იაპონური ფერწერა არის უძველესი სახეობახელოვნება. Ეს შეიცავს სხვადასხვა ფორმები, ჟანრები და მრავალფეროვანი შინაარსი.
იაპონური მხატვრობახელოვნების უძველესი ფორმაა. იგი მოიცავს სხვადასხვა ფორმებს, ჟანრებს და მრავალფეროვან შინაარსს. ელეგანტური ხელოვნება ავლენს მსოფლიოს ნახატებს, რომლებიც არის ეკრანები, კედლის მხატვრობა, აბრეშუმის ან ქაღალდის გრაგნილები, გულშემატკივრები, დაზგური ნახატებიდა გრავიურები.
იაპონური მხატვრობა გამოირჩევა სხვადასხვა ჟანრისა და სტილის დიდი რაოდენობით. წამყვანი ადგილივ იაპონური მხატვრობაროგორც ლიტერატურაში, ბუნებით არის დაკავებული. იგი წარმოდგენილია როგორც ღვთაებრივი პრინციპის მცველი. იაპონური მხატვრობა სათავეს იღებს ჩინურ ხელოვნებაში, ამიტომ მისი ჟანრები ძალიან ჰგავს ციური იმპერიის ჟანრებს. დღესდღეობით ბევრი იაპონელი მხატვარი ჩინეთში სწავლას ამჯობინებს.
მხატვრობა იაპონიაშიაქვს რამდენიმე ეტაპი მისი განვითარების ისტორიაში. თითოეულ მათგანს აქვს საკუთარი მახასიათებლები და განსაკუთრებული თვისებები.
განვითარების საწყის ეტაპად ითვლება პერიოდი VII საუკუნის შუა წლებიდან VIII საუკუნის ბოლომდე, ე.წ. ნარა. ამ პერიოდში მოხატეს ჰორიუჯის ტაძარი და შესანიშნავი მტკიცებულებაა ინდური და ჩინური ტრადიციების გავლენის იაპონურ კულტურაზე.
იაპონური მხატვრობის განვითარების შემდეგი პერიოდი ე.წ ჰეიანი. იგი განთქმულია ტაძრის მხატვრობის აქტიური აყვავებით და გამოსახვის საერო ხელოვნების ნიმუშებით. ამ პერიოდში შეიქმნა ილუსტრაციები რომანებისა და მოთხრობებისთვის, რომლებიც შექმნილია კეთილშობილური ბატონების გასართობად.
პერიოდი კამაკურა(უკავია დრო მე-12 საუკუნის ბოლოდან მე-14 საუკუნის პირველ ნახევრამდე), რომელსაც ეკავა დრო მეთორმეტე საუკუნის ბოლოდან XIV საუკუნის პირველ ნახევრამდე, ხასიათდება სტილის ცვლილებით. , ცხოვრების ასახვის ახალი გზების ძიება. იაპონური ფერწერის განწყობა მკვეთრად იცვლება. ადრე ნახატებიგადმოსცა ოპტიმისტური, მსუბუქი და ხალისიანი ატმოსფერო. ამ პერიოდში დიდი ნაბიჯი გადაიდგა რეალისტური გამოსახულება, ასევე სურათს თითქმის სამხედრო ხასიათს ანიჭებს. ფერწერის დამახასიათებელი საგნები - ბრძოლის სცენებიმითებიდან და ისტორიიდან, რელიგიური სცენები ბუდისტური ტრადიციიდან. ფართოდ გამოიყენება მნიშვნელოვანი სამთავრობო მოღვაწეების პორტრეტები.
დროს მურომაჩი(დროი მე-14 საუკუნის პირველი ნახევრიდან მე-16 საუკუნის მეორე ნახევრამდე), წინა პლანზე წამოვიდა ტენდენცია, რომელიც ადიდებდა იაპონურ მხატვრობას მთელ მსოფლიოში. ზენ ბუდიზმის ფილოსოფიას მნიშვნელოვანი გავლენა მოახდინა ფერწერაზე, რამაც გამოიწვია პოპულარობა ლანდშაფტის ხელოვნება. მონოქრომული ტექნოლოგიამ განსაკუთრებული ელეგანტურობა მოიპოვა. ამ პერიოდში იაპონურ ფერწერას ჩინეთის გავლენა მოახდინა. Ყველაზე ცნობილი იაპონელი მხატვარიიმ დროს ტოიო ოდამ, რომელიც სპეციალიზირებული იყო პეიზაჟების ხატვაში, შექმნა თავისი პირველი ნახატები, როდესაც მოგზაურობდა შუა სამეფოში. მიმართულება მან უკვე სამშობლოში განავითარა.
ზემოთ აღწერილი ტენდენცია აქტიურად განვითარდა და დაემატა მომდევნო ორი პერიოდის განმავლობაში იაპონური ფერწერის განვითარებაში - მონოიამადა ედო. მონოქრომული ტექნიკა უფრო დახვეწილი ვარიანტი იყო. დეტალები საგულდაგულოდ იყო დამუშავებული და დახატული. მხატვრებს არ ეშინოდათ ექსპერიმენტების და დაიწყეს ტექნიკის გამოყენება, რომელიც ადრე გამოიყენებოდა გრაგნილებზე და ეკრანებზე კედლის მხატვრობაში. დაიწყო პეიზაჟების და ბრბოს სცენების დამატება ფსიქოლოგიური ისტორიები, გმირის დემონსტრირება ძლიერი ემოციური სტრესის მომენტში. გარდა ამისა ტრადიციული მხატვრობაიაპონიაში ხეზე გრავიურა ფართოდ გავრცელდა. იგი იყოფა ორ ტიპად: თეატრალური გრავიურა და ყოველდღიური აღწერითი გრავიურა. Ყველაზე ცნობილი ოსტატითეატრალური პრინტი არის ჩოშუსაი შარაკუ. ყოველდღიური გრავიურა აქტიურად განვითარდა სუზუკი ჰარუნობუს და კიტაგავა უტამაროს ნამუშევრებში.
ყველა ქვეყანას ჰყავს თავისი გმირები თანამედროვე ხელოვნება, რომელთა სახელები ცნობილია, რომელთა გამოფენები იზიდავს გულშემატკივრებს და ცნობისმოყვარე ადამიანებს და რომელთა ნამუშევრები კერძო კოლექციებში იყიდება.
ამ სტატიაში გაგაცნობთ ყველაზე პოპულარულს თანამედროვე მხატვრებიᲘაპონია.
