იაპონიის მონოქრომული მხატვრობა აღმოსავლური ხელოვნების ერთ-ერთი უნიკალური ფენომენია. მას ბევრი სამუშაო და კვლევა მიეძღვნა, მაგრამ ის ხშირად აღიქმება როგორც ძალიან ჩვეულებრივი და ზოგჯერ დეკორატიულადაც კი. ეს ასე არ არის, იაპონელი მხატვრის სულიერი სამყარო ძალიან მდიდარია და მას არა იმდენად ესთეტიკური კომპონენტი ადარდებს, რამდენადაც სულიერი. აღმოსავლეთის ხელოვნება არის გარეგანი და შინაგანი, ექსპლიციტური და იმპლიციტურის სინთეზი.
ამ პოსტში მინდა ყურადღება მივაქციო არა მონოქრომული მხატვრობის ისტორიას, არამედ მის არსს. ეს არის ის, რაზეც ვისაუბრებთ.
ეკრანი "Pines" ჰასეგავა ტოჰაკუ, 1593 წ
რასაც ჩვენ ვხედავთ მონოქრომული ნახატებში, მხატვრის ურთიერთქმედების შედეგია ძირითად ტრიადასთან: ქაღალდი, ფუნჯი, მელანი. ამიტომ, ნამუშევრის სწორად გასაგებად, თქვენ უნდა გესმოდეთ თავად მხატვარი და მისი დამოკიდებულება.
"პეიზაჟი" სეშუ, 1398 წ
ქაღალდიიაპონელი ოსტატისთვის ეს ადვილი არ არის იმპროვიზირებული მასალა, რომელსაც ის ემორჩილება თავის ახირებას, არამედ პირიქით - ეს არის „ძმა“ და, შესაბამისად, მის მიმართ დამოკიდებულებაც შესაბამისად განვითარდა. ქაღალდი გარემომცველი ბუნების ნაწილია, რომელსაც იაპონელები ყოველთვის პატივისცემით ეპყრობოდნენ და ცდილობდნენ არა დაემორჩილებინათ, არამედ მშვიდობიანად ეცხოვრათ მასთან. ქაღალდი არის ხე წარსულში, რომელიც იდგა გარკვეულ ადგილას გარკვეული დროით, "ხედავდა" რაღაცას მის გარშემო და ინახავს ყველაფერს. ასე აღიქვამს მასალას იაპონელი მხატვარი. ხშირად, მუშაობის დაწყებამდე, ოსტატები დიდხანს უყურებდნენ ცარიელ ფურცელს (ჭვრეტდნენ მას) და მხოლოდ ამის შემდეგ იწყებდნენ ხატვას. ახლაც, თანამედროვე იაპონელი მხატვრები, რომლებიც იყენებენ ნიჰონ-გას ტექნიკას (ტრადიციული იაპონური მხატვრობა) ყურადღებით ირჩევენ ქაღალდს. შეკვეთით ყიდულობენ ქაღალდის ქარხნებიდან. თითოეულ მხატვარს აქვს გარკვეული სისქე, ტენიანობის გამტარიანობა და ტექსტურა (ბევრი მხატვარი აფორმებს შეთანხმებას ქარხნის მფლობელთან, რომ არ მიჰყიდოს ეს ქაღალდი სხვა მხატვრებს) - შესაბამისად, თითოეული ნახატი აღიქმება, როგორც რაღაც უნიკალური და ცოცხალი.
"კითხვა ბამბუკის კორომში" Xubun, 1446 წ
ამ მასალის მნიშვნელობაზე საუბრისას, აღსანიშნავია შემდეგი ცნობილი ძეგლებიიაპონური ლიტერატურა, როგორიცაა სეი შონაგონის „შენიშვნები საწოლის გვერდით“ და მურასაკი შიკიბუს „გენჯი მონოგოტარი“: როგორც „ნოტებში“ ასევე „გენჯიში“ შეგიძლიათ იპოვოთ ნაკვეთები, როდესაც კარისკაცები ან შეყვარებულები ცვლიან შეტყობინებებს. ქაღალდი, რომელზედაც ეს შეტყობინებები იყო დაწერილი, იყო წელიწადის შესაბამისი დროის, ჩრდილისა და ტექსტის წერის წესი მის ტექსტურას შეესაბამებოდა.
"მურასაკი შიკიბუ იშიამას სალოცავში" კიოსენი
ფუნჯი- მეორე კომპონენტი არის ოსტატის ხელის გაგრძელება (ისევ ეს არის ბუნებრივი მასალა). ამიტომ, ფუნჯებიც შეკვეთით მზადდებოდა, მაგრამ ყველაზე ხშირად თავად მხატვრის მიერ. მან შეარჩია საჭირო სიგრძის თმები, შეარჩია ფუნჯის ზომა და ყველაზე კომფორტული სახელური. ოსტატი ხატავს მხოლოდ საკუთარი ფუნჯით და არა სხვა. (დან პირადი გამოცდილება: მე ვიყავი ჩინელი მხატვრის ჯიანგ შილუნის მასტერკლასზე, აუდიტორიამ სთხოვა ეჩვენებინა, თუ რისი გაკეთება შეეძლოთ მის სტუდენტებს, რომლებიც ესწრებოდნენ მასტერკლასს და თითოეულმა მათგანმა, აიღო სამაგისტრო ფუნჯი, თქვა, რომ შედეგი არ იქნებოდა. რას ელოდნენ, რადგან ფუნჯი არა ისინი, არ არიან მიჩვეულები და არ იციან როგორ გამოიყენონ სწორად).
კაცუშიკა ჰოკუსაის "ფუჯი" მელნის ესკიზი
ტუში- მესამე მნიშვნელოვანი ელემენტი. ტუში გამოდის სხვადასხვა ტიპში: მას შეუძლია გაშრობის შემდეგ პრიალა ან მქრქალი ეფექტის მიცემა, შეიძლება შერეული იყოს ვერცხლის ან ოხრის ფერებში, ასე რომ. სწორი არჩევანიტუში ასევე არ არის უმნიშვნელო.
იამამოტო ბაიცუ, გვიანი XVIII- XIX საუკუნე.
მონოქრომული ფერწერის ძირითადი საგნებია პეიზაჟები. რატომ არ არის მათში ფერები?
დაწყვილებული ეკრანი "Pines", ჰასეგავა ტოჰაკუ
ჯერ ერთი, იაპონელი მხატვარი არ არის დაინტერესებული თავად ობიექტით, არამედ მისი არსით, გარკვეული კომპონენტით, რომელიც საერთოა ყველა ცოცხალი არსებისთვის და იწვევს ჰარმონიას ადამიანსა და ბუნებას შორის. მაშასადამე, გამოსახულება ყოველთვის მინიშნებაა, ის მიმართულია ჩვენს გრძნობებს და არა ხედვას. გაუგებრობა არის დიალოგის სტიმული და, შესაბამისად, კავშირი. ხაზები და ლაქები მნიშვნელოვანია გამოსახულებაში - ისინი ქმნიან მხატვრული ენა. ეს არ არის ოსტატის თავისუფლება, რომელმაც დატოვა გაბედული კვალი, სადაც სურდა, არამედ სხვაგან, პირიქით, დაქვეითდა - სურათზე ყველაფერს თავისი მნიშვნელობა და მნიშვნელობა აქვს და არ არის შემთხვევითი.
მეორეც, ფერი ყოველთვის ატარებს რაიმე სახის ემოციურ კონოტაციას და განსხვავებულად აღიქმება სხვადასხვა მდგომარეობაში მყოფი ადამიანების მიერ, ამიტომ ემოციური ნეიტრალიტეტი მაყურებელს საშუალებას აძლევს ყველაზე ადეკვატურად შევიდეს დიალოგში, განათავსოს იგი აღქმისთვის, ჭვრეტისთვის და აზროვნებისთვის.
მესამე, ეს არის იინისა და იანგის ურთიერთქმედება; ნებისმიერი მონოქრომული ნახატი ჰარმონიულია მელნის თანაფარდობის თვალსაზრისით ქაღალდის ხელუხლებელ არეალთან.
რატომ უმეტესობაქაღალდის ადგილი არ არის გამოყენებული?
"პეიზაჟი" Xubun, მე -15 საუკუნის შუა ხანები.
პირველ რიგში, ცარიელი სივრცე ჩაძირავს მაყურებელს სურათში; მეორეც, გამოსახულება იქმნება ისე, თითქოს ერთი წუთით ამოფრინდა ზედაპირზე და გაქრება - ეს დაკავშირებულია მსოფლმხედველობასთან და მსოფლმხედველობასთან; მესამე, იმ ადგილებში, სადაც მელანი არ არის, ქაღალდის ტექსტურა და ჩრდილი გამოდის წინა პლანზე (ეს ყოველთვის არ ჩანს რეპროდუქციაში, მაგრამ სინამდვილეში ეს ყოველთვის არის ორი მასალის ურთიერთქმედება - ქაღალდი და მელნი).
სეშუ, 1446 წ
რატომ პეიზაჟი?
"ჩანჩქერის ჭვრეტა" გაიამი, 1478 წ
იაპონური მსოფლმხედველობის მიხედვით, ბუნება უფრო სრულყოფილია ვიდრე ადამიანი, ამიტომ მან უნდა ისწავლოს მისგან, დაიცვას იგი ყოველმხრივ და არ გაანადგუროს ან დაიმორჩილოს იგი. ამიტომ, ბევრ პეიზაჟში შეგიძლიათ იხილოთ ადამიანების მცირე გამოსახულებები, მაგრამ ისინი ყოველთვის უმნიშვნელოა, მცირეა თავად ლანდშაფტთან მიმართებაში, ან ქოხების გამოსახულებები, რომლებიც ჯდება მათ მიმდებარე სივრცეში და ყოველთვის არ არის შესამჩნევი - ეს ყველაფერი სიმბოლოა. მსოფლმხედველობა.
