Po przejściu przez szereg etapów, z których każdy miał swoje specyficzne i oryginalne znaczenie, holenderska martwa natura szeroko objęła świat rzeczy i organiczną naturę. Od pierwszego etapu twórczości artystów początku stulecia, wraz z rejestracją rzeczy wystawionych niczym na wystawie, malarze kolejnego pokolenia przeszli do skromnych „śniadań” z metalowymi i szklanymi przedmiotami zgrupowanymi na białym obrusie (Klas, Heda). Te „śniadania” wyróżniają się prostotą przedstawionych rzeczy: bułka, naczynia blaszane, naczynia szklane- to główne elementy obrazów w szarawej palecie kolorów. Kilka ryb na obrazach Ormei i Puttera oraz martwa natura kuchenna autorstwa rotterdamskich artystów odzwierciedla skromne purytańskie gusta warstw demokratycznych pierwszej połowy stulecia.
Ale wraz z ustanowieniem ustroju republikańskiego i późniejszym wzmocnieniem władzy klasy burżuazyjnej, a następnie jej stopniową arystokratyzacją, zmieniły się także wymagania wobec sztuki. Martwa natura traci swój skromny, prosty charakter. „Śniadania” stają się bardziej luksusowe i bujne, uderzając bogactwem kolorów. Obecnie zbudowane są na połączeniu ciepłych odcieni dywanowych obrusów oraz pomarańczowych, żółtych i czerwonych owoców ułożonych na naczyniach z ceramiki z Delft lub chińskiej porcelany, ożywionych blaskiem złoconych kielichów i szklanych kieliszków, na których powierzchni igra światło. Świadcząc o całkowitym opanowaniu transferu materiału i oświetlenia, nasyconych kolorem, martwe natury Kalfa, Beyerena, Strecka charakteryzują czas największego rozkwitu martwej natury.
Nie tylko czas wpłynął na temat i rozwój martwej natury, ale także znacznie więcej: cechy lokalne, typowa dla danego miasta struktura gospodarcza, często determinują temat, a nawet interpretację dzieła lokalny artysta. To nie przypadek, że w szybko rozwijającym się Haarlemie, z jego silnymi stowarzyszeniami obywateli, po raz pierwszy rozwinął się rodzaj tonalnej martwej natury, a w centrum gospodarki i życie kulturalne Holandia – Amsterdam – to tam toczyła się działalność twórców luksusowych deserów Kalfa i Streka. Bliskość wybrzeża Scheveningen zainspirowała mieszkającego w Hadze Beyerena do stworzenia martwej natury z rybami, a w centrum uniwersyteckim – Leiden – pojawiła się przemyślana martwa natura z wizerunkiem czaszki i klepsydry, mająca przypominać kruchość ziemskiej egzystencji. Powszechne były także obrazy przedstawiające naukowca otoczonego tomami, globusami i innymi obiektami naukowymi, często zajmującymi cały pierwszy plan”.
Ścisły podział martwych natur na gatunki jest niemożliwy, ponieważ często na jednym obrazie łączono kilka motywów, można jednak wyróżnić gatunki najbardziej powszechne.
Encyklopedyczny YouTube
1 / 5
Holenderska martwa natura. Jak napisać chryzantemę
Ermitaż. Malarstwo Małego Holendra
Luwr: największe muzeum na świecie. 10 Malarstwo flamandzkie i holenderskie XVII wieku. Rubensa, Rembrandta
Holenderska martwa natura.
Ermitaż. Sztuka Flandrii i Holandii
Napisy na filmie obcojęzycznym
Martwa natura z kwiatami
W martwych naturach kwiatowych artyści przedstawiali tulipany, róże, mieczyki, hiacynty, goździki, lilie, irysy, konwalie, niezapominajki, fiołki, altówki, stokrotki, czarnuszki, rozmaryn, zawilce, nagietek, skrzelowce, malwy i inne kwiaty.
Jednym z pierwszych XVII-wiecznych artystów malujących wazony z kwiatami był Jakub (Jacques) de Geyn Młodszy (1565-1629). Jego twórczość charakteryzuje się wydłużonym pionowym formatem obrazów, wielopoziomowym układem kwiatów z naprzemiennymi dużymi i małymi roślinami, a także zastosowaniem technik, które staną się bardzo popularne wśród artystów tego gatunku: osadzenie bukietu kwiatów we wnęce i wizerunku małych zwierząt obok wazonu.
Pojawienie się owadów, zwierząt i ptaków oraz muszli jako detali pomocniczych w martwych naturach kwiatowych jest odzwierciedleniem tradycji wykorzystywania ukrytych znaczeń przedstawianych przedmiotów, które znaczenie symboliczne. W martwych naturach wszystkich gatunków pojawiają się różne symbole.
Naśladowcami Jacoba de Geyna Młodszego byli Jan Baptist van Fornenburg (1585-1649) i Jacob Wouters Vosmar (1584-1641).
Fornenburg malował bukiety tulipanów, żonkili, róż i pęcherzycy, natomiast w jego obrazach pojawiają się motywy „marności nad marnościami” i klasycznego „oszustwa”.
Cecha charakterystyczna Na obrazach Vosmara pojawia się także motyw „marności nad marnościami” w postaci opadającej róży. Często przedstawiał w martwych naturach muchę, motyla strzyżyka, motyla kapuścianego, ważkę i pszczołę.
Założycielem całej dynastii mistrzów martwej natury z kwiatami i owocami był Ambrosius Bosschaert Starszy (1573-1621). W skład dynastii wchodziło trzech synów (Johannes, Abraham i Ambrosius), dwóch szwagrów (Johannes i Balthasar van der Asty) oraz zięć (Hieronymus Swerts).
Bosshart malował małe martwe natury z bukietem w wazonie (w niektórych przypadkach był to wazon z chińskiej porcelany), umieszczonym we wnęce lub na parapecie. Oprócz małych zwierząt w jego obrazach wykorzystuje się także muszle jako otoczenie.
Wśród synów Bosschaerta talent artysty najwyraźniej objawił się u Johannesa Bosschaerta (1610/11 – po 1629). Cechy charakterystyczne jego kreatywność - ułożenie obiektów po przekątnej na obrazie i matowy, metaliczny kolor.
Ambrosius Bosschaert Młodszy (1609-1645) stosował techniki modelowania odcięcia stosowane przez karawagistów z Utrechtu.
Abraham Bosshart (1612/1613 - 1643) kopiował techniki swoich braci.
Bracia żony Ambrosiusa Bosschaerta, Johannes i Balthasar van der Asta, kontynuowali tradycje Bosschaerta.
Znany jest tylko jeden obraz Johannesa van der Asta.
Duże znaczenie dla rozwoju martwej natury miało dzieło najstarszego z braci, Balthasara van der Asta (1593/1594 - 1657), który pozostawił po sobie bogatą dziedzictwo twórcze- ponad 125 obrazów. Lubił przedstawiać na stole kosz kwiatów lub naczynie z owocami, a na pierwszym planie wzdłuż krawędzi stołu umieszczał muszelki, owoce i motyle. Niektóre z jego obrazów przedstawiają papugi.
Roelant Saverey (1576-1639) należy do szkoły Ambrosiusa Bossharta Starszego. Jego martwe natury zbudowane są na zasadzie bukietu kwiatów umieszczonego w niszy. Do swoich obrazów dodawał motywy „marności nad marnościami”, a jako świt wykorzystywał chrząszcza grabarza, muchę gnojową, motyla śmierciogłowego i inne owady, a także jaszczurki.
Twórczość Ambrosiusa Bosschaerta wywarła wpływ na takich artystów, jak Antoni Claes I (1592-1636), jego imiennik Antoni Claes II (1606/1608 - 1652) i zięć Ambrosiusa Bosschaerta Starszego, Hieronymus Swerts.