კეიკო ტანაბე
კიოტოში დაბადებულმა კეიკომ ბავშვობაში მრავალი ხელოვნების კონკურსი მოიგო, მაგრამ მისი უმაღლესი განათლება არ იყო ხელოვნების სფეროში. მუშაობდა განყოფილებაში საერთაშორისო ურთიერთობებიმუშაობდა იაპონიის ადგილობრივი ხელისუფლების სავაჭრო ორგანიზაციაში ტოკიოში, დიდ იურიდიულ ფირმაში სან ფრანცისკოში და კერძო საკონსულტაციო ფირმაში სან დიეგოში და ბევრს მოგზაურობდა. 2003 წლიდან მან დატოვა სამსახური და სან დიეგოში აკვარელის მხატვრობის საფუძვლების შესწავლის შემდეგ, თავი ექსკლუზიურად ხელოვნებას მიუძღვნა.
იკენაგა იასუნარი
იაპონელი მხატვარი იკენაგა იასუნარი პორტრეტებს ხატავს თანამედროვე ქალებიძველად იაპონური ტრადიციაფერწერა მენსო ფუნჯის, მინერალური პიგმენტების, ნახშირბადის შავი ფერის, მელნისა და თეთრეულის გამოყენებით. მისი გმირები ჩვენი დროის ქალები არიან, მაგრამ ნიჰონგას სტილის წყალობით გეუფლებათ განცდა, რომ ისინი ჩვენთან უხსოვარი დროიდან მოვიდნენ.
აბე ტოშიიუკი
აბე ტოშიიუკი რეალისტი მხატვარია, რომელმაც ოსტატობა მიიღო აკვარელის ტექნიკა. აბეს შეიძლება ეწოდოს მხატვარი-ფილოსოფოსი: ის ფუნდამენტურად არ ხატავს ცნობილ ღირშესანიშნაობებს, უპირატესობას ანიჭებს სუბიექტურ კომპოზიციებს, რომლებიც ასახავს შიდა მდგომარეობებიადამიანი, რომელიც უყურებს მათ.
ჰიროკო საკაი
მხატვრის ჰიროკო საკაის კარიერა 90-იანი წლების დასაწყისში ქალაქ ფუკუოკაში დაიწყო. Seinan Gakuin-ის უნივერსიტეტისა და ფრანგული ნიჰონის ინტერიერის დიზაინის სკოლის დამთავრების შემდეგ დიზაინსა და ვიზუალიზაციაში, მან დააარსა Atelier Yume-Tsumugi Ltd. და წარმატებით მართავდა ამ სტუდიას 5 წლის განმავლობაში. მისი ბევრი ნამუშევარი ამშვენებს საავადმყოფოს ლობიებს, მსხვილი კორპორაციების ოფისებს და ზოგიერთ მუნიციპალურ შენობებს იაპონიაში. შეერთებულ შტატებში გადასვლის შემდეგ ჰიროკომ ზეთებში ხატვა დაიწყო.
რიუსუკე ფუკაჰორი
რიუსუკი ფუკაჰორის სამგანზომილებიანი ნამუშევრები ჰოლოგრამებს წააგავს. ისინი შესრულებულია აკრილის საღებავირამდენიმე ფენად გამოყენებული და გამჭვირვალე ფისოვანი სითხე - ეს ყველაფერი ტრადიციული მეთოდების გამორიცხვის გარეშე, როგორიცაა ჩრდილების დახატვა, კიდეების დარბილება, გამჭვირვალობის კონტროლი, რიუსუკის საშუალებას აძლევს შექმნას სკულპტურული ნახატები და აძლევს ნამუშევრებს სიღრმესა და რეალიზმს.
ნაცუკი ოტანი
ნაცუკი ოტანი ნიჭიერი იაპონელი ილუსტრატორია, რომელიც ცხოვრობს და მუშაობს ინგლისში.
მაკოტო მურამაცუ
მაკოტო მურამაცუმ თავისი შემოქმედების საფუძვლად მომგებიანი თემა აირჩია - ის კატებს ხატავს. მისი ნახატები პოპულარულია მთელ მსოფლიოში, განსაკუთრებით თავსატეხების სახით.
ტეცუია მიშიმა
თანამედროვე იაპონელი მხატვრის მიშიმას ნახატების უმეტესობა შესრულებულია ზეთებში. იგი პროფესიონალურად ხატავს 90-იანი წლებიდან და ჰქონდა რამდენიმე პერსონალური გამოფენა და უამრავი კოლექტიური გამოფენა, როგორც იაპონური, ასევე უცხოური.
იაპონური მხატვრობა აბსოლუტურად უნიკალური მოძრაობაა მსოფლიო ხელოვნებაში. ის არსებობდა უძველესი დროიდან, მაგრამ როგორც ტრადიცია არ დაუკარგავს პოპულარობა და გაოცების უნარი.
ყურადღება ტრადიციებზე
აღმოსავლეთი არ არის მხოლოდ პეიზაჟები, მთები და ამომავალი მზე. ეს ის ხალხია, ვინც შექმნეს მისი ისტორია. სწორედ ეს ხალხი მხარს უჭერდა იაპონური ფერწერის ტრადიციას მრავალი საუკუნის განმავლობაში, ავითარებდა და აძლიერებდა მათ ხელოვნებას. მათ, ვინც მნიშვნელოვანი წვლილი შეიტანა ისტორიაში, იაპონელი მხატვრები არიან. მათი წყალობით, თანამედროვეებმა შეინარჩუნეს ტრადიციული იაპონური მხატვრობის ყველა კანონი.
ნახატების შესრულების წესი
ევროპისგან განსხვავებით, იაპონელი მხატვრები ამჯობინებდნენ გრაფიკასთან უფრო ახლოს ხატვას, ვიდრე ფერწერას. ასეთ ნახატებში ვერ ნახავთ იმპრესიონისტებისთვის დამახასიათებელ უხეშ, დაუფიქრებელ ზეთის შტრიხებს. როგორია ისეთი ხელოვნების გრაფიკული ბუნება, როგორიცაა იაპონური ხეები, კლდეები, ცხოველები და ფრინველები - ამ ნახატებში ყველაფერი დახატულია რაც შეიძლება ნათლად, მყარი და თავდაჯერებული მელნის ხაზებით. კომპოზიციის ყველა ობიექტს უნდა ჰქონდეს მონახაზი. კონტურის შიგნით შევსება ჩვეულებრივ ხდება აკვარელით. ფერი ირეცხება, სხვა ჩრდილები ემატება და სადღაც ქაღალდის ფერი რჩება. დეკორატიულობა არის ზუსტად ის, რაც განასხვავებს იაპონურ ნახატებს მთელი მსოფლიო ხელოვნებისგან.
