Pojęcie i rodzaje twórczości plastycznej

Jak wspomniano wcześniej, sztuka plastyczna to proces tworzenia przez dzieci nowych, subiektywnie i obiektywnie znaczących obrazów plastycznych w trakcie przekształcania ich osobistych i artystycznych oraz wizualnych doświadczeń związanych z pracą z tworzywami sztucznymi, w celu odzwierciedlenia ich nastroju, stosunku do świata i siebie, swoich wrażeń uzyskanych poprzez obserwację przyrody, studiowanie dzieł sztuki, artystycznego słowa.

Rodzaje twórczości plastycznej.

Formowanie objętościowe i reliefowe- jest to rodzaj działań plastycznych i wizualnych mających na celu stworzenie rzeźbiarskiego obrazu związanego z pracą na miękkich tworzywach sztucznych. Jest to proces tworzenia trójwymiarowego i półobjętościowego (reliefowego) obrazu przestrzennego, który odzwierciedla wiele obiektów, obiektów otaczającego życia (kolor m.in. ryc. 42).

Modelowanie wolumetryczne

Ryż. 42. Żenia (5 lat i 9 miesięcy). ognisty Ptak

plastelografia- jedna z technik pracy z tworzywami sztucznymi, której istotą jest tworzenie płaskiego lub wypukłego obrazu przy użyciu miękkich materiałów, poprzez rozmazywanie ich po powierzchni. W plastelografii ważne jest mieszanie kolorów tworzyw sztucznych, uzyskując wiele odcieni, aby uzyskać wyrazistość obrazu (kolor m.in. ryc. 43).

plastelografia

Ryż. 43. Ola (6 lat i 7 miesięcy). Wiosna

papierowy plastik- metoda tworzenia wolumetrycznych i reliefowych obrazów plastycznych z odpowiednio przygotowanej masy papierniczej.

Papier mache- jedna z technik artystycznych, polegająca na odtworzeniu sylwetek różnych przedmiotów, obiektów poprzez wstępne ich wielowarstwowe sklejenie, a następnie zaprojektowanie powstałej kopii.

materiały plastikowe.

Glina. Na zajęciach z przedszkolakami najczęściej wykorzystuje się terakotę, szarą i białą glinkę. Każda glina zawiera piasek iw zależności od zawartości zanieczyszczeń dzieli się na oleistą (2-3% piasku), średnią (około 15%) i chudą (około 30%).

Praca z gliną ma swoje własne cechy. Możesz określić stopień przygotowania gliny do pracy, miażdżąc mały kawałek w dłoniach i wytaczając z niego kulkę. Jeśli glina jest zbyt tłusta, będzie kleić się do rąk, jeśli jest zbyt rzadka, pęknie. Do pracy potrzebna jest glina o średniej zawartości tłuszczu.

Przed rzeźbieniem glinę należy oczyścić: zebrać śmieci, kamyki rękami, wysuszyć, zmiażdżyć w płóciennej torbie młotkiem lub młotkiem i przesiać do wiadra o 1/3, a następnie dodać taką samą ilość wody , potrząśnij drewnianym patyczkiem, odstaw, ostrożnie usuń zanieczyszczenia unoszące się na wierzchu i spuść nadmiar wody. Spęczniała glina jest zbierana z wiadra bez wpływu na dolną warstwę (jest nadmiar piasku i ciężka frakcja gruzu) i rozprowadzana warstwą o grubości 1-1,5 cm na stosie gazet w celu usunięcia nadmiaru wody. Innym sposobem na usunięcie wody jest przeniesienie płynnej gliny do płóciennego worka, mocno zawiązanego, ułożenia worka na stosie gazet, przykrycia sklejką i dociśnięcia ładunkiem na dzień lub dwa. Przygotowaną glinę ugniata się ręcznie do stanu plastycznego. Lepiej przechowywać go w plastikowym zbiorniku lub wiadrze, przykrytym wilgotną ściereczką. Produkty wykonane z niewypalonej gliny są bardzo delikatne i boją się wody. Aby go wzmocnić, możesz użyć kleju biurowego lub kleju PVA. Klej PVA dodaje się w ilości 1-2 łyżeczek na 1 kg puree z gliny, po czym ponownie dokładnie go myje. Klej do papeterii dodaje się w ilości 1-2 łyżek stołowych na 1 kg gliny. Podczas suszenia masa klejąca gliny szybko twardnieje i bardzo trudno ją namoczyć, dlatego konieczne jest przechowywanie surowców w zawiązanej plastikowa torba nie dłużej niż jeden dzień.

Rzemiosła gliniane można wypalać w piecu muflowym lub po dobrym wyschnięciu malować gwaszem z dodatkiem żółtka lub tempery.

Plastelina(z włoskiej plastiliny, z greckiego plastos - stiuk) - sztuczny materiał stworzony specjalnie do modelowania i modelowania. Plastelina jest wytwarzana z oczyszczonej i rozdrobnionej gliny z dodatkiem wosku, olejów, barwników i innych substancji, które decydują o właściwościach i właściwościach określonego rodzaju plasteliny. Plastelina była znana jako materiał do modelowania od bardzo dawna, była używana do wykonywania prac w średniowieczu. Jest plastelina rzeźbiarska i dziecięca. Rzeźbiarska plastelina jest używana przez rzeźbiarzy, artystów, modelarzy i rzeźbiarzy. Zwykle ma kolor szary lub zielonkawo-szary i jest sprzedawany na wagę. Obecnie w sprzedaży dostępne są różne rodzaje plasteliny produkcji krajowej i zagranicznej. Plastelina jest monofoniczna i kolorowa. Można go mieszać i uzyskiwać nowe kolory i odcienie. Jeśli gotowy produkt zanurz plastelinę w parafinie podgrzanej w łaźni wodnej, to wygładzi całą szorstkość. Aby długo zachowały plastelinowe rzeźby, można je polakierować, po uprzednim obtoczeniu w mące, proszku do zębów lub kredzie.

Plastikowy(suralin) - rodzaj plasteliny, jest nieszkodliwą dla zdrowia masą, która łatwo ulega zmianom podczas procesu modelowania. Plastikowe wyroby nie odkształcają się podczas transportu i nie są narażone na działanie czynników zewnętrznych (ciepło, zimno, woda). Produkty wykonane z plastiku są trwalsze niż te wykonane z plasteliny. Możesz nadać twardość w następujący sposób: opuść produkt do gorąca woda lub włożyć do nagrzanego piekarnika.

Mukosol, lub słone ciasto . Można go zdobyć na kilka sposobów. Po pierwsze: 1 szklanka mąki + 1/2 szklanki soli + 1/4 szklanki wody. Drugie: 3 szklanki mąki pszennej + 1 szklanka mąki żytniej + 2 szklanki soli + 1,5 szklanki wody. Trzecie (bez soli) 1 szklanka mąki + "L szklanka wody + 1 łyżka kleju PVA (ten przepis stosuje się aby dzieci nie miały podrażnień skóry dłoni od soli). Przyjemny w dotyku, plastyczny, miękki, delikatny, całkowicie nieszkodliwy z punktu widzenia ekologii i alergenów, materiał jest łatwy w czyszczeniu i nie pozostawia śladów. Odpowiednie przygotowanie materiału sprawia, że ​​jest wytrzymały, nie pęka, nie kruszy się. Rzemiosło z ciasta solnego może być malowane i lakierowane lub samo ciasto może być barwione przez dodanie barwnika spożywczego podczas ugniatania.

masa papierowa. Do modelowania z drobno pociętego lub porwanego papieru i gęsto zaparzonej pasty skrobiowej. Z niego możesz wyrzeźbić dowolny kształt. Po wyschnięciu stają się twarde i trwałe. Można je pomalować, a następnie pokryć lakierem, klejem lub parafiną. Zamiast masy papierniczej do modelowania można również użyć trocin (soda oczyszczona, kilka łyżek kleju do drewna, trociny dodaje się do schłodzonej pasty mącznej i miesza). Produkty wykonane z powstałej masy suszy się w ciepłym miejscu. Powierzchnia takich figurek ma piękną fakturę.

Jedną z odmian masy papierniczej są gazety i arkusze zwykłego papieru listowego, które po skręceniu tworzą najwięcej różne obrazy. Takie produkty są mocowane za pomocą taśmy papierowej (malarskiej). Skończona praca później możesz malować, dekorować kawałkami kolorowego papieru i lakierować dla wzmocnienia. Takie rękodzieło to niedrogi sposób na dekorację każdego środowiska.

Śnieg i piasek. Jednym z warunków pracy z tymi materiałami jest odpowiednia wilgotność. Suchy piasek kruszy się, śnieg nie pleśnieje w mroźną pogodę, ale gdy tylko te materiały uzyskają niezbędną wilgoć, zaczynają zachowywać nadany im kształt. Zazwyczaj produkty wykonane z tych materiałów są dość duże i służą do zabawy. Narzędziami do obróbki takich rzeźb są również zabawkowe szpatułki, łopatki, foremki itp.

Łopian. Są to kwiatostany chwastów - łopianu. Dzięki kolcom dobrze się ze sobą łączą i długo zachowują swój kształt. Łopian należy zużyć zaraz po zerwaniu lub tego samego dnia. Nadaje się do rzeźbienia postaci o wyrazistym, rozpoznawalna sylwetka(niedźwiadki, słonie, wiewiórki, króliczki). Aby ozdobić figury uformowane z łopianu, możesz użyć guzików, koralików, plasteliny, zapałek, nici, strzępów i wielu innych. Zabawki z niego wykonane mogą być wykorzystywane w grach, są przechowywane na wystawach przez rok.

Materiały pomocnicze. Należą do nich przede wszystkim ramy, które stosuje się w celu nadania rzeczom większej wytrzymałości, lekkości lub oszczędności materiału. Ramki zawierają cienkie, spiczaste patyczki, które trzymają części razem, miękki drut, wydrążony skorupka jajka, masa papierowa, papierowe kubki, foremki wycięte z pojemników na jajka, celuloidowe foremki na słodycze i inne materiały. Czasami sztukaterie zdobione są intarsjami. Mogą to być koraliki, koraliki, kamyki, muszle, nasiona roślin, kora, gałęzie, żołędzie, łupiny orzechów, zboża, a także inne naturalne i nienaturalne materiały.

Wyposażenie: deski; stosy o różnych rozmiarach i kształtach; maszyny stacjonarne z obracającym się kołem; dwa stabilne słoiki z ciepłą i zimną wodą, jeśli dzieci pracują z plasteliną.

Typy modelowania:

Natura: realistyczny, stylizowany, abstrakcyjny.

Według kształtu: okrągły, tłoczony.

