Japonská maľba je najstarší druh umenie. Obsahuje rôznych tvarov, žánre a rôznorodý obsah.
Japonská maľba je najstaršia forma umenia. Zahŕňa rôzne formy, žánre a pestrý obsah. Elegantné umenie odhaľuje svetu obrazy, ktorými sú obrazovky, nástenné maľby, hodvábne alebo papierové zvitky, vejáre, stojanové maľby a rytiny.
Japonská maľba sa vyznačuje veľkým počtom rôznych žánrov a štýlov. Vedúce miesto V Japonská maľba, ako v literatúre, je obsadená prírodou. Je prezentovaná ako strážkyňa božského princípu. Japonská maľba má svoj pôvod v čínskom umení, preto sú jej žánre veľmi podobné žánrom Nebeskej ríše. V súčasnosti veľa japonských umelcov uprednostňuje štúdium v Číne.
Maľovanie v Japonsku má vo svojej histórii niekoľko etáp. Každý z nich má svoje vlastné charakteristiky a špeciálne vlastnosti.
Za počiatočnú etapu vývoja sa považuje časové obdobie od polovice siedmeho storočia do konca ôsmeho storočia, tzv. Nara. Chrám Horyuji bol namaľovaný v tomto období a je vynikajúcim dôkazom vplyvu indických a čínskych tradícií na japonskú kultúru.
Ďalšie obdobie vo vývoji japonského maliarstva je tzv Heian. Je známy aktívnou prosperitou chrámovej maľby a príkladmi svetského umenia zobrazovania. V tomto období vznikali ilustrácie k románom a príbehom, ktoré mali pobaviť vznešených pánov.
Obdobie Kamakura(zaberá časové obdobie od konca 12. storočia do prvej polovice 14. storočia), ktoré zaberalo časové obdobie od konca 12. storočia do prvej polovice 14. storočia, sa vyznačuje zmenou štýlov. , hľadanie nových spôsobov zobrazenia života. Nálada japonskej maľby sa dramaticky mení. Predtým maľby navodil optimistickú, ľahkú a radostnú atmosféru. Počas tohto obdobia sa urobil veľký krok smerom k realistický obraz, ako aj dávať obrázku takmer vojenský charakter. Charakteristické predmety maľby - bojové scény z mýtov a histórie, náboženské výjavy z budhistickej tradície. Portréty významných vládnych osobností sú široko používané.
Počas Muromachi(obdobie od 1. polovice 14. storočia do 2. polovice 16. storočia), trend, ktorý preslávil japonské maliarstvo po celom svete. Filozofia zen budhizmu mala významný vplyv na maľbu, čo malo za následok popularitu krajinárskeho umenia. Monochromatická technológia získala osobitnú eleganciu. V tomto období bola japonská maľba ovplyvnená Čínou. Najznámejší Japonský umelec V tom čase Toyo Oda, ktorý sa špecializoval na maľovanie krajiny, vytvoril svoje prvé obrazy, keď cestoval po ríši stredu. Smer rozvíjal už vo svojej vlasti.
Vyššie popísaný trend sa aktívne rozvíjal a dopĺňal počas nasledujúcich dvoch období vo vývoji japonskej maľby - Monoyama A Edo. Monochromatická technika bola sofistikovanejšou možnosťou. Detaily boli starostlivo vypracované a vykreslené. Umelci sa nebáli experimentovať a pri nástennej maľbe začali využívať techniky, ktoré sa predtým používali pri maľbe na zvitky a obrazovky. Začali sa dopĺňať krajinky a davové scény psychologické príbehy, demonštrujúci hrdinu vo chvíli silného emočného stresu. Okrem toho tradičné maľovanie V Japonsku sa rozšírilo drevorytie. Delila sa na dva typy: divadelná rytina a každodenná popisná rytina. Najviac slávny majster divadelnou potlačou je Choshusai Sharaku. Každodenné rytie sa aktívne rozvíjalo v dielach Suzuki Harunobu a Kitagawa Utamaro.
Každá krajina má svojich hrdinov súčasné umenie, ktorého mená sú známe, výstavy lákajú davy fanúšikov a zvedavcov a diela sa predávajú do súkromných zbierok.
V tomto článku vám predstavíme tie najpopulárnejšie súčasných umelcov Japonsko.