კონტრასტები ფერწერაში
კონტრასტი არის კიდევ ერთი დამახასიათებელი ტექნიკა, რომელსაც იყენებენ იაპონელი მხატვრები. ეს შეიძლება იყოს განსხვავება ტონში, ფერში ან თბილი და ცივი ჩრდილების კონტრასტში.
მხატვარი მიმართავს ამ ტექნიკას, როდესაც სურს ხაზი გაუსვას საგნის რომელიმე ელემენტს. ეს შეიძლება იყოს ვენა მცენარეზე, ცალკე ფურცელი ან ხის ტოტი ცისკენ. შემდეგ გამოსახულია ობიექტის მსუბუქი, განათებული ნაწილი და მის ქვეშ არსებული ჩრდილი (ან პირიქით).
გადასვლები და ფერადი გადაწყვეტილებები
იაპონური ნახატების ხატვისას ხშირად გამოიყენება გადასვლები. ისინი შეიძლება იყოს განსხვავებული: მაგალითად, ერთი ფერიდან მეორეზე. წყლის შროშანებისა და პეონის ფურცლებზე შეგიძლიათ შეამჩნიოთ გადასვლა ღია ჩრდილიდან მდიდარ, ნათელ ფერზე.
გადასვლები ასევე გამოიყენება წყლის ზედაპირისა და ცის გამოსახულებაში. მზის ჩასვლიდან ბნელ, გაღრმავებულ ბინდიზე გლუვი გადასვლა ძალიან ლამაზად გამოიყურება. ღრუბლების დახატვისას ასევე გამოიყენება გადასვლები სხვადასხვა ჩრდილებიდან და რეფლექსებიდან.
იაპონური მხატვრობის ძირითადი მოტივები
ხელოვნებაში ყველაფერი ურთიერთდაკავშირებულია ნამდვილი ცხოვრება, მასში ჩართულთა გრძნობებითა და ემოციებით. როგორც ლიტერატურაში, მუსიკაში და შემოქმედების სხვა ფორმებში, ფერწერაშიც არსებობს რამდენიმე მარადიული თემა. ეს ისტორიული საგნები, ადამიანებისა და ბუნების გამოსახულებები.
იაპონური პეიზაჟები მრავალი სახეობისაა. ხშირად ნახატებში არის აუზების გამოსახულებები - იაპონელებისთვის საყვარელი ავეჯი. დეკორატიული აუზი, რამდენიმე წყლის შროშანა და ბამბუკი - ასე გამოიყურება ჩვეულებრივი სურათი 17-18 სს.
ცხოველები იაპონურ ფერწერაში
ცხოველები ასევე ხშირად განმეორებადი ელემენტია აზიურ ფერწერაში. ტრადიციულად ეს არის მფრინავი ვეფხვი ან შინაური კატა. ზოგადად, აზიელებს ძალიან უყვართ და ამიტომ მათი წარმომადგენლები აღმოსავლური ხელოვნების ყველა ფორმაში გვხვდება.
ფაუნის სამყარო კიდევ ერთი თემაა, რომელსაც იაპონური მხატვრობა მისდევს. ჩიტები - წეროები, დეკორატიული თუთიყუშები, მდიდრული ფარშევანგი, მერცხლები, შეუმჩნეველი ბეღურები და მამლებიც კი - ყველა მათგანი აღმოსავლური ოსტატების ნახატებშია ნაპოვნი.
თევზები - არანაკლებ აქტუალური თემაამისთვის იაპონელი მხატვრები. კოი კობრი ოქროს თევზის იაპონური ვერსიაა. ეს არსებები ცხოვრობენ აზიაში ყველა აუზში, თუნდაც პატარა პარკებსა და ბაღებში. კოი კობრი ერთგვარი ტრადიციაა, რომელიც კონკრეტულად იაპონიას ეკუთვნის. ეს თევზი სიმბოლოა ბრძოლა, განსაზღვრა და თქვენი მიზნის მიღწევა. ტყუილად არ არის გამოსახული ისინი ნაკადთან ერთად მცურავი, ყოველთვის დეკორატიული ტალღის ღეროებით.
იაპონური ნახატები: ადამიანების გამოსახვა
ადამიანები იაპონურ ფერწერაში განსაკუთრებული თემაა. მხატვრები ასახავდნენ გეიშებს, იმპერატორებს, მეომრებს და უხუცესებს.
გეიშები გამოსახულია ყვავილებით გარშემორტყმული, ყოველთვის ეცვათ დახვეწილი სამოსი მრავალი ნაკეცებითა და ელემენტებით.
ბრძენები გამოსახულნი არიან მჯდომარეში ან რაღაცას უხსნიან თავიანთ მოსწავლეებს. ძველი მეცნიერის გამოსახულება აზიის ისტორიის, კულტურისა და ფილოსოფიის სიმბოლოა.
მეომარი გამოსახული იყო როგორც ძლიერი, ზოგჯერ შემზარავი. გრძელები დეტალურად იყო დახატული და მავთულს ჰგავდა.
ჩვეულებრივ, ჯავშნის ყველა დეტალი ირკვევა მელნის გამოყენებით. ხშირად შიშველ მეომრებს ამშვენებს აღმოსავლეთის დრაკონის გამოსახული ტატუ. ეს არის სიძლიერის სიმბოლო და სამხედრო ძალაᲘაპონია.
მმართველები იმპერიული ოჯახებისთვის იყო გამოსახული. ულამაზესი სამოსი და დეკორაციები მამაკაცის თმაში არის ის, რაც უხვადაა ხელოვნების ასეთი ნაწარმოებები.
პეიზაჟები
ტრადიციული იაპონური პეიზაჟი - მთები. აზიელმა მხატვრებმა მიაღწიეს სხვადასხვა პეიზაჟების გამოსახვას: მათ შეუძლიათ ერთი და იგივე მწვერვალი გამოსახონ სხვადასხვა ფერებში, სხვადასხვა ატმოსფეროში. ერთადერთი, რაც უცვლელი რჩება, არის ყვავილების სავალდებულო ყოფნა. როგორც წესი, მხატვარი მთებთან ერთად წინა პლანზე გამოსახავს რაიმე სახის მცენარეს და დაწვრილებით ხატავს. მთები და ალუბლის ყვავილი ლამაზად გამოიყურება. და თუ ისინი დაცემულ ფურცლებს ხატავენ, სურათი აღფრთოვანებას იწვევს მისი სევდიანი სილამაზით. სურათის ატმოსფეროში კონტრასტი იაპონური კულტურის კიდევ ერთი შესანიშნავი თვისებაა.
