Japonská maľba je najstarší druh umenie. Obsahuje rôznych tvarov, žánre a rôznorodý obsah.
Japonská maľba je najstaršia forma umenia. Zahŕňa rôzne formy, žánre a pestrý obsah. Elegantné umenie odhaľuje svetu obrazy, ktorými sú obrazovky, nástenné maľby, hodvábne alebo papierové zvitky, vejáre, stojanové maľby a rytiny.
Japonská maľba sa vyznačuje veľké množstvo rôzne žánre a štýly. Vedúce miesto V japonskej maľbe, rovnako ako v literatúre, je príroda ústredná. Je prezentovaná ako strážkyňa božského princípu. Japonská maľba pochádza z r čínske umenie, preto sú jej žánre veľmi podobné žánrom Nebeskej ríše. V súčasnosti veľa japonských umelcov uprednostňuje štúdium v Číne.
Maľovanie v Japonsku má vo svojej histórii niekoľko etáp. Každý z nich má svoje vlastné charakteristiky a špeciálne vlastnosti.
Za počiatočnú etapu vývoja sa považuje časové obdobie od polovice siedmeho storočia do konca ôsmeho storočia, tzv. Nara. Chrám Horyuji bol namaľovaný v tomto období a je vynikajúcim dôkazom vplyvu indických a čínskych tradícií na japonskú kultúru.
Ďalšie obdobie vo vývoji japonského maliarstva je tzv Heian. Je známy aktívnou prosperitou chrámovej maľby a príkladmi svetského umenia zobrazovania. V tomto období vznikali ilustrácie k románom a príbehom, ktoré mali pobaviť vznešených pánov.
Obdobie Kamakura(zaberá časové obdobie od konca 12. storočia do prvej polovice 14. storočia), ktoré zaberalo časové obdobie od konca 12. storočia do prvej polovice 14. storočia, sa vyznačuje zmenou štýlov. , hľadanie nových spôsobov zobrazenia života. Nálada japonskej maľby sa dramaticky mení. Predtým mali obrazy optimistickú, ľahkú a radostnú atmosféru. Počas tohto obdobia sa urobil veľký krok smerom k realistický obraz, ako aj dávať obrázku takmer vojenský charakter. Charakteristické predmety maľby - bojové scény z mýtov a histórie, náboženské výjavy z budhistickej tradície. Portréty významných vládnych osobností sú široko používané.
Počas Muromachi(obdobie od 1. polovice 14. storočia do 2. polovice 16. storočia), trend, ktorý preslávil japonské maliarstvo po celom svete. Filozofia zen budhizmu mala významný vplyv na maľbu, čo malo za následok popularitu krajinárskeho umenia. Monochromatická technológia získala osobitnú eleganciu. V tomto období bola japonská maľba ovplyvnená Čínou. Najznámejší Japonský umelec V tom čase Toyo Oda, ktorý sa špecializoval na maľovanie krajiny, vytvoril svoje prvé obrazy, keď cestoval po ríši stredu. Smer rozvíjal už vo svojej vlasti.
Vyššie popísaný trend sa aktívne rozvíjal a dopĺňal počas nasledujúcich dvoch období vo vývoji japonskej maľby - Monoyama A Edo. Monochromatická technika bola sofistikovanejšou možnosťou. Detaily boli starostlivo vypracované a vykreslené. Umelci sa nebáli experimentovať a pri nástennej maľbe začali využívať techniky, ktoré sa predtým používali pri maľbe na zvitky a obrazovky. Krajiny a davové scény sa začali dopĺňať psychologické príbehy, demonštrujúci hrdinu vo chvíli silného emočného stresu. Okrem tradičnej maľby sa v Japonsku stáva čoraz populárnejšou aj drevorytina. Delila sa na dva typy: divadelná rytina a každodenná popisná rytina. Najviac slávny majster divadelnou potlačou je Choshusai Sharaku. Každodenné rytie sa aktívne rozvíjalo v dielach Suzuki Harunobu a Kitagawa Utamaro.
Ak si myslíte, že všetci veľkí umelci sú minulosťou, potom ani netušíte, ako veľmi sa mýlite. V tomto článku sa dozviete o najznámejších a talentovaných umelcov modernosť. A verte, že ich diela zostanú vo vašej pamäti o nič menej hlboko ako diela maestrov z minulých období.
Wojciech Babski
Wojciech Babski – moderný Poľský umelec. Štúdium ukončil na Sliezskom polytechnickom inštitúte, no spojil sa s. IN V poslednej dobe kreslí hlavne ženy. Zameriava sa na vyjadrenie emócií, snaží sa dosiahnuť čo najväčší efekt pomocou jednoduchých prostriedkov.
Miluje farby, ale na dosiahnutie najlepšieho dojmu často používa odtiene čiernej a šedej. Nebojte sa experimentovať s rôznymi novými technikami. V poslednej dobe si získava čoraz väčšiu obľubu aj v zahraničí, hlavne vo Veľkej Británii, kde úspešne predáva svoje diela, ktoré sa už nachádzajú v mnohých súkromných zbierkach. Okrem umenia sa zaujíma o kozmológiu a filozofiu. Počúva jazz. V súčasnosti žije a pracuje v Katoviciach.
Warren Chang
Warren Chang - moderný americký umelec. Narodil sa v roku 1957 a vyrastal v Monterey v Kalifornii. V roku 1981 s vyznamenaním promoval na Art Center College of Design v Pasadene, kde získal titul BFA. Počas nasledujúcich dvoch desaťročí pracoval ako ilustrátor pre rôzne spoločnosti v Kalifornii a New Yorku, než sa v roku 2009 vydal na dráhu profesionálneho umelca.