"სეზონები: შემოდგომა და ზამთარი" სეშუ. "პეიზაჟი" სეშუ, 1481 წ
დასასრულს, მინდა ვთქვა, რომ მონოქრომული იაპონური მხატვრობა არ არის ქაოტურად მოფენილი მელანი, ეს არ არის მხატვრის შინაგანი ეგოს ახირება - ეს არის სურათებისა და სიმბოლოების მთელი სისტემა, ეს არის ფილოსოფიური აზროვნების საცავი და რაც მთავარია, საკუთარი თავის და ჩვენს გარშემო სამყაროს კომუნიკაციისა და ჰარმონიზაციის გზა.
აქ, ვფიქრობ, არის პასუხები იმ მთავარ კითხვებზე, რომლებიც ჩნდება მაყურებელში მონოქრომული იაპონური მხატვრობის წინაშე. ვიმედოვნებ, რომ ისინი დაგეხმარებიან მის ყველაზე სწორად გაგებაში და შეხვედრისას მის აღქმაში.
ნაკლებად სავარაუდოა, რომ იაიოი კუსამა შეძლებს უპასუხოს, თუ რა დაედო საფუძვლად მის, როგორც მხატვრის კარიერას. ის 87 წლისაა, მისი ხელოვნება მთელ მსოფლიოშია აღიარებული. მალე იქნება მისი ნამუშევრების დიდი გამოფენები აშშ-სა და იაპონიაში, მაგრამ მას ჯერ არ უამბო მსოფლიოს ყველაფერი. „ის ჯერ კიდევ გზაშია. მე ვაპირებ ამის შექმნას მომავალში“, - ამბობს კუსამა. მას იაპონიაში ყველაზე წარმატებულ მხატვრად უწოდებენ. გარდა ამისა, ის ყველაზე ძვირადღირებული ცოცხალი მხატვარია: 2014 წელს მისი ნახატი „თეთრი No28“ 7,1 მილიონ დოლარად გაიყიდა.
კუსამა ტოკიოში ცხოვრობს და თითქმის ორმოცი წელია ნებაყოფლობით იმყოფება ფსიქიატრიულ საავადმყოფოში. დღეში ერთხელ ტოვებს მის კედლებს ხატვისთვის. ის დილის სამ საათზე დგება, ვერ იძინებს და სურს სამსახურში ნაყოფიერად გაატაროს დრო. „ახლა ბებერი ვარ, მაგრამ მაინც ვაპირებ მეტი ნამუშევრის შექმნას და უკეთესი ნამუშევრის შექმნას. იმაზე მეტი, ვიდრე წარსულში გავაკეთე. ჩემი გონება სავსეა სურათებით“, - ამბობს ის.
(სულ 17 ფოტო)
იაიოი კუსამა თავისი ნამუშევრების გამოფენაზე ლონდონში 1985 წელს. ფოტო: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock
ცხრადან ექვსამდე კუსამა მუშაობს თავის სამსართულიან სტუდიაში, ადგომის გარეშე ინვალიდის ეტლი. მას შეუძლია სიარული, მაგრამ ძალიან სუსტია. ქალი მუშაობს მაგიდებზე გაშლილ ან იატაკზე დამაგრებულ ტილოზე. სტუდია სავსეა ახალი ნახატებით, პატარა ლაქებით მოფენილი ნათელი ნამუშევრებით. მხატვარი ამას უწოდებს „თვითგაჩუმებას“ – გაუთავებელ გამეორებას, რომელიც ახშობს მის თავში არსებულ ხმაურს.
2006 წლის Praemium Imperiale ხელოვნების დაჯილდოებამდე ტოკიოში. ფოტო: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock
ახალი გალერეა მალე გაიხსნება ქუჩის მოპირდაპირედ და მისი ხელოვნების კიდევ ერთი მუზეუმი შენდება ტოკიოს ჩრდილოეთით. გარდა ამისა, იხსნება მისი ნამუშევრების ორი მთავარი გამოფენა. „იაიოი კუსამა: უსასრულობის სარკეები“, მისი 65-წლიანი კარიერის რეტროსპექტივა, გაიხსნა ჰირშჰორნის მუზეუმში ვაშინგტონში 23 თებერვალს და გაგრძელდება 14 მაისამდე, სანამ გაემგზავრება სიეტლში, ლოს-ანჯელესში, ტორონტოში და კლივლენდში. გამოფენა მოიცავს კუსამას 60 ნახატს.
მისი პოლკა წერტილები მოიცავს ყველაფერს, Louis Vuitton-ის კაბებიდან დაწყებული, მშობლიურ ქალაქში ავტობუსებამდე. კუსამას ნამუშევრები რეგულარულად იყიდება მილიონობით დოლარად და შეგიძლიათ ნახოთ მთელ მსოფლიოში, ნიუ-იორკიდან ამსტერდამამდე. ნამუშევრების გამოფენები იაპონელი მხატვარიიმდენად პოპულარული, რომ საჭიროა ზომების მიღება ჭყლეტისა და არეულობის თავიდან ასაცილებლად. მაგალითად, ჰირშჰორნში, გამოფენის ბილეთები იყიდება გარკვეული დროით, რათა როგორმე დარეგულირდეს ვიზიტორების ნაკადი.
Louis Vuitton-ისა და Yayoi Kusama-ს ერთობლივი დიზაინის პრეზენტაცია ნიუ-იორკში 2012 წელს. ფოტო: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
მაგრამ კუსამას ჯერ კიდევ სჭირდება გარე დამტკიცება. როდესაც ინტერვიუში ჰკითხეს, მიაღწია თუ არა მიზანს, გამდიდრება და ცნობილი გამხდარიყო ათწლეულების წინ, მან გაკვირვებით თქვა: „როცა პატარა ვიყავი, ძალიან მიჭირდა დედაჩემის დარწმუნება, რომ მინდოდა მხატვარი გავმხდარიყავი. მართალია, რომ მდიდარი და ცნობილი ვარ?
კუსამა დაიბადა მაცუმოტოში, ცენტრალური იაპონიის მთებში, 1929 წელს მდიდარ და კონსერვატიულ ოჯახში, რომელიც ყიდდა ნერგებს. მაგრამ ეს არ იყო ბედნიერი სახლი. დედამ აბუჩად იგდო მისი მოღალატე ქმარი და გაგზავნა პატარა კუსამა მის დასაზვერად. გოგონამ მამამისი სხვა ქალებთან ერთად დაინახა და ამან მას სექსისადმი უწყვეტი ზიზღი მისცა.
Louis Vuitton-ის ბუტიკის ფანჯარა, რომელიც შექმნილია კუსამას მიერ 2012 წელს. ფოტო: ჯო შილჰორნი/BFA/REX/Shutterstock
ბავშვობაში მან დაიწყო ვიზუალური და სმენითი ჰალუცინაციები. გოგრა პირველად რომ დაინახა, წარმოიდგინა, რომ მას ელაპარაკებოდა. მომავალი მხატვარი გაუმკლავდა ხილვებს განმეორებითი შაბლონების შექმნით, რათა დაემხო აზრები მის თავში. პატარა ასაკშიც კი, ხელოვნება მისთვის ერთგვარი თერაპია გახდა, რომელსაც მოგვიანებით "ხელოვნების მედიცინა" უწოდა.
იაიოი კუსამას ნამუშევრები გამოფენილია მუზეუმში თანამედროვე ხელოვნებაუიტნი 2012 წელს. ფოტო: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
კუსამას დედა კატეგორიულად ეწინააღმდეგებოდა ქალიშვილის სურვილს გამხდარიყო მხატვარი და დაჟინებით მოითხოვდა, რომ გოგონა ტრადიციულ გზას გაჰყოლოდა. ”ის არ მაძლევდა დახატვის უფლებას. მას უნდოდა ჩემი გათხოვება“, - თქვა მხატვარმა ინტერვიუში. - ჩემი ნამუშევარი გადაყარა. მატარებლის ქვეშ გადაგდება მინდოდა. ყოველდღე დედასთან ვჩხუბობდი და ამიტომ გონება დამიზიანდა“.
1948 წელს, ომის დამთავრების შემდეგ, კუსამა გაემგზავრა კიოტოში ტრადიციული შესწავლის მიზნით იაპონური მხატვრობანიჰონგა მკაცრი წესებით. მას სძულდა ამ ტიპის ხელოვნება.
ერთ-ერთი ექსპონატი იაიოი კუსამას გამოფენიდან უიტნის თანამედროვე ხელოვნების მუზეუმში 2012 წელს. ფოტო: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
როდესაც კუსამა მაცუმოტოში ცხოვრობდა, მან იპოვა ჯორჯია ო'კიფის წიგნი და გაოცებული დარჩა მისი ნახატებით. გოგონა წავიდა ამერიკის საელჩოში ტოკიოში, რათა ეპოვა სტატია ო’კიფის შესახებ იქ არსებულ დირექტორიაში და გაეგო მისი მისამართი. კუსამამ მას წერილი მისწერა და რამდენიმე ნახატი გაუგზავნა და მისდა გასაკვირად, ამერიკელი მხატვარიუპასუხა მას.