W twórczości Hansa Bollongiera (około 1600 - po 1670) szeroko stosowano techniki utrechckiego karawagizmu. Za pomocą światłocienia artysta uwydatnił kwiaty na tle zmierzchu.
Dalszy rozwój martwej natury kwiatowej można zaobserwować w twórczości mistrzów Middelburga: Christoffela van den Berghe (ok. 1590 - po 1642), którzy w martwych naturach kwiatowych przedstawiali elementy „marności nad marnościami”: butelkę wina, tabakierkę, fajka, karty do gry i czaszka; oraz Johannes Goodart, który szeroko wykorzystywał owady i ptaki jako otoczenie.
Do szkoły mistrzów martwej natury kwiatowej z Dordrechtu zaliczają się Bartholomeus Abrahams Asstein (1607(?) - 1667 lub później), Abraham van Kalrath (1642-1722), ojciec słynnego pejzażysty i malarza zwierząt Alberta Cuypa, Jacoba Gerritsa Cuypa ( 1594 - 1651/1652). Ich prace charakteryzują się szerokim wykorzystaniem światłocienia.
„Stoły serwowane” („Śniadania”, „Desery”, „Bankiety”)
Miejscem narodzin i centrum „nakrytych stołów” był Haarlem. Warunkiem powstania tego typu martwej natury było powszechne rozpowszechnianie w XVI wieku portretów członków cechu strzeleckiego podczas bankietu. Stopniowo obraz nakrytego stołu stał się niezależnym gatunkiem.
Zespół obiektów tworzących martwą naturę początkowo obejmował tradycyjne produkty holenderskie: sery, szynkę, bułki, owoce, piwo. Jednak później, w martwych naturach, coraz częściej zaczęły pojawiać się potrawy charakterystyczne dla specjalnych okazji czy stoły zamożnych mieszczan: dziczyzna, wino, ciasta (najdroższe było ciasto z jeżynami). Oprócz tradycyjnych śledzi pojawiły się homary, krewetki i ostrygi.
Zaczęto używać także drogich naczyń ze srebra i chińskiej porcelany, dzbanków i tatsów. Szczególną uwagę artystom przykuły szkła: Römer, Berkemeier, szkło pass, szkło fletowe, szkło weneckie, szkło akeley. Najbardziej wykwintny był kubek Nautilusa.
Częstymi atrybutami martwych natur były solniczka i nóż stołowy. Jako kolorowy akcent często wykorzystywano pół obraną cytrynę.
Jedną z najwcześniejszych martwych natur przedstawiających holenderskie nakrycie stołu jest Nakrycie stołu autorstwa Nicholasa Gilliesa (ok. 1580 - po 1632). Artysta w swoich obrazach posługiwał się wzniosłym punktem widzenia.
Martwe natury Florisa Gerritsa van Schoutena (ok. 1590 - po 1655) charakteryzują się złożonością, posługiwał się dużą liczbą obiektów, a głównym tematem często była kupa serów. W wielu przypadkach stosował technikę odsunięcia akcentów grupy martwych natur od geometrycznego środka obrazu.
Wybitną postacią w tego typu malarstwie martwej natury był Floris van Dyck (1575-1651). Centrum jego obrazów stanowiła piramida serów, a tło rozpływało się we mgle.
Clara Peters (1594-1657) specjalizowała się w tym samym typie martwej natury. Często przedstawiała drogie, wykwintne zastawy stołowe, homary i ostrygi. W niektórych swoich martwych naturach używała obniżonego punktu widzenia, niemal na poziomie stołu.
Kompozycje bliskie Petersowi tworzył Hans van Essen (1587/1589 – po 1648).
Roelof Coots (1592/1593 - 1655) stosował technikę umyślnego zaniedbania, talerz lub nóż na jego obrazach wisiał w połowie odległości od krawędzi stołu. Jako jeden z pierwszych stworzył płótna przedstawiające nie nakryty stół, a stół ze śladami gotowego śniadania, wprowadzając do obrazów motywy „marności nad marnościami”: zegarów, książek, opadłych winogron.
NA wczesna faza W swojej twórczości Peter Klas tworzył także obrazy tego gatunku.
Tonalna martwa natura
Tonalną holenderską martwą naturę prowadzili mieszkający w Haarlemie Pieter Claes i Willem Claes Heda.
Tradycja przedstawiania pani domu, kucharki czy służby została zachowana, choć coraz częściej schodziły one na dalszy plan. Na pierwszym planie znajdowały się przybory kuchenne oraz mięso, ryby i wiele warzyw przyniesionych do kuchni: dynia, rzepa, rutabaga, kapusta, marchew, groszek, fasola, cebula i ogórki. Masz więcej bogaci ludzie Na stole pojawił się kalafior, melony, karczochy i szparagi.
Pieter Cornelis van Ryck (1568-1628) malował w tradycji XVI wieku, czasem ze scenami biblijnymi w tle.
Cornelis Jacobs Delff (1571-1643) posługiwał się podwyższonym punktem widzenia i lubił umieszczać przybory kuchenne na pierwszym planie.
Napisał sceny kuchenne i słynny mistrz„nakrytych stołów” Florisa Gerritsa van Schotena, czasami w swoich martwych naturach umieszczał motywy gatunkowe.
Cornelis Pieters Begi (1631/1632 - 1664) poszedł jeszcze dalej, włączając satyra, który odwiedzał chłopów w martwej naturze.
Malarz gatunkowy i portretowy Gottfried Schalken (1643-1706) przedstawił magazyn z beczkami wina i zapasami.
Grupa mistrzów gatunku codziennego, bracia Cornelis i Hermann Saftlevenowie (1607/1608 - 1681 i 1609-1685), Pieter de Blot (1601-1658), Hendrik Martens Sorg (1611-1670) i Ecbert van der Poel (1621) -1664) malował także martwe natury „kuchenne” z motywami gatunkowymi, choć w ich obrazach nadal dominowały przedmioty gospodarstwa domowego.
Bliskie są także twórczościom rotterdamskich malarzy gatunkowych martwe natury słynnego mistrza „chłopskich śniadań” Philipsa Angela.
W przeciwieństwie do artystów, którzy przedstawiali kuchnie zamożnego mieszczanina z jego czystością i porządkiem, Francois Reykhals (po 1600 - 1647) malował kuchnie biednych chłopów.
Słynny mistrz „luksusowych” martwych natur Willem Kalf poświęcił ponad 60 swoich dzieł tematyce martwej natury kuchennej.
Martwa natura „Ryba”.
Haga stała się kolebką martwej natury z rybami. Bliskość Scheveningen zachęcała artystów nie tylko do malowania marynarzy, ale także do tworzenia szczególnego rodzaju martwej natury – obrazów przedstawiających ryby i zwierzęta morskie.
Twórcami tego typu martwej natury byli: Pieter de Putter, Pieter van Schijenborg i Pieter van Noort.
Pieter de Putter (1600-1659) wybrał wysoki punkt widzenia, z którego wyraźnie widoczny był stół z rybami, czasem do martwej natury dodawana była siatka.
Pieter van Schijenborg (? - po 1657) malował ryby na szarym lub żółtobrązowym tle.
Szczególny kolor miały obrazy Pietera van Noorta (ok. 1600 r. -?), które barwnie oddawały blask łusek.
Głównym przedstawicielem tego kierunku malarstwa był Abraham van Beyeren (1620/1621 - 1690), który zajmował się wieloma innymi gatunkami martwej natury, a także malował mariny. Przedstawiał ryby zarówno na stole, jak i na brzegu morza.