Jeho realistické maľby možno rozdeliť do dvoch hlavných kategórií: biografické interiérové maľby a maľby zobrazujúce ľudí pri práci. Jeho záujem o tento štýl maľby sa datuje od tvorby umelca zo 16. storočia Johannesa Vermeera a rozširuje sa na námety, autoportréty, portréty rodinných príslušníkov, priateľov, študentov, interiéry ateliérov, učebne a domovy. Jej cieľom je realistické maľby Vytvorte náladu a emócie pomocou manipulácie so svetlom a použitím tlmených farieb.
Chang sa preslávil po prechode na tradičné výtvarné umenie. Za posledných 12 rokov si vyslúžil množstvo ocenení a vyznamenaní, z ktorých najprestížnejšie je Master Signature od Oil Painters of America, najväčšej komunity olejomaľby v Spojených štátoch. Iba jeden človek z 50 má možnosť získať toto ocenenie. Warren v súčasnosti žije v Monterey a pracuje vo svojom ateliéri a tiež vyučuje (známy ako talentovaný učiteľ) na San Francisco Academy of Art.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni – taliansky umelec. Narodil sa v Blair 15. októbra 1955. Diplom zo scénografie získal na Inštitúte umenia v Spolete. Ako umelec je samouk, keďže si samostatne „postavil dom poznania“ na základoch položených v škole. Olejom začal maľovať vo veku 19 rokov. V súčasnosti žije a pracuje v Umbrii.
Bruniho rané maľby sú zakorenené v surrealizme, ale postupom času sa začína zameriavať na blízkosť lyrického romantizmu a symbolizmu, pričom túto kombináciu umocňuje vynikajúcou prepracovanosťou a čistotou svojich postáv. Animované a neživé predmety nadobúdajú rovnakú dôstojnosť a vyzerajú takmer hyperrealisticky, no zároveň sa neskrývajú za oponou, ale umožňujú vám vidieť podstatu vašej duše. Všestrannosť a sofistikovanosť, zmyselnosť a osamelosť, premyslenosť a plodnosť sú duchom Aurelia Bruniho, živeného nádherou umenia a harmóniou hudby.
Aleksander Baloš
Alkasander Balos je súčasný poľský umelec špecializujúci sa na olejomaľbu. Narodil sa v roku 1970 v poľských Gliwiciach, no od roku 1989 žije a pracuje v USA, v Shasta v Kalifornii.
V detstve študoval umenie pod vedením svojho otca Jana, samouka a sochára, takže umelecká činnosť už od malička dostávala plnú podporu oboch rodičov. V roku 1989, vo veku osemnástich rokov, Balos odišiel z Poľska do Spojených štátov amerických, kde bol školský učiteľ a umelkyňa na čiastočný úväzok Katie Gaggliardi povzbudili Alkasandera, aby sa prihlásil na umeleckú školu. Balos potom získal plné štipendium na University of Milwaukee, Wisconsin, kde študoval maľbu u profesora filozofie Harryho Rosina.
Po absolvovaní bakalárskeho štúdia v roku 1995 sa Balos presťahoval do Chicaga študovať na School of Fine Arts, ktorej metódy vychádzajú z práce Jacquesa-Louisa Davida. Obrazový realizmus a portrétna maľba tvoril väčšinu Balosovej tvorby v 90. rokoch a začiatkom 21. storočia. Balos dnes používa ľudskú postavu na zvýraznenie čŕt a na vyzdvihnutie nedostatkov. ľudská existencia bez ponúkania akýchkoľvek riešení.
Predmetné kompozície jeho obrazov sú určené na samostatnú interpretáciu diváka, až potom obrazy nadobudnú svoj skutočný časový a subjektívny význam. V roku 2005 sa umelec presťahoval do severnej Kalifornie, odvtedy sa námet jeho tvorby výrazne rozšíril a teraz zahŕňa voľnejšie maliarske metódy vrátane abstrakcie a rôznych multimediálnych štýlov, ktoré pomáhajú vyjadrovať myšlienky a ideály existencie prostredníctvom maľby.
Alyssa Monksová
Alyssa Monks je súčasná americká umelkyňa. Narodil sa v roku 1977 v Ridgewoode, New Jersey. O maľovanie som sa začal zaujímať ešte ako dieťa. Študoval na New School v New Yorku a Štátna univerzita Montclair a absolvoval Boston College v roku 1999 s titulom B.A. Zároveň študovala maľbu na akadémii Lorenzo Medici vo Florencii.
Potom pokračovala v magisterskom štúdiu na New York Academy of Art na oddelení figuratívneho umenia, ktorú ukončila v roku 2001. Vyštudovala Fullerton College v roku 2006. Istý čas prednášala na univerzitách a vzdelávacie inštitúcie po celej krajine vyučovala maľbu na New York Academy of Art, ako aj na Montclair State University a Lyme Academy of Art College.
„Pomocou filtrov, ako je sklo, vinyl, voda a para, skresľujem Ľudské telo. Tieto filtre vám umožňujú vytvárať veľké plochy abstraktný dizajn s farebnými ostrovčekmi, ktoré prekukávajú časti ľudského tela.
Moje obrazy menia moderný pohľad na už zabehnuté, tradičné pózy a gestá kúpajúcich sa žien. Pozornému divákovi by mohli veľa povedať o takých zdanlivo samozrejmých veciach, akými sú výhody plávania, tanca a pod. Moje postavy sa tlačia na sklo sprchového okna, deformujúc svoje vlastné telá, uvedomujúc si, že tým ovplyvňujú notoricky známy mužský pohľad na nahú ženu. Hrubé vrstvy farby sa miešajú tak, aby z diaľky napodobňovali sklo, paru, vodu a mäso. Zblízka však úžasné fyzikálne vlastnosti Olejová farba. Experimentovaním s vrstvami farieb a farieb nachádzam bod, v ktorom sa abstraktné ťahy štetcom stávajú niečím iným.