Keiko Tanabe
Keiko sa narodila v Kjóte a ako dieťa vyhrala veľa umeleckých súťaží, ale jej vyššie vzdelanie nebolo v oblasti umenia. Pracoval na oddelení Medzinárodné vzťahy pracoval v japonskej miestnej vládnej obchodnej organizácii v Tokiu, vo veľkej právnickej firme v San Franciscu a v súkromnej poradenskej firme v San Diegu a veľa cestoval. Od roku 2003 odišla zo zamestnania a po vyštudovaní základov akvarelu v San Diegu sa venovala výlučne umeniu.
Ikenaga Yasunari
Japonský umelec Ikenaga Yasunari maľuje portréty moderné ženy v staroveku japonská tradícia maľba pomocou štetca Menso, minerálnych pigmentov, sadzí, atramentu a ľanu ako podkladu. Jeho postavy sú ženy našej doby, no vďaka štýlu Nihonga máte pocit, že k nám prišli od nepamäti.
Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki je realistický umelec, ktorý ovláda technika akvarelu. Abe možno nazvať umelcom-filozofom: zásadne nemaľuje slávne pamiatky, uprednostňuje subjektívne kompozície, ktoré odrážajú vnútorné stavy osoba, ktorá ich sleduje.
Hiroko Sakai
Kariéra umelkyne Hiroko Sakai začala začiatkom 90. rokov v meste Fukuoka. Po absolvovaní Seinan Gakuin University a francúzskej Nihon School of Interior Design v oblasti dizajnu a vizualizácie založila Atelier Yume-Tsumugi Ltd. a úspešne riadil toto štúdio 5 rokov. Mnohé z jej diel zdobia nemocničné haly, kancelárie veľkých korporácií a niektoré obecné budovy v Japonsku. Po presťahovaní do Spojených štátov začala Hiroko maľovať olejmi.
Riusuke Fukahori
Trojrozmerné diela Riusukiho Fukahoriho pripomínajú hologramy. Sú hotové akrylová farba, nanesená v niekoľkých vrstvách a priehľadná živicová tekutina - to všetko, bez vylúčenia tradičných metód, ako je kreslenie tieňov, zmäkčovanie hrán, kontrola priehľadnosti, umožňuje Riusukimu vytvárať sochárske maľby a dodáva dielam hĺbku a realizmus.
Natsuki Otani
Natsuki Otani je talentovaný japonský ilustrátor žijúci a pracujúci v Anglicku.
Makoto Muramatsu
Makoto Muramatsu si ako základ pre svoju kreativitu vybral tému, ktorá je pre každého víťaza – kreslí mačky. Jeho obrázky sú obľúbené po celom svete, najmä vo forme hlavolamov.
Tetsuya Mishima
Väčšina obrazov súčasného japonského umelca Mishima je urobená v olejoch. Maľovaniu sa venuje profesionálne od 90. rokov, má za sebou niekoľko samostatných výstav a veľké množstvo kolektívnych výstav, japonských aj zahraničných.
Japonská maľba je absolútne jedinečným hnutím vo svetovom umení. Existuje už od pradávna, no ako tradícia nestratila na obľúbenosti a schopnosti prekvapiť.
Pozor na tradície
Východ nie je len krajina, hory a Vychádzajúce slnko. Aj to sú ľudia, ktorí vytvorili jeho príbeh. Práve títo ľudia po mnoho storočí podporovali tradíciu japonskej maľby, rozvíjali a zveľaďovali svoje umenie. Tí, ktorí sa výrazne zapísali do histórie, sú japonskí umelci. Vďaka nim si moderné zachovali všetky kánony tradičnej japonskej maľby.
Spôsob vyhotovenia obrazov
Japonskí umelci na rozdiel od Európy uprednostňovali maľovanie bližšie ku grafike ako k maľbe. Na takýchto obrazoch nenájdete hrubé, neopatrné olejové ťahy, ktoré sú pre impresionistov také charakteristické. Aká je grafická povaha takého umenia, ako sú japonské stromy, skaly, zvieratá a vtáky - všetko na týchto obrazoch je nakreslené čo najjasnejšie, s pevnými a sebavedomými atramentovými líniami. Všetky objekty v kompozícii musia mať obrys. Vyplnenie vnútri obrysu sa zvyčajne vykonáva vodovými farbami. Farba sa vymyje, pridajú sa ďalšie odtiene a niekde zostane farba papiera. Dekoratívnosť je presne to, čo odlišuje japonské maľby od umenia celého sveta.
