HENRI MATISS
Matisse Henri Emila Benoita(31.12.1869, Le Cateau, Pikardia, - 31.11.1954, Cimiez, niedaleko Nicei), Malarz francuski, grafik i rzeźbiarz.
Oddziaływanie kolorystyczne obrazów Matisse’a jest niezwykle silne; Reakcja może jednak być również negatywna, ale zawsze bardzo intensywna. Jego obrazy to dźwięczne, głośne fanfary, czasem ogłuszające. Nie budzą już spokojnego zachwytu, lecz wizualne paroksyzmy, to nie jest „uczta dla oka”, ale niepohamowana orgia.
Jakim sposobem Matisse osiąga tak mocny efekt kolorystyczny? Przede wszystkim niezwykle podkreślone kontrasty kolorystyczne. Oddajmy głos samemu artyście: „W moim obrazie „Muzyka” niebo jest zapisane pięknym niebieskim kolorem, najbardziej błękitnym z błękitów, samolot jest pomalowany kolorem tak nasyconym, że błękit, idea absolutny błękit, jest w pełni ujawniony; Za drzewa brano czystą zieleń, a za ciała dzwoniący cynobr. Cecha szczególna: forma została zmodyfikowana pod wpływem sąsiednich płaszczyzn barwnych, gdyż ekspresja zależy od płaszczyzny barwnej ujmowanej przez widza jako całość.”
Po uzyskaniu dyplomu prawnika pracował jako prawnik (1889-1891), studiował w Paryżu – w Akademii Julian (od 1891) u A. V. Bouguereau, w Szkole sztuka dekoracyjna(od 1893) i w Szkole Sztuk Pięknych (1895-99) u G. Moreau; skopiował dzieła starofrancuskie i Holenderscy mistrzowie. Był pod wpływem neoimpresjonizmu (głównie P. Signaca), P. Gauguina, sztuki arabskiego Wschodu i w pewnym stopniu starożytnego rosyjskiego malarstwa ikonowego (był jednym z pierwszych na Zachodzie, który docenił jego artystyczne zasługi; w 1911 odwiedził Moskwę). Po zapoznaniu się z twórczością impresjonistów, postimpresjonistów i angielskiego malarza J. Turnera, A. Matisse zaczyna stosować kolory bardziej nasycone, preferując jasne kolory („Lasek Boulogne”, ok. 1902, Muzeum Puszkina, Moskwa, „Ogród Luksemburski”, ok. 1902, Ermitaż, Sankt Petersburg). Duży wpływ na niego wywarła twórczość P. Cezanne’a („Akt. Sługa”, 1900, Muzeum Sztuka współczesna, Nowy Jork; „Naczynia na stole”, 1900, Ermitaż, Petersburg).
W latach 1905-07 przywódca fowizmu. Na słynnym paryskim Salonie Jesiennym 1905 roku wraz z nowymi przyjaciółmi wystawił szereg prac, a wśród nich „Kobietę w zielonym kapeluszu”. Prace te, które wywołały skandaliczną wrzawę, położyły podwaliny pod fowizm. W tym czasie Matisse odkrył rzeźbę ludów Afryki, zaczął ją kolekcjonować i zainteresował się klasycznymi drzeworytami japońskimi i arabską sztuką zdobniczą. Do 1906 roku ukończył prace nad kompozycją „Radość życia”, której fabuła inspirowana była wierszem „Popołudnie fauna” S. Mallarmégo: fabuła łączy w sobie motywy pasterskie i bachanaliowe. Pojawiły się pierwsze litografie, drzeworyty i ceramika; Rysunek jest wciąż udoskonalany, wykonywany głównie piórem, ołówkiem i węglem. Grafiki Matisse'a łączą arabeskę z subtelnym oddaniem zmysłowego uroku natury.
Począwszy od drugiej połowy XX wieku Matisse zatwierdził nowy typ ekspresja artystyczna, stosując lakoniczny, ostry, a jednocześnie elastyczny wzór, ostro rytmiczną kompozycję, kontrastowe połączenie kilku stref kolorystycznych, ale intensywnie jasne i lokalne (panele rezydencji S. I. Szczukina w Moskwie „Taniec” i „Muzyka” , oba - 1910 , Ermitaż, Leningrad), następnie nasycone odcieniami jednego tonu głównego, przeświecające i nie zakrywające faktury płótna („Pracownia artysty”, 1911, Muzeum sztuki piękne nazwany na cześć A.S. Puszkina, Moskwa).
W latach 1908-1912 Matisse, posługując się niemal wyłącznie czystym kolorem (w rzadkich pracach stosuje przejścia i tony mieszane), swoje obrazy buduje w oparciu o trzy podstawowe tony. „Satyr i nimfa” to współbrzmienie zieleni, różu i błękitu, „Taniec” to błękit, zieleń i czerwień, martwe natury budowane są na współbrzmieniu bzu, żółci i czerwieni lub błękitu, fioletu i różu. Następnie około 1912 roku przechodzi do czterech dźwięków kolorów, przy czym jeden z czterech tonów otrzymuje bardzo małe miejsce na obrazie: „Tanger” – niebieski, pomarańczowy, różowy, czerwony, „Na tarasie” – fioletowy, zielony, różowy, niebieski. „Wejście do Kazby” - malinowy, niebieski, zielony, blady róż. W późniejszych latach sięgnął po bardziej złożone połączenia i znacznie rozszerzył swoją paletę, wprowadzając większą różnorodność odcieni.
