Architektura barokowa kwitła od końca XVI do połowy XVIII wieku. Styl architektoniczny wywodzący się z Włoch szybko rozprzestrzenił się w całej Europie. W XVII wieku hiszpański barok przetoczył się przez Amerykę Łacińską. Używany głównie do wyrażenia triumfu Kościoła rzymskokatolickiego nad protestantami, styl architektoniczny później zaczęto go wykorzystywać jako wizualną demonstrację reżimu absolutystycznego na przykładzie majestatycznych pałaców. Poniżej prezentujemy 10 arcydzieł architektury barokowej, zarówno sakralnej, jak i świeckiej.
Karlskirche, Wiedeń
Piękny barokowy kościół jest jednym z najbardziej niesamowitych budynków w Wiedniu. Świątynia została zbudowana pod auspicjami Świętego Cesarza Rzymskiego Karola VI. Władca zobowiązał się do budowy kościoła po straszliwym wybuchu zarazy na początku XVIII wieku. Karlskirche został zbudowany w latach 1716-1737. Ogłoszono konkurs na prawo do budowy, w którym zwyciężył austriacki architekt Johann Bernhard Fischer von Erlach. Ale niestety, nie kończąc pracy, architekt zmarł, a jego dzieło zostało ukończone przez jego syna Józefa.
Schönbrunn, Wiedeń
Schonbrunn to dawna letnia rezydencja dynastii Habsburgów, zbudowana w stylu późnego baroku. Podobnie jak Karlskirche, ta austriacka wersja Pałacu Wersalskiego jest dziełem architekta Johanna Bernharda Fischera von Erlach, chociaż budynek przeszedł później pewne zmiany. Po rozpadzie Austro-Węgier w 1918 roku pałac przeszedł na własność Republiki Austrii i ostatecznie został udostępniony zwiedzającym jako muzeum.
Plac Świętego Piotra, Watykan
Piotra i jego kolumny ze 140 posągami świętych są dziełem Giovanniego Lorenza Berniniego, który wraz z Franceskiem Borrominim stał się jednym z najsłynniejszych architektów epoki baroku. Stworzył także fontannę (po lewej) na podobieństwo fontanny po prawej (zbudowanej przez Carlo Madernę), aby uzyskać symetrię. Na środku placu znajduje się starożytny egipski obelisk wzniesiony w 1586 roku przez Domenico Fontanę.
Katedra w Zacatecas w Meksyku
Katedra Zacatecas w Meksyku jest uważana za jeden z najwspanialszych przykładów meksykańskiej architektury barokowej. Bazylika katedralna została zbudowana w latach 1730-1760 przez nieznanego architekta na miejscu XVI-wiecznego kościoła. W 1993 roku katedra została wpisana na listę obiektów światowe dziedzictwo UNESCO.
San Carlo alle Cuatro Fontane w Rzymie
Zaprojektowany przez jednego z głównych przedstawicieli stylu barokowego, Francesco Borrominiego, San Carlo alle Cuatro Fontane (zwany też Kościołem św. Karola przy Czterech Fontannach) jest jednym z najwspanialszych przykładów stylu barokowego. Kościół katolicki został zbudowany w latach 1638-1646, kiedy to został konsekrowany. W latach 70-tych XVII wieku elewację budynku nieco uzupełnił siostrzeniec Borrominiego – Bernardo.
Stan Inwalidów w Paryżu
Jedno z najwspanialszych dzieł francuska architektura barokowy. Większość kompleksów zbudował francuski architekt Liberal Bruant. Niesamowita kopuła kaplicy została zaprojektowana przez Julesa Hardouina Mansarta. Pomyślany jako dom opieki i szpital dla weteranów, Państwo Inwalidów jest dziś muzeum armii francuskiej, współczesnej historii. Ale to także miejsce, w którym bohaterowie narodowi Francja, w tym Napoleon Bonaparte.
Katedra Świętego Jakuba, Santiago de Compostela, Galicja
Jedna z najsłynniejszych katedr w Hiszpanii i miejsce pielgrzymek od średniowiecza, katedra św. Jakuba to typowa budowla romańska. Fasada została zbudowana w XVIII wieku przez architekta Fernando de Casas Novoa.
Katedra św. Pawła w Londynie
Zbudowana na terenie starego kościoła, poważnie zniszczonego podczas wielkiego pożaru Londynu w 1666 roku, katedra św. Pawła jest często uważana za jeden z najwspanialszych przykładów architektury angielskiego baroku. Projekt wykonał słynny angielski architekt Sir Christopher Wren, który odrestaurował także ponad 50 zniszczonych przez pożar kościołów, a architekt pracował przy wielu słynnych świeckich budowlach w całej Anglii. Od 1710 do 1962 Katedra św. Pawła była najwyższym budynkiem w Londynie.
Pałac Wersalski, Wersal
Pałac Wersalski jest jednym z najwspanialszych pałaców, jakie kiedykolwiek zbudował człowiek i jest wspaniałym przykładem świeckiej architektury barokowej. Zbudowany pod kierunkiem Ludwika XIV w latach 60. XVII wieku pałac w dużej mierze, w tym Galerię Luster, zaprojektował architekt Jules Hardouin Mansart. Następcy Króla Słońce zmienili nieco szczegóły, ale wspaniały pałac i jego ogrody pozostały równie imponujące jak za panowania Ludwika XIV. Od 1837 roku Pałac Wersalski otwiera swoje podwoje dla zwiedzających jako muzeum.