Keď som prvýkrát začal maľovať ľudské telo, bol som ním okamžite fascinovaný a dokonca posadnutý a veril som, že svoje obrazy musím urobiť čo najrealistickejšími. „Vyznával som“ realizmus, až kým sa nezačal odkrývať a odhaľovať protiklady v sebe. Teraz skúmam možnosti a potenciál štýlu maľby, kde sa stretáva reprezentačná maľba a abstrakcia – ak oba štýly dokážu koexistovať v rovnakom čase, urobím to.“
Antonio Finelli
taliansky umelec – “ Pozorovateľ času“ – Antonio Finelli sa narodil 23. februára 1985. V súčasnosti žije a pracuje v Taliansku medzi Rímom a Campobasso. Jeho diela boli vystavené vo viacerých galériách v Taliansku i v zahraničí: Rím, Florencia, Novara, Janov, Palermo, Istanbul, Ankara, New York a nachádzajú sa aj v súkromných a verejných zbierkach.
Kresby ceruzkou" Pozorovateľ času„Antonio Finelli nás berie na večnú cestu vnútorným svetom ľudskej dočasnosti a s tým spojenú úzkostlivú analýzu tohto sveta, ktorej hlavným prvkom je prechod časom a stopy, ktoré zanecháva na koži.
Finelli maľuje portréty ľudí akéhokoľvek veku, pohlavia a národnosti, ktorých mimika naznačuje prechod v čase a umelec tiež dúfa, že na telách svojich postáv nájde dôkazy o nemilosrdnosti času. Antonio definuje svoje diela jedným všeobecným názvom: „Autoportrét“, pretože vo svojich kresbách ceruzou zobrazuje nielen osobu, ale umožňuje divákovi kontemplovať skutočné výsledky plynutie času v človeku.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni je 37-ročná talianska umelkyňa, dcéra diplomata. Má tri deti. Dvanásť rokov žila v Ríme a tri roky v Anglicku a Francúzsku. Vyštudovala dejiny umenia na BD School of Art. Potom získala diplom reštaurátora umenia. Predtým, ako našla svoje povolanie a začala sa naplno venovať maľbe, pracovala ako novinárka, koloristka, dizajnérka a herečka.
Flaminiaina vášeň pre maľovanie vznikla v detstve. Jej hlavným médiom je olej, pretože miluje „coiffer la pate“ a tiež sa hrá s materiálom. Podobnú techniku spoznala v dielach umelca Pascala Toruu. Flaminia je inšpirovaná veľkými majstrami maľby ako Balthus, Hopper a François Legrand, ako aj rôznymi umelecké hnutia: street art, čínsky realizmus, surrealizmus a renesančný realizmus. Jej obľúbený umelec Caravaggio. Jej snom je objaviť terapeutickú silu umenia.
Denis Černov
Denis Černov - talentovaný Ukrajinský umelec, narodený v roku 1978 v Sambir, Ľvovská oblasť, Ukrajina. Po ukončení štúdia v Charkove umelecká škola v roku 1998 zostal v Charkove, kde v súčasnosti žije a pracuje. Študoval aj v Charkove Štátna akadémia dizajn a umenie, odbor grafika, absolvoval v roku 2004.
Pravidelne sa zúčastňuje umelecké výstavy, na tento moment sa ich uskutočnilo viac ako šesťdesiat, a to tak na Ukrajine, ako aj v zahraničí. Väčšina diel Denisa Černova je uložená v súkromných zbierkach na Ukrajine, v Rusku, Taliansku, Anglicku, Španielsku, Grécku, Francúzsku, USA, Kanade a Japonsku. Niektoré diela sa predávali v Christie's.
Denis pracuje v širokej škále grafických a maliarske techniky. Kresby ceruzkou sú jednou z jeho najobľúbenejších maliarskych metód, zoznam jeho tém kresby ceruzou je tiež veľmi rôznorodý, maľuje krajiny, portréty, akty, žánrové skladby, knižné ilustrácie, literárne a historické rekonštrukcie a fantázie.
Máte radi japonskú maľbu? Koľko toho viete o známych japonských umelcoch? Uvažujme s vami v tomto článku o tom najviac slávnych umelcov Japonsko, ktoré vytvorilo svoje diela v štýle ukiyo-e (浮世絵). Tento štýl maľby sa vyvinul z obdobia Edo. Hieroglyfy používané na písanie tohto štýlu 浮世絵 doslova znamenajú „obrazy (obrazy) meniaceho sa sveta“, môžete si prečítať viac o tomto smere maľby
Hishikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Považovaný za zakladateľa žánru ukiyo-e, hoci v skutočnosti je len prvým majstrom, ktorého život sa zachoval biografické informácie. Moronobu sa narodil v rodine majstrov vo farbení látok a vyšívaní zlatými a striebornými niťami a na dlhú dobu sa zaoberal rodinným remeslom, preto charakteristickou črtou jeho práce je krása zdobené oblečenie krásy, ktoré vytvárajú nádherný umelecký efekt.
Po presťahovaní sa do Eda najskôr sám študoval maliarske techniky a potom v štúdiu pokračoval umelec Kambun.
Väčšinou sa k nám dostali Moronobuove albumy, v ktorých zobrazuje historické a literárne predmety a knihy s kimonovými vzormi. Majster pôsobil aj v žánri šunga a medzi jednotlivé práce Zachovalo sa niekoľko zobrazujúcich krásne ženy. 
(鳥居清長, 1752-1815). Majster Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei), uznaný na konci 18. storočia, niesol pseudonym Torii Kiyonaga, ktorý prevzal po tom, čo Toriiho po jeho smrti zdedil Toriiho školu ukiyo-e od Torii Kiyomitsu.