Cechy kreatywności plastycznej. Kreatywność plastyczna to nie tylko fascynująca, ale także przydatna aktywność dla przedszkolaków. Tworząc plastikowy obraz z życia, z pamięci lub rysunku, dzieci zapoznają się z formą, fakturą, w wyniku czego rozwijają się zdolności motoryczne palców, co przyczynia się do rozwoju mowy. Maluchy uczą się uważniej badać przedmioty, co rozwija ich zdolność obserwacji. W modelarstwie dziecko ma do czynienia z właściwą formą przedmiotu, dotyka go własnymi rękoma ze wszystkich stron. Wielokrotnie powtarzaliśmy: im więcej analizatorów bierze udział w ankiecie, tym bardziej szczegółowe i klarowne staje się wrażenie.

Technika modelowania jest tak prosta, że ​​jest dostępna nawet dla małych dzieci. Każdy rodzaj aktywności wzrokowej rozwija określone cechy u dzieci. Dopiero podczas rzeźbienia dziecko zapoznaje się z trójwymiarowym kształtem przedmiotu, wzajemnym powiązaniem jego części, rozwija umiejętność pracy dwiema rękami, umiejętność koordynowania ruchu rąk, motorykę małą palców , oko i myślenie przestrzenne rozwijają się bardzo aktywnie. Im częściej dziecko zajmuje się modelowaniem, im bardziej różnorodny jest materiał, z którego rzeźbi, tym aktywniej rozwijają się jego zdolności ogólne i wizualne. Oryginalność modelowania polega na tym, że dzieci poznają trójwymiarowy sposób przedstawiania przedmiotów.

Modelarstwo może być również wykorzystane jako element przy budowie budowli z piasku, gliny, naturalny materiał. Rzeźbienie dużych form jest mało praktykowane w przedszkolu, natomiast dzięki temu typowi można rozwinąć wiele umiejętności wizualnych w plastyce.

Dzieci powinny być zaangażowane w modelowanie dekoracyjne, które w rzeczywistości jest jednym z głównych elementów wystroju wnętrz. Lepiej zacząć od stworzenia płaskorzeźb, z których można następnie zrobić fryz. Talerz z ceramiki lub grubej tektury (15x15 cm) pokryty jest warstwą plasteliny, to jest tło dla płaskorzeźby. Następnie z grubszej warstwy plasteliny o kontrastowym kolorze wycina się obraz w stosie i przenosi na tło. Następnie następuje wykończenie: wykonanie detali, smarowanie, wygładzanie. główny cel te zajęcia - uczyć dzieci poprawiania swojej pracy, osiągania wyrazistości obrazu.

Rozwój figuratywnego postrzegania świata, umiejętności wizualne w modelowaniu zależą w dużej mierze od doświadczenia percepcji i studiowania dzieł rzeźbiarskich przez dzieci. Kreatywność dzieci jest symbolicznie wzbogacony, jeśli nauczyciel używa go na zajęciach dzieła literackie, muzyka, emocjonalna historia. Pomaga rozwijać wyobraźnię.

Skuteczność i efektywność twórczości plastycznej dzieci zależy od bogactwa i różnorodności obserwacji przyrody. Obserwacje te należy organizować spacerami do parku, poza miasto. Ale nawet w znajomym obszarze na dzieci czekają nieoczekiwane odkrycia.

Obserwacja obrazów z życia przyrody rozwija w dzieciach życzliwość, poczucie humoru, budzi miłość do świata żywego. Takie obserwacje należy wzmocnić oglądając ilustracje w książkach, na pocztówkach. Nie wiedząc, jak obserwować, dziecko nie ma materiału do refleksji, a bez refleksji sama twórczość jest niemożliwa.

Formowanie objętościowe.

Rzeźbienie przedmiotu od oddzielne części (konstruktywny sposób ) - najprostszy sposób, gdy plastikowy obraz składa się z części wykonanych wcześniej przez dziecko. Najpierw formowane są duże części, potem mniejsze, a na końcu najmniejsze. Tutaj ważne jest, aby nauczyć się łączyć ze sobą części, aby były proporcjonalne.

Rzeźbienie przedmiotu sposób plastyczny (rzeźbiarski) - z całego kawałka. Wymaga dokładności ruchów, dobrego oka i jasnego wyobrażenia o kształcie i proporcjach przedmiotu, przedmiotu modelowania. To jest bardziej skomplikowany sposób. Przed przystąpieniem do modelowania dziecko musi wyobrazić sobie obrazek, jego kształt, charakter, położenie w przestrzeni, pozę. Tworzenie obrazu rozpoczyna się od wstępnego nadania ogólnej sylwetki materiałowi, po czym dziecko stopniowo przystępuje do rzeźbienia każdej części uformowanej objętości. Przedszkolak modeluje kształt różnorodnymi ruchami: ciągnie i zgina, skręca i zgniata, naciska i szczypie. Nieustannie sprawdza każdy swój ruch pod kątem dokładności, porównuje powstałe formy z wyimaginowanym obrazem lub rzeczywistym przedmiotem.

Metoda łączonałączy metody konstruktywne i plastyczne, pozwala na urozmaicenie technicznie plastycznych obrazów. Największe detale można wykonać rzeźbiarsko, a detale konstrukcyjnie. Z jednej strony ułatwia to zadanie, z drugiej pozwala dziecku uzyskać wyrazistość obrazu (kolor m.in. ryc. 44).

"Z. V. POGODINA TEORIA I METODOLOGIA ROZWOJU PIĘKNEJ KREATYWNOŚCI DZIECI Zalecana przez Federalną Instytucję Państwową „Federalny ...”

ŚREDNIE SZKOLNICTWO ZAWODOWE

SV POGODINA

TEORIA I METODY

ROZWÓJ DZIECKA

CIENKI

KREATYWNOŚĆ

federalna agencja rządowa

„Federalny Instytut Rozwoju Edukacji” as

podręcznik do użytku w proces edukacyjny

instytucje edukacyjne wdrażanie programów szkół średnich kształcenie zawodowe Numer rejestracyjny recenzje 170 z dnia 28.04.2009 FGU "FIRO"

Wydanie 4, stereotypowe UDC 373.2(075.8) BBK 74.201ya73 P433

R e n s e n t s:

Kandydat nauk pedagogicznych, profesor Katedry Teorii i Metod Nauczania Dzieła wizualne Moskiewski Państwowy Uniwersytet Pedagogiczny S. E. Ignatiew;

Kandydat nauk pedagogicznych, profesor nadzwyczajny Katedry Metod Wychowania Przedszkolnego Mordowskiego Państwowego Instytutu Pedagogicznego im. V.I. ME Evsevyeva OI Maksimkina;

Zastępca Dyrektora ds. Pracy Naukowej i Metodologicznej Kolegium Pedagogicznego nr 15 w Moskwie, Czczony Nauczyciel Rosji N. F. Klimkina S. V. Pogodina

P433 Teoria i metodyka rozwoju plastyki dzieci: podręcznik. zasiłek dla studentów. średnie instytucje. prof.

edukacja / S. V. Pogodina. - wyd. 4, wymazane. - M.: Centrum Wydawnicze „Akademia”, 2013. - 352 s., s. przełęcz. chory.

ISBN 978-5-7695-9709-1 Podręcznik powstał zgodnie z federalnymi standardami edukacyjnymi dla specjalności 050144 Edukacja przedszkolna i może być wykorzystany w opracowaniu modułu zawodowego PM.02 „Organizacja różnego rodzaju zajęć i komunikacji dzieci” (MDK.02.03).

Podręcznik omawia różne rodzaje sztuki (malarstwo, grafikę, rzeźbę, architekturę, wzornictwo, sztukę ludową i rzemiosło), techniki rozwijania plastyki dzieci wiek przedszkolny.

Dla uczniów szkół średnich zawodowych.

Może być przydatny dla nauczycieli przedszkoli.

UDC 373.2(075.8) LBC 74.201-73 Oryginalny układ niniejszej publikacji jest własnością Centrum Wydawniczego Akademii, a jego powielanie w jakikolwiek sposób bez zgody właściciela praw autorskich jest zabronione © Pogodina S.V., 2010 © Centrum Edukacyjno-Wydawnicze " Akademia”, 2010 ISBN 978-5-7695-9709-1 © Projekt. Centrum Wydawnicze „Akademia”, 2010

PRZEDMOWA

Na obecny etap rozwój nauk pedagogicznych, problem kształtowania się kultury estetycznej, duchowej człowieka, jego rozwój twórczy jest dominacją rozwoju cywilizowanego. W edukacji, jako zjawisku cywilizacyjnym, występuje także orientacja na jednostkę, jej subkulturę, która czyni ze sztuki najważniejszy czynnik duchowej odnowy zarówno społeczeństwa jako całości, jak i indywidualna osoba. Rozwijając nowoczesne teorie i koncepcje edukacji, nauki pedagogiczne opierają się na państwie federalnym standard edukacyjny(FGOS) nowej generacji dla średnich szkół zawodowych, w których istotną rolę odgrywa kształcenie specjalisty zdolnego do organizowania różnego rodzaju zajęć wytwórczych dla dzieci, w tym plastycznych.

Dlatego bardzo ważne w warunkach średniego szkolnictwa zawodowego jest zapewnienie uczniom możliwości zdobywania praktyczne doświadczenie w określaniu celu, celów, treści, metod i środków kierowania aktywnością wzrokową dzieci w wieku wczesnoszkolnym i przedszkolnym. A staje się to możliwe tylko wtedy, gdy uczniowie mają dobre podstawy teoretyczne i metodyczne, które leżą u podstaw organizacji procesu zapoznawania przedszkolaków z podstawami sztuki pięknej i monumentalnej. sztuka dekoracyjna na praktyce.

Biegłość w metodach, technikach, formach organizacji działalności produkcyjnej kształtuje się pod warunkiem, że nauczyciel posiada wiedzę teoretyczną i wysoki poziom praktycznego szkolenia studentów w kolegiach pedagogicznych. Teoria pomaga wzbogacić praktyczną działalność przyszłego pedagoga o nową wiedzę, urozmaicić ją. Praktyka przyczynia się do testowania stanowisk teoretycznych, czyniąc je aktywnymi pedagogicznie. Zatem dopiero korelacja teorii z praktyką jest wskaźnikiem opanowania przez uczniów wszystkich niezbędnych kompetencji zapisanych w WOT nowej generacji.

W związku z tym ważnym i znaczącym wydaje się wyposażenie przyszłych specjalistów wychowania przedszkolnego w niezbędny system wiedzy, obejmujący zagadnienia z zakresu psychologii, pedagogiki, filozofii, estetyki i oczywiście historii sztuki. Na podstawie wiedzy o rodzajach plastyki możliwe jest kształtowanie wyobrażeń uczniów na temat plastyki dziecięcej oraz cech organizacji różnych rodzajów plastyki. Przepis ten odróżnia tę instrukcję od istniejących. Mając pojęcie np. o środkach wyrazu w architekturze, student będzie mógł bardziej profesjonalnie podejść do nauczania dzieci cech tworzenia konstruktywnego wizerunku.