Pałac Zimowy, Sankt Petersburg
Pałac Zimowy został zbudowany za panowania Piotra Wielkiego w Petersburgu i służył jako oficjalna rezydencja rodziny Romanowów aż do rewolucji 1917 roku. Pałac został pierwotnie zaprojektowany przez szwajcarskiego architekta włoskie pochodzenie Domenico Trezzini. Jednak później Pałac Zimowy został znacząco zmieniony. Wiele z obecnego wyglądu budynku pochodzi z 1830 roku. Wygląd musiał zostać odrestaurowany po pożarze. Również Pałac Zimowy doznał znacznych zniszczeń podczas oblężenia Leningradu, ale został przywrócony w całej okazałości.
Barokowy (włoskie barocco - „dziwaczne”, „dziwne”, „nadmierne”, port. perola barroca - „perła o nieregularnym kształcie” - charakterystyczne kultura europejska XVII-XVIII wieku.
epoki baroku
Epoka baroku rodzi ogromną ilość czasu na rozrywkę: zamiast pielgrzymek - promenada (spacery po parku); zamiast turniejów rycerskich – „karuzele” (przejażdżki konne) i gry karciane; zamiast zagadek – teatr i bal maskowy. Możesz dodać wygląd huśtawek i "ognistej zabawy" (fajerwerki). We wnętrzach portrety i pejzaże zajęły miejsce ikon, a muzyka z uduchowionej zmieniła się w przyjemną grę dźwięków.
Cechy barokowe
Barok charakteryzuje się kontrastem, napięciem, dynamicznymi obrazami, afektacją, dążeniem do wielkości i przepychu, łączenia rzeczywistości z iluzją, fuzji sztuk (zespoły miejskie i pałacowo-parkowe, opera, muzyka kultowa, oratorium); jednocześnie - tendencja do autonomizacji poszczególnych gatunków (concerto grosso, sonata, suita w muzyce instrumentalnej).
barokowy mężczyzna
Człowiek baroku odrzuca naturalność, która utożsamiana jest z dzikością, arogancją, tyranią, bestialstwem i ignorancją. Barokowa kobieta pielęgnuje bladość skóry, nosi nienaturalną, falbaniastą fryzurę, gorset i sztucznie przedłużoną spódnicę na fiszbinowym stelażu. Ona jest na obcasach.
A ideałem mężczyzny w epoce baroku staje się dżentelmen, dżentelmen - z Anglików. łagodny: „miękki”, „delikatny”, „spokojny”. Woli golić wąsy i brodę, używać perfum i nosić pudrowane peruki. Po co zmuszać, skoro teraz zabijają, pociągając za spust muszkietu.
Galileusz po raz pierwszy kieruje teleskop na gwiazdy i udowadnia obrót Ziemi wokół Słońca (1611), a Leeuwenhoek odkrywa pod mikroskopem maleńkie żywe organizmy (1675). Ogromne żaglówki przemierzają bezkresy oceanów świata, wymazując białe plamy na geograficznych mapach świata. Podróżnicy i poszukiwacze przygód stają się literackimi symbolami epoki.
Barok w rzeźbie
Rzeźba jest integralną częścią stylu barokowego. Największy rzeźbiarz a uznany architekt XVII wieku był Włochem Lorenza Berniniego(1598-1680). Do jego najsłynniejszych rzeźb należą mitologiczne sceny porwania Prozerpiny przez boga podziemi Plutona i cudownej przemiany w drzewo nimfy Dafne ściganej przez boga światła Apolla, a także grupa ołtarzy „Ekstaza Świętej Teresy” w jednym z rzymskich kościołów. Ostatni z nich, z wyrzeźbionymi z marmuru chmurami i powiewającymi na wietrze ubraniami postaci, z teatralnie przesadzonymi uczuciami, bardzo trafnie oddaje aspiracje rzeźbiarzy tej epoki.
W Hiszpanii w epoce baroku zdominowali drewniane rzeźby dla większej wiarygodności wykonano je ze szklanymi oczami, a nawet kryształową łzą, często na posąg nakładano prawdziwe ubrania.
Barok w architekturze
Dla architektury barokowej ( L. Bernini, F. Borromini we Włoszech BF Rastrell iw Rosji Jan Christoph Glaubitz w Rzeczypospolitej) charakteryzują się rozpiętością przestrzenną, fuzją, płynnością złożonych, najczęściej krzywoliniowych form. Często spotyka się wielkoformatowe kolumnady, obfitość rzeźby na elewacjach i we wnętrzach, woluty, dużą liczbę uskoków, elewacje łukowe z uskokiem pośrodku, boniowane kolumny i pilastry. Kopuły przybierają złożone formy, często są wielopoziomowe, jak w katedrze św. Piotra w Rzymie. Charakterystyczne detale baroku - telamon (atlas), kariatyda, maszkaron.
Barok we wnętrzu
Styl barokowy charakteryzuje się ostentacyjnym przepychem, choć zachowuje tak ważną cechę styl klasyczny jak symetria.
Malarstwo ścienne (jeden z rodzajów malarstwo monumentalne) był używany w dekoracji wnętrz europejskich od czasów wczesnego chrześcijaństwa. W epoce baroku był najczęściej używany. We wnętrzach zastosowano dużo koloru i duże, bogato zdobione detale: strop ozdobiony freskami, marmurowe ściany i fragmenty wystroju, złocenia. Charakterystyczne były kontrasty kolorystyczne – na przykład marmurowa podłoga, ozdobiona płytkami w szachownicę. Charakterystyczną cechą tego stylu była bogata pozłacana biżuteria.
Meble były dziełem sztuki i były przeznaczone prawie wyłącznie do dekoracji wnętrz. Krzesła, sofy i fotele obite były kosztowną, bogato kolorową tkaniną. Powszechne były ogromne łóżka z baldachimami i spływającymi po nich narzutami, gigantyczne szafy. Lustra zdobiły rzeźby i sztukaterie z motywami kwiatowymi. Orzech południowy i heban cejloński były często używane jako materiał do produkcji mebli.
