Jazz jest ewenementem w światowej kulturze muzycznej. Ta wszechstronna forma sztuki powstała na przełomie wieków (XIX i XX) w Stanach Zjednoczonych. Muzyka jazzowa stała się dziełem kultur Europy i Afryki, swego rodzaju fuzją nurtów i form z obu regionów świata. Następnie jazz wyszedł poza Stany Zjednoczone i stał się popularny niemal wszędzie. Muzyka ta opiera się na afrykańskich pieśniach ludowych, rytmach i stylach. W historii rozwoju tego kierunku jazzu znanych jest wiele form i typów, które pojawiały się wraz z opanowaniem nowych modeli rytmicznych i harmonicznych.
Charakterystyka jazzu
Synteza dwóch kultur muzycznych sprawiła, że jazz stał się radykalnie nowym zjawiskiem w sztuce światowej. Specyfika tego Nowa Muzyka stal:
- Synkopowane rytmy generujące polirytmy.
- Rytmiczne pulsowanie muzyki - beat.
- Zespół odchylenia rytmu - swing.
- Ciągła improwizacja w kompozycjach.
- Bogactwo harmonicznych, rytmów i barw.
Podstawą jazzu, zwłaszcza we wczesnych stadiach rozwoju, była improwizacja połączona z przemyślaną formą (jednocześnie forma kompozycji niekoniecznie była gdzieś ustalona). A z muzyki afrykańskiej to nowy styl przyjął następujące cechy:
- Zrozumienie każdego instrumentu jako perkusji.
- Popularne intonacje potoczne w wykonaniu utworów.
- Podobna imitacja rozmowy podczas gry na instrumentach.
Ogólnie rzecz biorąc, wszystkie obszary jazzu wyróżniają się własnymi cechami lokalnymi, dlatego logiczne jest rozpatrywanie ich w kontekście rozwoju historycznego.
Pojawienie się jazzu, ragtime'u (1880-1910)
Uważa się, że jazz powstał wśród czarnych niewolników sprowadzonych z Afryki do Stanów Zjednoczonych Ameryki w XVIII wieku. Ponieważ schwytani Afrykanie nie byli reprezentowani przez jedno plemię, musieli szukać wspólny język z krewnymi w Nowym Świecie. Taka konsolidacja doprowadziła do powstania zjednoczonej kultury afrykańskiej w Ameryce, która obejmowała i kultura muzyczna. W rezultacie dopiero w latach 80. i 90. XIX wieku pojawiła się pierwsza muzyka jazzowa. Ten styl był napędzany światowym popytem na popularną muzykę taneczną. Od afrykańskiego sztuka muzyczna obfitowała w takie rytmiczne tańce, to na jej podstawie narodził się nowy kierunek. Tysiące Amerykanów z klasy średniej, którzy nie mieli okazji opanować arystokracji tańce klasyczne, zaczął tańczyć do fortepianu w stylu ragtime. Ragtime wniósł do muzyki kilka przyszłych baz jazzowych. Więc, główny przedstawiciel tego stylu, Scott Joplin, jest autorem elementu „3 na 4” (skrzyżowanie rytmicznych wzorów z odpowiednio 3 i 4 jednostkami).
Nowy Orlean (1910-1920)
Jazz klasyczny pojawił się na początku XX wieku w południowych stanach Ameryki, a konkretnie w Nowym Orleanie (co jest logiczne, bo handel niewolnikami był na południu szeroko rozpowszechniony).
Grały tu orkiestry afrykańskie i kreolskie, tworzące swoją muzykę pod wpływem ragtime'u, bluesa i pieśni czarnoskórych robotników. Po pojawieniu się w mieście wielu instrumentów muzycznych z orkiestr wojskowych, zaczęły pojawiać się również zespoły amatorskie. Legendarny nowoorleański muzyk i założyciel własnej orkiestry, King Oliver, również był samoukiem. ważna data w historii jazzu był 26 lutego 1917 roku, kiedy to Original Dixieland Jazz Band wydał swój pierwszy album płyta gramofonowa. W Nowym Orleanie położono również główne cechy stylu: beat instrumenty perkusyjne, mistrzowskie solo, wokalna improwizacja w sylabach - skat.
Chicago (1910-1920)
W latach 20., nazywanych przez klasyków „szalonymi latami dwudziestymi”, muzyka jazzowa stopniowo wkraczała do Kultura popularna, tracąc tytuły „haniebny” i „nieprzyzwoity”. Orkiestry zaczynają występować w restauracjach, przenoszą się z południowych stanów do innych części Stanów Zjednoczonych. Chicago staje się centrum jazzu na północy kraju, gdzie popularność zyskują bezpłatne nocne występy muzyków (podczas takich pokazów często dochodziło do improwizacji i występów zewnętrznych solistów). Bardziej złożone aranżacje pojawiają się w stylu muzycznym. Ikoną jazzu tamtych czasów był Louis Armstrong, który przeniósł się do Chicago z Nowego Orleanu. Następnie style obu miast zaczęto łączyć w jeden gatunek muzyki jazzowej - Dixieland. Główną cechą tego stylu była zbiorowa masowa improwizacja, którą wznosili główny pomysł jazz do absolutu.
