თანამედროვე იაპონელი მხატვრები და მათი ნახატები. იაპონური მხატვრობის ძირითადი მოტივები

იაპონიის მონოქრომული მხატვრობა აღმოსავლური ხელოვნების ერთ-ერთი უნიკალური ფენომენია. მას ბევრი სამუშაო და კვლევა მიეძღვნა, მაგრამ ის ხშირად აღიქმება როგორც ძალიან ჩვეულებრივი და ზოგჯერ დეკორატიულადაც კი. ეს ასე არ არის, იაპონელი მხატვრის სულიერი სამყარო ძალიან მდიდარია და მას არა იმდენად ესთეტიკური კომპონენტი ადარდებს, რამდენადაც სულიერი. აღმოსავლეთის ხელოვნება არის გარეგანი და შინაგანი, ექსპლიციტური და იმპლიციტურის სინთეზი.

ამ პოსტში მინდა ყურადღება მივაქციო არა მონოქრომული მხატვრობის ისტორიას, არამედ მის არსს. ეს არის ის, რაზეც ვისაუბრებთ.

ეკრანი "Pines" ჰასეგავა ტოჰაკუ, 1593 წ

რასაც ჩვენ ვხედავთ მონოქრომული ნახატებში, მხატვრის ურთიერთქმედების შედეგია ძირითად ტრიადასთან: ქაღალდი, ფუნჯი, მელანი. ამიტომ, ნამუშევრის სწორად გასაგებად, თქვენ უნდა გესმოდეთ თავად მხატვარი და მისი დამოკიდებულება.

"პეიზაჟი" სეშუ, 1398 წ

ქაღალდიიაპონელი ოსტატისთვის ეს არ არის მხოლოდ ხელთ არსებული მასალა, რომელსაც ის ემორჩილება თავის ახირებას, არამედ პირიქით - ეს არის „ძმა“ და, შესაბამისად, მის მიმართ დამოკიდებულებაც შესაბამისად განვითარდა. ქაღალდი გარემომცველი ბუნების ნაწილია, რომელსაც იაპონელები ყოველთვის პატივისცემით ეპყრობოდნენ და ცდილობდნენ არა დაემორჩილებინათ, არამედ მშვიდობიანად ეცხოვრათ მასთან. ქაღალდი წარსულში არის ხე, რომელიც იდგა გარკვეულ ადგილას, გარკვეული დრო, ირგვლივ რაღაც „დაინახა“ და ის ინახავს ყველაფერს. ასე აღიქვამს მასალას იაპონელი მხატვარი. ხშირად, მუშაობის დაწყებამდე, ხელოსნები დიდხანს უყურებდნენ ცარიელი ფურცელი(დაფიქრდნენ) და მხოლოდ ამის შემდეგ დაიწყეს ხატვა. ახლაც, თანამედროვე იაპონელი მხატვრები, რომლებიც იყენებენ ნიჰონ-გას ტექნიკას (ტრადიციული იაპონური მხატვრობა) ყურადღებით ირჩევენ ქაღალდს. შეკვეთით ყიდულობენ ქაღალდის ქარხნებიდან. თითოეულ მხატვარს აქვს გარკვეული სისქე, ტენიანობის გამტარიანობა და ტექსტურა (ბევრი მხატვარი აფორმებს შეთანხმებას ქარხნის მფლობელთან, რომ არ მიჰყიდოს ეს ქაღალდი სხვა მხატვრებს) - შესაბამისად, თითოეული ნახატი აღიქმება, როგორც რაღაც უნიკალური და ცოცხალი.

"კითხვა ბამბუკის კორომში" Xubun, 1446 წ

ამ მასალის მნიშვნელობაზე საუბრისას, აღსანიშნავია შემდეგი ცნობილი ძეგლებიიაპონური ლიტერატურა, როგორიცაა სეი შონაგონის „შენიშვნები საწოლის გვერდით“ და მურასაკი შიკიბუს „გენჯი მონოგოტარი“: როგორც „ნოტებში“ ასევე „გენჯიში“ შეგიძლიათ იპოვოთ ნაკვეთები, როდესაც კარისკაცები ან შეყვარებულები ცვლიან შეტყობინებებს. ქაღალდი, რომელზედაც ეს შეტყობინებები იყო დაწერილი, იყო წელიწადის შესაბამისი დროის, ჩრდილისა და ტექსტის წერის წესი მის ტექსტურას შეესაბამებოდა.

"მურასაკი შიკიბუ იშიამას სალოცავში" კიოსენი

ფუნჯი- მეორე კომპონენტი არის ოსტატის ხელის გაგრძელება (ისევ, ეს ბუნებრივი მასალაა). ამიტომ, ფუნჯებიც შეკვეთით მზადდებოდა, მაგრამ ყველაზე ხშირად თავად მხატვრის მიერ. მან შეარჩია საჭირო სიგრძის თმები, შეარჩია ფუნჯის ზომა და ყველაზე კომფორტული სახელური. ოსტატი ხატავს მხოლოდ საკუთარი ფუნჯით და არა სხვა. (პირადი გამოცდილებიდან: მე ვიყავი ჩინელი მხატვრის ჯიანგ შილუნის მასტერკლასზე, აუდიტორიამ სთხოვა ეჩვენებინა, თუ რისი გაკეთება შეეძლოთ მის სტუდენტებს, რომლებიც ესწრებოდნენ მასტერკლასს და თითოეულმა მათგანმა, აიღო სამაგისტრო ფუნჯი, თქვა, რომ შედეგი არ იქნება ის, რაც მათ მოელოდნენ, რადგან ფუნჯი მათი არ არის, ისინი არ არიან მიჩვეულები და არ იციან როგორ გამოიყენონ ის სწორად).

კაცუშიკა ჰოკუსაის "ფუჯი" მელნის ესკიზი

ტუში- მესამე მნიშვნელოვანი ელემენტი. არსებობს ტუშის სხვადასხვა სახეობა: მას შეუძლია გაშრობის შემდეგ პრიალა ან მქრქალი ეფექტის მიცემა, შეიძლება შერეული იყოს ვერცხლის ან ოხრის ფერებში, ამიტომ მნიშვნელოვანია ტუშის სწორი არჩევანიც.

იამამოტო ბაიცუ, გვიანი XVIII- XIX საუკუნე.

მონოქრომული ფერწერის ძირითადი საგნებია პეიზაჟები. რატომ არ არის მათში ფერები?

დაწყვილებული ეკრანი "Pines", ჰასეგავა ტოჰაკუ

ჯერ ერთი, იაპონელი მხატვარი არ არის დაინტერესებული თავად ობიექტით, არამედ მისი არსით, გარკვეული კომპონენტით, რომელიც საერთოა ყველა ცოცხალი არსებისთვის და იწვევს ჰარმონიას ადამიანსა და ბუნებას შორის. მაშასადამე, გამოსახულება ყოველთვის მინიშნებაა, ის მიმართულია ჩვენს გრძნობებს და არა ხედვას. გაუგებრობა არის დიალოგის სტიმული და, შესაბამისად, კავშირი. ხაზები და ლაქები მნიშვნელოვანია გამოსახულებაში - ისინი ქმნიან მხატვრული ენა. ეს არ არის ოსტატის თავისუფლება, რომელმაც დატოვა გაბედული კვალი, სადაც სურდა, არამედ სხვაგან, პირიქით, დაქვეითდა - სურათზე ყველაფერს თავისი მნიშვნელობა და მნიშვნელობა აქვს და არ არის შემთხვევითი.