Styl barokowy nie nadaje się do małych przestrzeni, ponieważ zajmują masywne meble i dekoracje duża objętość w kosmosie.
modę barokową
Moda epoki baroku odpowiada we Francji okresowi panowania Ludwika XIV, drugiej połowie XVII wieku. To jest wiek absolutyzmu. Na dworze panowała surowa etykieta i skomplikowany ceremoniał. Garnitur podlegał etykiecie. Francja wyznaczała trendy w Europie, więc inne kraje szybko przyjęły francuską modę. Było to stulecie, kiedy w Europie powstała powszechna moda i cechy narodowe schodziły na dalszy plan lub zachowały się w ludowym stroju chłopskim. Przed Piotrem I stroje europejskie nosili także w Rosji niektórzy arystokraci, choć nie wszędzie.
Kostium charakteryzował się sztywnością, przepychem, obfitością biżuterii. Ideałem mężczyzny był Ludwik XIV, „król słońca”, utalentowany jeździec, tancerz, strzelec. Był niski, więc nosił wysokie obcasy.
Barok w malarstwie
Styl barokowy w malarstwie charakteryzuje się dynamizmem kompozycji, „płaskością” i przepychem form, arystokracją i oryginalnością tematów. Najbardziej charakterystycznymi cechami baroku są chwytliwa ekstrawagancja i dynamizm; pierwszorzędny przykład- kreacja Rubensa oraz Caravaggio.
Michelangelo Merisi (1571-1610), nazwany na cześć miejsca urodzenia niedaleko Mediolanu Caravaggio, uważany jest za najwybitniejszego mistrza wśród artystów włoskich tworzących pod koniec XVI wieku. nowy styl w malarstwie. Jego obrazy, pisane na tematy religijne, przypominają sceny realistyczne. współczesny autorżycia, tworząc kontrast między późną starożytnością a czasami nowożytnymi. Bohaterowie ukazani są w półmroku, z którego promienie światła wyrywają ekspresyjne gesty postaci, kontrastowo wypisując ich specyfikę. Zwolennicy i naśladowcy Caravaggia, których początkowo nazywano karawagistami, a sam nurt karawagizmem, jak np. Annibale Carracci(1560-1609) lub Guido Reni(1575-1642), przejął burzę uczuć i charakterystyczną manierę Caravaggia, a także jego naturalizm w przedstawianiu ludzi i wydarzeń.
Ekspansja form artystycznego odbicia rzeczywistości i różnorodność tych form jest szczególnie dotkliwa w XVII wieku. problem ze stylem. Integralną cechą stylu jest synteza w jednej figuratywnej całości wszystkich rodzajów sztuk plastycznych, w których architektura odgrywa wiodącą i kształtującą rolę. Styl to system artystyczny, który wyróżnia się jednością ideologicznych i figuratywnych zasad i technik języka artystycznego.
w XVII wieku rozwinęły się dwa systemy stylistyczne: barok i klasycyzm, ale oprócz tego wyłania się trzeci, nielewicowy (realistyczny) kierunek w sztuce.
Sztuka baroku rozwijała się w państwach feudalno-absolutystycznych pod silnym wpływem katolicyzmu (Włochy, Hiszpania, Flandria). Sztuki wizualnej baroku nie można zrozumieć w oderwaniu od jej związku z architekturą. Architektura, która w większym stopniu niż inne rodzaje sztuki łączy w sobie czynniki użytkowe i artystyczne, jest związana z postępem materialnym i jest silnie uzależniona od dominującej ideologii (architektura świątynna i urbanistyka realizowana jest za pieniądze kościoła i bogatych ludzi, ale jednocześnie służy całemu społeczeństwu). W barokowych budowlach kultowych wszystkie najbogatsze możliwości syntezy architektury, rzeźby, rzemiosła artystycznego i malarstwa mają za zadanie zadziwić wyobraźnię widza, „nasycić” go uczuciem religijnym. W tych samych Włoszech wznoszone są świeckie budowle, reprezentujące kamień milowy w rozwoju światowej architektury. Opracowywane są techniki urbanistyczne, integralny zespół urbanistyczny, powstają zespoły pałacowo-parkowe, w których odkrywane są nowe zasady powiązania architektury ze środowiskiem naturalnym.
Barok charakteryzuje się dużym uniesieniem emocjonalnym i patetycznym charakterem obrazów, co osiąga się dzięki skali budowli, przesadnej monumentalizacji form, dynamice konstrukcji przestrzennej, wzmożonej plastyczności brył. Stąd krzywoliniowe plany, krzywizny ścian, na których rosną jakby gzymsy, frontony, pilastry; obfituje w drobne formy dekoracji architektonicznej: okna ozdobione są różnymi opaskami, nisze - rzeźbami. Ogólne wrażenie burzliwy ruch i bogactwo uzupełniają rzeźby, malowidła ścienne, sztukaterie, kolorowe marmury i brązy. Dodaj do tego malownicze kontrasty światłocienia, perspektywy i efekty iluzjonistyczne.
Religijne, pałacowe budowle, rzeźby, fontanny (Rzym) łączą się w całość obraz artystyczny. To samo można powiedzieć o zespołach pałacowo-parkowych innych regionów Włoch epoki baroku, które wyróżniają się wyjątkowo mistrzowskim wykorzystaniem złożonej rzeźby terenu, bogatą roślinnością południową, kaskadami wodnymi w połączeniu z małymi formami - pawilonami, płotami, fontannami , posągi i grupy rzeźbiarskie.
