japončina klasická maľba má dlhú a zaujímavý príbeh. Výtvarné umenie Japonska je prezentované v rôzne štýly a žánre, z ktorých každý je jedinečný svojím vlastným spôsobom. Staroveké maľované figúrky a geometrické motívy nájdené na bronzových zvoncoch dotaku a črepoch keramiky pochádzajú z roku 300 nášho letopočtu.
Budhistická orientácia umenia
Umenie nástennej maľby bolo v Japonsku pomerne dobre rozvinuté, v 6. storočí boli obzvlášť populárne obrazy na tému budhistickej filozofie. V tom čase sa v krajine stavali veľké chrámy a ich steny všade zdobili fresky namaľované podľa výjavov z budhistických mýtov a legiend. Staroveké príklady nástenných malieb sú dodnes zachované v chráme Horyuji neďaleko japonského mesta Nara. Nástenné maľby Horyuji zobrazujú scény zo života Budhu a iných bohov. Umelecký štýl týchto nástenných malieb je veľmi blízky obrazovému konceptu populárnemu v Číne počas dynastie Song.
Štýl maľby dynastie Tang získal mimoriadnu popularitu v polovici obdobia Nara. Z tohto obdobia pochádzajú fresky objavené v hrobke Takamatsuzuka približne zo 7. storočia nášho letopočtu. Umelecká technika, sformovaná pod vplyvom dynastie Tang, následne vytvorila základ maliarskeho žánru kara-e. Tento žáner si udržal svoju popularitu až do objavenia sa prvých diel v štýle Yamato-e. Väčšina fresiek a malieb je od neznámych autorov, dnes sú mnohé diela z tohto obdobia uložené v pokladnici Sesoin.
Rastúci vplyv nových budhistických škôl ako Tendai ovplyvnil širšiu náboženskú orientáciu výtvarné umenie Japonsko v 8. a 9. storočí. V 10. storočí, ktoré zaznamenalo zvláštny pokrok v japonskom budhizme, žánri raigozu, sa objavili „uvítacie obrazy“, ktoré znázorňovali príchod Budhu do Západného raja. Prvé príklady Raigozu z roku 1053 možno vidieť v chráme Bedo-in, ktorý prežíva v meste Uji v prefektúre Kjóto.
Zmena štýlov
V polovici obdobia Heian bol čínsky štýl kara-e nahradený žánrom Yamato-e, ktorý sa na dlhú dobu stal jedným z najpopulárnejších a najvyhľadávanejších žánrov japonskej maľby. Nový obrazový štýl sa uplatnil najmä pri maľovaní skladacích zásten a posuvných dverí. Postupom času prešlo yamato-e aj na horizontálne zvitky emakimono. Umelci, ktorí pracovali v žánri emaki, sa snažili vo svojich dielach sprostredkovať všetku emocionalitu zvoleného sprisahania. Zvitok Genji Monogatari pozostával z niekoľkých epizód spojených dohromady, pričom umelci tej doby používali rýchle ťahy štetcom a jasné, výrazné farby.
E-maki je jedným z najstarších a najvýznamnejších príkladov otoko-e, žánru reprezentácie. mužské portréty. Ženské portréty sú klasifikované ako samostatný žáner, onna-e. Medzi týmito žánrami sú totiž, podobne ako medzi mužmi a ženami, viditeľné pomerne výrazné rozdiely. Štýl onna-e je farebne zastúpený v dizajne The Tale of Genji, kde sú hlavné motívy kresieb romantické príbehy, výjavy zo života na súde. Pánsky štýl otoko-e je prevažne umelecký obraz historické bitky a iné dôležité udalosti v živote impéria.
Klasická japonská umelecká škola sa stala úrodnou pôdou pre rozvoj a propagáciu myšlienok súčasné umenie Japonsko, v ktorom je celkom jasne viditeľný vplyv popkultúry a anime. Jedného z najznámejších japonských umelcov súčasnosti môžeme nazvať Takashi Murakami, ktorého tvorba sa venuje zobrazovaniu výjavov z japonského života v povojnovom období a konceptu maximálnej fúzie výtvarného umenia a mainstreamu.
Medzi slávnymi japonskými umelcami klasickej školy môžeme menovať nasledovné.