Swing i big bandy (1930-1940)
Dalszy wzrost popularności jazzu stworzył zapotrzebowanie na duże orkiestry grające taneczne melodie. Tak powstał swing, reprezentujący charakterystyczne odchylenia w obu kierunkach od rytmu. Swing przejął kontrolę kierunek styluówczesnego, przejawiającego się w pracy orkiestr. Wykonanie smukłych kompozycji tanecznych wymagało bardziej skoordynowanej gry orkiestry. Muzycy jazzowi musieli uczestniczyć równomiernie, bez większej ilości improwizacji (z wyjątkiem solisty), więc zbiorowa improwizacja Dixielanda należy już do przeszłości. W latach trzydziestych XX wieku nastąpił rozkwit takich grup, które nazwano big bandami. Cechą charakterystyczną ówczesnych orkiestr jest rywalizacja grup instrumentów, sekcji. Tradycyjnie było ich trzech: saksofony, trąbki, bębny. Najbardziej znani muzycy jazzowi i ich orkiestry to Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Ten ostatni muzyk słynie z przywiązania do murzyńskiego folkloru.
Bebop (1940)
Odejście Swinga od tradycji wczesnego jazzu, a zwłaszcza klasycznych melodii i stylów afrykańskich, wywołało niezadowolenie wśród miłośników historii. Big bandom i wykonawcom swingu, którzy coraz częściej pracowali dla publiczności, zaczęła przeciwstawiać się muzyka jazzowa małych zespołów czarnoskórych muzyków. Eksperymentatorzy wprowadzili ultraszybkie melodie, przywrócili długą improwizację, złożone rytmy i mistrzostwo gry na instrumencie solowym. Nowy styl, pozycjonujący się jako ekskluzywny, zaczęto nazywać bebopem. Niesamowici muzycy jazzowi, tacy jak Charlie Parker i Dizzy Gillespie, stali się ikonami tego okresu. Kluczowym punktem stał się bunt czarnoskórych Amerykanów przeciwko komercjalizacji jazzu, chęć powrotu do tej muzyki intymności i wyjątkowości. Od tego momentu i od tego stylu zaczyna się historia nowoczesnego jazzu. W tym samym czasie liderzy big bandów przyjeżdżają do małych orkiestr, chcąc odpocząć od dużych sal. W zespołach zwanych combo tacy muzycy trzymali się stylu swingowego, ale mieli swobodę improwizacji.
Cool jazz, hard bop, soul jazz i jazz funk (1940-1960)
W latach 50. gatunek muzyczny jakim jest jazz zaczął rozwijać się w dwóch przeciwnych kierunkach. Zwolennicy muzyka klasyczna"ochłodzony" bebop, przywracający modę akademicką muzykę, polifonię, aranżację. Cool jazz stał się znany ze swojej powściągliwości, suchości i melancholii. Głównymi przedstawicielami tego nurtu jazzu byli: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Ale drugi kierunek, wręcz przeciwnie, zaczął rozwijać idee bebopu. Styl hard bop głosił ideę powrotu do źródeł czarnej muzyki. Tradycyjne melodie folklorystyczne, jasne i agresywne rytmy, wybuchowe solówki i improwizacja powróciły do mody. W stylu hard bop znani są: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Styl ten rozwinął się organicznie wraz z soul jazzem i jazz funk. Te style zbliżały się do bluesa, czyniąc rytmikę kluczowym aspektem ich występu. W szczególności jazz funk został wprowadzony przez Richarda Holmesa i Shirley Scott.
Jazz to kierunek muzyczny, który narodził się na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych. Jej powstanie jest wynikiem przeplatania się dwóch kultur: afrykańskiej i europejskiej. Ten nurt połączy spirytualistykę (śpiewy kościelne) amerykańskich Murzynów, afrykańskie rytmy ludowe i europejską harmonijną melodię. Charakteryzuje się: elastycznym rytmem opartym na zasadzie synkopy, wykorzystaniem instrumentów perkusyjnych, improwizacją, ekspresyjnym sposobem wykonania, wyróżniającym się brzmieniem i napięciem dynamicznym, niekiedy dochodzącym do ekstazy. Początkowo jazz był połączeniem ragtime'u z elementami bluesa. W rzeczywistości wynikało to z tych dwóch kierunków. Cechą stylu jazzowego jest przede wszystkim indywidualna i niepowtarzalna gra wirtuoza jazzmana, a improwizacja nadaje temu ruchowi stałą aktualność.
Po powstaniu samego jazzu rozpoczął się ciągły proces jego rozwoju i modyfikacji, co doprowadziło do wyłonienia się różnych kierunków. Obecnie jest ich około trzydziestu.
Jazz nowoorleański (tradycyjny).
Ten styl zwykle oznacza dokładnie ten jazz, który był wykonywany w latach 1900-1917. Można powiedzieć, że jego geneza zbiegła się z otwarciem Storyville (dzielnica czerwonych latarni Nowego Orleanu), które zyskało popularność dzięki barom i tym podobnym lokalom, w których muzycy grający muzykę synkopowaną zawsze mogli znaleźć pracę. Popularne wcześniej zespoły uliczne zaczęły być wypierane przez tzw. „zespoły storyville”, których gra stawała się coraz bardziej indywidualna w porównaniu z poprzednikami. Zespoły te stały się później twórcami klasycznego jazzu nowoorleańskiego. Żywe przykłady wykonawcami tego stylu są: Jelly Roll Morton („His Red ostre papryczki”), Buddy Bolden („Funky Butt”), Kid Ory. To oni dokonali przejścia afrykańskiej muzyki ludowej w pierwsze formy jazzowe.
chicagowskiego jazzu.