Główne postanowienia teorii sztuki są centralnym składnikiem umiejętności wizualnych, które powinny być zawarte w ogólnej teorii i szkolenie praktyczne studenci. Przyszły nauczyciel musi biegle posługiwać się nie tylko metodologicznymi aspektami organizacji plastyki dzieci, sztuk plastycznych, ale także technikami artystycznymi, które pozwalają dzieciom na urozmaicenie sposobów przedstawiania otaczającego ich świata, ich wrażeń z niego.

piętno Podręcznik ten ma na celu dostarczenie uczniom materiału związanego z analizą metodyki zapoznawania przedszkolaków z rodzajami plastyki. Pokazuje, jak wiedza pewne rodzaje sztuki można wykorzystać w pracy z przedszkolakami i jaką wartość mogą one mieć w procesie ich twórczego rozwoju. Pogląd ten podyktowany jest faktem, że humanizacja edukacji jest jednym z problemów nowoczesna nauka polega na skupieniu się na rozwoju indywidualności twórczej każdego dziecka.

Jednym z tych warunków jest przekazywanie doświadczenia artystycznego z pokolenia na pokolenie jako systemu historycznie ustalonych, ogólnie przyjętych właściwości i relacji „artystycznych”, wypracowanych przez wiele pokoleń artystów i zasymilowanych przez konkretną osobę jako zestaw narzędzi artystycznych i wizualnych.

Do doświadczenia artystycznego zaliczane są jako indywidualne odkrycia - nieśmiertelne dzieła sztuki, a także technologii ich tworzenia, które udoskonalając przeszły do ​​praw i reguł sztuk pięknych. Tylko jeśli opanują podstawy alfabetyzacji wizualnej, przedszkolaki będą mogły nauczyć się „czytać” już stworzone prace i „pisać” własne obrazy.

Podręcznik rozpoczyna się od uzasadnienia pojęcia „plastyka dziecięca” i jego interakcji z innymi pojęciami, po czym następuje obszerna analiza etapów kształtowania się twórczości przedszkolaków w różnych jej formach. Badanie teorii i metodologii zapoznawania dzieci w wieku przedszkolnym z rodzajami, gatunkami, technikami plastycznymi jest logiczną kontynuacją wcześniej rozważanego materiału.

Podręcznik składa się z szeregu rozdziałów, które obejmują zagadnienia teorii i metodologii rozwoju plastyki dzieci.

Materiał teoretyczny uogólnione i skonkretyzowane w przykładach podanych w trakcie wyjaśniania jednego lub drugiego przepisu świadczenia.

Na końcu każdego tematu znajdują się pytania i zadania, które pozwalają studentom na sprawowanie samokontroli nad jakością przyswojenia prezentowanego materiału. Polecana literatura pozwala studentom na głębsze zastanowienie się nad interesującą ich problematyką.

SEKCJA I. TEORIA I METODY

PRZEDSTAWIAMY DZIECI W PRZEDSZKOLAKU

Z RÓŻNYMI RODZAJAMI SZTUKI

–  –  –

Malarstwo (od „na żywo” i „napisz”) jest jednym z nich najważniejsze typy sztuk plastycznych, których prace odzwierciedlają na płaszczyźnie całą różnorodność otaczającego świata poprzez różnokolorowe materiały barwiące. Istnieje wiele definicji tego pojęcia, które charakteryzują malarstwo pod kątem jego malarskich możliwości. Jednocześnie często pomijany jest inny aspekt – indywidualno-osobisty, mentalny i duchowy stosunek artysty do tworzonego dzieła.

Świat malarstwa jest bogaty i złożony i nie sposób go oceniać jedynie z pozycji praw, wzorców i reguł wypracowanych przez ludzkość w toku historycznego rozwoju. W malarstwie istnieje różnorodność stylów i nurtów odprzedmiotowujących rzeczywistość, ukazujących jej duchową istotę. Każdy artysta widzi to na swój sposób i każdy widz interpretuje to biorąc pod uwagę swój światopogląd, światopogląd.

Obiektywnie oceniając to lub inne dzieło sztuki, należy wziąć pod uwagę charakterystyczne cechy epoki, w której dzieło to powstało, stopień rozwoju ówczesnej nauki i techniki, światopogląd artysty, jego preferencje stylistyczne , poziom umiejętności technicznych autora.

Historycznie obrazy są warunkowo podzielone na następujące typy.

P r a k t i c h o m u n a l c e n i u .

Monumentalny (od łac. pomnik - przechowujący pamięć, przypominający) - specjalny rodzaj wyróżniające się dużą skalą obrazy, będące ozdobą ścian, stropów, kopuł, sklepień w różnych obiektach architektonicznych.

Istnieją trzy główne różnice malarstwo monumentalne: fresk i mozaika, witraże.

Fresk (od wł. fresk - świeży, surowy) - jeden z rodzajów malarstwa monumentalnego, ściennego, wykonany farbami rozcieńczonymi wodą czystą lub wapienną, na tynku.

Istnieje kilka różnych rodzajów fresków:

na świeżym powietrzu - na wilgotnym, świeżym tynku;

fresco a secco - na suchym tynku;

malarstwo kazeinowo-wapienne – modyfikacja fresku na suchym tynku, która pojawiła się w XVII wieku;

sgraffito (z wł. sgraffito - porysowany) - najpowszechniejsza forma współczesnego malarstwa ściennego, a mianowicie nakładanie farb na tynk warstwa po warstwie z ekspozycją, drapanie dolnych warstw różniących się kolorem;

graffiti (od j. graffiti – zarysowane. W starożytności i średniowieczu inskrypcje inicjacyjne, magiczne i codzienne rysowane na ścianach budynków, naczyniach) – we współczesnym malowaniu ścian wykonuje się za pomocą puszek aerozolowych wypełnionych barwnikami, obraz uzyskuje się poprzez farby natryskowe, jego objętość uzyskuje się przy nakładaniu jednego koloru na drugi.

Mozaika (od it. mosaique - poświęcona muzom) - obraz wykonany z jednorodnych lub różnych cząstek kamienia smaltowego, płytek ceramicznych, które są utrwalone w warstwie ziemi (wapiennej lub cementowej).

Wśród zagranicznych monumentalistów najbardziej znani to Giotto, Masaccio, Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raphael Santi. F. Grek, A. Rublow, Dionysius, M. Łomonosow, A. Deineka, P. Korin, A. Vasnetsov, B. Talberg, D. Merpert, B. Milukov, V. Nesterenko i inni wyróżniają się spośród krajowych muralistów .

Witraż (z francuskiego vitrage - oszklenie, z łac. vitrum - szkło) jest dziełem sztuki dekoracyjnej wykonanym z kolorowego szkła lub innego materiału przepuszczającego światło. Witraże służą do dekoracji okien, drzwi ze szkła, przezroczystych przegród. Światło przechodzące przez witraż zostaje zabarwione kolorem jego szkieł, koloryzując tym samym całe otoczenie wnętrza. Ta cecha witraży determinowała ich zastosowanie w architekturze świątynnej.

Malarstwo monumentalno-dekoracyjne dzieli się na malarstwo dekoracyjne i teatralno-dekoracyjne.

Malarstwo dekoracyjne istnieje w dwóch kierunkach. Pierwsza charakteryzuje się zastosowaniem do zdobienia budynków, wnętrz w postaci kolorowych paneli, które realistyczny obraz stworzyć iluzję poszerzenia ściany, wizualnie powiększając pomieszczenie lub wręcz przeciwnie, sztucznie uproszczone formy wykluczają objętość i podkreślają płaskość ściany, wskazując na izolację przestrzeni. Wzory, wieńce, girlandy i inne rodzaje dekoracji, które zdobią dzieła malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego spajają wszystkie elementy wnętrza, podkreślając ich piękno, spójność z architekturą. Drugi kierunek to dekoracja rzeczy otaczających osobę: artykuły gospodarstwa domowego (sztućce, szkatułki, deski do krojenia, chochle, zapasy, skrzynie itp.). Tematyka i formy malarstwa dekoracyjnego podporządkowane są przeznaczeniu rzeczy.

Malarstwo teatralne i dekoracyjne (scenerie, kostiumy, charakteryzacja, rekwizyty) przyczynia się do głębokiego ujawnienia treści sztuki, filmu, wideo.

Ikonografia wraz z jej kanonami przybyła na Ruś z Bizancjum, ale staroruska ikonografia szybko stała się oryginalna i najlepsza na świecie. Wśród malarzy ikon można wymienić Dionizego, F. Greka, A.

Rublow, S. Uszakow, A. Wasniecow i inni.

Malarstwo sztalugowe jest samodzielną sztuką wizualną, która nie ma znaczenia dekoracyjnego ani użytkowego, wyrażoną w różnorodnych obrazach (od rzeczywistych przedmiotów, zjawisk po nieobiektywną fantazję ukazującą świat z innego punktu widzenia). Obrazy sztalugowe wykonywane są na sztalugach; jako podstawę materiałową stosuje się drewno, tekturę, papier, ale częściej płótno naciągnięte na blejtram.

W przeciwieństwie do grafiki malarstwo sztalugowe posiada bogactwo barw, poprzez które artysta emocjonalnie, psychologicznie wielopłaszczyznowo oddaje piękno otaczającego świata oraz duchową, duchową esencję człowieka.

W porównaniu z malarstwem monumentalnym malarstwo sztalugowe nie jest związane ani z architekturą, ani z żadnym otoczeniem i może być swobodnie eksponowane w różnych muzeach, na wystawach lub stanowić przedmiot prywatnej kolekcji. Ideowe i artystyczne znaczenie prac sztalugowych nie zmienia się w zależności od miejsca ich eksponowania, choć ich artystyczny i emocjonalny wydźwięk zależy od pomysłu ekspozycji.

Malarstwo miniaturowe (od łac. minimum - tak nazywano farbę cynobrową, która w starożytności była wysoko ceniona i często stosowana w ilustracje książkowe). Miniatury są niewielkich rozmiarów, bardzo kolorowych obrazków, z misternie narysowanymi Małe szczegóły rozwinęła się w średniowieczu, przed wynalezieniem druku. Rękopisy ksiąg zdobiły najwspanialsze nakrycia głowy, zakończenia, szczegółowe miniatury.