Napätý Xubun
Syubun pracoval na začiatku 15. storočia a veľa času venoval štúdiu diel čínskych majstrov dynastie Song, tento muž stál pri počiatkoch japonského vizuálneho žánru. Shubun je považovaný za zakladateľa štýlu sumi-e, monochromatickej maľby tušom. Vynaložil veľa úsilia na popularizáciu nového žánru a zmenil ho na jednu z vedúcich oblastí japonskej maľby. Subunovými študentmi boli mnohí umelci, ktorí sa neskôr preslávili, vrátane Sesshu a zakladateľa slávneho umelecká škola Kano Masanobu. Xubunovi bolo pripisovaných veľa krajín, ale jeho najslávnejšie dielo sa tradične považuje za „Čítanie v bambusovom háji“.
Ogata Korin (1658-1716)
Ogata Korin je jedným z najväčších umelcov v histórii japonského maliarstva, zakladateľom a jedným z najjasnejších predstaviteľov umelecký štýl rimpa. Korine sa vo svojich dielach odvážne vzdialil od tradičných stereotypov a vytvoril si svoje vlastné vlastný štýl, ktorých hlavnými charakteristikami boli malé formy a jasný impresionizmus deja. Korin je známy svojou osobitou zručnosťou v zobrazovaní prírody a práci s abstraktnými farebnými kompozíciami. "Slivkový kvet červený a biely" je jedným z najviac slávnych diel Známy sú aj Ogata Korina, jeho obrazy „Chryzantémy“, „Vlny Matsušimy“ a množstvo ďalších.
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Tohaku je zakladateľom japonskej umeleckej školy Hasegawa. Pre skoré obdobie Kreativita Tohaku sa vyznačuje vplyvom slávnej školy japonskej maľby 
Kano, ale časom si umelec vytvoril svoj vlastný jedinečný štýl. V mnohom bola Tohakuova tvorba ovplyvnená dielami uznávaného majstra Sesshu, Hosegawa sa dokonca považoval za piateho pokračovateľa tohto veľkého majstra. Obraz Hasegawy Tohaku "Borovice" dostal svetová sláva, známe sú aj jeho diela „Javor“, „Borovice a kvitnúce rastliny“ a iné.
Kano Eitoku (1543-1590)
Školský štýl Kano dominoval výtvarnému umeniu Japonska asi štyri storočia a Kano Eitoku je možno jedným z najznámejších významných predstaviteľov túto umeleckú školu. Eitoku bol uprednostňovaný úradmi, záštita aristokratov a bohatých mecenášov nemohla prispieť k posilneniu jeho školy a popularite jeho diel, nepochybne veľmi. talentovaný umelec. Osempanelová posuvná obrazovka Cypress, ktorú namaľoval Eitoku Kano, je skutočným majstrovským dielom a žiarivým príkladom rozsahu a sily štýlu Monoyama. Nemenej zaujímavé vyzerajú aj ďalšie diela majstra, ako napríklad „Vtáky a stromy štyroch ročných období“, „Čínske levy“, „Pustovníci a víla“ a mnoho ďalších.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai – najväčší majsteržáner ukiyo-e (japonský drevoryt). Hokusaiova kreativita bola prijatá globálne uznanie, jeho sláva v iných krajinách nie je porovnateľná so slávou väčšiny ázijských umelcov, jeho tvorba “ Veľká vlna v Kanagawa“ sa stala akousi vizitkou japonského výtvarného umenia na svetovej umeleckej scéne. Na vlastnú päsť kreatívna cesta Hokusai používal viac ako tridsať pseudonymov, po šesťdesiatke sa umelec venoval výlučne umeniu a práve tento čas je považovaný za najplodnejšie obdobie jeho tvorby. Hokusaiho diela ovplyvnili tvorbu západných majstrov impresionizmu a postimpresionistického obdobia, vrátane tvorby Renoira, Moneta a van Gogha.
Japonská maľba je absolútne jedinečným hnutím vo svetovom umení. Existuje už od pradávna, no ako tradícia nestratila na obľúbenosti a schopnosti prekvapiť.
Pozor na tradície
Východ nie je len o krajine, horách a vychádzajúcom slnku. Aj to sú ľudia, ktorí vytvorili jeho príbeh. Práve títo ľudia po mnoho storočí podporovali tradíciu japonskej maľby, rozvíjali a zveľaďovali svoje umenie. Tí, ktorí sa výrazne zapísali do histórie, sú japonskí umelci. Vďaka nim si moderné zachovali všetky kánony tradičnej japonskej maľby.