Kiyonaga sa narodil v rodine kníhkupca Shirakoya Ishibei. Najslávnejšie Priniesol mu žáner bijinga, hoci začínal s yakusha-e. Námety na rytiny v žánri bijinga boli prevzaté z Každodenný život: vychádzky, slávnostné sprievody, výlety do prírody. Spomedzi mnohých umelcových diel stojí séria „Súťaže módnych krások z veselých štvrtí“, zobrazujúca Minami, jednu zo „zábavných štvrtí“ na juhu Eda, „12 portrétov južných krások“, „10 druhov čajovní“. von. Výrazná vlastnosť Majstrom bola podrobná štúdia pohľadu na pozadie a použitie techník, ktoré prišli zo Západu na zobrazenie svetla a priestoru.
Kiyonaga získal počiatočnú slávu s obnovením série „Módne vzorky: Modely nové ako jarné listy“ v roku 1782, ktorú začal Koryusai v 70. rokoch 18. storočia pre vydavateľa Nishimurai Yohachi.
(喜多川歌麿, 1753-1806). Tento vynikajúci majster ukiyo-e bol výrazne ovplyvnený Torii Kiyonaga a vydavateľom Tsutaya Juzaburo. Výsledkom dlhodobej spolupráce s poslednou menovanou bolo vydaných veľa albumov, kníh s ilustráciami a série rytín.
Napriek tomu, že Utamaro vzal námety zo života jednoduchých remeselníkov a snažil sa zobraziť prírodu („Kniha hmyzu“), sláva mu prišla ako umelcovi diel venovaných gejšám zo štvrte Yoshiwara („Ročenka Yoshiwara Green Houses Yearbook “).
Utamaro dosiahol vysoký stupeň vo výraze stavy mysle na papieri. Prvýkrát v japonských drevorezoch začal používať bustové kompozície.
Bolo to Utamarovo dielo, ktoré ovplyvnilo francúzskych impresionistov a prispelo k európskemu záujmu o japonské tlače.
(葛飾北斎, 1760-1849). Hokusaiovo skutočné meno je Tokitaro. Pravdepodobne najznámejší majster ukiyo-e na celom svete. Počas svojej kariéry používal viac ako tridsať pseudonymov. Historici často používajú pseudonymy na periodizáciu jeho práce.
Hokusai spočiatku pracoval ako rezbár, ktorého tvorba bola limitovaná zámermi umelca. Tento fakt Hokusaia veľmi zavážil a začal sa hľadať ako nezávislý umelec.
V roku 1778 sa stal učňom v štúdiu Katsukawa Shunsho, ktoré sa špecializovalo na tlač yakusha-e. Hokusai bol talentovaný a veľmi usilovný študent, ktorý vždy prejavoval úctu svojmu učiteľovi, a preto sa tešil mimoriadnej priazni Shunsho. Teda prvý samostatná práca Hokusai boli v žánri yakusha-e vo forme diptychov a triptychov a obľúbenosť študenta sa rovnala obľúbenosti učiteľa. V tom čase už mladý majster rozvinul svoj talent natoľko, že sa v rámci jednej školy cítil stiesnene a po smrti svojho učiteľa Hokusai opustil ateliér a študoval smery iných škôl: Kano, Sotatsu (inak Koetsu), Rimpa, Tosa.
Počas tohto obdobia mal umelec značné finančné ťažkosti. Zároveň však prebieha jeho formovanie ako majstra, ktorý odmieta zaužívaný obraz, ktorý spoločnosť požadovala, a hľadá svoj vlastný vlastný štýl.
V roku 1795 uzreli svetlo sveta ilustrácie k poetickej antológii „Keka Edo Murasaki“. Potom Hokusai maľoval obrazy surimono, ktoré sa okamžite stali populárnymi a mnohí umelci ich začali napodobňovať.
Od tohto obdobia začal Tokitaro podpisovať svoje diela menom Hokusai, hoci niektoré jeho diela vyšli pod pseudonymami Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek.
V roku 1800 sa majster začal volať Gakejin Hokusai, čo znamenalo „Mad Hokusai z maľby“.
TO slávny seriál ilustrácie zahŕňajú „36 pohľadov na horu Fuji“, z ktorých najvýznamnejšie sú „Victory Wind. Jasný deň“ alebo „Červená Fuji“ a „ Veľká vlna in Kanagawa“, „100 Views of Mount Fuji“, vydaný v troch albumoch, „Hokusai’s Manga“ (北斎漫画), ktorý sa nazýva „encyklopédia japonského ľudu“. Umelec vložil do „Manga“ všetky svoje názory na kreativitu a filozofiu. "Manga" je najdôležitejším zdrojom pre štúdium života Japonska v tej dobe, pretože zahŕňa mnohé kultúrne aspekty. Počas umelcovho života vyšlo celkovo dvanásť čísel a po jeho smrti ďalšie tri:
* 1815 - II, III
* 1817 - VI, VII
* 1849 - XIII (po smrti umelca)
Hokusaiho umenie ovplyvnilo napr európske destinácie, ako secesia a francúzsky impresionizmus.
(河鍋暁斎, 1831 -1889). Používal pseudonymy Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin a študoval na škole Kano.
Na rozdiel od Hokusaia bol Kyosai dosť drzý, čo spôsobilo jeho roztržku s umelcom Tsuboyamom Tozanom. Po škole sa stal samostatným majstrom, hoci školu navštevoval niekedy ešte päť rokov. V tom čase maľoval kyogu, takzvané „bláznivé obrazy“.
Medzi vynikajúce rytecké diela patrí Sto obrazov Kyosai. Kyosai ako ilustrátor vytvára obrazy pre poviedky a romány v spolupráci s inými umelcami.
Koncom 19. storočia Európania často navštevovali Japonsko. Umelec niektoré z nich poznal a niekoľko jeho diel je teraz v Britskom múzeu.
