atrakcyjną, niemal magnetyczną siłę. Można przypuszczać, jak majestatyczna może być Świątynia Piękna wymyślona przez artystę.

Twórczość Modiglianiego najczęściej kojarzy się widzowi właśnie z jego aktami. Modigliani zawsze interesował się aktem, ale dopiero w 1916 roku na poważnie zajął się tym tematem. Wspaniałe akty namalowane przez artystę w ostatnich trzech, czterech latach jego życia bardzo różnią się od wszystkiego, co stworzył wcześniej. Obrazy kobiet późny Modigliani stał się bardziej zmysłowy i spontaniczny, zatracając dawny smutek i kontemplację. Pracując w tym gatunku, artysta rzadko korzystał z pomocy swoich koleżanek czy kochanek - jedynymi wyjątkami są jeden akt z Beatrice Hastings jako modelką i kilka podobnych rzeczy, do których pozowała Jeanne Hebuterne. Wzorami dla artysty były zwykle opłacane modelki lub przypadkowe znajome. Modigliani preferował leżące akty (choć nie jest to dla niego ekskluzywna pozycja). Zawsze przedstawiał kobiece ciało duże, soczyste, z rękami zarzuconymi za głowę lub zgiętymi nogami.

W czasach Modiglianiego naga kobieca natura nie była jeszcze w malarstwie powszechna. Martwiła się, a nawet była w szoku. Wizerunek włosów łonowych uznano za szczególnie obsceniczny. Ale stworzenie erotycznej atmosfery nie było celem samym w sobie Modiglianiego; to oczywiście jest obecne na jego płótnach, ale dodatkowo są one eleganckie w kompozycji i wykwintne w kolorze. Przede wszystkim są to dzieła sztuki. Przykłady obejmują Akt na białej poduszce (1917-1918), Akt siedzący (il. 6) bez daty i Siedząca młoda kobieta (1918). Doskonały przykład gatunku, łączącego czystość i elegancję linii, prostotę kompozycji, ekspresję i głęboki erotyzm - "Akt siedzący" (1916). To jeden z pierwszych aktów Modiglianiego, odnoszący się do jego dojrzałego okresu. W swojej książce (1984), poświęconej twórczości artysty, Douglas Heasle nazywa ten obraz „być może najpiękniejszym z aktów Modiglianiego”1. Twarz kobiety jest stylizowana, ale można w niej doszukać się podobieństw do Beatrice Hastings. W momencie powstania płótna nadal mieszkali razem. Jest jednak mało prawdopodobne, aby Beatrice pozowała artyście; najprawdopodobniej Modigliani, jak zwykle, zaprosił do tego profesjonalny model. Ale w trakcie pracy Beatrice oczywiście stała przed jego oczami. Wydłużona, rzeźbiona twarz przedstawionej kobiety przywodzi na myśl afrykańskie maski, które tak podziwiał Modigliani, a pochylona głowa i opuszczone rzęsy przypominają obrazy zwykle eksponowane w Salonie. Niemniej jednak ta praca Modiglianiego jest całkowicie oryginalna i słusznie uważana za jedną z pereł w serii aktów, która następnie wychwalała artystę.

„Akt leżący” (1917-1918), dzieło Modiglianiego najczęściej kojarzy się widzowi właśnie z jego aktem, a to arcydzieło jest doskonałym przykładem gatunku, łączącym czystość i elegancję linii, prostotę kompozycji, ekspresję i głęboki erotyzm .

Modigliani był wybitnym rysownikiem, więc głównego uroku obrazowi nadaje linia, delikatnie opisująca kontury kobiecego ciała, jej szyi i owalu twarzy. Gładkie kontury sylwetki podkreśla eleganckie tło obrazu, elegancko dopasowane do tonacji. Poza i rysy twarzy modelki są bardzo intymne, ale jednocześnie celowo stylizowane, przez co wizerunek traci swoją indywidualność i staje się zbiorowy. Ramiona i nogi bohaterki tej pracy, odcięte krawędzią płótna, wizualnie przybliżają ją do widza, dodatkowo wzmacniając erotyczny wydźwięk obrazu.

Oprócz aktów szeroko znane są portrety Modiglianiego. Powiedział: „Człowiek jest tym, co mnie interesuje. Ludzka twarz jest najwyższym tworem natury. Dla mnie to niewyczerpane źródło. Najczęściej Modiglianiego pozowali jego bliscy przyjaciele, dzięki czemu wiele płócien artysty wygląda jak ciekawa galeria przedstawicieli ówczesnego świata artystycznego, których obrazy uchwyciły „złoty wiek” paryskiej sztuki. Modigliani pozostawił nam portrety artystów Diego Rivery, Juana Grisa, Pabla Picassa i Chaima Soutine'a, rzeźbiarzy Henri Lauren i Jacquesa Lipchitza, pisarzy Guillaume'a Apollinaire'a i Maxa Jacoba. Do naszych czasów zachował się tylko jeden autoportret Modiglianiego (il. 7), napisany przez niego w 1919 roku, na kilka miesięcy przed śmiercią.

Akty i portrety, namalowane przez artystę pod koniec życia, stanowią ważny kamień milowy w historii nowoczesne malarstwo. Mimo że ostatnie portrety Modigliani noszą ślady emocjonalnego upadku (co nie jest zaskakujące, jeśli nie zapomina się o tym, jak żył w tym czasie), zachowują jednak przejrzystość i majestat właściwy mistrzom renesansu.

Ale Modigliani nie przyniósł sławy za życia. Znany był tylko wąskiemu kręgowi artystów - takich samych jak on, bezinteresownie zakochanych w sztuce. A to z reguły nie przynosi pieniędzy w życiu. Tak, Modigliani (podobnie jak wielu jego przyjaciół) wciąż czekał na bezwarunkowe uznanie, ale stało się to po jego śmierci. Za jego obrazy, które rozdawał za chleb i wino, płacą teraz zapierające dech w piersiach pieniądze; w galeriach sztuki zajmują najbardziej zaszczytne miejsca, ao samym artyście napisano setki książek. Zwykła historia.