W 1917 następny kamień milowy rozwój muzyki jazzowej, naznaczony pojawieniem się w Chicago imigrantów z Nowego Orleanu. Powstają nowe orkiestry jazzowe, których gra wprowadza nowe elementy do wczesnego jazzu tradycyjnego. Tak powstaje niezależny styl chicagowskiej szkoły performansu, który dzieli się na dwa kierunki: gorący jazz czarnych muzyków i dixieland białych. Głównymi cechami tego stylu są: zindywidualizowane partie solowe, zmiana gorących inspiracji (oryginalne swobodne, ekstatyczne wykonanie stało się bardziej nerwowe, pełne napięcia), synth (muzyka zawiera nie tylko elementy tradycyjne, ale także ragtime, a także słynne amerykańskie przeboje ) oraz zmiany w grze instrumentalnej (zmieniła się rola instrumentów i techniki wykonawcze). Podstawowe postacie tego kierunku („What Wonderful World”, „Moon Rivers”) i („Someday Sweetheart”, „Ded Man Blues”).
Swing to orkiestrowy styl jazzu z lat 20. i 30. XX wieku, który wywodzi się bezpośrednio ze szkoły chicagowskiej i był wykonywany przez duże zespoły (The Original Dixieland Jazz Band). Charakteryzuje się przewagą muzyki zachodniej. W orkiestrach pojawiły się osobne sekcje saksofonów, trąbek i puzonów; banjo zostaje zastąpione przez gitarę, tubę i sazofon - kontrabas. Muzyka odchodzi od kolektywnej improwizacji, muzycy grają ściśle według ustalonych wcześniej partytur. Charakterystyczną techniką było współdziałanie sekcji rytmicznej z instrumentami melodycznymi. Przedstawiciele tego kierunku:, („Creole Love Call”, „The Mooche”), Fletcher Henderson („When Buddha Smiles”), Benny Goodman And His Orchestra,.
Bebop to nowoczesny jazz, który narodził się w latach 40. i był kierunkiem eksperymentalnym, antykomercyjnym. W przeciwieństwie do swingu, jest to bardziej intelektualny styl, w którym duże skupienie poświęca się złożonej improwizacji, a nacisk kładzie się bardziej na harmonię niż na melodię. Muzykę tego stylu wyróżnia również bardzo szybkie tempo. Najjaśniejszymi przedstawicielami są: Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker („Noc w Tunezji”, „Manteca”) i Bud Powell.
Główny nurt. Obejmuje trzy nurty: Stride (Northeast Jazz), Kansas City Style i Jazz Zachodnie Wybrzeże. W Chicago królował hot stride, prowadzony przez takich mistrzów jak Louis Armstrong, Andy Condon, Jimmy Mac Partland. Kansas City charakteryzuje się lirycznymi utworami w bluesowym stylu. Jazz z Zachodniego Wybrzeża rozwinął się w Los Angeles pod kierunkiem cool jazzu, a następnie zaowocował nim.
Cool Jazz (cool jazz) powstał w Los Angeles w latach 50. jako przeciwieństwo dynamicznego i impulsywnego swingu i bebopu. Za twórcę tego stylu uważa się Lestera Younga. To on wprowadził nietypowy dla jazzu sposób wydobywania dźwięku. Ten styl charakteryzuje się zastosowaniem instrumenty symfoniczne i powściągliwości emocjonalnej. W tym duchu swój ślad zostawili tacy mistrzowie jak Miles Davis („Niebieski w zieleni”), Gerry Mulligan („Walking Shoes”), Dave Brubeck („Pick Up Sticks”), Paul Desmond.
Awangarda zaczęła się rozwijać w latach 60. Ten awangardowy styl opiera się na zerwaniu z oryginałem tradycyjne elementy i charakteryzuje się wykorzystaniem nowych technik i środków wyrazu. Dla muzyków tego nurtu autoekspresja, którą realizowali poprzez muzykę, była na pierwszym miejscu. Wśród wykonawców tego nurtu są: Sun Ra („Kosmos in Blue”, „Moon Dance”), Alice Coltrane („Ptah The El Daoud”), Archie Shepp.
Jazz progresywny powstał równolegle z bebopem w latach 40., ale wyróżniał się saksofonową techniką staccato, złożonym przeplataniem politonalności z pulsacją rytmiczną i elementami symfojazzu. Stana Kentona można nazwać założycielem tego nurtu. Wybitni przedstawiciele: Gil Evans i Boyd Ryburn.
Hard bop to rodzaj jazzu, który ma swoje korzenie w bebopie. Detroit, Nowy Jork, Filadelfia - w tych miastach narodził się ten styl. Pod względem agresywności bardzo przypomina bebop, ale nadal dominują w nim elementy bluesa. W rolach głównych występują Zachary Breaux („Uptown Groove”), Art Blakey i The Jass Messengers.
Soulowy jazz. Termin ten jest używany w odniesieniu do całej muzyki murzyńskiej. Opiera się na tradycyjnym bluesie i folklorze afroamerykańskim. Muzyka ta charakteryzuje się basowymi figurami ostinato i rytmicznie powtarzanymi samplami, dzięki czemu zyskała dużą popularność wśród różnych mas społeczeństwa. Do hitów tego kierunku należą kompozycje Ramseya Lewisa „The In Crowd” i Harris-McCain „Compared To What”.
Groove (aka funk) jest odgałęzieniem soulu, wyróżnia go jedynie rytmiczne skupienie. Zasadniczo muzyka tego kierunku ma główny koloryt, a pod względem struktury jest to wyraźnie określona część każdego instrumentu. Występy solowe harmonijnie wpisują się w całość brzmienia i nie są zbyt zindywidualizowane. Wykonawcami tego stylu są Shirley Scott, Richard „Groove” Holmes, Gene Emmons, Leo Wright.