(歌川広重, 1797-1858). Pôsobil pod pseudonymom Ando Hiroshige (安藤広重) a je známy svojim jemným stvárnením prírodných motívov a prirodzený fenomén. Namaľoval svoj prvý obraz „Mount Fuji in the Snow“, ktorý je teraz vo veku desiatich rokov uložený v múzeu Suntory v Tokiu. Predmety rané práce boli založené na skutočné udalosti deje na uliciach. Jeho slávne cykly: „100 pohľadov na Edo“, „36 pohľadov na horu Fuji“, „53 staníc Tokaido“, „69 staníc Kimokaido“, „100 známe druhy Edo." Moneta a ruského umelca Bilibina výrazne ovplyvnili „53 staníc Tokaidskej cesty“, ktoré boli namaľované po ceste po East Coast Road, ako aj „100 pohľadov na Edo“. Zo série 25 rytín v žánri kate-ga je najznámejší list „Vrabci nad zasneženou kaméliou“.
(歌川国貞, tiež známy ako Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国)). Jeden z najvýznamnejších umelcov ukiyo-e.
Osobitnú pozornosť venoval hercom kabuki a samotnému divadlu - to je asi 60% všetkých diel. Známe sú aj diela v žánri bijinga a portréty zápasníkov sumo. Je známe, že vytvoril od 20 do 25 tisíc pozemkov, ktoré zahŕňali 35-40 tisíc listov. Málokedy sa obracal ku krajinám a bojovníkom. Utagawa Kuniyoshi (歌川国芳, 1798 - 1861). Narodil sa v rodine farbiare hodvábu. Kuniyoshi sa začal učiť kresliť vo veku desiatich rokov, keď žil s umeleckou rodinou Kuninao. Potom pokračoval v štúdiu u Katsukawa Shun'ei a vo veku 13 rokov vstúpil do dielne Tokuyoni, aby študoval. V prvých rokoch sa to mladému umelcovi nedarí. Ale po prijatí objednávky od vydavateľa Kagaya Kichibei na päť výtlačkov série 108 Suikoden Heroes sa veci začali rozbiehať. Vytvorí zvyšok postáv v sérii a potom pokračuje v rôznych ďalších dielach a po pätnástich rokoch je na rovnakej úrovni ako Utagawa Hiroshige a Utagawa Kunisada.
Po zákaze obrazov v roku 1842 divadelné scény, herci, gejše a kurtizány, Kuniyoshi píše svoju sériu „mačiek“, robí rytiny zo vzdelávacieho cyklu pre ženy v domácnosti a deti, zobrazuje národní hrdinovia v sérii „Tradície, morálka a slušnosť“ a koncom 40. rokov 19. storočia - začiatkom 50. rokov 19. storočia, po uvoľnení zákazov, sa umelec vrátil k téme kabuki.
(渓斎英泉, 1790-1848). Známy pre svoje diela v žánri bijinga. V jeho najlepšie diela zahŕňa portréty typu okubi-e ("veľké hlavy"), ktoré sú považované za príklady remeselnej zručnosti éry Bunsei (1818-1830), keď bol žáner ukiyo-e na ústupe. Umelec namaľoval mnohé lyrické a erotické surimono, ako aj cyklus krajiniek „Šesťdesiatdeväť staníc Kisokaido“, ktorý nebol schopný dokončiť a dokončil ho Hiroshige.
Novinka v zobrazení bidžingy spočívala v zmyselnosti, ktorá u iných umelcov dovtedy nebola. Z jeho diel pochopíme vtedajšiu módu. Vydal aj biografie „štyridsaťsedem Roninov“ a napísal niekoľko ďalších kníh, vrátane „Histórie tlače Ukiyo-e“ (Ukiyo-e ruiko), ktoré obsahujú biografie umelcov. A v „Notes of a Nameless Elder“ sa opísal ako zhýralý opilec a bývalý majiteľ bordel v Nedzu, ktorý v 30. rokoch 19. storočia vyhorel do tla.
Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). Umelcovo skutočné meno je Hozumi Jirobei. Je objaviteľom polychrómovanej tlače ukiyo-e. Navštevoval Kano School a študoval maľbu. Potom, pod vplyvom Shigenaga Nishimuru a Torii Kiyomitsu, sa drevotlač stala jeho koníčkom. Od začiatku 18. storočia sa vyrábali dvoj- až trojfarebné výtlačky a Harunobu začal maľovať desiatimi farbami, pričom používal tri dosky a kombinoval tri farby – žltú, modrú a červenú.
vyniklo na obrázku pouličné scény a maľby v žánri šunga. A od 60. rokov 18. storočia bol jedným z prvých, ktorí stvárňovali hercov Kabuki. Jeho diela ovplyvnili E. Maneta a E. Degasa.
(小原古邨, 1877 - 1945). Jeho skutočné meno je Matao Ohara. Zobrazené scény z rusko-japonskej a čínsko-japonskej vojny. Keď sa však objavila fotografia, jeho práca sa začala slabo predávať a začal si zarábať na živobytie vyučovaním na umeleckej škole v Tokiu. V roku 1926 Ernest Felloza, kurátor odd japonské umenie v Bostonskom múzeu presvedčil Ohara, aby sa vrátil k maľbe a umelec začal zobrazovať vtáky a kvety a jeho diela sa dobre predávali v zahraničí. 
(伊藤若冲, 1716 - 1800). Medzi ostatnými umelcami vynikal svojou výstrednosťou a životným štýlom, ktorý spočíval v priateľstvách s mnohými kultúrnymi a náboženské postavy vtedy. Zvieratá, kvety a vtáky zobrazoval vo veľmi exotickej podobe. Bol veľmi známy a prijímal objednávky na maľovanie obrazoviek a chrámových obrazov.