Ważne jest tutaj ujawnienie znaczenia słów Matisse’a o oddziaływaniu czystych tonów. Mówiąc o odcieniach, Matisse nie ma oczywiście na myśli stopniowania nasycenia tonów - bieli, które są możliwe również przy użyciu czystego koloru (w prymitywach włoskich i rosyjskich). Nie wydaje się też, by miał na myśli wyimaginowane barwy, które widz powinien dostrzec w wyniku zderzenia nasyconych płaszczyzn barw, co jest swego rodzaju echem neoimpresjonistycznej teorii optycznego mieszania kolorów. Wibracja ta jest zbyt niewielka, a wrażenie odcieni pośrednich jest przejściowe. Mówimy tutaj oczywiście o konieczności wprowadzenia tonów przejściowych, do czego Matisse doszedł później.
Pracując w czystym kolorze, Matisse, jak każdy malarz, pragnie uniknąć monotonii – antytezy malowniczości, jednak nie zawsze mu się to udaje, a niektóre jego prace charakteryzują się monotonią (panel „Muzyka”). Natomiast w latach 10-tych na pewno chce zachować czystość koloru. Unikając mieszania kolorów, sięga po technikę nawiązującą do szkliwienia dawnych mistrzów, polegającego na układaniu ciemna farba jaśniejszy, na przykład na różowo - biały, na niebiesko - fioletowy itp. Następnie, aby farba wibrowała, energicznie wciera ją w płótno, zamiast używać bieli, która prześwituje.
Ciągła praca nad rysunkiem pozwoliła Matisse’owi stać się wirtuozem pędzla. Kontury na jego obrazach są pewnie rysowane jednym pociągnięciem. Jego obrazy często przypominają (zwłaszcza w reprodukcji) rysunki pędzlem. Ich efekt często opiera się na mistrzowskim, odważnym dotyku.
Czasem używa warstw o różnej gęstości (np. w „Dziewczynie z tulipanami”), wypychając jeden kolor kosztem drugiego. Jednak wiele rzeczy z 1912 roku pomalowanych jest gładką, monotonną fakturą. Jeśli powierzchnia niektórych obrazów Matisse’a może wydawać się sucha i monotonna, nie oznacza to pogardy dla materiału malarskiego, nie do pomyślenia dla wielkiego artysty, ale swoistą obawę przed przemocą wobec materiału. Dla Matisse'a, jako malarza dekoracyjnego, szczególnie ważna jest jedność obrazu z jego podstawą, płótnem, którego biel i struktura są przez niego brane pod uwagę tak samo, jak monumentalista bierze pod uwagę powierzchnię ściany . Ale pamiętając o bazie, Matisse czasami zapomina o samej farbie specyficzne cechy i możliwości malarstwa olejnego.
Szczególne znaczenie ma technika niedokończonych detali, szczególnie wyraźnie widoczna w „Marokanie”, „Grze w piłkę” i innych; kolor w miejscach, które artysta chciał zagłuszyć, nie jest przytłumiony, ale zostaje czyste płótno (co czasem się robi, aby wydobyć światło) lub detal pozostaje niezamalowany (głównie ramiona, nogi itp.). Matisse ogranicza się do matowego, płynnego malarstwa i nie przywiązuje dużej wagi do kwestii faktury. Jest to niewątpliwa luka w jego twórczości, zwłaszcza jeśli porównamy jego długą ciężka praca w pewnym sensie nad kontrastami kolorów Praca naukowa do badania psychofizycznej reakcji na określony kontrast kolorów. Matisse'owi nie podoba się odkryty przez Delacroix system tonów dodatkowych, połączonych w system przez impresjonistów. Szuka dysonansów, krzyków, ostrych współbrzmień; możliwe jest tu porównanie ze współczesną muzyką Strawińskiego, Straussa i innych.Na niego, podobnie jak tych kompozytorów, wpływa niepokój, niestabilność psychiczna i nadmiernie wzburzone uczucia współczesnego mieszczanina.
W powściągliwej i surowej manierze twórczości Matisse'a z 2. połowy lat 10. zauważalny jest wpływ kubizmu („Lekcja muzyki”, 1916-17, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork); dzieła lat 20. natomiast wyróżniają się żywą spontanicznością motywów, różnorodnością kolorystyczną i miękkością pisma (cykl „Odaliski”). W latach 30. i 40. Matisse niejako podsumowuje odkrycia poprzednich okresów, łącząc poszukiwanie swobodnej dekoracyjności czasów fowizmu z analitycznie przejrzystą konstrukcją kompozycji (fryz w Barnes Museum „Dance”, 1931- 32, Merion, Filadelfia, USA), o subtelnie dopracowanej kolorystyce („Plum Tree Branch”, 1948, zbiory prywatne, Nowy Jork).