მეორეც, ფერი ყოველთვის ატარებს რაიმე სახის ემოციურ კონოტაციას და განსხვავებულად აღიქმება სხვადასხვა მდგომარეობაში მყოფი ადამიანების მიერ, ამიტომ ემოციური ნეიტრალიტეტი მაყურებელს საშუალებას აძლევს ყველაზე ადეკვატურად შევიდეს დიალოგში, განათავსოს იგი აღქმისთვის, ჭვრეტისთვის და აზროვნებისთვის.

მესამე, ეს არის იინისა და იანგის ურთიერთქმედება; ნებისმიერი მონოქრომული ნახატი ჰარმონიულია მელნის თანაფარდობის თვალსაზრისით ქაღალდის ხელუხლებელ არეალთან.

რატომ უმეტესობაქაღალდის ადგილი არ არის გამოყენებული?

"პეიზაჟი" Xubun, მე -15 საუკუნის შუა ხანები.

პირველ რიგში, ცარიელი სივრცე ჩაძირავს მაყურებელს სურათში; მეორეც, გამოსახულება იქმნება ისე, თითქოს ერთი წუთით ამოფრინდა ზედაპირზე და გაქრება - ეს დაკავშირებულია მსოფლმხედველობასთან და მსოფლმხედველობასთან; მესამე, იმ ადგილებში, სადაც მელანი არ არის, ქაღალდის ტექსტურა და ჩრდილი გამოდის წინა პლანზე (ეს ყოველთვის არ ჩანს რეპროდუქციაში, მაგრამ სინამდვილეში ეს ყოველთვის არის ორი მასალის ურთიერთქმედება - ქაღალდი და მელნი).

სეშუ, 1446 წ

რატომ პეიზაჟი?

"ჩანჩქერის ჭვრეტა" გაიამი, 1478 წ

იაპონური მსოფლმხედველობის მიხედვით, ბუნება უფრო სრულყოფილია ვიდრე ადამიანი, ამიტომ მან უნდა ისწავლოს მისგან, დაიცვას იგი ყოველმხრივ და არ გაანადგუროს ან დაიმორჩილოს იგი. ამიტომ, ბევრ პეიზაჟში შეგიძლიათ იხილოთ ადამიანების მცირე გამოსახულებები, მაგრამ ისინი ყოველთვის უმნიშვნელოა, მცირეა თავად ლანდშაფტთან მიმართებაში, ან ქოხების გამოსახულებები, რომლებიც ჯდება მათ მიმდებარე სივრცეში და ყოველთვის არ არის შესამჩნევი - ეს ყველაფერი სიმბოლოა. მსოფლმხედველობა.

"სეზონები: შემოდგომა და ზამთარი" სეშუ. "პეიზაჟი" სეშუ, 1481 წ

დასასრულს, მინდა ვთქვა, რომ მონოქრომული იაპონური მხატვრობა არ არის ქაოტურად მოფენილი მელანი, ეს არ არის მხატვრის შინაგანი ეგოს ახირება - ეს არის სურათებისა და სიმბოლოების მთელი სისტემა, ეს არის ფილოსოფიური აზროვნების საცავი და რაც მთავარია, საკუთარი თავის და ჩვენს გარშემო სამყაროს კომუნიკაციისა და ჰარმონიზაციის გზა.

აქ, ვფიქრობ, არის პასუხები იმ მთავარ კითხვებზე, რომლებიც ჩნდება მაყურებელში მონოქრომული იაპონური მხატვრობის წინაშე. ვიმედოვნებ, რომ ისინი დაგეხმარებიან მის ყველაზე სწორად გაგებაში და შეხვედრისას მის აღქმაში.

იაპონური მხატვრობა ერთ-ერთი ყველაზე ლამაზია მსოფლიოში.

იაპონური მხატვრობა ერთ-ერთი უძველესია და საოცარი ხედებიკრეატიულობა. როგორც ნებისმიერ სხვას, მას აქვს თავისი გრძელი ისტორია, რომელიც შეიძლება დაიყოს რამდენიმე პერიოდად ტექნიკისა და მახასიათებლების მიხედვით. ყველა პერიოდისთვის საერთოა ბუნება, რომელსაც ნახატებში მთავარი ადგილი დაეთმო. იაპონიის სახვითი ხელოვნების პოპულარობით მეორე ადგილზეა ყოველდღიური სცენები ცხოვრებიდან.

იამატო

იამატო(VI–VII სს.) - იაპონური ხელოვნების პირველი პერიოდი, რომელმაც საფუძველი ჩაუყარა მწერლობას. ხელოვნების განვითარებას ბიძგი მისცა ჩინეთის მიღწევებმა რელიგიისა და მწერლობის სფეროებში. იაპონია ცდილობდა მის დონეზე აეყვანა, ცვლილებები შეიტანა მის სტრუქტურაში და ააშენა ყველაფერი ჩინეთის იმიჯზე. ფერწერის გასავითარებლად იაპონიაში ჩინელი ოსტატების დიდი რაოდენობით ნამუშევრები ჩამოიტანეს, რამაც შთააგონა იაპონელები, რომლებიც თამამად ჩქარობდნენ შექმნას. მსგავსი ნახატები.

მხატვრობა ტაკამაცუზუკას სამარხში

ეს პერიოდი შედგება ორი ბავშვის პერიოდისგან:

• კოფუნი- იაპონური ხელოვნების პერიოდი, რომელიც იკავებს იამატოს პირველ ნახევარს. პერიოდის სახელწოდება ითარგმნება როგორც "გორის პერიოდი". იმ დღეებში მართლაც, დიდი როლიიყო გამოყოფილი ბორცვებზე, ქმნიდნენ მათ ყველგან.
• ასუკა- იამატოს ეპოქის მეორე ნაწილი. პერიოდს ეწოდა იმ წლებში მოქმედი ქვეყნის პოლიტიკური ცენტრი. ეს ასოცირდება იაპონიაში ბუდიზმის ჩამოსვლასთან და შემდგომში ყველა კულტურული სფეროს აქტიურ განვითარებასთან.

ნარა

ჩინეთიდან შემოსული ბუდიზმი აქტიურად გავრცელდა იაპონიაში, რამაც ხელი შეუწყო ხელოვნებაში რელიგიური თემების გაჩენას. ამ თემით მოხიბლულმა იაპონელმა მხატვრებმა მოხატეს გავლენიანი პიროვნებების მიერ შექმნილი ტაძრების კედლები. დღეს ჰორიუ-ჯი ტაძარში შემონახულია იმდროინდელი კედლის მხატვრობა.

აზუჩი-მომოიამა

ეს პერიოდი სრულიად საპირისპიროა მისი წინამორბედისგან. სიბნელე და მონოქრომული ტოვებს ნამუშევრებს, იცვლება ნათელი ფერებით და ნახატებში ოქროსა და ვერცხლის გამოყენებით.

კვიპაროსი. ეკრანი. კანო ეიტოკუ.