Jedną z dziedzin miniatury jest miniatura lakowa - malowanie na drobnych przedmiotach lakierniczych (sztućce, różne biżuteria, tabakierki, puderniczki itp.). Głównymi ośrodkami miniatur lakowych są Fedoskino, Palekh, Mstyora, Kholuy. Lakowa miniatura ma swoją nazwę ze względu na czarny lakier, którym pokrywa się zagruntowane przedmioty z papieru-mache, które służą jako podstawa do przyszłej pracy.

P o t n i k e i n e n i n i

Malarstwo olejne wykonuje się farbami przygotowanymi na bazie oleju orzechowego, lnianego, makowego lub konopnego, co przyczynia się do uzyskania całości, żywotności, wdzięku, zwiększa możliwości optyczne przy jednoczesnym oddaniu objętości i przestrzeni, co podnosi ogólną estetykę brzmienia płótna .

Techniki malarskie są różnorodne. Pociągnięcia mogą być zakrywające (nieprzezroczyste) i szkliste (przezroczyste), treściwe (gęste) i teksturowane (tłoczone), cienkie i gładkie itp. obraz olejny początek XIX wieku - warstwowanie (wielokrotne nakładanie farb z domieszką werniksów) i lakierowanie powierzchni obrazu. Na początku XIX wieku.

Charakterystyczny dla malarstwa olejnego jest sposób nakładania farb alla prima (wł. alla prima - szybka, jednosesyjna technika malowania) na czystym podłożu lub cienko naniesionym podkładem kolorowym lub tonalnym.

Malowanie temperą wykonuje się emulsją temperową przygotowaną na bazie zmieszania całego jajka, białka, bazy żółtkowej, kleju, oleju, barwników, mleka z gałązek figowych, lakieru, kazeiny, wosku. Farbę temperową rozcieńcza się wodą i nakłada pastę1 lub płyn na ścianę, płótno, papier, drewno.

Akwarela (z łac. aqua – woda) – farby otrzymywane na bazie kleju roślinnego, rozcieńczanego wodą, stąd nazwa malarstwa.

Malowanie nieprzezroczystymi akwarelami zmieszanymi z bielą było znane już w starożytności Starożytny Egipt, starożytność, średniowiecze w Europie i Azji.

Akwarela „czysta” (bez domieszki bieli) rozpowszechniła się na początku XV wieku. Jego główne cechy można uznać za przezroczystość farb, przez które prześwituje ton i faktura podłoża (papier, tektura, jedwab, kość słoniowa itp.); czystość odcieni kolorów; szeroki zakres tonów; dostępność grafiki. W Malarstwo akwarelowe wyróżnia się także specyficzne techniki – wymycie, wymycie, nasycenie i smugi, tworzące w obrazie efekt powietrza, ruchu, ożywienia i naturalizmu.

W XV-XVII wieku. akwarela miała walor użytkowy i służyła głównie do kolorowania rycin, rysunków, szkiców.

Począwszy od drugiego połowa XVIII w. akwarela zaczęła być używana przy pisaniu krajobrazu. W koniec XIXw w. We Włoszech powstał styl gęstego, wielowarstwowego malarstwa akwarelowego na suchym papierze. Wśród krajowych mistrzów ten sposób pisania jest charakterystyczny dla K. P. Bryulova, A. A. Iwanowa, S. Andriyaki.

Pastowatość (z wł. pastoso - pastowaty) - znaczna grubość, nierówność i relief warstwy farby.

Malarstwo gwaszowe (od wł. guazzo - farba wodna) - prace wykonane farbami składającymi się z drobno zmielonych pigmentów ze spoiwem wodno-klejącym (guma arabska, skrobia pszeniczna, dekstryna itp.) oraz domieszką bieli. Malowanie gwaszem można wykonać na papierze, tekturze, płótnie, jedwabiu, drewnie, szkle, kości.

Gwasz powstał jako rodzaj akwareli, kiedy biel mieszano z farbami na bazie wody, aby uzyskać gęstość warstwy farby. Od momentu rozpoczęcia produkcji specjalnych farb gwaszowych (w połowie XIX wieku) gwasz ostatecznie oddzielił się od akwareli i stał się samodzielną techniką, która osiągnęła wysoki poziom rozwoju w XIX i XX wieku.

Mistrzowie malarstwa gwaszowego - V. A. Serov, A. Ya Golovin, S. V. Ivanov i inni.

Malowanie pastelami (od francuskiego pastel) odbywa się za pomocą miękkich ołówków bez oprawek (kredek) uzyskanych przez zmieszanie proszku farby z klejem (klej wiśniowy, dekstryna, żelatyna, kazeina).

Malarstwo pastelowe wyróżnia się miękkimi stonowanymi tonami, aksamitną powierzchnią. Pracują pastelami na papierze, kartonie, płótnie. Farby nakłada się pociągnięciami, jak na rysunku, lub rozciera palcami z cieniowaniem, co pozwala uzyskać najdrobniejsze niuanse kolorystyczne i waleczne przejścia odcieni barw.

W trakcie pracy z pastelami możesz usuwać, nakładać jedną warstwę farby na drugą. Ze względu na specyfikę kompozycji pasteli prace należy utrwalić specjalnym roztworem lub werniksem.

Technika pastelowa przyciągała takich artystów jak J.-B. Chardin, M.-K. Latour, J.-E. Lyotard, E. Degas, I. Lewitan, W. Sierow, P. Korowin, A. Somow… Malarstwo woskowe (enkaustyczne) było używane w starożytnym Egipcie. Spoiwo encaustic to bielony wosk. Farby woskowe nakłada się w stanie stopionym na rozgrzaną podstawę za pomocą pędzla, gorącego narzędzia z brązu, a następnie kauteryzuje (topi się koksownikiem).

Wśród współcześni artyści możemy wymienić ojca i córkę V. i T. Chvostenko, którzy wskrzesili technikę enkaustyczną. Dzięki nim przywrócono wiele tajemnic tej techniki i wynaleziono nowe techniki. malowanie woskiem.

Gatunki malarstwa

Różnorodność przedmiotów, zjawisk, wydarzeń otaczającego świata oraz zainteresowanie nimi ze strony artystów przyczyniły się do wyboru gatunków w malarstwie: mitologicznej, religijnej, historycznej, batalistycznej, codzienności, pejzażu, portretu, martwej natury, animalistycznej, aktu .

Francuskie słowo gatunek (rodzaj, odmiana) zwykle określa temat lub fabułę obrazu na obrazie. W obrazach można spotkać połączenie gatunków lub ich elementów.

Na przykład krajobraz może uzupełniać martwą naturę, martwą naturę, a krajobraz może uzupełniać portret lub kompozycja gatunkowa itp.

Gatunek mitologiczny (z greckiego mytu - legenda) to gatunek malarstwa, w którym główne miejsce zajmuje przedstawienie wydarzeń i bohaterów mitów, legend, legend, eposów starożytnych ludów.

gatunek historyczny. Obraz znaczący wydarzenia historyczne, zjawiska lub postacie historyczne. Jednak wydarzenia niedawne mogą być również przedmiotem przedstawienia, pod warunkiem, że ich znaczenie historyczne zostanie uznane przez współczesnych.

Gatunek bitewny(z francuskiego bataille - bitwa) - gatunek sztuki, który ujawnia tematykę wojen, bitew, bitew, kampanii lub epizodów życia wojskowego. Gatunek bitewny może mieć jedno i drugie niezależne znaczenie, niech tak będzie część integralna historyczny lub gatunek mitologiczny, a także zawierają elementy innych gatunków.

Gatunek codzienny (od francuskiego gatunku, niemieckiego sitten-bild - rodzaj, typ, gatunek) występuje najczęściej w sztukach wizualnych. Artysta nawiązuje do tematów i wątków życia codziennego. Prace związane z gatunkiem codzienności z jednej strony mają wartość artystyczną, z drugiej zaś są istotne z punktu widzenia historii, gdyż płótna te zapoznają nas z życiem i działalnością ludzi różne epoki, ludy, klasy i stany.

W XX wieku. w rozwoju gatunek domowy można warunkowo wyróżnić kilka artystycznych i znaczących trendów:

odbicie niuansów psychologicznych (E. Manet, E. Degas, O. Renoir);

uwypuklenie znaku-symbolicznej strony codzienności (P. Gauguin, V. Borisov-Musatov, K. Petrov-Vodkin);

pokaz heroizmu ludzi zaangażowanych w codzienną pracę (B. Ioganson, A. Deineka, A. Plastov).

Krajobraz (z francuskiego paysage, z pays - miejscowość, kraj, ojczyzna) - obraz przyrody, krajobrazu, morza, panoramy okolicy, obiektów architektonicznych, ulic miast, mostów. Prace tego gatunku nazywane są również pejzażem.

Wyróżnia się następujące typy krajobrazów:

wiejski - obraz natury (drzewa, krzewy, łąki, pola, lasy, ogrody, rzeki, jeziora, bagna, góry itp.). Tematem przewodnim jest przedstawienie środowiska wiejskiego i jego naturalnego związku z naturą;

park - obraz zakątków natury stworzony dla relaksu i zaspokojenia potrzeb estetycznych człowieka. Różni się od wiejskiego tym, że może przenosić na płótno albo geometryczny rygor założenia parku lub ogrodu, albo połączenie elementów dekoracyjnych z naturalnym krajobrazem okolicy;

urbanistyczny lub architektoniczny - obraz różnych obiektów architektonicznych (budynków mieszkalnych, użyteczności publicznej i sakralnych), ulic, placów, pomników. Dla artysty ważne jest pokazanie życia miasta jako takiego, z jego problemami i relacjami;

weduta - wizerunek mostów i obiektów architektonicznych związanych z mostami;

przemysłowy - wizerunek przedsiębiorstw przemysłowych, fabryk, fabryk itp. Częsty temat artystów w czasach sowieckich;

marina - obraz morza w całej jego różnorodności;

pejzaż psychologiczny – stylizowany, a czasem abstrakcyjny obraz natury, poprzez który artysta odsłania niektóre Stany emocjonalne i ludzkich doświadczeń.

Jeśli dokonamy klasyfikacji krajobrazu pod względem treściowym, to możemy wyróżnić następujące typy: liryczny; historyczny; fantastyczny; heroiczny; patos; epicki; alegoryczny.

Krajobrazy mogą być tworzone przez artystów zarówno w pracowni, jak iz natury. Malować pejzaże z natury w plenerze (plener francuski - na wolnym powietrzu) artyści stali się dopiero w XIX wieku. Następnie stanęli przed bardzo ciekawym i trudnym zadaniem transmisji światła, środowisko powietrza, uwzględniające przestrzenne przesunięcia kolorów, zmieniający się stan natury - to wszystko nie jest widoczne w warsztacie przy równomiernym oświetleniu. Malarstwo plenerowe jest w stanie oddać odcienie oświetlenia, grę światła słonecznego, ruch mas powietrza. Wybitni mistrzowie plenerów - artyści impresjoniści - uchwycili na swoich obrazach ulotne, zmienne chwile. A nazwę tego kierunku nadał obraz Claude'a Moneta „Impresja. Wschód słońca ”(z francuskiego wrażenia - wrażenie). Impresjoniści wypracowali specjalne podejście do malarstwa, malowali swobodnymi, lekkimi, wibrującymi pociągnięciami, nie mieszając kolorów na palecie, ale nakładając obok niej czyste kolory dopełniające, przez co dawało się poczucie gry światła wypełniającej obraz.