Całość twórczości Matisse'a ma wiele cech wspólnych. Próba kontrastu z burzliwymi napięciami życia XX wieku Wartości wieczne istnienia odtwarza jego świąteczną stronę – świat niekończącego się tańca, pogodny spokój idyllicznych scen, wzorzystych dywanów i tkanin, błyszczących owoców, wazonów, brązów, naczyń i figurek. Celem Matisse'a jest wciągnięcie widza w sferę idealnych obrazów i snów, wywołanie w nim poczucia spokoju lub niejasnego, ale urzekającego niepokoju. Emocjonalne oddziaływanie jego malarstwa osiągane jest przede wszystkim poprzez skrajne nasycenie zakres kolorów, muzykalność linearnych rytmów, tworzenie efektu wewnętrznego ruchu form, wreszcie całkowite podporządkowanie wszystkich elementów obrazu, dla którego przedmiot czasami zamienia się w rodzaj arabeski, plamę czystego koloru („Czerwone ryby ”, 1911; „Martwa natura z muszlą”, 1940; oba dzieła - w Muzeum Sztuk Pięknych im. A. S. Puszkina).
Matisse osiąga integralność, a jednocześnie różnorodność obrazową, przede wszystkim poprzez uświadomienie sobie autentycznego i organicznego połączenia pomiędzy kolorem i formą - liniowo-płaską. Kolor tak bardzo dominuje nad formą, że można go uznać za prawdziwą treść jego obrazów, a wszystko inne jest jedynie funkcją olśniewającego, mocnego koloru. Rysunek Matisse'a jako taki był zawsze podporządkowany jakości koloru, rozwój jego linii szedł równolegle z rozwojem walorów obrazowych. W okresie pierwszych poszukiwań, nieco powolnych i przybliżonych („Stół obiadowy”), jego rysunek stopniowo staje się coraz ostrzejszy i wyrazisty. Matisse czerpie dużo i niestrudzenie z życia, jego rysunków jest setki, jest prawdziwym wirtuozem rysunku. Jego umiejętności są wyraźnie widoczne w każdym z jego żywych, porywczych szkiców modeli. Uderza przede wszystkim dokładność, z jaką umieszcza figurę na kartce, od razu znajdując zgodność jej proporcji z płaszczyzną papieru. Nawet jego szkice mają charakter kompozycyjny; układają się zazwyczaj w wyrazistą arabeskę, przecinając płaszczyznę po przekątnej. Otwarty artysta natychmiast przekształca kawałek natury w grę ozdobnych plam i pociągnięć; jednocześnie jednak witalność wcale nie jest zmniejszona, a raczej mocno podkreślona. Nie myśląc o szczegółach, Matisse chwyta samą oś ruchu, dowcipnie uogólnia krzywizny ciała, nadaje integralność i spójność podziałowi form. Rysunki Matisse'a są na tyle ostre, dynamiczne, uproszczone i lakoniczne, a ich plastyczność jest tak wyjątkowa, że nie da się ich pomylić z żadnymi dziełami innych znanych rysowników swoich czasów. Żywotnością i spontanicznością nie ustępują japońskim, perskim miniaturom pod względem dekoracyjności i rysunkom Delacroix pod względem wyrazistości linii. Co więcej, nie opierają się one na „wirtuozerii” czy upodobaniu do spektakularnych ozdobników – są konstruktywne w prawdziwym tego słowa znaczeniu, ponieważ z pełnym przekonaniem odsłaniają plastyczną formę.
Henri Matisse (Francuz Henri Matisse; 31 grudnia 1869, Le Cateau-Cambresy, Nord, Francja (Drugie Cesarstwo Francuskie) – 3 listopada 1954, Nicea, Francja) – francuski artysta i rzeźbiarz, przywódca ruchu fowistycznego. Znany ze swoich badań nad przekazywaniem emocji poprzez kolor i kształt.
Biografia Hentry'ego Matisse'a
Henri Émile Benoît Matisse (francuski: Henri Émile Benoît Matisse) urodził się 31 grudnia 1869 roku w miejscowości Le Cateau-Cambresy, w Pikardii w północnej Francji. Był najstarszym synem w rodzinie Emile'a Hippolyte Matisse'a i Heloise Anne Gerard. Dzieciństwo spędził w sąsiednim miasteczku Boen-en-Vermandois, gdzie jego ojciec, odnoszący sukcesy handlarz zbożem, prowadził sklep. Matka pomagała ojcu w sklepie i malowała ceramikę.
Henri, studiując w latach 1882-1887 w Liceum i Lycée Henri Martin w miejscowości Saint-Quentin, wyjechał do Paryża, aby studiować prawo w School of Legal Sciences.
W sierpniu 1888 roku, po ukończeniu studiów, młody Henri otrzymał prawo do pracy w swojej specjalności. Wrócił do Saint-Quentin i podjął pracę jako urzędnik prawnika.