Wniosek

Styl malarski Modiglianiego, z jego dekoracyjną płaskością, ostrą zwięzłością kompozycji, muzykalnością sylwetowo-liniowych rytmów i nasyceniem koloru, został określony na początku lat 1910. W swoich z reguły jednopostaciowych obrazach - portretach i aktach - Modigliani stworzył szczególny świat obrazów, intymnie indywidualny, a jednocześnie podobny do ogólnej melancholijnej introspekcji; ich osobliwy, subtelnie zniuansowany psychologizm, oświecona poezja łączy się ze stałym, czasem tragicznym poczuciem niepewności człowieka w świecie.

Modigliani zdołał jednocześnie ugruntować swoją pozycję jako realista i nieobiektywny. Jego sztuka spełnia wymagania purystów, którzy upierali się, że obraz jest tylko płaszczyzną, na którą nakładane są farby w określonej kolejności; ale jednocześnie umieścił w swoich płótnach bogatą treść ludzką, seksualną i społeczną. Odsłania i ukrywa, wybiera i przynosi, uwodzi i koi. Ten natchniony eklektyk – arystokrata, socjalista i sensualista w jednym – sięga zarówno po techniki mistrzów Wybrzeża Kości Słoniowej (których posągi zadziwiają wyobraźnię, nie budząc poczucia przynależności), jak i malarzy ikon Bizancjum i wczesnego renesansu ( którzy nas dotykają, ale nie mogą nami wstrząsnąć do głębi). ). Z tego wszystkiego powstaje rozedrgany, ekscytujący – jednym słowem niepowtarzalny – Modigliani!

Co pozostało z Modiglianiego siedem dekad po jego śmierci? Najpierw oczywiście twórcze dziedzictwo, która wciąż podlega szczegółowym badaniom, a po drugie legenda, która stała się własnością milionów.

Legenda zrodziła się ze wspomnień ludzi, którzy znali artystę podczas jego tragicznego życia w Paryżu, a jeszcze bardziej z książek opartych na niesamowitych, ale nie zawsze rzetelnych informacjach z drugiej, a nawet trzeciej ręki. Przygody Modiglianiego są tematem kilku przeciętnych powieści i filmów.1

Alkohol i narkotyki mogły być po prostu niezbędne dla słabego fizycznie, nieszczęśliwego i samotnego cudzoziemca w Paryżu, który również cierpi z powodu niepewności i gorzkich rozczarowań, ale w żadnym wypadku nie stworzyły i nie uwolniły jego geniuszu. Modigliani był prawie zawsze rozpaczliwie biedny, a nawet bardziej z powodu swojego „strasznego temperamentu”, który odpychał potencjalnych mecenasów, niż z powodu całkowitej obojętności wobec niego ze strony kolekcjonerów. Demaskując „romantyczną legendę o śmierci głodowej, alkoholowej i nie wiadomo jakich metafizycznych mękach”2, córka artysty, Jeanne Modigliani, za wszystko wini przede wszystkim gruźlicę, na którą chorował przez całe życie.

Bez względu na to, jak nieznośny i nieodpowiedzialny może się czasem wydawać artysta, był w zasadzie - i wszyscy jego przyjaciele są w tym zgodni - człowiekiem o arystokratycznym zachowaniu, błyskotliwym umyśle, wszechstronnie wykształconym, zdolnym do dobrych uczuć i współczucia. Biorąc pod uwagę ograniczony czas trwania - trzynaście lat - twórczości i wszystkie okoliczności życiowe, jego dorobek jest zdumiewający nie tylko pod względem ilościowym, ale i jakościowym. W książce Modigliani and His Work (1956) Arthur Pfannstiel wymienia i opisuje 372 obrazy artysty, które powstały po jego przybyciu do Paryża w 1906 roku. We wstępie do albumu „Amedeo Modigliani. Drawings and Sculpture (1965) Ambrogio Ceroni argumentuje tę ilość oryginalne obrazy Modiglianiego – 222, co wskazuje na bardzo surowe podejście do ich oceny. W ostatnich latach odkryto już kilka wczesnych obrazów Modiglianiego, a nie tak dawno wystawiono na sprzedaż bardzo przekonujące autentyczne płótna z okresu paryskiego, o których nie wspomniał ani Pfannstiel, ani Ceroni.3 Niestety rynek został zalany z podróbkami pod Modiglianim, a niektórzy z taką wprawą, że mogą wprowadzić w błąd zarówno specjalistę, jak i kolekcjonera. Nic dziwnego, że mistrzowie fałszerstwa tak zintensyfikowali swoją działalność – cena za pierwszorzędne dzieło Modiglianiego wzrosła do stu tysięcy dolarów. W rezultacie pojawiło się wielu „Modiglianich”, którzy próbują sprowadzić oryginalne techniki opracowane przez mistrza do trywialnych formuł.

Nigdy się nie dowiemy, ile prac do nas nie dotarło – ile z nich zniszczył sam artysta, a ile zaginęło.

Bibliografia

Wernera Alfreda. Amedeo Modigliani (przetłumaczone przez Fateeva). - St. Petersburg: ICAR, 1994. - 126 s., il.

Vilenkin V.Ya. Amedeo Modiglianiego. - wyd. 2, poprawione. i dodatkowe - M.: Sztuka, 1989. - 175 s., L. chory. - (Życie w sztuce).

Malarstwo europejskie XIII - XX wieku. Słownik encyklopedyczny. - M.: Sztuka, 1999. - 526 s., chory.

Modiglianiego. - M.: Centrum Wydawnicze "Klasyka", 2001. - 64 s., il. Świat arcydzieł. 100 światowych nazwisk w sztuce.

Galeria sztuki: Modigliani. - Nr 26. - M., 2005. - 31 s.

Encyklopedia malarstwa światowego / komp. TG Petrovets, Yu.V. Sadomnikow. - M.: OLMA - PRASA, 2000. - 431 s.: il.