Być może uczniem van Beyerena był Izaak van Duinen (1628 - 1677/1681).
Do mistrzów martwej natury „rybnej” można zaliczyć także pejzażystę Alberta Cuypa (1620-1691).
Utrechccy mistrzowie Willem Ormea (1611-1673) i jego uczeń Jacob Gillig (ok. 1630-1701) lubili martwą naturę „rybną”.
„Marność nad marnościami” (Vanitas, Memento mori, „naukowa” martwa natura)
Ważne miejsce W malarstwie holenderskim martwa natura filozoficzna i moralna zajęła miejsce, które otrzymało Nazwa łacińska„vanitas” („marność nad marnościami”).
"W podstawy ideologiczne kierunki te są ze sobą w szczególny sposób powiązane przedstawienia średniowieczne o kruchości wszystkiego, co ziemskie, o moralizujących tendencjach kalwinizmu i humanistycznym ideale człowieka mądrego, dążącego do prawdy i piękna”.
Najczęstszymi symbolami śmiertelności w martwych naturach „próżności nad marnościami” były: czaszka, zgaszona świeca, zegar, książki, instrumenty muzyczne, zwiędłe kwiaty, przewrócona lub potłuczone naczynia, karty i kości do gry, fajki, bańki mydlane, znaczki, globus itp. Czasami artysta włączał do dzieła kartkę pergaminu z łacińskim powiedzeniem na temat „marności nad marnościami”.
Pierwszą martwą naturę z XVII wieku, która do nas dotarła, należącą do gatunku „marności nad marnościami”, namalował Jacob de Geyn Młodszy.
„W górnej części niszy, na kapitelach flankujących ją pylonów, znajdują się rzeźbiarskie wizerunki kobiet i postacie męskie, a na zworniku sklepienia niszy łaciński napis: „HUMANA VANA”, co można przetłumaczyć jako „daremna próżność ludzka”. To motto pozwala zrozumieć symbolikę postaci, z których pierwsza, jakby ostrzegając przed ulotnością mydlanej kuli, wskazuje na nią palcem, a druga, jakby zastanawiając się nad daremnością ludzkich działań, pochyliła ją głowa na ramieniu zgiętym w zamyśleniu. Sprawiedliwość Łacińskie powiedzenie potwierdza wizerunek czaszki – symbolu śmierci, powstrzymującej zarówno dobre, jak i złe uczynki człowieka oraz bańki mydlanej, wyrażającej tragiczny los materia naturalna, skazana na zanik w wirze istnienia.”
Jacob de Geyn Młodszy mieszkał w Lejdzie, mieście, w którym otwarto pierwszy holenderski uniwersytet i będącym centrum drukarstwa książek. To właśnie Lejda stała się centrum „naukowej” martwej natury.
Na rozwój martwej natury typu „marności nad marnościami” duży wpływ miała działalność mieszkańca Lejdy Davida Bayleya i skupionych wokół niego mistrzów.
Pionierem nowego gatunku martwej natury był Jan Davids de Hem (1606-1684). Spróbował się różne gatunki: kwiatowy, naukowiec, martwa natura kuchenna. W 1636 roku artysta przeniósł się do Antwerpii i znalazł się pod wpływem malarstwa flamandzkiego. Zaczął tworzyć luksusowe martwe natury, przeładowane jasnymi i kolorowymi owocami, homarami, papugami... Martwe natury kwiatowe również miały wyraźny ślad flamandzki, wyróżniający się barokową symfonią kolorów.
Jan Davids de Hem prowadził warsztaty z dużą liczbą studentów i asystentów. Oprócz syna mistrza Cornelisa de Hema jego bezpośrednimi uczniami byli Pieter de Ring, Nicholas van Gelder, Johannes Borman, Martinus Nellius, Matthijs Naive, Jan Mortel, Simon Luttihuis, Cornelis Kik. Z kolei Kik wychował zdolnych uczniów – Eliasa van den Broeka i Jacoba van Walskapelle.
Techniki Jana Davidsa de Hema zostały dobrze opanowane przez jego syna Cornelisa de Hema (1631-1695). Jednocześnie w jego obrazach jest więcej powietrza.
Najzdolniejszym uczniem Jana Davidsa de Hema był Pieter de Ring (1615-1660). Osobliwość w jego martwych naturach nieodzowna była obecność sygnetu, nawiązującego do nazwiska artysty (pierścień po niderlandzku).
Kolejnym wybitnym uczniem Jana Davidsa de Hema był Nicholas van Gelder (1623/1636 - ok. 1676), który swoje martwe natury tworzył pod wpływem twórczości Willema Kalfa.
Bardziej proste i intymne są martwe natury następców Jana Davidsa de Hema – Johannesa Bormanna i Martinusa Nelliusa (? – po 1706).
Simon Lüttihuis (1610 -?) tworzył także luksusowe martwe natury, dodając do nich motywy „próżności nad marnościami”.
Inny uczeń Jana Davidsa de Hema, Cornelis Kick (1631/1632 - 1681), wykorzystywał w swoich obrazach szkice plenerowe. Techniki plenerowe przekazał swoim uczniom Eliasowi van den Broekowi (1650-1708) i Jacobowi van Walskapelle (1644-1727), których martwe natury charakteryzują się subtelnym oddaniem środowiska świetlistego powietrza.
Z warsztatu Jana Davidsa de Hema wyszli także mistrzowie marnościowych martwych natur Maria van Oosterwijk oraz dwaj mistrzowie późnych martwych natur kwiatowych Jacob Rotius (1644 - 1681/1682) i Abraham Mignon.
Podczas pierwszych „luksusowych” martwych natur Jana Davidsa de Heema kilka prac na ten temat napisał także François Reichals.
Dążenie do koloru jest charakterystyczne dla luksusowych martwych natur Abrahama van Beyerena. Nieodzownym atrybutem tych obrazów był zegarek kieszonkowy.
Jeden z nielicznych naśladowców Beyerena, Abraham Susenir, uwielbiał przedstawiać srebrne naczynia.
Wielki wpływ na artystów wywarły „luksusowe” martwe natury Willema Kalfa (1619-1693). Kalf często stosował w nich naczynia ze złota, srebra i chińskiej porcelany. Jednocześnie obrazy zostały wyposażone w symbole „marności nad marnościami”: świecznik i zegarek kieszonkowy. Kalf często wybierał format pionowy. Jego twórczość dzieli się na okresy pobytu we Francji i powrotu do Amsterdamu. Dla późny okres charakteryzuje się zmniejszeniem liczby obiektów przedstawionych na zdjęciu oraz ponurym tłem.
Naśladowcami Kalfa byli Jurian van Streek, jego syn Hendrik van Streek (1659 -?), Christian Jans Streep (1634-1673) i Barent van der Meer (1659 - do 1702).
Inny naśladowca Kalfa, Peter Gerrits Rustraten (1627-1698), poszedł drogą zbliżenia „luksusowych” martwych natur do „zwodniczych”.
Wraz z Aalstem Matthaus Bloom jest jednym z pionierów martwej natury z trofeami myśliwskimi.
Na nim kilka obrazów ten temat w wykonaniu Nicholasa van Geldera (1623/1636 - ok. 1676).
Melchior de Hondecoeter przedstawił także trofea myśliwskie.
Temat martwej natury myśliwskiej podjął słynny mistrz krajobrazu Jan Baptysta Venix (1621-1660), który przedstawiał zabite sarny i łabędzie. Jego syn Jan Weniks stworzył co najmniej sto obrazów przedstawiających zabite zające na tle kamiennej niszy lub pejzażu parkowego.