მეიჯი

მე-19 საუკუნეში დაიწყო იაპონური მხატვრობის დაყოფა ტრადიციულ და ევროპულ სტილებად, რომლებიც ენერგიულად ეჯიბრებოდნენ ერთმანეთს. ამ პერიოდში იაპონიაში უზარმაზარი პოლიტიკური ცვლილებები მოხდა. იმ წლებში ევროპის გავლენამ იმოქმედა პლანეტის თითქმის ყველა კუთხეში და თითოეულ სახელმწიფოში საკუთარი მახასიათებლები შემოიღო. ევროპული სტილიხელოვნებას აქტიურად უჭერდა მხარს ხელისუფლება, უარყოფდა ძველ ტრადიციებს. მაგრამ მალე მღელვარება ირგვლივ დასავლური მხატვრობასწრაფად ჩაცხრა და ტრადიციული ხელოვნებისადმი ინტერესი მკვეთრად დაუბრუნდა.

იაპონური მხატვრობის განვითარებაგანახლებულია: 2017 წლის 15 სექტემბერი: ვალენტინა

იაპონურ კლასიკურ მხატვრობას აქვს გრძელი და საინტერესო ამბავი. წარმოდგენილია იაპონიის სახვითი ხელოვნება სხვადასხვა სტილისდა ჟანრები, რომელთაგან თითოეული უნიკალურია თავისებურად. ბრინჯაოს დოტაკუს ზარებსა და ჭურჭლის ნატეხებზე აღმოჩენილი უძველესი მოხატული ფიგურები და გეომეტრიული მოტივები თარიღდება 300 წლით.

ხელოვნების ბუდისტური ორიენტაცია

კედლის მხატვრობის ხელოვნება საკმაოდ კარგად იყო განვითარებული იაპონიაში, მე-6 საუკუნეში განსაკუთრებით პოპულარული იყო გამოსახულებები ბუდისტური ფილოსოფიის თემაზე. იმ დროს ქვეყანაში შენდებოდა დიდი ტაძრები და მათ კედლებს ყველგან ამშვენებდა ფრესკები, რომლებიც დახატული იყო ბუდისტური მითებისა და ლეგენდების სცენების საფუძველზე. კედლის მხატვრობის უძველესი ნიმუშები ჯერ კიდევ შემორჩენილია იაპონიის ქალაქ ნარას მახლობლად მდებარე ჰორიუჯის ტაძარში. ჰორიუჯის ფრესკები ასახავს სცენებს ბუდასა და სხვა ღმერთების ცხოვრებიდან. ამ ფრესკების მხატვრული სტილი ძალიან ახლოს არის ჩინეთში პოპულარულ ფერწერულ კონცეფციასთან სონგის დინასტიის დროს.

ტანგის დინასტიის ფერწერის სტილმა განსაკუთრებული პოპულარობა მოიპოვა ნარას პერიოდის შუა პერიოდში. ტაკამაცუზუკას სამარხში აღმოჩენილი ფრესკები თარიღდება დაახლოებით ჩვენს წელთაღრიცხვამდე VII საუკუნით ამ პერიოდიდან. მხატვრული ტექნიკა, რომელიც ჩამოყალიბდა ტანგის დინასტიის გავლენით, შემდგომში ჩამოყალიბდა კარა-ე ფერწერის ჟანრის საფუძველი. ამ ჟანრმა პოპულარობა შეინარჩუნა იამატო-ე სტილში პირველი ნამუშევრების გამოჩენამდე. ფრესკებისა და ნახატების უმეტესობა უცნობი ავტორებისაა, დღესდღეობით, იმ პერიოდის მრავალი ნამუშევარი ინახება სესოინის ხაზინაში.

ახალი ბუდისტური სკოლების მზარდმა გავლენამ, როგორიცაა ტენდაი, გავლენა მოახდინა იაპონური სახვითი ხელოვნების ფართო რელიგიურ ფოკუსზე მე-8 და მე-9 საუკუნეებში. მე-10 საუკუნეში, რომელმაც განსაკუთრებული პროგრესი დაინახა იაპონური ბუდიზმიგამოჩნდა რაიგოზუს ჟანრი, "მისასალმებელი ნახატები", რომლებიც ასახავდნენ ბუდას ჩამოსვლას დასავლეთ სამოთხეში. ადრეული მაგალითებირაიგოზუ, რომელიც დათარიღებულია 1053 წლით, შეგიძლიათ ნახოთ ბედო-ინ ტაძარში, რომელიც შემორჩენილია კიოტოს პრეფექტურის ქალაქ უჯიში.

სტილის შეცვლა

ჰეიანის პერიოდის შუა პერიოდში შეიცვალა ჩინური სტილი Kara-e მოდის Yamato-e ჟანრი, რომელიც დიდი ხნის განმავლობაში ხდება იაპონური ფერწერის ერთ-ერთი ყველაზე პოპულარული და მოთხოვნადი ჟანრი. ახალი თვალწარმტაცი სტილიძირითადად გამოიყენება დასაკეცი ეკრანებისა და მოცურების კარების შეღებვისას. დროთა განმავლობაში იამატო-ე ასევე გადავიდა ჰორიზონტალურ ემაკიმონოს გრაგნილებზე. მხატვრები, რომლებიც მუშაობდნენ ემაკის ჟანრში, ცდილობდნენ თავიანთ ნამუშევრებში გადმოეცათ არჩეული სიუჟეტის მთელი ემოციურობა. გენჯი მონოგატარის გრაგნილი შედგებოდა რამდენიმე ეპიზოდისგან, რომლებიც შეკრული იყო, იმდროინდელი მხატვრები იყენებდნენ ფუნჯის სწრაფ შტრიხებს და ნათელ, ექსპრესიულ ფერებს.

E-maki არის otoko-e-ის, წარმომადგენლობის ჟანრის ერთ-ერთი უძველესი და ყველაზე თვალსაჩინო მაგალითი. მამაკაცის პორტრეტები. ქალთა პორტრეტებიხაზგასმულია ცალკე ჟანრიონნა-უჰ. ამ ჟანრებს შორის, ფაქტობრივად, ისევე, როგორც მამაკაცებსა და ქალებს შორის, საკმაოდ მნიშვნელოვანი განსხვავებები ჩანს. ონნა-ე სტილი ფერადად არის წარმოდგენილი The Tale of Genji-ის დიზაინში, სადაც ნახატების ძირითადი თემებია. რომანტიკული ისტორიებისცენები სასამართლო ცხოვრებიდან. უპირატესად მამაკაცის ოტოკო-ე სტილია მხატვრული გამოსახულებაისტორიული ბრძოლები და სხვა მნიშვნელოვანი მოვლენები იმპერიის ცხოვრებაში.

კლასიკური იაპონური ხელოვნების სკოლა გახდა ნაყოფიერი ნიადაგი იდეების განვითარებისა და პოპულარიზაციისთვის თანამედროვე ხელოვნებაიაპონია, რომელშიც საკმაოდ ნათლად ჩანს პოპ კულტურისა და ანიმეს გავლენა. ჩვენი დროის ერთ-ერთ ყველაზე ცნობილ იაპონელ მხატვარს შეიძლება ეწოდოს ტაკაში მურაკამი, რომლის ნამუშევარი ეძღვნება ომისშემდგომ პერიოდში იაპონიის ცხოვრებიდან სცენების ასახვას და სახვითი ხელოვნების მაქსიმალური შერწყმის კონცეფციას.

ცნობილი იაპონელი მხატვრებისგან კლასიკური სკოლაშეგვიძლია დავასახელოთ შემდეგი.

