პოდკოპაევა ოქსანა ალექსეევნა
ასპირანტურის სტუდენტური დაწესებულება რუსეთის აკადემიაგანათლება
"მხატვრული განათლების ინსტიტუტი",
კლავიატურის სინთეზატორის მასწავლებელი
GOU SPO მოსკოვის რეგიონალური
მუსიკალური და პედაგოგიური კოლეჯი, იგორიევსკი
„აზროვნების განვითარება თავისთავად კი არ ხდება, არამედ მიზანმიმართული, სისტემატური მუშაობის შედეგად. უპირველეს ყოვლისა, აზროვნების განვითარებისთვის მნიშვნელოვანია ისეთი პირობების შექმნა, რომელიც აუცილებლად მოითხოვდა აქტიურ გონებრივ აქტივობას სტუდენტებისგან. გონებრივი აქტივობისა და დამოუკიდებლობის განვითარების საუკეთესო რეჟიმს ქმნის შემოქმედებითი აქტივობა, რომელიც მიზნად ისახავს რაიმე ახალი და უცნობის აღმოჩენას. ეს ახალი შეიძლება იყოს დამოუკიდებელი ძიების გზით მიღებული ცოდნა, ან ცოდნის მიღების მეთოდები“, - წერს ე.ა. კრასოტინა. კლავიატურის სინთეზატორის დაკვრის სწავლის გაკვეთილზე მოსწავლეებთან აგებული შემოქმედებითი აქტივობა ემსახურება მათი მუსიკალური აზროვნების განვითარების საფუძველს. ამიტომ, განსაკუთრებით მნიშვნელოვანია მომავალი მუსიკის მასწავლებლებთან მუშაობის მეთოდებისა და ტექნიკის კომპეტენტური არჩევანი.
განვიხილოთ კლავიატურის მუსიკოსის ინტონაციურ-შემოქმედებითი საქმიანობის ზოგიერთი ასპექტი მუშაობის გარკვეული მეთოდების არჩევის მიზნით.
ელექტრონული მუსიკალური ინსტრუმენტების კლასში არანჟირება და შესრულება ეფუძნება შემდეგი ტიპებიხმის მასალის წყარო და, შესაბამისად, შემოქმედებითი საქმიანობა:
- მუსიკალურ ნაწარმოებზე მუშაობა სხვადასხვა რეჟიმებში ლაივში დაკვრისას (ნორმალური, გაყოფილი, ერთი თითი (კასიო აკორდი), თითიანი);
- მუშაობა მრავალ ტრეკზე ჩაწერის რეჟიმში;
- ანსამბლში ინსტრუმენტთან დაკვრა (ერთი რეჟიმის გამოკლებით), მასწავლებელთან ან სხვა მოსწავლეებთან ერთად;
- შერჩევა ყურით და დიზაინით მუსიკალური ნოტაცია;
- მუსიკის შედგენა და იმპროვიზაცია;
- მუშაობა ხმაზე (მონტაჟი, ორიგინალური ბგერების შექმნა და მათი განლაგების აკუსტიკური სივრცე).
მუსიკალურ ნაწარმოებზე მუშაობა შეიძლება დაიყოს ორ ეტაპად:
ეტაპი I. გონებრივი კითხვატექსტი: მახასიათებლების იდენტიფიცირება მუსიკალური ენაკომპოზიტორის მიერ გამოყენებული ექსპრესიული საშუალებების გამო, ნაწარმოების ფორმის, ტექსტურის, ჟანრის ანალიზი და ა.შ. სტილის მახასიათებლები, მათ შორის ინდივიდუალური. ამ ეტაპზე მასწავლებელმა უნდა გამოიყენოს ტექსტის მხატვრული კითხვის მეთოდი, რომელიც ხასიათდება მიზანმიმართული შემეცნებითი აქტივობით გასააზრებლად. მხატვრული შინაარსიმუსიკალური ნაწარმოები, რომელიც ხელს უწყობს არა მხოლოდ აზროვნების, არამედ ყურადღების, მეხსიერების და წარმოსახვის განვითარებას. ტექსტის მხატვრული კითხვის მეთოდის ეფექტი იწყება იმ მომენტიდან, როდესაც მასწავლებელი მხატვრულად შეარჩევს მნიშვნელოვანი სამუშაოებისტუდენტების მიერ მოწყობისა და შესრულებისთვის. მუსიკალურ პარტიტურაზე მუშაობის დაწყებამდე სტუდენტმა დამოუკიდებლად უნდა გაეცნოს კომპოზიტორის ბიოგრაფიას და შემოქმედებას, რომლის ნამუშევარს შემდგომში მოაწყობს.
მუშაობის ამ ეტაპზე შესაძლებელია მუსიკის დაკვრა თავად მოსწავლის ან მასწავლებლის მიერ. ამ საკითხთან დაკავშირებით განსხვავებული თვალსაზრისი არსებობს: ზოგიერთი მასწავლებელი თვლის, რომ უკან დაკვრა არასასურველია, რადგან მას აქვს ნაწარმოების სუბიექტური ხედვა; სხვები, პირიქით, მოსმენას თვლიან სამუშაოს პირველ ეტაპზე მნიშვნელოვან კომპონენტად, რადგან ის „...ხელს უწყობს ნაწარმოების იმიჯის უფრო ღრმად აღქმას, ინტერესებს და შთააგონებს შემსრულებელს“. თუმცა, არ შეიძლება ითქვას, რომ მუსიკალური მასალის წარმოდგენის მხოლოდ ერთი სწორი გზა არსებობს. პოზიტიური მოტივაციის მისაღწევად და „მხიარული სამუშაოს“ ატმოსფეროს შესაქმნელად, მუსიკალურ ნაწარმოებებზე მუშაობისას აუცილებელია სხვადასხვა მიდგომის შერწყმა. თუმცა, უნდა განვმარტოთ, რომ მასწავლებელმა ახალი მუსიკალური მასალა მხოლოდ ერთხელ უნდა დაუკრას, რათა თავიდან აიცილოს უაზრო მიბაძვა.
გონებრივი ინტონაციის ეტაპზე აუცილებელია წასვლა ზოგადი იდეებიმუსიკალური მასალის შინაარსისა და ფორმის შესახებ, რათა შეასრულოს კონკრეტული ამოცანები, რაც გულისხმობს არა მხოლოდ მუსიკალურ ტექსტთან მუშაობას, არამედ გეგმის შედგენას სხვადასხვა საშუალებების მოწყობის პროცესში გამოყენებისთვის (მათ შორის, ტემბრების, შაბლონების საკონტროლო მოწყობილობების ჩათვლით და ხმის სხვა შესაძლებლობები), ხელმისაწვდომი ფუნქციების საფუძველზე ციფრული ინსტრუმენტი. საუბარია მუსიკალური ნაწარმოების მოწყობის პროექტის შედგენაზე (ი.მ. კრასილნიკოვი), რომლის დროსაც შემსრულებელი არა მხოლოდ წყვეტს კომპოზიტორის გეგმის განხორციელების პრობლემას, არამედ ჟღერადობაში შემოაქვს ამ გეგმის საკუთარი ხედვა, რომელიც იძლევა ელექტრონული მუსიკოსის საქმიანობის საბოლოო პროდუქტი ორიგინალურობა და უნიკალურობა, ინდივიდუალობა. ეს ყველაფერი გულისხმობს ინტონაციურ-კრეატიული მოლოდინის მეთოდის გამოყენებას, როდესაც კითხვების დასმის მომენტში: „რა ფორმა უნდა იყოს ნაწარმოები?“, „რა გამოხატვის საშუალება უნდა ავირჩიოთ ამ ციფრულ ინსტრუმენტზე არსებულთაგან. ხატავს სურათს?” და ა.შ., შემსრულებელი კლავიატურის სინთეზატორზე გვთავაზობს, თუ როგორ უნდა გაიტანოს ქულა. ასეთი "წარმოდგენა" ("ტერმინი "რეპრეზენტაცია", განსხვავებით "წარმოდგენისგან", შემოიღო ბ.მ. ტეპლოვმა (1985) სმენითი (მუსიკალური) გამოსახულების შექმნის პროცესის აღსანიშნავად") ხელს უწყობს შინაგანი სმენის განვითარებას და მაშასადამე, მუსიკალური აზროვნება, რომელიც მოქმედებს გამოსახულებებთან, მათში ხაზს უსვამს სხვადასხვა ნიშანს და თვისებებს, რომლებიც მნიშვნელოვანია ადამიანისთვის.
მუსიკალური ნაწარმოების ინტერპრეტაცია დამოკიდებულია არა მხოლოდ ტექსტის სუბიექტურ ხედვაზე, არამედ ხელმისაწვდომი ციფრული ინსტრუმენტის შესაძლებლობებსა და ხმის მახასიათებლებზე. ამრიგად, საიდუმლო არ არის, რომ დაბალ ფასად შეძენილი კლავიატურის სინთეზატორის მოდელები გამოირჩევიან სუსტად გამოხატული ტემბრის ფერებით, „ელექტრონული“ ხმით, რომელიც ნაკლებად ჰგავს ტრადიციული ინსტრუმენტების ხმას და ასევე აქვს ჩაშენებული ფუნქციების შეზღუდული რაოდენობა. , რაც არ იძლევა სრულფასოვან და პროფესიონალურ მუსიკალურ პრაქტიკას. ამიტომ, მიზანშეწონილია ისწავლოთ კლავიატურის სინთეზატორის დაკვრა, რომელსაც აქვს საკმარისი რაოდენობის ტექნიკური პარამეტრები თავის არსენალში.
ეს მეთოდი გამოიყენება მუსიკის ინტონაციური სტილის გაგების მეთოდთან ერთად (ტერმინი შემოგვთავაზა ე. დ. კრიცკაიამ). „მუსიკის ინტონაციური სტილის გაგება ორიენტირებულია მუსიკალური მეტყველების პერსონალურ ინტერპრეტაციაზე და მოიცავს სხვადასხვა ინდივიდუალური, ეროვნული თუ ეპოქალური სტილის ნაწარმოებების მიზანმიმართულ შერჩევას.<…>. კონკრეტული კომპოზიტორის მუსიკალური მეტყველების მოსმენა და შეჩვევა ქმნის ცოდნის მოთხოვნილებას.<…>სტილი მიმართულია მოსმენაზე მისი ფართო და ვიწრო მნიშვნელობით, მუსიკალურობაზე, როგორც მუსიკის განცდის უნარზე. სტილის ატრიბუცია ეხება არა ნაწილების ჯამს, არამედ ინტეგრალური „პროცესები-მდგომარეობების“ გამოცდილებას და რეპროდუქციას, რაც უზრუნველყოფილია მის აღქმაში ემოციური და ლოგიკური, ინტუიციური და ცნობიერის ერთიანობით. ინტონაციით მორგებული ყური საშუალებას აძლევს ადამიანს უშუალოდ აღიქვას სემანტიკური მახასიათებლები, თემებისა და სურათების დაწყვილება, ანუ გაიაზროს მუსიკალური კომპოზიციის ლოგიკა“. ეს მეთოდი მნიშვნელოვანია ელექტრონულ მუსიკოსებთან მუშაობისას, რადგან სხვადასხვა გამოცდილება ემოციური მდგომარეობები, გამოხატულია სხვადასხვა კომპოზიტორის ბგერებით და ასახავს მუსიკაში ეპოქას, სტილს და ა.შ სხვადასხვა ხალხებიუფრო აქტუალურია კლავიატურის სინთეზატორის დაკვრის სწავლისას. ციფრული ინსტრუმენტის მეხსიერებაში ჩაშენებული სტილის შაბლონების დიდი რაოდენობა და სხვადასხვა რეჟიმში დაკვრის დროს სხვადასხვა ჟანრის მუსიკის შესრულების შესაძლებლობა ხელს შეუწყობს პოზიტიური შედეგების მიღწევას მუსიკალურ ნაწარმოებებზე მუშაობისას. ამრიგად, კლავიატურის სინთეზატორის პოტენციალი და მუსიკის ინტონაციური სტილის გაგების მეთოდის კომპეტენტური გამოყენება ხელს შეუწყობს მოსწავლეთა მუსიკალური აზროვნების განვითარებას.
II ეტაპი. მუსიკალურ ნაწარმოებზე მუშაობა გულისხმობს თავად ქულის გატანის პროცესს. მუსიკალური ტექსტი. ამ ეტაპზე შემსრულებელი ახორციელებს ნოტების, ხანგრძლივობების, რიტმის, ჰარმონიის და ა.შ. უფრო დეტალურ ანალიზს, ადგენს სპეციფიკურ ტემბრებს, დაკვრის რეჟიმებს, ავტოაკომპანიმენტის ტექსტურის ვარიანტებს (შესაბამისი რეჟიმის არჩევის შემთხვევაში), კლავიატურის გაყოფის წერტილებს და ა.შ. ასეთი აქტივობის პროცესში გამოიყენება მხატვრული ასოციაციურობის სტიმულირების მეთოდი, რომელიც მიმართულია არა მხოლოდ დაგეგმილი პროექტის განხორციელებაზე, არამედ განვითარებასთან დაკავშირებით. მხატვრული პრობლემებიმისი გახმოვანების დროს. შემსრულებელი ირჩევს მხატვრული გამოხატვის ყველაზე ზუსტ საშუალებებს მოცემული მუსიკალური სურათისთვის. მაგალითად, გმირული, მეომარი გამოსახულების შესაქმნელად, საყვირის ტემბრი (Trumpet) შესაფერისია, როგორც მთავარი ხმა. მაგრამ ზოგჯერ შეიძლება ძალიან მკაცრი ჩანდეს და თქვენ უნდა შეცვალოთ იგი ტრომბონის ტონში. ხშირად ერთი ტემბრის მეორეთი ჩანაცვლება ხდება მისი აკუსტიკური ორიგინალის არაბუნებრივი ჟღერადობის გამო მოცემული განლაგების კონტექსტში და ის აქ ვერ ასრულებს თავის ექსპრესიულ ფუნქციას.
ელექტრონულ განხორციელებაზე მუშაობის პროცესში მუსიკალური ნაწარმოებებიმნიშვნელოვანია გამოვიყენოთ „ტემბრთან შეგუების“ მეთოდი, როდესაც შემსრულებელს სჭირდება არა მხოლოდ წერილობითი ნოტების დაკვრა შერჩეული ტემბრით ელექტრონულ კლავიატურაზე, არამედ ეცადოს წარმოიდგინოს ამ ინსტრუმენტის აკუსტიკური პროტოტიპი და მისი დამახასიათებელი მეთოდი. ხმის წარმოების. ასე რომ, ტემბრი აღებული სინთეზატორზე ქარის ორგანო(Pipe Organ) - ნათელი, გამძლე - უკეთესი იქნება ასოცირებული ორიგინალური ხმათუ კლავიატურას უფრო სრულად, ძლიერად დავაჭერთ, თითქოს მართლა ვუკრავდით ამ ძლიერ და რთულ ინსტრუმენტზე. გასათვალისწინებელია ერთი ინსტრუმენტის ხმის სხვადასხვა ფერებიც. მაგალითად, თუ იყენებთ გაყოფილი კლავიატურის რეჟიმს (Split) და გამოაშკარავებთ განსხვავებული სახეობებიორღანი, მაშინ შემსრულებელს შესაძლებლობა ექნება განიცადოს ორხელიან ინსტრუმენტზე დაკვრის ტექნიკა.