იეროგლიფები
ხშირად იაპონურ ფერწერაში სურათის კომპოზიცია შერწყმულია დამწერლობასთან. იეროგლიფები ისეა მოწყობილი, რომ კომპოზიციურად ლამაზად გამოიყურებოდეს. ისინი, როგორც წესი, დახატულია ნახატის მარცხნივ ან მარჯვნივ. იეროგლიფებს შეუძლიათ წარმოადგინონ ის, რაც ნახატზეა გამოსახული, მისი სათაური ან მხატვრის სახელი.
იაპონია ერთ-ერთი ყველაზე მდიდარი ქვეყანაა ისტორიით და კულტურით. მთელ მსოფლიოში იაპონელები ზოგადად პედანტურ ადამიანებად ითვლებიან, რომლებიც ცხოვრების აბსოლუტურად ყველა გამოვლინებაში პოულობენ ესთეტიკას. მაშასადამე, იაპონური ნახატები ყოველთვის ძალიან ჰარმონიულია ფერში და ტონში: თუ არსებობს ზოგიერთი ჩანართები ნათელი ფერი- მაშინ მხოლოდ სემანტიკურ ცენტრებში. მაგალითად, აზიელი მხატვრების ნახატების გამოყენებით, შეგიძლიათ შეისწავლოთ ფერების თეორია, ფორმის სწორი წარმოდგენა გრაფიკისა და კომპოზიციის გამოყენებით. შესრულების ტექნიკა იაპონური ნახატებიიმდენად მაღალი, რომ შეიძლება იყოს მაგალითი აკვარელებით მუშაობისა და გრაფიკული ნამუშევრების „გარეცხვის“ შესასრულებლად.
ნაკლებად სავარაუდოა, რომ იაიოი კუსამა შეძლებს უპასუხოს, თუ რა დაედო საფუძვლად მის, როგორც მხატვრის კარიერას. ის 87 წლისაა, მისი ხელოვნება მთელ მსოფლიოშია აღიარებული. მალე იქნება მისი ნამუშევრების დიდი გამოფენები აშშ-სა და იაპონიაში, მაგრამ მას ჯერ არ უამბო მსოფლიოს ყველაფერი. „ის ჯერ კიდევ გზაშია. მე ვაპირებ ამის შექმნას მომავალში“, - ამბობს კუსამა. მას იაპონიაში ყველაზე წარმატებულ მხატვრად უწოდებენ. გარდა ამისა, ის ყველაზე ძვირადღირებული ცოცხალი მხატვარია: 2014 წელს მისი ნახატი „თეთრი No28“ 7,1 მილიონ დოლარად გაიყიდა.
კუსამა ტოკიოში ცხოვრობს და თითქმის ორმოცი წელია ნებაყოფლობით იმყოფება ფსიქიატრიულ საავადმყოფოში. დღეში ერთხელ ტოვებს მის კედლებს ხატვისთვის. ის დილის სამ საათზე დგება, ვერ იძინებს და სურს სამსახურში ნაყოფიერად გაატაროს დრო. „ახლა ბებერი ვარ, მაგრამ მაინც ვაპირებ მეტი ნამუშევრის შექმნას და უკეთესი ნამუშევრის შექმნას. იმაზე მეტი, ვიდრე წარსულში გავაკეთე. ჩემი გონება სავსეა სურათებით“, - ამბობს ის.
(სულ 17 ფოტო)
იაიოი კუსამა თავისი ნამუშევრების გამოფენაზე ლონდონში 1985 წელს. ფოტო: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock
ცხრადან ექვსამდე კუსამა მუშაობს თავის სამსართულიან სტუდიაში, ადგომის გარეშე ინვალიდის ეტლი. მას შეუძლია სიარული, მაგრამ ძალიან სუსტია. ქალი მუშაობს მაგიდებზე გაშლილ ან იატაკზე დამაგრებულ ტილოზე. სტუდია სავსეა ახალი ნახატებით, პატარა ლაქებით მოფენილი ნათელი ნამუშევრებით. მხატვარი ამას უწოდებს „თვითგაჩუმებას“ – გაუთავებელ გამეორებას, რომელიც ახშობს მის თავში არსებულ ხმაურს.
2006 წლის Praemium Imperiale ხელოვნების დაჯილდოებამდე ტოკიოში. ფოტო: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock
ქუჩის გადაღმა მალე გაიხსნება ახალი გალერეადა მისი ხელოვნების კიდევ ერთი მუზეუმი შენდება ტოკიოს ჩრდილოეთით. გარდა ამისა, იხსნება მისი ნამუშევრების ორი მთავარი გამოფენა. „იაიოი კუსამა: უსასრულობის სარკეები“, მისი 65-წლიანი კარიერის რეტროსპექტივა, გაიხსნა ჰირშჰორნის მუზეუმში ვაშინგტონში 23 თებერვალს და გაგრძელდება 14 მაისამდე, სანამ გაემგზავრება სიეტლში, ლოს-ანჯელესში, ტორონტოში და კლივლენდში. გამოფენა მოიცავს კუსამას 60 ნახატს.
მისი პოლკა წერტილები ფარავს ყველაფერს, Louis Vuitton-ის კაბებიდან დაწყებული ავტობუსებით დამთავრებული მშობლიური ქალაქი. კუსამას ნამუშევრები რეგულარულად იყიდება მილიონობით დოლარად და შეგიძლიათ ნახოთ მთელ მსოფლიოში, ნიუ-იორკიდან ამსტერდამამდე. იაპონელი მხატვრის ნამუშევრების გამოფენები იმდენად პოპულარულია, რომ საჭიროა ზომების მიღება ხალხმრავლობისა და არეულობის თავიდან ასაცილებლად. მაგალითად, ჰირშჰორნში, გამოფენის ბილეთები იყიდება გარკვეული დრორათა როგორმე დაერეგულირებინა ვიზიტორთა ნაკადი.
Louis Vuitton-ისა და Yayoi Kusama-ს ერთობლივი დიზაინის პრეზენტაცია ნიუ-იორკში 2012 წელს. ფოტო: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
მაგრამ კუსამას ჯერ კიდევ სჭირდება გარე დამტკიცება. როდესაც ინტერვიუში ჰკითხეს, მიაღწია თუ არა მიზანს, გამდიდრება და ცნობილი გამხდარიყო ათწლეულების წინ, მან გაკვირვებით თქვა: „როცა პატარა ვიყავი, ძალიან მიჭირდა დედაჩემის დარწმუნება, რომ მინდოდა მხატვარი გავმხდარიყავი. მართალია, რომ მდიდარი და ცნობილი ვარ?