Kolejnym uczniem Jana Chrzciciela Weenixa był Willem Frederik van Rooyen (1645/1654 - 1742), który także wkomponował w pejzaż wizerunki zwierząt.
Dirk de Bray był także zwolennikiem ceremonialnych martwych natur myśliwskich, podobnie jak Aalst i Royen. Reprezentował trofea sokolnicze, rozrywkę arystokratów i zamożnych mieszczan.
Oprócz ozdobnych płócien z „trofeami myśliwskimi” rozpowszechniły się także „komorowe” martwe natury myśliwskie. Jan Vonk (ok. 1630 - 1660?), Cornelis Lelienberg (1626 - po 1676), uczeń Aalsta Willem Gau Ferguson (ok. 1633 - po 1695), Hendrik de Fromenthue (1633/1634 - po 1694) i Pieter Harmens Verelst (1618- 1678), a także jego syn Simon Peters Verelst (1644-1721).
Martwe natury myśliwskie „komorowe” tworzyli malarze zajmujący się innymi gatunkami martwej natury: Abraham Mignon, Abraham van Beyeren, Jacob Biltius. Słynny pejzażysta Salomon van Ruisdael (1600/1603 - 1670), autor „Martwej natury z zabitą zwierzyną” (1661) i „Trofea myśliwskie” (1662), oraz malarz gatunkowy, uczeń Adriana van Ostade, Cornelis Dusart ( 1660-1704) oddał hołd martwej naturze myśliwskiej.
Martwa natura ze zwierzętami
Założycielami gatunku byli Otto Marceus van Scrieck (1619/1620 - 1678) i Matthias Withos (1627-1703).
Skrik założył na swojej posiadłości terrarium z owadami, pająkami, wężami i innymi zwierzętami, które przedstawiał na swoich obrazach. Uwielbiał tworzyć skomplikowane kompozycje z egzotycznymi roślinami i zwierzętami, przedstawiając je implikacje filozoficzne. Na przykład na drezdeńskim obrazie „Wąż w ptasim gnieździe” motyle zbierają nektar z kwiatów, drozd łapie motyle i karmi je pisklęciem, kolejne pisklę połyka wąż, na który poluje gronostaj.
Vithos wolał przedstawiać osty i inne rośliny na pierwszym planie swoich obrazów, wśród których pełzają węże, jaszczurki, pająki i owady. Jako tło przedstawił włoski pejzaż, wspomnienie podróży do Włoch.
Christian Jans Streep namalował Osty i krety na wzór Skricka.
Abraham de Heus przedstawiony bardzo starannie i blisko życia różne rodzaje krety, jaszczurki, węże i motyle.
Willem van Aalst ma kilka obrazów poświęconych przedstawianiu zwierząt. Jego uczennica Rachel Reusch karierę twórczą Zaczęła od naśladowania Skrika, ale potem wypracowała własny styl, który charakteryzuje się przedstawianiem małych zwierząt na tle złotego krajobrazu.
Na przykładzie obrazu „Śniadanie z szynką” Pietera Claesa porozmawiajmy o holenderskiej martwej naturze.
Przedstawia stół nakryty białym obrusem. W centrum martwej natury znajduje się danie z różową szynką. Szynka ma świeżo ścięty brzeg. W pobliżu, na tym samym naczyniu, leży nóż z piękną rzeźbioną rączką. Po prawej stronie naczynia widać gałązkę oliwną z brzoskwiniami. Na powierzchni owocu widać czarne kropki. To ślady robaków. Po lewej stronie naczynia stoi kieliszek wina. Odbicia światła na ściankach szklanego szkła ożywiają obraz. Obok szklanki stoi miedziany dzbanek z otwartą pokrywką. Gałąź winogron, przedstawiona obok kieliszka i dzbanka, zdaje się otaczać oba naczynia. Na krawędzi stołu artysta przedstawił metalowy talerz z chlebem, którego złocista skórka przyciąga wzrok. Orzechy włoskie są rozrzucone na białym obrusie, niektóre są już popękane. Pozorny nieporządek sugeruje poczucie niedawnej obecności człowieka.
Artysta z niezwykłą umiejętnością przekazuje kolor każdego przedmiotu. Powściągliwa szaro-złota oliwkowa paleta tonów jednoczy elementy. Każdy z obiektów umiejscowiony jest tak, aby odbiorca mógł dostrzec jego fakturę, objętość i najdrobniejsze szczegóły. Artysta doskonale oddaje fakturę każdego przedmiotu: aksamitność brzoskwiń, matowo-wilgotną powierzchnię winogron, przezroczystość szkła, soczystość szynki. Zaokrąglone kontury naczyń, szklanek i naczyń przecinają się, a ich płynny rytm przekazuje harmonię i integralność. Patrząc na obraz, ma się wrażenie niestabilnej równowagi. Talerz chleba zaraz spadnie. Centrum kompozycji niewątpliwie jest daniem z szynką. To najjaśniejszy punkt na zdjęciu. Artysta przedstawia ten temat realistycznie. Obrus nie zakrywa całkowicie całego stołu. Tam, gdzie obrus nie sięga, widać prosty drewniany stół, bez żadnych ozdób. Artysta za pomocą kontrastu barw eksponuje rzeczywistość.
Dziś poznamy jednego z najlepsi mistrzowie Holenderska luksusowa martwa natura Autor: WILLEM KALF 1619-1693
Willem Kalf był szóstym dzieckiem w rodzinie bogatego kupca sukna z Rotterdamu i członka rady miejskiej Rotterdamu. Ojciec Willema zmarł w 1625 roku, gdy chłopiec miał 6 lat. Matka kontynuowała rodzinny biznes, ale bez większych sukcesów.
Nie ma informacji, u jakiego artysty Kalf studiował; być może jego nauczycielem był Hendrik Poth z Haarlemu, gdzie mieszkali krewni Kalfów. Na krótko przed śmiercią matki w 1638 roku Willem opuścił rodzinne miasto i przeniósł się do Hagi, a następnie w latach 1640-41. osiadł w Paryżu.
Tam, dzięki ich „ chłopskie wnętrza ”, pisany w tradycji flamandzkiej, bliski twórczości Davida Teniersa i innych artystów XVII wieku, Kalf szybko zyskał uznanie.
W jego rustykalnych wnętrzach postacie ludzkie schodziły raczej na dalszy plan, a cała uwaga widza skupiała się na dobrze oświetlonych, kolorowych i umiejętnie rozmieszczonych owocach, warzywach i różne tematy artykuły gospodarstwa domowego.
Tutaj stworzył nowy mundur pomysłowo pogrupowana martwa natura z drogimi, ozdobnymi przedmiotami ( przez większą część butelki, talerze, szklanki) wykonane z materiałów odbijających światło – złota, srebra, cyny lub szkła. Umiejętności tego artysty osiągnęły swój szczyt w amsterdamskim okresie jego twórczości w hipnotyzującym „ LUKSUSOWA MARTWA NATURA»
Martwa natura z rogiem do picia należącym do Cechu Łuczników św. Sebastiana, homarem i kieliszkami - Willem Kalf. Około 1653 r.
Ta martwa natura jest jedną z najbardziej znanych.
Powstał w 1565 roku dla cechu łuczników amsterdamskich. Kiedy artysta pracował nad tą martwą naturą, róg był nadal używany podczas spotkań cechowych.
To wspaniałe naczynie wykonane jest z rogu bawolego, zapięcie jest ze srebra, jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz miniaturowe postacie ludzi w kształcie rogu – ta scena opowiada nam o cierpieniach św. Sebastiana, patrona łuczników.
Tradycja dodawania obranej cytryny do wina nadreńskiego wzięła się stąd, że Holendrzy uważali ten rodzaj wina za zbyt słodkie.