გარდა ამისა, აუცილებელია ტექსტში მითითებული შტრიხების გათვალისწინება. ამრიგად, ორღანის ტემბრით შესრულებული სტაკატო განსხვავდება ფორტეპიანოს ან საყვირის ტემბრით შესრულებული სტაკატოსგან. ორღანზე სტაკატოს მისაღწევად საკმარისია მხოლოდ სინთეზატორის კლავიშებს ოდნავ მოკლე, მკვეთრი თითის წვერით შეეხოთ, წინააღმდეგ შემთხვევაში ხმა უფრო დიდხანს გაგრძელდება. ტონის არჩევისას გამოყენებული უნდა იყოს ელექტრონული ინსტრუმენტის კლავიშების არჩევის სხვა გზა კლასიკური გიტარა(გიტარა). სინთეზატორის კლავიშებზე შეხებისას მხედველობაში უნდა იქნას მიღებული ამ ინსტრუმენტზე ხმის გამომუშავება (წკაპუნება) და ხანგრძლივ ხანგრძლივ ტემბრა-კამერის ბუნება. ამ ხმით ლეგატოს მელოდიის ჩასატარებლად, თითები შეუფერხებლად, რბილად უნდა სრიალდეს კლავიატურაზე და ნახტომის მსგავს, მკვეთრ პასაჟზე გადასვლისას უნდა უკრავენ ისე, თითქოს სიმებზე დაკვრის პიციკატოს მიბაძონ. თუ აირჩევთ საქსოფონის (Sax) ტემბრს ან სხვა ჩასაბერი ინსტრუმენტი, აუცილებელია წარმოიდგინოთ, როგორ სუნთქავს შემსრულებელი და ცდილობს მის გადანაწილებას მთელ ფრაზაზე, თამაშობს „საყრდენზე“. ამ შემთხვევაში, კლავიატურის სინთეზატორზე შემსრულებლის თითები უნდა მოძრაობდეს კლავიატურაზე, თითქოს ერთი ამოსუნთქვით, გადასცეს რბილი და ამავე დროს ღრმა ხმა.
„ტემბრთან შეგუების“ მეთოდი ყველაზე ეფექტურია სტუდენტებთან მუდმივად პრაქტიკაში გამოყენებისას. ის ეხმარება არა მხოლოდ მუსიკალური ტექსტის გააზრებას და მას შერჩეული ტემბრებით გაჟღერებას, არამედ ხმის წარმოდგენის გზების პოვნა კონკრეტული მხატვრული გამოსახულების ფორმირებისთვის, აგრეთვე სტუდენტების გაცნობაში სხვადასხვა მუსიკალური ინსტრუმენტების სტრუქტურასა და წარმოების მეთოდებს. ხმა მათზე.
ასევე საჭიროა ილუსტრაციების ჩვენება და ნამუშევრების დემონსტრირება ნებისმიერ აუდიო მედიაზე, რომელშიც ეს ინსტრუმენტი წამყვანი ინსტრუმენტია. გარდა ამისა, სხვა ინსტრუმენტზე შემსრულებლის იმიჯთან შეგუებით, მოსწავლე იღებს განსხვავებულ როლს, განიცდის და ემოციურად რეაგირებს მასზე და ეს ხელს უწყობს მის, როგორც დამოუკიდებელი შემოქმედებითი პიროვნების ჩამოყალიბებას.
ელექტრონულ ინსტრუმენტზე ხმის წარმოების ბუნებაზე საუბრისას (ელექტრონული შეხება), უნდა აღინიშნოს, რომ ის ძალიან მრავალფეროვანია, რადგან არ არის მხოლოდ მექანიკის ტიპების დიდი რაოდენობა, კლავიატურის ტიპები, კლავიშების ზომები, რომლებიც დამახასიათებელია სხვადასხვა მოდელებისთვის. სინთეზატორები, არამედ საკმარისად დიდი რაოდენობით ტემბრები თითოეულ მათგანზე. ეს ქმნის გაურკვევლობას კუნთოვანი ძალისხმევისა და ხმის შედეგებს შორის და არ იძლევა შესაძლებელს ხდის მოძრაობების ერთიანი ნიმუშის შემუშავებას. ამ შემთხვევაში, „...ელექტრონული მუსიკოსისთვის წარმოშობილი სპეციფიკური ტექნიკური და სათამაშო პრობლემების გადაჭრა შესაძლებელი ხდება მხოლოდ ტექნიკურ მუშაობაში სმენის დომინირების პრინციპზე დაყრდნობით - ფორტეპიანოს შესრულების ფსიქოტექნიკური სკოლის ძირითადი პრინციპი. დაკვრის უნარები ყალიბდება მხოლოდ კლავიატურის ინსტრუმენტის მოცემულ მოდელზე კონკრეტული ნაწარმოების კონკრეტული განლაგების სწავლის ფარგლებში - ყოველ ახალ შემთხვევაში ისინი მნიშვნელოვნად განსხვავდებიან მოსწავლისთვის უკვე ნაცნობებისგან“.
ამრიგად, ელექტრონულ მუსიკალურ ინსტრუმენტზე არტიკულაციაზე მუშაობა საშემსრულებლო საქმიანობის არანაკლებ მნიშვნელოვანი კომპონენტია, ვიდრე ტრადიციულ ინსტრუმენტებზე. და ეს ნამუშევარი შემსრულებლისგან მნიშვნელოვან გონებრივ ძალისხმევას მოითხოვს.
მუსიკალური ნაწარმოებების არანჟირებისას მნიშვნელოვანი შემოქმედებითი ამოცანაა მელოდიის ტემბრსა და აკომპანიმენტის შაბლონს შორის ორგანული ურთიერთობის პოვნა. ამრიგად, ავტოაკომპანიმენტის ნებისმიერი სტილის არჩევისას, მუსიკოსი ავითარებს ასოციაციას მისი პროტოტიპის ხმის ადგილსა და დროს. მაგალითად, „ქვეყანა“ სტილის არჩევისას, ამერიკული სოფლის იმიჯი, ჩნდება მძიმე სამუშაო დღის შემდეგ სალონში შეკრებილი კოვბოები. შესაძლოა, პატარა სცენაზე მუსიკოსი დაუკრავს ჰარმონიკას, მეორე კი გიტარაზე ან ბანჯოზე, მესამე ვიოლინოზე ან ფორტეპიანოზე დაუკრავს. და გამოჩნდება მუსიკის ამ მიმართულებისთვის დამახასიათებელი ინსტრუმენტების მთელი ნაკრები. აკომპანემენტის საფუძველში გარკვეული ჟანრი განსაზღვრავს მელოდიის მეტრორიტმის, ტემპისა და სხვა საშუალებების მახასიათებლებს. მუსიკალური ექსპრესიულობა. და ეს უადგილო იქნებოდა მუსიკოსების ანსამბლში ამერიკული სალონიმოისმინოს, ვთქვათ, ორგანოს ტონები ან სიმებიანი კვარტეტი, რომლებიც დაკავშირებულია კლასიკური მუსიკა, ჟღერს საკონცერტო დარბაზებში. კრეატიული მოქმედებები, რომლებიც დაკავშირებულია კომპეტენტურად დაამყაროს ურთიერთობა აკომპანემენტის სტილსა და მელოდიის ტემბრებს შორის ელექტრონული არანჟირების შესრულების პროცესში, დაგეხმარებათ დაეუფლონ ორგანულ ურთიერთქმედებაზე ფოკუსირების მეთოდს. მუსიკალური საშუალებები. ეს მეთოდი, რომელიც ფართოდ ვლინდება ელექტრონული მუსიკოსის შემოქმედებითი საქმიანობის პროცესში, აქტიური ფაქტორია მისი მუსიკალური აზროვნების განვითარებაში. ამ მეთოდის განსაკუთრებული გამოვლინება შეიძლება აღინიშნოს, როგორც სტუდენტების ყურადღების ფოკუსირება „ნიმუშებსა და ტემბრებს შორის ურთიერთობა მოწყობილი ნაწარმოების მელოდიური ხაზის ბუნებასთან“ (I.M. Krasilnikov).
ელექტრონული არანჟირების შესრულების პროცესში მუსიკალური საშუალებების ორგანულ ურთიერთქმედებაზე ფოკუსირების მეთოდის კიდევ ერთი გამოვლინებაა მოსწავლეს შემოთავაზებული დავალება გააანალიზოს ტემბრსა და ტექსტურას შორის ურთიერთობა. კლავიატურის სინთეზატორზე შემსრულებელმა - მრავალტიმბრულ ინსტრუმენტზე - უნდა შეაღწიოს ინსტრუმენტაციის საიდუმლოებებს - რიმსკი-კორსაკოვის თქმით, ნაწარმოების „სულს“, რადგან ინსტრუმენტაცია პირდაპირ კავშირშია ნაწარმოების ფიგურულ სფეროსთან. ნაწარმოების საფუძვლად, რომლის პარტიტურა არ შეიცავს მითითებებს მრავალტემბრიანი კომპოზიციის შესრულებაზე, სტუდენტმა დამოუკიდებლად უნდა შეარჩიოს ელექტრონული ხმები, რომლებიც ყველაზე ადეკვატურად შეესაბამება ორიგინალის ტექსტურის თავისებურებებსა და ფიგურულ სტრუქტურას. ორგანისტები ანალოგიურად მუშაობენ მუსიკალური ორიგინალის დასარეგისტრირებლად, რომელიც იძლევა მხოლოდ ყველაზე ზოგად ტემბრის მითითებებს ორგანული ხმის შესახებ.
მუსიკალური საშუალებების ორგანულ ურთიერთქმედებაზე ფოკუსირების მეთოდის კიდევ ერთი გამოვლინება დაკავშირებულია „შემსრულებლების“ შემადგენლობის გათვალისწინებასთან, ვისთვისაც შესრულებულია ელექტრონული არანჟირება. თუ გვინდა მივიღოთ სიმფონიური ორკესტრის ხმა, რომლის დინამიური გაძლიერება დიდწილად მიიღწევა ერთად დაკვრით. დიდი რაოდენობითმუსიკოსები და პარტიტურა აგებულია ჯგუფურ პრინციპზე, აუცილებელია სხვადასხვა ინსტრუმენტების უნისონების გამოყენება (ანუ ინსტრუმენტაციის ისეთი ტექნიკის გამოყენება, როგორიცაა დუბლირება).
მუსიკალური ტექსტის შესრულებისას მუსიკოსი მუშაობს ისეთი პარამეტრებით, როგორიცაა ტემპი, აგოგიკა, დინამიკა, არტიკულაცია, რომლებიც რეგულირდება როგორც უშუალოდ კლავიატურაზე ცოცხალი დაკვრისას, ასევე ინსტრუმენტის სხვადასხვა მოწყობილობებისა და ფუნქციების დახმარებით. მაგალითად, ტემპი დაყენებულია სამუშაოების რეალურ დროში შესრულებისას და დაყენებულია თამაშის დაწყებამდე ინტერაქტიულ რეჟიმში, ხოლო Regist Memory ფუნქციის გამოყენება საშუალებას გაძლევთ შეინახოთ საჭირო პარამეტრები (ისევე როგორც სხვა პარამეტრები ) სამუშაოს თითოეული ნაწილისთვის. აგოგიკის კორექტირება შესაძლებელია ლაივში თამაშისას. დინამიკა აგებულია რამდენიმე გზით: 1) ზოგადი მოცულობის ბორბალი (Volume), ძირითადის პარამეტრები (Main Volume), გაყოფილი (Split Volume), ორმაგი ხმა (Dual ან Layer Volume), აკომპანიმენტის მოცულობა (Accomp. Volume); 3) კლავიატურის მგრძნობელობის გამო (Touch). არტიკულაცია (ელექტრონული შეხება), ტრადიციული ინსტრუმენტებისგან განსხვავებით, ციფრულ ინსტრუმენტებზე კონტროლდება არა მხოლოდ ჩვეულებრივი შტრიხებით (სტაკატო, ლეგატო და ა.შ.), არამედ MIDI შეტყობინებების (ვიბრატო, პორტამენტო და ა.შ.) შეცვლით.
ყველა ამ პარამეტრის რეგულირება ხელს უწყობს შემსრულებლის მუშაობის ინტელექტუალიზაციას კლავიატურის სინთეზატორზე. მუსიკალური აზროვნების შესაბამისი კომპონენტების განვითარებას ხელს შეუწყობს გაკვეთილზე მუშაობის ტრადიციული მეთოდები, როგორიცაა საუბარი, მოთხრობა, ახსნა, ახსნა, ჩვენება, დემონსტრირება, აგრეთვე პრობლემური საძიებო სიტუაციების შექმნა, რომლებიც მიმართულია სტიმულირებაზე. კრეატიული ძიება, რომელიც დაკავშირებულია ექსპრესიული საშუალებების შემსრულებელ ინტერპრეტაციასთან.
მუსიკალური აზროვნების განვითარებისთვის არანაკლებ მნიშვნელოვანია იმპროვიზაციის სწავლა. თავად სიტყვა იმპროვიზაცია რუსულად შემოვიდა ლათინურიდან და იგულისხმება როგორც "მოულოდნელად, ყოველგვარი მომზადების გარეშე", ანუ კომპოზიცია "ფრენისას". ამ ტიპის
მუსიკოსის შემოქმედებითი საქმიანობა მიზნად ისახავს ფანტაზიის უნარის გამომუშავებას, რაღაც ორიგინალურის შექმნას და, თავის მხრივ, სმენის განვითარებას. მაგრამ ნებისმიერი იმპროვიზაცია ემყარება გარკვეული რიტმული ფორმულების ცოდნას, მელოდიის სტრუქტურას, ნაწარმოების ფორმას, ჰარმონიულ თანმიმდევრობებს და ა.შ. ამიტომ, მუსიკოსი, რომელიც იმპროვიზაციას აკეთებს ნებისმიერ მუსიკალურ ინსტრუმენტზე, ქმნის რაღაც ახალს ან ინტერპრეტირებს. ცნობილი ნამუშევარიყოველთვის ვეყრდნობოდი ჩემს ცოდნას მუსიკალური ენის შესახებ. შესაბამისად, რაც მეტი იცის ადამიანმა, მით უფრო საინტერესო და ფერადი იქნება მისი იმპროვიზაცია. იმპროვიზაციის დაწყებამდე შემსრულებელი გონებრივად აინტერესებს საკუთარ თავში, წინასწარ წარმოიდგენს რას ითამაშებს მომავალში და მხოლოდ ამის შემდეგ გადადის პირდაპირ შემოქმედებით მუშაობაზე. სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, კარგი იმპროვიზაცია არის წინასწარ მომზადებული. ამიტომ, კლასში ამ ტიპის შემოქმედებითი საქმიანობის განსახორციელებლად, შეგვიძლია შემოგთავაზოთ იმპროვიზაციის პედაგოგიური ხელმძღვანელობის მეთოდი. ამ მეთოდის გამოყენებით კლავიატურის სინთეზატორის კლასში მსწავლელ სტუდენტებთან მუშაობისას მასწავლებელი აყენებს დავალებას, ასწავლოს მოსწავლეს ფიქრი ჯერ „თავისთვის“, შემდეგ კი „ხმამაღლა“.