Hostowane na Allbest.ru

Podobne dokumenty

Pochodzenie i kamienie milowe życia włoski artysta. Twórczość Modiglianiego: twórczość wczesna, wpływ fowizmu i kubizmu na warsztat malarza, doświadczenia rzeźbiarza, znajomość z Soutine i Zborowskim. Analiza cech głównych dzieł mistrza.

test, dodano 01.03.2011


Główne daty życia Amedeo Modiglianiego, przyczyny śmierci. Etapy powstawania obrazu "Akt leżący", paleta i elementy tła. Cechy stylu: stylizowane rysy twarzy, rzeźbiarska forma, teksturowany ton. Talent kompozytorski artysty.

prezentacja, dodano 14.03.2011


Istota zjawiska "Achmatow-Modigliani". Malowniczy kanon w „portrecie” Modiglianiego. „Ślad” Modiglianiego w twórczości Achmatowej. „Okres Achmatowa” w twórczości Modiglianiego. Tajne znaki w pracy Amedeo. Temat „diabła” w twórczości Achmatowej i Modiglianiego.

streszczenie, dodano 13.11.2010


Studium twórczości pisarza, rzeźbiarza i artysty Ernsta Barlacha, którego postać w języku niemieckim kultura artystyczna XX wiek wyróżnia się. Postawa, poetyka, styl Barlacha. Duchoborec w cerkwi św. Mikołaja to jedno z najważniejszych dzieł mistrza.

streszczenie, dodano 03.04.2013


Dzieciństwo i młodość artysty, początek kreatywny sposób. Pracuj nad obrazami. Przegląd twórczości Surikowa, praca nad wieloma obrazami, ich charakterystyka oraz rola używanych przez niego obrazów środki wyrazu. Wyjazd artysty za granicę, ostatnie lata jego życia.

praca semestralna, dodano 15.02.2011


Początek drogi twórczej włoskiego archeologa, architekta i grafika Giovanniego Piranesiego. Rola graficznej twórczości architektonicznej i fantazji architektoniczno-przestrzennych mistrza. Arkusz „Świątynia Sybilli w Tivoli”. Dziedzictwo wielkiego mistrza.

praca semestralna, dodano 13.10.2014


Sztuka wielkich artysta Caravaggio. Przegląd wybitnych obrazów mistrza różne okresy kreatywność. Charakterystyczne cechy sposobu malowania, wyrazistość stylu prac, równowaga między dramatycznym patosem a naturalistycznym detalem.

prezentacja, dodano 16.04.2010


Opowieść o życiu i twórczości wielkiego włoskiego artysty, malarza, rzeźbiarza, architekta i naukowca, jednego z... główni przedstawiciele sztuka Wysoki renesans Leonardo da Vinci, który przewyższył swojego nauczyciela. Ostatnie latażycie mistrza.

prezentacja, dodano 03.04.2012


Początek drogi twórczej włoskiego artysty renesansu Sandro Botticellego. Studium w warsztacie Fra Filippo Lippiego, wpływ kreatywności Andrea Verrocchio i pierwsze prace. Tematyka obrazów artysty: „Wiosna”, „Narodziny Wenus”, „Madonna z granatem”.

streszczenie, dodano 05.06.2009


Krótki zarys życia, etapy życia osobistego i twórczy rozwój Pablo Picasso jako słynny włoski malarz impresjonistyczny. Okresy w twórczości mistrza, jego dorobek i kierunki pracy. Odzwierciedlenie życia i doświadczeń artysty w jego obrazach.

Modiglianiego Amedeo

(ur. 1884 - zm. 1920)

Słynny włoski artysta, rzeźbiarz i rysownik, którego wyjątkowa sztuka pozostała nierozpoznana za życia. Głębię jego tragedii doceniła jedyna kobieta – Jeanne Hebuterne, która dzieliła z nim samotność i śmierć.

„Myślę, że człowiek jest światem, który czasem jest wart każdego świata” – napisał wyjątkowy artysta Amedeo Modigliani do swojego przyjaciela i stałej „magicznej różdżki” Leopolda Zborowskiego. W jego niesamowitych płótnach, za podkreśloną umownością i celowym uproszczeniem, pod przezroczystą-czystą lub celowo zamgloną powierzchnią obrazu kryła się zapierająca dech w piersiach głębia ludzkich dusz. Niezwykłe, dziwne, ale tak atrakcyjne portrety urzekają żarliwą wytrwałością poetyckiego języka, szeptem, sugerują to, co w człowieku najważniejsze, najskrytsze. Modigliani był poetą w świecie obrazowego przedstawiania ludzi. Ich twarze i sylwetki, na pierwszy rzut oka zupełnie odmienne od oryginałów, okazały się łatwo rozpoznawalne „od środka”. Artystka czuła i rozumiała ich udrękę i marzenie, ukryty ból lub pogardę, ucisk lub dumę, wyzwanie lub pokorę.

Pierwszy zauważył to na swoich obrazach Jean Cocteau: „Modigliani nie rozciąga twarzy, nie podkreśla ich asymetrii, nie wyłupuje z jakiegoś powodu jednego oka, nie wydłuża szyi. Wszystko to samo tworzy się w jego duszy. Tak nas malował przy stołach w Rotundzie, rysując bez końca, tak nas postrzegał, oceniał, kochał lub odrzucał. Jego rysunek był cichą rozmową. To był dialog między jego linią a naszymi liniami”. Ale tylko najbliżsi przyjaciele docenili artystę za jego życia. A kobiety… Był dla nich „księciem Toskanii”, tym mężczyzną, który nawet w nagiej skorupie ich ciał widział nie tylko piękne ciała, ale i dusze.