Homar, róg wina z błyszczącą, filigranową srebrną obwódką, przezroczyste kieliszki, cytryna i turecki dywan są wykonane z tak niezwykłą starannością, że powstaje złudzenie, że są prawdziwe i można je dotknąć ręką.
Rozmieszczenie każdego elementu jest wybierane z taką starannością, aby grupa jako całość tworzyła harmonię koloru, kształtu i faktury. Ciepłe światło otaczające przedmioty nadaje im dostojność cennej biżuterii, a ich rzadkość, przepych i fantazja odzwierciedlają wyrafinowane gusta holenderskich kolekcjonerów w XVII wieku, kiedy martwe natury były niezwykle popularne.
Martwa natura z dzbankiem i owocami. 1660
W 1646 roku Willem Kalf powrócił na jakiś czas do Rotterdamu, następnie przeniósł się do Amsterdamu i Hoorn, gdzie w 1651 roku poślubił Kornelia Plouvier, córka protestanckiego pastora.
Kornelia była znaną kaligrafką i poetką, przyjaźniła się z Constantijnem Huygensem, osobistym sekretarzem trzech namiestników młodej Republiki Holenderskiej, szanowaną poetką i prawdopodobnie najbardziej doświadczoną znawczynią światowych sztuk teatralnych i muzycznych swoich czasów.
W 1653 r małżonkowie przeniósł się do Amsterdamu, gdzie mieli czworo dzieci. Pomimo swojego bogactwa Kalf nigdy nie nabył własnego domu.
Martwa natura z czajnikiem.
W okresie amsterdamskim Kalf zaczął włączać do swoich doskonałych martwych natur egzotyczne przedmioty: chińskie wazony, muszle oraz niewidziane dotąd owoce tropikalne – na wpół obrane pomarańcze i cytryny. Przedmioty te sprowadzono do Holandii z Ameryki i były ulubionymi przedmiotami prestiżu zamożnych mieszczan, którzy afiszowali się ze swoim bogactwem.
Martwa natura z łodzikiem i miską chińską.
Holendrzy kochali i rozumieli dobre wnętrze, wygodne nakrycie stołu, na którym wszystko, co potrzebne, było pod ręką, w wygodnych naczyniach – to wszystko świat materialny która otacza człowieka.
W centrum umieszczono elegancką filiżankę nautilusa wykonaną z muszli oraz piękny chiński wazon.Na zewnątrz ozdobiony jest ośmioma płaskorzeźbionymi figurami, uosabiającymi ośmiu nieśmiertelnych w taoizmie, stożek na wieczku to zarys Buddyjski lew.
Tę martwą naturę uzupełnia tradycyjny perski dywan Kalfa i cytryna z cienką spiralą skórki.
Piramida przedmiotów tonie w mgle zmierzchu, czasem jedynie odbicia światła wskazują kształt rzeczy. Natura stworzyła muszlę, rzemieślnik zamienił ją w kielich, artysta namalował martwą naturę, a my cieszymy się całym tym pięknem. W końcu umiejętność dostrzegania piękna to także talent.
Martwa natura ze szklanym kielichem i owocami, 1655.
Jak wszystkie martwe natury tamtych czasów, dzieła Kalfa miały wyrażać ikonograficzną ideę kruchości – „memento mori” („pamiętaj o śmierci”), aby służyć jako ostrzeżenie, że wszystko, co żywe i nieożywione, jest ostatecznie przemijające.
Martwa natura z owocami i filiżanką Nautilusa.1660g
Dla Kalfa ważne było jednak coś innego. Przez całe życie interesował się grą światła i jego wpływem na otoczenie różne materiały, zaczynając od faktury wełnianych dywanów, poprzez jasny połysk metalowych przedmiotów ze złota, srebra czy cyny, delikatny blask porcelany i wielobarwnych muszli, a skończywszy na tajemniczym połysku brzegów najpiękniejszych szklanek i wazonów w stylu weneckim.
Martwa natura z chińską wazą.
Deser Pustelnia.
Przed wejściem do Ermitażu w 1915 roku obraz „Deser” znajdował się w kolekcji słynnego rosyjskiego geografa i podróżnika P. P. Semenowa-Tyana-Szańskiego, wielkiego konesera i miłośnika sztuki holenderskiej i flamandzkiej.
Jasny promień światła wyciąga z półmroku miskę owoców, brzoskwinię na srebrnej tacy i pomięty biały obrus. Szklane i srebrne kielichy nadal odbijają światło, a cienki kieliszek fletowy wypełniony winem niemal wtapia się w tło.
Artystka po mistrzowsku oddała fakturę każdego przedmiotu: szkła, malowanego fajansowego talerza, złoconego kielicha, orientalnego dywanu, śnieżnobiałej serwetki. Na zdjęciu widać silny wpływ malarstwa Rembrandta na Kalfę: przedmioty ukazane są na ciemnym tle, jasne światło zdaje się je ożywiać, otaczając ciepłem złotych promieni.
Martwa natura z porcelanowym wazonem, pozłacanym dzbankiem i szklankami
Pronk Martwa natura z miską Holbein, filiżanką Nautilusa, szklanym kielichem i talerzem z owocami
Przemyślaną w najdrobniejszych szczegółach kompozycję martwych natur Kalfa zapewniają nie tylko określone zasady, ale także wyjątkowy i złożony kierunekSwieta.
Wartościowe przedmioty – pocięte kielichy, często do połowy wypełnione winem – wyłaniają się z ciemności tła stopniowo, po pewnym czasie. Często ich forma jest tylko niesamowicie widoczne w odbiciu promieni świetlnych. Nikomu poza Kalfem nie udało się tak realistycznie pokazać światła przenikającego przez skorupę łodzika. Całkowicie słusznie Kalf nazywany jest „Vermeerem malarstwa martwej natury”, a w niektórych miejscach Kalf go przewyższył.
Od 1663 roku Kalf mniej pisał, zajął się handlem sztuką i stał się poszukiwanym znawcą sztuki.
Willem Kalf zmarł w wieku 74 lat w wyniku upadku w drodze do domu podczas powrotu z wizyty.
Dzięki swoim wyjątkowym zdolnościom wizualnym, w połączeniu z doskonałym wykształceniem i szeroką wiedzą nt nauki przyrodnicze znacznie rozszerzył iluzjonistyczne możliwości martwej natury. Jego dzieła są niedoścignionymi przykładami tej sztuki.
Niesamowite zjawisko w historii światowej sztuki plastycznej miało miejsce w Europie Północnej w XVII wieku. Nazywana jest holenderską martwą naturą i uważana za jedno z najwybitniejszych dzieł malarstwa olejnego.
Koneserzy i profesjonaliści żywią głębokie przekonanie, że w historii sztuki nie widziano nigdy tak wielu wspaniałych mistrzów, którzy dysponowali najwyższą technologią i stworzyli tak wiele arcydzieł światowej klasy, żyjąc na niewielkim skrawku kontynentu europejskiego.
Nowe znaczenie zawodu artysty
Szczególne znaczenie, jakie zawód artysty nabył w Holandii od początku XVII wieku, było wynikiem pojawienia się, po pierwszych rewolucjach antyfeudalnych, początków nowego ustroju burżuazyjnego, ukształtowania się klasy ludności miejskiej mieszczanie i zamożni chłopi. Dla malarzy byli to potencjalni klienci, którzy ukształtowali modę na dzieła sztuki, sprawiając, że holenderska martwa natura stała się poszukiwanym produktem na wschodzącym rynku.