„არ მჯეროდა ჩემი ბედი! ის ისეთი კეთილი იყო, რომ უპასუხა მოკრძალებული გრძნობების უეცარ გამოვლენას იაპონელი გოგოები, რომელსაც ცხოვრებაში არ შეხვედრია და არც კი სმენია“, - წერს მხატვარი თავის ავტობიოგრაფიაში „Infinity Net“.
იაიოი კუსამა თავისი Louis Vuitton-ის ბუტიკის ვიტრინაზე ნიუ-იორკში 2012 წელს. ფოტო: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock
მიუხედავად ო'კიფის გაფრთხილებისა, რომ შეერთებულ შტატებში ახალგაზრდა ხელოვანებისთვის ცხოვრება ძალიან რთული იყო, რომ აღარაფერი ვთქვათ იაპონიაში მარტოხელა ახალგაზრდა გოგონებისთვის, კუსამა შეუჩერებელი იყო. 1957 წელს მან მოახერხა პასპორტის და ვიზის აღება. მან კაბებში დოლარი შეკერა, რათა თავიდან აეცილებინა ომის შემდგომი ვალუტის მკაცრი კონტროლი.
პირველი გაჩერება იყო სიეტლი, სადაც მან გამოფენა გამართა პატარა გალერეაში. შემდეგ კუსამა ნიუ-იორკში წავიდა, სადაც მწარედ იმედგაცრუებული იყო. „ომისშემდგომი მაცუმოტოსგან განსხვავებით, ნიუ-იორკი ყველა გაგებით ბოროტი და ძალადობრივი ადგილი იყო. ეს ძალიან სტრესული აღმოჩნდა ჩემთვის და მალევე ჩავვარდი ნევროზში“. უფრო უარესი, კუსამა აღმოჩნდა სრული სიღარიბე. ძველი კარი მის საწოლს ემსახურებოდა და ნაგვის ურნებიდან თევზაობდა თევზის თავებს და დამპალ ბოსტნეულს, რომ წვნიანი გაეკეთებინა.
ინსტალაცია Infinity Mirror Room - Love Forever („ოთახი უსასრულობის სარკეებით - სიყვარული სამუდამოდ“). ფოტო: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock
ამ რთულმა მდგომარეობამ აიძულა კუსამა კიდევ უფრო ჩაეფლო თავის საქმეში. მან დაიწყო თავისი პირველი ნახატების შექმნა Infinity Net სერიიდან, რომელიც ფარავდა უზარმაზარ ტილოებს (ერთ-ერთი მათგანი იყო 10 მეტრის სიმაღლეზე) პატარა მარყუჟების მომხიბლავი ტალღებით, რომლებიც თითქოს არასდროს მთავრდებოდა. თავად მხატვარმა ისინი ასე აღწერა: „თეთრი ქსელები, რომლებიც ფარავს ჩუმი სიკვდილის შავ წერტილებს არაფრის უიმედო სიბნელის ფონზე“.
ინსტალაცია იაიოი კუსამას მიერ 2015 წელს მოსკოვის გორკის კულტურისა და კულტურის ცენტრალურ პარკში თანამედროვე ხელოვნების ავტოფარეხის მუზეუმის ახალი შენობის გახსნაზე. ფოტო: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock
ეს აკვიატებული გამეორება დაეხმარა ნევროზის განდევნას, მაგრამ ეს ყოველთვის არ ზოგავდა. კუსამა მუდმივად იტანჯებოდა ფსიქოზის შეტევებით და მთავრდებოდა ნიუ-იორკის საავადმყოფოში. იყო ამბიციური და მიზანდასახული და სიხარულით მიიღო კიმონოში ეგზოტიკური აზიელი გოგონას როლი, ის შეუერთდა ბრბოს გავლენიანი ადამიანებიხელოვნებაში და დაუკავშირდა ისეთ აღიარებულ მხატვრებს, როგორებიც არიან მარკ როტკო და ენდი უორჰოლი. მოგვიანებით კუსამამ თქვა, რომ უორჰოლმა მის ნამუშევრებს მიბაძა.
კუსამამ მალე მოიპოვა პოპულარობა და გამოიფინა ხალხმრავალ გალერეებში. გარდა ამისა, მხატვრის პოპულარობა სკანდალური გახდა.
1960-იან წლებში, როდესაც კუსამა გატაცებული იყო პოლკა წერტილებით, მან დაიწყო მოვლენების დადგმა ნიუ იორკში, მოუწოდებდა ხალხს გაშიშვლდნენ ისეთ ადგილებში, როგორიცაა ცენტრალური პარკი და ბრუკლინის ხიდი და დახატავდნენ სხეულებს პოლკა წერტილებით.
წინასწარ ჩვენება ჩართულია გამოფენა ხელოვნებაბაზელი ჰონგ კონგში 2013 წელს. ფოტო: ბილი ფარელი/BFA/REX/Shutterstock
მოძრაობა Occupy Wall Street-მდე ათწლეულებით ადრე, კუსამამ მოაწყო მოვლენა ნიუ-იორკის ფინანსურ უბანში, სადაც განაცხადა, რომ მას სურდა "უოლ სტრიტის კაცების განადგურება პოლკა წერტილებით". დაახლოებით ამ დროს მან დაიწყო სხვადასხვა საგნების დაფარვა - სკამი, ნავი, ეტლი - ფალოსური გამონაყარებით. "დავიწყე პენისების შექმნა სექსისადმი ზიზღის განსაკურნებლად", - წერს მხატვარი და აღწერს როგორ შემოქმედებითი პროცესითანდათან აქცევს საშინელს რაღაც ნაცნობად.
ინსტალაცია "გასული ზამთარი" ლონდონის Tate Gallery-ში. ფოტო: ჯეიმს გურლი/REX/Shutterstock
კუსამა არასოდეს დაქორწინებულა, თუმცა ნიუ-იორკში ცხოვრებისას მას ათი წლის განმავლობაში ჰქონდა ქორწინების მსგავსი ურთიერთობა მხატვარ ჯოზეფ კორნელთან. "მე არ მიყვარდა სექსი და ის იმპოტენტური იყო, ამიტომ ერთმანეთს ძალიან კარგად ვეფერებოდით", - თქვა მან Art Magazine-თან ინტერვიუში.
კუსამა სულ უფრო ცნობილი ხდებოდა თავისი ხრიკებით: მან შესთავაზა დაძინება აშშ-ს პრეზიდენტ რიჩარდ ნიქსონთან, თუ ის დაასრულებდა ომს ვიეტნამში. "მოდით, ერთმანეთი პოლკა წერტილებით გავალამაზოთ", - წერდა იგი მას წერილში. თავად მისი ხელოვნებისადმი ინტერესი გაქრა, იგი კეთილგანწყობილი აღმოჩნდა და ფულის პრობლემები კვლავ დაიწყო.
იაიოი კუსამა მისი ნამუშევრების რეტროსპექტივის დროს ნიუ-იორკში უიტნის თანამედროვე ხელოვნების მუზეუმში 2012 წელს. ფოტო: სტივ ეიხნერი/პენსკე მედია/REX/Shutterstock
კუსამას გაქცევის შესახებ ცნობებმა იაპონიაში მიაღწია. მათ დაიწყეს მას "ეროვნული კატასტროფის" დარქმევა და დედამ თქვა, რომ უკეთესი იქნება, თუ მისი ქალიშვილი ბავშვობაში ამ დაავადებით გარდაიცვალა. 1970-იანი წლების დასაწყისში გაღატაკებულმა და ვერ მოხერხდაკუსამა იაპონიაში დაბრუნდა. იგი დარეგისტრირდა ფსიქიატრიულ საავადმყოფოში, სადაც ჯერ კიდევ ცხოვრობს და მხატვრულ ბუნდოვანებაში ჩაიძირა.
1989 წელს ნიუ-იორკში თანამედროვე ხელოვნების ცენტრმა დადგა მისი ნამუშევრების რეტროსპექტივა. ეს იყო კუსამას ხელოვნებისადმი ინტერესის აღორძინების დასაწყისი, თუმცა ნელი. მან სარკისებური ოთახი გოგრით შეავსო ინსტალაციისთვის, რომელიც გამოიფინა ვენეციის ბიენალეზე 1993 წელს, ხოლო 1998 წელს ნიუ-იორკში, MoMa-ში დიდი გამოფენა გაიმართა. ეს ის ადგილია, სადაც მან ერთხელ მოაწყო მოვლენა.
გამოფენაზე My Eternal Soul in ეროვნული ცენტრიხელოვნება ტოკიოში, 2017 წლის თებერვალი. ფოტო: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
ბოლო რამდენიმე წლის განმავლობაში იაიოი კუსამა საერთაშორისო ფენომენად იქცა. ლონდონის ტეიტ მოდერნ გალერეამ და ნიუ-იორკში უიტნის მუზეუმმა ჩაატარეს ძირითადი რეტროსპექტივები, რომლებმაც მიიპყრო მნახველების უზარმაზარი ბრბო და მისი საკულტო პოლკა წერტილოვანი ნიმუში გახდა ძალიან ცნობადი.
გამოფენაზე ჩემი მარადიული სული ტოკიოს ეროვნულ ხელოვნების ცენტრში, 2017 წლის თებერვალი. ფოტო: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
მხატვარი არ გეგმავს მუშაობის შეწყვეტას, მაგრამ დაიწყო ფიქრი მის სიკვდილზე. „არ ვიცი რამდენ ხანს შევძლებ სიკვდილის შემდეგაც კი. არის მომავალი თაობა, რომელიც ჩემს კვალს მიჰყვება. ჩემთვის დიდი პატივი იქნება, თუ ხალხი სიამოვნებით უყურებს ჩემს ნამუშევრებს და თუ ისინი აღფრთოვანებული იქნებიან ჩემი ხელოვნებით“.