Najbardziej znani pejzażyści to: P. Brueghel, P. Rubens, Rembrandt, J. Ruisdael, N. Poussin, K. Lorrain, K. Corot, A. Ivanov, A. Savrasov, F. Vasiliev, I. Shishkin, I. Lewitan, W. Serow, S. Gierasimow, N. Krymow, E. Manet, C. Monet, O. Renoir, K. Korovin, I. Grabar, P. Cezanne, P. Gauguin, V. van Gogh. A. Matisse, A. Kuindzhi, N. Roerich, M. Saryan, A. Rylov, K. Yuon, A. Ostroumova-Lebedeva, A. Kuprin, P. Konchalovsky.

Martwa natura (z francuskiej natury morte - martwa natura, natura) - gatunek sztuki poświęcony przedstawianiu przedmiotów nieożywionych ( naczynia domowe, instrumenty muzyczne, kwiaty, owoce, dziczyzna, produkty, atrybuty jakiejkolwiek działalności itp.). W wąskim znaczeniu tego słowa martwa natura nazywana jest samą produkcją, która służy jako przedmiot wizerunku artysty.

Martwa natura może składać się nie tylko z przedmiotów nieożywionych, ale także z form naturalnych. To z kolei wpłynęło na powstanie innego, bardziej precyzyjnego sformułowania tego gatunku. W języku niemieckim (stilleben) i angielskim (martwa natura) gatunek ten nazywa się „quiet life”.

Oznacza to, że wszystkie przedmioty i przedmioty w martwej naturze są nieruchome, a jednocześnie są swoistym „echem” ich właściciela, jego wewnętrzny świat, charakter, nawyki itp.

Dzieła tego gatunku pełnią różne funkcje, w związku z którymi wyróżnia się kilka różnych rodzajów martwej natury:

symboliczny poprzez symbole i znaki pomaga ujawnić złożone kategorie i koncepcje filozoficzne, lepiej zrozumieć psychologię osoby, aw niektórych przypadkach istotę całej epoki;

dekoracyjny, oprócz swojej bezpośredniej funkcji artystycznej, pełni rolę swoistej dekoracji, jest integralną częścią pojedynczego wystroju wnętrza lub dekoracji zewnętrznej obiektu architektonicznego (szyldy, malowanie witryn sklepowych itp.);

realistyczna pozwala na najbardziej obiektywną ocenę tradycji danego kraju, kultury z punktu widzenia jej historycznego rozwoju;

abstrakcja pozwala spojrzeć na rzeczy od środka, odsłonić istotę przedmiotów od strony, która nie została jeszcze otwarta dla widza.

Preferencje dla martwej natury dawali znani artyści zagraniczni: P. Klas, V. Kheda, F. Snyders, J. Cotin, J. Chardin, P. Cezanne, V. van Gogh oraz krajowi mistrzowie: P. Konczałowski, I. Maszkow , R. Falk, K. Petrov-Vodkin, M. Saryan, Yu. Pimenov, A. Stozharov i inni.

Portret (z francuskiego portretu - obraz) - gatunek sztuki, którego celem jest wizerunek osoby lub grupy osób.

Główną cechą portretu jest nie tylko podobieństwo do pierwowzoru, które zapewnia dokładne odwzorowanie wyglądu zewnętrznego osoby, ale także ujawnienie jej subtelnej duchowej organizacji, którą uważny artysta jest w stanie uchwycić ruchami mięśni twarzy, charakterem spojrzenia, wyrazem oczu, gestami, postawą i sposobem ubierania się. środowisko. Wszystkie te cechy pozwalają na stworzenie wiarygodnego portretu psychologicznego, który stanowi podstawę obrazu. Portret niesie ze sobą pewien ładunek semantyczny. I pod tym względem istnieje kilka odmian tego gatunku.

Pozycja na płaszczyźnie obrazu: portret w połowie długości, portret w całości, portret we wnętrzu, portret na tle pejzażu.

O CHARAKTERYSTYCE OBRAZÓW:

portret ceremonialny przedstawia osobę w popiersiu lub całej długości, z reguły na tle architektonicznym lub krajobrazowym.

Istnieje ogromna różnorodność różnych szczegółów, atrybutów podkreślających status osoby;

portret kameralny obejmuje ramię, klatkę piersiową, połowę i całą długość obrazu na neutralnym tle. Powściągliwy w charakterze i wyrazistości artystycznej. Jego celem, w przeciwieństwie do przedniego, nie jest pokazanie wielkości natury, ale przekazanie stan psychiczny, wewnętrzne przeżycia człowieka.

Do wykorzystania obrazów na jednym płótnie: pojedyncze, podwójne, grupowe.

Nazywa się sparowane (podwójne) portrety, malowane na tym samym płótnie lub na różnych płótnach, ale skoordynowane między sobą pod względem kompozycji, formatu, koloru. Zwykle są to portrety małżonków lub członków tej samej rodziny. Bardzo często takimi portretami były całe galerie, zespoły.

Spis treści

portret w kostiumie - wizerunek osoby jako postaci alegorycznej, mitologicznej, historycznej, teatralnej, literackiej;

miniaturowy portret wyróżnia się niewielkimi rozmiarami, co komplikuje wykonanie obrazu, pozwalając artyście wykazać się umiejętnościami i wirtuozerią;

autoportret - obraz samego siebie artysty;

gatunek portretu - wizerunek osoby w ramach innego gatunku. Na przykład interakcja gatunków portretowych i historycznych determinuje obraz postaci historycznej; portret wieśniaczki jest wynikiem połączenia portretu i gatunku codzienności;

portret społeczny - wyświetlanie na płótnie życia przedstawicieli różne klasy, posiadłości, przeniesienie cech charakterystycznych życie towarzyskie społeczeństwo poprzez jednostkę;

Portret psychologiczny różni się od wszystkich innych tym, że artysta nie stara się dokładnie oddać wyglądu modelki, najważniejsze jest dla niego ujawnienie jego stanu psychicznego. Niektóre naruszenia kompozycyjne lub anatomiczne mogą osiągnąć największą wyrazistość obrazu;

intymny portret nie jest przeznaczony do publicznego oglądania.

Zostanie umieszczony w salonach, do których dostęp mają tylko właściciele domu.

Wielcy portreciści: Leonardo da Vinci, Raphael, Giorgione, Tycjan, Tintoretto, Rembrandt, F. Hals, A. van Dyck, D. Velazquez, I. Vishnyakov, A. Antropov, M. Shibanov, I. Argunov, F. Rokotov , D. Levitsky, V. Borowikowski, O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryulov, V. Perov, N. Ge, I. Kramskoy, I. Repin, M. Nesterov, P. Picasso, A. Modigliani, A. Bourdelle, V. Serov, M. Vrubel, S. Konenkov, P. Korin.

Akt (z francuskiego nu - nagi, rozebrany) - gatunek sztuki poświęcony wizerunkowi nagiego ciała.

Gatunek zwierzęcy (od łac. zwierzę - zwierzę) - wizerunek przedstawicieli świata zwierząt.

Wśród mistrzów gatunek zwierząt A. Durer, E. Lansere, P. Klodt, A. Matisse, V. Serov, V. Vatagin, I. Efimov i inni.

Pytania kontrolne

1. Jaka jest zasadnicza różnica między malarstwem a innymi formami sztuki? Podaj opis środków wyrazu w malarstwie.

2. Jakie są główne rodzaje malarstwa?

3. Jaka jest różnica między malarstwem monumentalnym a malarstwem sztalugowym?

4. Na czym polega różnorodność gatunkowa portretu?

–  –  –

Grafika (z gr. grapho – piszę, z franc. – wycinać na czymś) – jedna z najstarszych form sztuki, w tym rysunek, która z jednej strony może być integralną częścią grafiki, z drugiej zaś pełnić rolę niezależna praca. Rysunek stanowi wstępny etap pracy nad dziełami plastycznymi. Grafice, bardziej niż innym rodzajom sztuk plastycznych, bliższa jest pismo, rysunek, konwencjonalny znak, gdyż sama płaszczyzna pełni rolę ważnego narzędzia graficznego. Biała kartka papier z naniesionymi liniami, kropkami, kreskami i plamami.

Grafika jest bliska malarstwu, ale jeśli w malarstwie pojawia się kolor – główny środek wyrazu artystycznego nierozerwalne połączenie z linią, która nie zawsze jest wyraźna, może być stłumiona, przysłonięta światłocieniem, czasem ledwie odgadnięta, to w grafice linia służy jako wiodący środek wyrazu.

Grafika jest jednym z najbardziej rozpowszechnionych rodzajów sztuki. Z jednej strony prace graficzne w odbiorze wydają się proste i zwięzłe, z drugiej niezwykle trudno jest stworzyć obraz graficzny, gdyż artysta musi oddać kształt przedmiotu na kartce papieru, stworzyć iluzję objętości, odbijają strumień światła lub odwrotnie, uogólniają formę tak, aby możliwe stało się stworzenie wrażenia. A wszystko to musi się odbywać prostymi środkami dostępnymi dla każdego.

Trudności w zrozumieniu niektórych szczegółów, które pojawiły się podczas rozmowy, można łatwo wyeliminować za pomocą elementarnych rysunków. Za pomocą ołówka możesz nie tylko przedstawić znajomy przedmiot, ale także przekazać szereg ludzkich uczuć.

W przeciwieństwie do malarstwa, w grafice przedmiot jest bardziej schematyczny, zracjonalizowany i skonstruowany. Cechą charakterystyczną jest konwencja (obraz graficzny można wykonać na niemal każdej płaszczyźnie, na dowolnym tle).

Jeśli lepiej patrzeć na prace malownicze z daleka, aby kreski stały się nie do odróżnienia, zlewając się w naturalną harmonię, podobną do harmonii natury, to patrzymy na prace graficzne z bliska i widzimy kreski warunkowe, zygzaki, linie, tj.

„technika” rysunku, która nie wpływa na odbiór obrazu.

Rodzaje grafiki

Różnorodność gatunkowa grafiki nie jest tak duża jak we wzornictwie czy rzemiośle artystycznym, ale wiele jej rodzajów jest ściśle związanych z malarstwem.