W ziemie północne W Holandii najbardziej wpływową ideologią stały się reformistyczne nurty chrześcijaństwa, które zrodziły się w walce z katolicyzmem. Ta okoliczność między innymi uczyniła z Holendrów martwą naturę głównym gatunkiem całych cechów artystycznych.Duchowi przywódcy protestantyzmu, w szczególności kalwini, zaprzeczali zbawiającemu duszę znaczeniu rzeźby i malarstwa o tematyce religijnej, a nawet wyrzucili muzykę ze środowiska kościoła, co zmusiło malarzy do poszukiwania nowych tematów.
W sąsiedniej Flandrii, która pozostawała pod wpływami katolickimi, sztuka rozwijało się według różnych praw, ale bliskość terytorialna determinowała to, co nieuniknione wzajemny wpływ. Naukowcy – historycy sztuki – odkrywają wiele rzeczy, które łączą Holendrów i Flamandzkie martwe natury, zwracając uwagę na ich nieodłączne zasadnicze różnice i unikalne cechy.
Wczesna martwa natura kwiatowa
„Czysty” gatunek martwej natury, który pojawił się w XVII wieku, w Holandii przybiera szczególne formy i symboliczną nazwę „ spokojne życie" - nadalrówno. Pod wieloma względami holenderska martwa natura stała się odbiciem wzmożona aktywność Kompania Wschodnioindyjska, która sprowadziła ze Wschodu towary luksusowe, niespotykane wcześniej w Europie. Z Persji firma sprowadziła pierwsze tulipany, które później stały się symbolem Holandii i to właśnie kwiaty ukazane na obrazach stały się najpopularniejszą ozdobą budynków mieszkalnych, licznych urzędów, sklepów i banków.
Przeznaczenie mistrzowsko malowanych kompozycji kwiatowych było różnorodne. Ozdabiając domy i biura, podkreślały dobro swoich właścicieli, a dla sprzedawców sadzonek kwiatów i cebul tulipanów były tak zwanym produktem reklamy wizualnej: plakatami i broszurami. Dlatego holenderska martwa natura z kwiatami to przede wszystkim dokładne botanicznie przedstawienie kwiatów i owoców, a jednocześnie wypełnione wieloma symbolami i alegoriami. Są to najlepsze obrazy całych warsztatów, na których czele stoją Ambrosius Bosschaert Starszy, Jacob de Geyn Młodszy, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar i inni.
Nakrywamy stoły i śniadania
Malarstwo w Holandii w XVII wieku nie mogło umknąć wpływom nowości public relations i rozwój gospodarczy. Holenderskie malarstwo martwej natury z XVII wieku było dochodowym towarem i organizowano duże warsztaty, aby „produkować” obrazy. Oprócz malarzy, wśród których pojawiła się ścisła specjalizacja i podział pracy, pracowali tam ci, którzy przygotowywali podłoże pod obrazy - deski lub płótno, gruntowali je, robili ramy itp. Ostra konkurencja, jak w każdym stosunkach rynkowych, prowadziła do podniesienia jakości martwych natur do bardzo wysokiego poziomu.
Specjalizacja gatunkowa artystów przybrała także charakter geograficzny. Kompozycja kwiatowa malowane były w wielu holenderskich miastach – Utrechcie, Delft, Hadze, jednak to właśnie Haarlem stał się ośrodkiem rozwoju martwych natur przedstawiających nakryte stoły, jedzenie i gotowe dania. Takie obrazy mogą mieć różną skalę i charakter, od skomplikowanych i wielotematycznych po lakoniczne. Pojawiły się „Śniadania” – martwe natury holenderskich artystów przedstawiające różne etapy posiłku. Przedstawiają obecność osoby w postaci okruchów, ugryzionych bułek itp. Opowiedzieli ciekawe historie, pełen aluzji i moralizujących symboli typowych dla ówczesnego malarstwa. Za szczególnie znaczące uważa się obrazy Nicholasa Gilliesa, Florisa Gerritsa van Schotena, Clary Peters, Hansa Van Essena, Roelofa Cootsa i innych.
Tonalna martwa natura. Pietera Claesa i Willema Claesa Hedy
Dla współczesnych symbole wypełniające tradycyjną holenderską martwą naturę były istotne i zrozumiałe. Treść obrazów przypominała wielostronicowe książki i za to je szczególnie ceniono. Istnieje jednak koncepcja, która nie mniej imponuje zarówno nowoczesnym koneserom, jak i miłośnikom sztuki. Nazywa się to „tonalną martwą naturą”, a najważniejsze są w niej najwyższe umiejętności techniczne, niesamowicie wyrafinowany kolor, niesamowita umiejętność przekazywania subtelnych niuansów oświetlenia.
Cechy te są w pełni spójne z malarstwem dwóch czołowych mistrzów, których obrazy zaliczane są do najlepszych przykładów tonalnej martwej natury: Petera Claesa i Willema Claesa Heeda. Wybrali kompozycje z niewielkiej liczby obiektów, pozbawionych żywe kolory i szczególna dekoracyjność, która nie przeszkodziła im w stworzeniu rzeczy o niesamowitej urodzie i wyrazistości, których wartość nie maleje z biegiem czasu.
Próżność
Temat kruchości życia, równości przed śmiercią zarówno króla, jak i żebraka, był bardzo popularny w literaturze i filozofii tego okresu przejściowego. Natomiast w malarstwie znalazło to wyraz w obrazach przedstawiających sceny, w których głównym elementem była czaszka. Gatunek ten nazywa się vanitas - od łacińskiego „marności nad marnościami”. Popularności martwych natur, na wzór traktatów filozoficznych, sprzyjał rozwój nauki i edukacji, której ośrodkiem był słynny w całej Europie uniwersytet w Lejdzie.
Vanitas zajmuje poważne miejsce w twórczości wielu holenderskich mistrzów tamtych czasów: Jacoba de Geina Młodszego, Davida Geina, Harmena Steenwijka i innych. Najlepsze przykłady „vanitas” nie są prostymi opowieściami grozy, nie budzą nieświadomej grozy, ale spokojną i mądrą kontemplację, przepełnioną myślami o najważniejszych sprawach życia.
Malowidła sztuczek
Obrazy są od późnego średniowiecza najpopularniejszą ozdobą holenderskich wnętrz, na którą mogła sobie pozwolić rosnąca populacja miast. Aby zainteresować kupujących, artyści uciekali się do różnych sztuczek. Jeśli im na to pozwalały umiejętności, tworzyli „trompe l'oeil” lub „trompe l'oeil” z francuskiego trompe-l'oeil – złudzenie optyczne. Chodziło o to, żeby typowa holenderska martwa natura – kwiaty i owoce, martwe ptaki i ryby, czy przedmioty związane z nauką – książki, przyrządy optyczne itp. – zawierały całkowitą iluzję rzeczywistości: książka, która wysunęła się z przestrzeni obrazu i zaraz spadnie, mucha, która wylądowała na wazon, który chcesz trzasnąć – typowy temat dla malarstwa-wabika.
Obrazy czołowych mistrzów martwej natury w stylu trompe l'oeil – Gerarda Dou, Samuela van Hoogstratena i innych – często przedstawiają wbudowaną w ścianę niszę z półkami, na których znajduje się masa najróżniejszych rzeczy. Techniczny kunszt artysty w przekazywaniu faktur i powierzchni, światła i cienia był tak duży, że sama ręka sięgnęła po książkę lub szklankę.
Czas świetności i zachodu słońca
W połowie XVII wieku główne typy martwej natury na obrazach holenderskich mistrzów osiągnęły swój szczyt. „Luksusowa” martwa natura staje się popularna, ponieważ dobrobyt mieszczan rośnie, a bogate naczynia, cenne tkaniny i obfitość jedzenia nie wyglądają obco we wnętrzu miejskiej kamienicy lub bogatej wiejskiej posiadłości.