Kontrasty v maľbe
Kontrast je ďalšou charakteristickou technikou používanou japonskými umelcami. Môže to byť rozdiel v tóne, farbe alebo kontraste teplých a studených odtieňov.
Umelec sa uchyľuje k tejto technike, keď chce zvýrazniť nejaký prvok predmetu. Môže to byť žila na rastline, samostatný okvetný lístok alebo kmeň stromu oproti oblohe. Potom je znázornené svetlo, osvetlená časť objektu a tieň pod ním (alebo naopak).
Prechody a farebné riešenia
Pri maľovaní japonských obrazov sa často používajú prechody. Môžu byť rôzne: napríklad z jednej farby do druhej. Na okvetných lístkoch lekien a pivoniek si môžete všimnúť prechod od svetlého odtieňa k bohatej, svetlej farbe.
Prechody sa používajú aj v obraze vodnej hladiny a oblohy. Plynulý prechod od západu slnka do tmavého, prehlbujúceho sa súmraku vyzerá veľmi krásne. Pri kreslení oblakov sa používajú aj prechody z rôznych odtieňov a reflexov.
Základné motívy japonskej maľby
V umení je všetko prepojené s skutočný život, s pocitmi a emóciami tých, ktorí sú do toho zapojení. Rovnako ako v literatúre, hudbe a iných formách kreativity, aj v maľbe existuje niekoľko večných tém. Toto historické predmety, obrazy ľudí a prírody.
Japonské krajiny prichádzajú v mnohých variantoch. Na obrazoch sú často obrazy rybníkov - obľúbený kus nábytku pre Japoncov. Ozdobné jazierko, niekoľko lekien a bambus v blízkosti – takto to vyzerá obyčajný obrázok 17-18 storočia.
Zvieratá v japonskej maľbe
Zvieratá sú tiež často sa opakujúcim prvkom ázijskej maľby. Tradične je to tiger alebo mačka domáca. Vo všeobecnosti majú Aziati veľmi radi, a preto sa ich zástupcovia nachádzajú vo všetkých formách orientálneho umenia.
Svet fauny je ďalšou témou, ktorou sa japonská maľba riadi. Vtáky - žeriavy, ozdobné papagáje, luxusné pávy, lastovičky, nenápadné vrabce a dokonca aj kohúty - to všetko sa nachádza na kresbách orientálnych majstrov.
Ryby - nie menej aktuálna téma Pre Japonskí umelci. Koi kapor je japonská verzia zlatej rybky. Tieto stvorenia žijú v Ázii vo všetkých rybníkoch, dokonca aj v malých parkoch a záhradách. Koi kapor je akousi tradíciou, ktorá patrí vyslovene Japonsku. Tieto ryby symbolizujú boj, odhodlanie a dosiahnutie vášho cieľa. Nie nadarmo sú zobrazené ako plávajúce prúdom, vždy s ozdobnými hrebeňmi vĺn.
Japonské maľby: zobrazenie ľudí
Ľudia v japonskej maľbe sú špeciálnou témou. Umelci zobrazovali gejše, cisárov, bojovníkov a starších.
Gejše sú zobrazené obklopené kvetmi, vždy oblečené v prepracovaných róbach s množstvom záhybov a prvkov.
Mudrci sú zobrazení, ako sedia alebo niečo vysvetľujú svojim študentom. Obraz starého vedca je symbolom histórie, kultúry a filozofie Ázie.
Bojovník bol zobrazený ako impozantný, niekedy desivý. Dlhé boli detailne nakreslené a vyzerali ako drôt.
Zvyčajne sú všetky detaily brnenia objasnené pomocou atramentu. Nahých bojovníkov často zdobia tetovania zobrazujúce východného draka. Je symbolom sily a vojenská sila Japonsko.
Panovníci boli zobrazovaní pre cisárske rodiny. Krásne oblečenie a ozdoby v mužských vlasoch sú tým, čím takéto umelecké diela oplývajú.