კუსამა დაიბადა მაცუმოტოში, ცენტრალური იაპონიის მთებში, 1929 წელს მდიდარ და კონსერვატიულ ოჯახში, რომელიც ყიდდა ნერგებს. მაგრამ ეს არ იყო ბედნიერი სახლი. დედამ აბუჩად იგდო მისი მოღალატე ქმარი და გაგზავნა პატარა კუსამა მის დასაზვერად. გოგონამ მამამისი სხვა ქალებთან ერთად დაინახა და ამან მას სექსისადმი უწყვეტი ზიზღი მისცა.
Louis Vuitton-ის ბუტიკის ფანჯარა, რომელიც შექმნილია კუსამას მიერ 2012 წელს. ფოტო: ჯო შილჰორნი/BFA/REX/Shutterstock
ბავშვობაში მან დაიწყო ვიზუალური და სმენითი ჰალუცინაციები. გოგრა პირველად რომ დაინახა, წარმოიდგინა, რომ მას ელაპარაკებოდა. მომავალი მხატვარი გაუმკლავდა ხილვებს განმეორებითი შაბლონების შექმნით, რათა დაემხო აზრები მის თავში. პატარა ასაკშიც კი, ხელოვნება მისთვის ერთგვარი თერაპია გახდა, რომელსაც მოგვიანებით "ხელოვნების მედიცინა" უწოდა.
იაიოი კუსამას ნამუშევრები გამოფენილია მუზეუმში თანამედროვე ხელოვნებაუიტნი 2012 წელს. ფოტო: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
კუსამას დედა კატეგორიულად ეწინააღმდეგებოდა ქალიშვილის სურვილს გამხდარიყო მხატვარი და დაჟინებით მოითხოვდა, რომ გოგონა ტრადიციულ გზას გაჰყოლოდა. ”ის არ მაძლევდა დახატვის უფლებას. მას უნდოდა ჩემი გათხოვება“, - თქვა მხატვარმა ინტერვიუში. - ჩემი ნამუშევარი გადაყარა. მატარებლის ქვეშ გადაგდება მინდოდა. ყოველდღე დედასთან ვჩხუბობდი და ამიტომ გონება დამიზიანდა“.
1948 წელს, ომის დასრულების შემდეგ, კუსამა გაემგზავრა კიოტოში, რათა შეესწავლა ტრადიციული იაპონური ნიჰონგა მხატვრობა მკაცრი წესებით. მას სძულდა ამ ტიპის ხელოვნება.
ერთ-ერთი ექსპონატი იაიოი კუსამას გამოფენიდან უიტნის თანამედროვე ხელოვნების მუზეუმში 2012 წელს. ფოტო: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
როდესაც კუსამა მაცუმოტოში ცხოვრობდა, მან იპოვა ჯორჯია ო'კიფის წიგნი და გაოცებული დარჩა მისი ნახატებით. გოგონა წავიდა ამერიკის საელჩოში ტოკიოში, რათა ეპოვა სტატია ო’კიფის შესახებ იქ არსებულ დირექტორიაში და გაეგო მისი მისამართი. კუსამამ მას წერილი მისწერა და რამდენიმე ნახატი გაუგზავნა და მისდა გასაკვირად, ამერიკელი მხატვარიუპასუხა მას.
„არ მჯეროდა ჩემი ბედი! ის ისეთი კეთილი იყო, რომ უპასუხა მოკრძალებული გრძნობების უეცარ გამოვლენას იაპონელი გოგოები, რომელსაც ცხოვრებაში არ შეხვედრია და არც კი სმენია“, - წერს მხატვარი თავის ავტობიოგრაფიაში „Infinity Net“.
იაიოი კუსამა თავისი Louis Vuitton-ის ბუტიკის ვიტრინაზე ნიუ-იორკში 2012 წელს. ფოტო: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock
მიუხედავად ო'კიფის გაფრთხილებისა, რომ შეერთებულ შტატებში ახალგაზრდა ხელოვანებისთვის ცხოვრება ძალიან რთული იყო, რომ აღარაფერი ვთქვათ იაპონიაში მარტოხელა ახალგაზრდა გოგონებისთვის, კუსამა შეუჩერებელი იყო. 1957 წელს მან მოახერხა პასპორტის და ვიზის აღება. მან კაბებში დოლარი შეკერა, რათა თავიდან აეცილებინა ომის შემდგომი ვალუტის მკაცრი კონტროლი.
პირველი გაჩერება იყო სიეტლი, სადაც მან გამოფენა გამართა პატარა გალერეაში. შემდეგ კუსამა ნიუ-იორკში წავიდა, სადაც მწარედ იმედგაცრუებული იყო. „ომისშემდგომი მაცუმოტოსგან განსხვავებით, ნიუ-იორკი ყველა გაგებით ბოროტი და ძალადობრივი ადგილი იყო. ეს ძალიან სტრესული აღმოჩნდა ჩემთვის და მალევე ჩავვარდი ნევროზში“. უფრო უარესი, კუსამა აღმოჩნდა სრული სიღარიბე. ძველი კარი მის საწოლს ემსახურებოდა და ნაგვის ურნებიდან თევზაობდა თევზის თავებს და დამპალ ბოსტნეულს, რომ წვნიანი გაეკეთებინა.
ინსტალაცია Infinity Mirror Room - Love Forever („ოთახი უსასრულობის სარკეებით - სიყვარული სამუდამოდ“). ფოტო: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock
ამ რთულმა მდგომარეობამ აიძულა კუსამა კიდევ უფრო ჩაეფლო თავის საქმეში. მან დაიწყო თავისი პირველი ნახატების შექმნა Infinity Net სერიიდან, რომელიც ფარავდა უზარმაზარ ტილოებს (ერთ-ერთი მათგანი იყო 10 მეტრის სიმაღლეზე) პატარა მარყუჟების მომხიბლავი ტალღებით, რომლებიც თითქოს არასდროს მთავრდებოდა. თავად მხატვარმა ისინი ასე აღწერა: „თეთრი ქსელები, რომლებიც ფარავს ჩუმი სიკვდილის შავ წერტილებს არაფრის უიმედო სიბნელის ფონზე“.