Dla Modiglianiego los przygotował życie trudne, niespokojne, pełne poszukiwań własnej drogi. Pierwszą, która to poczuła, była jego matka, Eugenia Garcin-Modigliani. Amedeo urodził się 12 lipca 1884 roku, dokładnie w chwili, gdy do domu jego rodziców w Livorno przybyli komornicy, aby odebrać majątek tej nieszczęsnej żydowskiej rodziny za długi. Zgodnie z włoskim prawem rzeczy rodzącej kobiety były nienaruszalne, dlatego na łóżku udręczonej kobiety krewni ułożyli wszystkie najcenniejsze rzeczy, które znajdowały się w domu. Matka uznała to za zły omen dla noworodka. Dedo, jak czule nazywała swojego syna, był czwartym i najbardziej ukochanym dzieckiem w rodzinie. Przez całe życie kochał swoją matkę za jej rzadkość cechy ludzkie charakter i umysł. Tylko jej Amedeo zawdzięczał swoją edukację. Evgenia Garsen, wychowana w atmosferze całkowitej wolności, w środowisku, w którym czysty umysł i talent były cenione bardziej niż pieniądze, zdołała zachować te cechy i zaszczepić je swoim dzieciom w bolesnej atmosferze rodziny Modiglianich, gdzie szczycili się że kiedyś byli „papieskimi bankierami”.

Amedeo nie kochał swojego ojca. Nieudany biznesmen Flaminio Modigliani zajmował się handlem drewnem opałowym i węglem oraz posiadał skromne biuro maklerskie związane z wydobyciem srebra na Sardynii, ale nie wiedział, jak prowadzić interesy. Żona nie musiała mieć nadziei, że utrzyma rodzinę. A ona, aby wyżywić siebie, swoje siostry, starszego ojca i dzieci – Emmanuele, Margaritę, Umberto i Dedo – wzięła w swoje ręce ratunek zdewastowanego domu. wspaniała wiedza literatura europejska oraz kilka języków obcych pozwoliło jej z powodzeniem zajmować się tłumaczeniami i jednocześnie udzielać lekcji dzieciom. Wkrótce zorganizowała w domu prawdziwą prywatną szkołę francuskiego i angielskiego, która była bardzo popularna w mieście. Dla pewnego Amerykanina, który zdecydował się zająć krytyką literacką, Evgenia Garsen przygotowała liczne artykuły, które pozwoliły mu dostać katedrę uniwersytecką. Amedeo dorastał w kreatywnym środowisku. Następnie, mieszkając już w Paryżu i porażając wszystkich swoją znajomością języków, literatury i ogólną erudycją, oświadczył z dumnym śmiechem, że jest to naturalne dla „syna i wnuka bankierów” ze strony ojca i potomka filozofa Barucha Spinoza ze strony matki (jego prababka była z domu Spinoza i być może była spokrewniona z rodziną filozofa, który nie miał dzieci).

Evgenia Garsen uważnie śledziła rozwój swojego syna. Kiedy miał dwa lata, napisała w swoim pamiętniku, że był „trochę zepsuty, trochę kapryśny, ale przystojny jak anioł”. Dedo był raczej uroczym chochlikiem, porywczym i niezrównoważonym, i tylko przy matce zachowywał się cicho i posłuszny, bojąc się ją zdenerwować. Tylko dzięki temu pomyślnie zdał egzaminy w Liceum, mimo niechęci do nauki. Ulubionym zajęciem chłopca było czytanie. Filozoficzne księgi Nietzschego, Bergsona, D'Annunzia, Spinozy, Uriela d'Acosta, poezja Leopardiego, Verlaine'a, Villona, ​​Rambo, Dantego, Mallarmego stworzyły desperackiego romantyka i upartego robotnika, na zawsze wprowadziły zamęt w jego duszy i zmusiły go do szukać swojej jedynej drogi.

O młodym „filozofie”, jak go nazywała rodzina i przyjaciele, jego matka pisała w 1895 r.: „Charakter tego dziecka nie jest jeszcze wystarczająco ukształtowany, abym mogła wyrazić o nim zdecydowaną opinię. Zobaczymy, co jeszcze rozwinie się z tego kokonu. Może artysta? Była jasnowidzem. Syn dorastał słaby, często chorował. Zapalenie opłucnej i tyfus były powikłane gruźlicą. Być może matka pomyślała, że ​​malarstwo będzie dla niego najlepszym zawodem, nie podejrzewając nawet, jak trudną drogę podąży jego talent.

W 1898 roku Amedeo, opuszczając Liceum, wstąpił do warsztatu Livorne, naśladowcy impresjonistów, Guglielmo Micheli, i zdobył poważne umiejętności techniczne. Rok później szkolenie przerwał ciężki wybuch gruźlicy. Leczenie w południowych Włoszech przeciągało się - nie bez korzyści dla talentu Amedeo. Odwiedzał z matką Torre del Greco, Neapol, Amalfi, Capri, Rzym. Wszystko, co zobaczył, wywarło na młodym człowieku ogromne wrażenie, a wczesną wiosną 1902 r., Utwierdzając się w pragnieniu zostania artystą, wstąpił do Wolnej Szkoły Rysunku z Aktu, a rok później kontynuował naukę, ale już w Wenecji. Amedeo zakochał się w tych miastach, a także w całej Italii i dawnej sztuce Włoscy mistrzowie- tak poetycko i subtelnie. Pociągało go malarstwo i rzeźba, fascynowały go formy i linie, poprzez które można było wyrazić głębię ludzkiej osobowości. Bardzo poważnie traktował poszukiwanie wyrazistego języka w swojej twórczości.

W tym stanie zamieszania w 1906 roku Amedeo przybył do Paryża. Jego matka, która nigdy nie wątpiła w jego talent, po raz pierwszy zebrała dla niego niewielką kwotę. Modigliani pojawił się wśród młodych artystów mieszkających na Montmartre jako swego rodzaju kolonia, niczym książę z bajki. Był olśniewająco przystojny. Duże czarne oczy błyszczały gorączkowo w matowej twarzy okalanej lekko kręconymi niebieskoczarnymi lokami. Jego latający chód, harmonijny wygląd i „gorący” głos przyciągały uwagę wszystkich. Był arystokratycznie uprzejmy, ale jednocześnie prosty i towarzyski. Za południową ekspansywnością nie od razu zauważono ciągły niepokój. Amedeo łatwo dogadywał się z ludźmi. Czarujący i inteligentny, brał udział w nieustannych sporach o trendy w sztuce nowoczesnej, żywo interesował się twórczością Picassa, Matisse'a, Vlamincka, Deraina, bronił prawa do istnienia dzieł dawnych mistrzów, ale sam nie przyłączył się do któryś z prądów. Modigliani poszukiwał i doskonalił swój niepowtarzalny styl.