Krajinky
Tradičná japonská krajina - hory. Ázijským maliarom sa podarilo zobraziť rôzne krajiny: dokážu zobraziť ten istý vrchol v rôznych farbách, s rôznymi atmosférami. Jediná vec, ktorá zostáva nezmenená, je povinná prítomnosť kvetov. Zvyčajne spolu s horami umelec zobrazuje nejaký druh rastliny v popredí a podrobne ju kreslí. Krásne vyzerajú hory a čerešňové kvety. A ak maľujú padajúce okvetné lístky, obraz vyvoláva obdiv nad jeho smutnou krásou. Kontrast v atmosfére obrazu je ďalšou úžasnou kvalitou japonskej kultúry.
hieroglyfy
Kompozícia obrazu v japonskej maľbe je často kombinovaná s písaním. Hieroglyfy sú usporiadané tak, aby kompozične vyzerali krásne. Zvyčajne sú nakreslené vľavo alebo vpravo od maľby. Hieroglyfy môžu predstavovať to, čo je zobrazené na obraze, jeho názov alebo meno umelca.
Japonsko je jednou z najbohatších krajín na históriu a kultúru. Na celom svete sú Japonci všeobecne považovaní za pedantských ľudí, ktorí nachádzajú estetiku absolútne vo všetkých prejavoch života. Preto sú japonské maľby vždy veľmi harmonické vo farbe a tóne: ak sú nejaké inklúzie svetlá farba- potom len v sémantických centrách. Pomocou obrazov ázijských umelcov ako príkladu môžete študovať teóriu farieb, správne znázornenie formy pomocou grafiky a kompozície. Technika výkonu Japonské maľby tak vysoké, že môže slúžiť ako príklad pre prácu s akvarelom a vykonávanie „umývania“ grafických prác.
Je nepravdepodobné, že Yayoi Kusama bude schopná odpovedať na to, čo tvorilo základ jej kariéry umelkyne. Má 87 rokov, jej umenie je uznávané po celom svete. Čoskoro budú veľké výstavy jej prác v USA a Japonsku, no svetu ešte nepovedala všetko. "Stále je to na ceste. V budúcnosti to vytvorím,“ hovorí Kusama. V Japonsku je označovaná za najúspešnejšiu umelkyňu. Okrem toho je najdrahšou žijúcou umelkyňou: v roku 2014 sa jej obraz „White No. 28“ predal za 7,1 milióna dolárov.
Kusama žije v Tokiu a už takmer štyridsať rokov je dobrovoľne v psychiatrickej liečebni. Raz za deň necháva jeho steny maľovať. Vstáva o tretej hodine ráno, nemôže zaspať a svoj čas chce tráviť produktívne v práci. „Som už starý, ale stále vytvorím viac práce a lepšiu prácu. Viac ako som urobil v minulosti. Moja myseľ je plná obrázkov,“ hovorí.
(Celkovo 17 fotiek)
Yayoi Kusama na výstave svojich prác v Londýne v roku 1985. Foto: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock
Od deviatej do šiestej Kusama pracuje vo svojom trojposchodovom ateliéri bez toho, aby vstal invalidný vozík. Môže chodiť, ale je príliš slabá. Žena pracuje na plátne rozloženom na stoloch alebo pripevnenom k podlahe. Ateliér je plný nových obrazov, jasných diel posiatych malými škvrnami. Umelkyňa to nazýva „sebaumlčanie“ – nekonečné opakovanie, ktoré prehlušuje hluk v jej hlave.
Pred odovzdávaním umeleckých cien Praemium Imperiale v roku 2006 v Tokiu. Foto: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock
Cez ulicu sa čoskoro otvorí nová galéria, a severne od Tokia sa stavia ďalšie múzeum jej umenia. Okrem toho sa otvárajú dve veľké výstavy jej tvorby. „Yayoi Kusama: Infinity Mirrors“, retrospektíva jej 65-ročnej kariéry, sa otvorila v Hirshhorn Museum vo Washingtone 23. februára a potrvá do 14. mája, kým odcestuje do Seattlu, Los Angeles, Toronta a Clevelandu. Výstava obsahuje 60 obrazov Kusama.
Jej bodky v nej zakrývajú všetko od šiat Louis Vuitton až po autobusy rodné mesto. Kusamove diela sa pravidelne predávajú za milióny dolárov a možno ich nájsť po celom svete, od New Yorku po Amsterdam. Výstavy diel japonského umelca sú také populárne, že sú potrebné opatrenia na zabránenie davom a nepokojom. Napríklad v Hirshhorne sa vstupenky na výstavu predávajú na určitý čas s cieľom nejako regulovať tok návštevníkov.