მუსიკალური აზროვნების განვითარებას ასევე ხელს უწყობს ისეთი ტიპის ინტონაციურ-შემოქმედებითი აქტივობა, როგორიცაა ყურით დაკვრა. ეს აქტივობა შეიძლება განხორციელდეს ორი მიმართულებით: მეხსიერებიდან მუსიკის შერჩევა და კლასში მოსმენილი ნაწარმოების შერჩევა. ორივე შემთხვევაში მიზანშეწონილია მივმართოთ მელოდიის მუსიკალურ ნოტაციას. სწორი დიზაინიმუსიკალური აღნიშვნა - საკვანძო ნიშნების დადება, მეტრი, რიტმული შაბლონის დანიშვნა, ნოტების ხანგრძლივობის და მათი დაჯგუფება, პაუზები, მრიცხველი, თანმხლები აკორდები - ეხმარება მელოდიის უფრო მკაფიოდ სტრუქტურირებას, ავითარებს მოძრაობების კოორდინაციას სმენასა და დაკვრის უნარებს შორის. საბავშვო სიმღერის არჩევისას, ერთ გაკვეთილზე შეგიძლიათ იმღეროთ და ჩაწეროთ მელოდია მოსახერხებელი კლავიშით. შემდეგ - ჰარმონია, მისი ფორმატირება აკორდების (ნომრების) ასოების აღნიშვნის გამოყენებით. შემდეგ გაკვეთილებზე ახსენით, როგორ იქმნება ნაწარმოების ტექსტურა ფორმის, ჟანრის, ხასიათის, ტემპისა და მუსიკალური ფორმირების სხვა კომპონენტების მახასიათებლებზე დაყრდნობით. ამ გაკვეთილების დროს შეგიძლიათ დაარეგისტრიროთ ბასის ნაწილი, პედლებიანი ხმები, ბექ ვოკალი, შეარჩიოთ ტემბრები, ეფექტები და ა.შ. ამგვარად, მთელი ეს ნამუშევარი, დასრულებული რამდენიმე გაკვეთილზე, ხდება იმავე თანმიმდევრობით, როგორც ნაწარმოების ბლიც მოწყობის შესრულებისას. მუსიკა სინთეზატორისთვის. არანჟირებაზე მუშაობის დროებით დაშლის ეს მეთოდი ეხმარება უფრო ღრმად და დეტალურად გაიგოს ამ აქტივობის საფუძვლად არსებული შაბლონები და ამით ხელს უწყობს მომავალი მასწავლებლის მუსიკალური აზროვნების განვითარებას.
მუსიკალურ ნაწარმოებზე მუშაობის ბოლო ეტაპი არის ხმის მონტაჟი, რომელიც მოიცავს ტექსტურის ხმების დინამიურ დაბალანსებას, პანორამის აგებას, ხმის საინჟინრო ეფექტებისა და ხმის სინთეზის ხელსაწყოების გამოყენებას ტემბრებისა და მათი განლაგების ვირტუალური სივრცის გარდაქმნისთვის. ელექტრონული მუსიკოსის ამ ტიპის საქმიანობა ძალიან ახლოს არის, რადგან ისინი "მუშაობენ" იგივე ეფექტებით. როგორც წესი, პარამეტრები, რომლებიც რეგულირდება ხმის ინჟინერიის პროცესში, წარმოდგენილია კლავიატურის სინთეზატორის ჩვენებაზე შერევის კონსოლის გამოსახულების სახით სხვადასხვა ღილაკებით და სლაიდებით, რომლებიც კონტროლდება ინსტრუმენტთა პანელიდან. ამრიგად, კლავიატურის სინთეზატორის მომხმარებელს აქვს შესაძლებლობა არა მხოლოდ შეასრულოს და შეასწოროს მუსიკალური ნაწარმოებები ჰარმონიაში, ტექსტურასა და ტემბრში, არამედ სცადოს თავი ნამდვილი ხმის ინჟინრის როლში მართვის პანელზე. ამიტომ, მიზანშეწონილი იქნებოდა მუსიკალურ ნაწარმოებზე მუშაობის ამ ეტაპზე დაეყრდნოთ ელექტრონული ხმის საგნობრივი ასოციაციების გააქტიურების მეთოდს. ის დაეხმარება მოსწავლეს ელექტროაკუსტიკური ხმის სივრცის შექმნაზე და ბგერის სინთეზზე მუშაობის სწორად სტრუქტურირებაზე, ელექტრონული არანჟირების მუსიკალურ გამოსახულებასთან დაკავშირებაზე.
ელექტროაკუსტიკური ხმის სივრცეზე მუშაობა დაკავშირებულია მუსიკალური ნაწარმოების ელექტრონულ არანჟირებაზე მუშაობის ბოლო ეტაპთან, ხშირად ორიგინალური ხმის ველის შექმნის ამოცანის გამო. მაგალითად, ჩაწერილი მუსიკა, დინამიურად მორგებული, ტემბრი და ა.შ., მოითხოვს დასრულებული შედეგის გარკვეულ ვირტუალურ სივრცულ პირობებში გადატანას. ამ პრობლემის გადასაჭრელად, კლავიატურის სინთეზატორზე შემსრულებელი მიმართავს ხმის ინჟინერიის ხელსაწყოების მხატვრულ შესაძლებლობებს, რაც საშუალებას აძლევს, ვთქვათ, მოახდინოს საკონცერტო დარბაზის, ოთახის ან სტადიონის აკუსტიკური სივრცის სიმულაცია. შესაბამისად, ამ ხმოვანი სივრცეების აკუსტიკური მახასიათებლები, მათი მხატვრული და ასოციაციური პოტენციალი და გარკვეული მუსიკალური ჟანრებისა და სტილის შესაბამისობა მასწავლებელსა და მოსწავლეებს შორის განსაკუთრებული საუბრის საგანი უნდა გახდეს, რაც მათ ხმის საინჟინრო საქმიანობაში წარმართავს.
ელექტრონული ხმის საგნობრივი ასოციაციების გააქტიურების მეთოდის გამოყენება შესაძლებელს გახდის მოსწავლეებს გააცნოს მუსიკალური ხმის ინჟინერიის სხვადასხვა შესაძლებლობები, ასევე მოაწყოს შემოქმედებითი მუშაობა გაკვეთილზე, რომელიც ავითარებს მოსწავლეთა ხმის ინჟინერიის უნარებს. როგორც ჩანს, ეს არის მოქცევის ერთ-ერთი უპირატესობა ელექტრონული ინსტრუმენტივ სასწავლო პროცესი: ყოველივე ამის შემდეგ, ტრადიციულ მუსიკალურ ინსტრუმენტზე არცერთ შემსრულებელს არ შეუძლია მიიღოს შესაძლებლობა იმუშაოს ვირტუალურ ხმის საინჟინრო კონსოლში და შეეცადოს განახორციელოს მასთან დაკავშირებული ახალი კრეატიული იდეები. ელექტროაკუსტიკის სამყაროში ჩაძირვისას, კლავიატურის მუსიკოსი ცდილობს გამოიყენოს ცხოვრებისეული სივრცითი და ხმოვანი შთაბეჭდილებების გამოცდილება ან მოიფიქროს ახალი ვირტუალური. მუსიკალური გამოსახულება, მოიტანეთ თქვენი ინდივიდუალობა მუსიკის ინტერპრეტაციაში. სპეციფიკური ელექტროაკუსტიკური სივრცის შექმნის გარდა, ელექტრონული ხმის საგნობრივი ასოციაციების გააქტიურების მეთოდი დაეხმარება სტუდენტს ორიენტირებაში კლავიატურის სინთეზატორზე და ხმის სინთეზზე მუშაობაში. მაგალითად, მისი შეტევის შერბილება ან გამძაფრება, ბოლო შესუსტების გახანგრძლივება ან შემცირება, სიხშირის ფილტრაცია, შესრულების კონტროლის გამოყენება ამ სამუშაოს პროცესში - ეს ყველაფერი რადიკალურად ცვლის ხმის ბუნებას და მის მიერ გამოწვეულ ასოციაციებს. ამ ტიპის ასოციაციები, აკავშირებს ხმას სხვადასხვა მასასთან და მოცულობასთან, მუსიკალური ინსტრუმენტების მასალასა და ფორმასთან, ღია ან მუქ ფერებთან, შემსრულებლის კუნთოვანი ძალისხმევის დაძაბულობასთან ან მოდუნებასთან, აგრეთვე ხმის ინჟინერიის პროცესში მიღებული ვირტუალური ხმის სივრცის თავისებურებებით. დამუშავება, უნდა იყოს სპეციალური დისკუსიის საგანი მასწავლებელი მოსწავლეებთან.
ამრიგად, ჩვენ ვხედავთ, თუ რამდენად ინტელექტუალურად რთულ სამუშაოს ახორციელებს ხმის ინჟინერიასთან და ხმის სინთეზთან დაკავშირებული შემსრულებელი კლავიატურის სინთეზატორზე. ეს მოითხოვს ცოდნას ფიზიკური ბუნებახმა, მისი ასოციაციური და ვიზუალური შესაძლებლობები, მათ შორის ის, რაც განისაზღვრება მისი ამპლიტუდის გარსის თავისებურებებით, სიმსუბუქით, ტექსტურის ბუნებით, აგრეთვე მისი განლაგების სხვადასხვა აკუსტიკური პირობებით.
შეჯამებისთვის, ჩვენ აღვნიშნავთ, რომ სინთეზატორის კლასში შეგიძლიათ განახორციელოთ სხვადასხვა სახის სამუშაო: მუსიკალური ნაწარმოებების შესრულება პირდაპირ ეთერში, ჩაწერა სეკვენსერში, ანსამბლში შესრულება და ხმის რედაქტირება. გარდა ამისა, სტუდენტები ქ ეს კლასიისინი ყურით არჩევით და მუსიკის შედგენით არიან დაკავებულნი. თითოეული ამ ტიპის საგანმანათლებლო და შემოქმედებითი სამუშაოს და მისი ეტაპებისთვის აუცილებელია სამუშაოს შესაბამისი მეთოდების გამოყენება, როგორც ტრადიციული, ისე ახალი. ზემოაღნიშნული მეთოდები უნდა იქნას გამოყენებული საკმაოდ მოქნილად, გაკვეთილზე არსებული პედაგოგიური სიტუაციის შესაბამისად. ისინი ავსებენ ერთმანეთს, რაც საშუალებას აძლევს კომპეტენტურ ხელმძღვანელობას კლავიატურის სინთეზატორის კლასში მოსწავლეთა მუსიკალური აზროვნების განვითარებაში.
ლიტერატურა
1. ასაკი და ინდივიდუალური მახასიათებლებისტუდენტების წარმოსახვითი აზროვნება / ედ. I. S. Yakimanskaya; სამეცნიერო გამოკვლევა პედაგოგიკის აკადემიის ზოგადი და პედაგოგიური ფსიქოლოგიის ინსტიტუტი. სსრკ მეცნიერებები. მ.: პედაგოგიკა, 1989. 224 გვ.
2. კრასილნიკოვი I.M. ელექტრონული მუსიკალური შემოქმედება ხელოვნების განათლების სისტემაში. Dubna: Phoenix+, 2007. 496 გვ.
3. Krasotina E. A. ნახევარ განაკვეთზე მოსწავლის მუსიკალური აზროვნების განვითარება, როგორც პროფესიული მომზადების საფუძველი / ნახევარ განაკვეთზე სტუდენტების მუსიკალური აზროვნების განვითარების მეთოდები სასწავლო პროცესში / ედ. Matveeva S. Ya., MGZPI, 1980. 54 გვ.
4. მუსიკალური განათლება სკოლაში: პროკ. დახმარება სტუდენტებისთვის მუსიკა ყალბი. და განყოფილება უფრო მაღალი და ოთხშაბათს პედ. სახელმძღვანელო ინსტიტუტები / L. V. Shkolyar, V. A. Shkolyar, E. D. Kritskaya და სხვები; რედ. შკოლარი ლ.ვ. M.: ASADEMA, 2001. 232 გვ.
თითოეული არანჟირება ყოველთვის ცდილობს, რომ მისი არანჟირება იყოს რაღაც განსაკუთრებული, ორიგინალური, ან სულაც არა სრულიად ბანალური და სხვების მსგავსი. ამავდროულად, ის, ხშირად სრულიად გაუცნობიერებლადაც კი, იყენებს ტექნიკას, რომელიც არამარტო მის ნამუშევარს ორიგინალურს არ აქცევს, არამედ შეუძლია მთლიანად მოკლას საერთო კარგი მოწყობა.
პირველ რიგში, მსურს დაუყოვნებლივ აღვნიშნო, რომ ეს სტატია არ გაამახვილებს ყურადღებას რაიმე კონკრეტულ შეცდომებზე, რომლებსაც არანჟირები უშვებენ თავიანთ საქმიანობაში. ეს ცალკე სტატიის თემაა, თუ სტატიების მთელი სერიის არა.
ის ტექნიკა, რომელიც ამ სტატიაში იქნება განხილული, ასე ვთქვათ, მუსიკალური მეცნიერების თვალსაზრისით, არ არის ზუსტად შეცდომები. უფრო მეტიც, ეს არის უბრალოდ სხვადასხვა კლიშეები, კლიშეები და აწყობისა და კომპოზიციის სხვა ბანალური და დახვეწილი ტექნიკა და არავინ გიკრძალავთ მათ გამოყენებას თქვენს ნამუშევარში.
თუმცა, თუ მაინც არ მიატოვებთ სტატიაში ჩამოთვლილ შაბლონებს, გახსოვდეთ, რომ თითოეული მათგანის გამოყენება იქნება ერთი დიდი მინუსი თქვენი სამუშაოს ტრივიალურობის სასარგებლოდ.
მეორეც, კიდევ ერთხელ აღვნიშნავ, რომ არც მე და არც ვინმე სხვა არ გიკრძალავთ სტატიაში აღწერილი ტექნიკის გამოყენებას და ვერ აგიკრძალავთ ბოლოს და ბოლოს, მოწყობა კრეატიულობაა და შემოქმედებაში არანაირი კანონის ადგილი არ არის.