დაძაბული Xubun

სიუბუნი მუშაობდა მე -15 საუკუნის დასაწყისში, დიდ დროს უთმობდა სონგის დინასტიის ჩინელი ოსტატების ნამუშევრების შესწავლას, ეს ადამიანი იდგა იაპონიის წარმოშობაზე. ვიზუალური ჟანრი. შუბუნი ითვლება სუმი-ე სტილის, მონოქრომული მელნით მხატვრობის ფუძემდებლად. მან დიდი ძალისხმევა გასწია ახალი ჟანრის პოპულარიზაციას, გადააქცია იგი იაპონური მხატვრობის ერთ-ერთ წამყვან მიმართულებად. სუბუნის მოსწავლეები იყვნენ მრავალი მხატვარი, რომლებიც მოგვიანებით გახდნენ ცნობილი, მათ შორის სეშუ და ცნობილი ხელოვნების სკოლის დამფუძნებელი კანო მასანობუ. ბევრი პეიზაჟი მიეწერებოდა Xubun-ს, მაგრამ მისი ყველაზე ცნობილი ნამუშევარი ტრადიციულად ითვლება "კითხვა ბამბუკის ჭალებში".

ოგატა კორინი (1658-1716)

ოგატა კორინი არის ერთ-ერთი უდიდესი მხატვარი იაპონური მხატვრობის ისტორიაში, რიმპას მხატვრული სტილის დამაარსებელი და ერთ-ერთი ყველაზე ნათელი წარმომადგენელი. კორინი თამამად დაშორდა ტრადიციულ სტერეოტიპებს თავის ნამუშევრებში, ჩამოაყალიბა საკუთარი საკუთარი სტილი, რომლის ძირითადი მახასიათებლები იყო მცირე ფორმები და ნაკვეთის ნათელი იმპრესიონიზმი. კორინი ცნობილია ბუნების გამოსახვისა და აბსტრაქტულ ფერთა კომპოზიციებთან მუშაობის განსაკუთრებული ოსტატობით. "ქლიავის ყვავილი წითელი და თეთრი" არის ოგატა კორინის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი ნამუშევარი; ასევე ცნობილია მისი ნახატები "ქრიზანთემები", "მაცუშიმას ტალღები" და მრავალი სხვა.

ჰასეგავა ტოჰაკუ (1539-1610)

ტოჰაკუ არის იაპონური ჰასეგავას ხელოვნების სკოლის დამფუძნებელი. ამისთვის ადრეული პერიოდიტოჰაკუს შემოქმედებას ახასიათებს იაპონური ფერწერის ცნობილი სკოლის გავლენა კანო, მაგრამ დროთა განმავლობაში მხატვარმა ჩამოაყალიბა საკუთარი უნიკალური სტილი. მრავალი თვალსაზრისით, ტოჰაკუს შემოქმედებაზე გავლენა მოახდინა აღიარებული ოსტატის სეშუს ნამუშევრებმა; ჰოსეგავა საკუთარ თავსაც კი თვლიდა ამ დიდი ოსტატის მეხუთე მემკვიდრედ. ჰასეგავა ტოჰაკუს ნახატი „ფიჭვები“ მიიღო მსოფლიო პოპულარობა, მისი ნამუშევრები „ნეკერჩხალი“, „ფიჭვები და აყვავებული მცენარეები" და სხვა.

კანო ეიტოკუ (1543-1590)

კანოს სკოლის სტილი დომინირებდა იაპონიის ვიზუალურ ხელოვნებაში დაახლოებით ოთხი საუკუნის განმავლობაში და კანო ეიტოკუ ალბათ ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი და გამოჩენილი წარმომადგენლებიამ სამხატვრო სკოლაში. ეიტოკუს მხარი დაუჭირა ხელისუფლებას, არისტოკრატებისა და მდიდარი მფარველების მფარველობა არ შეიძლებოდა არ შეუწყოს ხელი მისი სკოლის გაძლიერებას და ამ, უდავოდ, ძალიან ნიჭიერი მხატვრის ნამუშევრების პოპულარობას. ეიტოკუ კანოს მიერ დახატული კვიპაროსის რვა პანელიანი ეკრანი ნამდვილი შედევრია და ნათელი მაგალითიმონოიამას სტილის მასშტაბები და ძალა. არანაკლებ საინტერესო გამოიყურება ოსტატის სხვა ნამუშევრები, როგორიცაა "ოთხი სეზონის ჩიტები და ხეები", "ჩინური ლომები", "მღვდელმთავარი და ფერია" და მრავალი სხვა.

კაცუშიკა ჰოკუსაი (1760-1849)

ჰოკუსაი - უდიდესი ოსტატიუკიიო-ე ჟანრი (იაპონური ხის ჭრა). ჰოკუსაის შემოქმედება მიიღო გლობალური აღიარებამისი პოპულარობა სხვა ქვეყნებში არ არის შედარებული აზიელი მხატვრების უმრავლესობისას, მის ნამუშევრებს. დიდი ტალღაკანაგავაში“ გახდა რაღაც მსგავსი სავიზიტო ბარათიიაპონური სახვითი ხელოვნება მსოფლიო ხელოვნების სცენაზე. თავის შემოქმედებით გზაზე ჰოკუსაიმ გამოიყენა ოცდაათზე მეტი ფსევდონიმი, სამოცდაათის შემდეგ მხატვარმა მთლიანად მიუძღვნა თავი ხელოვნებას და სწორედ ეს დრო ითვლება მისი შემოქმედების ყველაზე ნაყოფიერ პერიოდად. ჰოკუსაის ნამუშევრებმა გავლენა მოახდინა იმპრესიონიზმის დასავლელი ოსტატების მუშაობაზე და პოსტიმპრესიონისტულ პერიოდზე, მათ შორის რენუარის, მონესა და ვან გოგის შემოქმედებაზე.

აქვს ძალიან მდიდარი ისტორია; მისი ტრადიცია უზარმაზარია, იაპონიის უნიკალური პოზიციით მსოფლიოში დიდ გავლენას ახდენს იაპონელი მხატვრების დომინანტური სტილი და ტექნიკა. ცნობილი ფაქტიის, რომ იაპონია საკმაოდ იზოლირებული იყო მრავალი საუკუნის განმავლობაში, განპირობებულია არა მხოლოდ გეოგრაფიით, არამედ იაპონური კულტურული ტენდენციით იზოლაციისკენ, რამაც აღნიშნა ქვეყნის ისტორია. საუკუნეების განმავლობაში, რასაც ჩვენ შეგვიძლია ვუწოდოთ "იაპონური ცივილიზაცია", კულტურა და ხელოვნება განცალკევებით განვითარდა დანარჩენი მსოფლიოსგან. და ეს კი შესამჩნევია იაპონური ფერწერის პრაქტიკაში. მაგალითად, ნიჰონგას ნახატები იაპონური ფერწერის პრაქტიკის მთავარ ნამუშევრებს შორისაა. იგი ეფუძნება ათას წელზე მეტ ტრადიციას და ნახატები ჩვეულებრივ იქმნება ფუნჯებით ან ვაშიზე (იაპონური ქაღალდი) ან ეგინაზე (აბრეშუმი).