Najwyraźniej cechy baroku zostały ucieleśnione w rzeźbie monumentalnej, w twórczości Lorenza Berniniego (idee triumfu mistyki nad rzeczywistością, ekstatyczna ekspresja obrazów, burzliwa dynamika formy).
W malarstwie wkład w sztukę baroku wnieśli bolońscy bracia akademiccy Carracci, Guido, Reni, Gvercino. Barokowa koncepcja osiąga swój pełny rozwój w Pietro da Norton, Bacciccio i innych.W ich wielopostaciowych kompozycjach, nasyconych silnym ruchem, bohaterowie wydają się być uniesieni gdzieś przez nieznaną siłę. W malarstwie barokowym dominowało malarstwo monumentalne i dekoracyjne, głównie plafony, obrazy ołtarzowe przedstawiające apoteozy świętych, sceny cudów, martyrologii, wielkie kompozycje historyczne i alegoryczne (wielki styl).
sztuka baroku Flandria ma swoją specyfikę. U Rubensa, Jordansa i innych mistrzów antyteza tego, co ziemskie i mistyczne, realne i iluzoryczne, charakterystyczna dla koncepcji baroku, wyraża się bardziej zewnętrznie, nie zamieniając się w tragiczny dysonans. U Rubensa, w wielu ołtarzach, a także w obrazach tematycznych starożytna mitologia, uwielbiony zostaje człowiek i istota realna.
We Francji styl barokowy nie zajmował czołowej pozycji. Francja XVII wiek - To jest historyczna arena rozwoju klasycyzmu.
Klasycyzm
Styl klasycyzmu powstaje równolegle ze stylem baroku jako styl tej samej epoki, decydujący z innych pozycji i innych środki wizualne zadania swoich czasów - gloryfikację władzy monarchy absolutnego.
Klasycyzm zajmował dominującą pozycję we Francji w epoce Ludwika XIV, która stała się apogeum absolutyzmu.
Zamiast dramatycznych efektów architektury barokowej proponuje zasadę łączenia majestatycznej powagi obraz architektoniczny z rozsądną jasnością. Chociaż XVII w reprezentuje pierwszy etap klasycyzmu, kiedy cechy tego stylu nie osiągnęły najbardziej rygorystycznego i czystego wyrazu, budynki publiczne i pałacowe, zespoły miejskie, zespoły pałacowo-parkowe są nasycone duchem uroczystej świetności. Ich rozwiązanie przestrzenne wyróżnia się przejrzystą logiką, elewację harmonią. konstrukcja kompozycyjna z proporcjonalnością części, formy architektoniczne - prostota i rygor. Ścisły porządek wprowadza się nawet w przyrodzie: mistrzowie klasycyzmu stworzyli system tzw. regularnego parku. Architekci klasycyzmu są szeroko zainteresowani starożytnym dziedzictwem, studiując ogólne zasady antyczną architekturę, a przede wszystkim system porządków, przepracowując poszczególne motywy i formy. Duch klasycyzmu nie sprzyjał wyrażaniu idei religijnych i mistycznych, dlatego budowle kultowe nie mają w architekturze klasycyzmu tak wielkiego znaczenia jak w baroku. Klasycyzm pozostawił tak wspaniałe pomniki artystycznej syntezy, jak zespół wersalski.
W sztukach plastycznych klasycyzmu jednym z głównych tematów był temat obowiązku, zwycięstwa publiczności nad osobistym, tematem afirmacji wyższej zasady etyczne: bohaterstwo, męstwo, czystość moralna, które znajdują swoje artystyczne ucieleśnienie w obrazach pełnych wzniosłego piękna i wielkości. Klasycyzm przeciwstawia sprzeczności i niedoskonałości rzeczywistości zasadą racjonalności i surowej dyscypliny, za pomocą której człowiek musi pokonywać życiowe przeszkody. Według estetyki klasycyzmu rozum jest głównym kryterium piękna. Artysta w swojej pracy musi wychodzić z doskonałych próbek, które uważano za dzieła starożytna sztuka oraz Wysoki renesans. W przeciwieństwie do baroku, klasycyzm nie pozwalał na przesadną ekspresję emocjonalną: więc bohaterowie francuski artysta Poussin charakteryzuje się silną wolą opanowania i samokontroli, płótna - klarownością i równowagą kompozycji.Postacie na jego obrazach odznaczają się rygorem i klasyczną kompletnością. W języku wizualnym teoria klasycyzmu preferuje rysunek, a kolor ma podrzędną rolę. Uznając piękno prawdziwego życia, piękno natury, artyści klasycyzmu preferowali obraz natury, który służy nie tylko jako aktywne tło w kompozycje fabularne, ale często stanowi podstawę definiującą ogólną strukturę obrazu. W malarstwie klasycyzmu (Nicolas Poussin i Claude Lorrain) pejzaż nie tylko ukształtował się jako gatunek, ale także przeżył pewien rozkwit.
Stylem monarchii francuskiej stał się klasycyzm, głównie w architekturze, malarstwie monumentalnym i dekoracyjnym, aw portrecie ceremonialnym cechy reprezentacyjne baroku bardziej odpowiadały wymogom absolutyzmu. Charles Lebrun zasłynął ze swoich obrazów, Rigaud był nadwornym mistrzem portretu ceremonialnego.