Spôsob vyhotovenia obrazov
Japonskí umelci na rozdiel od Európy uprednostňovali maľovanie bližšie ku grafike ako k maľbe. Na takýchto obrazoch nenájdete hrubé, neopatrné olejové ťahy, ktoré sú pre impresionistov také charakteristické. Aká je grafická povaha takého umenia, ako sú japonské stromy, skaly, zvieratá a vtáky - všetko na týchto obrazoch je nakreslené čo najjasnejšie, s pevnými a sebavedomými atramentovými líniami. Všetky objekty v kompozícii musia mať obrys. Vyplnenie vnútri obrysu sa zvyčajne vykonáva vodovými farbami. Farba sa vymyje, pridajú sa ďalšie odtiene a niekde zostane farba papiera. Dekoratívnosť je presne to, čo odlišuje japonské maľby od umenia celého sveta.
Kontrasty v maľbe
Kontrast je ďalšou charakteristickou technikou používanou japonskými umelcami. Môže to byť rozdiel v tóne, farbe alebo kontraste teplých a studených odtieňov.
Umelec sa uchyľuje k tejto technike, keď chce zvýrazniť nejaký prvok predmetu. Môže to byť žila na rastline, samostatný okvetný lístok alebo kmeň stromu oproti oblohe. Potom je znázornené svetlo, osvetlená časť objektu a tieň pod ním (alebo naopak).
Prechody a farebné riešenia
Pri maľovaní japonských obrazov sa často používajú prechody. Môžu byť rôzne: napríklad z jednej farby do druhej. Na okvetných lístkoch lekien a pivoniek si môžete všimnúť prechod od svetlého odtieňa k bohatej, svetlej farbe.
Prechody sa používajú aj v obraze vodnej hladiny a oblohy. Plynulý prechod od západu slnka do tmavého, prehlbujúceho sa súmraku vyzerá veľmi krásne. Pri kreslení oblakov sa používajú aj prechody z rôznych odtieňov a reflexov.
Základné motívy japonskej maľby
V umení je všetko prepojené so skutočným životom, s pocitmi a emóciami tých, ktorí sú v ňom zainteresovaní. Rovnako ako v literatúre, hudbe a iných formách kreativity, aj v maľbe existuje niekoľko večných tém. Toto historické predmety, obrazy ľudí a prírody.
Japonské krajiny prichádzajú v mnohých variantoch. Na obrazoch sú často obrazy rybníkov - obľúbený kus nábytku pre Japoncov. Ozdobné jazierko, niekoľko lekien a bambus v blízkosti – takto to vyzerá obyčajný obrázok 17-18 storočia.
Zvieratá v japonskej maľbe
Zvieratá sú tiež často sa opakujúcim prvkom ázijskej maľby. Tradične je to tiger alebo mačka domáca. Vo všeobecnosti majú Aziati veľmi radi, a preto sa ich zástupcovia nachádzajú vo všetkých formách orientálneho umenia.
Svet fauny je ďalšou témou, ktorou sa japonská maľba riadi. Vtáky - žeriavy, ozdobné papagáje, luxusné pávy, lastovičky, nenápadné vrabce a dokonca aj kohúty - to všetko sa nachádza na kresbách orientálnych majstrov.
Ryby - nie menej aktuálna téma pre japonských umelcov. Koi kapor je japonská verzia zlatej rybky. Tieto stvorenia žijú v Ázii vo všetkých rybníkoch, dokonca aj v malých parkoch a záhradách. Koi kapor je akousi tradíciou, ktorá patrí vyslovene Japonsku. Tieto ryby symbolizujú boj, odhodlanie a dosiahnutie vášho cieľa. Nie nadarmo sú zobrazené ako plávajúce prúdom, vždy s ozdobnými hrebeňmi vĺn.
Japonské maľby: zobrazenie ľudí
Ľudia v japonskej maľbe sú špeciálnou témou. Umelci zobrazovali gejše, cisárov, bojovníkov a starších.
Gejše sú zobrazené obklopené kvetmi, vždy oblečené v prepracovaných róbach s množstvom záhybov a prvkov.
Mudrci sú zobrazení, ako sedia alebo niečo vysvetľujú svojim študentom. Obraz starého vedca je symbolom histórie, kultúry a filozofie Ázie.
Bojovník bol zobrazený ako impozantný, niekedy desivý. Dlhé boli detailne nakreslené a vyzerali ako drôt.
Zvyčajne sú všetky detaily brnenia objasnené pomocou atramentu. Nahých bojovníkov často zdobia tetovania zobrazujúce východného draka. Je to symbol japonskej sily a vojenskej sily.
Panovníci boli zobrazovaní pre cisárske rodiny. Krásne oblečenie a ozdoby v mužských vlasoch sú tým, čím takéto umelecké diela oplývajú.