გამოფენაზე ჩემი მარადიული სული ტოკიოს ეროვნულ ხელოვნების ცენტრში, 2017 წლის თებერვალი. ფოტო: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
მიუხედავად მისი ხელოვნების კომერციალიზაციისა, კუსამა ფიქრობს საფლავზე მაცუმოტოში - არა საოჯახო საძვალეში, ის მაინც მემკვიდრეობით მიიღო მშობლებისგან - და როგორ არ გადააქციოს იგი სალოცავად. ”მაგრამ მე ჯერ არ ვკვდები. ვფიქრობ, კიდევ 20 წელი ვიცოცხლებ“, - ამბობს ის.
გამოფენაზე ჩემი მარადიული სული ტოკიოს ეროვნულ ხელოვნების ცენტრში, 2017 წლის თებერვალი. ფოტო: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
გამარჯობა, ძვირფასო მკითხველებო - ცოდნისა და სიმართლის მაძიებლებო!
იაპონელი მხატვრები განსხვავებულები არიან უნიკალური სტილი, დახვეწილი ოსტატების მთელი თაობის მიერ. დღეს ვისაუბრებთ იაპონური მხატვრობის ყველაზე თვალსაჩინო წარმომადგენლებზე და მათ ნახატებზე, უძველესი დროიდან თანამედროვეობამდე.
აბა, მოდით ჩავუღრმავდეთ ამომავალი მზის ქვეყნის ხელოვნებას.
ხელოვნების დაბადება
იაპონიაში მხატვრობის უძველესი ხელოვნება უპირველეს ყოვლისა ასოცირდება დამწერლობის თავისებურებებთან და ამიტომ აგებულია კალიგრაფიის საფუძვლებზე. პირველი ნიმუშები მოიცავს გათხრების დროს აღმოჩენილი ბრინჯაოს ზარების, ჭურჭლისა და საყოფაცხოვრებო ნივთების ფრაგმენტებს. ბევრი მათგანი მოხატული იყო ბუნებრივი საღებავებიდა კვლევები იძლევა საფუძველს ვიფიქროთ, რომ პროდუქტები დამზადდა 300 წელზე ადრე.
ხელოვნების განვითარების ახალი რაუნდი დაიწყო იაპონიაში ჩასვლით. ბუდისტური პანთეონის ღვთაებების გამოსახულებები, მასწავლებლისა და მისი მიმდევრების ცხოვრებიდან სცენები გამოყენებული იყო ემაკიმონოზე - სპეციალური ქაღალდის გრაგნილები.
მხატვრობაში რელიგიური თემების გაბატონება შეიძლება შუა საუკუნეების იაპონიაში, კერძოდ, მე-10-მე-15 საუკუნეებში. იმ ეპოქის ხელოვანთა სახელები, სამწუხაროდ, დღემდე არ შემორჩენილა.
მე-15-მე-18 საუკუნეების პერიოდში იწყება ახალი დრო, რომელიც ხასიათდება განვითარებული მხატვრების გამოჩენით. ინდივიდუალური სტილი. მათ დანიშნეს ვექტორი შემდგომი განვითარებავიზუალური ხელოვნება.
წარსულის ნათელი წარმომადგენლები
დაძაბული Xubun (მე-15 საუკუნის დასაწყისი)
იმისათვის, რომ გამხდარიყო გამოჩენილი ოსტატი, სიუბუნმა შეისწავლა ჩინეთის სიმღერის შემსრულებლების წერის ტექნიკა და მათი ნამუშევრები. შემდგომში იგი გახდა იაპონიაში მხატვრობის ერთ-ერთი ფუძემდებელი და სუმი-ე-ს შემქმნელი.
სუმი-ე - ხელოვნების სტილი, რომელიც დაფუძნებულია მელნით ნახატზე, რაც ნიშნავს ერთ ფერს.
ქსუბუნმა ბევრი რამ გააკეთა ახალი სტილიმხატვრულ წრეებში დამკვიდრდა, ხელოვნებას ასწავლიდა სხვა ნიჭიერებს, მათ შორის მომავალს ცნობილი მხატვრებიმაგალითად სეშუ.
Ყველაზე პოპულარული ფერწერასიუბუნას ჰქვია "კითხვა ბამბუკის ჭალებში".
"კითხვა ბამბუკის გროვში" დაძაბული Xubun
ჰასეგავა ტოჰაკუ (1539-1610)
ის გახდა საკუთარი თავის სახელობის სკოლის – ჰასეგავას შემქმნელი. თავიდან ის ცდილობდა კანოს სკოლის კანონებს მიჰყოლოდა, მაგრამ თანდათან მის ნამუშევრებში დაიწყო მისი ინდივიდუალური „ხელწერა“. Tohaku ხელმძღვანელობდა Sesshu გრაფიკით.
სამუშაოს საფუძველი იყო მარტივი, ლაკონური, მაგრამ რეალისტური პეიზაჟებიმარტივი სახელებით:
- "ფიჭვები";
- "ნეკერჩხალი";
- "ფიჭვი და აყვავებული მცენარეები."
ჰასეგავა ტოჰაკუს "ფიჭვები".
ძმები ოგატა კორინი (1658-1716) და ოგატა კენზანი (1663-1743)
ძმები მე-18 საუკუნის შესანიშნავი ხელოსნები იყვნენ. უფროსმა, ოგატა კორინმა, მთლიანად მიუძღვნა მხატვრობას და დააარსა რიმპას ჟანრი. ის გაურბოდა სტერეოტიპულ სურათებს, ამჯობინებდა იმპრესიონისტულ ჟანრს.
ოგატა კორინმა დახატა ბუნება ზოგადად და ყვავილები განსაკუთრებით ნათელი აბსტრაქციების სახით. მისი ფუნჯები ეკუთვნის ნახატებს:
- "ქლიავის ყვავილი წითელი და თეთრი";
- "მაცუშიმას ტალღები";
- "ქრიზანთემები".
ოგატა კორინის "მაცუშიმას ტალღები".
უმცროს ძმას, ოგატა კენზანს, ბევრი ფსევდონიმი ჰქონდა. მიუხედავად იმისა, რომ იგი მხატვრობით იყო დაკავებული, ის უფრო ცნობილი კერამიკოსი იყო.
ოგატა კენზანი დაეუფლა კერამიკის შექმნის ბევრ ტექნიკას. იგი გამოირჩეოდა არასტანდარტული მიდგომით, მაგალითად, კვადრატის სახით ქმნიდა ფირფიტებს.
საკუთარი მხატვრობა არ გამოირჩეოდა ბრწყინვალებით - ეს იყო მისი თავისებურებაც. მას უყვარდა გრაგნილის მსგავსი კალიგრაფიის ან პოეზიის ნაწყვეტების გამოყენება თავის ნივთებზე. ხანდახან ძმასთან ერთად მუშაობდნენ.
კაცუშიკა ჰოკუსაი (1760-1849)
მან შექმნა უკიიო-ე სტილში - ერთგვარი ხის კვეთა, სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, გრავიურა. მთელი თავისი კარიერის განმავლობაში მან 30-მდე სახელი შეცვალა. ცნობილი ნამუშევარი – « დიდი ტალღაკანაგავაში“, რისი წყალობითაც იგი ცნობილი გახდა სამშობლოს ფარგლებს გარეთ.
ჰოკუსაი კაცუშიკას "დიდი ტალღა კანაგავას მიღმა".
ჰოკუსაიმ განსაკუთრებით მძიმე შრომა დაიწყო 60 წლის შემდეგ, რამაც კარგი შედეგი მოიტანა. ვან გოგი, მონე და რენუარი იცნობდნენ მის შემოქმედებას და გარკვეულწილად მან გავლენა მოახდინა ევროპელი ოსტატების მუშაობაზე.
ანდო ჰიროშიგე (1791-1858)
მე-19 საუკუნის ერთ-ერთი უდიდესი მხატვარი. იგი დაიბადა, ცხოვრობდა და მოღვაწეობდა ედოში, განაგრძო ჰოკუსაის მოღვაწეობა და შთაგონებული იყო მისი ნამუშევრებით. ის, თუ როგორ ასახავდა ბუნებას, თითქმის ისეთივე შთამბეჭდავია, როგორც თავად ნამუშევრების რაოდენობა.
ედო - ყოფილი სახელიტოკიო.
აქ არის რამდენიმე ფიგურა მისი ნამუშევრის შესახებ, რომლებიც წარმოდგენილია ნახატების სერიით:
- 5,5 ათასი – ყველა გრავიურის რაოდენობა;
- „ედოს 100 ხედვა;
- „ფუჯის 36 ხედი“;
- "კისოკაიდოს 69 სადგური";
- "ტოკაიდოს 53 სადგური."
ანდო ჰიროშიგეს ნახატი
საინტერესოა, რომ გამოჩენილმა ვან გოგმა დახატა მისი გრავიურების რამდენიმე ეგზემპლარი.
თანამედროვეობა
ტაკაში მურაკამი
მხატვარი, მოქანდაკე, ტანსაცმლის დიზაინერი, მან სახელი უკვე მე-20 საუკუნის ბოლოს მოიპოვა. თავის ნამუშევრებში ის მიჰყვება მოდის ტენდენციებს კლასიკური ელემენტებით და შთაგონებას ანიმე და მანგას მულტფილმებიდან იღებს.