თუმცა იაპონურ ხელოვნებასა და მხატვრობაზე უცხოური გავლენა მოახდინა მხატვრული პრაქტიკა. თავდაპირველად, ეს იყო ჩინური ხელოვნება მე -16 საუკუნეში და ჩინური მხატვრობა და ჩინური ტრადიციახელოვნება, რომელმაც განსაკუთრებული გავლენა მოახდინა რამდენიმე ასპექტში. როგორც მე-17 საუკუნიდან იაპონური მხატვრობაგავლენა მოახდინა დასავლური ტრადიციები. კერძოდ, ომამდელ პერიოდში, რომელიც გაგრძელდა 1868 წლიდან 1945 წლამდე, იაპონურ ფერწერაზე იმპრესიონიზმისა და ევროპული რომანტიზმის გავლენის ქვეშ იყო. ამავდროულად, ახალი ევროპული მხატვრული მოძრაობები ასევე განიცდიდა იაპონურ გავლენას მხატვრული ტექნიკა. ხელოვნების ისტორიაში ამ გავლენას „იაპონიზმს“ უწოდებენ და განსაკუთრებით მნიშვნელოვანია იმპრესიონისტებისთვის, კუბისტებისთვის და მოდერნიზმთან ასოცირებული მხატვრებისთვის.

გრძელი ამბავიიაპონური მხატვრობა შეიძლება ჩაითვალოს რამდენიმე ტრადიციის სინთეზად, რომლებიც ქმნიან აღიარებულ ნაწილებს იაპონური ესთეტიკა. უპირველეს ყოვლისა, ბუდისტური ხელოვნება და ფერწერის მეთოდები, ასევე რელიგიური მხატვრობა, მნიშვნელოვანი კვალი დატოვა იაპონური ფერწერის ესთეტიკაზე; პეიზაჟების წყლის მელნით დახატვა ჩინური ლიტერატურული მხატვრობის ტრადიციით არის კიდევ ერთი მნიშვნელოვანი ელემენტი, რომელიც აღიარებულია ბევრ ცნობილ იაპონურ ნახატში; ცხოველებისა და მცენარეების, განსაკუთრებით ფრინველებისა და ყვავილების მხატვრობა ჩვეულებრივ ასოცირდება იაპონურ კომპოზიციებთან, ისევე როგორც პეიზაჟები და სცენები. Ყოველდღიური ცხოვრების. დაბოლოს, ფილოსოფიისა და კულტურის უძველესი იდეები სილამაზის შესახებ დიდი გავლენა იქონია იაპონურ მხატვრობაზე ძველი იაპონია. ვაბი, რაც ნიშნავს გარდამავალ და უხეში სილამაზეს, საბი (ბუნებრივი ქათმისა და დაბერების სილამაზე) და იუგენი (ღრმა მადლი და დახვეწილობა) განაგრძობენ გავლენას იდეალებზე იაპონური ფერწერის პრაქტიკაში.

და ბოლოს, თუ კონცენტრირდებით ათი ყველაზე ცნობილი იაპონური შედევრის არჩევაზე, უნდა აღვნიშნოთ ukiyo-e, რომელიც ხელოვნების ერთ-ერთი ყველაზე პოპულარული ჟანრია იაპონიაში, მიუხედავად იმისა, რომ იგი ეკუთვნის ბეჭდვას. ის დომინირებდა იაპონური ხელოვნებამე-17-მე-19 საუკუნეებიდან, ხოლო ამ ჟანრის მხატვრები ქმნიდნენ ხეზე და ნახატებს ისეთი საგნებით, როგორიცაა ლამაზი გოგოები, კაბუკის მსახიობები და სუმოისტები, ასევე სცენები ისტორიიდან და ხალხური ზღაპრებიდან, მოგზაურობის სცენები და პეიზაჟები, ფლორა და ფაუნა და თუნდაც ეროტიკა.

ყოველთვის რთულია მხატვრული ტრადიციებიდან საუკეთესო ნახატების სიის შედგენა. ბევრი საოცარი ნამუშევარი გამოირიცხება; თუმცა, ამ სიაში წარმოდგენილია ათი ყველაზე ცნობადი იაპონური ნახატი მსოფლიოში. ამ სტატიაში წარმოდგენილი იქნება მხოლოდ მე-19 საუკუნიდან დღემდე შექმნილი ნახატები.

იაპონურ მხატვრობას ძალიან მდიდარი ისტორია აქვს. Საუკუნეების მანძილზე იაპონელი მხატვრებიშეიმუშავა დიდი რაოდენობით უნიკალური ტექნიკა და სტილი, რომლებიც იაპონიის ყველაზე ღირებული წვლილია ხელოვნების სამყაროში. ერთ-ერთი ასეთი ტექნიკაა სუმი-ე. Sumi-e სიტყვასიტყვით ნიშნავს "მელნით ნახატს" და აერთიანებს კალიგრაფიას და მელნით მხატვრობას, რათა შექმნას ფუნჯით დახატული კომპოზიციების იშვიათი სილამაზე. ეს სილამაზე პარადოქსულია - უძველესი, მაგრამ თანამედროვე, მარტივი, მაგრამ რთული, თამამი, მაგრამ დამორჩილებული, უდავოდ ასახავს ხელოვნების სულიერ საფუძველს ზენ ბუდიზმში. ბუდისტმა მღვდლებმა მეექვსე საუკუნეში ჩინეთიდან იაპონიაში შეიტანეს მყარი მელნის ბლოკები და ბამბუკის ფუნჯები და ბოლო 14 საუკუნის განმავლობაში იაპონიამ შეიმუშავა მელნის ფერწერის მდიდარი მემკვიდრეობა.

გადადით ქვემოთ და ნახეთ იაპონური ფერწერის 10 შედევრი

1. კაცუშიკა ჰოკუსაი "მეთევზის ცოლის ოცნება"

ერთ-ერთი ყველაზე ცნობადი იაპონური ნახატია "მეთევზის ცოლის ოცნება". იგი დაიწერა 1814 წელს ცნობილი მხატვარიჰოკუსაი. თუ დაიცავთ მკაცრ განმარტებებს, ეს გასაოცარი სამუშაოჰოკუსაი არ შეიძლება ჩაითვალოს ნახატად, რადგან ეს არის უკიიო-ე ჟანრის ხის კვეთა წიგნიდან ახალგაზრდა ფიჭვები (Kinoe no Komatsu), რომელიც სამტომიანი შუნგას წიგნია. კომპოზიციაში გამოსახულია ახალგაზრდა ამა მყვინთავი, რომელიც სქესობრივად არის გადახლართული რვაფეხას წყვილთან. ამ სურათმა დიდი გავლენა მოახდინა მე-19 და მე-20 საუკუნეებში. მუშაობამ მეტი გავლენა მოახდინა გვიანდელი მხატვრებიროგორიცაა ფელისიენ როპსი, ოგიუსტ როდენი, ლუი აუკოკი, ფერნანდ ნოპფი და პაბლო პიკასო.

2. ტესაი ტომიოკა „აბე ნო ნაკამარო წერს ნოსტალგიურ ლექსს მთვარის ყურებისას“

ტესაი ტომიოკა ცნობილი იაპონელი მხატვრისა და კალიგრაფის ფსევდონიმია. იგი ითვლება ბუნჯინგის ტრადიციის ბოლო მთავარ მხატვრად და ერთ-ერთ პირველს ძირითადი მხატვრებინიჰონგას სტილი. ბუნინგა იყო იაპონური მხატვრობის სკოლა, რომელიც აყვავდა გვიან ედო ეპოქაში მხატვრებს შორის, რომლებიც თავს ლიტერატორებად ან ინტელექტუალად თვლიდნენ. თითოეულმა ამ ხელოვანმა, მათ შორის ტესაიამ, შეიმუშავა საკუთარი სტილი და ტექნიკა, მაგრამ ისინი ყველანი იყვნენ ჩინური ხელოვნებისა და კულტურის დიდი თაყვანისმცემლები.