Krajinky
Tradičné japonská krajina- hory. Ázijským maliarom sa podarilo zobraziť rôzne krajiny: dokážu zobraziť ten istý vrchol v rôznych farbách, s rôznymi atmosférami. Jediná vec, ktorá zostáva nezmenená, je povinná prítomnosť kvetov. Zvyčajne spolu s horami umelec zobrazuje nejaký druh rastliny v popredí a podrobne ju kreslí. Krásne vyzerajú hory a čerešňové kvety. A ak maľujú padajúce okvetné lístky, obraz vyvoláva obdiv nad jeho smutnou krásou. Kontrast v atmosfére obrazu je ďalšou úžasnou kvalitou japonskej kultúry.
hieroglyfy
Kompozícia obrazu v japonskej maľbe je často kombinovaná s písaním. Hieroglyfy sú usporiadané tak, aby kompozične vyzerali krásne. Zvyčajne sú nakreslené vľavo alebo vpravo od maľby. Hieroglyfy môžu predstavovať to, čo je zobrazené na obraze, jeho názov alebo meno umelca.
Japonsko je jednou z najbohatších krajín na históriu a kultúru. Na celom svete sú Japonci všeobecne považovaní za pedantských ľudí, ktorí nachádzajú estetiku absolútne vo všetkých prejavoch života. Preto sú japonské maľby vždy veľmi harmonické vo farbe a tóne: ak sú nejaké inklúzie svetlá farba- potom len v sémantických centrách. Pomocou obrazov ázijských umelcov ako príkladu môžete študovať teóriu farieb, správne znázornenie formy pomocou grafiky a kompozície. Technika vykonávania japonských malieb je taká vysoká, že môže slúžiť ako príklad pre prácu s akvarelom a vykonávanie „umývania“ grafických prác.
Má veľmi bohatú históriu; jeho tradícia je obrovská, pričom jedinečné postavenie Japonska vo svete výrazne ovplyvňuje dominantné štýly a techniky japonských umelcov. Známy fakt To, že Japonsko bolo dlhé stáročia dosť izolované, je spôsobené nielen geografiou, ale aj dominantným japonským kultúrnym sklonom k izolácii, ktorý poznačil históriu krajiny. Počas storočí existencie toho, čo by sme mohli nazvať „ Japonská civilizácia“, kultúra a umenie sa vyvíjali oddelene od zvyšku sveta. A to je dokonca viditeľné v praxi japonskej maľby. Napríklad obrazy Nihonga patria medzi hlavné diela japonskej maliarskej praxe. Vychádza z viac ako tisícročnej tradície a maľby sú zvyčajne vytvorené štetcami buď na Vashi (japonský papier) alebo Egina (hodváb).
Japonské umenie a maliarstvo však ovplyvnili zahraničné umelecké postupy. Najprv to bolo čínske umenie v 16. storočí a čínske umenie A čínska tradícia umenie, ktoré bolo mimoriadne vplyvné vo viacerých aspektoch. Od 17. storočia bola ovplyvnená aj japonská maľba západné tradície. Najmä v predvojnovom období, ktoré trvalo od roku 1868 do roku 1945, bola japonská maľba ovplyvnená impresionizmom a európskym romantizmom. Japonci zároveň výrazne ovplyvnili aj nové európske umelecké hnutia umeleckých techník. V dejinách umenia sa tento vplyv nazýva „japonizmus“ a je významný najmä pre impresionistov, kubistov a umelcov spojených s modernizmom.
Dlhý príbeh Japonskú maľbu možno vnímať ako syntézu niekoľkých tradícií, ktoré vytvárajú časti uznávaného Japonská estetika. V prvom rade budhistické umenie a maliarske metódy, ako aj náboženská maľba, zanechal výraznú stopu v estetike japonských malieb; maľba krajiniek vodným tušom v tradícii čínskej literárnej maľby je ďalším dôležitým prvkom uznávaným v mnohých slávnych japonských maľbách; maľovanie zvierat a rastlín, najmä vtákov a kvetov, je to, čo sa bežne spája s japonskými kompozíciami, rovnako ako krajiny a výjavy z Každodenný život. Nakoniec, staroveké predstavy o kráse z filozofie a kultúry starovekého Japonska mali veľký vplyv na japonskú maľbu. Wabi, čo znamená prechodnú a drsnú krásu, sabi (krása prirodzenej patiny a starnutia) a yugen (hlboká pôvab a jemnosť) naďalej ovplyvňujú ideály v praxi japonskej maľby.