Wraz z barokiem i klasycyzmem w obraz XVII w. wyłania się zasadniczo nowa, skrajnie lewicowa forma refleksji nad rzeczywistością. Jej wygląd jest jednym z kamienie milowe w historii sztuki światowej. Jej istotą jest to, że obraz artystyczny nie powstaje w ramach stylu, ale na podstawie bezpośredniego odwoływania się artysty do zjawisk świata realnego, do całego bogactwa natury. To jest o o bezpośrednim związku obrazów z rzeczywistością Artystyczna generalizacja dokonywana jest tutaj poprzez wybór najbardziej typowych obrazów, zjawisk rzeczywistości i ujawnienie ich istotnych cech. Właśnie różnorodność rzeczywistego świata jest powodem, dla którego jest inny kreatywne kierunki, a poszczególni mistrzowie reprezentujący ten nowy system artystyczny odznaczają się wyjątkową różnorodnością pomysłów i język graficzny. Wśród świetni artyści którzy ujawnili w swoich pracach istotne aspekty epoki, wymienimy Velasqueza i Rembrandta, portrecistę Fransa Halsa i pejzażystę van Ruisdaela.
Nowy wkład lewicowej metody realistycznej przyczynił się do bezprecedensowego wzmocnienia Dzieła wizualne. Pojawiły się nowe gatunki: gatunek domowy, martwa natura; krajobraz ukształtował się w najbardziej rozwiniętych formach, decydujące przesunięcia nastąpiły w gatunkach o wielowiekowej tradycji (kompozycje biblijne i mitologiczne, obraz historyczny, portret). Ma służyć lewicy sztuka XVII w. w literaturze naukowej jest często określany terminem „realizm”. Z różnym stopniem rozpowszechnienia nowy system artystyczny rozwinął się niemal we wszystkich krajach Europy Zachodniej. Tak więc we Włoszech jest to Caravaggio i jego zwolennicy, we Flandrii - Brouwer; we Francji - Louis Le Nain, w Hiszpanii - Velasquez.
Te tendencje realistyczne znalazły najpełniejszy i konsekwentny wyraz w sztuce niderlandzkiej, gdzie ustrój republikańsko-burżuazyjny, brak absolutyzmu i dominacja ideologii kościelnej stwarzały szczególnie sprzyjające warunki dla rozwoju progresywnych nurtów artystycznych. Kreatywność wielkich Holenderscy artyści wyprzedzając społeczno-historyczny rozwój społeczeństwa, wychodząc poza jego ramy i wchodząc z nim w konflikt.
Ale nie sposób nie przyznać, że bezwarunkowym zdobyczom kierunku realistycznego (niemodnego) towarzyszyła utrata integralności stylistycznej, możliwości figuratywnego połączenia wszystkich rodzajów sztuk plastycznych w jeden zespół. Malarstwo wreszcie odróżnia się od architektury i rzeźby, a proces malowania sztalugowego, czyli tworzenia malarstwa sztalugowego, nasila się.
Realizm wymagał szerokich uogólnień, typowych dla prawdziwe obrazy. Dlatego wybitni mistrzowie sięgają po tematy biblijne i mitologiczne, które pozwalają uogólnienia uogólniać do poziomu mitu o głębokim życiu i zgodnej z prawdą interpretacji obrazów (Caravaggio, Rembrandt).
Pewien stopień jedności, który wyróżnia sztukę XVII wieku. różnorodny kraje europejskie, wyjaśnia nie tylko generał rozwój historyczny ale także wymianę kulturalną. Włochy, aw szczególności Rzym, pozostają mekką artystów i ewoluują w międzynarodowe centrum sztuki.
osobowości
Wśród fajerwerków nazw, które rozbłysły na niebie kultury artystycznej XVII wieku, należy wyróżnić najbardziej wybitni przedstawiciele barok, klasycyzm i realizm - Bernini, Rubens, Poussin, Rembrandt, Caravaggio i Velasquez.
Lorenzo Bernini to włoski architekt i rzeźbiarz. Główne prace:
Apollo i Daphne (1622-1625) - marmur, 243 cm, Galeria Borghese, Rzym.
Ambona św. Piotra (1624) - brąz, Watykan.
Fontanna Trytona (1624-1643) - Piazza Barberini, Rzym
Ekstaza Świętej Teresy (1647-1652) - marmur, Santa Maria della Vittoria, Rzym
Fontanna Czterech Rzek (1648-1651) - marmur i trawertyn, Piazza Navona, Rzym
Ekstaza błogosławionej Ludwiki Albertoni (1671-1674) - marmur, San Francesco a Ripa, Rzym
Neptun i Tryton
Peter Powell Rubens (1577-1640) Flamandzki malarz. Jego sztuka, podobnie jak cała sztuka flamandzka XVII wieku, rozwijała się zgodnie ze stylem baroku, ale ma większą moc afirmacji życia i mniej religijnych wpływów niż barok włoski. Rubens był głową Flamandów szkoła narodowa, jego sztuka doskonale oddaje ducha epoki. Działał w Antwerpii, aw latach 1600-1606. mieszkał we Włoszech. Był osobowością uniwersalną: nie tylko malarzem, rytownikiem, ale także dyplomatą; dzięki tej ostatniej okoliczności, będąc „królem malarzy”, był artystą królowych i pracował na dworach królewskich Francji, Włoch i Hiszpanii.
Charakterystyczna dla baroku elewacja, patos, burzliwy ruch i dekoracyjność łączą się w sztuce Rubensa ze zmysłowym pięknem obrazów i śmiałymi realistycznymi obserwacjami. W malarstwie barokowym Rubensa dominują tematy religijne i mitologiczne. Najbardziej znane z tych płócien to „Zejście z krzyża”, „Perseusz i Andromeda”, „Pijany Bachus”. Od 1635 r. Rozpoczął się okres twórczości malarza Stenovsky'ego, kiedy po zakupie wiejskiego zamku Sten Rubens osiedlił się w nim ze swoją młodą żoną Eleną Fourman. W tym czasie Rubens tworzy pejzaże i sceny z życie chłopskie(„Powrót żniwiarzy”, „Taniec chłopski”). Kunszt malarski Rubensa objawił się ze szczególną siłą w gatunku portretowym: takie pełne żywego uroku są portrety Eleny Fourman z dziećmi, Futro, Pokojówka. Malarstwo Rubensa cechuje nieskrępowana swoboda maniery, wyrazista plastyczność, subtelność przejść kolorystycznych. Van Dyck, Jordans, Snyders pracowali w warsztacie Rubensa.