(鳥居清信, 1664-1729). Jeden z najvýznamnejších predstaviteľov skoré obdobie ukiyo-e. Napriek veľkému vplyvu svojho učiteľa Hishikawu Monorobu sa stal zakladateľom žánru yakusha-e v zobrazovaní plagátov a plagátov a vynašiel vlastný štýl. Herci boli zobrazení v špeciálnych pózach ako statoční hrdinovia a boli maľovaní 
ušľachtilý oranžová farba, a darebáci boli vtiahnutí modré farby. Na zobrazenie vášne umelec vynašiel špeciálny typ kresby mimizugaki - sú to kľukaté línie so striedajúcimi sa tenkými a hrubými ťahmi a kombinované s groteskným obrazom svalov končatín.
Torii Kiyonobu je zakladateľom dynastie umelcov Torii. Jeho študentmi boli Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I a Torii Kiyomitsu.
Kto je tvoj obľúbený ukiyo-e umelec?
Japonský jazyk sa svojou štruktúrou líši od akéhokoľvek európskeho jazyka, čo môže spôsobiť určité ťažkosti pri učení. Nebojte sa však! Špeciálne pre vás ste vyvinuli kurz ““, na ktorý sa môžete prihlásiť už teraz!
Monochromatická maľba Japonska je jedným z jedinečných fenoménov východného umenia. Venovalo sa jej veľa práce a výskumov, no často je vnímaná ako veľmi konvenčná vec, niekedy až dekoratívna. Nie je to tak, duchovný svet japonského umelca je veľmi bohatý a nezáleží mu ani tak na estetickej, ako skôr na duchovnej zložke. Umenie východu je syntézou vonkajšieho a vnútorného, explicitného a implicitného.
V tomto príspevku by som chcel venovať pozornosť nie histórii monochromatickej maľby, ale jej podstate. To je to, o čom budeme hovoriť.
obrazovka "Borovice" Hasegawa Tohaku, 1593
To, čo vidíme na monochromatických maľbách, je výsledkom umelcovej interakcie so základnou triádou: papier, štetec, atrament. Preto, aby ste správne pochopili dielo, musíte pochopiť samotného umelca a jeho postoj.
"Krajina" Sesshu, 1398
Papier pre japonského majstra to nie je ľahké improvizovaný materiál, ktorú podriaďuje svojmu rozmaru, ale skôr naopak - je to „brat“, a preto sa podľa toho vyvinul aj postoj k nej. Papier je súčasťou okolitej prírody, ku ktorej sa Japonci vždy správali s úctou a snažili sa ju nepodmaniť, ale pokojne s ňou koexistovať. Papier bol v minulosti strom, ktorý stál v určitej oblasti, určitý čas, „videla“ niečo okolo seba a ona si to všetko nechala. Japonský umelec tak vníma materiál. Často sa remeselníci pred začatím práce dlho pozerali Prázdny list(uvažovali o tom) a až potom začali maľovať. Aj dnes moderní japonskí umelci, ktorí praktizujú techniku Nihon-ga (tradičná japonská maľba), starostlivo vyberajú papier. Kupujú ho na objednávku z papierní. Každý umelec má určitú hrúbku, priepustnosť vlhkosti a textúru (mnohí umelci dokonca uzatvárajú dohodu s majiteľom továrne, že tento papier nepredajú iným umelcom) – preto je každý obraz vnímaný ako niečo jedinečné a živé.
"Čítanie v bambusovom háji" Xubun, 1446
Keď už hovoríme o význame tohto materiálu, stojí za zmienku nasledovné slávnych pamiatok Japonská literatúra ako „Notes at the Bedside“ od Sei Shonagona a „Genji Monogotari“ od Murasaki Shikibu: v „Notes“ aj „Genji“ nájdete zápletky, keď si dvorania alebo milenci vymieňajú správy. Papier, na ktorom boli tieto správy napísané, mal vhodné ročné obdobie, odtieň a spôsob písania textu zodpovedal jeho textúre.
"Murasaki Shikibu vo svätyni Ishiyama" Kyosen
Kefa- druhá zložka je pokračovaním majstrovej ruky (opäť je to prírodný materiál). Štetce sa preto vyrábali aj na objednávku, najčastejšie však samotným umelcom. Vybral chĺpky požadovanej dĺžky, zvolil veľkosť kefy a najpohodlnejšiu rukoväť. Majster maľuje iba vlastným štetcom a žiadnym iným. (Od osobná skúsenosť: Bol som na majstrovskom kurze od čínskeho umelca Jiang Shiluna, publikum požiadalo, aby som ukázal, čo dokážu jeho študenti, ktorí boli prítomní na majstrovskom kurze, a každý z nich, vzal do rúk majstrovský štetec, povedal, že výsledok nebude čo očakávali, pretože kefka nie oni, nie sú na ňu zvyknutí a nevedia ju správne používať).
Atramentová skica "Fuji" od Katsushika Hokusai
Maskara- tretí dôležitý prvok. Maskara sa stane odlišné typy: po zaschnutí môže poskytnúť lesklý alebo matný efekt, možno s prímesou strieborných alebo okrových odtieňov, preto správna voľba riasenka tiež nie je nepodstatná.
Yamamoto Baitsu, koniec XVIII- XIX storočia.
Hlavným námetom monochromatickej maľby sú krajiny. Prečo v nich nie sú žiadne farby?
Spárovaná obrazovka "Pines", Hasegawa Tohaku
Po prvé, japonského umelca nezaujíma samotný predmet, ale vo svojej podstate určitá zložka, ktorá je spoločná všetkému živému a vedie k harmónii medzi človekom a prírodou. Preto je obraz vždy náznakom, je adresovaný našim zmyslom a nie zraku. Podhodnotenie je podnetom na dialóg, a teda spojenie. Línie a škvrny sú v obraze dôležité – tvoria umelecký jazyk. To nie je sloboda majstra, ktorý zanechal tučnú stopu, kde chcel, ale na inom mieste naopak podkreslil - všetko na obrázku má svoj význam a význam a nie je náhodné.