და მესამე, არ მინდა ამ სტატიით ვინმეს შეურაცხყოფა და შეურაცხყოფა მივაყენო. ეს მხოლოდ ჩემი პირადი აზრია ეს საკითხიდა თუ რაიმეში არ მეთანხმებით, შეგიძლიათ ამაზე ისაუბროთ სტატიის კომენტარებში.
და ამით ჩვენ დავასრულებთ შესავალს და დავიწყებთ ჩვენს ჰიტ-აღლუმს ჰაკნეირებული მოწყობის ტექნიკის შესახებ.
მე-10 ადგილი -შესავალი
ჩემი ღრმა რწმენით, კომპოზიციების უმეტესობას საერთოდ არ სჭირდება ეგრეთ წოდებული ინტროები და სხვა გაჭიანურებული გრძელი შესავალი.
მინდა ხაზგასმით აღვნიშნო, რომ არ არის საჭირო შესავალი კონკრეტული კომპოზიციისთვის, ეს შეიძლება იყოს მოსამზადებელი სიმღერა მუსიკალურ ალბომში. მაგრამ მთავარი სიტყვა აქ არის "შესაძლოა" და არა "ნება".
შემთხვევების აბსოლუტურ უმრავლესობაში, შესავალი კომპოზიციის საწყისთან არის მიბმული ყოველგვარი გამართლებული მიზეზის გარეშე. შედეგად, კომპოზიცია უფრო გრძელი, გაჭიანურებული და ხშირად ხაზგასმული პათეტიკურია.
საბოლოო ჯამში, თუ შესავალი, თქვენი ღრმა რწმენით, უბრალოდ სასიცოცხლო და განუყოფელი ნაწილია მოცემული სიმღერისა, მაშინ აქციეთ იგი სულ მცირე ცალკე ტრეკად. ამ შემთხვევაში ადამიანს მოუწევს მხოლოდ ღილაკზე „შემდეგი“ დააჭიროს მთავარ ნაწილზე გადასასვლელად და არ მოუსმინოს ამ, არსებითად, მუსიკალური ნაგვის ნაკადს.
მე-9 ადგილი -ჩელო
ჩელო ასე ფართოდ გავრცელდა თანამედროვე მოწყობილობებში გასაგები მიზეზების გამო: ვრცელი შესრულების შესაძლებლობები და უჩვეულოდ მდიდარი, ექსპრესიული ტემბრი.
თუ რომელიმე კომპოზიციას აკლია განცდის სიღრმე, ლირიზმი და ა.შ., მაშინ პირველი, რაც არანჟირს გონზე მოდის, არის მასში ჩელოს ნაწილის დამატება. და ეს, ჩემი აზრით, ყველაზე ბანალურია, რაც მას შეუძლია.
ეს ისეთივე ვულგარული ნაბიჯია, როგორც შეყვარებულს ერთი წითელი ვარდის მიცემა.
რა თქმა უნდა, ჩელო ლამაზად ჟღერს ოსტატურ ხელში (და თავად ვარდი ასევე ძალიან ლამაზად გამოიყურება). მაგრამ ამის გამო, ჩელო იმდენად გავრცელებულ ინსტრუმენტად იქცა, რომ ახლა უმჯობესია საერთოდ არ გამოვიყენოთ იგი ამ როლში.
ყოველივე ამის შემდეგ, ჩელოს გარდა არის უამრავი სხვა ინსტრუმენტი, რომელიც ასევე შესანიშნავად ჟღერს. ამის ნაცვლად, სცადეთ ნაკლებად აშკარა ინსტრუმენტი, როგორიცაა ფაგოტი ან სულ მცირე ალტი. დიახ, ისინი შეიძლება არც ისე ტკბილი იყვნენ. მაგრამ იგივე ფაგოტის ტემბრი უკვე ახალი იქნება თქვენს განლაგებაში და თუ ოსტატურად გამოიყენებთ მას ახალ და განუმეორებელ ფერებს შემატებს.
მე-8 ადგილი -პაუზების შევსება
ამ შტამპის არსი ასეთია: არანჟირება ცდილობს სიმღერაში შეავსოს ის ადგილები, სადაც ვოკალური ნაწილის ფრაზებს შორის დაახლოებით 1 ბარი ან მეტი პაუზები ყალიბდება. და, ალბათ, ყველაზე ბანალური ნაბიჯი არის რომელიმე ინსტრუმენტის მოკლე ფრაზების ჩასმა, ყველაზე ხშირად (და ყველაზე ცუდი) გიტარის.
კიდევ უფრო უარესია, თუ ინსტრუმენტი იმეორებს ვოკალისტთა მიერ ნამღერ ფრაზებს. და აბსოლუტურად კლინიკურია, თუ სოლო პარტია ჟღერს საერთოდ გაუჩერებლად, ვოკალთან ერთდროულად, კომპეტენტური, გააზრებული პოლიფონიის ჩამოყალიბების გარეშე. მაგრამ ეს უკვე არ არის გატაცებული ნაბიჯი, არამედ ნამდვილი შეცდომა, რომელზეც, როგორც სტატიის დასაწყისში აღინიშნა, აქ არ ვისაუბრებთ.
არ ვიცი, საიდან გაჩნდა ასეთი პაუზების შევსების მოდა, მაგრამ ეს ფენომენი ძალზე გავრცელებულია და, უფრო მეტიც, არა მხოლოდ მოყვარულთა შორის.
ჯერ ერთი, ჩემი აზრით, ყოველთვის არ არის საჭირო სიმღერაში ასეთი პაუზების შევსება. ეს შეიძლება იყოს არასაჭირო, მათ შორის იმიტომ, რომ ყურადღებას გაამახვილებს ყურადღებას და გაართულებს სიტყვებზე კონცენტრირებას. პაუზები ამ შემთხვევაში მხოლოდ პლიუსი შეიძლება იყოს, მით უმეტეს, თუ სიმღერის ტექსტი არც ისე ადვილი გასაგებია.
და მეორეც, თუ პაუზები მართლაც ქმნის ხვრელებს და, არანჟირების აზრით, ანადგურებს კომპოზიციის მთლიანობას, მაშინ უმჯობესია ეს პაუზები შეავსოთ რაიმე ნაკლებად პრიმიტიული გზით, ვიდრე უბრალოდ სოლო ინსტრუმენტთან ერთად დაკვრა.
მე-7 ადგილი -მოდულაცია
მოდულაციაში, მე მაშინვე ვიტყვი, აქ ვგულისხმობთ სხვა კლავიშზე გადასვლას. მაგრამ ცუდი არაფერია მოდულაციაში, როგორც ექსპრესიულ საშუალებაში. მაგრამ არსებობს გზა მისი გამოყენების ბანალური და უხელოვნებო გზით. და ერთ-ერთი ასეთი გზაა უბრალოდ კლავიშის აწევა ნახევარტონით სიმღერის ბოლოს (ჩვეულებრივ, ბოლო გუნდში).
როდესაც არანჟირებას არ აქვს საკმარისი უნარები ან უბრალოდ ძალიან ეზარება რაიმე გააკეთოს კომპოზიციის შემდგომი განვითარებისთვის, რომელიც მიიწევს დასკვნისკენ, ის უბრალოდ იყენებს მოდულაციას. რა თქმა უნდა, ეს ასე მარტივია! არაფრის შედგენა არ არის საჭირო, უბრალოდ დააკოპირეთ სიმღერის სასურველი ნაწილი და აწიეთ ნახევარი ტონით.
ასე რომ დაიმახსოვრეთ: შემთხვევების აბსოლუტურ უმრავლესობაში, ამ გზით გამოყენებული მოდულაცია არის მომწყობის შემოქმედებითი უძლურების მაჩვენებელი.
რა თქმა უნდა, შეგიძლიათ იპოვოთ სხვადასხვა სიმღერები, სადაც ასეთი მოდულაცია ძალიან შესაბამისი აღმოჩნდა. მაგრამ უმეტეს შემთხვევაში, მოდულაცია კვლავ გამოიყენება ზოგიერთი ძალიან კონკრეტული მხატვრული პრობლემის გადასაჭრელად და არა იმიტომ, რომ არანჟირებას არ ჰქონდა საკმარისი იდეები კომპოზიციის შესამუშავებლად.
მე-6 ადგილი -სოლო "მესამეში"
ჰოდა, იმედი მაქვს, ვინც ამ სტატიას კითხულობს, იცის რა არის მესამე, აქ არ ავხსნი.
მაგრამ მე აღვნიშნავ: ცოტა რამ ჟღერს ისე არაორდინალურად და საბჭოურად, როგორც სოლო გიტარის ნაწილი შესრულებული, როგორც ამბობენ, "მესამედებში". ანუ, როდესაც ზოგიერთი (ჩვეულებრივ, ნელი, მელოდიური) სოლო შესრულებულია არა ერთ ხმაში, არამედ პარალელური ნაწილის დამატებით მესამე უფრო მაღალი/ქვედა.
ერთი შეხედვით ეს ლამაზად ჟღერს, მაგრამ... უბრალოდ ბანალურია! 80-იან წლებში (და არამარტო) კლასიკურ მეტალის შემსრულებლებს შორის ასეთი ნაბიჯი უბრალოდ წარმოუდგენლად პოპულარული იყო, რაც ამჟამად მას არამარტო მოძველებულს, არამედ მოძველებულსაც ხდის.
ამავდროულად, ასეთი ინტერვალის გამოყენება, როგორც მესამედი, არავითარ შემთხვევაში არ იქნება ბანალური, მაგრამ მხოლოდ იმ შემთხვევაში, თუ თქვენ არ იყენებთ მას ამ გზით, არამედ იყენებთ მას სხვაგვარად. უმჯობესია გიტარის სოლო მონოფონიური დატოვება. ან თუ ეს მართლაც აუტანელია და გსურთ დაამატოთ „მესამე“, მაშინ მეორე ხმა მიანიშნეთ სხვა ინსტრუმენტზე, ან სულ მცირე გახადეთ ის შესამჩნევად უფრო მშვიდი, ვიდრე მთავარი.
მე-5 ადგილი - Fade-out
კიდევ ერთი უბრალოდ უპრეცედენტო გავრცელებული ტექნიკა. მათთვის, ვინც მოულოდნელად არ იცის, ნება მომეცით ავუხსნა, რომ fade out ეწოდება ბგერის გლუვ შესუსტებას. მისი საპირისპიროა fade-in - პირიქით, ეს არის გლუვი fade-in. დარწმუნებული ვარ, თითოეულმა თქვენგანმა იცის ერთი კომპოზიცია მაინც, რომელიც სრულდება ზუსტად ასე, ფაიდ-აუტით, ანუ თანდათან ქრებოდა ბოლოს.
ასე რომ, შემთხვევათა 90%-ში მაინც, კომპოზიციაში ფაიდ-აუტის არსებობა მხოლოდ იმაზე მიუთითებს, რომ არანჟირებას არ გააჩნდა ნორმალური დასასრულის შედგენის უნარი და/ან სურვილი.
იშვიათია, ძალიან იშვიათია, რომ სიმღერა მართლაც იყოს ისეთი, რომ ნათელი დასასრული უბრალოდ ანგრევს მას. უფრო მეტიც, იმ კომპოზიციებს, რომლებიც სტუდიურ ვერსიაში ქრებოდა, მუსიკოსები ერთგვარად უკრავენ კონცერტებზე პირდაპირ ეთერში და ასრულებენ მათ ყოველგვარი გაქრობის გარეშე, ძალიან, ძალიან იშვიათი გამონაკლისების გარდა.
და fade, ისევე როგორც შესავალი, მხოლოდ ახანგრძლივებს კომპოზიციას და, როგორც იქნა, უცხადებს მსმენელს: "სიმღერა მთავრდება!", რაც აიძულებს მას ყურადღება გაფანტოს და დააჭიროს ღილაკს "შემდეგი", თუნდაც ბოლომდე მოუსმინოს. შემადგენლობის.
მე-4 ადგილი - პირდაპირი ასოციაციები და პრიმიტიული სტილიზაცია
როგორც ერთმა თქვა ჭკვიანი კაცი: "Თუ ხედავ მუსიკალური კლიპი, რომელშიც წვიმსდა სიმღერა წვიმაზეა - ეს რუსული ვიდეოა.
და ამ სიტყვებში არის გარკვეული სიმართლე, მხოლოდ ჩვენს შემთხვევაში შეიძლებოდა ეს ფრაზა შეიცვალოს, მაგალითად, ასე: ”თუ სიმღერა მღერის ზარზე და მასში აუცილებლად ჟღერს ზარი, მაშინ ეს რუსი არანჟირებაა. არანჟირება." განვმარტავ: ცუდი რუსი არანჟირება.
გასაკვირია, მაგრამ რამდენად ხშირად ცდილობენ არანჟირებას მიზანმიმართულად ხაზი გაუსვან არანჟირებას იმას, რასაც მღერიან ან მიბაძონ ყოველმხრივ მახასიათებლებირაღაც მუსიკალური სტილი.
კარგი, საშინელება არ არის, როცა სიმღერაში, როცა ახსენე, ვთქვათ, სიტყვა „ვიოლინო“, ვიოლინო რეალურად იწყებს დაკვრას? და თუ ამ შემთხვევაში სიმღერა არ ეხება ვიოლინოს, როგორც ასეთს? დიახ, ეს არის აბსოლუტურად ამაზრზენი!
იგივე ეხება სხვადასხვა სახის პრიმიტიულ სტილიზაციას. მაგალითად, სიმღერა, ფიგურალურად რომ ვთქვათ, დედა რუსეთზე უნდა იყოს ჩასმული ბალალაიკებით, გუსლითა და ფსალტერით, რათა ის „უფრო რუსული“ გახდეს. ან, პარიზის ატმოსფეროს შესაქმნელად, აუცილებლად გამოიყენეთ აკორდეონი. ან თუ სიმღერა რაღაც უძველესზეა, მაშინ აუცილებლად უნდა ჩასვათ მასში კლავესინი, „რომ მას ბაროკოს ეპოქის განსაკუთრებული არომატი მისცეს“.
ასეთი ტექნიკა თითქმის ყოველთვის საშინელია და, ალბათ, ერთადერთი შემთხვევა, როდესაც ის შეიძლება იყოს შესაბამისი, არის რაიმე სახის პაროდია. და ეს ყოველთვის ასე არ არის. ამიტომ სიმღერის შინაარსს ასე არ უნდა გაუსვა ხაზი. თქვენ ყოველთვის უნდა უზრუნველყოთ ეს მუსიკალური იდეებიარ წასულა ასეთი პრიმიტივიზმის მიმართულებით.