Nicolas Poussin (1594-1665) - twórca malarstwa klasycznego, główny kierunek stylu Francja; jego obrazy o tematyce religijnej, mitologicznej i działki historyczne potwierdzają moc rozumu w normach społecznych i etycznych. Malarstwo Poussina charakteryzuje się wzniosłą strukturą figuratywną. Łączy się w nim głęboka myśl filozoficzna z klarownością kompozycji i rysunku: „Tankred i Erminia”, „Śmierć Germanika”. Majestatyczne bohaterskie krajobrazy Poussin są piękne: „Krajobraz z Polifemem”, „Pasterze arkadowi”. Masy w nich są ściśle wyważone, powietrze przejrzyste, kolory czyste.
Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) – holenderski malarz, rysownik, rytownik, – przedstawiciel lewicy realistyczny kierunek. Innowacyjna sztuka Rembrandta wyróżnia się demokratyzmem i witalnością obrazów. Niezwykła rozpiętość twórczego zakresu, ciągłe poszukiwanie nowego wyrazu środki artystyczne, najwyższy profesjonalizm pozwalają uznać twórczość artysty za jeden ze szczytów malarstwa światowego, łączącego głębię cech psychologicznych z wyjątkową kunsztem malarskim opartym na efektach światłocienia. Malował portrety, w tym pary i grupy („Autoportret z Saskią na kolanach”, „Nocna straż”), sceny religijne i mitologiczne („Święta Rodzina”, „Danae”).
Do lat sześćdziesiątych XVII wieku obejmują najbardziej złożone psychologicznie kompozycje religijne, historyczne i portrety Rembrandta („Powrót syn marnotrawny”, „Syndycy”). Jego szerokie, swobodne malarstwo nabiera przestrzennej głębi i szczególnej duchowości. Subtelne przelewy kolorów, gra światłocienia służą ujawnieniu typologicznych kolizji fabuły i stanu ducha obrazów. Twórczość Rembrandta jest głęboko humanistyczna. Artysta zawsze skupiał się na człowieku, jego duchowym świecie i wewnętrznym bogactwie. Twórcze dziedzictwo artysty miało ogromny wpływ na późniejszy rozwój europejskiego malarstwa realistycznego.
Michelangelo da Caravaggio (1573-1610). Ten włoski malarz, żyjący na przełomie wieków, uważany jest za twórcę realizmu, który ukształtował się jako kierunek artystyczny Malarstwo europejskie XVII wieku, w którym wprowadził demokrację, niezwykłą konkretność i materialność formy, napięcie emocjonalne przekazywane poprzez kontrasty światła i cienia. Te cechy są tak rozpoznawalne, że nazywa się je terminem „karawagizm”, na który „chorowali” prawie wszyscy czołowi artyści kierunku realistycznego, jemu współcześni.
Do obraz Caravaggia charakteryzuje się prostotą i zwięzłością kompozycji, wyrazistą plastycznością. Tworzył kompozycje religijne i mitologiczne o niezwykłej sile dramatycznej i emocjonalnej ekspresji. Ponadto znany jest jako autor obrazów rodzajowych, które zaskakująco trafnie i bezpośrednio odtwarzają rzeczywistość.
Do jego najsłynniejszych obrazów należą „Złożenie do grobu”, „Bachus”, „Dziewczyna z lutnią”, „Lutnista”.
Losy Caravaggia są tragiczne. Zmarł w wieku 36 lat, ostatnie lata życia spędził na tułaczkach. Surowego realizmu artysty nie rozumieli zwolennicy sztuki wysokiej, akademicy Akademii Bolońskiej, którzy położyli podwaliny pod akademicki nurt w malarstwie przełomu XVI i XVII wieku.
Diego Velazqueza (1599-1660). Koniec XVI i pierwsza połowa XVII wieku to okres rozkwitu kultury hiszpańskiej, aw szczególności malarstwa. Człowiek zajmuje główne miejsce w twórczości hiszpańskich malarzy. sztuka malowania Hiszpania osiąga swój szczyt w twórczości Velazqueza, jednego z najwybitniejszych mistrzów nurtu realistycznego w sztuce zachodniej Europa XVII w.
Jego malarstwo charakteryzuje się głębią cechy psychologiczne i jasna indywidualność modeli. Velasquez miał szczególny dar ujawniania wewnętrznych, głęboko ukrytych cech charakteru i usposobienia psychicznego człowieka. Ta umiejętność malarza szczególnie wyraźnie objawiła się w słynnym portrecie papieża Innocentego X (1650). głębokość cechy portretu posiada także jego obrazy rodzajowe, portrety grupowe, tematykę mitologiczną i historyczną, odznacza się także harmonią kompozycji, wyczuciem proporcji. Velasquez był jednym z pierwszych, którzy używali malarstwa Valerie, osiągając najlepsze odcienie jednego tonu. Najbardziej znane dzieła to „Surrender of Breda”, „Menin”, „Spinning”.
Barok jest jednym z znaczące style w życie kulturalne Europa. Największą popularność osiągnął w takich krajach jak Niemcy, Hiszpania, Rosja, Francja. Włochy są uważane za ojczyznę. Epoka baroku obejmuje około dwóch stuleci – od końca XVI do połowy XVIII wieku.