W 1889 roku Henri doznał ataku zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy wracał do zdrowia po operacji, jego matka kupiła mu przybory plastyczne.
Henri zaczął rysować od kopiowania kolorowych pocztówek podczas dwumiesięcznego pobytu w szpitalu.
Zafascynowało go to do tego stopnia, że pokonując opór ojca, postanowił zostać artystą i zapisał się do szkoły rysunkowej Quentin de la Tour (franc. Ecole Quentin de la Tour), gdzie kształcili się kreślarze dla przemysłu tekstylnego.
W 1891 odszedł praktyka prawnicza i ponownie przybył do Paryża, gdzie wstąpił do Akademii Julian. Henri kształcił się u słynnego mistrza sztuki salonowej Williama Adolphe’a Bouguereau, przygotowując się do egzaminów wstępnych do Szkoły Sztuk Pięknych (franc. École Nationale supérieure des beaux-arts de Paris), do której jednak nie dostał się.
W 1893 roku przeniósł się do Rosyjskiej Szkoły Sztuk Zdobniczych (angielskiej). (francuski: École Nationale Supérieure des Arts Decoratifs de Paris), gdzie poznał młodego Alberta Marqueta. W 1895 roku obaj zdali egzaminy wstępne do École des Beaux-Arts i zostali przyjęci do pracowni Gustave’a Moreau, u którego od 1893 roku studiowali jako studenci wizytujący. Tutaj Henri poznał Georgesa Rouaulta, Charlesa Camoina, Charlesa Manguina i Henriego Evenepoela.
W 1894 roku w życiu osobistym artysty miało miejsce znaczące wydarzenie. Jego modelka Caroline Joblau urodziła córkę Margaritę (1894-1982).
Lato 1896 roku spędził na wyspie Belle-Ile u wybrzeży Bretanii wraz z Emilem Berry, sąsiadem na lądowisku w Paryżu.
10 stycznia 1898 roku Henri Matisse poślubił Amélie Noellie Parayre, która urodziła mu synów: Jean-Gerarda (1899-1976) i Pierre'a (1900-1989). Do rodziny przyjęto także jego nieślubną córkę Margaritę. Ulubionymi modelkami artysty były jego żona i córka.
Doświadczając poważnych trudności finansowych, podjął pracę jako artysta-dekorator. Razem z Albertem Marquetem zajmował się dekorowaniem przedmiotów Targi Światowe w Grand Palais w Paryżu w 1900 r. Praca była wyczerpująca, a Henri zachorował na zapalenie oskrzeli. W 1901 roku, po krótkim leczeniu w Szwajcarii, gdzie nadal dużo pracował, Henri spędził trochę czasu z rodziną u rodziców w Bohin-en-Vermandois. Artysta był wówczas tak zdenerwowany, że myślał nawet o porzuceniu malarstwa.
Twórczość Matisse’a
Poszukiwanie siebie, to osobisty styl autora warunek konieczny rozwój dla każdego utalentowanego artysty pędzla. Prędzej czy później każdy z wielkich artystów znalazł swoje własne, unikalne metody i techniki charakterystyczne dla niego w sposób indywidualny, kierując się ukształtowanym osobistym rozumieniem roli malarstwa i własną wizją otaczającego go świata. Ale od każdej reguły muszą być wyjątki, które tylko tę regułę potwierdzają. Jednym z takich wyjątków był słynny artysta Henri Matisse.
Twórczości tego człowieka nie da się scharakteryzować w ramach żadnego określonego kierunku, gdyż nieustannie przekraczał on wszelkie ograniczające go granice, raz po raz pędząc tam, gdzie nikt wcześniej nie był.
Przez całe życie Henri Matisse nieustannie poszukiwał. Chcąc osiągnąć jak najbardziej efektowną, a zarazem harmonijną ekspresję, zmienił narzędzia artystyczne i zmienił siebie.
Parada, Platanes 
Polinezja, La Mer 
Czerwone wnętrze. Martwa natura na niebieskim stole
Muzeum w Nicei, poświęcone życiu i twórczości mistrza, odkrywa przed zdziwionymi zwiedzającymi malarstwo i rysunek, witraże i ceramikę, rzeźbę i kolaże papierowe. W każdym z tych kierunków i w wielu innych Henri Matisse mógł wyrazić swoje specjalne słowo, co pozostawiło jasny ślad w sztuce.
Bardzo duży wpływ wywarł wpływ impresjonizmu i dywizjonizmu, nasze własne eksperymenty z kontrastami kolorystycznymi wczesne prace artysta. Jego obrazy oraz obrazy jego towarzyszy Vlamincka, Deraina, Rouaulta i Marche'a, wystawione na Salonie Jesiennym w 1905 roku, zostały przez krytyków nazwane „dzikimi”, stąd nazwa nowego ruchu – „Fauwizm”.
Następnie Henri Matisse pod wpływem różnych wrażeń wielokrotnie zmieniał swój styl, manierę i technikę oraz opanowywał nowe środki wyrazu twórczego. Szereg udanych znajomości, w tym z Picassem i rosyjskim kolekcjonerem Szczukinem, pomogło mu się poprawić sytuacja finansowa, a artysta odbył kilka podróży.