ტაკაში მურაკამის ნახატი
ტაკაში მურაკამის ნამუშევრები განიხილება სუბკულტურად, მაგრამ ამავე დროს ისინი წარმოუდგენლად პოპულარულია. მაგალითად, 2008 წელს მისი ერთ-ერთი ნამუშევარი აუქციონზე 15 მილიონ დოლარად იყიდეს. ერთ დროს თანამედროვე შემოქმედი მოდის სახლებთან Marc Jacobs და Louis Vuitton-თან ერთად მუშაობდა.
მშვიდი აშიმა
წინა მხატვრის კოლეგა, ის ქმნის თანამედროვე სიურეალისტურ ნახატებს. ისინი ასახავს ქალაქების ხედებს, მეგაპოლისების ქუჩებს და არსებებს, თითქოს სხვა სამყაროდან - მოჩვენებები, ბოროტი სულები, უცხო გოგონები. ნახატების ფონზე ხშირად შეგიძლიათ შეამჩნიოთ ხელუხლებელი, ზოგჯერ შემაშინებელი ბუნებაც.
მისი ნახატები აღწევს დიდი ზომებიდა იშვიათად შემოიფარგლება მხოლოდ ქაღალდის მედიით. ისინი გადაეცემა ტყავის და პლასტმასის მასალებს.
2006 წელს, ბრიტანეთის დედაქალაქში გამოფენის ფარგლებში, ქალმა შექმნა 20-მდე თაღოვანი სტრუქტურა, რომლებიც ასახავდნენ სოფლისა და ქალაქის ბუნების სილამაზეს, დღე და ღამე. ერთმა მათგანმა მეტრო სადგური დაამშვენა.
ჰეი არაკავა
ახალგაზრდას არ შეიძლება ეწოდოს მხოლოდ მხატვარი ამ სიტყვის კლასიკური გაგებით - ის ქმნის 21-ე საუკუნის ხელოვნებაში ასე პოპულარულ ინსტალაციას. მისი გამოფენების თემები ნამდვილად იაპონურია და ეხება როგორც მეგობრულ ურთიერთობებს, ასევე მთელი გუნდის მუშაობას.
ჰეი არაკავა ხშირად მონაწილეობს სხვადასხვა ბიენალეში, მაგალითად, ვენეციაში, გამოფენს თავისი სამშობლოს თანამედროვე ხელოვნების მუზეუმში და დამსახურებულად იღებს სხვადასხვა სახის ჯილდოებს.
იკენაგა იასუნარი
თანამედროვე მხატვარმა იკენაგა იასუნარიმ მოახერხა ორი ერთი შეხედვით შეუთავსებელი ნივთის შერწყმა: თანამედროვე გოგონების ცხოვრება პორტრეტულ ფორმაში და ტრადიციული ტექნიკაიაპონია უძველესი დროიდან მოდის. თავის ნამუშევრებში მხატვარი იყენებს სპეციალურ ფუნჯებს, ბუნებრივ პიგმენტურ საღებავებს, მელანს და ნახშირს. ჩვეულებრივი თეთრეულის ნაცვლად - თეთრეულის ქსოვილი.
იკენაგა იასუნარის ნახატი
გამოსახული ეპოქის კონტრასტის მსგავსი ტექნიკა და გარეგნობაჰეროინები ქმნიან შთაბეჭდილებას, თითქოს წარსულიდან დაგვიბრუნდნენ.
ნიანგის ცხოვრების სირთულეების შესახებ ნახატების სერია, რომელიც ახლახან პოპულარული იყო ინტერნეტ საზოგადოებაში, ასევე შექმნა იაპონელმა კარიკატურისტმა კეიგომ.
დასკვნა
ასე რომ, იაპონური მხატვრობა ჩვენს წელთაღრიცხვამდე III საუკუნეში დაიწყო და მას შემდეგ ბევრი რამ შეიცვალა. პირველი გამოსახულებები გამოიყენეს კერამიკაზე, შემდეგ ბუდისტურმა მოტივებმა დაიწყეს გაბატონება ხელოვნებაში, მაგრამ ავტორების სახელები დღემდე არ შემორჩენილა.
თანამედროვე ეპოქაში ფუნჯის ოსტატები სულ უფრო მეტ ინდივიდუალობას იძენენ და შექმნეს სხვადასხვა მიმართულებები და სკოლები. დღევანდელი სახვითი ხელოვნება არ შემოიფარგლება მხოლოდ ტრადიციული მხატვრობა- გამოიყენება ინსტალაციები, კარიკატურები, ხელოვნების ქანდაკებები და სპეციალური სტრუქტურები.
დიდი მადლობა ყურადღებისთვის, ძვირფასო მკითხველებო! ვიმედოვნებთ, რომ ჩვენი სტატია თქვენთვის სასარგებლო აღმოჩნდა და ისტორიები ცხოვრებისა და შემოქმედების შესახებ ყველაზე ნათელი წარმომადგენლებიხელოვნებამ საშუალება მოგვცა უკეთ გაგვეცნო ისინი.
რა თქმა უნდა, რთულია ერთ სტატიაში საუბარი ყველა ხელოვანზე ანტიკურ დროიდან დღემდე. ამიტომ, ეს იყოს პირველი ნაბიჯი იაპონური მხატვრობის გასაგებად.
და შემოგვიერთდით - გამოიწერეთ ბლოგი - ჩვენ ერთად შევისწავლით ბუდიზმს და აღმოსავლურ კულტურას!
რომელიც მოიცავს ბევრ ტექნიკას და სტილს. თავისი არსებობის ისტორიის მანძილზე მან გაიარა დიდი რიცხვიცვლილებები. დაემატა ახალი ტრადიციები და ჟანრები და დარჩა ორიგინალური იაპონური პრინციპები. Ერთად საოცარი ამბავიიაპონური ფერწერა ასევე მზად არის წარმოადგინოს მრავალი უნიკალური და საინტერესო ფაქტი.
ძველი იაპონია
პირველი სტილები ჩნდება ქვეყნის უძველეს ისტორიულ პერიოდში, ძვ.წ. ე. მაშინ ხელოვნება საკმაოდ პრიმიტიული იყო. ჯერ 300 წ. ე., სხვადასხვა გეომეტრიული ფიგურები, რომლებიც შესრულდა ჭურჭელზე ჯოხებით. არქეოლოგების ასეთი აღმოჩენა, როგორც ბრინჯაოს ზარების ორნამენტი, გვიანდელი დროით თარიღდება.
ცოტა მოგვიანებით, უკვე 300 წ. ე., გამოჩნდება გამოქვაბულის ნახატები, რომლებიც ბევრად უფრო მრავალფეროვანია გეომეტრიული ორნამენტი. ეს უკვე სრულფასოვანი სურათებია სურათებით. ისინი საძვალეში აღმოაჩინეს და, სავარაუდოდ, ამ სამარხებში დაკრძალეს მათზე დახატული ადამიანები.
VII საუკუნეში ე. იაპონია იღებს მწერლობას, რომელიც მოდის ჩინეთიდან. დაახლოებით ამავე დროს იქიდან მოვიდა პირველი ნახატები. შემდეგ მხატვრობა ხელოვნების ცალკეულ სფეროდ გვევლინება.
ედო
ედო შორს არის პირველი და არა უკანასკნელი ნახატისაგან, მაგრამ კულტურაში ბევრი ახალი რამ შემოიტანა. უპირველეს ყოვლისა, ეს არის სიკაშკაშე და ფერადოვნება, რომელიც დაემატა ჩვეულებრივ ტექნიკას, რომელიც შესრულებულია შავი და ნაცრისფერი ტონები. სოტასუ ამ სტილის ყველაზე გამორჩეულ მხატვრად ითვლება. Მან შექმნა კლასიკური ნახატები, მაგრამ მისი პერსონაჟები ძალიან ფერადი იყო. მოგვიანებით ის ბუნებაზე გადავიდა და მისი პეიზაჟების უმეტესობა მოოქროვილი ფონზე იყო დახატული.
მეორეც, ედოს პერიოდში გაჩნდა ეგზოტიკა, ნამბანის ჟანრი. გამოიყენებოდა თანამედროვე ევროპული და ჩინელი ტექნიკოსები, რომელიც გადაჯაჭვულია ტრადიციულ იაპონურ სტილებთან.
და მესამე, ჩნდება ნანგას სკოლა. მასში მხატვრები ჯერ მთლიანად ბაძავენ ან თუნდაც კოპირებენ ჩინელი ოსტატების ნამუშევრებს. შემდეგ ჩნდება ახალი ფილიალი, რომელსაც ბუნჯინგი ჰქვია.
მოდერნიზაციის პერიოდი
ედო პერიოდი მეიჯს უთმობს და ახლა იაპონური მხატვრობა იძულებულია ახალი ეტაპიგანვითარება. ამ დროს მსოფლიოში პოპულარული ხდებოდა ისეთი ჟანრები, როგორიცაა ვესტერნი და მსგავსი, ამიტომ ხელოვნების მოდერნიზაცია გახდა საერთო მდგომარეობა. თუმცა, იაპონიაში, ქვეყანაში, სადაც ყველა ადამიანი პატივს სცემს ტრადიციებს, მოცემული დროვითარება მნიშვნელოვნად განსხვავდებოდა სხვა ქვეყნებში ხდებოდა. აქ სასტიკი კონკურენციაა ევროპელ და ადგილობრივ ტექნიკოსებს შორის.
მთავრობა ამ ეტაპზე უპირატესობას ახალგაზრდა ხელოვანებს ანიჭებს, რომლებიც წარუდგენენ დიდი იმედებიდასავლურ სტილში უნარების გასაუმჯობესებლად. ამიტომ აგზავნიან მათ ევროპისა და ამერიკის სკოლებში.