Ze względu na charakter realizacji harmonogram dzieli się na następujące typy:

instrukcja - wszystkie prace graficzne wykonane ręcznie iw jednym egzemplarzu;

nadruk odbywa się za pomocą kliszy, która pozostawia ślad na powierzchni. Jest przeprowadzany w kilku kopiach, to znaczy można go replikować. Ma swoje własne odmiany: druk, drzeworyt, akwaforta, litografia, linoryt.

Technika grafiki jest podzielona ze względu na materiały:

ołówek - grafika wykonywana jest kredkami prostymi i kolorowymi na kartce papieru lub kartonie. Istnieją dwa sposoby pracy z grafitowym ołówkiem: liniowe pociągnięcie i malowanie tonowe. Wykonuje się pracę z kolorowymi ołówkami, a także ołówkiem grafitowym, za pomocą linii konturu i obrysu, które należy połączyć z kolorem;

węgiel drzewny ma dużą rozpiętość tonalną, jest łatwy do wymazania, łatwy w użyciu, dobrze nadaje się do szkiców i szybkich szkiców. Używany jest szorstki papier, na którym węgiel pozostawia piękny teksturowany ślad;

sangwina składa się z substancji ilastej zabarwionej bezwodnym tlenkiem żelaza, w wyniku czego ma intensywny czerwono-brązowy ślad. Można z nim pracować na dwa sposoby: ołówkiem i malowaniem, a także łączyć je. W pierwszym przypadku kreda sangwiniczna służy jako ołówek, modelując kształty kreską, linią, boczną powierzchnią kredy lub cieniowaniem. Ta metoda jest dopuszczalna w plastyce dziecięcej, ponieważ daje dzieciom możliwość rysowania różnymi technikami. Malowniczym sposobem wykonania sproszkowany sangwinik rozcieńcza się wodą, a następnie pędzlem wypełnia wszystkie niezbędne płaszczyzny;

Sos jako materiał rysunkowy charakteryzuje się głęboką tonacją, przyjemną aksamitną powierzchnią i szeroką rozpiętością tonalną. Stosowany najczęściej w formie mokrej pozwala pełniej wydobyć jego walory i bogate możliwości. Zanim zaczniesz rysować mokrym sosem, musisz wybrać odpowiedni papier. Nie powinien być gruboziarnisty, wystarczająco gęsty, aby wytrzymać wielokrotne mycie wodą i stosowanie gumy.

Wcześniej przyszły obraz można łatwo nakładać na kartkę papieru ołówkiem. Następnie rozcieńczając sos w wodzie, odpowiednimi pędzlami układa się duże płaszczyzny, starając się jak najdokładniej oddać zależności tonalne. Sos, wysychając, wydaje się być utrwalony sam, ale jednocześnie pozostaje głęboki i przyjemny w tonie. Rysunki z sosem można łatwo poprawić lub osłabić przeładowane tonem miejsca za pomocą miękkiej gumki recepturki. Ostateczne wykończenie detali wymaga użycia małych pędzli akwarelowych, ołówek węglowy itp.;

pastel to najpiękniejszy z miękkich materiałów. Odcienie kolorów dobierane są bezpośrednio na papierze lub mieszane przez pocieranie. Dodatkowo każdy kolor w zestawie posiada kilka różnic w jasności i nasyceniu – od gęstego, nasyconego do jasnego, lekko nasyconego tonu. Do pasteli najlepiej używać szorstkiego lub ziarnistego papieru, tektury. Bardzo dobrze jest używać kolorowego papieru, którego kolor jest używany jako główny ton;

grisaille to technika rysowania pędzlem na papierze, gdy duże bryły i płaszczyzny są układane w ton. Pozwala na wykonywanie rysunków, które są szczególnie subtelne. Malowanie pędzlem pełni dwie funkcje artystyczne: rysunek przygotowawczy do pracy z farbami i samodzielnego rysowania. Wielu artystów woli wykonać rysunek przygotowawczy do swoich obrazów bezpośrednio na płótnie lub papierze tą samą farbą, jaką będzie wykonywana praca.

Ta metoda ma szereg zalet. Po pierwsze, odmienne, często niekompatybilne materiały (na przykład farby i ołówek grafitowy) nie mieszają się; po drugie, rysowanie pędzlem dyscyplinuje oko i rękę, utrwalając umiejętność pracy linia konturowa, a jednocześnie każe z wyprzedzeniem myśleć o przyszłej kompozycji. I wreszcie kontur farby jest organicznie usuwany z ogólną plamą koloru i może być również używany jako element dekoracyjny kompozycje. Nie jest zamalowany: nadaje to obrazowi żywotność. Rysunek pędzlem jako niezależny rodzaj grafiki ma długą historię. Istotą grisaille jest to, że efekty światłocieniowe uzyskuje się poprzez wielokrotne nakładanie (glazurowanie) roztworem jakiejś neutralnej farby (czarnej, brązowej itp.). Rysowanie pędzlem w toku pędzle akwarelowe różne rozmiary: duże służą do wypełnień, małe rysują detale. Do pracy w tej technice używa się różnych płynnych materiałów: tuszu, akwareli, sepii itp. W zależności od techniki dobierany jest papier. W przypadku grisaille odpowiedni jest gęsty, drobnoziarnisty papier, który może wytrzymać wielokrotne zachodzenie na siebie. Do szkiców, szkiców, szkiców używa się mniej jakościowych rodzajów papieru, często słabo zabarwionych, żółtawych, ochrowych, niebieskawych.

Zgodnie ze znaczeniem wykres ma następujące typy:

Dzięki grafice sztalugowej jej prace bardzo przypominają obrazy, ponieważ oddają objętość, perspektywę, modelowanie światła i cienia. Wartość grafiki sztalugowej polega na tym, że są to prace pojedyncze i niepowtarzalne;

książka - stosowana przy projektowaniu książek i produktów książkowych, opracowywaniu układów książek, ilustracji itp.;

stosowane - związane z wydaniem materiałów drukowanych (pocztówki, znaczki, etykiety, opakowania itp.);

plakat - polega na tworzeniu plakatów, plakatów, billboardów.

Ze względu na strukturę plastyczną i figuratywną wyróżnia się następujące rodzaje grafiki:

realistyczne, jej prace wiarygodnie odzwierciedlają otaczającą rzeczywistość;

dekoracyjny, czyli stylizowany, polega na uogólnieniu kształtu przedmiotów, zjawisk, co wyklucza naturalizm, ale dopuszcza podobieństwo do rzeczywistych przedmiotów;

abstrakcja jest przeciwieństwem struktury figuratywnej do realistycznej, jej celem jest ujawnienie wewnętrznej treści obrazu, jego artystycznej i emocjonalnej strony.

Wszystkie rodzaje grafiki ujawniają się w swoich gatunkach. Jest ona, podobnie jak malarstwo, wielogatunkowa, to znaczy wszystkie gatunki stosowane w malarstwie są również realizowane w grafice.

Ekspresyjne środki grafiki

Jednym z głównych środków wyrazu technik graficznych jest obrys. W zależności od kierunku kreska może być pionowa, pozioma, ukośna i biegnąca wzdłuż formy.

Może iść w jednym kierunku lub krzyżować się. Długie pociągnięcia mogą być długie lub krótkie.

Różne kombinacje typów obrysów pozwalają tworzyć efekty światłocieniowe i tonalne, wykonywać plastyczne modelowanie formy i przekazywać materialność obiektów. Zastosowanie jednego lub kilku rodzajów kreski zależy od zadania artystycznego i przekazywanego obrazu. Ponieważ obrys jest tworzony przez równoległe linie o tej samej grubości, do jego wykonania najlepiej nadają się ołówek grafitowy, kolorowe kredki, tusz i długopis. Pociągnięcie wykonuje się końcówką ołówka. Dla oddania relacji tonalnych stosują nakładanie kresek jedna na drugą lub pod kątem, a także pracują ołówkami o różnej twardości. Im twardszy ołówek, tym lżejsze i jaśniejsze pociągnięcie, tym bardziej miękkie pociągnięcie, tym ciemniejsze i szersze. Aby przekazać materialność, pociągnięcia są używane w celu dopasowania kształtu obiektu.

Innym powszechnie używanym środkiem wyrazu jest kropka.

Dowolny materiał na rysunku może pozostawić ślad w postaci kropki. Można go znaleźć w pracach wykonanych z różnych materiałów plastycznych. Wyrazisty obraz tworzony jest za pomocą zarówno kolorowych, jak i jednolitych kropek, a przejścia tonalne uzyskuje się dzięki ich gęstości lub rzadkości.

W przeciwieństwie do kreski, linia kropkowa pełni w sumie główną funkcję figuratywną i ekspresywną techniki graficzne. Linie stosowane przez artystów są różnorodne: cienkie i grube, krótkie i długie, proste i zakrzywione, koncentryczne i zamknięte, ponadto w technice miękkich materiałów linia zawiera element faktury.

W obraz graficzny ważna jest nie tylko sama linia, ale także jej charakter, ujawniający jej elastyczność lub miękkość, gładkość lub kanciastość, izolację lub nieciągłość, szorstkość lub wdzięk.

Obok mokrych metod sosu i technik sangwinicznych rysunek pędzlem grisaille jest najbardziej uzasadniony do opanowania takiego środka wyrazu jak plama. Plama jako środek wyrazu obejmuje organicznie wszystkie inne środki: linię, kreskę, ton, kolor itp.

W tej części rozważane są środki wyrazu charakterystyczne dla grafiki. Wszystkie środki wyrazu kompozycyjnego, takie jak linia horyzontu, proporcja, perspektywa, równowaga, symetria (asymetria), dynamika (statyka), wielkość, skala, faktura i inne prezentowane są w dziale „Malarstwo”.

Pytania kontrolne

1. Zdefiniuj pojęcie "grafika".

2. Jaka jest główna różnica między grafiką a malarstwem?

3. Jaki jest powód pojawienia się kilku sposobów rysowania? Podaj opis każdej metody.

2017 www.site - „Bezpłatny e-biblioteka- różne materiały"

Materiały tej witryny są publikowane do recenzji, wszelkie prawa należą do ich autorów.
Jeśli nie zgadzasz się na umieszczenie Twojego materiału na tej stronie, napisz do nas, usuniemy go w ciągu 1-2 dni roboczych.