Prezentácia spoločného dizajnu Louis Vuitton a Yayoi Kusama v New Yorku v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Ale Kusama stále potrebuje súhlas zvonku. Keď sa jej v rozhovore spýtali, či pred desiatkami rokov dosiahla svoj cieľ stať sa bohatou a slávnou, prekvapene povedala: „Keď som bola malá, veľmi ťažko som presviedčala mamu, že sa chcem stať umelkyňou. Je naozaj pravda, že som bohatý a slávny?
Kusama sa narodil v Matsumoto, v horách stredného Japonska, v roku 1929 v bohatej a konzervatívnej rodine, ktorá predávala sadenice. Nebol to však šťastný domov. Jej matka opovrhla svojim podvádzaným manželom a poslala malého Kusamu, aby ho špehoval. Dievča videlo svojho otca s inými ženami a to jej dalo celoživotnú averziu k sexu.
Butikové okno Louis Vuitton navrhnuté Kusama v roku 2012. Foto: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock
Ako dieťa začala pociťovať zrakové a sluchové halucinácie. Keď prvýkrát uvidela tekvicu, predstavila si, že sa s ňou rozpráva. Budúca umelkyňa sa s víziami vyrovnala vytváraním opakujúcich sa vzorov, aby prehlušila myšlienky v jej hlave. Už v takom mladom veku sa pre ňu umenie stalo akousi terapiou, ktorú neskôr nazvala „umelecká medicína“.
Práca Yayoi Kusama vystavená v múzeu súčasné umenie Whitney v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Kusamova matka bola ostro proti túžbe svojej dcéry stať sa umelkyňou a trvala na tom, aby dievča nasledovalo tradičnú cestu. „Nedovolila mi kresliť. Chcela, aby som sa oženil,“ povedal umelec v rozhovore. - Zahodila moju prácu. Chcel som sa hodiť pod vlak. Každý deň som bojoval so svojou matkou, a preto bola moja myseľ poškodená.“
V roku 1948, po skončení vojny, odišiel Kusama do Kjóta študovať tradičnú japonskú maľbu nihonga s prísnymi pravidlami. Nenávidela tento druh umenia.
Jeden z exponátov z výstavy Yayoi Kusama vo Whitney Museum of Contemporary Art v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Keď Kusama žila v Matsumoto, našla knihu Georga O'Keeffe a bola ohromená jej maľbami. Dievča sa vybralo na americkú ambasádu v Tokiu, aby tam v adresári našlo článok o O’Keefe a zistilo jej adresu. Kusama jej napísal list a poslal jej nejaké kresby a na jej prekvapenie, americký umelec odpovedal jej.
„Nemohol som uveriť svojmu šťastiu! Bola taká láskavá, že zareagovala na náhly výbuch citov od skromných Japonské dievčatá, ktorého v živote nestretla a ani o ňom nepočula,“ napísala umelkyňa vo svojej autobiografii „Infinity Net“.
Yayoi Kusama vo výklade svojho butiku Louis Vuitton v New Yorku v roku 2012. Foto: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock
Napriek O'Keeffeovým varovaniam, že život mladých umelcov v Spojených štátoch je veľmi ťažký, nehovoriac o slobodných mladých dievčatách v Japonsku, Kusama bol nezastaviteľný. V roku 1957 sa jej podarilo získať pas a víza. Do šiat si zašila doláre, aby obišla prísne povojnové menové kontroly.
Prvou zastávkou bol Seattle, kde mala výstavu v malej galérii. Potom Kusama odišla do New Yorku, kde bola trpko sklamaná. „Na rozdiel od povojnového Matsumota bol New York v každom zmysle zlým a násilným miestom. Ukázalo sa, že je to pre mňa príliš stresujúce a čoskoro som upadol do neurózy.“ Aby toho nebolo málo, Kusama sa ocitla v sebe úplná chudoba. Ako posteľ jej slúžili staré dvere a z odpadkových košov lovila rybie hlavy a zhnitú zeleninu, aby si z nich pripravila polievku.