Nieprawdopodobna umowność, niedopowiedzenie, a nawet „nieścisłość” miały swój własny, atrakcyjny autorytet. Gładkie miękkie lub twarde przerysowane linie, „prowadzące kolor”, tworzyły wrażenie głębi, „pozoru niewidzialnego”, zarysowywały „fizyczność Modiglianiego”. Artystka wiedziała, jak sprawić, by kolory oddychały, pulsowały, napełniały się życiem od środka. Naturalny kolor. Jego poszukiwania nie były dziełem artystycznym. Liczne portrety i „akt” (nagość) otrzymały psychologiczną pewność, przy całym zewnętrznym podobieństwie przestały być bezduszne i bez twarzy. Zawsze zgadywali „oraz charakter, los i wyjątkowość mentalnego magazynu” osoby. W końcu Modigliani, „wielki współczujący”, jak nazywali go przyjaciele, charakteryzował się „bolesnym, intensywnym zaglądaniem w ludzkie dusze”. „Istota ludzka jest tym, co mnie interesuje. Ludzka twarz jest najwyższym tworem natury. Dla mnie jest to niewyczerpalne źródło ”- powiedział malarz, hojnie się marnując. Każdy portret, każdy szkic stawał się częścią jego duszy, jego bólu.

Twórczości Modiglianiego nie było widać na licznych Salonach, ani na wystawach niezależnych, ani na wystawach osobistych, organizowanych dla niego przez przyjaciół. Do końca życia pozostawał niezrozumiany przez ogół społeczeństwa i bogatych marszandów. Artysta nigdy nie szukał dochodowych zleceń i nie zniżał się do rysowania znaków. Był biedny materialnie i bogaty duchowo. I ta dysharmonia między tym, co wewnętrzne, a tym, co zewnętrzne, również go paliła. Amedeo nie wiedział, jak walczyć o siebie i bronić swojej sztuki – żył w niej. Te same wyrzutki i niespokojne talenty stały się jego najlepszymi przyjaciółmi. Uwielbiał je rysować, podobnie jak proste praczki, szwaczki, cyrkowce, prostytutki, kwiaciarki. Modigliani widział ich czyste dusze, nieskalane codziennością i brudem zawodów, w zgiełku uczuć i czynów. Kochał i rozumiał tych wyrzutków i wywyższał ich swoją sztuką. Jego portrety to Mozart i Dostojewski w farbach.

A życie szybko potoczyło się w dół. Modigliani zdawał się tego nie zauważać. Ale inni to widzieli. W ciągu zaledwie kilku miesięcy w Paryżu zmienił się z eleganckiego dandysa w modnym garniturze w włóczęgę w pogniecionym ubraniu, ale z tym samym czerwonym szalikiem lub szalikiem. I nie jest to zaskakujące, ponieważ pierwszą osobą, z którą Amedeo się zbliżył, był Maurice Utrillo, najbardziej utalentowany artysta, w których nawet kamienie i tynki budynków ożywały na płótnach. Przyciągnął Modiglianiego swoją dziecinną wrażliwością, niepewnością i wciągnął go do alkoholowego basenu. Ale obok Maurycego zawsze była matka, w przeszłości słynna cyrkowa akrobatka Suzanne Valadon, która pozowała dla Renoira, Degasa, Toulouse-Lautreca, a teraz sławny artysta. Udało jej się wyciągnąć syna z dna. Amedeo nie miał nikogo do pomocy, a on nie przyjąłby niczyjej pomocy.

Na wpół zubożały Modigliani żył z dnia na dzień, skulony w zimnych slumsach i oddawał swoje rysunki za kieliszek taniego wina. Ale nie było dnia, żeby nie pracował, tylko nie było kupców na obrazy. Często modelki pozowały mu bez wynagrodzenia, współczujące kobiety karmiły swoich „Toskańskich Christos” i ogrzewały jego łóżko.

Amedeo lubił kobiety. Zostali przekupieni jego uprzejmością. Umiał wręczyć skromny bukiet fiołków z taką szlachetnością i wdzięcznością, jakby to były drogocenne kamienie.

Ale najczęściej Modigliani jadł źle i sypiał tam, gdzie było to konieczne. Fundusze przesłane przez matkę nie starczyły na długo. Nie cenił pieniędzy i bez wahania dzielił się nimi z potrzebującymi. Szczególnie trudno było związać koniec z końcem, gdy Amedeo, poznawszy rzeźbiarza C. Brancusiego, ponownie zdecydował się zająć rzeźbiarstwem (1909-1913). Zawsze marzył o nadaniu liniowemu rysunkowi żywotności i pulsującej zmysłowości „oddychających” objętości. Zafascynowany murzyńską prymitywnością i egipską plastycznością, zbliżoną do konturów jego malarskich modeli, Modigliani nadawał swoim rzeźbom „mętną czułość” w „sennym blaknięciu złoto-różowych tonów” piaskowca i drewna (słynne „Głowy”). . Ale kamienny pył pogorszył stan jego gardła i płuc. Ciotka Laura Garcin, odwiedzając ukochanego siostrzeńca w Ulu, gdzie mieszkał w żebraczym pokoju w hostelu artystów, była przerażona. Był na skraju wyczerpania fizycznego i nerwowego.