Na záver, ak sa sústredíme na výber desiatich najznámejších japonských majstrovských diel, musíme spomenúť ukiyo-e, ktoré je v Japonsku jedným z najpopulárnejších umeleckých žánrov, aj keď patrí do grafickej tvorby. Dominoval japonské umenie zo 17. - 19. storočia, pričom umelci patriaci do tohto žánru tvorili drevoryty a maľby s takými predmetmi ako napr. nádherné dievčatá, herci Kabuki a zápasníci sumo, ako aj scény z histórie a ľudové rozprávky, cestovateľské scény a krajiny, flóra a fauna a dokonca aj erotika.
Urobiť zoznam je vždy ťažké najlepšie maľby z umeleckých tradícií. Mnohé úžasné diela budú vylúčené; tento zoznam však obsahuje desať najuznávanejších japonských malieb na svete. Tento článok predstaví iba obrazy vytvorené od 19. storočia po súčasnosť.
Japonské maliarstvo má mimoriadne bohatú históriu. V priebehu storočí sa japonskí umelci rozvíjali veľké množstvo jedinečné techniky a štýly, ktoré sú najcennejším príspevkom Japonska do sveta umenia. Jednou z týchto techník je sumi-e. Sumi-e doslova znamená „kresba tušom“ a spája kaligrafiu a maľbu tušom, aby vytvorila vzácnu krásu kompozícií kreslených štetcom. Táto krása je paradoxná - starodávna, ale moderná, jednoduchá, ale zložitá, odvážna, no zároveň tlmená, nepochybne odráža duchovný základ umenia v zen budhizme. Budhistickí kňazi priniesli do Japonska pevné atramentové bloky a bambusové štetce z Číny v šiestom storočí a za posledných 14 storočí Japonsko rozvinulo bohaté dedičstvo atramentovej maľby.
Prejdite nadol a pozrite si 10 majstrovských diel japonskej maľby
1. Katsushika Hokusai „Sen rybárskej manželky“
Jedným z najznámejších japonských obrazov je „Sen rybárskej manželky“. Písal sa rok 1814 slávny umelec Hokusai. Podľa striktnej definície nemožno toto úžasné Hokusaiovo dielo považovať za obraz, keďže ide o drevorezbu žánru ukiyo-e z knihy Mladé borovice (Kinoe no Komatsu), čo je trojzväzková šunga kniha. Kompozícia zobrazuje mladého ama potápača sexuálne prepleteného s párom chobotníc. Tento obraz bol veľmi vplyvný v 19. a 20. storočí. Práca ovplyvnila viac neskorých umelcov ako Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopf a Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro píše nostalgickú báseň pri sledovaní Mesiaca“
Tessai Tomioka je pseudonym slávneho japonského umelca a kaligrafa. Je považovaný za posledného významného umelca v tradícii bunjingu a jedného z prvých významných umelcov Nihonga štýl. Bunjinga bola škola japonskej maľby, ktorá prekvitala na konci éry Edo medzi umelcami, ktorí sa považovali za literátov alebo intelektuálov. Každý z týchto umelcov, vrátane Tessayi, vyvinul svoj vlastný štýl a techniku, no všetci boli veľkými fanúšikmi čínske umenie a kultúry.
3. Fujishima Takeji „Východ slnka nad východným morom“
Fujishima Takeji bol japonský umelec známy svojou prácou na rozvoji romantizmu a impresionizmu v umeleckom hnutí jogy (západný štýl) v r. koniec XIX- začiatok 20. storočia. V roku 1905 odcestoval do Francúzska, kde ho ovplyvnili vtedajšie francúzske hnutia, najmä impresionizmus, ako možno vidieť na jeho obraze Východ slnka nad Východné more“, ktorý bol napísaný v roku 1932.
4. Kitagawa Utamaro „Desať typov ženských tvárí, zbierka vládnucich krások“
Kitagawa Utamaro bol významný japonský umelec, ktorý sa narodil v roku 1753 a zomrel v roku 1806. Určite je najznámejší vďaka sérii s názvom „Ten Types ženské tváre. Zbierka vládnucich krások, námetov Veľká láska klasická poézia“ (niekedy nazývaná „Zamilované ženy“, obsahujúca samostatné rytiny „Nahá láska“ a „Zamyslená láska“). Je jedným z najvýznamnejších umelcov patriacich do žánru drevorezu ukiyo-e.