Obrazy powiększają się, zadziwiają różnorodnością faktur. Jednocześnie autorzy szukają sposobów na zwiększenie rozrywki dla widza. Aby to osiągnąć, tradycyjną holenderską martwą naturę - z owocami i kwiatami, trofeami myśliwskimi i naczyniami z różnych materiałów - uzupełniają egzotyczne owady lub małe zwierzęta i ptaki. Oprócz tworzenia typowych alegorycznych skojarzeń, artysta często wprowadzał je po prostu dla pozytywnych emocji, aby zwiększyć komercyjną atrakcyjność fabuły.
Mistrzowie „luksusowej martwej natury” – Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reichals, Willem Kalf – stali się zwiastunami nadchodzących czasów, gdy istotna stała się zwiększona dekoracyjność i tworzenie imponującego wrażenia.
Koniec złotego wieku
Zmieniały się priorytety i moda, wpływ dogmatów religijnych na wybór tematów dla malarzy stopniowo odchodził w przeszłość, odeszła sama koncepcja złotego wieku, jaką znaliśmy. Malarstwo holenderskie. Martwa natura weszła do historii tej epoki jako jedna z najważniejszych i najbardziej imponujących stron.
Martwa natura holenderska z XVI–XVII w. to rodzaj intelektualnej gry, w której widz ma za zadanie rozwikłać pewne znaki. To, co było łatwo zrozumiałe dla współczesnych, nie jest dziś jasne dla wszystkich i nie zawsze.
Co oznaczają przedmioty ukazane przez artystów?
Jan Kalwin (1509-1564, francuski teolog, reformator kościoła, założyciel kalwinizmu) nauczał, że rzeczy codzienne mają ukryte znaczenie, a za każdym obrazem powinna kryć się lekcja moralna. Przedmioty ukazane w martwej naturze mają wielorakie znaczenie: nadano im konotacje budujące, religijne lub inne. Na przykład ostrygi uważano za symbol erotyczny i było to oczywiste dla współczesnych: ostrygi rzekomo stymulowały potencję seksualną, a Wenus, bogini miłości, narodziła się z muszli. Z jednej strony ostrygi nawiązywały do doczesnych pokus, z drugiej otwarta muszla oznaczała duszę gotową opuścić ciało, czyli obiecywała zbawienie. Oczywiście nie było ścisłych zasad czytania martwej natury, a widz dokładnie odgadł, jakie symbole na płótnie chciał zobaczyć. Ponadto nie można zapominać, że każdy obiekt był częścią kompozycji i można go było odczytać na różne sposoby – w zależności od kontekstu i ogólnego przesłania martwej natury.Martwa natura kwiatowa
Do XVIII wieku bukiet kwiatów z reguły symbolizował słabość, ponieważ ziemskie radości są tak przemijające, jak piękno kwiatu. Symbolika roślin jest szczególnie złożona i niejednoznaczna, a w uchwyceniu ich znaczenia pomogły popularne w Europie w XVI i XVII wieku księgi emblematów, których alegorycznym ilustracjom i mottom towarzyszyły teksty objaśniające. Kompozycje kwiatowe nie były łatwe w interpretacji: ten sam kwiat miał wiele znaczeń, czasem wręcz przeciwnych. Na przykład narcyz wskazywał na narcyzm i był jednocześnie uważany za symbol Matki Bożej. W martwych naturach z reguły zachowano oba znaczenia obrazu, a widz miał swobodę wyboru jednego z dwóch znaczeń lub ich połączenia.
Kompozycje kwiatowe często uzupełniano owocami, drobnymi przedmiotami i wizerunkami zwierząt. Obrazy te wyrażały główną ideę dzieła, podkreślając motyw przemijania, rozkładu, grzeszności wszystkiego, co ziemskie i niezniszczalności cnót.
Jana Davidsa de Heema.
Kwiaty w wazonie.
Na obrazie Jana Davidsa de Heema, u podstawy wazonu, artysta przedstawił symbole śmiertelności: zwiędłe i połamane kwiaty, kruszące się płatki i suszone strąki grochu. Oto ślimak - kojarzy się z duszą grzesznika. W centrum bukietu widzimy symbole skromności i czystości: polne kwiaty, fiołki i niezapominajki. Otaczają je tulipany, symbolizujące przemijające piękno i bezsensowne marnotrawstwo (uprawa tulipanów w Holandii uważana była za jedno z najbardziej próżnych i w dodatku kosztownych zajęć); bujne róże i maki, przypominające kruchość życia. Kompozycję zwieńczają dwa duże kwiaty z wartość dodatnia. Niebieska tęczówka reprezentuje odpuszczenie grzechów i wskazuje na możliwość zbawienia przez cnotę. Czerwony mak, tradycyjnie kojarzony ze snem i śmiercią, zmienił swoją interpretację ze względu na swoje umiejscowienie w bukiecie: tutaj oznacza odkupieńczą ofiarę Chrystusa.
Innymi symbolami zbawienia są kłosy chleba, a motyl siedzący na łodydze reprezentuje nieśmiertelną duszę.
Jana Baumana.
Kwiaty, owoce i małpa. Pierwsza połowa XVII wieku.
Obraz Jana Baumana „Kwiaty, owoce i małpa” jest dobrym przykładem wielowarstwowości znaczenia i dwuznaczności martwej natury i znajdujących się na niej obiektów. Na pierwszy rzut oka połączenie roślin i zwierząt wydaje się przypadkowe. W rzeczywistości ta martwa natura przypomina nam również o przemijaniu życia i grzeszności ziemskiej egzystencji. Każdy przedstawiony przedmiot niesie ze sobą pewną ideę: ślimak i jaszczurka w tym przypadku wskazują na śmiertelność wszystkich ziemskich rzeczy; tulipan leżący obok miski z owocami symbolizuje szybkie blaknięcie; muszle rozrzucone na stole wskazują na nierozsądną stratę pieniędzy; a małpa z brzoskwinią wskazuje na grzech pierworodny i zepsucie. Z drugiej strony trzepoczący motyl i owoce: kiście winogron, jabłek, brzoskwiń i gruszek mówią o nieśmiertelności duszy i pokutnej ofierze Chrystusa. Na innym, alegorycznym poziomie, przedstawione na obrazie owoce, owoce, kwiaty i zwierzęta reprezentują cztery żywioły: muszle i ślimaki – wodę; motyl - powietrze; owoce i kwiaty - ziemia; małpa - ogień.
Martwa natura w sklepie mięsnym
Petera Aartsena.
Sklep mięsny, czyli kuchnia ze sceną ucieczki do Egiptu. 1551
Wizerunek sklepu mięsnego tradycyjnie kojarzony jest z ideą życia fizycznego, personifikacją żywiołu ziemi, a także obżarstwem. Namalowany przez Petera Aertsena
Prawie całą przestrzeń zajmuje stół zastawiony jedzeniem. Widzimy wiele rodzajów mięsa: zabity drób i tuszki, wątróbkę i szynkę, szynki i kiełbasy. Obrazy te symbolizują nadmiar, obżarstwo i przywiązanie do cielesnych przyjemności. Skupmy się teraz na tle. Po lewej stronie obrazu, w otworze okiennym, znajduje się ewangeliczna scena ucieczki do Egiptu, która ostro kontrastuje z martwą naturą na pierwszym planie. Matka Boska podaje żebraczce ostatni bochenek chleba. Zwróć uwagę, że nad naczyniem znajduje się okno, w którym leżą w poprzek dwie ryby (symbol ukrzyżowania) - symbol chrześcijaństwa i Chrystusa. Po prawej w tle tawerna. Wesoła grupa zasiada przy stole przy ognisku, pije i zajada ostrygi, które jak pamiętamy kojarzą się z pożądaniem. Obok stołu wisi zarżnięte zwłoki, wskazujące na nieuchronność śmierci i przemijalność ziemskich radości. Rzeźnik w czerwonej koszuli rozcieńcza wino wodą. Scena ta nawiązuje do głównej idei martwej natury i nawiązuje do przypowieści o syn marnotrawny. Scena w karczmie, a także w zastawionym naczyniami sklepie mięsnym, mówi o próżniaczym, rozpustnym życiu, przywiązaniu do ziemskich przyjemności, przyjemnych dla ciała, ale wyniszczających dla duszy. W scenie ucieczki do Egiptu bohaterowie są praktycznie odwróceni tyłem do widza: wnikają głębiej w obraz, oddalając się od sklepu mięsnego. To metafora ucieczki od rozpustnego życia pełnego zmysłowych przyjemności. Porzucenie ich jest jednym ze sposobów zbawienia duszy.