მაგრამ ეს მხოლოდ პერიოდის დასაწყისში იყო. ფაქტია რომ ცნობილი კრიტიკოსებიდასავლური ხელოვნება საკმაოდ მკაცრად გააკრიტიკეს. ამ საკითხთან დაკავშირებით ბევრი აჟიოტაჟის თავიდან ასაცილებლად, ევროპული სტილებიდა ტექნიკის აკრძალვა დაიწყო გამოფენებზე, მათი ჩვენება შეწყდა, ისევე როგორც მათი პოპულარობა.
ევროპული სტილის გაჩენა
შემდეგი მოდის ტაიშოს პერიოდი. ამ დროს სამშობლოში ბრუნდებიან უცხოურ სკოლებში სასწავლებლად წასული ახალგაზრდა ხელოვანები. ბუნებრივია, მათ თან მოაქვთ იაპონური მხატვრობის ახალი სტილები, რომლებიც ძალიან ჰგავს ევროპულს. ჩნდება იმპრესიონიზმი და პოსტიმპრესიონიზმი.
ამ ეტაპზე ყალიბდება მრავალი სკოლა, რომლებშიც უძველეს იაპონური სტილები. მაგრამ დასავლური ტენდენციებისგან სრულად მოშორება შეუძლებელია. ამიტომ, ჩვენ უნდა გავაერთიანოთ რამდენიმე ტექნიკა, რათა მოვიწონოთ როგორც კლასიკის მოყვარულები, ასევე თანამედროვე ევროპული ფერწერის მოყვარულები.
ზოგიერთ სკოლას სახელმწიფო აფინანსებს, რის წყალობითაც მრავალი ეროვნული ტრადიციის შენარჩუნებაა შესაძლებელი. კერძო მესაკუთრეები იძულებულნი არიან მიჰყვნენ მომხმარებელთა მაგალითს, რომლებსაც სურდათ რაიმე ახალი; ისინი დაიღალნენ კლასიკისგან.
ნახატი მეორე მსოფლიო ომისგან
ომის დაწყების შემდეგ, იაპონური მხატვრობა გარკვეული დროით მოშორებული დარჩა მოვლენებისგან. იგი განვითარდა ცალკე და დამოუკიდებლად. მაგრამ ეს სამუდამოდ ვერ გაგრძელდებოდა.
დროთა განმავლობაში, როდესაც ქვეყანაში პოლიტიკური ვითარება უარესდება, მაღალი და პატივცემული მოღვაწეები ბევრ ხელოვანს იზიდავს. ზოგიერთმა მათგანმა პატრიოტული სტილით შექმნა ომის დასაწყისშიც კი დაიწყო. დანარჩენები ამ პროცესს მხოლოდ ხელისუფლების ბრძანებით იწყებენ.
შესაბამისად, იაპონურმა სახვითმა ხელოვნებამ ვერ განვითარდა განსაკუთრებით მეორე მსოფლიო ომის დროს. ამიტომ, ფერწერისთვის მას შეიძლება ეწოდოს სტაგნაცია.
მარადიული სუიბოკუგა
იაპონური სუმი-ე ფერწერა, ან სუიბოკუგა, სიტყვასიტყვით ნიშნავს "მელნით მხატვრობას". ეს განსაზღვრავს სტილს და ტექნიკას ამ ხელოვნების. ის ჩინეთიდან მოვიდა, მაგრამ იაპონელებმა გადაწყვიტეს დაარქვეს მას საკუთარი. და თავდაპირველად ტექნიკას არ ჰქონდა რაიმე ესთეტიკური მხარე. მას იყენებდნენ ბერები თვითგანვითარებისთვის ზენის შესწავლისას. უფრო მეტიც, ისინი ჯერ ხატავდნენ ნახატებს და შემდეგ ავარჯიშებდნენ კონცენტრაციას მათი ნახვისას. ბერებს სჯეროდათ, რომ მკაცრი ხაზები, ბუნდოვანი ტონები და ჩრდილები - ყველაფერი რასაც მონოქრომული ჰქვია - ეხმარება გაუმჯობესებას.
იაპონური მელნით მხატვრობა, ნახატებისა და ტექნიკის მრავალფეროვნების მიუხედავად, არ არის ისეთი რთული, როგორც ერთი შეხედვით შეიძლება ჩანდეს. იგი დაფუძნებულია მხოლოდ 4 ნაკვეთზე:
- ქრიზანთემა.
- ორქიდეა.
- ქლიავის ტოტი.
- ბამბუკი.
ნაკვეთების მცირე რაოდენობა არ აჩქარებს ტექნიკის დაუფლებას. ზოგიერთი ოსტატი თვლის, რომ სწავლა გრძელდება მთელი ცხოვრება.
მიუხედავად იმისა, რომ სუმი-ე დიდი ხნის წინ გამოჩნდა, ის ყოველთვის მოთხოვნადია. უფრო მეტიც, დღეს ამ სკოლის ოსტატებს შეხვდებით არა მხოლოდ იაპონიაში, ის ფართოდ არის გავრცელებული მის საზღვრებს მიღმა.
თანამედროვე პერიოდი
მეორე მსოფლიო ომის დასრულების შემდეგ იაპონიაში ხელოვნება მხოლოდ აყვავდა მთავარი ქალაქები, სოფლის მცხოვრებლებსა და სოფლის მცხოვრებლებს საკმარისი წუხილი ჰქონდათ. უმეტესწილად, მხატვრები ცდილობდნენ თავი დაეღწიათ ომის დროს დანაკარგებისგან და ტილოზე გამოესახათ თანამედროვე ქალაქის ცხოვრება მთელი თავისი შემკულობითა და მახასიათებლებით. ევროპული და ამერიკული იდეები წარმატებით იქნა მიღებული, მაგრამ ეს მდგომარეობა დიდხანს არ გაგრძელებულა. ბევრმა ოსტატმა თანდათან დაიწყო მათგან დაშორება იაპონური სკოლებისკენ.
ყოველთვის მოდური დარჩა. ამიტომ, თანამედროვე იაპონური ფერწერა შეიძლება განსხვავდებოდეს მხოლოდ შესრულების ტექნიკით ან პროცესში გამოყენებული მასალებით. მაგრამ მხატვრების უმეტესობა კარგად ვერ აღიქვამს სხვადასხვა სიახლეებს.
შეუძლებელია არ ავღნიშნოთ მოდური თანამედროვე სუბკულტურები, როგორიცაა ანიმე და მსგავსი სტილები. ბევრი მხატვარი ცდილობს გააფუჭოს ზღვარი კლასიკასა და დღეს მოთხოვნადს შორის. უმეტესწილად, ეს მდგომარეობა განპირობებულია კომერციით. კლასიკა და ტრადიციული ჟანრებისინამდვილეში, ისინი არ ყიდულობენ, შესაბამისად, წამგებიანია მხატვრად მუშაობა საყვარელ ჟანრში, თქვენ უნდა მოერგოთ მოდას.
დასკვნა
უდავოა, იაპონური მხატვრობა სახვითი ხელოვნების საგანძურია. შესაძლოა, აღნიშნული ქვეყანა ერთადერთი იყო, რომელიც არ მიჰყვებოდა დასავლურ ტენდენციებს და არ ეგუებოდა მოდას. ახალი ტექნიკის გამოჩენის დროს მრავალი დარტყმის მიუხედავად, იაპონელმა მხატვრებმა მაინც შეძლეს ეროვნული ტრადიციების დაცვა მრავალ ჟანრში. ალბათ ამიტომაა, რომ კლასიკურ სტილში შესრულებულ ნახატებს დღეს ძალიან აფასებენ გამოფენებზე.
გიყვართ იაპონური მხატვრობა? რამდენად იცით ცნობილი იაპონელი მხატვრების შესახებ? მოდით ამ სტატიაში გადავხედოთ ყველაზე ცნობილ იაპონელ მხატვრებს, რომლებმაც შექმნეს თავიანთი ნამუშევრები ukiyo-e (浮世絵) სტილში. მხატვრობის ეს სტილი ედო პერიოდიდან განვითარდა. იეროგლიფები, რომლებიც გამოიყენება ამ სტილის დასაწერად 浮世絵 სიტყვასიტყვით ნიშნავს "ცვალებადი სამყაროს სურათებს (სურათებს)", შეგიძლიათ მეტი წაიკითხოთ ფერწერის ამ მიმართულების შესახებ.
ჰიშიკავა მორონობუ(菱川師宣, 1618-1694). ითვლება ukiyo-e ჟანრის ფუძემდებლად, თუმცა, ფაქტობრივად, ის მხოლოდ პირველი ოსტატია, რომლის სიცოცხლეც შენარჩუნებულია. ბიოგრაფიული ინფორმაცია. მორონობუ დაიბადა ქსოვილების შეღებვისა და ოქროსა და ვერცხლის ძაფებით ქარგვის ოსტატების ოჯახში. დიდი ხანის განმვლობაშიეწეოდა საოჯახო ხელობას, ამიტომ მისი შემოქმედების გამორჩეული თვისებაა ლამაზმანების ლამაზად გაფორმებული სამოსი, რაც შესანიშნავ მხატვრულ ეფექტს იძლევა.
ედოში გადასული, ჯერ დამოუკიდებლად შეისწავლა მხატვრობის ტექნიკა, შემდეგ კი სწავლა გააგრძელა მხატვარმა კამბუნმა.
ჩვენამდე მოაღწიეთ ძირითადად მორონობუს ალბომებიდან, რომლებშიც ის ასახავს ისტორიულ და ლიტერატურულ საგნებს და წიგნებს კიმონოს ნიმუშებით. ოსტატი მუშაობდა შუნგას ჟანრშიც და მათ შორის ინდივიდუალური სამუშაოებიშემორჩენილია რამდენიმე ლამაზი ქალის ამსახველი. 