ŚREDNIE SZKOLNICTWO ZAWODOWE

S.V.POGODINA

TEORIA I METODOLOGIA ROZWOJU KREATYWNOŚCI DZIECI

Rekomendowany przez Federalną Instytucję Państwową „Federalny Instytut Rozwoju Edukacji” jako pomoc dydaktyczna do wykorzystania w procesie edukacyjnym placówek oświatowych realizujących programy średniego szkolnictwa zawodowego

Wydanie drugie, poprawione i rozszerzone

Moskwa

Centrum Wydawnicze „Akademia” 2011

Recenzenci:

Kandydat nauk pedagogicznych, profesor Katedry Teorii i Metod Nauczania Sztuk Pięknych Moskiewskiego Państwowego Uniwersytetu Pedagogicznego S. E. Ignatiew ME Evsevyeva OI Maksimkina; Zastępca Dyrektora ds. Pracy Naukowej i Metodologicznej Kolegium Pedagogicznego nr 15 w Moskwie, Czczony Nauczyciel Rosji N. F. Klimkina

Pogodina S.V.

Teoria i metodologia rozwoju plastyki dzieci: podręcznik. zasiłek dla studentów. średnie instytucje. prof. edukacja / S. V. Pogodina. - wyd. 2, poprawione. i dodatkowe - M .: Centrum wydawnicze „Akademia”, 2011. - 352 e., m.in. l.

ISBN 978-5-7695-8386-5

Podręcznik został stworzony zgodnie z federalnym standardem edukacyjnym dla średniego szkolnictwa zawodowego dla specjalności 050144 Edukacja przedszkolna i może być używany podczas opanowania modułu zawodowego PM.02 „Organizacja różnych piekieł zajęć i komunikacji dzieci” (MDK.02.03) .

Podręcznik omawia różne rodzaje plastyki (malarstwo, grafikę, rzeźbę, architekturę, wzornictwo, rękodzieło ludowe), metody rozwijania plastyki dzieci w wieku przedszkolnym.

Dla uczniów średnich szkół zawodowych może być przydatny dla nauczycieli placówek przedszkolnych.

UDC 373.2(075.8) LBC 74.201ya73

Oryginalny layout niniejszej publikacji jest własnością Centrum Wydawniczego Akademii, a jego powielanie w jakikolwiek sposób bez zgody właściciela praw autorskich jest zabronione.

Pogodina SV, 2010

Ośrodek edukacyjno-wydawniczy „Akademia”, 2010 r

Rejestracja. Centrum Wydawnicze „Akademia”, 2010

PRZEDMOWA

Na obecnym etapie rozwoju nauk pedagogicznych problem kształtowania się kultury estetycznej, duchowej człowieka, jego rozwój twórczy dominuje nad rozwojem cywilizowanym. W edukacji, jako zjawisku cywilizacyjnym, występuje również orientacja na osobowość, jej subkulturę, która czyni ze sztuki najważniejszy czynnik duchowej odnowy zarówno społeczeństwa jako całości, jak i jednostki. Opracowując nowoczesne teorie i koncepcje edukacji, nauki pedagogiczne opierają się na Federalnym Państwowym Standardzie Edukacyjnym (FSES) nowej generacji dla instytucji średniego szkolnictwa zawodowego, w którym znaczącą rolę odgrywa kształcenie specjalisty, który jest w stanie zorganizować różnego rodzaju zajęcia produkcyjne dla dzieci, w tym plastyczne.

Dlatego bardzo ważne w warunkach szkolnictwa średniego zawodowego jest zapewnienie uczniom możliwości zdobycia praktycznego doświadczenia w określaniu celów, zadań, treści, metod i środków kierowania czynnościami wzrokowymi dzieci w wieku wczesnoszkolnym i przedszkolnym. A staje się to możliwe tylko wtedy, gdy uczniowie mają dobre podstawy teoretyczne i metodyczne, które leżą u podstaw organizacji procesu zapoznawania przedszkolaków z podstawami drobnej i monumentalnej sztuki zdobniczej w praktyce.

Biegłość w metodach, technikach, formach organizacji działalności produkcyjnej kształtuje się pod warunkiem, że nauczyciel posiada wiedzę teoretyczną i wysoki poziom praktycznego szkolenia studentów w kolegiach pedagogicznych. Teoria pomaga wzbogacić praktyczną działalność przyszłego pedagoga o nową wiedzę, urozmaicić ją. Praktyka przyczynia się do testowania stanowisk teoretycznych, czyniąc je aktywnymi pedagogicznie. Zatem dopiero korelacja teorii z praktyką jest wskaźnikiem opanowania przez uczniów wszystkich niezbędnych kompetencji zapisanych w WOT nowej generacji.

W związku z tym ważnym i znaczącym wydaje się wyposażenie przyszłych specjalistów wychowania przedszkolnego w niezbędny system wiedzy, obejmujący zagadnienia z zakresu psychologii, pedagogiki, filozofii, estetyki i oczywiście historii sztuki. Na podstawie wiedzy o rodzajach plastyki możliwe jest kształtowanie wyobrażeń uczniów na temat plastyki dziecięcej oraz cech organizacji różnych rodzajów plastyki. Przepis ten odróżnia tę instrukcję od istniejących. Mając pojęcie np. o środkach wyrazu w architekturze, student będzie mógł bardziej profesjonalnie podejść do nauczania dzieci cech tworzenia konstruktywnego wizerunku.

Główne postanowienia teorii sztuki są centralnym elementem umiejętności wizualnych, które powinny być uwzględnione w ogólnym teoretycznym i praktycznym szkoleniu studentów. Przyszły nauczyciel musi biegle posługiwać się nie tylko metodologicznymi aspektami organizacji plastyki dzieci, sztuk plastycznych, ale także technikami artystycznymi, które pozwalają dzieciom na urozmaicenie sposobów przedstawiania otaczającego ich świata, ich wrażeń z niego.

Charakterystyczną cechą tego podręcznika jest dostarczenie uczniom materiału związanego z analizą metodologii zapoznawania przedszkolaków z rodzajami sztuk plastycznych. Pokazuje, w jaki sposób wiedzę o określonych rodzajach plastyki można wykorzystać w pracy z przedszkolakami i jakie znaczenie mogą one mieć w procesie ich twórczego rozwoju. Pogląd ten podyktowany jest faktem, że humanizacja wychowania jako jeden z problemów współczesnej nauki polega na skupieniu się na kształtowaniu indywidualności twórczej każdego dziecka.

Jednym z tych warunków jest przekazywanie doświadczenia artystycznego z pokolenia na pokolenie jako systemu historycznie ustalonych, ogólnie przyjętych właściwości i relacji „artystycznych”, wypracowanych przez wiele pokoleń artystów i zasymilowanych przez konkretną osobę jako zestaw narzędzi artystycznych i wizualnych. Doświadczenie artystyczne obejmuje zarówno indywidualne odkrycia – nieśmiertelne dzieła sztuki, jak i technologię ich tworzenia, która doskonaląc się, przeszła do praw i reguł sztuk pięknych. Tylko jeśli opanują podstawy alfabetyzacji wizualnej, przedszkolaki będą mogły nauczyć się „czytać” już stworzone prace i „pisać” własne obrazy.

Podręcznik rozpoczyna się od uzasadnienia pojęcia „plastyka dziecięca” i jego interakcji z innymi pojęciami, po czym następuje obszerna analiza etapów kształtowania się twórczości przedszkolaków w różnych jej formach. Badanie teorii i metodologii zapoznawania dzieci w wieku przedszkolnym z rodzajami, gatunkami, technikami plastycznymi jest logiczną kontynuacją wcześniej rozważanego materiału.

Podręcznik składa się z szeregu rozdziałów, które zawierają zagadnienia z zakresu teorii metodologii rozwoju plastyki dzieci. Materiał teoretyczny jest uogólniony i skonkretyzowany w przykładach podanych w trakcie wyjaśniania jednego lub drugiego przepisu podręcznika. Na końcu każdego tematu znajdują się pytania i zadania, które pozwalają studentowi na sprawowanie samokontroli nad jakością przyswojenia prezentowanego materiału. Polecana literatura pozwala studentom dogłębnie zastanowić się nad interesującymi ich zagadnieniami.

ROZDZIAŁ I. TEORIA I METODY WPROWADZANIA DZIECI W PRZEDSZKOLAKU Z RÓŻNYMI TYPAMI SZTUKI

Miejska Przedszkolna Budżetowa Placówka Oświatowa

Przedszkole Tyulyachinsky №1 Tyulyachinsky okręg miejski RT

Kurs mistrzowski na temat: „Rysowanie natury zgodnie z techniką S. Pogodina”

„Wykorzystanie nietradycyjnych technik rysunkowych w przedszkolu”

Przygotował: nauczyciel

Ibragimowa A.R.

2017

Cel: Ujawnij znaczenie nietradycyjne metody zajęcia plastyczne w pracy z przedszkolakami rozwijające wyobraźnię, twórcze myślenie i aktywność twórcza. Pokaż znaczenie nietradycyjnych technik rysowania w przedszkolu. Zapoznanie nauczycieli z różnymi nietradycyjnymi technikami rysunkowymi.

Kształtowanie osobowości twórczej jest jednym z ważnych zadań teorii i praktyki pedagogicznej na obecnym etapie. Jego rozwój zaczyna się efektywniej od wieku przedszkolnego. jako V.A. Suchomlińskiego: „Początki zdolności i talentów dzieci na wyciągnięcie ręki. Z palców, mówiąc obrazowo, wychodzą najcieńsze nitki-strumienie, które są zasilane przez źródło twórczej myśli. Innymi słowy, im więcej umiejętności w dłoni dziecka, tym mądrzejsze dziecko". Zdaniem wielu nauczycieli – wszystkie dzieci są utalentowane. Dlatego konieczne jest, aby w porę zauważyć, wyczuć te talenty i starać się jak najwcześniej dać dzieciom możliwość pokazania ich w praktyce, w prawdziwym życiu.

Termin „nietradycyjny” oznacza użycie materiałów, narzędzi, metod malowania, które nie są ogólnie akceptowane, tradycyjne, powszechnie znane. nietradycyjny rysunek dziecko rozwija się wszechstronnie, takie zajęcia nie męczą przedszkolaków, dzieci pozostają bardzo aktywne, zdolne do pracy przez cały czas przeznaczony na zadanie. Nietradycyjne techniki pozwalają nauczycielowi na wykonanie indywidualne podejście dzieciom, weź pod uwagę ich pragnienie, zainteresowanie. Ich stosowanie przyczynia się do rozwoju intelektualnego dziecka, korekcji procesów umysłowych oraz sfery osobistej przedszkolaków.

Rysowanie z nietypowych materiałów i oryginalne techniki pozwalają dzieciom przeżyć niezapomniane pozytywne emocje. A po emocjach można ocenić, co aktualnie dzieje się w duszy dziecka, w jakim jest nastroju, co go cieszy, a co go denerwuje.Jak wiadomo, dzieci często naśladują proponowany im wzór.