Free Jazz narodził się pod koniec lat 50. dzięki wysiłkom takich nowatorskich mistrzów, jak Ornette Coleman i Cecil Taylor. Jego charakterystyczne cechy są atonalność, naruszenie kolejności akordów. Styl ten często nazywany jest „free jazzem”, a jego pochodnymi są loft jazz, modern creative i free funk. Do muzyków tego stylu należą: Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier („Varech”), AMM („Sedimantari”).
Twórczość pojawiła się dzięki szeroko rozpowszechnionej awangardzie i eksperymentalizmowi form jazzowych. Trudno jednoznacznie scharakteryzować taką muzykę, gdyż jest zbyt wieloaspektowa i łączy w sobie wiele elementów poprzednich części. Pierwsi użytkownicy tego stylu to Lenny Tristano („Line Up”), Gunther Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cyril („The Big Time Stuff”).
Fuzja łączyła elementy prawie wszystkich istniejących wówczas ruchów muzycznych. Jego najbardziej aktywny rozwój rozpoczął się w latach 70. XX wieku. Fusion to usystematyzowany styl instrumentalny charakteryzujący się złożonymi metrum, rytmem, wydłużonymi kompozycjami i brakiem wokali. Ten styl jest przeznaczony dla mniej szerokich mas niż soul i jest jego całkowitym przeciwieństwem. Na czele tego ruchu stoją Larry Corell i Eleventh, Tony Williams i Lifetime („Bobby Truck Tricks”).
Acid jazz (groove jazz lub jazz klubowy) powstał w Wielkiej Brytanii pod koniec lat 80. (rozkwit 1990 - 1995) i łączył funk lat 70., hip-hop i muzykę taneczną lat 90. Pojawienie się tego stylu było podyktowane powszechnym stosowaniem sampli jazz-funk. Założycielem jest DJ Giles Peterson. Wśród wykonawców tego kierunku są Melvin Sparks („Dig Dis”), RAD, Smoke City („Flying Away”), Incognito i Brand New Heavies.
Post bop zaczął się rozwijać w latach 50. i 60. i ma podobną strukturę do hard bopu. Wyróżnia się obecnością elementów soul, funk i groove. Często, charakteryzując ten kierunek, rysują paralelę z blues-rockiem. Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey („Jak ktoś zakochany”) i Lee Morgan („Yesterday”), Wayne Shorter pracowali w tym stylu.
Smooth jazz to nowoczesny styl jazzowy, który wywodzi się z ruchu fusion, ale różni się od niego celowo dopracowanym brzmieniem. Cechą tego kierunku jest powszechne stosowanie elektronarzędzi. Znani artyści: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater („All Of Me”, „God Bless The Child”), Larry Carlton („Dont Give It Up”).
Jazz manush (gypsy jazz) to kierunek jazzowy specjalizujący się w wykonawstwie gitarowym. Łączy w sobie technikę gry na gitarze cygańskich plemion grupy manush i swing. Założycielami tego kierunku są bracia Ferre i. Najsłynniejsi wykonawcy: Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen („Stella By Starlight”, „Fiso Place”, „Autumn Leaves”).
Muzyka jest odbiciem duszy. Gdy jest nam smutno, włączamy jakąś balladę i wydaje nam się, że muzyka wczuwa się i wspiera, daje możliwość wyrzucenia z siebie wszystkich emocji i podjęcia właściwej decyzji. Muzyka łagodzi samotność i dodaje pewności siebie. Muzyka napełnia nas energią i nadaje rytm życiu.
Muzyka jest zawsze z nami. Każde wydarzenie znajduje odzwierciedlenie w muzyce: przy pomocy muzyki deklarują swoją miłość, świętują święta, żegnają się ostatni sposób. Najbardziej szczerą muzyką jest muzyka ludowa. Przekazuje wszystkie łzy i radość ludzi. Rozumiemy wszystko, co chcieliśmy nam przekazać, niezależnie od narodowości i wieku twórców.
Kierunki muzyczne, za pomocą których ból, smutek i radość są przekazywane bardzo dokładnie i wyraziście Afrykańczycy- bluesa i jazzu.
Jazz jest muzyka taneczna. Jest wesoła, podnieca, dodaje wigoru i dobrego nastroju. Pojawienie się jazzu było spowodowane przez Krzysztofa Kolumba. To on, odkrywszy kontynent amerykański, wpłynął na sprowadzenie tam czarnych niewolników, wraz z którymi rozpowszechniły się również rytmy afrykańskie.
Imię " blues" pochodzi z angielskie słowo„niebieski”, co tłumaczy się jako przygnębienie, smutek, melancholia. Ten kierunek w muzyce - Blues - można porównać do rosyjskiego romansu, ponieważ jest to również smutna piosenka, opowiadająca o różnych życiowych wzlotach i upadkach.
Piosenki bluesowe są proste, kolorowe i pełne emocji. Oni mówią o niespełniona miłość, o niesprawiedliwości wobec Czarnych, o niewoli i godność człowieka, o trudach wyczerpującej pracy, o tęsknocie za domem io własnej biedzie.
Charakterystyka jazzu i bluesa
Jazz charakteryzuje się:
- złożona struktura rytmiczna,
- improwizacje, często spotykane na początku utworu,
- specyficzna ekstrakcja dźwięku na instrumencie,
- występ emocjonalny.
Blues jest inny
- długość
- emocjonalny tekst
- obecność dialogu między wykonawcą a instrumentem
pochodzenie
Blues narodził się w latach 40. i 50. XIX wieku. Delta Mississippi (USA) jest uważana za miejsce narodzin bluesa. Do tej pory w południowoamerykańskich osadach słychać ten sam blues, który przez lata nie uległ żadnym zmianom.