W Maroku zainteresował się orientalnością wzory dekoracyjne i ozdoby, doświadczane w Monachium mocne uczucia na wystawie dzieł sztuki islamu, w Rosji zachwyciły mnie ikony, na Tahiti podziwiałam aranżacje kwiatowe.
Jednak za każdym razem składam na jakiś czas nowy mocne wrażenie, Matisse chłonął to jak gąbka, a potem twórczo przerobił, zgodnie z własnym światopoglądem.
Henri Matisse zawsze uważał, że kolor ma moc podkreślania wrażeń. W swoich pracach sprawiał, że kolor emanował blaskiem i rytmiczną, taneczną pulsacją. Dążąc do maksymalnego wyrazu całości, artysta usunął wszelkie nieistotne szczegóły i maksymalnie uprościł formy, biorąc pod uwagę wszystko, co szkodliwe i niepotrzebne, co nie wpływa bezpośrednio na impuls emocjonalny i energetyczny.
Wiele jego kompozycji wydaje się zwodniczo prostych, jednak za każdą z nich kryje się tytaniczna praca twórcza, która tworzy niesamowite napięcie tej „krzyczącej” prostoty.
W ostatnie lata Za życia, używając zwykłego kolorowego papieru i nożyczek, Henri Matisse tworzył aplikacje, które dawały oszałamiający efekt symfonicznego brzmienia kolorów, rytmicznej muzykalności linii i absolutnej harmonii kompozycyjnej.
Po śmierci artysty Pablo Picasso krótko i zwięźle opisał swoją twórczość jednym zdaniem: „Matisse był zawsze tym jedynym”.
Jeden z obrazów Matisse’a – „Les coucous, tapis bleu et Rose” – został zakupiony przez prywatnego kolekcjonera podczas aukcji w domu aukcyjnym Christie's w lutym 2009 roku za 32 miliony euro. Martwa natura została stworzona przez artystę w 1911 roku.
Kaplica Rosera (Vence, Francja) często nazywana jest Kaplicą Matisse’a. Faktem jest, że został zbudowany w latach 1949-1951 według projektu Henri Matisse'a. Artystę pytała o to jego była modelka Monique, a następnie siostra Jacques-Marie, która została zakonnicą. Matisse wykonał witraże, ozdobił salę kaplicy i wykonał szkice strojów kościelnych.
Collioure (Francja) to kolebka fowizmu. To tu powstały pierwsze obrazy nowego kierunku malarstwa. Pablo Picasso, Albert Marquet, Raoul Dufy, a także Marc Chagall i inni odwiedzili tutaj znany artysta. Wybrali kołnierz ze względu na światło i kolor. „Nie ma bardziej błękitnego nieba niż w Collioure” – powiedział Henri Matisse.
Hotel Dove d'Or w Saint-Paul-de-Vence tchnie niesamowitymi historiami i legendami o celebrytach. Według plotek Henri Matisse przybył kiedyś do Dove bardzo zmęczony i podano mu filiżankę herbaty bezpośrednio do samochodu. Słynne dzieło Henriego Matisse’a „Herbata w ogrodzie”.
Henri Matisse, wybitny francuski artysta i przywódca ruchu fowizmu, znany jest z mistrzowskiego oddania w kolorze wykwintnych emocji i uczuć. Świat Matisse'a to świat tańców i sielanek, pięknych wazonów, soczystych owoców, roślin szklarniowych, dywanów i kolorowych tkanin, figurek z brązu i niekończących się krajobrazów. Jego styl wyróżnia się elastycznością linii, czasem przerywanych, czasem zaokrąglonych, przekazujących różnorodne sylwetki i kontury, nastroje i motywy. Rafinowany mediów artystycznych, kolorystyczne harmonie łączące jasne kontrastujące harmonie, jakby wzywały widza tych dzieł do cieszenia się zmysłowym pięknem świata.
O malarstwie Matisse’a mówią, że jest muzyczne. Twórczość artysty często określano mianem „świeckiej” i „salonowej”, upatrując w świętości i elegancji swoich obrazów bezpośredni wpływ gustów zamożnych mecenasów sztuki. Zarzucano mu oderwanie się od rzeczywistości, dekadencję, brak zrozumienia współczesne problemy. Rzeczywiście, z nielicznymi wyjątkami, na jego obrazach nie zobaczysz nieokreślonych motywów życia codziennego. Henri próbował uchwycić coś zupełnie innego: eleganckie kobiety w pięknej eleganckiej scenerii, bujne bukiety kwiatów, jasne dywany.