Po druhé, farba vždy nesie nejaký druh emocionálnej konotácie a je vnímaná inak Iný ľudia v rôznych stavoch preto emocionálna neutralita umožňuje divákovi najefektívnejšie vstúpiť do dialógu, umiestniť ho na vnímanie, kontempláciu a myslenie.
Po tretie, ide o interakciu jin a jang, každá monochromatická maľba je harmonická z hľadiska pomeru atramentu k nedotknutej ploche papiera.
Prečo? väčšina z nich Nevyužíva sa priestor na papier?
"Krajina" Xubun, polovica 15. storočia.
Po prvé, prázdny priestor ponorí diváka do obrazu; po druhé, obraz vzniká, akoby na chvíľu vyplával na povrch a chystal sa zaniknúť – to súvisí so svetonázorom a svetonázorom; po tretie, v tých oblastiach, kde nie je atrament, vystupuje do popredia textúra a odtieň papiera (nie je to vždy vidieť na reprodukciách, ale v skutočnosti ide vždy o interakciu dvoch materiálov - papiera a atramentu).
Sesshu, 1446
Prečo krajina?
"Kontemplácia vodopádu" Gayami, 1478
Príroda je podľa japonského svetonázoru dokonalejšia ako človek, preto sa z nej musí poučiť, všemožne ju chrániť a neničiť a nepodrobovať si ju. Preto v mnohých krajinách môžete vidieť malé obrázky ľudí, ale vždy sú bezvýznamné, malé vo vzťahu k samotnej krajine alebo obrázky chát, ktoré zapadajú do priestoru, ktorý ich obklopuje a nie sú vždy viditeľné - to všetko sú symboly svetonázor.
"Ročné obdobia: jeseň a zima" Sesshu. "Krajina" Sesshu, 1481
Na záver chcem povedať, že monochromatická japonská maľba nie je chaoticky rozstriekaný atrament, nie je to rozmar vnútorného ega umelca - je to celý systém obrazov a symbolov, je to úložisko filozofických myšlienok, a čo je najdôležitejšie, spôsob komunikácie a harmonizácie seba a sveta okolo nás.
Myslím, že tu sú odpovede na hlavné otázky, ktoré vyvstávajú v divákovi, keď čelí monochromatickej japonskej maľbe. Dúfam, že vám to pomôžu čo najsprávnejšie pochopiť a vnímať, keď sa stretnete.
Dobrý deň, milí čitatelia – hľadači poznania a pravdy!
Japonskí umelci sú iní jedinečný štýl, brúsili celé generácie majstrov. Dnes si povieme niečo o najvýznamnejších predstaviteľoch japonského maliarstva a ich maľbách, od staroveku až po súčasnosť.
Nuž, poďme sa vrhnúť do umenia Krajiny vychádzajúceho slnka.
Zrod umenia
Staroveké maliarske umenie sa v Japonsku spája predovšetkým so zvláštnosťami písma, a preto je postavené na základoch kaligrafie. Prvé vzorky zahŕňajú fragmenty bronzových zvonov, riadu a domácich predmetov nájdených počas vykopávok. Mnohé z nich boli maľované prírodné farby a výskum dáva dôvod domnievať sa, že výrobky boli vyrobené pred rokom 300 pred Kristom.
Príchodom do Japonska sa začalo nové kolo rozvoja umenia. Obrazy božstiev budhistického panteónu, výjavy zo života Učiteľa a jeho nasledovníkov boli aplikované na emakimono - špeciálne papierové zvitky.
Prevaha náboženské témy v maliarstve možno vysledovať v stredovekom Japonsku, konkrétne od 10. do 15. storočia. Mená umelcov tej doby, bohužiaľ, neprežili dodnes.
V období 15. – 18. storočia sa začala nová doba charakteristická nástupom umelcov s rozvinutým individuálnym štýlom. Označili vektor ďalší vývoj výtvarné umenie.
Svetlí predstavitelia minulosti
Napätý Xubun (začiatok 15. storočia)
Aby sa stal vynikajúci majster Xiubun študoval techniky písania umelcov čínskej piesne a ich diela. Následne sa stal jedným zo zakladateľov maľby v Japonsku a tvorcom sumi-e.
Sumi-e – umelecký štýl, ktorá je založená na kreslení tušom, čo znamená jednofarebné.
Xubun urobil veľa nový štýl sa udomácnil v umeleckých kruhoch.Učil umenie aj ďalšie talenty, aj budúce slávnych maliarov, napríklad Sesshu.
Xiubunov najpopulárnejší obraz sa volá „Čítanie v bambusovom háji“.
"Čítanie v bambusovom háji" od Tense Xubun
Hasegawa Tohaku (1539 – 1610)
Stal sa tvorcom školy pomenovanej po sebe – Hasegawa. Najprv sa snažil dodržiavať kánony školy Kano, ale postupne sa v jeho dielach začal prejavovať jeho individuálny „rukopis“. Tohaku sa riadilo grafikou Sesshu.
Základ práce bol jednoduchý, výstižný, ale realistické krajiny s jednoduchými menami:
- "Borovice";
- "Javor";
- "Borovice a kvitnúce rastliny."
"Borovice" od Hasegawy Tohaku
Bratia Ogata Korin (1658-1716) a Ogata Kenzan (1663-1743)
Bratia boli vynikajúcimi remeselníkmi 18. storočia. Najstarší Ogata Korin sa úplne venoval maľbe a založil žáner rimpa. Vyhýbal sa stereotypným obrazom, uprednostňoval impresionistický žáner.
Ogata Korin maľoval prírodu vo všeobecnosti a najmä kvety vo forme jasných abstrakcií. Jeho štetce patria k obrazom:
- "Slivkový kvet červený a biely";
- "Vlny Matsušimy";
- "Chryzantémy".