ინსტალაცია იაიოი კუსამას მიერ 2015 წელს მოსკოვის გორკის პარკში თანამედროვე ხელოვნების გარაჟის მუზეუმის ახალი შენობის გახსნაზე. ფოტო: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock
ეს აკვიატებული გამეორება დაეხმარა ნევროზის განდევნას, მაგრამ ეს ყოველთვის არ ზოგავდა. კუსამა მუდმივად იტანჯებოდა ფსიქოზის შეტევებით და მთავრდებოდა ნიუ-იორკის საავადმყოფოში. იყო ამბიციური და მიზანდასახული და სიხარულით მიიღო კიმონოში ეგზოტიკური აზიელი გოგონას როლი, ის შეუერთდა ბრბოს გავლენიანი ადამიანებიხელოვნებაში და დაუკავშირდა ისეთ აღიარებულ მხატვრებს, როგორებიც არიან მარკ როტკო და ენდი უორჰოლი. მოგვიანებით კუსამამ თქვა, რომ უორჰოლმა მის ნამუშევრებს მიბაძა.
კუსამამ მალე მოიპოვა პოპულარობა და გამოიფინა ხალხმრავალ გალერეებში. გარდა ამისა, მხატვრის პოპულარობა სკანდალური გახდა.
1960-იან წლებში, როდესაც კუსამა გატაცებული იყო პოლკა წერტილებით, მან დაიწყო მოვლენების დადგმა ნიუ იორკში, მოუწოდებდა ხალხს გაშიშვლდნენ ისეთ ადგილებში, როგორიცაა ცენტრალური პარკი და ბრუკლინის ხიდი და დახატავდნენ სხეულებს პოლკა წერტილებით.
წინასწარი ჩვენება Art Basel-ში ჰონგ კონგში 2013 წელს. ფოტო: ბილი ფარელი/BFA/REX/Shutterstock
მოძრაობა Occupy Wall Street-მდე ათწლეულებით ადრე, კუსამამ მოაწყო მოვლენა ნიუ-იორკის ფინანსურ უბანში, სადაც განაცხადა, რომ მას სურდა "უოლ სტრიტის კაცების განადგურება პოლკა წერტილებით". დაახლოებით ამ დროს მან დაიწყო სხვადასხვა საგნების დაფარვა - სკამი, ნავი, ეტლი - ფალოსური გამონაყარებით. „დავიწყე პენისების შექმნა სექსისადმი ზიზღის განსაკურნებლად“, - წერს მხატვარი და აღწერს, როგორ აქცევდა ამ შემოქმედებითმა პროცესმა თანდათან საშინელება ნაცნობად.
ინსტალაცია "გასული ზამთარი" ლონდონის Tate Gallery-ში. ფოტო: ჯეიმს გურლი/REX/Shutterstock
კუსამა არასოდეს დაქორწინებულა, თუმცა ნიუ-იორკში ცხოვრებისას მას ათი წლის განმავლობაში ჰქონდა ქორწინების მსგავსი ურთიერთობა მხატვარ ჯოზეფ კორნელთან. "მე არ მიყვარდა სექსი და ის იმპოტენტური იყო, ამიტომ ერთმანეთს ძალიან კარგად ვეფერებოდით", - თქვა მან Art Magazine-თან ინტერვიუში.
კუსამა სულ უფრო ცნობილი ხდებოდა თავისი ხრიკებით: მან შესთავაზა დაძინება აშშ-ს პრეზიდენტ რიჩარდ ნიქსონთან, თუ ის დაასრულებდა ომს ვიეტნამში. "მოდით, ერთმანეთი პოლკა წერტილებით გავალამაზოთ", - წერდა იგი მას წერილში. თავად მისი ხელოვნებისადმი ინტერესი გაქრა, იგი კეთილგანწყობილი აღმოჩნდა და ფულის პრობლემები კვლავ დაიწყო.
იაიოი კუსამა მისი ნამუშევრების რეტროსპექტივის დროს ნიუ-იორკში უიტნის თანამედროვე ხელოვნების მუზეუმში 2012 წელს. ფოტო: სტივ ეიხნერი/პენსკე მედია/REX/Shutterstock
კუსამას გაქცევის შესახებ ცნობებმა იაპონიაში მიაღწია. მათ დაიწყეს მას "ეროვნული კატასტროფის" დარქმევა და დედამ თქვა, რომ უკეთესი იქნება, თუ მისი ქალიშვილი ბავშვობაში ამ დაავადებით გარდაიცვალა. 1970-იანი წლების დასაწყისში გაღატაკებულმა და ვერ მოხერხდაკუსამა იაპონიაში დაბრუნდა. იგი დარეგისტრირდა ფსიქიატრიულ საავადმყოფოში, სადაც ჯერ კიდევ ცხოვრობს და მხატვრულ ბუნდოვანებაში ჩაიძირა.
1989 წელს ნიუ-იორკში თანამედროვე ხელოვნების ცენტრმა დადგა მისი ნამუშევრების რეტროსპექტივა. ეს იყო კუსამას ხელოვნებისადმი ინტერესის აღორძინების დასაწყისი, თუმცა ნელი. მან სარკისებური ოთახი გოგრით შეავსო ინსტალაციისთვის, რომელიც გამოიფინა ვენეციის ბიენალეზე 1993 წელს, ხოლო 1998 წელს ნიუ-იორკში, MoMa-ში დიდი გამოფენა გაიმართა. ეს ის ადგილია, სადაც მან ერთხელ მოაწყო მოვლენა.
გამოფენაზე My Eternal Soul in ეროვნული ცენტრიხელოვნება ტოკიოში, 2017 წლის თებერვალი. ფოტო: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
ბოლო რამდენიმე წლის განმავლობაში იაიოი კუსამა საერთაშორისო ფენომენად იქცა. ლონდონის ტეიტ მოდერნ გალერეამ და ნიუ-იორკში უიტნის მუზეუმმა ჩაატარეს ძირითადი რეტროსპექტივები, რომლებმაც მიიპყრო მნახველების უზარმაზარი ბრბო და მისი საკულტო პოლკა წერტილოვანი ნიმუში გახდა ძალიან ცნობადი.
გამოფენაზე ჩემი მარადიული სული ტოკიოს ეროვნულ ხელოვნების ცენტრში, 2017 წლის თებერვალი. ფოტო: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
მხატვარი არ გეგმავს მუშაობის შეწყვეტას, მაგრამ დაიწყო ფიქრი მის სიკვდილზე. „არ ვიცი რამდენ ხანს შევძლებ სიკვდილის შემდეგაც კი. არის მომავალი თაობა, რომელიც ჩემს კვალს მიჰყვება. ჩემთვის დიდი პატივი იქნება, თუ ხალხი სიამოვნებით უყურებს ჩემს ნამუშევრებს და თუ ისინი აღფრთოვანებული იქნებიან ჩემი ხელოვნებით“.