Taniec Henriego Matisse’a
Przyszły artysta przyszedł na świat, który później z taką miłością wyśpiewał za pomocą pędzla i farb, tuż przed nadejściem Nowego Roku – 31 grudnia 1869 roku w Cateau-Cambresy, w północnej Francji. Ojciec chciał, aby syn jak najszybciej stanął na nogi, widział w nim prawnika, bogatego człowieka, ale jego pragnienia pozostały w sferze marzeń. To prawda, że po ukończeniu Lyceum Saint-Quentin Matisse nadal musiał studiować prawo w Paryżu. Po raz pierwszy próbował swoich sił w malarstwie podczas pobytu w szpitalu, gdzie zachorował na zapalenie wyrostka robaczkowego. Wolnego czasu było dużo, Henri zrobił rysunek, kolejny i... praca go zafascynowała. W wieku 20 lat rozpoczął treningi w Szkoła Artystyczna Ventin de la Tour, a w 1891 wyjechał do Paryża, gdzie wstąpił do Szkoły Sztuk Pięknych. Następnie, wbrew woli ojca, Matisse porzucił orzecznictwo i całkowicie osiadł w Paryżu, wstępując do Akademii Julianskiej i biorąc lekcje u mistrza Malarstwo francuskie Gustave Moreau.
Mistyk i symbolista Moreau przepowiedział wspaniałą przyszłość początkującemu artyście, szczególnie doceniając jego innowacyjne techniki w nieoczekiwanych kombinacjach kolorystycznych. Malowanie wymaga czasu i pieniędzy. Rodzina się powiększa: na przełomie dwóch wieków rodzą się synowie artysty – Jean i Pierre. Według wspomnień współczesnych małżeństwo Matisse'a było niezwykle szczęśliwe: oddana artyście Amelie Matisse ciężko pracowała, aby jej mąż mógł jedynie zajmować się kreatywnością. Ta piękna kobieta jest przedstawiona na wielu obrazach mistrza; bardzo znane prace— „Kobieta w kapeluszu” i „Portret żony”. Amelie zrobiła wszystko, co możliwe, aby Henri więcej podróżował, poznawał świat i chłonął jego kolory. Razem wyruszają do Algierii, gdzie Matisse zapoznaje się ze sztuką Wschodu, która wywarła na niego ogromny wpływ. Stąd w jego twórczości – przewaga koloru nad formą, różnorodność i deseń, stylizacja w projektowaniu przedmiotów.
Poszukiwanie bezpośredniego przekazu wrażeń za pomocą intensywnego koloru, uproszczonego rysunku i płaskich obrazów znalazło odzwierciedlenie w pracach prezentowanych na wystawie fowistów w paryskim Salonie Jesiennym w 1905 roku. W tym czasie Matisse odkrył rzeźbę ludów Afryki i zainteresował się klasycznymi drzeworytami japońskimi i dekoracyjną sztuką arabską.
W 1908 r Kolekcjoner rosyjski Siergiej Szczukin zamawia artyście trzy panele dekoracyjne własny dom w Moskwie. Utwór „Taniec” (1910) przedstawia ekstatyczny taniec inspirowany wrażeniami z rosyjskich sezonów Siergieja Diagilewa, występami Isadory Aunkan i greckim malarstwem wazowym. W „Muzyce” znajdują się postacie artystów grających na różnych instrumentach. Trzeci panel – „Kąpiel, czyli medytacja” – pozostał jedynie w szkicach. Obrazy z kolekcji Szczukina, „odcięte” przez wojnę od reszty świata, po rewolucji zostały skonfiskowane przez państwo, przez połowę XX wieku przetrzymywane były w sowieckich piwnicach i ujrzały światło dzienne dopiero po rewolucji. śmierć Stalina (i samego Matisse’a).
Nie można powiedzieć, że artystyczny beau monde przyjął twórczość Matisse’a jednoznacznie pozytywnie. Na przykład Pablo Picasso w ogóle nie postrzegał francuskiego malarza i postrzegał go jako swojego rywala. Igor Strawiński wspomina: „Kim jest Matisse? – Pablo lubił powtarzać. „Jest balkon, a na nim jasna doniczka”.
W przeciwieństwie do Picassa, Matisse musiał stawić czoła sprzeciwowi ojca, który przez całe życie wstydził się, że jego syn postanowił zostać artystą. Przez wiele lat Matisse żył w biedzie. Miał około czterdziestu lat, kiedy w końcu był w stanie samodzielnie utrzymać rodzinę. Henri szukał w sztuce spokoju i stabilności, których życie nie mogło mu zapewnić; Pablo wręcz przeciwnie, podważył fundamenty świata.
Kiedy poznali się w 1906 roku, Picasso miał 25 lat, właśnie przyjechał z Hiszpanii, ledwo mówił po francusku i praktycznie nikt go nie znał w Paryżu. Trzyletni Matisse już wtedy był uznawany za artystę najwyższej klasy. Pierwszym obrazem, który Matisse podarował Picassowi w 1907 roku, był portret córki Henriego, Marguerite. Picasso powiesił pracę w swoim studiu i zaprosił przyjaciół, aby używali jej jako tarczy do gry w rzutki.