Przez prawie rok Modigliani wracał do zdrowia w domu swoich rodziców w Livorno. Ale do prawdziwej pracy potrzebował „dużego miasta” - Paryża, do którego wrócił. Wiosną 1910 roku Anna Achmatowa i Nikołaj Gumilow przybyli tam w podróż poślubną. Spotkanie Amedeo i Anny odbyło się w jednej z tawern, w której gromadziła się młoda bohema - artyści i poeci, w tym wielu Rosjan. Wydawał się jej bardzo malowniczym mężczyzną obok eleganckiego, utalentowanego, ale niekochanego męża. W swoich wspomnieniach Achmatowa napisała: „A wszystko, co boskie w Amedei, lśniło tylko przez jakąś ciemność. Miał głowę Antinousa i oczy ze złotymi iskrami - nie przypominał nikogo innego na świecie. Jego głos w jakiś sposób pozostał na zawsze w mojej pamięci. Znałem go jako żebraka i nie było jasne, jak żył.

Dwoje artystów, pędzle i słowa, poczuło niesamowitą magiczną moc przyciągania do siebie. Kochali tych samych poetów. Amedeo słuchał z zachwytem rosyjskiej poezji, podziwiając dźwięk niezrozumiałego języka. Królewska uroda młodej poetki zachwyciła jego wyrafinowany gust artysty. Według Achmatowej „widziała go niezwykle rzadko, tylko kilka razy”, ponieważ jej mąż był w pobliżu. I przez całą zimę pisał do niej listy pełne pasji i miłości. Dla niej Amedeo był jednocześnie daleki i bliski, był niewidocznie obecny w każdym wersie poezji.

W puszystej mufce ręce zmarzły.

Bałam się, byłam trochę zdezorientowana.

Och, jak cię odzyskać, szybkie tygodnie

Jego miłość, zwiewna i minutowa!

Po powrocie do Rosji, w wiejskim zaciszu, pod presją „głęboko przeżytego uczucia” Achmatowa tworzyła wersety, które stały się nieocenionym skarbem poezji. Korespondowali, a wśród poetyckiego sukcesu i uznania Anna ponownie wyjeżdża do Paryża (1911). Tym razem sam.

We wspomnieniach poetki nie ma nawet cienia intymności spotkań. Ciche spacery po Ogrodach Luksemburskich lub Dzielnicy Łacińskiej. Cichy deszcz bębniący w stary czarny parasol. Dwie osoby, przytulone do siebie, siedzą na wolnej ławce i czytają poezję. Honorowe wspomnienia brzmią bez twarzy. Ale sztuki nie da się oszukać.

Bawię się pijany z tobą -

Twoje historie nie mają sensu...

Jesień wcześnie zawieszona

Flagi są żółte na wiązach.

Oboje żyjemy w zakłamanym kraju

Wędrowałem i gorzko żałowałem

Ale dlaczego dziwny uśmiech

A zamrożony uśmiech?

Chcieliśmy piekącą mąkę

Zamiast pogodnego szczęścia...

Nie opuszczę przyjaciela

I nieostrożny i czuły.

Modigliani namalował Annę. Z 16 przekazanych jej rysunków starannie zachowała tylko jeden. Przyzwoity. Los pozostałych przez długi czas pozostawał nieznany. Achmatowa powiedziała, że ​​spłonęli w domu w Carskim Siole. Ale… „… Na szarym płótnie pojawiła się dziwna i niewyraźna” królewska głowa z hukiem, długą szyją i nagim pięknym ciałem. Tak właśnie Anna wystąpiła na obrazie „Akt z kotem” (il. nr 47), wystawionym na wystawie w Londynie w 1964 roku. A jesienią 1993 roku wystawa prac Modiglianiego z kolekcji jego przyjaciela i wielbiciel talentu P. Alexander po raz pierwszy odbył się w Wenecji. 12 rysunków Augusta Dokukina-Bobel przypisuje jako wizerunki Achmatowej. Te piękne akty są tego dowodem prawdziwe uczucia Anny i Amedeo. O przyzwoitych wspomnieniach poety I. Brodski mówił najszczerzej: „Romeo i Julia w wykonaniu rodziny królewskiej”.

Achmatowa wróciła do Rosji. Żyła czekając na listy, ale ich nie było. Życie Amedeo było wypełnione innymi kobietami. I tonął nie tylko w alkoholu, ale także w upojeniu haszyszem, od którego uzależnił się jeszcze w Wenecji. W listach do swojego przyjaciela Zborowskiego Modigliani albo obiecał pozbyć się nałogu, albo przyznał: „Alkohol izoluje nas od świata zewnętrznego, ale z jego pomocą wnikamy w nasze wewnętrzny świat a jednocześnie wprowadzamy to, co zewnętrzne. I żadna kobieta nie mogła mu pomóc. Kochali go takiego, jakim był: czułego i serdecznego, kiedy był trzeźwy; brutalny i okrutny w pijackim odrętwieniu. Ale przez długi czas obok niego nikt nie mógł stać.

Przez prawie dwa lata (1915-1916), co było najwyższym okresem w twórczości artysty, Modigliani mieszkał z angielską poetką i dziennikarką Beatrice Hastings (obecnie Emily-Alice Hay). Byli dziwną parą. Wysoka, posągowa, rudowłosa piękność w stylu Gainsborough, zawsze elegancko, ale dziwacznie ubrana, oraz nieco młodszy od niej i bosko przystojny Amedeo w malowniczych strojach. Ich życie dalekie było od rodzinnej sielanki. Dwa gwałtowne temperamenty skrzyżowały się tak, że ściany się trzęsły, sprzęty domowe fruwały i trzeba było wstawiać szkło. Beatrice była kobietą samowystarczalną i posiadała wiele talentów: występowała jako amazonka cyrkowa, pisała wiersze, pięknie śpiewała (rejestracja jej głosu była rozciągnięta od sopranu do basu), była utalentowaną pianistką, w kręgach literackich była ceniona jako inteligentna i „bezlitośnie dowcipny” krytyk. Ona, wg własne wyznanie, „szaleńczo zakochana w swoim rozwiązłym przyjacielu”. Przyjaciele przyznali, że tylko Beatrice mogła ożywić szalejącego Amedeo, ale ona sama uwielbiała pić.