3. Fujishima Takeji "მზის ამოსვლა აღმოსავლეთის ზღვაზე"

ფუჯიშიმა ტაკეჯი იყო იაპონელი მხატვარი, რომელიც ცნობილია მე-19 საუკუნის ბოლოს და მე-20 საუკუნის დასაწყისში იოგას (დასავლური სტილის) ხელოვნების მოძრაობაში რომანტიზმისა და იმპრესიონიზმის განვითარებაში. 1905 წელს ის გაემგზავრა საფრანგეთში, სადაც მასზე გავლენა მოახდინა იმდროინდელმა ფრანგულმა მოძრაობებმა, განსაკუთრებით იმპრესიონიზმით, როგორც ეს ჩანს მის ნახატში „მზის ამოსვლის“ აღმოსავლეთის ზღვა“, რომელიც დაიწერა 1932 წელს.

4. კიტაგავა უტამარო „ქალის სახეების ათი ტიპი, მმართველი ლამაზმანების კოლექცია“

კიტაგავა უტამარო იყო გამოჩენილი იაპონელი მხატვარი, რომელიც დაიბადა 1753 წელს და გარდაიცვალა 1806 წელს. ის, რა თქმა უნდა, ყველაზე ცნობილია სერიით სახელწოდებით "ათი ტიპი ქალის სახეები. მმართველი ლამაზმანების კრებული, თემები Დიდი სიყვარულიკლასიკური პოეზია“ (ზოგჯერ „შეყვარებულ ქალებს“ ეძახიან, რომელშიც ცალკე გრავიურებია „შიშველი სიყვარული“ და „მოფიქრებული სიყვარული“). ის არის ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი მხატვარი, რომელიც მიეკუთვნება ukiyo-e ხის ჭრის ჟანრს.

5. კავანაბე კიოსაი "ვეფხვი"

კავანაბე კიოსაი იყო ედო პერიოდის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი იაპონელი მხატვარი. მის ხელოვნებაზე გავლენა მოახდინა ტოჰაკუს, მე-16 საუკუნის კანოს სკოლის მხატვრის ნამუშევრებმა, რომელიც იყო თავისი დროის ერთადერთი მხატვარი, რომელმაც ეკრანები მთლიანად მელნით დახატა ოქროს ფხვნილის დელიკატურ ფონზე. მიუხედავად იმისა, რომ კიოსაი ცნობილია როგორც კარიკატურისტი, მან დაწერა ყველაზე მეტი ცნობილი ნახატებიიაპონიის ისტორიაში მე -19 საუკუნის ხელოვნებასაუკუნეში. „ვეფხვი“ ერთ-ერთი იმ ნახატთაგანია, რომლის შესაქმნელად კიოსაიმ აკვარელი და მელანი გამოიყენა.

6. ჰიროში იოშიდა „ფუჯი კავაგუჩის ტბიდან“

ჰიროში იოშიდა ცნობილია, როგორც ერთ-ერთი ყველაზე დიდი ფიგურებიშინ-ჰანგას სტილი (შინ-ჰანგა არის ხელოვნების მოძრაობაიაპონიაში მე-20 საუკუნის დასაწყისში, ტაიშოსა და შოუას პერიოდებში, რომელმაც აღადგინა უკიიო-ე-ის ტრადიციული ხელოვნება, რომელმაც ფესვი გაიღო ედოსა და მეიჯის პერიოდებში (XVII - XIX სს.)). ის სწავლობდა დასავლური ზეთის მხატვრობის ტრადიციას, რომელიც იაპონიიდან იყო მიღებული მეიჯის პერიოდში.

7. ტაკაში მურაკამი “727”

ტაკაში მურაკამი ალბათ ჩვენი დროის ყველაზე პოპულარული იაპონელი მხატვარია. მისი ნამუშევრები ასტრონომიულ ფასებში იყიდება. ძირითადი აუქციონები, და შემოქმედებითობა უკვე შთააგონებს ხელოვანთა ახალ თაობას არა მხოლოდ იაპონიაში, არამედ მის ფარგლებს გარეთაც. მურაკამის ხელოვნება მოიცავს მედიუმების მთელ რიგს და, როგორც წესი, აღწერილია, როგორც სუპერბრტყელი. მისი ნამუშევარი ცნობილია ფერების გამოყენებით, იაპონური ტრადიციული და პოპულარული კულტურის მოტივებით. მისი ნახატების შინაარსს ხშირად აღწერენ, როგორც "საყვარელ", "ფსიქოდელიურ" ან "სატირულ".

8. იაიოი კუსამა "გოგრა"

იაოი კუსამა ასევე ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი იაპონელი მხატვარია. იგი ქმნის მრავალფეროვან მედიაში, მათ შორის ფერწერაში, კოლაჟში, სკულპტურაში, პერფორმანსში, გარემოს ხელოვნებასა და ინსტალაციაში, რომელთა უმეტესობა გამოხატავს მის თემატურ ინტერესს ფსიქოდელიური ფერების, განმეორებისა და ნიმუშის მიმართ. Ერთ - ერთი ყველაზე ცნობილი სერიალიეს დიდი მხატვარი არის სერია "გოგრა". პოლკა წერტილებით დაფარული ჩვეულებრივი გოგრა კაშკაშა ყვითელში წარმოდგენილია წმინდა ფონზე. ერთობლივად, ყველა ასეთი ელემენტი ქმნის ვიზუალურ ენას, რომელიც უდავოდ შეესაბამება მხატვრის სტილს და განვითარდა და დაიხვეწა ათწლეულების განმავლობაში მტკივნეული წარმოებისა და რეპროდუქციის განმავლობაში.

9. Tenmyoya Hisashi “იაპონური სული No14”

Tenmyoya Hisashi არის თანამედროვე იაპონელი მხატვარი, რომელიც ცნობილია თავისი ნეონიჰონგას ნახატებით. მან მონაწილეობა მიიღო აღორძინებაში ძველი ტრადიციაიაპონური ფერწერა, რომელიც სრულიად საპირისპიროა თანამედროვე იაპონური ფერწერისა. 2000 წელს მან ასევე შექმნა თავისი ახალი სტილიბუტუჰა, რომელიც ავლენს მტკიცე დამოკიდებულებას ავტორიტეტის მიმართ მხატვრული სისტემამისი ნახატების მეშვეობით. "იაპონური სული No. 14" შეიქმნა "BASARA" ხელოვნების სქემის ფარგლებში, ინტერპრეტირებული ქ. იაპონური კულტურაისევე როგორც ქვედა არისტოკრატიის მეამბოხე საქციელი მეომარ სახელმწიფოების პერიოდში, რათა უარი თქვან ძალაუფლების მფლობელებს მიაღწიონ იდეალურ ცხოვრების წესს მდიდრულ და მდიდრულ ტანსაცმელში ჩაცმულობით და მოქმედებით, რომლებიც არ შეესაბამებოდა მათ სოციალურ კლასს.