Cechami charakterystycznymi tego stylu są pompatyczność, powaga i przepych. Co więcej, barok obejmuje nie tylko kreatywność artystyczna, literatury i malarstwa, ale także sposobu myślenia o człowieku, jego egzystencji, a także w pewnym stopniu nauki.
Dzieła tego czasu są wyraziste i ekspresyjne, cechuje je wyrafinowanie form, tworzenie iluzorycznej przestrzeni, a także dziwaczna gra światła i cienia.
Epoka baroku dała życie nauce. W tym czasie zaczęła się rozwijać biologia, anatomia, fizyka i chemia oraz inne dyscypliny. Wcześniej ich nauka była surowo karana przez ministrów kościoła.
Wojny, epidemie różnych chorób, takich jak dżuma i ospa, różne doprowadziły do tego, że człowiek czuł się bezbronny i zdezorientowany. Jego przyszłość była niepewna. Coraz więcej umysłów ogarniały różne przesądy i lęki. W tym samym czasie Kościół dzieli się na dwa obozy religijne – protestantów i katolików, co również jest powodem wielu sprzeczek i bitew.
Wszystko to prowadzi do nowego zrozumienia Pana jako Stwórcy wszechświata. Bóg był uważany tylko za stwórcę tego, co istotne, podczas gdy człowiek kontrolował żywe i nieożywione.
Epoka baroku charakteryzuje się także aktywną kolonizacją - w Starym i Nowym Świecie powstają osady angielskie.
Architektura tamtych czasów jest bogata w kolumnady, obfitość różne dekoracje elewacje i wnętrza. Wielopoziomowe kopuły złożone, struktura warstwowa. Do większości znani architekci tamtych czasów to Michał Anioł Buonarroti, Carlo Maderna, Nikołaj Sułtanow.
W malarstwie tej epoki dominują obrazy religijne i religijne motywy mitologiczne, a także ceremonialne portrety. Dość często malowidła przedstawiały Madonnę w otoczeniu aniołów. Większość baroku - Michelangelo Merisi, Iasento Rigaud, Peter Paul Rubens.
W tym czasie narodziły się takie dzieła jak opera i fuga. Muzyka staje się bardziej wyrazista. Kompozytorzy baroku - Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, Giovanni Gabrieli. Jak widać, dużo wybitne osobistości robiłem w tamtym czasie.
Epoka baroku jest jedną z najważniejszych w historii rozwoju człowieka. W tym czasie narodziły się nowe style w literaturze, muzyce, malarstwie, architekturze. Kształtują się nowe poglądy na religię i człowieka. W nauce pojawiają się nowe kierunki. Pomimo pewnej pompatyczności okres ten dał kulturze światowej wiele zabytków kultury, które są bardzo cenione w naszych czasach. Nazwiska mistrzów i artystów epoki baroku wciąż grzmią na całym świecie.
Logiczną kontynuacją tego stylu było rokoko, które ukształtowało się w pierwszej połowie XVIII wieku. Udało mu się utrzymać swoją pozycję do końca XVIII wieku.
Sztuka baroku (sztuka baroku), styl sztuka europejska i architektury XVII i XVIII wieku. W różnych okresach pod określeniem „barok” umieszczano różną treść. Na początku nosił obraźliwą konotację, sugerującą absurd, absurd. Obecnie używa się go w krytyce artystycznej do określenia stylu, który dominował w sztuce europejskiej w okresie między manieryzmem a rokokiem, czyli od około 1600 roku do początku XVIII wieku. Od manieryzmu baroku sztuka odziedziczyła dynamizm i głęboką emocjonalność, a od renesansu solidność i przepych: cechy obu stylów harmonijnie połączyły się w jedną całość.
w XVII wieku Włochy - pierwsze ogniwo w sztuce renesansu, straciło swoją potęgę gospodarczą i polityczną. Cudzoziemcy – Hiszpanie i Francuzi – zaczynają rządzić we Włoszech, to oni dyktują warunki polityki itp. Wyczerpane Włochy nie straciły na wysokości swoich kulturowych pozycji – pozostają Centrum Kultury Europa.
Władza w kulturze przejawiała się w przystosowaniu się do nowych warunków – szlachta i kościół potrzebują wszystkich, aby dostrzegli swoją siłę i żywotność, ale ponieważ nie było pieniędzy na budowę palazzo, szlachta zwróciła się ku sztuce, by stworzyć iluzję władzy i bogactwo. Popularny staje się styl, który potrafi podnieść na duchu i tak barok pojawił się we Włoszech w XVI wieku.
Pochodzenie słowa barok jest bardziej kontrowersyjne niż nazwy wszystkich innych stylów. Istnieje kilka wersji pochodzenia.
Portugalska barroco to perła o nieregularnym kształcie, która nie ma osi obrotu, takie perły były popularne w XVII wieku.
We włoskim baroku fałszywy sylogizm, azjatycka forma logiki, technika sofistyczna oparta na metaforze. Jak perły o nieregularnym kształcie, barokowe sylogizmy, których fałszywość ukrywała ich metafora.
Użycie tego terminu przez krytyków i historyków sztuki sięga 2. wieku połowa XVIII i odnosi się najpierw do sztuki figuratywnej, a w konsekwencji także do literatury. Początkowo termin ten nabrał negatywnej konotacji. Ernst Gombrich pisał: „Słowo „barok”, oznaczające „dziwaczny”, „absurdalny”, „dziwny”, powstało później także jako zjadliwa kpina. Określeniem „barok” określano mistrzowskie odstępstwa od surowych norm klasyki, co dla nich było równoznaczne ze złym smakiem. Dopiero pod koniec XIX wieku barok został przewartościowany, dzięki europejskiemu kontekstowi kulturowemu od impresjonizmu do symbolizmu, który podkreśla związki z epoką baroku.