"Vlny Matsushimy" od Ogata Korin
Mladší brat, Ogata Kenzan, mal veľa pseudonymov. Hoci sa venoval maľbe, preslávil sa skôr ako úžasný keramik.
Ogata Kenzan ovládal mnoho techník na vytváranie keramiky. Vyznačoval sa neštandardným prístupom, napríklad vytvoril taniere v tvare štvorca.
Jeho vlastná maľba sa nevyznačovala nádherou - to bola tiež jeho zvláštnosť. Na svoje predmety rád používal zvitkovú kaligrafiu alebo úryvky z poézie. Niekedy pracovali spolu s bratom.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Tvoril v štýle ukiyo-e – druh drevorytu, inak povedané rytie maľby. Počas celej kariéry vystriedal okolo 30 mien. Jeho najznámejším dielom je Veľká vlna z Kanagawy, vďaka ktorej sa preslávil aj mimo svojej vlasti.
"Veľká vlna z Kanagawy" od Hokusai Katsushika
Hokusai začal tvrdo pracovať po 60 rokoch, čo prinieslo dobré výsledky. Van Gogh, Monet a Renoir poznali jeho tvorbu a do určitej miery ovplyvnila tvorbu európskych majstrov.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Jeden z najväčších umelcov 19. storočia. Narodil sa, žil a pracoval v Edu, pokračoval v práci Hokusaia a bol inšpirovaný jeho dielami. Spôsob, akým zobrazil prírodu, je takmer taký pôsobivý ako množstvo samotných diel.
Edo – predchádzajúce meno Tokio.
Tu sú niektoré postavy o jeho práci, ktoré sú reprezentované sériou obrazov:
- 5,5 tisíc – počet všetkých rytín;
- „100 pohľadov na Edo;
- "36 pohľadov na Fuji";
- "69 staníc Kisokaido";
- "53 tokaidských staníc."
Obraz Ando Hiroshige
Je zaujímavé, že významný Van Gogh namaľoval niekoľko kópií svojich rytín.
Modernosť
Takashi Murakami
Umelec, sochár, odevný dizajnér si vyslúžil meno už koncom 20. storočia. V tvorivosti sa drží módne trendy s klasickými prvkami a čerpá inšpiráciu z anime a manga karikatúr.
Obraz od Takashiho Murakamiho
Diela Takashiho Murakamiho sú považované za subkultúru, no zároveň sú neuveriteľne populárne. Napríklad v roku 2008 bolo jedno z jeho diel kúpené v aukcii za viac ako 15 miliónov dolárov. Svojho času moderný tvorca spolupracoval s módnymi domami Marc Jacobs a Louis Vuitton.
Tichá Ashima
Kolegyňa predchádzajúcej umelkyne tvorí moderné surrealistické obrazy. Zobrazujú pohľady na mestá, ulice megapolí a stvorenia ako z iného vesmíru – duchov, zlých duchov, mimozemské dievčatá. Na pozadí obrazov si môžete často všimnúť nedotknutú, niekedy až desivú prírodu.
Jej obrazy siahajú veľké veľkosti a zriedka sa obmedzujú na papierové médiá. Prenášajú sa na kožu a plastové materiály.
V roku 2006 v rámci výstavy v britskom hlavnom meste vytvorila žena asi 20 klenutých štruktúr, ktoré vo dne i v noci odzrkadľovali krásu prírody dediny a mesta. Jeden z nich zdobil stanicu metra.
Ahoj Arakawa
Mladého muža nemožno nazvať len umelcom v klasickom zmysle slova – vytvára inštalácie, ktoré sú v umení 21. storočia také populárne. Témy jeho výstav sú skutočne japonské a dotýkajú sa priateľských vzťahov, ale aj práce celého tímu.
Hei Arakawa sa často zúčastňuje rôznych bienále, napríklad v Benátkach, a vystavuje v múzeu súčasné umenie vo svojej vlasti zaslúžene dostáva rôzne ocenenia.
Ikenaga Yasunari
Súčasnému maliarovi Ikenagu Yasunarimu sa podarilo spojiť dve zdanlivo nespojiteľné veci: životy moderných dievčat v portrétnej podobe a tradičné techniky Japonsko pochádza z dávnych čias. Maliar pri svojej tvorbe používa špeciálne štetce, prírodné pigmentované farby, tuš, drevené uhlie. Namiesto obvyklého ľanu - ľanovej tkaniny.
Obraz Ikenaga Yasunariho
Podobná technika kontrastu zobrazenej éry a vzhľad Hrdinky pôsobia dojmom, že sa k nám vrátili z minulosti.
Sériu obrazov o zložitosti života krokodíla, nedávno populárnu v internetovej komunite, vytvoril aj japonský karikaturista Keigo.
Záver
Japonská maľba teda začala okolo 3. storočia pred Kristom a odvtedy sa veľa zmenila. Prvé obrázky sa aplikovali na keramiku, potom začali v umení prevládať budhistické motívy, no mená autorov sa dodnes nezachovali.
V modernej dobe majstri štetca získavali čoraz väčšiu individualitu, vytvorili sa rôznymi smermi, školy. Dnešný umenie neobmedzuje sa na tradičné maľovanie– používajú sa inštalácie, karikatúry, umelecké sochy a špeciálne konštrukcie.
Ďakujem vám veľmi pekne za pozornosť, milí čitatelia! Dúfame, že náš článok bol pre vás užitočný a príbehy o živote a diele najjasnejších predstaviteľov umenia vám umožnili ich lepšie spoznať.
Samozrejme, je ťažké v jednom článku rozprávať o všetkých umelcoch od staroveku až po súčasnosť. Nech je to preto prvý krok k pochopeniu japonskej maľby.
A pridajte sa k nám – prihláste sa na odber blogu – budeme spolu študovať budhizmus a východnú kultúru!