Inštalácia Infinity Mirror Room - Love Forever ("Izba s nekonečnými zrkadlami - láska navždy"). Foto: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock
Táto ťažká situácia podnietila Kusamu, aby sa ešte viac ponoril do svojej práce. Začala vytvárať svoje prvé obrazy zo série Infinity Net, pokrývajúc obrovské plátna (jedno z nich malo výšku 10 metrov) hypnotizujúcimi vlnami malých slučiek, ktoré akoby nikdy nekončili. Samotná umelkyňa ich opísala takto: „Biele siete zahaľujúce čierne bodky tichej smrti na pozadí beznádejnej temnoty ničoty.“
Inštalácia Yayoi Kusama pri otvorení novej budovy Garážového múzea súčasného umenia v Gorkého parku v Moskve v roku 2015. Foto: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock
Toto obsedantno-kompulzívne opakovanie pomohlo zahnať neurózu, no nie vždy zachránilo. Kusama neustále trpel záchvatmi psychózy a skončil v nemocnici v New Yorku. Keďže bola ambiciózna a cieľavedomá a s radosťou prijala úlohu exotického ázijského dievčaťa v kimone, pridala sa k davu vplyvných ľudí v umení a komunikoval s takými uznávanými umelcami ako Mark Rothko a Andy Warhol. Kusama neskôr povedal, že Warhol napodobňoval jej prácu.
Kusama si čoskoro získal istý stupeň slávy a vystavoval v preplnených galériách. Okrem toho sa sláva umelca stala škandalóznou.
V šesťdesiatych rokoch, keď bola Kusama posadnutá bodkami, začala v New Yorku organizovať happeningy, v ktorých povzbudzovala ľudí, aby sa vyzliekli na miestach ako Central Park a Brooklyn Bridge a maľovali si telá bodkami.
Pred vystavením v Art Basel v Hong Kongu v roku 2013. Foto: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock
Desaťročia pred hnutím Occupy Wall Street usporiadala Kusama happening vo finančnej štvrti v New Yorku, kde vyhlásila, že chce „bodkami zničiť mužov z Wall Street“. Približne v tomto období začala rôzne predmety – stoličku, loďku, kočík – zakrývať falicky vyzerajúcimi výčnelkami. "Začal som vytvárať penisy, aby som vyliečil svoje pocity averzie k sexu," napísal umelec a opísal, ako tento tvorivý proces postupne zmenil hrozné na niečo známe.
Inštalácia „Passing Winter“ v Tate Gallery v Londýne. Foto: James Gourley/REX/Shutterstock
Kusama sa nikdy nevydala, hoci mala desať rokov manželský vzťah s umelcom Josephom Cornellom, keď žila v New Yorku. „Nemala som rada sex a on bol impotentný, takže sme sa k sebe veľmi hodili,“ povedala v rozhovore pre Art Magazine.
Kusama sa čoraz viac preslávila svojimi huncútstvami: ponúkla sa, že sa vyspí s americkým prezidentom Richardom Nixonom, ak ukončí vojnu vo Vietname. "Poďme sa navzájom ozdobiť bodkami," napísala mu v liste. Záujem o jej umenie sa sám vytratil, ocitla sa v nemilosti a opäť začali problémy s peniazmi.
Yayoi Kusama počas retrospektívy svojej práce vo Whitney Museum of Modern Art v New Yorku v roku 2012. Foto: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock
Správy o Kusamových eskapádach sa dostali do Japonska. Začali ju nazývať „národnou katastrofou“ a jej matka povedala, že by bolo lepšie, keby jej dcéra zomrela na túto chorobu v detstve. Začiatkom 70. rokov 20. storočia schudobneli a nepodarilo Kusama sa vrátil do Japonska. Zaregistrovala sa v psychiatrickej liečebni, kde dodnes žije, a upadla do umeleckého tmy.
V roku 1989 Centrum súčasného umenia v New Yorku usporiadalo retrospektívu jej tvorby. To bol začiatok, aj keď pomalý, oživenia záujmu o Kusamovo umenie. Vyplnila zrkadlovú miestnosť tekvicami pre inštaláciu, ktorá bola vystavená na Benátskom bienále v roku 1993 a mala veľkú výstavu v MoMa v New Yorku v roku 1998. Tu raz usporiadala happening.
Na výstave Moja večná duša v Národné centrum umenie v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Za posledných pár rokov sa Yayoi Kusama stal medzinárodným fenoménom. Galéria Tate Modern v Londýne a Whitney Museum v New Yorku usporiadali veľké retrospektívy, ktoré prilákali obrovské davy návštevníkov, a jej ikonický bodkovaný vzor sa stal veľmi rozpoznateľným.
Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Umelkyňa neplánuje prestať pracovať, ale začala premýšľať o svojej smrteľnosti. „Neviem, ako dlho dokážem prežiť aj po smrti. Je tu budúca generácia, ktorá kráča v mojich šľapajach. Bolo by pre mňa cťou, keby sa ľudia radi pozerali na moju prácu a keby ich moje umenie dojalo.“
Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Napriek komercializácii svojho umenia Kusama premýšľa o hrobe v Matsumoto – nie v rodinnej krypte, aj tak ho zdedila po rodičoch – a ako ho nepremeniť na svätyňu. „Ale ja ešte neumieram. Myslím, že budem žiť ďalších 20 rokov,“ hovorí.
Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
japončina klasická maľba má dlhú a zaujímavý príbeh. Výtvarné umenie Japonska je prezentované v rôzne štýly a žánre, z ktorých každý je jedinečný svojím vlastným spôsobom. Staroveké maľované figúrky a geometrické motívy nájdené na bronzových zvoncoch dotaku a črepoch keramiky pochádzajú z roku 300 nášho letopočtu.
Budhistická orientácia umenia
Umenie nástennej maľby bolo v Japonsku pomerne dobre rozvinuté, v 6. storočí boli obzvlášť populárne obrazy na tému budhistickej filozofie. V tom čase sa v krajine stavali veľké chrámy a ich steny všade zdobili fresky namaľované podľa výjavov z budhistických mýtov a legiend. Staroveké príklady nástenných malieb sú dodnes zachované v chráme Horyuji neďaleko japonského mesta Nara. Nástenné maľby Horyuji zobrazujú scény zo života Budhu a iných bohov. Umelecký štýl týchto nástenných malieb je veľmi blízky obrazovému konceptu populárnemu v Číne počas dynastie Song.
Štýl maľby dynastie Tang získal mimoriadnu popularitu v polovici obdobia Nara. Z tohto obdobia pochádzajú fresky objavené v hrobke Takamatsuzuka približne zo 7. storočia nášho letopočtu. Umelecká technika, sformovaný pod vplyvom dynastie Tang, následne vytvoril základ maliarskeho žánru kara-e. Tento žáner si udržal svoju popularitu až do objavenia sa prvých diel v štýle Yamato-e. Väčšina fresiek a maliarskych majstrovských diel patrí štetcom neznámych autorov, dnes sa mnohé diela z toho obdobia uchovávajú v pokladnici Sesoin.
Rastúci vplyv nových budhistických škôl ako Tendai ovplyvnil širšiu náboženskú orientáciu výtvarné umenie Japonsko v 8. a 9. storočí. V 10. storočí, ktoré zaznamenalo zvláštny pokrok Japonský budhizmus, žáner raigozu, sa objavili „uvítacie obrazy“, ktoré zobrazovali príchod Budhu do Západného raja. Prvé príklady Raigozu z roku 1053 možno vidieť v chráme Bedo-in, ktorý prežíva v meste Uji v prefektúre Kjóto.
Zmena štýlov
V polovici obdobia Heian vymenené Čínsky štýl Kara-e prichádza so žánrom Yamato-e, ktorý sa na dlhú dobu stáva jedným z najpopulárnejších a najvyhľadávanejších žánrov japonskej maľby. Nový malebný štýl používa sa hlavne pri lakovaní skladacích zásten a posuvných dverí. Postupom času prešlo yamato-e aj na horizontálne zvitky emakimono. Umelci, ktorí pracovali v žánri emaki, sa snažili vo svojich dielach sprostredkovať všetku emocionalitu zvoleného sprisahania. Zvitok Genji Monogatari pozostával z niekoľkých epizód spojených dohromady, pričom umelci tej doby používali rýchle ťahy štetcom a jasné, výrazné farby.
E-maki je jedným z najstarších a najvýznamnejších príkladov otoko-e, žánru reprezentácie. mužské portréty. Ženské portréty zvýraznené v samostatný žáner onna-uh. Medzi týmito žánrami sú totiž, podobne ako medzi mužmi a ženami, viditeľné pomerne výrazné rozdiely. Štýl onna-e je farebne zastúpený v dizajne The Tale of Genji, kde sú hlavné motívy kresieb romantické príbehy, výjavy zo života na súde. Pánsky štýl otoko-e je prevažne umelecký obraz historické bitky a iné dôležité udalosti v živote impéria.