Historia pojawienia się jazzu nie jest tak jednoznaczna. Istnieją trzy teorie pochodzenia tego kierunku muzycznego. Według jednej wersji jazz powstał w wyniku połączenia afroamerykańskich pieśni religijnych, afrykańskiego folkloru, bluesa i kompozycji wędrownych muzyków ulicznych. Drugi punkt widzenia związany jest z nawracaniem Murzynów na wiarę chrześcijańską. Wśród przedstawicieli ludu afrykańskiego wyłania się nowy styl – „pieśni duchowe”, charakteryzujące się mocną ekspresją. To oni stali się podstawą jazzu. Według trzeciej wersji jazz opierał się na oryginalnej kulturze afrykańskiej, która zachowała się od tamtej pory w Stanach Zjednoczonych miejscowi czarnych ignorowano i zmuszano ich do trzymania się z dala od siebie.
Na terenie Federacja Rosyjska Pierwszy zespół jazzowy założył Leonid Utyosow w 1929 roku.
Polecane instrumenty
Blues wykonywany jest przy pomocy pianina, gitary, banjo. Najpierw czarni niewolnicy zaśpiewali swoją smutną piosenkę bez żadnego akompaniamentu, a potem zaczęli grać na miarę swoich możliwości.
Jazz jest wykonywany głównie przez małe składy, które zawsze zawierają fortepian, instrumenty dęte, perkusję, kontrabas. Wśród instrumentów dętych używa się przede wszystkim saksofonu, puzonu i trąbki.
Witryna z wynikami
- Blues jest prekursorem jazzu i może nim być część integralna kompozycja jazzowa.
- Blues jest bardziej melodyjny, podczas gdy jazz jest zabawną, taneczną muzyką.
- Jazz zawiera wiele improwizacji.
- Blues to dialog między wokalistą a muzykiem.
- Blues jest najczęściej wykonywany na gitarze lub banjo, podczas gdy instrumenty dęte są bardziej typowe dla jazzu.
Jest różnica i to znaczna, och, jaka znaczna!
Blues opowiada nam o tym, co stało się z człowiekiem, o jego doświadczeniach (nie bez powodu gatunek ten nazywa się niebieskim, po angielsku to nie tylko „niebieski”, ale także „mrok”, „smutek”), ogólnie o ciężkie życie. Ponieważ powstał wśród Murzynów pracujących na plantacjach bawełny, problemy w piosenkach są odpowiednio opisane. Bluesman-performer prowadzi z publicznością szczery dialog, a jeśli robi to poprawnie, to publiczność zaczyna mu współczuć i podzielać jego uczucia.
Bluesmanowi w tym pomagają instrumenty muzyczne, głównie oczywiście gitara, bo to instrument dużo bardziej „wokalny” niż np. bas / gitara basowa, ponieważ gitara ma takie bajery jak vibrato (nietrudno się domyślić, że jest to wibracja zagranej nuty, która wydłuża jej czas trwania), wygina się (od wygięcia; struna pobrana na pewnym progu jest podciągana, płynnie zwiększając częstotliwość dźwięk można porównać do krzyku lub płaczu) i legato (płynne przejście z jednej nuty do drugiej na tej samej strunie). Wszystkie te techniki zwiększają wariacje frazowania i sprawiają, że gitara płacze, warczy, piszczy - ogólnie dodając emocjonalności.
Również w bluesie używana jest specjalna skala - skala bluesowa, w której występuje specjalna nuta - nuta bluesowa. Najważniejsze jest to, że bluesowa nuta tworzy szczególne napięcie, dodaje „pieprzu” solówce, co nie pozwala słuchaczowi się nudzić. I w ogóle, szczerze mówiąc, 95% bluesowych solówek jest zbudowanych na skali bluesowej (dlatego dla niedoświadczonego słuchacza bluesowe kompozycje wydają się dość podobne).
Jest oczywiście wesoły, szybki, energetyczny blues, ale częściej określany jest jako rock and roll (przykładem jest sam Chuck Berry).
Przejdźmy teraz do jazzu. Ogólnie rzecz biorąc, sam jazz jest znacznie szerszym gatunkiem niż blues. I mam na myśli DUŻO WIĘCEJ - poważnie, to jak porównywanie słonia i motyla.
Niektóre dziedziny jazzu dążą do tego samego celu co blues (istnieje nawet coś takiego jak urban blues, czy jazz blues, czyli blues zaaranżowany przez muzyków jazzowych do ich instrumentów. Chociaż trochę odrzuciłem o „tym samym celu” – to dla jazzowego bluesa nie jest konieczne, charakteryzuje się użyciem skali bluesowej), aw innych (na przykład free jazz, eksperymentalny) wykonawca chce, aby słuchacz docenił fantazję i eksperymentalizm wykonawcy.
Myślę jednak, że pytanie dotyczy raczej różnic między bardziej tradycyjnymi formami jazzu, takimi jak swing, bop, cool, soul, gospel itp. Różnic jest więc wiele: po pierwsze, w jazzie nie skupia się na jednym wykonawcy, ale na całym zespole (lub jego solistach podczas solówek). I w przeciwieństwie do bluesa, jest uważany za fajny instrument, nie gitarę, ale instrument dęty lub fortepian (czasami bas, ale to szczególne przypadki w postaci Paula Chambersa, Charlesa Mingusa, Pastoriusa i naszego współczesnego Marcusa Millera). Po drugie, jeśli stosuje się skalę bluesową, to oczywiście nie dominuje. Zanim Miles Davis wynalazł jazz modalny, muzycy jazzowi używali w swojej grze głównie akordów i pasaży, a po Davisie zdecydowana większość zaczęła myśleć skalami zamiast akordów. Po trzecie, jazz wciąż albo mówi romantyczne historie, albo działa jak muzyka taneczna, albo cieszy uszy słuchacza złożonymi harmoniami. Aha, a także smooth i acid jazz (wiesz, „muzyka z windy” i to, co gra w Starbucks), ale nikt nie lubi o tym mówić.