Matisse pozostawał pod silnym wpływem sztuki islamu, prezentowanej na wystawie w Monachium w 1911 roku. Dwie zimy spędzone przez artystę w Maroku (1912 i 1913) dodatkowo wzbogaciły go o wiedzę o motywach orientalnych, a długie życie na Riwierze przyczyniły się do rozwoju jasnej palety. W odróżnieniu od mistrzów kubizmu twórczość Matisse’a nie miała charakteru spekulatywnego, lecz opierała się na skrupulatnym studiowaniu natury i praw malarstwa. Wszystkie te obrazy, przedstawiające postacie kobiece, martwe natury i pejzaże, są efektem długich badań nad formami naturalnymi. Można powiedzieć, że Matisseowi udało się harmonijnie wyrazić bezpośrednie emocjonalne odczucie rzeczywistości w najściślejszy sposób formę artystyczną. Doskonały rysownik, był przede wszystkim kolorystą, uzyskując efekt skoordynowanego brzmienia kilku intensywnych barw. Na przykład w obrazie „Luksus, pokój i zmysłowość” styl secesyjny łączy się z charakterystycznym dla pointylizmu kropkowanym stylem malarstwa. Następnie wzrasta energia koloru, pojawia się zainteresowanie ekspresją ( ulubione słowo Matisse), kolorowe aureole, opracowanie kolorystyczne kompozycji obrazowej.
Wpływ koloru obrazów Matisse'a na widza jest niesamowity; kolory wołają i krzyczą jak głośne fanfary. Kontrasty kolorów są ostro podkreślone i podkreślone. Oto co mówi sam artysta: „W moim obrazie „Muzyka” niebo jest pomalowane na piękny niebieski kolor, najbardziej błękitny z błękitów, samolot jest pomalowany kolorem tak nasyconym, że błękit, idea absolutnego błękitu , jest w pełni ujawniony; Za drzewa brano czystą zieleń, a za ludzkie ciała dźwięczny cynobr. Ekspresja bowiem zależy od powierzchni barwnej ujętej przez widza jako całość.”
W pracach Matisse’a kolor dominuje nad rysunkiem tak bardzo, że można powiedzieć: to kolor jest prawdziwym bohaterem treści obrazów. Tak jak metoda twórcza była charakterystyczna nie tylko dla Matisse’a, ale także dla fowizmu w ogóle. Jeden z krytyków napisał o Fauvie: „Rzucili publiczności puszkę z farbą”. Matisse w jednym ze swoich esejów stwierdza: „Kolory na obrazie powinny wzbudzać uczucia do głębi, niezależnie od tego, co mówią krytycy”. Nic dziwnego, że Guillaume Apollinaire wykrzyknął: „Jeśli twórczość Matisse’a wymagała porównania, należałoby wziąć pomarańczę. Matisse to owoc o olśniewającym kolorze.”
Henri Matisse: matisse46
Henri Matisse: Les voiliers
Niezwykła jest dokładność, z jaką buduje kompozycję na płótnie. Matisse chwyta samą oś ruchu, nadając rysunkowi integralność i regularność. Jego szkice są na tyle ostre, dynamiczne, lapidarne, a jednocześnie elastyczne, że nie sposób ich pomylić z pracami innych rysowników – są od razu rozpoznawalne!
Francuscy artyści epoki secesji mieli słabość do tańca. Pełen wdzięku baletnice Degasa, prima kabaret Toulouse-Lautreca – różne wcielenia tego, co stało się modne temat tańca. Henri Matisse nie był wyjątkiem. I choć realizm jest obcy obrazom Matisse’a, a jego dekoracyjne płótna niewiele mają wspólnego z rzetelnym przedstawieniem baletnic na pointach, motyw tańca niezmiennie pojawia się w punkty zwrotneścieżka twórcza.
Henri Matisse: Matisse Icarus (Icare), 1943-1944, Z jazzu
Henri Matisse: Matisse Music, 1910, olej na płótnie, Ermitaż w St. Zwierzak domowy
Panel „Taniec paryski” został wymyślony przez Matisse’a w jego schyłkowych latach. Jednak praca uważana jest za jedną z najbardziej odważnych i innowacyjnych. Specjalnie dla tego zamówienia autor wymyślił i opracował oryginalną technikę - decoupage (przetłumaczone z francuskiego jako „cięcie”). Podobnie jak gigantyczna układanka, z której złożono obraz poszczególne fragmenty. Z arkuszy pomalowanych gwaszem maestro własnoręcznie wycinał nożyczkami postacie i fragmenty tła, a następnie zgodnie z zaznaczonym węglem rysunkiem przytwierdzał je do podstawy za pomocą szpilek... „Taniec paryski” znany jest w trzech wersje. Najwcześniejsza, niedokończona wersja jest w zasadzie szkicem przygotowawczym. Wraz z drugą, prawie ukończoną pracą, wyszła na jaw niefortunna historia: Matisse pomylił się w wielkości pokoju i trzeba było przepisać całe płótno. Ostateczna wersja została zatwierdzona przez klienta i pomyślnie wyjechała za granicę. A poprzedniemu, „wadliwemu” artyście udało się dokończyć, w 1936 roku oddał dzieło za skromne wynagrodzenie Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu. Dziś „Taniec paryski” słusznie uważany jest za perłę kolekcji tego muzeum – to nie przypadek, że do ekspozycji gigantycznego płótna zbudowano specjalną salę. Kolejny interesujący szczegół: w trakcie pracy nad „Tańcem paryskim” Henri Matisse musiał odwiedzić Moskwę, gdzie wraz z poetą Walerym Bryusowem i artystą Walentinem Serowem odkryli Matisse’owi piękno rosyjskich ikon, z których pochodził Francuski malarz był zachwycony, poznał Lidię Aelektorską. Ta prosta Rosjanka miała przejść do historii - została sekretarką, potem niezastąpioną asystentką, a potem najbliższą przyjaciółką i ostatnia muza artysta. W październiku 1933 roku Lidia Lelektorska wprowadziła się do domu Matisse’a i przebywała tam przez prawie 22 lata.