(鳥居清長, 1752-1815). მე-18 საუკუნის ბოლოს აღიარებული ოსტატი სეკი (სეკიგუჩი) შინსუკე (იშიბეი) ატარებდა ფსევდონიმს ტორიი კიიონაგა, რომელიც მან მიიღო ტორიის უკიიო-ე სკოლის მემკვიდრეობით ტორიი კიიომიცუდან ამ უკანასკნელის გარდაცვალების შემდეგ.
კიიონაგა დაიბადა წიგნის გამყიდველის შირაკოია იშიბეის ოჯახში. Ყველაზე ცნობილიბიჯინგას ჟანრმა მოუტანა, თუმცა იაკუშა-ე-ით დაიწყო. ბიჯინგას ჟანრში გრავიურების საგნები იყო აღებული Ყოველდღიური ცხოვრების: გასეირნება, სადღესასწაულო მსვლელობა, გასეირნება ბუნებაში. მხატვრის მრავალ ნამუშევრებს შორის არის სერია "მოდური ლამაზმანების კონკურსები მხიარული უბნები", რომელიც ასახავს მინამი, ერთ-ერთი "მხიარული კვარტალი" ედოს სამხრეთით, "სამხრეთელი ლამაზმანების 12 პორტრეტი", "ჩაის 10 სახეობის მაღაზია". გამორჩეული თვისებაოსტატი იყო დეტალური შესწავლა ფონური ხედისა და დასავლეთიდან შემოსული ტექნიკის გამოყენება სინათლისა და სივრცის გამოსახვისთვის.
კიიონაგამ თავდაპირველი პოპულარობა მოიპოვა 1782 წელს სერიის განახლებით "მოდის ნიმუშები: მოდელები ახალი, როგორც საგაზაფხულო ფოთლები", რომელიც დაიწყო კორიუსაიმ 1770-იან წლებში გამომცემლის Nishimurai Yohachi-სთვის.
(喜多川歌麿, 1753-1806). ამ გამოჩენილ უკიიო-ე ოსტატზე მნიშვნელოვანი გავლენა მოახდინეს ტორი კიიონაგამ და გამომცემელმა ცუტაია ჯუზაბურომ. ამ უკანასკნელთან ხანგრძლივი თანამშრომლობის შედეგად გამოიცა მრავალი ალბომი, წიგნი ილუსტრაციებითა და გრავიურების სერიებით.
იმისდა მიუხედავად, რომ უტამარო საგნებს იღებდა უბრალო ხელოსნების ცხოვრებიდან და ცდილობდა ბუნების გამოსახვას ("მწერების წიგნი"), მას პოპულარობა მოუვიდა, როგორც იოშივარას კვარტალის გეიშებისადმი მიძღვნილი ნამუშევრების მხატვარი ("Yoshiwara Green Houses Yearbook" ”).
უთამარომ მიაღწია მაღალი დონეგამოხატვისას გონების მდგომარეობაფურცელზე. პირველად იაპონურ ხეზე მან დაიწყო ბიუსტის კომპოზიციების გამოყენება.
სწორედ უტამაროს შემოქმედებითობამ მოახდინა გავლენა ფრანგი იმპრესიონისტებიდა ხელი შეუწყო ევროპულ ინტერესს იაპონური ნაბეჭდების მიმართ.
(葛飾北斎, 1760-1849). ჰოკუსაის ნამდვილი სახელია ტოკიტარო. ალბათ ყველაზე ფართოდ ცნობილი ukiyo-e ოსტატი მთელს მსოფლიოში. მთელი თავისი კარიერის განმავლობაში მან გამოიყენა ოცდაათზე მეტი ფსევდონიმი. ისტორიკოსები ხშირად იყენებენ ფსევდონიმებს მისი ნაწარმოებების პერიოდიზაციისთვის.
თავიდან ჰოკუსაი მუშაობდა კარვერად, რომლის მუშაობაც შეზღუდული იყო მხატვრის განზრახვებით. ამ ფაქტმა მძიმედ დაამძიმა ჰოკუსაი და მან დაიწყო საკუთარი თავის, როგორც დამოუკიდებელი მხატვრის ძებნა.
1778 წელს იგი გახდა შეგირდი კაცუკავა შუნშოს სტუდიაში, რომელიც სპეციალიზირებული იყო იაკუშა-ე პრინტებში. ჰოკუსაი იყო ნიჭიერი და ძალიან შრომისმოყვარე მოსწავლე, რომელიც ყოველთვის პატივს სცემდა მასწავლებლის მიმართ და ამიტომ სარგებლობდა შუნშოს განსაკუთრებული კეთილგანწყობით. ამრიგად, პირველი დამოუკიდებელი მუშაობაჰოკუსაი იყო იაკუშა-ე ჟანრში დიპტიქებისა და ტრიპტიქების სახით და მოსწავლის პოპულარობა უტოლდებოდა მასწავლებლის პოპულარობას. ამ დროს ახალგაზრდა ოსტატს უკვე ისე ჰქონდა განვითარებული ნიჭი, რომ ერთ სკოლაში თავს შევიწროებულად გრძნობდა, ხოლო მასწავლებლის გარდაცვალების შემდეგ ჰოკუსაიმ დატოვა სტუდია და შეისწავლა სხვა სკოლების მიმართულებები: კანო, სოტაცუ (სხვაგვარად კოეცუ). რიმპა, ტოსა.
ამ პერიოდში მხატვარს მნიშვნელოვანი ფინანსური სირთულეები განიცადა. მაგრამ ამავე დროს ხდება მისი ოსტატად ჩამოყალიბება, რომელიც უარს ამბობს ჩვეულ იმიჯზე, რომელსაც საზოგადოება ითხოვდა და საკუთარ სტილს ეძებს.
1795 წელს პოეტური ანთოლოგიის „კეკა ედო მურასაკის“ ილუსტრაციებმა დღის სინათლე იხილა. შემდეგ ჰოკუსაიმ დახატა სურიმონოს ნახატები, რომლებმაც მაშინვე დაიწყეს პოპულარობის მოპოვება და ბევრმა მხატვარმა დაიწყო მათი მიბაძვა.
ამ პერიოდიდან ტოკიტარომ დაიწყო თავისი ნამუშევრების ხელმოწერა ჰოკუსაის სახელწოდებით, თუმცა მისი ზოგიერთი ნამუშევარი გამოიცა ფსევდონიმებით Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek.
1800 წელს ოსტატმა თავის თავს გაკეჯინ ჰოკუსაი უწოდა, რაც ნიშნავს "მხატვრობის შეშლილ ჰოკუსაი".
TO ცნობილი სერიალიილუსტრაციები მოიცავს „ფუჯის მთის 36 ხედს“, რომელთაგან ყველაზე აღსანიშნავია „გამარჯვების ქარი. წმინდა დღე" ან "წითელი ფუჯი" და "კანაგავას დიდი ტალღა", "ფუჯის მთის 100 ხედები", გამოშვებული სამ ალბომში "ჰოკუსაის მანგა" (北斎漫画), რომელსაც უწოდებენ "იაპონელი ხალხის ენციკლოპედიას". . მხატვარმა "მანგაში" ჩადო ყველა თავისი შეხედულება შემოქმედებისა და ფილოსოფიის შესახებ. „მანგა“ ყველაზე მნიშვნელოვანი წყაროა იმდროინდელი იაპონიის ცხოვრების შესასწავლად, რადგან მასში ბევრი შედის კულტურული ასპექტები. სულ თორმეტი ნომერი გამოიცა მხატვრის სიცოცხლეში და კიდევ სამი მისი გარდაცვალების შემდეგ:
* 1815 - II, III
* 1817 - VI, VII
* 1849 - XIII (მხატვრის გარდაცვალების შემდეგ)
ჰოკუსაის ხელოვნებამ გავლენა მოახდინა ასეთზე ევროპული მიმართულებები, როგორიცაა არტ ნუვო და ფრანგული იმპრესიონიზმი.
(河鍋暁斎, 1831 -1889). იყენებდა ფსევდონიმებს Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin და სწავლობდა კანოს სკოლაში.
ჰოკუსაისგან განსხვავებით, კიოსაი საკმაოდ თავხედი იყო, რამაც გამოიწვია მისი განხეთქილება მხატვარ ცუბოიამა ტოზანთან. სკოლის შემდეგ იგი დამოუკიდებელი ოსტატი გახდა, თუმცა ხანდახან სკოლაში კიდევ ხუთი წელი დადიოდა. იმ დროს ის ხატავდა კიოგას, ეგრეთ წოდებულ „გიჟურ ნახატებს“.
გამორჩეულ გრავიურ ნამუშევრებს შორისაა კიოსაის ასი ნახატი. როგორც ილუსტრატორი, კიოსაი ქმნის სურათებს მოთხრობებისა და რომანებისთვის სხვა მხატვრებთან თანამშრომლობით.
მე-19 საუკუნის ბოლოს ევროპელები ხშირად სტუმრობდნენ იაპონიას. მხატვარი იცნობდა ზოგიერთ მათგანს და მისი რამდენიმე ნამუშევარი ახლა ბრიტანეთის მუზეუმშია.