Ogólnie rzecz biorąc, oto rzeczy. Wiem, że tekst wyszedł dość obszerny, ale sam temat nie jest taki prosty. :)
Zrozumienie, kto jest kim w jazzie, nie jest takie proste. Kierunek odnosi sukcesy komercyjne, dlatego często o „jedynym koncercie legendarnego Vasyi Pupkina” krzyczą ze wszystkich szczelin, a naprawdę ważne postacie schodzą w cień. Pod presją zdobywców Grammy i reklam radia Jazz łatwo stracić koncentrację i pozostać obojętnym na styl. Jeśli chcesz nauczyć się rozumieć taką muzykę, a może nawet ją pokochać, naucz się najważniejszej zasady: nikomu nie ufaj.
Trzeba ostrożnie oceniać nowe zjawiska, albo jak Hugues Panasier – słynny muzykolog, który wytyczył granicę i piętnował cały jazz po latach 50., nazywając go „fałszywym”. Ostatecznie okazało się, że się mylił, ale nie wpłynęło to na popularność jego książki The History of Genuine Jazz.
Lepiej traktować nowe zjawisko z cichą podejrzliwością, więc na pewno ujdziesz za własne: snobizm i przywiązanie do starego to jedna z najjaśniejszych cech subkultury.
W rozmowach o jazzie często wymienia się Louisa Armstronga i Ellę Fitzgerald – wydawałoby się, że nie można się tu pomylić. Ale takie uwagi zdradzają neofitę. Są to postacie emblematyczne i jeśli nadal można mówić o Fitzgeraldzie w odpowiednim kontekście, to Armstrong jest Charliem Chaplinem jazzu. Nie porozmawiasz z maniakiem kina studyjnego o Charliem Chaplinie, prawda? A jeśli tak, to przynajmniej nie w pierwszej kolejności. Wzmianka o obu znamienitych nazwiskach jest możliwa w r niektóre przypadki, ale jeśli oprócz tych dwóch asów nie masz nic w kieszeni, trzymaj je i czekaj na odpowiednią sytuację.
W wielu kierunkach pojawiają się zjawiska modne i niezbyt modne, ale w największym stopniu jest to charakterystyczne dla jazzu. Dojrzały hipster, przyzwyczajony do szukania rzadkich i dziwnych rzeczy, nie zrozumie, dlaczego czeski jazz lat 40. nie jest interesujący. Nie będzie można znaleźć tutaj czegoś warunkowo „niezwykłego” i przebić się swoją „głęboką erudycją”. Aby ogólnie wyobrazić sobie styl, należy wymienić jego główne kierunki od końca XIX wieku.
Ragtime i blues są czasami nazywane proto-jazzem, a jeśli ten pierwszy, nie będąc formą kompletną z dzisiejszego punktu widzenia, jest interesujący po prostu jako fakt z historii muzyki, to blues jest nadal aktualny.
Ragtime Scotta Joplina
I choć przyczyną takiego przypływu miłości do bluesa w latach 90. badacze nazywają stan psychiczny Rosjan i totalne poczucie beznadziejności, to w rzeczywistości wszystko może być znacznie prostsze.
Wybór 100 popularnych piosenek bluesowych
Klasyczne boogie-woogie
Jak w kultura europejska Wśród Afroamerykanów muzykę podzielono na świecką i duchową, a jeśli blues należał do pierwszej grupy, to duchowa i gospel – do drugiej.
Utwory spirytualistyczne są bardziej surowe niż ewangelie i są wykonywane przez chór wiernych, często przy akompaniamencie parzystych oklasków – ważna cecha wszystkich stylów jazzowych i problem wielu europejskich słuchaczy, którzy klaszczą nie na miejscu. Muzyka Starego Świata najczęściej sprawia, że kiwamy głową w rytm dziwnych bitów. W jazzie jest odwrotnie. Dlatego jeśli nie jesteś pewien, czy czujesz te drugie i czwarte uderzenie, które są niezwykłe dla Europejczyka, lepiej powstrzymać się od klaskania. Lub zobacz, jak robią to sami wykonawcy, a następnie spróbuj ponownie.
Scena z filmu „12 Years a Slave” z wykonaniem klasycznej duchowości
Współczesna duchowość autorstwa Take 6
Piosenki gospel były częściej wykonywane przez jednego śpiewaka, mają większą swobodę niż spirytualizacje, dlatego stały się popularne jako gatunek koncertowy.
Klasyczna muzyka gospel w wykonaniu Mahalii Jackson
Współczesna muzyka gospel z filmu Joyful Noise
W latach 1910-tych ukształtował się jazz tradycyjny lub nowoorleański. Muzykę, z której się wywodziła, wykonywały wówczas bardzo popularne orkiestry uliczne. Znaczenie instrumentów gwałtownie wzrasta, ważne wydarzenie era - pojawienie się zespołów jazzowych, małych orkiestr liczących 9-15 osób. Sukces zespołów murzyńskich zmotywował białych Amerykanów do stworzenia tzw. Dixielands.
Tradycyjny jazz kojarzy się z filmami o amerykańskich gangsterach. Wynika to z faktu, że jego rozkwit przypadł na czasy prohibicji i Wielkiego Kryzysu. Jeden z wybitni przedstawiciele styl - wspomniany już Louis Armstrong.