Matisse tak pisał o swoich wrażeniach z Rosji: „Wczoraj widziałem kolekcję starych ikon. To prawda wielka sztuka. Zakochałam się w ich wzruszającej prostocie, która jest mi bliższa i droższe od obrazów Fra Angelico. W tych ikonach, niczym mistyczny kwiat, objawia się dusza artystów. I od nich powinniśmy uczyć się rozumieć sztukę.”
Pierwszy Wojna światowa, która pozostawiła głęboki ślad w duszy Matisse’a i go zmieniła styl artystyczny. Kolorystyka obrazów staje się ponura, a rysunek staje się niemal schematyczny. Od 1918 roku artysta niemal stale mieszka w Nicei, okazjonalnie odwiedzając Paryż. Radosne, jasne kolory prędko nie wrócą do jego malarstwa... W licznych kompozycjach tego okresu, wśród których najbardziej znane to „Sukienka perska”, „Muzyka” (1939), „Bluzka rumuńska” (1940), artysta ponownie potwierdza zasady „czystego malarstwa” ” Malowane niedbałymi kreskami obrazy sprawiały radosne, choć zwodnicze wrażenie - jakby malowano je z łatwością za pierwszym razem, w wyniku wesołej i beztroskiej inspiracji. Ale tak naprawdę każde dzieło mistrza jest wynikiem żmudnych badań, ciężkiej pracy i ogromnego stresu moralnego i fizycznego. Nie ciesząc się dobrym zdrowiem i cierpiąc na bezsenność, Matisse odmawiał sobie wielu przyjemności tylko po to, by utrzymać zdolność do pracy. Tworząc obraz zapomniał o wszystkim na świecie.
Henri Matisse: Matisse Jazz - Sanki, 1943, wycinanki
Artysta nie przestaje tworzyć nawet w najtrudniejszych dla niego chwilach. Od 1941 ciężko chory, jego żona i córka zostały aresztowane przez gestapo za udział w ruchu oporu, Matisse przez długi czas nic nie wiedzą o ich losie. W ostatnich latach Henri pracuje bardziej jako ilustrator i interesuje się kolażami. Z jaką rozkoszą malował wzory orientalnych dywanów, z jaką pieczołowitością uzyskiwał precyzyjne, harmonijne relacje kolorystyczne! Wspaniałe są także jego martwe natury i portrety z czasów późnych, pełne tajemniczego wewnętrznego światła. To już nie jest obraz intymny, nabiera kosmicznego brzmienia. Zmuszony do porzucenia malarstwa olejnego, nie mogąc utrzymać w rękach pędzla i palety, artysta opracował technikę komponowania obrazu ze skrawków kolorowego papieru. W latach 1948-53 na zlecenie Zakonu Dominikanów Matisse pracował przy budowie i dekoracji „Kaplicy Różańcowej” w Vence. Nad ceramicznym dachem unosi się ażurowy krzyż przedstawiający niebo z chmurami; nad wejściem do kaplicy znajduje się ceramiczna tablica przedstawiająca św. Dominika i Najświętszej Maryi Panny. We wnętrzu umieszczono inne panele, wykonane według szkiców mistrza; artysta niezwykle skąpi detali, niespokojna czerń, linie dramatycznie opowiadają historię Sądu Ostatecznego (zachodnia ściana kaplicy); obok ołtarza znajduje się wizerunek samego Dominika. Ten Ostatnia praca Matisse’a, który załączył bardzo ważne będący syntezą wielu wcześniejszych poszukiwań, godnie zakończył swoją drogę artystyczną. Jednak Matisse malował do ostatniej chwili, nawet w nocy, nawet po zawale serca, dzień przed śmiercią, 3 listopada 1954 roku poprosił o ołówek i wykonał trzy szkice portretowe.
Artysta na szczęście miał długie i intensywne życie twórcze – w świecie pełnym katastrof technicznych, naukowych i rewolucje społeczne. Ten świat był ogłuszający, zmieniał się z iście wybuchową szybkością, a Matisse wywracał do góry nogami wszelkie utarte wyobrażenia, piętrzył ruiny, mnożył odkrycia, szukał nowych form bycia w sztuce. Szukałem i znalazłem!
Henri Matisse: Odaliska w czerwonych spodniach)