მე-3 ადგილი - წინასწარ დაყენებული პარამეტრები, პატჩები და ნიმუშები
ზოგადად, მე ყოველთვის ვიყავი და ვრჩები სხვადასხვა სახის წინასწარ დაყენების ოპონენტი ხმასთან მუშაობისას, მაგრამ განსაკუთრებით თუ ეს ეხება სხვადასხვა სახის ვირტუალურ ინსტრუმენტებსა და მარყუჟებს.
ახლა საკმაოდ ბევრი სხვადასხვა VSTi არის ბაზარზე და თითქმის ყველა მათგანს აქვს მზა პაჩების ნაკრები. ბუნებრივია, არანჟირება თავს არ იწუხებს და მზა „ხმებს“ გამოიყენებს. რატომ აკეთო რამე ინსტრუმენტს, თუ ის უკვე მშვენივრად ჟღერს? როგორც ჩანს, ლოგიკურია, მე არ ვამტკიცებ, რომ ვირტუალური ინსტრუმენტების ზოგიერთი პატჩი და ზოგიერთი მზა მარყუჟი მართლაც მშვენივრად ჟღერს.
მაგრამ აქ არის პრობლემა. თუ გადაწყვეტთ გამოიყენოთ ჩვეულებრივი ფორტეპიანოს ან ბასის დრამის ნიმუში, მაშინ ეს ერთია. რა მოხდება, თუ არსებობს რაიმე არასტანდარტული ინსტრუმენტი ან მარყუჟი სპეციალური, სპეციფიკური ხმით? ამ შემთხვევაში, ეჭვი არ შეგეპაროთ - ის მყისიერად აღიარებს მათ, ვისაც აქვს ასეთი ინსტრუმენტი და დიდი ალბათობით, მასზე დადებითად არ რეაგირებს.
წარმოიდგინეთ, რომ თქვენ იყიდეთ მართლაც ლამაზი, ორიგინალური ქურთუკი დიდ ქსელურ მაღაზიებში გასაყიდად და ძალიან მოკრძალებული თანხით. როგორ ფიქრობთ, თქვენ იქნებით ერთადერთი? მითხარი, გაგიხარდებათ, მოგვიანებით ქუჩაში გასეირნება გამვლელებს ზუსტად იმავე სამოსით შეხვდებით?
მაგრამ ჩვენი არანჟირების უმეტესობა ახლა ასე მუშაობს - პრაქტიკულად იმავე ადვილად მისაწვდომ დანამატებზე, იგივე წინასწარ დაყენებით, პატჩებით და ბიბლიოთეკების ნიმუშებით. ეს იწვევს ბევრ ან უბრალოდ „იდენტურ“ ან ძალიან მსგავს მოწყობას.
სხვათა შორის, მსგავსი ელემენტების არსებობა ვინმემ ადვილად შეიძლება აღიქვას პლაგიატად.გამოცდილებიდან ვიცი, YouTube-ს შეუძლია აკრძალოს ვიდეო, რადგან ის შეიცავს რაღაც ნიმუშს, რომელიც ვიღაცამ უკვე გამოიყენა თავის სიმღერაში თქვენამდე. მითხარი, გჭირდება?
თუმცა, პრინციპში, წინასწარ დაყენების გამოუყენებლობა და მზა მარყუჟების გამოუყენებლობა ასევე არ არის ძალიან გონივრული გამოსავალი. ყოველივე ამის შემდეგ, მწარმოებლები ქმნიან მათ გამოსაყენებლად და არა მორიდებით.
მაგრამ აქ უნდა გახსოვდეთ, რომ რაც უფრო არასტანდარტული, გამომხატველი და ფერადია მარყუჟი ან პატჩი, მით უფრო შესამჩნევი იქნება ის და უფრო სავარაუდოა, რომ ვინმემ სადღაც უკვე გამოიყენა იგი თქვენს მოწყობაში.
ამიტომ, თუ იყენებთ რამდენიმე ორიგინალურ ინსტრუმენტს და მარყუჟს პოპულარული ბიბლიოთეკებიდან, მაშინ მაინც დაამუშავეთ და ოდნავ შეცვალეთ ისინი, რომ შეამციროთ ასეთი უსიამოვნო დამთხვევების ალბათობა.
მე-2 ადგილი -საქსოვოკი
ასე ვეძახი მე (ხუმრობით, რა თქმა უნდა) საქსოფონს. და კარგი მიზეზის გამო. ზოგადად, საქსოფონი არის ინსტრუმენტი ძალიან დიდი შესრულების შესაძლებლობებით, თუმცა გარკვეულწილად „ცხარე“, მაგრამ მაინც ლამაზი და გამომხატველი ჟღერადობით.
სწორედ ამიტომ შეუყვარდა ამდენ არანჟირებას საქსოფონი, რომლის წყალობითაც იგი იმდენად ხშირად გამოჩნდა სხვადასხვა სიმღერებში, რომ სამართლიანად შეიძლება ჩაითვალოს ერთ-ერთ ყველაზე ხშირად გამოყენებულ ჩასაბერ ინსტრუმენტად. და ეს სულაც არ არის კარგი.
მიუხედავად მისი ტემბრისა და სერიოზული ტექნიკური შესაძლებლობებისა, საქსოფონი არ არის ისეთი უნივერსალური ინსტრუმენტი, როგორც ბევრი ადამიანი რატომღაც ფიქრობს. ტყუილად არ გამხდარა სიმფონიური ორკესტრის მუდმივი წევრი. და სპილენძის ჯგუფში მისი როლი არასოდეს ყოფილა მთავარი.
რა თქმა უნდა, სპილენძის განყოფილებაში საქსოფონის გამოყენება თითქმის ყოველთვის სავალდებულოა (საყვირთან და ტრომბონთან ერთად), მაგრამ მისი სოლო ინსტრუმენტად გამოყენება ნებისმიერ კომპოზიციაში ერთ-ერთი ყველაზე ბანალური მოძრაობაა. მით უმეტეს, თუ ეს არის ნელი ბალადა და სოლო შესრულებულია ალტო საქსოფონზე თავისი საცოდავად ტკბილი ტემბრით. ეს, სხვათა შორის, ცოდვაა არა მარტო დამწყებთათვის, არამედ ბევრი გამოცდილი არანჟირებისთვისაც, რაც განსაკუთრებით გასაკვირია.
A.A. ტიტოვა
ნ.ჟიგანოვის სახელობის სახელმწიფო კონსერვატორიის მაგისტრატურა,
ყაზანის ბავშვთა აკადემიის მასწავლებელი
სამეცნიერო ხელმძღვანელი – G.I. Batyrshina,
კანდიდატი პედაგოგიური მეცნიერებები, ასისტენტ - პროფესორი
მუსიკალური არანჟირების საფუძვლების სწავლების მეთოდოლოგია
მოწყობის კონცეფციის რამდენიმე ინტერპრეტაცია არსებობს. ყველაზე მოკლე და ყველაზე გავრცელებული ყველასთვის არის მუსიკალური ნაწარმოების მოწყობა ინსტრუმენტების სხვა ნაკრების შესასრულებლად. ტერმინის ეს გაგება აშკარად კავშირშია დიდი ხნის წინ არსებული ცნებებიინსტრუმენტაცია და ნაწარმოების ორკესტრირება.
ტერმინის განლაგება (გერმანული Arrangieren, ფრანგული აწყობი, ლიტ.) - მოწესრიგება, მოწყობა, ერთი მხრივ, უფრო ბუნდოვან გაგებას იძლევა მისი არსის შესახებ. მეორეს მხრივ, ამ დღეებში ტერმინის თავდაპირველი მნიშვნელობა გარკვეულ აღორძინებას განიცდის. სულ უფრო და უფრო ხშირად გამოიყენება სიტყვები მოწყობა და აწყობი არაენციკლოპედიურ კონტექსტში. არანჟირება გულისხმობს მელოდიასა და აკორდებზე დაფუძნებული მუსიკალური ნაწარმოების შექმნას, რომელიც მოიცავს მუსიკალური ტექსტურის, ფორმის, ინსტრუმენტული ინსტრუმენტების ორგანიზებას, ბექ ვოკალის შედგენას, გადასვლებს, შესავალს და დასკვნას, სხვადასხვა მუსიკალურ ინსტრუმენტზე ნაწილების შესრულებას და ჩაწერას და მუსიკალური კომპიუტერის დაუფლებას. პროგრამები.
არანჟირების ხელოვნების ნამდვილი აყვავება მოვიდა მე-20 საუკუნის მეორე ნახევარში მუსიკის პოპულარული ჟანრების დაბადებით. პოპულარული მუსიკალური კომპოზიციის შედარებით ხანმოკლე ხანგრძლივობის გამო, გაჩნდა კითხვა სიმღერის აკომპანიმენტის შექმნა მინიმალური ღირებულებით და დროით. კომპიუტერის მოწყობამ დავალებას საუკეთესოდ გაართვა თავი. თანდათან კომპოზიტორებმა მიატოვეს ცოცხალი მუსიკოსების ჩაწერა. მაღალი ხარისხის პროგრამული უზრუნველყოფის გაჩენამ და ელექტრონული მუსიკის ჟანრის განვითარებამ და დამტკიცებამ ამ პროცესს ხელი შეუწყო.
დროთა განმავლობაში გაჩნდა თანამედროვე მუსიკალური კომპოზიციის ე.წ. ფორმატი, რომელიც აკმაყოფილებს მუსიკალური ბაზრის მოლოდინებსა და მოთხოვნებს. ის იცვლება მუსიკალური მოდის ტენდენციების მიხედვით, მუსიკას ანიჭებს საბაზრო ღირებულებას და ორიენტირებულია წარმატებულ ბაზარზე გაყიდვებზე. მუსიკალური მასალის ფორმატს სწორედ არანჟირება აძლევს, ე.ი. თვისებები, რომლებიც იწვევს მოსმენის აუდიტორიის ინტერესს. ორიგინალური მუსიკალური მასალის ავტორი შეიძლება იყოს როგორც მოყვარული, ასევე პროფესიონალი. მუსიკის ავტორისგან ცოტა რამ არის საჭირო - მელოდია და ჰარმონია, სხვა ყველაფერზე არანჟირება ზრუნავს (ზოგჯერ ავტორი და არანჟირება ერთი ადამიანია, ხან ტანდემში მუშაობენ). მხოლოდ მასზეა დამოკიდებული, შეიძლება თუ არა მის მიერ შექმნილი პროდუქტი ჰიტად იქცეს. დამახასიათებელია, რომ არანჟირება, ყოველ შემთხვევაში, ჩვენში არ ცდილობს თავისი სახელის დეკლარირებას, არ ითხოვს ავტორობას ან ჰონორარს, არამედ კმაყოფილდება მხოლოდ ერთჯერადი ანაზღაურებით თავისი ნამუშევრისთვის. კარგი არანჟირების სახელი ცნობილია შემსრულებლებისა და კომპოზიტორების ვიწრო წრეებში, მისი შემოქმედებითი წარმატება ხდება შეკვეთების შემდგომი პერსპექტივისა და, შესაბამისად, მოგების გასაღები.
არსებობს ტერმინის მოწყობის სხვა გაგება. არაერთი მუსიკოსი ამას განმარტავს, როგორც ორიგინალური მუსიკალური მასალის ახლებურად გადაკეთებას. ამ სახის მოწყობისთვის საკმაოდ პოპულარული მიმართულებაა - დამუშავება კლასიკური ნამუშევრები. ბახის, ბეთჰოვენის, მოცარტის, ბოროდინის, რახმანინოვის და მრავალი სხვა დიდი კომპოზიტორის მუსიკა ახლა შეიძლება მოისმინოს ახალი ინტერპრეტაციით - როგორც ვოკალურ-ინსტრუმენტული კომპოზიციის ლექსის ნაწილი, ან როგორც დამოუკიდებელი ინსტრუმენტული ნაწარმოები. ამ შემთხვევაში, ინსტრუმენტაციისგან განსხვავებით, მუშავდება ორიგინალური მუსიკალური მასალა - ცვლილება ჰარმონიაში, ფორმაში, ზომაში, რიტმში და ა.შ., მაგრამ ციტატის წყარო ცნობადი რჩება.
არანჟირება პროფესიაში სხვადასხვა გზით მოდიან. ზოგიერთი მათგანი, რა თქმა უნდა, ყველაზე კომპეტენტურია მუსიკალური კომპოზიციის შესაქმნელად - კომპოზიტორები უმაღლესი მუსიკალური განათლებით, სხვები - სხვადასხვა სპეციალობის მუსიკოსები და, ბოლოს და ბოლოს, არანჟირების არმიის მნიშვნელოვანი ნაწილი - ადამიანები, რომლებსაც აქვთ დაწყებითი მუსიკალური განათლება. , მაგრამ კარგად იცნობენ თანამედროვე მუსიკალური სცენის ფორმატის მოთხოვნებს .
როგორც ცნობილია, სახელმწიფო არ არსებობს საგანმანათლებლო სისტემაარანჟირების ტრენინგი. თუმცა, მოწყობის შესწავლა ხშირად კომპონენტია პროფესიული მომზადებაკომპოზიტორები, მუსიკათმცოდნეები, ესტრადის არტისტები საშუალო სპეციალურ და უმაღლეს სასწავლებლებში საგანმანათლებო ინსტიტუტები. არანჟირების უნარ-ჩვევები ათვისებულია კურსების „კომპიუტერული არანჟირება“, „მუსიკალური ინფორმატიკა“ და ა.შ.მოწყობის შესასწავლად ბევრი სასწავლო პროგრამა არსებობს, თუმცა ეს საგანი, უმეტეს შემთხვევაში, რჩება დამატებით და არა განსაკუთრებულად.
არანჟირების პროცესსა და კომპოზიციას შორის მთავარი განსხვავება დაკავშირებულია მუსიკალური კომპიუტერული პროგრამული უზრუნველყოფის გამოჩენასთან, რაც შესაძლებელს ხდის მუსიკალური ნაწარმოების შექმნას ვირტუალურ სივრცეში და არა ქაღალდზე, როგორც ეს იყო მრავალი საუკუნის წინ. ახლა მუსიკოსს არ სჭირდება მომავალი ჟღერადობის წინასწარმეტყველება ან შემსრულებლების ნაწილების სწავლის მოლოდინი. არანჟირს შეუძლია მოისმინოს კომპოზიციის პირველი ზოლები სრული ტემბრის კომპოზიციით საწყისი ეტაპიმუსიკის შექმნა. კომპიუტერული პროგრამა საშუალებას აძლევს მას დაარეგულიროს ხმა ვერტიკალურად, მიაღწიოს საუკეთესო ხმას.