Klasická japonská umelecká škola sa stala úrodnou pôdou pre rozvoj a presadzovanie myšlienok súčasného umenia v Japonsku, v ktorom je zreteľne vidieť vplyv popkultúry a anime. Jedného z najznámejších japonských umelcov súčasnosti môžeme nazvať Takashi Murakami, ktorého tvorba sa venuje zobrazovaniu výjavov z japonského života v povojnovom období a konceptu maximálnej fúzie výtvarného umenia a mainstreamu.
Medzi slávnymi japonskými umelcami klasickej školy môžeme menovať nasledovné.
Napätý Xubun
Syubun pracoval na začiatku 15. storočia a veľa času venoval štúdiu diel čínskych majstrov dynastie Song, tento muž stál pri počiatkoch japonského vizuálny žáner. Shubun je považovaný za zakladateľa štýlu sumi-e, monochromatickej maľby tušom. Vynaložil veľa úsilia na popularizáciu nového žánru a zmenil ho na jednu z vedúcich oblastí japonskej maľby. Syubunovi študenti boli mnohí, ktorí sa neskôr stali slávnych umelcov, vrátane Sesshu a zakladateľa slávneho umelecká škola Kano Masanobu. Xubunovi bolo pripisovaných veľa krajín, ale jeho najslávnejšie dielo sa tradične považuje za „Čítanie v bambusovom háji“.
Ogata Korin (1658-1716)
Ogata Korin je jedným z nich významných umelcov v histórii japonského maliarstva zakladateľ a jeden z najjasnejších predstaviteľov umeleckého štýlu rimpa. Korine sa vo svojich dielach odvážne vzdialil od tradičných stereotypov a vytvoril si svoj vlastný štýl, ktorého hlavnými charakteristikami boli malé formy a jasný impresionizmus deja. Korin je známy svojou osobitou zručnosťou v zobrazovaní prírody a práci s abstraktnými farebnými kompozíciami. "Slivkový kvet červený a biely" je jedným z najviac slávnych diel Známy sú aj Ogata Korina, jeho obrazy „Chryzantémy“, „Vlny Matsušimy“ a množstvo ďalších.
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Tohaku je zakladateľom japonskej umeleckej školy Hasegawa. Pre skoré obdobie Kreativita Tohaku sa vyznačuje vplyvom slávnej školy japonskej maľby 
Kano, ale časom si umelec vytvoril svoj vlastný jedinečný štýl. V mnohom bola Tohakuova tvorba ovplyvnená dielami uznávaného majstra Sesshu, Hosegawa sa dokonca považoval za piateho pokračovateľa tohto veľkého majstra. Obraz Hasegawy Tohaku "Borovice" dostal svetová sláva, jeho diela „Javor“, „Borovice a kvitnúce rastliny" a ďalšie.
Kano Eitoku (1543-1590)
Školský štýl Kano dominoval výtvarnému umeniu Japonska asi štyri storočia a Kano Eitoku je možno jedným z najznámejších významných predstaviteľov túto umeleckú školu. Eitoku bol uprednostňovaný úradmi, záštita aristokratov a bohatých mecenášov nemohla prispieť k posilneniu jeho školy a popularite jeho diel, nepochybne veľmi. talentovaný umelec. Osempanelová posuvná obrazovka Cypress, ktorú namaľoval Eitoku Kano, je skutočným majstrovským dielom a žiarivým príkladom rozsahu a sily štýlu Monoyama. Nemenej zaujímavé vyzerajú aj ďalšie diela majstra, ako napríklad „Vtáky a stromy štyroch ročných období“, „Čínske levy“, „Pustovníci a víla“ a mnoho ďalších.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai – najväčší majsteržáner ukiyo-e (japonský drevoryt). Hokusaiova kreativita bola prijatá globálne uznanie, jeho sláva v iných krajinách nie je porovnateľná so slávou väčšiny ázijských umelcov, jeho tvorba “ Veľká vlna v Kanagawa“ sa stalo niečo ako vizitka Japonské výtvarné umenie na svetovej umeleckej scéne. Na vlastnú päsť kreatívna cesta Hokusai používal viac ako tridsať pseudonymov, po šesťdesiatke sa umelec venoval výlučne umeniu a práve tento čas je považovaný za najplodnejšie obdobie jeho tvorby. Hokusaiho diela ovplyvnili tvorbu západných majstrov impresionizmu a postimpresionistického obdobia, vrátane tvorby Renoira, Moneta a van Gogha.