5. Kawanabe Kyosai „Tiger“
Kawanabe Kyosai bol jedným z najznámejších japonských umelcov obdobia Edo. Jeho umenie bolo ovplyvnené dielom Tohakua, maliara zo školy Kano zo 16. storočia, ktorý ako jediný umelec svojej doby maľoval obrazovky celé atramentom na jemné pozadie z práškového zlata. Hoci je Kyosai známy ako karikaturista, namaľoval niektoré z najznámejších obrazov v japonská história umenie 19. storočia storočí. "Tiger" je jedným z tých obrazov, ktoré Kyosai vytvoril akvarelom a atramentom.
6. Hiroshi Yoshida „Fuji from Lake Kawaguchi“
Hiroshi Yoshida je známy ako jeden z najviac veľké postavyštýl shin-hanga (shin-hanga je umelecké hnutie v Japonsku na začiatku 20. storočia, v období Taisho a Showa, ktoré oživili tradičné umenie ukiyo-e, ktorý sa zakorenil v období Edo a Meiji (XVII - XIX storočia)). Bol vyškolený v tradícii Západná maľba ropy, ktorá bola požičaná z Japonska v období Meidži.
7. Takashi Murakami „727“
Takashi Murakami je pravdepodobne najpopulárnejším japonským umelcom súčasnosti. Jeho diela sa predávajú za astronomické ceny. veľké aukcie, a kreativita už inšpiruje nové generácie umelcov nielen v Japonsku, ale aj v zahraničí. Murakamiho umenie zahŕňa celý rad médií a zvyčajne sa označuje ako superploché. Jeho práca je známa tým, že používa farby, zahŕňa motívy japonskej tradičnej a populárnej kultúry. Obsah jeho obrazov je často označovaný ako „roztomilý“, „psychedelický“ alebo „satirický“.
8. Yayoi Kusama „Tekvica“
Yaoi Kusama je tiež jedným z najznámejších japonských umelcov. Tvorí v rôzne techniky, vrátane maľby, koláže, scatovej sochy, performance, environmentálneho umenia a inštalácie, z ktorých väčšina demonštruje jej tematický záujem o psychedelickú farbu, opakovanie a vzor. Jeden z najviac slávny seriál tento veľký umelec je séria „Pumpkin“. Pravidelná jasne žltá tekvica pokrytá bodkovaným vzorom na sieťovom pozadí. Všetky tieto prvky spoločne tvoria vizuálny jazyk, ktorý je nezameniteľne verný umelcovmu štýlu a ktorý sa vyvíjal a zdokonaľoval počas desaťročí usilovnej produkcie a reprodukcie.
9. Tenmyoya Hisashi „Japonský duch č. 14“
Tenmyoya Hisashi je súčasný japonský umelec, ktorý je známy svojimi neo-nihonga maľbami. Zúčastnil sa obrodenia stará tradícia Japonská maľba, ktorá je úplným opakom modernej japonskej maľby. V roku 2000 vytvoril aj svoju nový štýl butouha, ktorý prejavuje silný postoj k autorite umelecký systém prostredníctvom svojich obrazov. "Japonský duch č. 14" bol vytvorený ako súčasť umelecká schéma„BASARA“, interpretovaný v japonskej kultúre ako rebelantské správanie nižšej aristokracie počas obdobia bojujúcich štátov, s cieľom popierať silu dosiahnuť ideálny obrazživot, obliekanie sa do bujných a luxusných šiat a konanie zo slobodnej vôle, nie v súlade s ich spoločenskou triedou.
10. Katsushika Hokusai „Veľká vlna z Kanagawy“
Nakoniec, "The Great Wave off Kanagawa" je pravdepodobne najznámejšia japonská maľba niekedy napísané. Toto je vlastne najviac slávne dielo umenie vytvorené v Japonsku. Zobrazuje obrovské vlny ohrozujúce lode pri pobreží prefektúry Kanagawa. Aj keď sa niekedy mýlia s cunami, vlna, ako naznačuje názov obrazu, má s najväčšou pravdepodobnosťou jednoducho anomálnu väčšia výška. Obraz je vyrobený v tradícii ukiyo-e.
Od:
Umenie a dizajn
2702
01.02.18 09:02
Dnešný umeleckej scény Japonsko je veľmi rozmanité a provokatívne: pri pohľade na prácu majstrov z krajiny Vychádzajúce slnko, rozhodnete, že ste prišli na inú planétu! Domov inovátorov, ktorí zmenili prostredie tohto odvetvia v globálnom meradle. Predstavujeme vám zoznam 10 súčasných japonských umelcov a ich výtvory – od neuveriteľné stvorenia Takashi Murakami (ktorý dnes oslavuje narodeniny) do farebného vesmíru Kusama.