კითხვა ღია რჩება: სად და როგორ ვასწავლოთ მოწყობის საფუძვლები? ამ სტატიის საგანია უფროსი ბავშვებისთვის მოწყობის საფუძვლების სწავლების საკითხების განხილვა სკოლის ასაკიდა დამატებითი განათლების საშუალო სპეციალიზებული დაწესებულებების სტუდენტები. მუსიკალურ განათლებაში ამ ტენდენციის გაჩენა, პირველ რიგში, განპირობებულია სტუდენტების სპონტანური დამოუკიდებელი სურვილით, გაიგონ, თუ როგორ უნდა შექმნან კომპიუტერული მოწყობა ინტერნეტის გამოყენებით, რაც ყოველთვის არ იძლევა დადებით შედეგს და მეორეც, პროცესის შესავალი. მუსიკალური განათლებაპროგრამები ელექტრო კლავიატურაზე დაკვრის შესასწავლად. კლავიატურის სინთეზატორზე შესრულებისა და კრეატიულობის პრინციპების შესწავლით, მასწავლებლები და სტუდენტები მიდიან ბუნებრივი სურვილიგაიგეთ მოწყობის პრინციპები, რათა ისწავლოთ როგორ შექმნათ საკუთარი კომპოზიციები კლავიატურის სინთეზატორისა და კომპიუტერის გამოყენებით.
არანჟირების საფუძვლების შესწავლის სასწავლო გეგმა უნდა მოიცავდეს თეორიული ცოდნის ფართო სპექტრს კომპოზიციის, ინსტრუმენტაციის, აკუსტიკის, ხმის სინთეზის პრინციპებისა და კომპიუტერული მუსიკალური პროგრამების დარგში. გარდა ამისა, პროგრამა უნდა მოიცავდეს სმენის ანალიზის საათებს, პრაქტიკული გაკვეთილები. ტრენინგის ეტაპები უნდა იყოს დიფერენცირებული სირთულის მატებასთან ერთად შემოქმედებითი ამოცანები. Არსებობს რამდენიმე საგანმანათლებლო პროგრამებიდა მეთოდოლოგიური განვითარება ამ საკითხთან დაკავშირებით, რომელიც სრულად ასახავს მოწყობის საფუძვლების სწავლებასთან დაკავშირებულ საკითხთა სპექტრს. თუმცა, სწავლების მეთოდების ძიება აქტუალური რჩება, მით უმეტეს, რომ მოწყობის პედაგოგიკა საკმაოდ ახალია და შექმნის საშუალება მუსიკალური არანჟირება– პროგრამული უზრუნველყოფა, სინთეზატორის მოდელები – განაგრძეთ ცვლილება და გაუმჯობესება.
როგორც ერთ-ერთ ახალ მეთოდს, შეგვიძლია შემოგთავაზოთ ფერწერის ტექნიკის გადატანის ექსპერიმენტული, წარმატებით აპრობირებული მეთოდი არანჟირების შექმნის პროცესში. იგი შედგება სხვადასხვა მიმართულების ფერწერის ტექნიკის დეტალური შესწავლისგან, ამ მეთოდების შემდგომი გამოყენებით მოწყობაში. მოსწავლე ეცნობა ფენომენს ვიზუალური ხელოვნება, შეისწავლის შესაბამის ნახატებს, მხატვრული ტილოს შევსების გზებს. შემდეგ მასწავლებელთან ერთად ეძებს მუსიკალური გამოხატვის საშუალებებს, რომლებიც მსგავსია ტექსტურით, ფიგურული შინაარსით და ტექნიკური გადაწყვეტით. ამ მეთოდს აქვს რამდენიმე მნიშვნელოვანი უპირატესობა:
მოსწავლე იღებს ვიზუალურ გამოსახულებას სხვადასხვა გზითმუსიკალური ტექსტურის შევსება;
მოსწავლე ეცნობა მხატვრულ მოვლენებს, რომლებიც დაკავშირებულია გარკვეულ ისტორიული პერიოდებიდა მუსიკოსები, მხატვრები და მწერლები და ა.შ.
პროცესის მთლიანობა მუსიკალური შემოქმედებადა სახვითი ხელოვნება ანიჭებს მთლიანობას ტექსტურას, მუსიკალური ნაწარმოების ფორმას და მუსიკალური გამოსახულების მხატვრულ ძალას.
დიდმა ლეონარდო და ვინჩიმ მუსიკას "მხატვრობის და" უწოდა. ხელოვნების ორგანული შერწყმის იდეები დიდი ხანია არსებობს და დღესაც პოპულარულია. ელექტრომუსიკალური შემოქმედებისთვის ვიზუალიზაცია ასევე აქტუალური და ბუნებრივია. ვიზუალური გამოსახულებები წარმოიქმნება შედგენისა და აწყობის პროცესში. ერთის მხრივ, კლავიატურის სინთეზატორთან მუშაობისას, სინთეტიკური ტემბრების ხმა, მათი დამუშავება, გადაფარვა... ეს ყველაფერი აქტიურად აღვიძებს ვირტუალურ ვიზუალურ სურათებს. მეორეს მხრივ, კომპიუტერთან მუშაობისას, მუსიკის შექმნის პროცესი უკვე დაკავშირებულია ხმის ხილვადობასთან - ნოტებთან.როგორც midi მოვლენები, სიგნალის ხმის დონე, ხმის პანორამა, მოძრავი კურსორი და ა.შ. ფერწერაში ჩაძირვა ეხმარება ამოცანის ნათლად „დანახვას“. მუსიკალური განსახიერება, ავსებს მოსწავლეს დადებითი შემოქმედებითი ენერგიით და, რა თქმა უნდა, შთააგონებს ძიებას.
ფერწერის ტექნიკის მოწყობის პროცესში გადატანის მეთოდი შედგება რამდენიმე ეტაპისგან:
- ნახატების შესწავლა, სტილის მიმართულების განსაზღვრა და შესწავლა
- იდეების ფერწერაში თარგმნის მეთოდების გაცნობა
- მოწყობის გეგმის შექმნა, კომპიუტერული პროგრამის ან სინთეზატორის რესურსების (ხმები, ეფექტები, პარამეტრები) კვლევა
- მოწყობის გეგმის განხორციელება, რედაქტირება, დაუფლება.
მეთოდის გამოყენების მაგალითად შეგვიძლია შემოგთავაზოთ ყველაზე თვალსაჩინო და საინტერესო სტილისტური ტენდენციების შესწავლა.
იმპრესიონიზმი
ამ სტილის მიმართულების მხატვრული მნიშვნელობაა შთაბეჭდილება, შანსი, დაბინდვა, სამყაროს გამოსახულება მის ცვალებადობასა და მობილურობაში, წარმავალი შთაბეჭდილებების ჩაწერა.
იმპრესიონისტული ფერწერის ტექნიკა - ბუნდოვანი კონტურები, ფერადი ჩრდილები და ანარეკლები, რთული ტონები იშლება სუფთა, ცალკეულ, მიმდებარე შტრიხებად, მათი ოპტიკური შერევის გათვალისწინებით მაყურებლის თვალში.
იმპრესიონიზმი არანჟირებაში - ყურადღება ბალიშებზე, ხმის ლაქებზე, ბუნდოვან ტექსტურაზე, ფონის ხმების გაძლიერება ნათელი ტემბრების გამო, ტემბრების გლუვი შერწყმა, ფორმის მონაკვეთები. მუსიკალური შემოქმედებითი ამოცანებიყველას შეუძლია დაეუფლოს იმპრესიონისტულ სტილში მოწყობას ფორტეპიანოს ნაწარმოებები, საგანმანათლებლო ჩანახატებიდან C. Debussy, M. Ravel ან საკუთარი კომპოზიციები. ყველაზე ტიპიური ნახატების მაგალითებად შეგვიძლია შემოგთავაზოთ C. Monet, P. Cezanne, O. Renoir და სხვათა ნახატები.
კუბიზმი
სტილის მხატვრული მნიშვნელობა არის აზრის პრიმატი, არსის ცოდნა, სუბიექტურობის ობიექტურობა მთელი თავისი სიმარტივით. საგნის ცოდნა ემოციური კომპონენტის ჩართვის გარეშე. ვიზუალური მედიაკუბიზმი - ობიექტურობა, ფორმის დაშლა ელემენტარულ კომპონენტებად (კუბი, ბურთი, კონუსი და სხვ.). არ არის ფერთა პალიტრა, მხოლოდ ყავისფერი, შავი და ნაცრისფერი ტონები. ობიექტი გამოსახული იყო არა მთლიანობაში, არამედ ნაწილებად და არა ერთი, არამედ რამდენიმე თვალსაზრისით.
კუბისტურ სტილში მოწყობას უნდა ჰქონდეს მკაფიო ფორმა და ტექსტურის აშკარად გამორჩეული ელემენტები. კუბიზმთან განსაკუთრებით ახლოს ჩანს რელიეფური ნამუშევარი, ხასიათია მარყუჟები შემოდის კომპიუტერული პროგრამა. მუსიკალური კუბების - ნიმუშების კომბინაციის საფუძველზე - შეგიძლიათ შექმნათ ნათელი მუსიკალური კომპოზიცია კუბიზმის სტილში. ნიმუშები შეიძლება იყოს მზა, ე.ი. ჩაწერილია კლავიატურის სინთეზატორის პროგრამაში ან მეხსიერებაში და, უფრო მოწინავე არანჟირებისთვის, დამოუკიდებლად შექმნილი. თქვენ ასევე შეგიძლიათ საფუძვლად აიღოთ ე. ვარესის მუსიკა, რომლის იდეები ახლოსაა კუბიზმთან, ჯ. კეიჯი, ა. შონბერგი, მხატვრობაში კუბიზმის თანატოლები. პ. პიკასოს დამახასიათებელი ნახატები შესანიშნავია კუბისტური მხატვრობის შესასწავლად - "აკორდეონისტი", "გოგონა მანდოლინით", "სამი მუსიკოსი" და ა.შ.
მინიმალიზმი
მინიმალიზმის მხატვრული მნიშვნელობა არის სიმარტივე, გარემოში ხელოვანის ჩარევის მინიმუმი. "ნაკლები მეტია" არის მინიმალისტების დევიზი. მინიმალისტური მხატვრების ტექნიკური ტექნიკა არის შემოქმედებით პროცესში გამოყენებული მასალების მინიმალური ტრანსფორმაცია, ფორმების სიმარტივე და ერთგვაროვნება და მონოქრომული.
მუსიკალური მინიმალიზმი დღეს საკმაოდ აქტუალურია. არსებობს მრავალი ნამუშევარი, რომელიც შეიძლება გამოყენებულ იქნას არანჟირების მასალად (ავტორები - A. Pärt, M. Naiman, F. Glass და სხვ.). მინიმალიზმის სტილში მოწყობისას აუცილებელია ფოკუსირება სუფთა ტემბრებზე, გამჭვირვალობაზე, ტექსტურის სიცხადესა და ფორმის სიმარტივეზე.
განსაზღვრული სტილის მიმართულებების გარდა, დიდი ინტერესიწარმოადგენენ ფერწერის ისეთ სფეროებს, როგორიცაა ტაჩიზმი (ლაქებით ხატვა), სუპრემატიზმი (სუფთა ხელოვნების იდეა), გულუბრყვილო, ფანტაზია, გრაფიტი და მრავალი სხვა. ფერწერის ტექნიკის მოწყობის პროცესში გადატანის მეთოდი შეიძლება გამოყენებულ იქნას საგანმანათლებლო კურსებში საშუალო სკოლის მოსწავლეებისა და სტუდენტებისთვის. მუსიკალური კოლეჯები, კოლეჯი ეს მეთოდი მაღალი ესთეტიკური ორიენტაციის წყალობით ამაღლებს მოწყობის საფუძვლების სწავლების პროცესს აკადემიურ დონეზე.
ბიბლიოგრაფია:
- Hakobyan L. Edgar Varez//XX საუკუნე უცხოური მუსიკა. ესეები. დოკუმენტაცია. - მ., გ.ი.ი, 2000 წ.
- დიდი საბჭოთა ენციკლოპედია: 30 ტომი / თავი. რედ. A.M. პროხოროვი. - მე-3 გამოცემა. - მ.: სოვ. ენციკლ., 1969–1978 წ
- Zhivaikin P.L., 600 ხმოვანი და მუსიკალური პროგრამა. პეტერბურგი, 1999 წ
- კრასილნიკოვი I.M., Zavyrylina S.N. მუსიკალური ნაწარმოებების კომპიუტერული არანჟირების თეორიისა და პრაქტიკის საფუძვლები // ელექტრონული მუსიკალური ინსტრუმენტები. სანიმუშო პროგრამების პაკეტი საშუალო დაწესებულებებისთვის პროფესიული განათლება. – Togliatti: “Print-S”, 2006. – 41გვ.
- კრასილნიკოვი ი.მ., მარკუშინა ო.ა. მუსიკალური ნაწარმოებების არანჟირების შექმნა და საშემსრულებლო პრაქტიკა კლავიატურის სინთეზატორზე // ელექტრონული მუსიკალური ინსტრუმენტები. სანიმუშო პროგრამების პაკეტი საშუალო პროფესიული საგანმანათლებლო დაწესებულებებისთვის. – Togliatti: “Print-S”, 2006. – 41გვ.
- Mazur A.K., Sikazin V.M., მუსიკის შესრულების პერსპექტიული პრინციპები კომპიუტერული სისტემების გამოყენებით // ელექტრონული ტექნოლოგია და მუსიკალური ხელოვნება. მ., 1990 წ.
- Petelin R. Yu., Petelin V. Sound სტუდია კომპიუტერში. პეტერბურგი, 1998 წ.
- პოდკოპაევა O.A. კლავიატურის სინთეზატორის კლასში მოსწავლეთა მუსიკალური აზროვნების განვითარების მეთოდები // ხელოვნების პედაგოგიკა. ელექტრონული სამეცნიერო ჟურნალირუსეთის განათლების აკადემიის დაწესებულებები "ხელოვნების განათლების ინსტიტუტი", No3, 2011 წ.http://www.art-education.ru/AE-magazine/archive/nomer-3-2011/podkopaeva-10-09-2011.pdf
დავიწყოთ ნელ-ნელა კომპოზიციების აგება.
მუსიკაში ყველაზე მნიშვნელოვანი და არა მარტო აქ არის შენი თავით მუშაობა. უფრო მეტიც, ერთდროულად ორი ნახევარსფეროს მუშაობა (რაციონალური და შემოქმედებითი).
Ამიტომაც ამ საქმიანობასორმაგად რთული. მაგრამ აქ მისაღებია დიდი ხარვეზები მიზნისა და შედეგის ურთიერთობაში. და ამისთვის არავინ დაგაკარებს. ეს ეხება მხოლოდ თქვენს პირად შემოქმედებას.
Ყველაზე რთული - სამუშაოშეკვეთებზე მეტი. თუ ვინმეს სცადა, იცის რა უნდა დაწეროს, მოთხოვნების ჩამონათვალის მიხედვით რაღაც ძალიან, უკიდურესად რთულია. ამისათვის საჭიროა, მინიმუმ, ნიჭი, გამოცდილება (და არა 2-3 წელი და სასურველია ცოცხალი სპექტაკლები), თქვენი მომავალი ნამუშევრების ნახვისა და იდეების გენერირების შესაძლებლობა (ამისთვის თქვენ უნდა მოუსმინოთ ბევრ სხვადასხვა მუსიკას. სტილები). იგივეა, რაც თამაშის დიზაინი, გამოშვებული პროდუქტების გარდა.