10. კაცუშიკა ჰოკუსაი "დიდი ტალღა კანაგავას მიღმა"

და ბოლოს, "დიდი ტალღა კანაგავას მიღმა" ალბათ ყველაზე ცნობადია იაპონური მხატვრობაოდესმე დაწერილი. ეს არის იაპონიაში შექმნილი ხელოვნების ყველაზე ცნობილი ნიმუში. მასზე გამოსახულია უზარმაზარი ტალღები, რომლებიც ემუქრებიან ნავებს კანაგავას პრეფექტურის სანაპიროსთან. მიუხედავად იმისა, რომ ტალღას ზოგჯერ ცუნამში ცდება, როგორც ნახატის სათაური გვთავაზობს, სავარაუდოდ უბრალოდ ანომალია აქვს. უფრო დიდი სიმაღლე. ნახატი შესრულებულია უკიიო-ე ტრადიციით.

Ხელოვნება და დიზაინი

2702

01.02.18 09:02

დღევანდელი ხელოვნების სცენაიაპონია ძალიან მრავალფეროვანი და პროვოკაციულია: უყურებს ქვეყნიდან ოსტატების მუშაობას Ამომავალი მზე, თქვენ გადაწყვეტთ, რომ სხვა პლანეტაზე მოხვედით! ინოვატორების სახლი, რომლებმაც შეცვალეს ინდუსტრიის ლანდშაფტი გლობალური მასშტაბით. წარმოგიდგენთ 10 თანამედროვე იაპონელი მხატვრის ჩამონათვალს და მათ შემოქმედებას - დან წარმოუდგენელი არსებებიტაკაში მურაკამი (რომელიც დღეს აღნიშნავს დაბადების დღეს) კუსამას ფერად სამყაროში.

ფუტურისტული სამყაროებიდან წერტილოვან თანავარსკვლავედებამდე: თანამედროვე იაპონელი მხატვრები

ტაკაში მურაკამი: ტრადიციონალისტი და კლასიკა

დავიწყოთ შემთხვევის გმირით! ტაკაში მურაკამი არის იაპონიის ერთ-ერთი ყველაზე გამორჩეული თანამედროვე მხატვარი, რომელიც მუშაობს ნახატებზე, ფართომასშტაბიან ქანდაკებებზე და მოდურ ტანსაცმელზე. მურაკამის სტილზე მანგასა და ანიმეს გავლენაა. ის არის Superflat მოძრაობის დამფუძნებელი, რომელიც მხარს უჭერს იაპონელებს მხატვრული ტრადიციებიდა ქვეყნის ომის შემდგომი კულტურა. მურაკამმა ბევრი თავისი თანამემამულე დააწინაურა და დღესაც შევხვდებით ზოგიერთ მათგანს. ტაკაში მურაკამის „სუბკულტურული“ ნამუშევრები წარმოდგენილია მოდისა და ხელოვნების ხელოვნების ბაზრებზე. მისი პროვოკაციული "ჩემი მარტოსული კოვბოი" (1998) გაიყიდა ნიუ-იორკში 2008 წელს Sotheby's-ში რეკორდულ 15,2 მილიონ დოლარად. მურაკამი თანამშრომლობდა მსოფლიოში ცნობილ ბრენდებთან Marc Jacobs, Louis Vuitton და Issey Miyake.

მშვიდად აშიმა და მისი სიურეალისტური სამყარო

ხელოვნების მწარმოებელი კომპანიის Kaikai Kiki და Superflat მოძრაობის წევრი (ორივე დაარსებული ტაკაში მურაკამის მიერ), ჩიჩო აშიმა ცნობილია თავისი ფანტასტიკური ქალაქური პეიზაჟებითა და უცნაური პოპ არსებებით. მხატვარი ქმნის დემონებით, მოჩვენებებით, ახალგაზრდა ლამაზმანებით დასახლებულ სურეალისტურ სიზმრებს, რომლებიც გამოსახულია უცნაური ბუნების ფონზე. მისი ნამუშევრები, როგორც წესი, ფართომასშტაბიანია და იბეჭდება ქაღალდზე, ტყავზე და პლასტმასზე. 2006 წელს ეს თანამედროვე იაპონელი მხატვარიმონაწილეობა მიიღო ლონდონის Art on the Underground-ში. მან შექმნა 17 ზედიზედ თაღი პლატფორმისთვის - ჯადოსნური პეიზაჟითანდათანობით გადაიზარდა დღიდან ღამემდე, ქალაქიდან სოფლად. ეს სასწაული აყვავდა მეტროსადგურ Gloucester Road-ზე.

ჩიჰარუ შიმა და გაუთავებელი ძაფები

კიდევ ერთი მხატვარი, ჩიჰარუ შიოტა, მუშაობს ფართომასშტაბიან ვიზუალურ ინსტალაციებზე კონკრეტული ღირშესანიშნაობებისთვის. იგი დაიბადა ოსაკაში, მაგრამ ახლა ცხოვრობს გერმანიაში - ბერლინში. მისი შემოქმედების ცენტრალური თემებია დავიწყება და მეხსიერება, ოცნებები და რეალობა, წარსული და აწმყო, ასევე შფოთვის დაპირისპირება. ჩიჰარუ შიოტას ყველაზე ცნობილი ნამუშევრები არის შავი ძაფის შეუღწევადი ქსელები, რომლებიც მოიცავს მრავალფეროვან ყოველდღიურ და პირად ნივთებს, როგორიცაა ძველი სკამები, საქორწილო კაბა, დამწვარი ფორტეპიანო. 2014 წლის ზაფხულში, შიოტამ ერთიანად შეკრა ფეხსაცმელი და ჩექმები (რომლებიც 300-ზე მეტი იყო) წითელი ძაფის ძაფებით და დაკიდა კაუჭებზე. ჩიჰარუს პირველი გამოფენა გერმანიის დედაქალაქში 2016 წელს ბერლინის ხელოვნების კვირეულზე გაიმართა და სენსაცია გამოიწვია.

ჰეი არაკავა: ყველგან, არსად

ჰეი არაკავა შთაგონებულია ცვლილების მდგომარეობებით, არასტაბილურობის პერიოდებით, რისკის ელემენტებით და მისი ინსტალაციები ხშირად სიმბოლოა მეგობრობისა და გუნდური მუშაობის თემებზე. თანამედროვე იაპონელი მხატვრის კრედო განისაზღვრება პერფორმატიული, განუსაზღვრელი "ყველგან, მაგრამ არსად". მისი შემოქმედება მოულოდნელ ადგილებში ჩნდება. 2013 წელს არაკავას ნამუშევრები გამოიფინა ვენეციის ბიენალეზე და იაპონური თანამედროვე ხელოვნების გამოფენაზე მორის ხელოვნების მუზეუმში (ტოკიო). ინსტალაცია Hawaiian Presence (2014) იყო ერთობლივი პროექტინიუ-იორკელ მხატვარ კარისა როდრიგესთან ერთად და მონაწილეობა მიიღო უიტნის ბიენალში. ასევე 2014 წელს, არაკავამ და მისმა ძმამ ტომუმ, რომლებიც ასრულებდნენ დუეტს, სახელად United Brothers, შესთავაზეს სტუმრებს Frieze London-ში თავიანთი „ნამუშევარი“ „This Soup Taste Ambivalent“ „რადიოაქტიური“ Fukushima daikon-ის ძირეული ბოსტნეულით.