Charakterystycznymi cechami tradycyjnego zespołu jazzowego są stabilna pozycja banjo, wiodąca pozycja trąbki i pełny udział klarnetu. Dwa ostatnie instrumenty z czasem zastąpią saksofon, który stanie się stałym liderem takiej orkiestry. Z natury muzyki jazz tradycyjny jest bardziej statyczny.
Zespół jazzowy Jelly Roll Morton
Dixieland Jazz Band współczesnego Dixieland Marshalla
Co jest nie tak z jazzem i dlaczego zwykło się mówić, że tej muzyki nikt nie umie grać?
Chodzi o jej afrykańskie pochodzenie. Pomimo faktu, że do połowy XX wieku biali bronili swojego prawa do tego stylu, nadal powszechnie uważa się, że Afroamerykanie mają szczególne poczucie rytmu, które pozwala im stworzyć wrażenie kołysania, które nazywa się „swingiem”. (z angielskiego na huśtawkę - „huśtać się”). Dyskusja z tym jest ryzykowna: większość wielkich białych pianistów od lat 50. do naszych czasów stała się sławna dzięki reżyserii lub intelektualnym improwizacjom zdradzającym głęboką muzyczną erudycję.
Dlatego jeśli w rozmowie wspomniałeś o białym jazzie, nie powinieneś mówić czegoś w stylu „jak on świetnie swinguje” – w końcu swinguje albo normalnie, albo wcale, to jest odwrotny rasizm.
A samo słowo „huśtawka” jest zbyt zużyte, lepiej wymówić je na samym końcu ostatnia tura kiedy jest to z pewnością właściwe.
Każdy jazzman musi umieć wykonać „standardy jazzowe” (główne melodie, czyli inaczej evergreeny), które jednak dzielą się na orkiestrowe i zespołowe. Na przykład In the Mood jest raczej jednym z pierwszych.
W nastroju. Wykonywane przez Glenn Miller Orchestra
Potem się pojawiają znane prace George'a Gershwina, które uważane są jednocześnie za jazzowe i akademickie. Są to Blues Rhapsody (lub Blue Rhapsody), napisana w 1924 roku, oraz opera Porgy and Bess (1935), słynąca z arii Summertime. Przed Gershwinem jazzowe harmonie wykorzystywali tacy kompozytorzy jak Charles Ives i Antonin Dvorak (symfonia „Z Nowego Świata”).
George’a Gershwina. Porgy i Bess. Aria Summertime. Akademickie wykonanie Marii Callas
George’a Gershwina. Porgy i Bess. Aria Summertime. Jazzed autorstwa Franka Sinatry
George’a Gershwina. Porgy i Bess. Aria Summertime. Wersja rockowa. Wykonywane przez Janis Joplin
George’a Gershwina. Rapsodia bluesowa. Wykonywane przez Leonarda Bernsteina i jego orkiestrę
Jeden z najbardziej sławnych kompozytorzy rosyjscy, jak Gershwin, pisząc stylu jazzowym, jest Nikołaj Kapustin .
Oba obozy patrzą z ukosa na takie eksperymenty: muzycy jazzowi są przekonani, że utwór pisany bez improwizacji nie jest już jazzem „z definicji”, a kompozytorzy akademiccy uważają jazzowe środki wyrazu za zbyt trywialne, by traktować je poważnie.
Jednak klasyczni wykonawcy z przyjemnością grają Kapustina, a nawet próbują improwizować, podczas gdy ich odpowiednicy działają mądrzej, nie wkraczając na cudze terytorium. Akademiccy pianiści, którzy wystawiają publicznie swoje improwizacje, od dawna są memem w kręgach jazzowych.
Od lat 20. XX wieku liczba kultowych i ikonicznych postaci w historii kierunku rośnie i coraz trudniej poukładać sobie w głowie te liczne nazwiska. Jednak niektóre można rozpoznać po charakterystycznej barwie lub sposobie wykonania. Jedną z tych pamiętnych piosenkarek była Billie Holiday.
Cały ja. Wykonywane przez Billie Holiday
W latach 50. rozpoczyna się nowa era, zwana „modern jazzem”. Wspomniany wyżej muzykolog Yug Panasier zaprzeczył jej. Kierunek ten otwiera styl bebop: jego cechą charakterystyczną jest duża szybkość i częste zmiany harmonii, a co za tym idzie wymaga wyjątkowych umiejętności wykonawczych, które posiadały tak wybitne osobowości jak Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk czy John Coltrane.
Bebop powstał jako gatunek elitarny. Na jam session – wieczór improwizacji mógł przyjść każdy muzyk z ulicy, więc pionierzy bebopu wprowadzili szybkie tempa, żeby pozbyć się amatorów i słabych profesjonalistów. Ten snobizm jest po części nieodłączny od fanów takiej muzyki, którzy uważają ulubione miejsce docelowe szczyt rozwoju jazzu. Zwyczajem jest traktowanie bebopu z szacunkiem, nawet jeśli nic z niego nie rozumiesz.
Gigantyczne kroki. Wykonywane przez Johna Coltrane'a
Szczególnym szykiem jest podziwianie oburzającej, celowo niegrzecznej maniery Theloniousa Monka, który według plotek doskonale grał złożone utwory akademickie, ale starannie to ukrywał.