Od futuristických svetov po bodkované súhvezdia: súčasní japonskí umelci
Takashi Murakami: tradicionalista a klasik
Začnime hrdinom tejto príležitosti! Takashi Murakami je jedným z najznámejších japonských súčasných umelcov, ktorý pracuje na maľbách, veľkých sochách a módnom oblečení. Murakamiho štýl je ovplyvnený mangou a anime. Je zakladateľom hnutia Superflat, ktoré podporuje japonské umelecké tradície a povojnovú kultúru krajiny. Murakami povýšil mnohých svojich súčasníkov a s niektorými sa stretneme aj dnes. „Subkultúrne“ diela Takashiho Murakamiho sú prezentované na umeleckých trhoch módy a umenia. Jeho provokatívny My Lonesome Cowboy (1998) sa v roku 2008 predal v New Yorku v Sotheby's za rekordných 15,2 milióna dolárov. Murakami spolupracoval so svetoznámymi značkami Marc Jacobs, Louis Vuitton a Issey Miyake.
Pokojne Ashima a jej neskutočný vesmír
Chicho Ashima, členka umeleckej produkčnej spoločnosti Kaikai Kiki a hnutia Superflat (obe založil Takashi Murakami), je známa svojimi fantastickými panorámami miest a zvláštnymi popovými stvoreniami. Umelec vytvára surrealistické sny obývané démonmi, duchmi, mladými kráskami, zobrazené na pozadí cudzej prírody. Jej diela sú zvyčajne veľkoplošné a vytlačené na papieri, koži a plaste. V roku 2006 tento moderný Japonský umelec zúčastnil Art on the Underground v Londýne. Pre nástupište vytvorila 17 po sebe idúcich oblúkov – magická krajina sa postupne premenila z dennej na nočnú, z mestskej na vidiecku. Tento zázrak rozkvitol na stanici metra Gloucester Road.
Chiharu Shima a nekonečné vlákna
Ďalší umelec, Chiharu Shiota, pracuje na rozsiahlych vizuálnych inštaláciách pre konkrétne pamiatky. Narodila sa v Osake, no teraz žije v Nemecku – v Berlíne. Ústrednými témami jej tvorby sú zabudnutie a pamäť, sny a realita, minulosť a prítomnosť a tiež konfrontácia úzkosti. Najslávnejšie diela Chiharu Shiota sú nepreniknuteľné siete čiernej nite pokrývajúce rôzne predmety v domácnosti a osobnom živote, ako sú staré stoličky, Svadobné šaty, obhorený klavír. V lete 2014 Shiota zviazal darované topánky a čižmy (ktorých bolo viac ako 300) prameňmi červenej priadze a zavesil ich na háčiky. Prvá výstava Chiharu v nemeckom hlavnom meste sa konala počas Berlínskeho týždňa umenia v roku 2016 a vyvolala senzáciu.
Hej Arakawa: všade, nikde
Hei Arakawa je inšpirovaný stavmi zmien, obdobiami nestability, prvkami rizika a jeho inštalácie často symbolizujú témy priateľstva a tímovej práce. Krédo súčasného japonského umelca je definované performatívnym, neurčitým „všade, ale nikde“. Jeho výtvory sa objavujú na nečakaných miestach. V roku 2013 boli Arakawove diela vystavené na Bienále v Benátkach a na výstave súčasného japonského umenia v Mori Museum of Art (Tokio). Bola to inštalácia Hawaiian Presence (2014). spoločný projekt s newyorskou umelkyňou Carissou Rodriguez a zúčastnil sa na Whitney Biennial. Aj v roku 2014 Arakawa a jeho brat Tomu, vystupujúci ako duo s názvom United Brothers, ponúkli návštevníkom Frieze London svoje „dielo“ „The This Soup Taste Ambivalent“ s „rádioaktívnou“ koreňovou zeleninou Fukushima daikon.
Koki Tanaka: Vzťahy a opakovania
V roku 2015 bol Koki Tanaka ocenený ako „Umelec roka“. Tanaka skúma spoločnú skúsenosť kreativity a predstavivosti, podporuje výmenu medzi účastníkmi projektu a obhajuje nové pravidlá spolupráce. Jeho inštalácia v japonskom pavilóne na Bienále v Benátkach 2013 pozostávala z videí objektov, ktoré premenili priestor na platformu pre umeleckú výmenu. Inštalácie Kokiho Tanaku (nepliesť si s jeho hercom plného menovca) ilustrujú vzťah medzi predmetmi a činmi, napríklad video obsahuje nahrávky jednoduchých gest vykonávaných bežnými predmetmi (nôž krája zeleninu, nalievanie piva do pohára , otváranie dáždnika). Nedeje sa nič podstatné, ale obsedantné opakovanie a pozornosť do najmenších detailov aby divák ocenil svetské.