(歌川広重, 1797-1858). ის მუშაობდა ფსევდონიმით ანდო ჰიროშიგე (安藤広重) და ცნობილია ბუნებრივი მოტივების დახვეწილი გადმოცემით. ბუნებრივი ფენომენი. მან დახატა თავისი პირველი ნახატი "ფუჯი მთა თოვლში", რომელიც ახლა ინახება ტოკიოს სანტორის მუზეუმში ათი წლის ასაკში. საგნები ადრეული სამუშაოებიეფუძნებოდა რეალური მოვლენებიხდება ქუჩებში. მისი ცნობილი ციკლები: "ედოს 100 ხედი", "ფუჯის მთის 36 ხედები", "ტოკაიდოს 53 სადგური", "კიმოკაიდოს 69 სადგური", "100". ცნობილი სახეობებიედო“. მონეზე და რუს მხატვარ ბილიბინზე დიდი გავლენა მოახდინეს „ტოკაიდოს გზის 53 სადგურმა“, რომელიც დახატა აღმოსავლეთ სანაპიროს გზის გასწვრივ მოგზაურობის შემდეგ, ასევე „ედოს 100 ხედმა“. ქეით-გას ჟანრის 25 გრავიურის სერიიდან ყველაზე ცნობილია ფურცელი "ბეღურები თოვლით დაფარული კამელიაზე".
(歌川国貞, ასევე ცნობილი როგორც Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国)). Ერთ - ერთი ყველაზე გამოჩენილი მხატვრებიუკიიო-ე.
მან განსაკუთრებული ყურადღება დაუთმო კაბუკის მსახიობებს და თავად თეატრს - ეს არის ყველა ნამუშევრის დაახლოებით 60%. ასევე ცნობილია ბიჯინგას ჟანრის ნამუშევრები და სუმოისტების პორტრეტები. ცნობილია, რომ მან შექმნა 20-დან 25 ათასამდე ნაკვეთი, რომელიც მოიცავდა 35-40 ათას ფურცელს. ის იშვიათად მიმართავდა პეიზაჟებს და მეომრებს. უტაგავა კუნიიოში (歌川 国芳, 1798 - 1861). დაიბადა აბრეშუმის მღებავების ოჯახში. კუნიიოშიმ ხატვის სწავლა ათი წლის ასაკში დაიწყო, როცა კუნინაოს მხატვრის ოჯახში ცხოვრობდა. შემდეგ მან განაგრძო სწავლა კაცუკავა შუნეისთან და 13 წლის ასაკში შევიდა ტოკუიონის სახელოსნოში სასწავლებლად. პირველ წლებში ახალგაზრდა ხელოვანს საქმე კარგად არ მიდის. მაგრამ მას შემდეგ, რაც მიიღო შეკვეთა გამომცემლისგან კაგაია კიჩიბეისაგან 108 Suikoden Heroes სერიისთვის ხუთი ბეჭდვისთვის, ყველაფერი დაიწყო. ის ქმნის სერიალის დანარჩენ გმირებს და შემდეგ აგრძელებს სხვადასხვა ნამუშევრებს, ხოლო თხუთმეტი წლის შემდეგ ის უტოლდება უტაგავა ჰიროშიგესა და უტაგავა კუნისადას.
1842 წლის სურათების აკრძალვის შემდეგ თეატრის სცენებიმსახიობები, გეიშები და კურტიზანები, კუნიიოში წერს თავის "კატის" სერიას, აკეთებს გრავიურებს საგანმანათლებლო სერიებიდან დიასახლისებისთვის და ბავშვებისთვის, ასახავს ეროვნული გმირებისერიაში "ტრადიციები, მორალი და წესიერება" და 1840-იანი წლების ბოლოს - 1850-იანი წლების დასაწყისში, აკრძალვების შემსუბუქების შემდეგ, მხატვარი დაუბრუნდა კაბუკის თემას.
(渓斎英泉, 1790-1848). ცნობილია თავისი ნამუშევრებით ბიჯინგას ჟანრში. მის საუკეთესო ნამუშევრებში შედის ოკუბი-ე („დიდი თავები“) ტიპის პორტრეტები, რომლებიც განიხილება ბუნსეის ეპოქის (1818-1830) მხატვრობის ნიმუშად, როდესაც უკიო-ე ჟანრი დაკნინდებოდა. მხატვარმა დახატა მრავალი ლირიკული და ეროტიული სურიმონო, ასევე პეიზაჟების ციკლი „კისოკაიდოს სამოცი ცხრა სადგური“, რომელიც მან ვერ შეძლო და დაასრულა ჰიროშიგემ.
ბიჯინგას გამოსახულებაში სიახლე მდგომარეობდა ისეთ სენსუალურობაში, რომელიც აქამდე არ იყო ნანახი სხვა მხატვრებში. მისი ნამუშევრებიდან შეგვიძლია გავიგოთ იმდროინდელი მოდა. მან ასევე გამოაქვეყნა "ორმოცდაშვიდი რონინის" ბიოგრაფიები და დაწერა რამდენიმე სხვა წიგნი, მათ შორის "უკიიო-ე ბეჭდვის ისტორია" (Ukiyo-e ruiko), რომელიც შეიცავს მხატვრების ბიოგრაფიებს. ხოლო „უსახელო უხუცესის ცნობებში“ მან თავი გარყვნილ მთვრალად აღწერა და ყოფილი მფლობელიბორდელი ნეძუში, რომელიც დაიწვა 1830-იან წლებში.
სუზუკი ჰარუნობუ (鈴木春信, 1724-1770). მხატვრის ნამდვილი სახელია ჰოზუმი ჯირობეი. ის არის ukiyo-e პოლიქრომული ბეჭდვის აღმომჩენი. სწავლობდა კანოს სკოლაში და სწავლობდა ფერწერას. შემდეგ, შიგენაგა ნიშიმურასა და ტორი კიიომიცუს გავლენით, ხის ბეჭდვა გახდა მისი ჰობი. მე-18 საუკუნის დასაწყისიდან გაკეთდა ორ-სამ ფერში ანაბეჭდები და ჰარუნობუმ დაიწყო ათ ფერში ხატვა, სამი დაფის გამოყენებით და სამი ფერის შერწყმით - ყვითელი, ლურჯი და წითელი.
იგი გამოირჩეოდა ქუჩის სცენებისა და ნახატების გამოსახვით შუნგას ჟანრში. და 1760-იანი წლებიდან ის იყო ერთ-ერთი პირველი, ვინც განასახიერა კაბუკის მსახიობები. მისმა ნამუშევრებმა გავლენა მოახდინა ე. მანესა და ე. დეგაზე.
(小原古邨, 1877 - 1945). მისი ნამდვილი სახელია მატაო ოჰარა. გამოსახულია სცენები რუსეთ-იაპონიის და სინო-იაპონიის ომებიდან. თუმცა, მას შემდეგ, რაც ფოტოგრაფია გამოჩნდა, მისმა ნამუშევრებმა ცუდად გაიყიდა და ტოკიოს სახვითი ხელოვნების სკოლაში სწავლებით დაიწყო შემოსავლის გამომუშავება. 1926 წელს ერნესტ ფელოზა, განყოფილების კურატორი იაპონური ხელოვნებაბოსტონის მუზეუმში დაარწმუნა ოჰარა მხატვრობას დაუბრუნდა და მხატვარმა დაიწყო ფრინველებისა და ყვავილების გამოსახვა და მისი ნამუშევრები კარგად გაიყიდა საზღვარგარეთ. 
(伊藤若冲, 1716 - 1800 წწ.). იგი გამოირჩეოდა სხვა ხელოვანთა შორის მისი ექსცენტრიულობითა და ცხოვრების წესით, რომელიც შედგებოდა იმ დროის მრავალ კულტურულ და რელიგიურ მოღვაწესთან მეგობრობით. ის ცხოველებს, ყვავილებს და ფრინველებს ძალიან ეგზოტიკურ ფორმაში ასახავდა. ის ძალიან ცნობილი იყო და იღებდა შეკვეთებს ეკრანებისა და ტაძრების მხატვრობისთვის.
(鳥居清信, 1664-1729). ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი წარმომადგენელი ადრეული პერიოდიუკიიო-ე. მიუხედავად მისი მასწავლებლის ჰიშიკავა მონორობუს დიდი გავლენისა, ის გახდა იაკუშა-ე ჟანრის ფუძემდებელი პლაკატებისა და პლაკატების გამოსახულებაში და გამოიგონა საკუთარი სტილი. მსახიობები როლში განსაკუთრებულ პოზებში იყვნენ გამოსახულნი მამაცი გმირებიდა მოხატული იყო 
კეთილშობილური ნარინჯისფერი ფერი, ხოლო ბოროტმოქმედები დახატული იყვნენ ლურჯ ფერებში. ვნების გამოსახატავად, მხატვარმა გამოიგონა მიმიზუგაკის ნახატის განსაკუთრებული ტიპი - ეს არის გრაგნილი ხაზები მონაცვლეობით თხელი და სქელი შტრიხებით და შერწყმულია კიდურების კუნთების გროტესკული გამოსახულებით.
თორი კიიონობუ არის ტორიის მხატვართა დინასტიის დამაარსებელი. მისი სტუდენტები იყვნენ ტორიი კიომასუ, ტორიი კიოშიგე I და ტორიი კიიომიცუ.
ვინ არის თქვენი საყვარელი ukiyo-e მხატვარი?
იაპონური ენა თავისი სტრუქტურით განსხვავდება ნებისმიერი ევროპული ენისგან, რამაც შეიძლება გამოიწვიოს გარკვეული სირთულეები სწავლაში. თუმცა, არ ინერვიულო! სპეციალურად თქვენთვის, თქვენ შეიმუშავეთ კურსი „“, რომელზეც შეგიძლიათ დარეგისტრირდეთ ახლავე!