მე ვგულისხმობ იმას, რომ შენს ნამუშევარს, რომელიც დაწერილია ახირებაზე (შთაგონებაზე) ან, მით უმეტეს, თითებიდან ამოღებული (შემთხვევითი კომპოზიცია), ნულოვანი მნიშვნელობა აქვს თქვენი, როგორც კომპოზიტორის განვითარებისთვის. თუ თქვენ შეადგინეთ „თავის გარეთ“ (წარმოიდგინეთ და ითამაშეთ პროდუქტი თქვენს გონებაში) და იცით, როგორ შეარჩიოთ იგი, მაშინ ესეც განვითარების მხოლოდ 50%-ია. ნუ დააყოვნებთ, როცა რაიმეს გაკეთებას გეგმის მიხედვით გთხოვენ. და რაც უფრო მკაცრია გეგმა, მით უკეთესი თქვენთვის და თქვენი განვითარებისთვის. ამისათვის გირჩევთ ოპერას მოუსმინოთ.
იმედია გამოვთქვი რამდენიმე დასაფიქრებელი რამ.
მოწყობა. რა არის ეს ნარევი და როგორ მოვამზადოთ? მე არ ვიცი მეცნიერული განმარტება.
მე მოგცემ ჩემსას. ეს არის ინსტრუმენტული კომპოზიციის ჰარმონიული/მელოდიური კომპლექსი, რომელიც მოიცავს შემდეგ სტრუქტურულ კომპონენტებს:
1. მელოდიური ხაზი.
2. რიტმული ნაწილი.
3. ბას ხაზი (ფაქტობრივად, VIA-ში ჩვეულებრივია ბასის ჩართვა რიტმის განყოფილებაში, თუმცა, როგორც ვიცით, სხვა ჯგუფებში ეს შეიძლება სხვაგვარად გამოვიდეს).
4. აკომპანიმენტი (რიტმული, ჰარმონიული ან მელოდიური)
5. ინსტრუმენტული ფონი (ლაინინგი ან პედალი) - შუალედური, შემავსებელი კომპონენტები და ძალიან ცვალებადი (დამოუკიდებელ ნაწილამდე).
ჩემი განმარტება. ჩემი აზრით უფრო ზუსტია ვიდრე კლასიკური, სადაც მხოლოდ მელოდია და აკომპანიმენტია გამორჩეული (რომელიც თითქმის ყველაფერს მოიცავს).
კომპოზიციის დაბადება შეიძლება მოხდეს ნებისმიერ ეტაპზე. არ აქვს მნიშვნელობა საიდან დაიწყებ.
ახლა რაც შეეხება მნიშვნელოვან საკითხებს.
სანამ თეორიაზე საუბარს დაიწყებთ, უნდა გესმოდეთ შექმნილი კომპოზიციის საფუძველი. სანამ შექმნას დაიწყებთ, დაუსვით საკუთარ თავს კითხვა "რისი მიღწევა მინდა ამ კომპოზიციის შექმნით?" უბრალოდ დროის გატარება გინდა თუ კონკრეტულ შეკვეთას აკეთებ? ან დაიჭირეთ სწორი განწყობა?
Ის არის. შექმნამდე უნდა გაითვალისწინოთ რა უნდა გაიგოს საშუალო ადამიანმა თქვენი კომპოზიციის მოსმენისას. თუ ყველაფერი შემთხვევით შეიქმნა, „ყოველ შემთხვევაში“, მაშინ კარგი არაფერი გამოვა, გარდა იმისა, რომ გაატარებთ რამდენიმე სასიამოვნო საათს.
დაისახეთ მიზნები და გააუმჯობესეთ.
ასე რომ, ჩვენ გადავწყვიტეთ მიზანი. მაგალითად, ჩვენ გვინდა რაღაც სამწუხარო, სევდიანი.
პირველ რიგში, ჩვენ თვითონ ვუქმნით მსგავს განწყობას, რადგან სევდიანი კომპოზიციის შექმნა თუ შესაძლებელია მხიარული განწყობა, უნდა დამეთანხმო - სისულელე. ყველა მუსიკოსი უნდა იყოს მსახიობი. უყურეთ კონცერტებს, სადაც თითქოს საუბრობენ გიტარისტები, პიანისტები, მევიოლინეები და ა.შ., რომლებიც ასრულებენ სოლო პარტიებს. რა არის ეს, ფანჯრის გასახდელი? ეს არის მუსიკოსის შერწყმა თავის ინსტრუმენტთან და მუსიკასთან. მას შეიძლება ეწოდოს მუსიკოსის განვითარების უმაღლესი ეტაპი.
შემდეგ ჩვენ ვმუშაობთ ჩვენი თავებით. თუ ეს არ მუშაობს, ჯერ არ დაიწყოთ სეკვენსერი ან აიღოთ რაიმე ინსტრუმენტი. განაგრძეთ ფიქრი ან ჩართეთ მუსიკა, რომელიც დაკავშირებულია თქვენს განზრახვასთან. საბოლოო ჯამში, ჩამოთვლილი 5 პუნქტიდან ერთ-ერთი უნდა გაიაროს. წაართვით. გაუშვით თქვენს კომპიუტერთან ან ინსტრუმენტთან.
კრეატიულობა იწყება.
ჩვენ ვირჩევთ იმას, რაც გამოგვტაცა მთელი რიგი ფიქრებიდან (თავი, ამ მომენტიდან დაწყებული, იწყებს მუშაობას გაძლიერებულ რეჟიმში და არ წყვეტს მუშაობას შემოქმედების დასრულებამდე). ამის შემდეგ, ჩვენ გავაჩერებთ იმას, რაც გვაქვს საჭირო კომპონენტებით.
ეს არის რეალური მოწყობა. თქვენ ხართ ბასი, დასარტყამი და ზოგადად ყველა ინსტრუმენტი.
აქ უკვე რამდენიმე მიდგომაა. პირველი და საუკეთესო ის არის, რომ შეადგინოთ ყველაფერი თქვენს თავში და შეარჩიოთ იგი. ამის გაკეთება ყოველთვის არ არის შესაძლებელი, მით უმეტეს, თუ დამწყები ხართ.
მეორე არის წმინდა თეორიული. Ყველაზე ცუდი.
და მესამე არის ორივეს კომბინაცია. ყველაზე კომპრომისი.
თავიდან მოგიწევთ ერთდროულად ბევრი რამის გადაწყვეტა. ეს მოიცავს ინსტრუმენტების ტემბრის შერჩევას (როგორც განწყობის გამოხატვის საშუალებას), კომპოზიციის ფრაზირებას და ავტომატიზაციის გამოყენებას. ბევრი ყველაფერი. და ნაკლებად სავარაუდოა, რომ ამ სტატიაში ამ კომპონენტებს შევეხები, რადგან... ამაზე ძალიან დიდხანს შეგვიძლია ვისაუბროთ. ვნახოთ საფუძველი და თეორიულ-სტრუქტურული საფუძველი.
იყო კითხვა აკორდებთან დაკავშირებით. აბა, წარმოვიდგინოთ, რომ 4 აკორდი შევადგინეთ ბ მინორში. ბ მინორი, რე მაჟორი, გრა მაჟორი, ე მინორი.
ჩვენ მაშინვე ვწყვეტთ რიტმს. რა რიტმი უნდა იყოს სევდიან, სევდიან მელოდიაში? არც ისე სწრაფად, მოდით დავაყენოთ აკორდები ზოლის (მთელი) ხანგრძლივობის მიხედვით. მოდით გავაკეთოთ BPM 100. ზომა ნათელია - 4\4. მოდი, აკორდები დავამარცხოთ. შექმნილ აკომპანიმენტს რამდენჯერმე ვუსმენთ. თუ არაფერი მომდის თავში, ძალიან ცუდია. მაგრამ თუ მოგწონთ აკორდის პროგრესირება, შეგიძლიათ გააგრძელოთ. ბოლო ზოლში მხოლოდ ერთი აკორდის დამატება მინდოდა, რადგან... ე მინორი უბრალოდ ითხოვს დასრულებას (დაშვებულია). თქვენ შეგიძლიათ დაამატოთ ან G მაჟორი, ან A მაჟორი, ან F მკვეთრი მინორი. მე ავირჩიე F sharp.
გავაგრძელოთ შემდგომ. მელოდია.
მიუხედავად იმისა, რომ მე სცილდება მნიშვნელოვანი რამ. მელოდია შეიძლება იყოს ორიგინალური ან მორგებული იყოს აკომპანიმენტზე. ასე რომ, შევეხოთ თეორიას. რეჟიმში განასხვავებენ სტაბილურ და არასტაბილურ ნოტებს. 1, 3, 5 - სტაბილური. 2, 4, 6, 7 - არასტაბილური. პრაქტიკიდან გამომდინარე, რატომღაც აღმოჩნდა, რომ 4 და 6 უფრო შესაფერისია ტერმინით "შედარებით არასტაბილური", რადგან არ საჭიროებს დაუყოვნებლივ გადაწყვეტას (გადაწყვეტა არის მიდრეკილება მასშტაბის სტაბილური ნაბიჯებისკენ). იმის მიხედვით, თუ რა რეგულირდება, ჩვენ ვიყენებთ ამ პრინციპს.
თითოეული აკორდი (მაგრამ მხოლოდ კვადრატულ კომპოზიციებში!!!) ინდივიდუალურად უნდა დაკვრა თითოეული აკორდის სტაბილური ხარისხების გამოყენებით მეტრის ძლიერ წილადზე, რომელიც შეესაბამება ეოლურს (სუბდომინანტი), იონურს (მატონიზირებელს), ლიდიას (სუბდომინანტი), დორიანს. (დაღმავალი წამყვანი ხმა) , ფრიგიული რეჟიმი (მედიანტი), შესაბამისად. ეს ეხება კითხვას, თუ როგორ უნდა გადავიდეთ თანმიმდევრულ მონაცემებში. თქვენ ჰკითხავთ. როგორ არის ეს სუბმედიანტის ეოლიური რეჟიმი? ყოველივე ამის შემდეგ, ამ კომპოზიციაში, ეს არის სათაურის გასაღები, მატონიზირებელი. და მე გიპასუხებ. ეს ფრთები აგებულია მხოლოდ ბუნებრივი ძირითადი, იმიტომ მინორი თავისთავად წარმოებულია. და ჩვენ უკვე გადავხედეთ წინა სტატიაში არასრულწლოვანთა დახვეწილობას.
ეს არის მშენებლობის ყველაზე პრიმიტიული გზა, მაგრამ ეს არის საფუძველი და მისგან გზა არ არის.
მელოდიის გართულება შეიძლება მიღწეული იყოს შუალედური (წამყვანი) ნოტების შემოღებით „მოკლე ხანგრძლივობის“ ნოტების ბუნებრივი (ლოგიკური) მატებით. ამ სახის გადინება შეიძლება გაკეთდეს უფრო ხისტი კომპოზიციებისთვის. ეს არ არის შესაფერისი ატმოსფერული, მელანქოლიური ტრასებისთვის.
დაამატეთ დარჩენილი ბასი და დასარტყამი. ჩვენს შემთხვევაში, მათ უნდა შეასრულონ ერთი რიტმული განყოფილების როლი.
ერთი სასაცილო ეპიზოდი გამახსენდა. ეს იყო დიდი ხნის წინ, დაახლოებით 6 წლის წინ. ეს იყო პირველი შემთხვევა, როდესაც შეთანხმებას შევხვდი. შემდეგ ანსამბლის დროს ქ თავისუფალი დროსაშუალება მქონდა მთელი ძალით მეთამაშა რაღაც სათამაშო სინთეზატორი. გასაღებები იყო ბავშვებისთვის (ძალიან პატარა) და მათი შენახვა შესაძლებელია მხოლოდ ბატარეების გამოყენებით. მაგრამ იმ დროს ეს აბსოლუტურად ფანტასტიკური მეჩვენებოდა. დავიწყე ჩემი გიტარის კომპოზიციის შევსება (მელოდია სრულად იყენებდა არასტაბილურ ნოტებს, ამიტომ ძალიან, ძალიან ლამაზი იყო - ახლაც ძლივს გავიმეორებ ამას). უკვე ძიების შეწყვეტიდან დაწყებული, დავიწყე ცვლილებების შეტანა. შემდეგ დავამატე ბასი სრულიად უნიკალური მელოდიით (რათქმაუნდა იყო პიტ ბენდიც კი, რომელსაც განსაკუთრებით გულმოდგინედ ვტანჯავდი), დრამები ყველაზე რთული რიტმით. მოკლედ, ისეთი არეულობა აღმოჩნდა, რომ ძნელი წარმოსადგენია. თუმცა ვიჯექი და გაოგნებული ვიყავი რასაც ვწერდი. რადგან, ალბათ, მხოლოდ ერთს ჰქონდა წარმოდგენა რა იყო. ვგულისხმობ იმას, რომ ყოველი თამაშის ზედმეტად გართულება არ გამოიწვევს კარგს. შესაძლოა ტექნიკურად და მელოდიურად სრულყოფილი იყოს, მაგრამ ძნელი მოსასმენი იქნება და პირველი მოსმენის შემდეგ მსმენელს არ მივა სასურველი ლუ (გააზრების დონე).
გამოქვეყნების თარიღი: 05 მარტი 2002 წ
დამწყები ბენდები მცირე ყურადღებას აქცევენ ერთ მნიშვნელოვან რამეს - არანჟირებას. თუ თქვენ გაქვთ საინტერესო მუსიკალური მასალა, მაშინ კარგი არანჟირება ხაზს უსვამს მის ღირსებებს. თუ თქვენი მელოდიები არ არის ძალიან ექსპრესიული, მაშინ შეგიძლიათ მათი დივერსიფიკაცია არანჟირების დახმარებით.
Ch თანამედროვე ტექნოლოგიები შესაძლებელს ხდის გამოიყენოს ნებისმიერი ტემბრი, ბგერა და ხმაური. ხმების დიდი რაოდენობა შეიძლება ჩამოტვირთოთ ინტერნეტიდან. რა ხმები შეიძლება დაემატოს შეთანხმებებს? თითქმის ნებისმიერი, მთავარია ის გემოვნებითა და მნიშვნელობით შესრულდეს. ალბომში ალან პარსონის პროექტი "იდუმალი და წარმოსახვის ზღაპრები..."ჟღერს ნამდვილი "ცოცხალი" ჭექა-ქუხილი. სიმღერაში Ხოჭოები "Დილა მშვიდობისა"ისმის სხვადასხვა ცხოველის ხმები. ეს ბგერები შერჩეულია მნიშვნელობით. იცი როგორ? პასუხი მოცემულია ამ სტატიის ბოლოს.