Modigliani widział w niej dwie kobiety. Potrzebował takiej - a na zdjęciach jest bezradna, obrażona, bardzo kobieca, bez szoku i brawury. Nienawidził tego drugiego i rysował go jak karykaturę - kanciasty, niemiły, nadęty, kłujący. Ale doceniła talent artysty: „Mam Kamienna głowa dzieło Modiglianiego, z którym nie rozstałbym się za sto funtów. I wykopałem tę głowę ze śmietnika, a oni nazwali mnie głupcem, że ją uratowałem. Ta głowa ze spokojnym uśmiechem kontempluje mądrość i szaleństwo, głębokie miłosierdzie i lekką zmysłowość, odrętwienie i zmysłowość, iluzje i rozczarowania, zamykając to wszystko w sobie jako przedmiot wiecznej refleksji. Kamień ten czyta się równie wyraźnie jak Księgę Kaznodziei, tylko jego język jest pocieszający, bo w tym groźnym, jasnym uśmiechu mądrej równowagi nie ma ponurej beznadziejności.

Po „ucieczce” przed Modiglianim Beatrice stopniowo się degradowała, aw 1916 roku w jego życie wkroczyła młoda, spokojna kanadyjska studentka Simone Tirou. Na studia zarabiała pozując dla wielu artystów, ale sercem i duszą związała się z Amedeo. Kochała go bezinteresownie, ale z jakiegoś powodu był dla niej szczególnie okrutny. Artysta zignorował nieśmiałe prośby dziewczyny, by była bardziej miękka i mniej jej nienawidziła, i nie rozpoznał swojego syna. (Według Jeanne Modigliani w swojej książce o ojcu, dziecko urodzone przez Simone i adoptowane po jej śmierci w 1921 roku przez francuską rodzinę jest uderzająco podobne do Amedeo i najwyraźniej jest jej przyrodnim bratem).

Modigliani bezlitośnie zerwał z Simone i bardziej martwił się, że nie może pracować z kamieniem. Coraz częściej widywano go brzydko pijanego. Zgorszył, głośno śpiewał piosenki i recytował, oddawał się dzikim tańcom. Nieporozumienie, nierozpoznanie, niepokój, nędzna egzystencja talentu wybuchły w szaleństwie ruchów, które Gerard Philippe tak wiernie oddał w filmie „Montparnasse, 19”, grając rolę przeklętego geniusza. Francuzi nazywali go „Modi” (maudit – przeklęty). Zapewne nawet najbliżsi przyjaciele, wśród których było wiele uznanych i odrzuconych talentów (L. Zborovsky, D. Rivera, X. Soutine, M. Jacob, M. Kisling, J. Cocteau, P. Guillaume, O. Zadlin, M. Vlaminck, M. Talov, P. Picasso, J. Lipchitz, B. Sandar i wielu innych), nie zdawali sobie sprawy z głębi dysharmonii panującej w duszy artysty.

W swojej dojrzałej twórczości (1917-1920) Modigliani osiągnął idealną przejrzystość, wyrazistość i bogactwo malarstwa. Ciągły, nieustanny przepływ portretów jest po prostu niesamowity. Jakby niedbale, w kilku pociągnięciach szkic odsłonił duszę modelki. J. Cocteau porównał Modiglianiego „z tymi pogardliwymi i aroganckimi Cyganami, którzy sami siadają przy stole i zgadują ręką”. Nigdy nie wychodził z domu bez swojej zwykłej niebieskiej teczki i ołówków. Nikt nie mógł się ukryć przed jego przenikliwym spojrzeniem. Malował bez przygotowania i bez poprawek. Przyjaciele, którzy chcieli mu pomóc, zamawiali własne portrety (innych zleceń nie przyjmował, ale dawał prace w prezencie lub opłacał nimi rachunki), ale nie za bardzo mu się to udawało. Modigliani namalował portret w 3-4 godziny, w ciągu jednej sesji, którą oszacował na 10 franków. Mówił słynny artysta L. Bakst rysunek przygotowawczy, który Amedeo stworzył w kilka minut: „Spójrz, z jaką dokładnością to się robi. Każda cecha twarzy jest jakby wyryta igłą, a nie jedna poprawka! Każdy rysunek był małym arcydziełem, a Modigliani, jak bogaty człowiek, nie skąpił, rozdając je setkami.

Kontrast między harmonią i integralnością twórczej wizji artysty a duchową beznadzieją został głęboko zrozumiany i doceniony przez Jeanne Hebuterne. Amedeo spotkał ją w lipcu 1917 roku. I jak można było przejść obok tego sumiennego początkującego artysty, pracowitego, spokojnego i ubóstwiającego swój talent! Oczywiście zmarnował swoją młodzieńczą urodę: skrócił włosy, poczerniał zęby w ustach, a nawet ich brakowało. Jedynie promienny wygląd i duchowość alabastrowobiałej twarzy zdradzały byłego zdobywcę kobiecych serc. Dla niego 19-letnia Jeanne była idealnym wzorem. Drobna brązowowłosa kobieta z ciężkimi warkoczami koloru ciemnego złota, wydłużonymi proporcjami twarzy, szyi, ciała, dokładnie wywodzącymi się z jego obrazów, i półprzezroczystą bladą skórą. „... Wydawała się nieoczekiwana obok niego. Była jak ptak, łatwo się przestraszyła. Kobiecy, z nieśmiałym uśmiechem. Mówiła bardzo cicho. Nigdy łyk wina. Patrzyła na wszystkich jakby zaskoczona ”- wspomina I. Erenburg. Jej umysł charakteryzowano jako trzeźwy i sceptyczny, a jej humor nazywano gorzkim. Ona sama była osobą o doskonałych inklinacjach artystycznych i czytała w duszy Amedeo jak w księdze. Dla niego Jeanne ją zostawiła zamożna rodzina, która uważała, że ​​na wpół biedny, nierozpoznany, pijący malarz, żyjący jak kłębek, a do tego pół-Żyd, nie jest dla niej odpowiednikiem. Ale cicha dziewczyna miała taką siłę charakteru, że zakochawszy się, pozostała wierna i oddana do końca, gardząc wszystkimi trudnościami, które ją spotkały.