Martwa natura w sklepie rybnym
Martwa natura z rybą jest alegorią żywiołu wody. Prace tego typu, np sklepy mięsne, często wchodziły w skład tzw. cyklu elementów pierwotnych i z reguły powstawały w celu dekoracji pałacowych jadalni. Na pierwszym planie obrazu Fransa Snydersa „Sklep rybny” przedstawiono wiele ryb. Występują tu okonie i jesiotry, karaś, sum, łosoś i inne owoce morza. Część została już pocięta, część czeka na swoją kolej. Te wizerunki ryb nie niosą ze sobą żadnego podtekstu – gloryfikują bogactwo Flandrii.
Fransa Snydersa.
Sklep rybny. 1616
Obok chłopca widzimy kosz z prezentami, które otrzymał na Mikołajki. Wskazują na to drewniane czerwone buciki przywiązane do kosza. Oprócz słodyczy, owoców i orzechów w koszyku znajdują się pałeczki – jako podpowiedź do edukacji „marchewką i kijem”. Zawartość koszyka mówi o radościach i smutkach ludzkiego życia, które nieustannie się uzupełniają. Kobieta wyjaśnia dziecku, że posłuszne dzieci otrzymują prezenty, a złe dzieci otrzymują karę. Chłopiec cofnął się z przerażeniem: myślał, że zamiast słodyczy otrzyma ciosy rózgami. Po prawej stronie widzimy otwór okienny, przez który widać plac miejski. Pod oknami stoi grupa dzieci i radośnie pozdrawia stojącego na balkonie marionetkowego błazna. Błazen jest nieodłącznym atrybutem ludowych uroczystości świątecznych.
Martwa natura z nakrytym stołem
W licznych wariacjach na temat nakryć stołu na płótnach holenderskich mistrzów widzimy chleb i ciasta, orzechy i cytryny, kiełbasy i szynki, homary i raki, dania z ostryg, ryb czy pustych muszli. Te martwe natury można zrozumieć w zależności od zestawu obiektów.
Gerrita Willemsa Hedy.
Szynka i sztućce. 1649
Na obrazie Gerrita Willemsa Hedy widzimy naczynie, dzbanek, wysoki szklany kielich i przewrócony wazon, garnek z musztardą, szynkę, zmiętą serwetkę i cytrynę. To tradycyjny i ulubiony zestaw Hedy. Układ obiektów i ich wybór nie są przypadkowe. Srebra symbolizują ziemskie bogactwa i ich daremność, szynka symbolizuje cielesne przyjemności, a atrakcyjnie wyglądająca, ale kwaśna cytryna w środku reprezentuje zdradę. Zgaszona świeca wskazuje na kruchość i przemijalność ludzkiej egzystencji, bałagan na stole oznacza zniszczenie. Wysokie szkło typu „flet” (w XVII w. takie kieliszki służyły jako miarka ze znakami) jest równie kruche jak życie człowieka, a jednocześnie symbolizuje umiar i zdolność człowieka do panowania nad swoimi impulsami. Ogólnie rzecz biorąc, w tej martwej naturze, podobnie jak w wielu innych „śniadaniach”, temat próżności i bezsensu ziemskich przyjemności rozgrywa się za pomocą przedmiotów.
Petera Claesa.
Martwa natura z grillem, śledziem, ostrygami i fajką. 1624
Większość obiektów przedstawionych w martwej naturze Petera Claesa to symbole erotyczne. Ostrygi, fajka, wino odnoszą się do krótkich i wątpliwych przyjemności cielesnych. Ale to tylko jedna z możliwości czytania martwej natury. Spójrzmy na te obrazy z innej perspektywy. Zatem muszle są symbolami kruchości ciała; fajka, za pomocą której nie tylko palili, ale także puszczali bańki mydlane, jest symbolem nagłości śmierci. Współczesny Claesowi, holenderski poeta Willem Godschalk van Fockenborch, napisał w swoim wierszu „Moja nadzieja jest dymem”:
Jak widać, bycie jest jak palenie fajki,
I naprawdę nie wiem, jaka jest różnica:
Jeden to po prostu wiatr, drugi to tylko dym.
Temat przemijania ludzkiej egzystencji zostaje skontrastowany z nieśmiertelnością duszy, a oznaki słabości okazują się nagle symbolami zbawienia. Chleb i kieliszek wina w tle kojarzą się z Ciałem i Krwią Jezusa i wskazują na sakrament sakramentu. Śledź – kolejny symbol Chrystusa – kojarzy nam się z postem i wielkopostnym jedzeniem. A otwarte muszle z ostrygami mogą zmienić swoje negatywne znaczenie na dokładnie odwrotne, wskazując ludzka dusza oddzieleni od ciała i gotowi do wejścia do życia wiecznego.
Różne poziomy interpretacji obiektów subtelnie mówią widzowi, że człowiek zawsze ma swobodę wyboru między tym, co duchowe i wieczne, a tym, co ziemskie, przemijające.
Vanitas, czyli martwa natura „naukowca”.
Gatunek tak zwanej „naukowej” martwej natury nazwano vanitas - w tłumaczeniu z łaciny oznacza „próżność marności”, innymi słowy - „memento mori” („pamiętaj o śmierci”). To najbardziej intelektualny rodzaj martwej natury, alegoria wieczności sztuki, kruchości ziemskiej chwały i życia ludzkiego
Juriana van Strecka.
Próżność. 1670
Miecz i hełm z luksusowym pióropuszem na obrazie Juriana van Strecka wskazują na ulotność ziemskiej chwały. Róg myśliwski symbolizuje bogactwo, którego nie można zabrać ze sobą w inne życie. W „naukowych” martwych naturach często pojawiają się wizerunki otwartych książek lub beztrosko leżących papierów z napisami. Nie tylko zachęcają do myślenia o przedstawianych obiektach, ale także pozwalają wykorzystać je zgodnie z ich przeznaczeniem: przeczytać otwarte strony lub sporządzić pisemną notatkę. notatnik muzyczny muzyka. Van Streck naszkicował głowę chłopca i otwarta książka: To jest tragedia Sofoklesa Elektra, przetłumaczona na język niderlandzki. Obrazy te wskazują, że sztuka jest wieczna. Ale strony książki są pogięte, a rysunek pomarszczony. Są to oznaki początku zepsucia, sugerujące, że po śmierci nawet sztuka nie będzie przydatna. Czaszka mówi także o nieuchronności śmierci, ale owinięty wokół niej kłos zboża symbolizuje nadzieję zmartwychwstania i życia wiecznego. W połowie XVII wieku czaszka spleciona z kłosem zboża lub zimozielonym bluszczem stała się obowiązkowym tematem przedstawiania martwych natur w stylu vanitas.