ყველა სტილს აქვს მოწყობის საკუთარი ტექნიკა და საკუთარი გადაჭარბებული კლიშეები. შეუძლებელია ყველაფერზე დაწვრილებით საუბარი. რა უნდა გააკეთოთ მოწყობის შექმნამდე:
დაწერეთ სიმღერის ტექსტი და მელოდია.
აირჩიეთ შესაფერისი ტონალობა. იგი არჩეულია, უპირველეს ყოვლისა, ვოკალისტის მოხერხებულობისთვის და მეორეც, მთავარი სოლო ინსტრუმენტის მოხერხებულობისთვის. გიტარისთვის, მაგალითად, არ არის ბევრი მოსახერხებელი კლავიატურა.
გააკეთეთ მელოდიის ჰარმონიზაცია. სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, აირჩიეთ აკორდის პროგრესია. იგივე აკორდის პროგრესირების გამოყენება მრავალი ახალი კომპოზიტორის უბედურებაა. არსებობს ჰარმონიის შეცვლისა და დივერსიფიკაციის გზები. ეს მეთოდებია აკორდის ჩანაცვლების მეთოდები, დამხმარე აკორდები და ა.შ. - დიდი ხანია ცნობილია და აღწერილია სახელმძღვანელოებში (ჯობია არანჟირების შესწავლა ჯაზის წიგნებით დავიწყოთ, რადგან ჯაზი, ფაქტობრივად, იმპროვიზაციისა და თვითშეფასების აკვანია. წიგნები, როგორიცაა დ.ჰერლი"ჯაზ-როკი. არანჟირება კლავიშებისთვის", ვ.მანილოვი, ვ.მოლოტკოვი"ჯაზის აკომპანიმენტის ტექნიკა ექვს სიმიან გიტარაზე", A.G. როგაჩოვი„ჯაზის ჰარმონიის სისტემური კურსი“ და ა.შ.) – აირჩიეთ შესაბამისი ზომა. როკ და პოპ სიმღერებს, როგორც წესი, აქვთ ორი დარტყმის დროის ხელმოწერები (4/4, 2/4) და ნაკლებად ხშირად, სამი დარტყმის დროის ხელმოწერა (6/8, 12/8). ძალიან იშვიათად, უფრო რთული ზომები. კომპოზიცია "ფული" Pink Floydალბომიდან "Dark Side Of The Moon" - ის, სადაც სალარო ჟღერს შესავალში - მის პირველ ნაწილში 7/4 დროშია დაწერილი.
გადაწყვიტეთ სიმღერის სტრუქტურა. სტრუქტურა სავარაუდოდ დამოკიდებული იქნება ტექსტის სიგრძეზე და ბუნებაზე.
ვთქვათ, თქვენი სიმღერა ასე გამოიყურება:
1 ლექსი-გუნდი-2 ლექსი-გუნდი-3 ლექსი-გუნდი-4 ლექსი-გუნდი.
Რა შეიძლება გაკეთდეს? დაამატეთ შესავალი და კოდი. შესავალი შეიძლება იყოს 2-4 ზოლი გუნდიდან და 2 ბარი დასარტყამი პირველ ლექსამდე. შეგიძლიათ დააკავშიროთ 1 და 2 სტროფები ერთად, ამოიღოთ გუნდი მათ შორის. მე-4 სტროფამდე შეგიძლიათ ერთი ტონის მოდულირება. მოდულაციამდე დრამის სოლო კარგად ჟღერს, 2-4 ბარი სავსებით საკმარისია. წინაბოლო გუნდის პირველი ნახევარი შეიძლება იმღეროს გუნდმა "a capella", ანუ თანხლების გარეშე.
ასევე მნიშვნელოვანია სიმღერის ტემპი. დისკო ხასიათდება ტემპით 112...137 დარტყმა წუთში, სახლი და გრანჯი - 130...145, ჯუნგლები - 165...175, ჰარდკორი - 170...175. ბევრ სტილს არ აქვს ასეთი მკაცრი ზღვარი - ტექნო, მაგალითად, შეიძლება იყოს 80-დან 500 დარტყმამდე წუთში.
თქვენ, როგორც არანჟირება, ხართ საკუთარი თავის მოსამართლე. თქვენ გადაწყვიტეთ, როგორ დაამატოთ ბზინვარება თქვენს სიმღერას. თუ კომერციული წარმატების იმედი გაქვთ, უმარტივესი გზაა არანჟირებაში რქების და/ან სიმების გამოყენება. როკ მუსიკაში ამ ტიპის არანჟირების პიონერები არიან The Beatles. სიმღერა "Eleanor Rigby" შეიცავს მხოლოდ სიმებს (4 ვიოლინო, 2 ალტი, 2 ჩელო) და ვოკალი. არანჟირება ჯორჯ მარტინის მიერ. "Yesterday" სიმები და გიტარა. The Beatles ასევე იყვნენ პირველი როკ მუსიკოსები, რომლებიც დაიქირავეს ჩასაწერად სიმფონიური ორკესტრი(სიმღერა "A Day In The Life"), მელოტრონი ("Flying"), სინთეზატორები (ალბომი "Abbey Road").
სპილენძის დამატების უმარტივესი გზა- საქსოფონის სოლო სიმღერის შუაში. თქვენს მეგობრებს და ოჯახს ეს მოეწონებათ. მაგრამ არის ერთი "მაგრამ". მიუხედავად იმისა, რომ სხვა შემთხვევებში შეგიძლიათ გამოიყენოთ სინთეზატორი ან კომპიუტერი, აქ დაგჭირდებათ ცოცხალი საქსოფონისტი. შეგიძლიათ წინასწარ ჩაწეროთ თქვენი სოლო ნოტებით. ყველა ქარის დამკვრელს, სიმებიანი და კლავიატურის დამკვრელს შეუძლია კარგად წაიკითხოს მუსიკა (ეს არ ეხება გიტარისტებს). ჯაზის საქსოფონისტს თუ იპოვი, იმაზე უკეთ დაგიკრავს, ვიდრე შენ გინდა.
სიმღერისთვის სიმძლავრის და დინამიკის დამატების კარგი გზაა ჩაწერა სრული სპილენძის განყოფილება. მისი შემადგენლობა შეიძლება იყოს განსხვავებული:
ორი ინსტრუმენტი (მაგ. საყვირი და ტრომბონი; ორი საქსოფონი)
სამი ინსტრუმენტი (კლარნეტი, საყვირი, ტრომბონი - ტიპიური დიქსილენდის კომპოზიცია, კარგი რეტრო სტილისთვის; ორი საყვირი და ტრომბონი; საყვირი, საქსოფონი, ტრომბონი; სამი საქსოფონი - "გუნდური" საქსოფონი)
ოთხი (ორი საყვირი და ორი ტრომბონი; საყვირი, ტრომბონი, კლარნეტი, საქსოფონი)
შესაძლებელია სხვა ვარიანტებიც. Beatles-ის სიმღერა "Honey Pie" შეიცავს 5 საქსოფონი და 2 კლარნეტი, ხოლო "Savoy Truffle" - 6 საქსოფონი. ყველა ინსტრუმენტის ნაწილები უნდა იყოს გააზრებული და ჩაწერილი ჩანაწერებით, მაშინაც კი, თუ თქვენ აწყობთ კომპიუტერს. ქარებს შეიძლება დაევალოს მელოდიის შესრულება აკორდებში ან პოლიფონიურ პრეზენტაციაში (ოქტავის მელოდია ძალიან მძლავრად ჟღერს), მდგრადი პედლებიანი ნოტები, მოკლე მკვეთრი აკორდები (განსაკუთრებით ცვლილებებით), ხმები და ექო.
თუ ცოცხალ მუსიკოსებს ჩაწერთ, გაითვალისწინეთ, რომ რქები ისე არ ჟღერს, როგორც ფურცელზე წერია. ეს პრობლემები არ წარმოიქმნება სინთეზატორების გამოყენებისას. რაც უფრო ნაკლები რქებია გამოყენებული აკომპანიმენტში, მით უფრო ძლიერად ჟღერს ისინი კულმინაციაში. შეინახეთ ქარები წონასწორობაში სხვა ინსტრუმენტებთან, განსაკუთრებით სიმებთან. კარგი მაგალითებივ. ვისოცკის სასულე განყოფილება-სიმღერების გამოყენება ანსამბლ „მელოდია“-სთან ერთად (არანჟირება გ. გარანიანი), ეს უკანასკნელი. ალბომებიბითლზი, ჯგუფური ჩანაწერები სისხლი, ტკბილი და ცრემლები.
მოწყობის გაფორმების კიდევ ერთი გზაა დამატება სიმებიანი ჯგუფი. აქ კვლავ შეგიძლიათ გამოიყენოთ სინთეზატორები და კომპიუტერი. სიმებს შეიძლება დაეკისროს იგივე ფუნქციები, როგორც ჩასაბერი ინსტრუმენტები: მელოდიის გამტარობა, პედლებიანი ნოტები. სწრაფი პასაჟები და არპეჯიოები ძალიან შთამბეჭდავად ჟღერს სიმებში. დისკოს სტილში ვიოლინოებს შეიძლება მიეცეს მოკლე ფრაზები მკვეთრი რიტმით. ეს ტექნიკა უკვე ტიპიური გახდა. კულმინაციისას ვიოლინოებს შეუძლიათ უმაღლეს რეესტრში მდგრადი პედლებიანი ნოტის დაკვრა. სიმების გამოყენებისას ასევე მნიშვნელოვანია ბალანსი სხვა ინსტრუმენტებთან. სიმებიანი ჯგუფის გამოყენების მაგალითები - The Beatles ალბომები, ჩანაწერები ელექტრო განათებაორკესტრი.
თუ გიტარის ჯგუფი ხართ, შეგიძლიათ ადვილია თქვენი გიტარის არანჟირების დივერსიფიკაცია.
მაგალითად, ორი გიტარა უკრავს აკორდის თანხლებით. მიეცით მათ აკორდები სხვადასხვა პოზიციები. ერთი გიტარა შეიძლება გამოყენებულ იქნას კაპოსთან ან სხვადასხვა ტიუნინგით. კიტ რიჩარდსი ( Როლინგ სტოუნზი) უკრავს D-sol-d-sol-si-d tuning-ში (მეექვსე სიმიდან პირველამდე). ღია ტიუნინგის მრავალი სახეობა გამოიყენება ბლუზში და ხალხური მუსიკა(მაგალითად, ანგლო-კელტური). როლინგ სტოუნზს ხშირად უკრავს სამი გიტარა ერთმანეთში ჩარევის გარეშე. ერთი გიტარა უკრავს მოკლე ერთხმიან ფრაზებს და მოთავსებულია სტერეო პანორამის ცენტრში. დანარჩენი ორი გამოყოფილია არხებით და უკრავს რიტმულ შაბლონს აკორდებით. ერთ-ერთი გიტარა (რიჩარდსი) არატრადიციულად არის დაყენებული. ყველა ნაწილის რიტმული ნიმუში განსხვავებულია. ამიტომ, ისინი არ აჭარბებენ ერთმანეთს, მოწყობა მკვრივი და მდიდარია. თქვენი გიტარის არანჟირებაში შეგიძლიათ გამოიყენოთ სლაიდ დაკვრა (განსაკუთრებით ბლუზში), 12 სიმიანი გიტარა. ამ თემაზე ბევრი ინფორმაცია შეგიძლიათ იხილოთ ვებგვერდზე.
ძალიან მნიშვნელოვანია გასათვალისწინებელი გიტარისა და კლავიშების ბალანსი. მათი ფუნქციები არანჟირებაში მსგავსია და ისინი ერთ რეესტრში თამაშობენ. თუ მოწყობა ძალიან ინტენსიურია, მაშინ ზოგჯერ უმჯობესია შესწიროთ ნაკლებად მნიშვნელოვანი ნაწილი.
თუ არ უკრავთ აკუსტიკურ ინსტრუმენტებზე, მაშინ ხმის იმიტაცია შეიძლება სხვადასხვა გზები. ეს თქვენს მოწყობას მრავალფეროვნებას შემატებს. შეცვალეთ ელექტრონიკის კაშკაშა, მძლავრი ხმა (კულმინაციაში) მდუმარე ხმასთან (აკომპანიმენტში). გამოიყენეთ ძველი ანალოგური სინთეზატორები. დასავლეთში ანალოგური ხმა ისევ მოდაშია. ანალოგური სინთეზატორი საშუალებას მოგცემთ მიიღოთ უჩვეულო ტემბრები და ხმები. სახელები რამეს ნიშნავს შენთვის: დილრუბა, ტამპურა, სვარა-მანდალა? არც მე ვიცი რა არის. მაგრამ ეს ყველაფერი ჟღერს The Beatles-ის სიმღერაში "Within You Without You".
არავინ გაიძულებს სიმფონიური ორკესტრის ჩაწერას. მაგრამ თუ კომპეტენტურ ორგანიზებას გააკეთებთ თქვენს დემო ჩანაწერზე, ეს უფრო მეტ პატივისცემას მოგანიჭებთ. არსებობს მცდარი მოსაზრება, რომ ჩანაწერის ყველა ხარვეზი შეიძლება გამოსწორდეს შერევის დროს. Სიმართლეს არ შეესაბამება. რაც უფრო სერიოზულად მოეკიდებით არანჟირების და ჩანაწერის შექმნას, მით უფრო ნაკლები შეცდომის გამოსწორება მოგიწევთ შერევის დროს. და რაც უფრო ნაკლები არაკეთილსინდისიერი სიტყვა მოისმენთ ხმის ინჟინრისგან. არანჟირების ამოცანაა შეარჩიოს დიდი რაოდენობით კარგი ვარიანტებიაირჩიე საუკეთესო.
და ბოლოს, მე გირჩევდი კარგ სახელმძღვანელოებს მოწყობის შესახებ:
ვ.მოლოტკოვი. არანჟირება გიტარისთვის.
გ.გარანიანი. საესტრადო ინსტრუმენტული და ვოკალურ-ინსტრუმენტული ანსამბლების არანჟირება.
გ.პ.დმიტრიევი. დასარტყამი ინსტრუმენტები. ინტერპრეტაცია და მიმდინარე მდგომარეობა.
ნ.რიმსკი-კორსაკოვი. ორკესტრის პრინციპები. (ეს წიგნი კვლავ იბეჭდება აშშ-ში, როგორც მუსიკალური კოლეჯების სახელმძღვანელო. ამერიკელებსაც კი არ მიაჩნიათ სამარცხვინოდ სწავლა ჩვენი კლასიკოსებისგან). Და სხვა.
P.S. დაპირებული პასუხი: სიმღერაში "დილა მშვიდობისა" ლენონმა შესთავაზა ცხოველების ხმების ჩაწერა, რათა ყოველი მომდევნო შეჭამოს ან შეაშინოს წინა. ანუ ცხოველები თითქოს ერთმანეთს მისდევენ.