გამოფენაზე ჩემი მარადიული სული ტოკიოს ეროვნულ ხელოვნების ცენტრში, 2017 წლის თებერვალი. ფოტო: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
მიუხედავად მისი ხელოვნების კომერციალიზაციისა, კუსამა ფიქრობს საფლავზე მაცუმოტოში - არა საოჯახო საძვალეში, ის მაინც მემკვიდრეობით მიიღო მშობლებისგან - და როგორ არ გადააქციოს იგი სალოცავად. ”მაგრამ მე ჯერ არ ვკვდები. ვფიქრობ, კიდევ 20 წელი ვიცოცხლებ“, - ამბობს ის.
გამოფენაზე ჩემი მარადიული სული ტოკიოს ეროვნულ ხელოვნების ცენტრში, 2017 წლის თებერვალი. ფოტო: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
იაპონელი კლასიკური მხატვრობააქვს გრძელი და საინტერესო ამბავი. წარმოდგენილია იაპონიის სახვითი ხელოვნება სხვადასხვა სტილისდა ჟანრები, რომელთაგან თითოეული უნიკალურია თავისებურად. ბრინჯაოს დოტაკუს ზარებსა და ჭურჭლის ნატეხებზე აღმოჩენილი უძველესი მოხატული ფიგურები და გეომეტრიული მოტივები თარიღდება 300 წლით.
ხელოვნების ბუდისტური ორიენტაცია
კედლის მხატვრობის ხელოვნება საკმაოდ კარგად იყო განვითარებული იაპონიაში, მე-6 საუკუნეში განსაკუთრებით პოპულარული იყო გამოსახულებები ბუდისტური ფილოსოფიის თემაზე. იმ დროს ქვეყანაში შენდებოდა დიდი ტაძრები და მათ კედლებს ყველგან ამშვენებდა ფრესკები, რომლებიც დახატული იყო ბუდისტური მითებისა და ლეგენდების სცენების საფუძველზე. კედლის მხატვრობის უძველესი ნიმუშები ჯერ კიდევ შემორჩენილია იაპონიის ქალაქ ნარას მახლობლად მდებარე ჰორიუჯის ტაძარში. ჰორიუჯის ფრესკები ასახავს სცენებს ბუდასა და სხვა ღმერთების ცხოვრებიდან. ამ ფრესკების მხატვრული სტილი ძალიან ახლოს არის ჩინეთში პოპულარულ ფერწერულ კონცეფციასთან სონგის დინასტიის დროს.
ტანგის დინასტიის ფერწერის სტილმა განსაკუთრებული პოპულარობა მოიპოვა ნარას პერიოდის შუა პერიოდში. ტაკამაცუზუკას სამარხში აღმოჩენილი ფრესკები თარიღდება დაახლოებით ჩვენს წელთაღრიცხვამდე VII საუკუნით ამ პერიოდიდან. მხატვრული ტექნიკატანგის დინასტიის გავლენის ქვეშ ჩამოყალიბებული, შემდგომში საფუძვლად დაედო კარა-ე ფერწერის ჟანრს. ამ ჟანრმა პოპულარობა შეინარჩუნა იამატო-ე სტილში პირველი ნამუშევრების გამოჩენამდე. ფრესკებისა და მხატვრობის შედევრების უმეტესობა ფუნჯს ეკუთვნის უცნობი ავტორები, დღეს იმ პერიოდის მრავალი ნამუშევარი ინახება სესოინის ხაზინაში.
ახალი ბუდისტური სკოლების მზარდმა გავლენამ, როგორიცაა ტენდაი, გავლენა მოახდინა უფრო ფართო რელიგიურ ორიენტაციაზე ვიზუალური ხელოვნებაიაპონია მე-8 და მე-9 საუკუნეებში. მე-10 საუკუნეში, რომელმაც განსაკუთრებული პროგრესი დაინახა იაპონური ბუდიზმიგამოჩნდა რაიგოზუს ჟანრი, "მისასალმებელი ნახატები", რომლებიც ასახავდნენ ბუდას ჩამოსვლას დასავლეთ სამოთხეში. ადრეული მაგალითებირაიგოზუ, რომელიც დათარიღებულია 1053 წლით, შეგიძლიათ ნახოთ ბედო-ინ ტაძარში, რომელიც შემორჩენილია კიოტოს პრეფექტურის ქალაქ უჯიში.
სტილის შეცვლა
ჰეიანის პერიოდის შუა პერიოდში შეიცვალა ჩინური სტილი Kara-e მოდის Yamato-e ჟანრი, რომელიც დიდი ხნის განმავლობაში ხდება იაპონური ფერწერის ერთ-ერთი ყველაზე პოპულარული და მოთხოვნადი ჟანრი. ახალი თვალწარმტაცი სტილიძირითადად გამოიყენება დასაკეცი ეკრანებისა და მოცურების კარების შეღებვისას. დროთა განმავლობაში იამატო-ე ასევე გადავიდა ჰორიზონტალურ ემაკიმონოს გრაგნილებზე. მხატვრები, რომლებიც მუშაობდნენ ემაკის ჟანრში, ცდილობდნენ თავიანთ ნამუშევრებში გადმოეცათ არჩეული სიუჟეტის მთელი ემოციურობა. გენჯი მონოგატარის გრაგნილი შედგებოდა რამდენიმე ეპიზოდისგან, რომლებიც შეკრული იყო, იმდროინდელი მხატვრები იყენებდნენ ფუნჯის სწრაფ შტრიხებს და ნათელ, ექსპრესიულ ფერებს.
E-maki არის otoko-e-ის, წარმომადგენლობის ჟანრის ერთ-ერთი უძველესი და ყველაზე თვალსაჩინო მაგალითი. მამაკაცის პორტრეტები. ქალთა პორტრეტებიხაზგასმულია ცალკე ჟანრიონნა-უჰ. ამ ჟანრებს შორის, ფაქტობრივად, ისევე, როგორც მამაკაცებსა და ქალებს შორის, საკმაოდ მნიშვნელოვანი განსხვავებები ჩანს. ონნა-ე სტილი ფერადად არის წარმოდგენილი The Tale of Genji-ის დიზაინში, სადაც ნახატების ძირითადი თემებია. რომანტიკული ისტორიებისცენები სასამართლო ცხოვრებიდან. მამაკაცის სტილიოტოკო-ე უპირატესად მხატვრული გამოსახულებაისტორიული ბრძოლები და სხვა მნიშვნელოვანი მოვლენებიიმპერიის ცხოვრებაში.