Dom Amedeo i Jeanne bardziej przypominał żebraczą chatę. Próby ułożenia sobie życia były z góry skazane na niepowodzenie. Modigliani nie rozpoznawał szafek, półek, serwetek. Wszystkie nieśmiałe próby uratowania ukochanej osoby przed głównym problemem - winem i haszyszem - zakończyły się niepowodzeniem. Joanna często musiała szukać awanturniczego Amedeo w tawernach iz macierzyńską troską wprowadzać go do domu, aby nie błąkał się nocą po ulicach. Patrząc na jego dzikie spojrzenie, białe usta, wychudzone ciało, które dopadało straszliwym kaszlem, wybaczyli mu wiele i przynieśli kolejny kieliszek wina. Joanna często musiała znosić bicie po pijanemu, ale nigdy się nie skarżyła, bo wiedziała, że ​​za jej gwałtownym temperamentem kryje się serce krwawiące z bólu, nierozpoznany geniusz i wspaniały przyjaciel. Miał taki dar rozumienia ludzi, że przez całe życie ani jedna osoba się z nim nie pokłóciła.

Jeanne nie udało się zmusić Amedeo do poważnego potraktowania jego zdrowia. W marcu 1918 r. L. Zborowski, ochotniczy marsz („handlarz obrazami”), który poświęcił życie Modiglianiemu, a rodzice pogodni z córką wysłali ich do Nicei na leczenie. Jeanne spodziewała się dziecka, a Amedeo poszedł raczej ze względu na nią. Tutaj 29 listopada urodziła się dziewczynka, której nadano imię po matce. „Jestem bardzo szczęśliwy” – napisał Modigliani do krewnych w Livorno, ale nie zmienił swojego nastawienia do życia. W liście do Zborowskiego był szczery: „Och, te kobiety! .. Najlepszym prezentem, jaki można im dać, jest dziecko. Tylko nie spiesz się z tym. Nie wolno im pozwolić wywrócić sztuki do góry nogami, muszą jej służyć. A naszym zadaniem jest mieć na to oko”.

Ale Zhanna była nie tylko oddaną żoną, ale także utalentowaną artystką, o czym świadczą jej niestety nieliczne pejzaże i portrety Modiglianiego i Marka Talova. Ale przede wszystkim była ulubioną modelką Amedeo. Stworzył wiele jej portretów i rysunków ołówkiem. Wszystkie dzieła artysty z tego okresu wyróżniają się szczególnym oświeceniem i są najbardziej harmonijne ze wszystkich, które stworzył. Czego nie można powiedzieć o jego życiu. Kiedy zaniepokojeni Zborowscy powiedzieli Żannie, że Amedeo trzeba uratować, powiedziała powoli iz przekonaniem: „Po prostu nie rozumiesz – Modi na pewno musi umrzeć. Jest geniuszem i aniołem. Kiedy umrze, wszyscy natychmiast to zrozumieją”.

Nic nie mogło zmienić nieuniknionego, a Jeanne rozumiała to jak nikt inny. Ani nagły wzrost popytu na jego obrazy (zwłaszcza poza Francją), ani córeczka, którą kochał, ani oczekiwanie na narodziny drugiego dziecka. Śmierć stanął w drzwiach. Jeanne i Amedeo wiedzieli o tym. Zborovsky przypadkowo zobaczył dwa niedokończone obrazy Żanny: na jednym wbiła nóż w klatkę piersiową, na drugim wypadła z okna ...

W połowie stycznia Modigliani, notorycznie pijany, włóczył się po Paryżu w poszukiwaniu młodych artystów, a potem zasnął na zaśnieżonej ławce. Wrócił do domu o świcie i położył się do łóżka. Jeanne, nie wzywając nikogo na pomoc, w milczeniu usiadła obok niego. Zaskoczeni ciszą przyjaciele, de Sarte i Kisling, wezwali lekarzy. Diagnoza była rozczarowująca: zapalenie nerek i gruźlicze zapalenie opon mózgowo-rdzeniowych. 22 stycznia Amedeo został przeniesiony do Charite, szpitala dla biednych i bezdomnych, gdzie 24 stycznia 1920 roku o godzinie 20:00. 50 minut umarł. W ostatnie godziny bredził o Italii i wzywał Joannę, kobietę, z którą „nie miał czasu” się ożenić, chociaż dał pokwitowanie w obecności świadków, którzy urodzili mu córkę i byli w dziewiątym miesiącu ciąży.

Jeanne w milczeniu, bez jednej łzy, stanęła nad jego ciałem i wróciła do rodziców. 25 stycznia o godzinie 4 rano rzuciła się z szóstego piętra, poszła do swojego Amedeo i zabrała ze sobą ich nienarodzone dziecko.

Przyjaciele pochowali Modiglianiego „jak książę” (zgodnie z życzeniem jego brata Emmanuele) na cmentarzu Pere-Lachaise. Setki ludzi przybyły, aby pożegnać go w jego ostatniej podróży. Dzień później rodzice Jeanne pochowali ją na odległym paryskim cmentarzu. Rok później, pod naciskiem rodziny Modiglianich, w której wychowywała się ich córka Jeanne, niezamężni małżonkowie spoczęli pod jedną płytą. Obok wyryte jest imię Amedeo: „Śmierć dopadła go u progu chwały”, a pod imieniem Hebuterne – „wierny towarzysz Amedeo Modiglianiego, który nie chciał znieść rozłąki z nim”. Byli sobie wierni w życiu, w smutku i śmierci.

Światowa sława – to „nieogrzewające słońce umarłych” – rozświetliło imię Modiglianiego zaraz po śmierci, zgodnie z przewidywaniami Jeanne (jej portret na aukcji Sotheby's został sprzedany za 15 milionów dolarów). Stał się „wielki”, „wyjątkowy”, „genialny”. Ale artysta zawsze taki był. Jego drżący, pierwotny ludzki talent nie może być mierzony pieniędzmi i pośmiertnym kultem. Geniusza trzeba zrozumieć za życia.