Mariko Mori a aerodynamické tvary
Ďalšia súčasná japonská umelkyňa Mariko Mori „vykúzli“ multimediálne objekty, pričom kombinuje videá, fotografie a predmety. Charakterizuje ju minimalistická futuristická vízia a uhladené surrealistické formy. Opakujúcou sa témou v Moriho diele je juxtapozícia západnej legendy s západná kultúra. V roku 2010 Mariko založila nadáciu Fau, kultúrnu vzdelávaciu nezisková organizácia, pre ktorú vyrobila sériu svojich umeleckých inštalácií na počesť šiestich obývaných kontinentov. Najnovšie bola nad malebným vodopádom v Resende neďaleko Rio de Janeira postavená stála inštalácia nadácie „Ring: One with Nature“.
Ryoji Ikeda: syntéza zvuku a videa
Ryoji Ikeda je nový mediálny umelec a skladateľ, ktorého tvorba sa zaoberá predovšetkým zvukom v rôznych „surových“ stavoch, od sínusových vĺn až po hluk využívajúci frekvencie na hranici ľudského sluchu. Jeho pohlcujúce inštalácie zahŕňajú počítačom generované zvuky, ktoré sú vizuálne transformované do videoprojekcií alebo digitálnych vzorov. Audiovizuálne umenie Ikeda využíva mierku, svetlo, tieň, hlasitosť, elektronické zvuky a rytmus. Umelcovo slávne testovacie zariadenie pozostáva z piatich projektorov, ktoré osvetľujú plochu 28 metrov dlhú a 8 metrov širokú. Nastavenie konvertuje dáta (text, zvuky, fotografie a filmy) na čiarové kódy a binárne vzory jednotiek a núl.
Tatsuo Miyajima a LED počítadlá
Súčasný japonský sochár a inštalačný umelec Tatsuo Miyajima používa vo svojom umení elektrické obvody, videá, počítače a ďalšie pomôcky. Základné koncepty Mijadžimu sú inšpirované humanistickými myšlienkami a budhistickým učením. LED merače jeho nastavenia neustále blikajú v opakovaní od 1 do 9, čo symbolizuje cestu od života k smrti, ale vyhýba sa definitívnosti, ktorú predstavuje 0 (nula sa v Tatsuovej práci nikdy neobjavuje). Všadeprítomné čísla v mriežkach, vežiach a diagramoch vyjadrujú Miyajimov záujem o myšlienky kontinuity, večnosti, spojenia a toku času a priestoru. Nedávno bola Miyajimova „Šípka času“ uvedená na úvodnej výstave „Unfinished Thoughts Visible in New York“.
Nara Yoshimoto a zlé deti
Nara Yoshimoto vytvára maľby, sochy a kresby detí a psov – námety, ktoré odrážajú detské pocity nudy a frustrácie a divokú nezávislosť, ktorá je pre batoľatá prirodzená. Estetika Yoshimotovej práce pripomína tradičnú knižné ilustrácie, je zmesou nepokojného napätia a umelcovej lásky k punk rocku. V roku 2011 sa v Asia Society Museum v New Yorku konala prvá samostatná výstava Yoshimota s názvom „Yoshitomo Nara: Nobody's Fool“, ktorá pokrývala 20-ročnú kariéru súčasného japonského umelca. Exponáty úzko súviseli s globálnymi subkultúrami mládeže a ich odcudzením. protestovať.
Yayoi Kusama a priestor prerastajúci do zvláštnych podôb
Úžasný tvorivý životopis Kusama's Yayoi trvá sedem desaťročí. Za tento čas stihla úžasná Japonka vyštudovať odbory maľba, grafika, koláž, sochárstvo, kino, rytina, environmentálne umenie, inštalácia, ale aj literatúra, móda a odevný dizajn. Kusama vyvinula veľmi osobitý štýl bodkového umenia, ktorý sa stal jej poznávacím znamením. Iluzívne vízie prezentované v dielach 88-ročného Kusamu (keď sa svet zdá byť pokrytý rozľahlým výstredné formy), je výsledkom halucinácií, ktoré zažívala od detstva. Miestnosti s farebnými bodkami a „nekonečnými“ zrkadlami odrážajúcimi ich zhluky sú rozpoznateľné a nedajú sa zameniť s ničím iným.