კლასიკური იაპონური ხელოვნების სკოლა გახდა ნაყოფიერი ნიადაგი იაპონიაში თანამედროვე ხელოვნების იდეების განვითარებისა და პოპულარიზაციისთვის, რომელშიც ნათლად ჩანს პოპ კულტურისა და ანიმეს გავლენა. ჩვენი დროის ერთ-ერთ ყველაზე ცნობილ იაპონელ მხატვარს შეიძლება ეწოდოს ტაკაში მურაკამი, რომლის ნამუშევარი ეძღვნება ომისშემდგომ პერიოდში იაპონიის ცხოვრებიდან სცენების ასახვას და სახვითი ხელოვნების მაქსიმალური შერწყმის კონცეფციას.
კლასიკური სკოლის ცნობილ იაპონელ მხატვრებს შორის შეგვიძლია დავასახელოთ შემდეგი.
დაძაბული Xubun
სიუბუნი მუშაობდა მე -15 საუკუნის დასაწყისში, დიდ დროს უთმობდა სონგის დინასტიის ჩინელი ოსტატების ნამუშევრების შესწავლას, ეს ადამიანი იდგა იაპონიის წარმოშობაზე. ვიზუალური ჟანრი. შუბუნი ითვლება სუმი-ე სტილის, მონოქრომული მელნით მხატვრობის ფუძემდებლად. მან დიდი ძალისხმევა გასწია ახალი ჟანრის პოპულარიზაციას, გადააქცია იგი იაპონური მხატვრობის ერთ-ერთ წამყვან მიმართულებად. სიუბუნის ბევრი მოსწავლე იყო, ვინც მოგვიანებით გახდა ცნობილი მხატვრები, მათ შორის Sesshu და დამაარსებელი ცნობილი ხელოვნების სკოლაკანო მასანობუ. ბევრი პეიზაჟი მიეწერებოდა Xubun-ს, მაგრამ მისი ყველაზე ცნობილი ნამუშევარი ტრადიციულად ითვლება "კითხვა ბამბუკის ჭალებში".
ოგატა კორინი (1658-1716)
ოგატა კორინი ერთ-ერთია ძირითადი მხატვრებიიაპონური ფერწერის ისტორიაში, რიმპას მხატვრული სტილის დამაარსებელი და ერთ-ერთი ყველაზე ნათელი წარმომადგენელი. კორინი თავის ნამუშევრებში თამამად დაშორდა ტრადიციულ სტერეოტიპებს, ჩამოაყალიბა საკუთარი სტილი, რომლის ძირითადი მახასიათებლები იყო მცირე ფორმები და სიუჟეტის ნათელი იმპრესიონიზმი. კორინი ცნობილია ბუნების გამოსახვისა და აბსტრაქტულ ფერთა კომპოზიციებთან მუშაობის განსაკუთრებული ოსტატობით. "ქლიავის ყვავილი წითელი და თეთრი" ერთ-ერთი ყველაზე მეტადაა ცნობილი ნამუშევრებიასევე ცნობილია ოგატა კორინა, მისი ნახატები "ქრიზანთემები", "მაცუშიმას ტალღები" და მრავალი სხვა.
ჰასეგავა ტოჰაკუ (1539-1610)
ტოჰაკუ არის იაპონური ჰასეგავას ხელოვნების სკოლის დამფუძნებელი. ამისთვის ადრეული პერიოდიტოჰაკუს შემოქმედებას ახასიათებს იაპონური ფერწერის ცნობილი სკოლის გავლენა 
კანო, მაგრამ დროთა განმავლობაში მხატვარმა ჩამოაყალიბა საკუთარი უნიკალური სტილი. მრავალი თვალსაზრისით, ტოჰაკუს შემოქმედებაზე გავლენა მოახდინა აღიარებული ოსტატის სეშუს ნამუშევრებმა; ჰოსეგავა საკუთარ თავსაც კი თვლიდა ამ დიდი ოსტატის მეხუთე მემკვიდრედ. ჰასეგავა ტოჰაკუს ნახატი „ფიჭვები“ მიიღო მსოფლიო პოპულარობა, მისი ნამუშევრები „ნეკერჩხალი“, „ფიჭვები და აყვავებული მცენარეები" და სხვა.
კანო ეიტოკუ (1543-1590)
კანოს სკოლის სტილი დომინირებდა იაპონიის ვიზუალურ ხელოვნებაში დაახლოებით ოთხი საუკუნის განმავლობაში და კანო ეიტოკუ ალბათ ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი და გამოჩენილი წარმომადგენლებიამ სამხატვრო სკოლაში. ეიტოკუს მხარს უჭერდა ხელისუფლება, არისტოკრატებისა და მდიდარი მფარველების მფარველობა ხელს არ უწყობდა მისი სკოლის გაძლიერებას და მისი ნამუშევრების პოპულარობას, ეჭვგარეშეა, ძალიან ნიჭიერი მხატვარი. რვა პანელიანი კვიპაროსის მოცურების ეკრანი, დახატული ეიტოკუ კანოს მიერ, არის ნამდვილი შედევრი და მონოიამას სტილის მასშტაბისა და ძალის ბრწყინვალე მაგალითი. არანაკლებ საინტერესო გამოიყურება ოსტატის სხვა ნამუშევრები, როგორიცაა "ოთხი სეზონის ჩიტები და ხეები", "ჩინური ლომები", "მღვდელმთავარი და ფერია" და მრავალი სხვა.
კაცუშიკა ჰოკუსაი (1760-1849)
ჰოკუსაი - უდიდესი ოსტატიუკიიო-ე ჟანრი (იაპონური ხის ჭრა). ჰოკუსაის შემოქმედება მიიღო გლობალური აღიარებამისი პოპულარობა სხვა ქვეყნებში არ არის შედარებული აზიელი მხატვრების უმრავლესობისას, მის ნამუშევრებს. დიდი ტალღაკანაგავაში“ გახდა რაღაც მსგავსი სავიზიტო ბარათიიაპონური სახვითი ხელოვნება მსოფლიო ხელოვნების სცენაზე. საკუთარ თავზე შემოქმედებითი გზაჰოკუსაიმ გამოიყენა ოცდაათზე მეტი ფსევდონიმი, სამოცის შემდეგ მხატვარმა მთლიანად მიუძღვნა თავი ხელოვნებას და სწორედ ეს დრო ითვლება მისი შემოქმედების ყველაზე ნაყოფიერ პერიოდად. ჰოკუსაის ნამუშევრებმა გავლენა მოახდინა იმპრესიონიზმის დასავლელი ოსტატების მუშაობაზე და პოსტიმპრესიონისტულ პერიოდზე, მათ შორის რენუარის, მონესა და ვან გოგის შემოქმედებაზე.