კოკი ტანაკა: ურთიერთობები და გამეორებები

2015 წელს კოკი ტანაკა "წლის არტისტად" აღიარეს. ტანაკა იკვლევს კრეატიულობისა და წარმოსახვის საერთო გამოცდილებას, ხელს უწყობს პროექტის მონაწილეებს შორის გაცვლას და მხარს უჭერს თანამშრომლობის ახალ წესებს. მისი ინსტალაცია 2013 წლის ვენეციის ბიენალეზე იაპონიის პავილიონში შედგებოდა ობიექტების ვიდეოებისგან, რომლებიც სივრცეს აქცევდნენ მხატვრული გაცვლის პლატფორმად. კოკი ტანაკას ინსტალაციები (არ აგვერიოს მის სრულფასოვან მსახიობთან) ასახავს ობიექტებსა და მოქმედებებს შორის ურთიერთობას, მაგალითად, ვიდეო შეიცავს ჩვეულებრივი საგნებით შესრულებული მარტივი ჟესტების ჩანაწერებს (ბოსტნეულის დაჭრის დანა, ჭიქაში ლუდის ჩასხმა). , ქოლგის გახსნა). არაფერი მნიშვნელოვანი არ ხდება, მაგრამ აკვიატებული გამეორება და უმცირეს დეტალებზე ყურადღების მიქცევა მაყურებელს აფასებს ამქვეყნიურს.

მარიკო მორი და გამარტივებული ფორმები

კიდევ ერთი თანამედროვე იაპონელი მხატვარი, მარიკო მორი, მულტიმედია ობიექტებს „აგონებს“ ვიდეოებს, ფოტოებსა და საგნებს. მას ახასიათებს მინიმალისტური ფუტურისტული ხედვა და დახვეწილი სურეალისტური ფორმები. მორის შემოქმედებაში განმეორებადი თემაა დასავლური ლეგენდის შეხამება დასავლური კულტურა. 2010 წელს მარიკომ დააარსა Fau Foundation, საგანმანათლებლო კულტურული არაკომერციული ორგანიზაცია, რისთვისაც მან შექმნა თავისი არტ-ინსტალაციების სერია ექვსი დასახლებული კონტინენტის პატივსაცემად. სულ ახლახან, ფონდის მუდმივი ინსტალაცია "ბეჭედი: ერთი ბუნება" რიო-დე-ჟანეიროს მახლობლად მდებარე თვალწარმტაცი ჩანჩქერის თავზე დაიდგა.

Ryoji Ikeda: ხმის და ვიდეოს სინთეზი

რიოჯი იკედა არის ახალი მედია მხატვარი და კომპოზიტორი, რომლის ნამუშევრები ძირითადად ეხება ჟღერადობას სხვადასხვა „ნედლი“ მდგომარეობებში, სინუსური ტალღებიდან დაწყებული, ადამიანის სმენის ზღვარზე არსებული სიხშირეების გამოყენებით. მისი იმერსიული ინსტალაციები მოიცავს კომპიუტერის მიერ გამომუშავებულ ბგერებს, რომლებიც ვიზუალურად გარდაიქმნება ვიდეო პროექციებად ან ციფრულ შაბლონებად. იკედას აუდიოვიზუალური ხელოვნება იყენებს მასშტაბს, შუქს, ჩრდილს, მოცულობას, ელექტრონულ ხმებს და რიტმს. მხატვრის ცნობილი სატესტო ობიექტი შედგება ხუთი პროექტორისგან, რომლებიც ანათებენ ტერიტორიას 28 მეტრი სიგრძისა და 8 მეტრი სიგანის. კონფიგურაცია აკონვერტებს მონაცემებს (ტექსტი, ხმები, ფოტოები და ფილმები) შტრიხკოდებად და ერთებისა და ნულების ორობით ნიმუშებად.

Tatsuo Miyajima და LED მრიცხველები

თანამედროვე იაპონელი მოქანდაკე და ინსტალაციის მხატვარი ტაცუო მიაჯიმა იყენებს თავის ხელოვნებაში ელექტრული სქემები, ვიდეო, კომპიუტერები და სხვა გაჯეტები. მიაჯიმას ძირითადი კონცეფციები შთაგონებულია ჰუმანისტური იდეებითა და ბუდისტური სწავლებებით. მის ინსტალაციაში LED მრიცხველები განუწყვეტლივ ანათებენ განმეორებით 1-დან 9-მდე, რაც სიმბოლოა მოგზაურობის ცხოვრებიდან სიკვდილამდე, მაგრამ თავიდან აიცილებს საბოლოოობას, რომელიც წარმოდგენილია 0-ით (ნული არასოდეს ჩანს ტაცუოს ნამუშევრებში). ბადეებში, კოშკებსა და დიაგრამებში გავრცელებული რიცხვები გამოხატავს მიაჯიმას ინტერესს უწყვეტობის, მარადისობის, კავშირის და დროისა და სივრცის ნაკადის იდეებით. ცოტა ხნის წინ მიაჯიმას „დროის ისარი“ აჩვენეს საინაუგურაციო გამოფენაზე „ნიუ-იორკში ხილული დაუმთავრებელი აზრები“.

ნარა იოშიმოტო და ბოროტი ბავშვები

ნარა იოშიმოტო ქმნის ბავშვებისა და ძაღლების ნახატებს, ქანდაკებებსა და ნახატებს - საგნებს, რომლებიც ასახავს ბავშვობის მოწყენილობისა და იმედგაცრუების გრძნობას და სასტიკ დამოუკიდებლობას, რომელიც ბუნებრივად მოდის პატარებისთვის. იოშიმოტოს შემოქმედების ესთეტიკა ტრადიციულს მოგვაგონებს წიგნის ილუსტრაციები, არის დაუღალავი დაძაბულობისა და არტისტის სიყვარული პანკ როკის ნაზავი. 2011 წელს პირველი პერსონალური გამოფენაიოშიმოტო სახელწოდებით "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", რომელიც მოიცავს თანამედროვე იაპონელი მხატვრის 20-წლიან კარიერას. ექსპონატი მჭიდროდ იყო დაკავშირებული მსოფლიოს ახალგაზრდულ სუბკულტურებთან, მათ გაუცხოებასთან და პროტესტთან.

Yayoi Kusama და სივრცე იზრდება უცნაურ ფორმებში

იაიოი კუსამას საოცარი შემოქმედებითი ბიოგრაფია შვიდი ათწლეული გრძელდება. ამ დროის განმავლობაში საოცარმა იაპონელმა ქალმა მოახერხა ფერწერის, გრაფიკის, კოლაჟის, ქანდაკების, კინოს, გრავიურის, გარემოს ხელოვნების, ინსტალაციის, ასევე ლიტერატურის, მოდის და ტანსაცმლის დიზაინის დარგების შესწავლა. კუსამამ შეიმუშავა დოტ ხელოვნების ძალიან გამორჩეული სტილი, რომელიც მის საფირმო ნიშნად იქცა. 88 წლის კუსამას ნამუშევრებში წარმოდგენილი ილუზორული ხილვები (როდესაც სამყარო გაფანტულივითაა დაფარული უცნაური ფორმები), არის ჰალუცინაციების შედეგი, რომელიც მას ბავშვობიდან განიცდიდა. ოთახები ფერადი წერტილებით და „უსასრულობის“ სარკეებით, რომლებიც ასახავს მათ მტევანებს, ცნობადია და არ შეიძლება მათი აღრევა სხვაგან.