Okrągła północ. Wykonywane przez Theloniousa Monka
Nawiasem mówiąc, dyskusja plotek o wykonawcy jazzowi nie jest uważane za wstydliwe - wręcz przeciwnie, wskazuje na głębokie zaangażowanie i wskazuje na długie doznania odsłuchowe. Dlatego warto wiedzieć, że uzależnienie od narkotyków Milesa Davisa wpłynęło na jego zachowanie sceniczne, Frank Sinatra miał powiązania z mafią, aw San Francisco znajduje się kościół nazwany imieniem Johna Coltrane'a.
Mural „Tańczący święci” z kościoła w San Francisco.
Wraz z bebopem narodził się inny styl w ramach tego samego kierunku - fajny jazzik(cool jazz), który wyróżnia się „zimnym” brzmieniem, umiarkowanym charakterem i niespiesznym tempem. Jednym z jej założycieli był Lestera Younga, ale w tej niszy jest też wielu białych muzyków: Dave'a Brubecka , Billa Evansa(nie mylić z Gila Evansa), Stana Getza itd.
Weź pięć. Wykonywane przez Dave Brubeck Ensemble
Jeśli lata 50., wbrew zarzutom konserwatystów, otworzyły drogę do eksperymentów, to w latach 60. stały się one normą. W tym czasie Bill Evans nagrywa dwa albumy z aranżacjami dzieł klasycznych z orkiestrą symfoniczną, Stanem Kentonem, przedstawicielem jazzu progresywnego, tworzy bogate orkiestracje, których harmonię porównuje się z Rachmaninowem, aw Brazylii istnieje własna wersja jazzu, zupełnie odmienna od innych stylów - bossanowa .
granaty. Jazzowa aranżacja utworu „Maja i słowik” hiszpańskiego kompozytora Granadosa. Wykonywane przez Billa Evansa z orkiestrą symfoniczną
Malaguena. Wykonywana przez Orkiestrę Stana Kentona
Dziewczyna z Ipanemy. Wykonywane przez Astrud Gilberto i Stana Getza
Kochać bossanova jest tak proste, jak kochanie minimalizm we współczesnej muzyce akademickiej.
Dzięki dyskretnemu i „neutralnemu” brzmieniu brazylijski jazz znalazł się w windach i hotelowych lobby jako podkład muzyczny, choć nie umniejsza to znaczenia tego stylu jako takiego. Twierdzenie, że kochasz bossa novę, jest tego warte tylko wtedy, gdy naprawdę dobrze znasz jej przedstawicieli.
Ważny zwrot został zarysowany w popularnym stylu orkiestrowym - symphojazz. W latach 40. jazz, przypudrowany akademickim brzmieniem symfonicznym, stał się modnym zjawiskiem i standardem złotego środka między dwoma stylami o zupełnie odmiennym podłożu.
Szczęście Bądź damą. Wykonywane przez Franka Sinatrę z Jazz Symphony Orchestra
W latach 60. brzmienie orkiestry symfo-jazzowej straciło na nowości, co doprowadziło Stana Kentona do eksperymentów z harmonią, aranżacji Billa Evansa i albumów tematycznych Gila Evansa, takich jak Sketches of Spain i Miles Ahead.
Szkice Hiszpanii. Wykonywane przez Milesa Davisa z Gil Evans Orchestra
Eksperymenty na polu jazzu symfonicznego są nadal aktualne, najciekawsze projekty ostatnie lata Orkiestry Metropole Orkest, The Сinematic Orchestra i Snarky Puppy znalazły się w tej niszy.
Oddychać. Wykonywana przez The Cinematic Orchestra
Gretel. Wykonywane przez Snarky Puppy i Metropole Orkest (nagroda Grammy, 2014)
Tradycje bebopu i fajnego jazzu połączyły się w hard bop, ulepszoną wersję bebopu, chociaż odróżnienie jednego od drugiego na słuch może być trudne. Wybitnymi wykonawcami tego stylu są The Jazz Messengers, Sonny Rollins, Art Blakey i kilku innych muzyków, którzy pierwotnie grali bebop.
twardy bop. Wykonuje orkiestra Posłańcy Jazzu
Jęczenie. Wykonywane przez Arta Blakeya i The Jazz Messengers
Bogate improwizacje w szybkim tempie wymagały pomysłowości, co skłoniło do poszukiwań w terenie denerwować. Tak urodzony jazz modalny. Często jest wyróżniany jako styl niezależny, chociaż podobne improwizacje można znaleźć także w innych gatunkach. Najpopularniejszym utworem modalnym był „So What?” Milesa Davisa.
Więc co? Wykonywane przez Milesa Davisa
Podczas gdy znakomici jazzmani zastanawiali się, jak jeszcze bardziej skomplikować to, co już było złożona muzyka, niewidomi autorzy i wykonawcy Ray Charles i kroczyli ścieżką serca, łącząc w swojej twórczości jazz, soul, gospel oraz rytm i blues.
koniuszki palców. Wykonywane przez Steviego Wondera
Co powiedziałem. Wykonuje Ray Charles
W tym samym czasie organiści jazzowi głośno się deklarują, grając muzykę na organach elektrycznych Hammonda.
Jimmy'ego Smitha
W połowie lat 60. pojawił się soul jazz, który łączył demokratyzm soulu z intelektualizmem bebopu, ale historycznie utożsamiany jest zazwyczaj z tym drugim, przemilczając znaczenie pierwszego. Najpopularniejszą postacią soul jazzu był Ramsey Lewis.
W tłumie. Wykonywane przez Ramsey Lewis Trio
O ile od początku lat 50. tylko odczuwano podział jazzu na dwie gałęzie, to już w latach 70. można było mówić o tym jako o niepodważalnym fakcie. Szczytem elitarnego kierunku był