Nietradycyjne techniki rysunkowe pozwalają tego uniknąć, ponieważ nauczyciel zamiast gotowej próbki pokazuje jedynie sposób działania z nietradycyjne materiały, narzędzia. Daje to impuls do manifestacji niezależności, inicjatywy, ekspresji indywidualności. Stosowanie i łączenie różne sposoby obrazy na jednym rysunku, przedszkolaki uczą się myśleć, same decydują, jakiej techniki użyć, aby ten lub inny obraz był wyrazisty. Praca z nietradycyjnymi technikami graficznymi pobudza u dziecka pozytywną motywację, wprowadza w radosny nastrój i łagodzi lęk przed procesem rysowania.

Nietypowy początek pracy, wykorzystanie technik gry – wszystko to pomaga zapobiegać monotonii i nudzie w dziecięcej aktywności wizualnej, zapewnia żywotność i bezpośredniość percepcji i aktywności dzieci.

Zadania w pracy z dziećmi:

• Rozwijaj umiejętności rysowania technicznego dzieci.
• Przedstaw dzieciom różne nietradycyjne techniki rysunek.
• Naucz się tworzyć własny, niepowtarzalny obraz przy użyciu różnych technik rysunkowych.

Istnieje wiele metod i technik nietradycyjnego rysowania, chcę przedstawić niektóre z nich. Takie metody i techniki pomogą zorganizować interesujące proces twórczy na zajęciach plastycznych.

1.Rysowanie dłonią

Sposób uzyskania obrazu: dziecko macza dłoń (cały pędzel) w gwaszu lub maluje pędzlem i odciska na papierze. Rysują zarówno prawą, jak i lewą ręką, pomalowane na różne kolory.

2. Rysunek palcem.

Dziecko zanurza palec w gwaszu i kładzie kropki, plamy na papierze. Każdy palec jest wypełniony innym kolorem farby.

3. Wycisk piankowy

4. Rysowanie zmiętym papierem
W ten sposób można na przykład narysować sylwetki zwierząt, trawy, nieba, śniegu, pni drzew. Aby to zrobić, zgnij cienki arkusz papieru, zanurz go w farbie i ostrożnie zagruntuj na arkuszu poziomym.

5. Rysowanie z odciskami liści

Dziecko pokrywa kawałek drewna farbami w różnych kolorach, a następnie nakłada je na papier pomalowaną stroną, aby wykonać nadruk. Za każdym razem pobierany jest nowy liść. Ogonki liściowe można malować pędzlem

6. Monotypia.

Dziecko składa kartkę papieru na pół i na jednej połowie rysuje połowę przedstawionego przedmiotu (przedmioty dobierane są symetrycznie). Po narysowaniu każdej części przedmiotu, aż farba wyschnie, arkusz jest ponownie składany na pół, aby uzyskać wydruk. Obraz można następnie ozdobić, składając arkusz po narysowaniu kilku dekoracji.

7. Rysowanie przez szturchanie.

W przypadku tej metody wystarczy wziąć na przykład dowolny odpowiedni przedmiot wacik. Wacik zanurzamy w farbie i precyzyjnym ruchem od góry do dołu szturchamy wzdłuż arkusza krajobrazu. Różdżka pozostawi wyraźny ślad. Kształt nadruku będzie zależał od tego, jaki kształt wybrano do szturchnięcia.

8. Blotografia.

Podstawą tej techniki rysowania jest zwykły kleks. Podczas procesu rysowania najpierw uzyskuje się spontaniczne obrazy. Następnie dziecko rysuje szczegóły, aby nadać kompletność i podobieństwo prawdziwy sposób. Okazuje się, że kleks może być również sposobem rysowania, za który nikt nie będzie skarcił, ale wręcz przeciwnie, będzie też chwalony.

9. Spryskać.

Dziecko nabiera farbę na szczoteczkę do zębów i uderza nią o karton, który trzyma nad papierem. Farba rozpryskuje się na papierze.

Prowadzenie zajęć z wykorzystaniem nietradycyjnych technik

• Pomaga złagodzić lęki dzieci
• Rozwija pewność siebie
• Rozwija myślenie przestrzenne;
• Uczy dzieci swobodnego wyrażania swojej intencji;
• Zachęca dzieci do kreatywnych poszukiwań i rozwiązań;
• Uczy dzieci pracy z różnymi materiałami;
• Rozwija poczucie kompozycji, rytmu, koloru, postrzegania kolorów; poczucie tekstury i objętości;
• Rozwija umiejętności motoryczne rąk;
• Rozwija kreatywność, wyobraźnię i fantazję.
• Podczas pracy dzieci czerpią przyjemność estetyczną

Rysowanie w przedszkolu jest czynnością artystyczną i twórczą, podobnie jak działalność artysty, obejmuje pewną technikę. Konieczne jest, aby dziecko opanowało tę technikę, aby mogło swobodnie nią dysponować przy rozwiązywaniu różnych problemów. zadania wizualne najpełniej wyrażają na rysunku swoje wrażenia z wydarzeń i zjawisk zachodzących w życiu. . Dzięki percepcji obrazów artystycznych w sztukach wizualnych dziecko ma możliwość pełniejszego i żywszego postrzegania otaczającej rzeczywistości, a to przyczynia się do tworzenia przez dzieci w sztukach wizualnych emocjonalnie ubarwionych obrazów.

Podręcznik został stworzony zgodnie z federalnym standardem edukacyjnym dla średniego szkolnictwa zawodowego dla specjalności 050144 Edukacja przedszkolna i może być używany podczas opanowania modułu zawodowego PM.02 „Organizacja różnych piekieł zajęć i komunikacji dzieci” (MDK.02.03) .
Podręcznik omawia różne rodzaje plastyki (malarstwo, grafikę, rzeźbę, architekturę, wzornictwo, rękodzieło ludowe), metody rozwijania plastyki dzieci w wieku przedszkolnym.
Dla uczniów średnich szkół zawodowych może być przydatny dla nauczycieli placówek przedszkolnych.

Koncepcja malarstwa. Rodzaje malarstwa.
Malarstwo (od „żywego” i „pisarskiego”) jest jednym z najważniejszych rodzajów sztuk pięknych, którego dzieła odzwierciedlają na płaszczyźnie całą różnorodność otaczającego świata za pomocą różnych kolorowych materiałów kolorystycznych. Istnieje wiele definicji tego pojęcia, które charakteryzują malarstwo pod kątem jego malarskich możliwości. Jednocześnie często pomijany jest inny aspekt – indywidualno-osobisty, mentalny i duchowy stosunek artysty do tworzonego dzieła.

Świat malarstwa jest bogaty i złożony i nie sposób go oceniać jedynie z pozycji praw, wzorców i reguł wypracowanych przez ludzkość w toku historycznego rozwoju. W malarstwie istnieje różnorodność stylów i nurtów odprzedmiotowujących rzeczywistość, ukazujących jej duchową istotę. Każdy artysta widzi to na swój sposób i każdy widz interpretuje to biorąc pod uwagę swój światopogląd, światopogląd.

Obiektywnie oceniając to lub inne dzieło sztuki, należy wziąć pod uwagę charakterystyczne cechy epoki, w której dzieło to powstało, stopień rozwoju ówczesnej nauki i techniki, światopogląd artysty, jego preferencje stylistyczne , poziom umiejętności technicznych autora.

SPIS TREŚCI.
ROZDZIAŁ I. TEORIA I METODY WPROWADZANIA DZIECI W PRZEDSZKOLAKU Z RÓŻNYMI RODZAJAMI SZTUKI.
Rozdział 1. Teoria i metody zapoznawania przedszkolaków z dziełami plastycznymi.
§ 1. Malarstwo jako forma sztuki.
§ 2. Grafika jako forma sztuki.
§ 3. Rzeźba jako forma sztuki.
§ 4. Postrzeganie dzieł sztuki przez dzieci w wieku przedszkolnym.
§ 5. Metody zapoznawania dzieci w wieku przedszkolnym z malarstwem i grafiką.
§ 6. Metody zapoznawania dzieci w wieku przedszkolnym z rzeźbą.
Rozdział 2. Teoria i metody zapoznawania przedszkolaków z dziełami sztuki monumentalnej i zdobniczej.
§ 7. Architektura jako forma sztuki.
§ 8. Wzornictwo jako forma sztuki.
§ 9. Sztuka i rzemiosło ludowe.
§ 10. Metody poznawania dzieł architektury.
§ 11. Metodyka zapoznawania się z projektem.
§ 12. Metody poznawania dzieł sztuki i rzemiosła ludowego.
SEKCJA II. TEORIA I METODY ROZWOJU SZTUKI DZIECI W PRZEDSZKOLE.
Rozdział 3. Teoria rozwoju plastyki dzieci.
§ 13. Rola plastyki dziecięcej w rozwoju osoby dziecka.
§ 14. Poglądy badaczy na problematykę plastyki dziecięcej.
§ 15. Istota i struktura plastyki dziecięcej.
§ 16. Pedagogiczne uwarunkowania rozwoju plastyki dzieci.
§ 17. Etapy rozwoju plastyki dziecięcej w rysunku.
§ 18. Etapy rozwoju twórczości wizualnej przedszkolaków w zabawie z materiałami budowlanymi i projektantami.
§ 19. Etapy rozwoju twórczości plastycznej dzieci.
Rozdział 4. Teoria i metody opanowania przez przedszkolaki podstaw alfabetyzacji wizualnej
§ 20. Cechy opanowania przez przedszkolaki podstaw alfabetyzacji wizualnej.
§ 21. Kolor wg środki wyrazu sztuka.
§ 22. Cechy postrzegania i używania koloru przez dzieci w wieku przedszkolnym.
§ 23. Rysunek jako środek wyrazu artystycznego.
§ 24. Cechy opanowania rysunku przez dzieci w wieku przedszkolnym.
§ 25. Kompozycja jako środek wyrazu sztuki.
§ 26. Cechy opanowania praw kompozytorskich przez przedszkolaków.
Rozdział 5. Metodyka rozwoju plastyki dzieci.
§ 27. Metodyka rozwoju plastyki dzieci w rysunku.
§ 28. Metodyka rozwoju twórczej kreatywności dzieci.
§ 29. Metodyka rozwoju twórczości plastycznej dzieci.
§ 30. Dziecięca sztuka dekoracyjna.
Wniosek.
Aplikacje.
Załącznik 1.
Polecane dzieła architektury.
Polecane dzieła rzeźbiarskie.
Polecane prace malarskie.
Załącznik 2
Schemat analizy lekcji na temat rozwoju plastyki dzieci.

Pobierz bezpłatny e-book w wygodnym formacie, obejrzyj i przeczytaj:
Pobierz książkę Teoria i metodologia rozwoju plastyki dzieci, Pogodina S.V., 2011 - fileskachat.com, szybkie i bezpłatne pobieranie.