Jedna z kontrowersyjnych teorii sugeruje, że wszystkie te europejskie słowa pochodzą od łacińskiego bis-roca, skręconego kamienia. Inna teoria pochodzi z łaciny verruca, strome wzniesienie, skaza w klejnocie.
Wreszcie inna teoria sugeruje, że to słowo we wszystkich wymienionych językach jest parodystyczne z punktu widzenia lingwistyki, a jego słowotwórstwo można wytłumaczyć jego znaczeniem: niezwykłym, nienaturalnym, niejednoznacznym i zwodniczym.
Wieloznaczność stylu barokowego tłumaczy się jego pochodzeniem. Według niektórych badaczy został zapożyczony z architektury Turków seldżuckich.
Najbardziej charakterystyczne cechy baroku – chwytliwa ekstrawagancja i dynamizm – korespondowały z pewnością siebie i rozmachem odzyskanej siły Rzymianina. kościół katolicki. Poza Włochami styl barokowy ma swoje najgłębsze korzenie krajach katolickich. U źródeł tradycji sztuki barokowej w malarstwie leżą dwaj wielcy artyści włoscy – Caravaggio i Annibale Carracci, którzy stworzyli najważniejsze dzieła w Ostatnia dekada XVI wiek - pierwsza dekada XVII wieku. Malarstwo włoskie końca XVI wieku cechuje nienaturalność i niepewność stylistyczna. Caravaggio i Carracci swoją sztuką przywrócili jej integralność i wyrazistość. W architektura włoska Najwybitniejszym przedstawicielem sztuki baroku był Carlo Maderna (1556-1629), który zerwał z manieryzmem i stworzył własny styl. Jego głównym dziełem jest fasada rzymskiego kościoła Santa Susanna (1603). Główną postacią w rozwoju rzeźby barokowej był Lorenzo Bernini, którego pierwsze arcydzieła wykonane w nowym stylu datowane są na około 1620 r. Kwintesencją baroku, imponującą fuzją malarstwa, rzeźby i architektury jest kaplica Coranaro w kościele Santa Maria della Victoria (1645-1652).
Najwybitniejszymi włoskimi współczesnymi Berniniemu w tym dojrzałym okresie baroku byli architekt Borromini oraz malarz i architekt Pietro da Cortona. Nieco później pracował Andrea del Pozzo (1642-1709); namalowany przez niego plafon w kościele Sant'Ignazio w Rzymie (Apoteoza św. Ignacego Loyoli) jest zwieńczeniem barokowego trendu ku pompatycznemu splendorowi. W XVII wieku Rzym był światową stolicą sztuki, przyciągającą artystów z całej Europy, a sztuka baroku szybko rozprzestrzeniła się poza „wieczne miasto”. W każdym kraju baroku sztuka była napędzana lokalne tradycje. W niektórych krajach stał się bardziej ekstrawagancki, jak na przykład w Hiszpanii i Ameryce Łacińskiej, gdzie rozwinął się styl dekoracji architektonicznej zwany churrigueresco; w innych został stonowany, aby pasował do bardziej konserwatywnych gustów. W katolickiej Flandrii sztuka barokowa kwitła w twórczości Rubensa, w protestanckiej Holandii miała mniej zauważalny wpływ. To prawda, że dojrzałe dzieła Rembrandta, niezwykle żywe i dynamiczne, wyraźnie naznaczone są wpływami sztuki barokowej. We Francji najdobitniej wyrażało się to w służbie monarchii, a nie kościołowi. Ludwik XIV rozumiał znaczenie sztuki jako środka uwielbienia rodzina królewska. Jego doradcą w tej dziedzinie był Charles Lebrun, który kierował malarzami i dekoratorami pracującymi w pałacu Ludwika w Wersalu. Wersal, ze swoim wspaniałym połączeniem bogatej architektury, rzeźby, malarstwa, dekoracji i sztuka krajobrazu był jednym z najbardziej imponujących przykładów fuzji sztuk.
Sztuka baroku przyczyniła się do powstania efektów teatralnych osiąganych za pomocą oświetlenia, fałszywej perspektywy i widowiskowości scenografia sceniczna. Jednak niewiele to pomogło w zaspokojeniu powściągliwego brytyjskiego gustu. W architekturze angielskiej wpływ baroku dał się zauważyć dopiero na początku XVIII wieku w swoistym dziele Vanbrugha i Hawksmore'a. Do tego stylu zbliżają się niektóre późniejsze prace Wrena. Przyciąganie sztuki barokowej do skali jest odczuwalne w majestatycznych projektach katedry św. Pawła (1675-1710) i szpitala Greenwich (początek 1696). Barok został zastąpiony przez spokojniejszy palladiański. We wszystkich formach sztuki barok łączył się z lżejszym stylem rokoko. Ta fuzja była bardzo owocna w Europie Środkowej, zwłaszcza w Dreźnie, Wiedniu i Pradze.
Epoka baroku rodzi ogromną ilość rozrywek dla rozrywki: zamiast pielgrzymek - promenada (spacery po parku); zamiast turniejów rycerskich – „karuzele” (przejażdżki konne) i gry karciane; zamiast misteriów teatrzyk i bal maskowy. Możesz dodać wygląd huśtawek i "ognistej zabawy" (fajerwerki). We wnętrzach portrety i pejzaże zajęły miejsce ikon, a muzyka z uduchowionej zmieniła się w przyjemną grę dźwięków.
Epoka baroku odrzuca tradycję i autorytet jako przesądy i uprzedzenia. Wszystko, co jest „jasne i wyraźne”, jest pomyślane lub ma matematyczny wyraz, jest prawdziwe, oświadcza filozof Kartezjusz. Dlatego barok jest nadal wiekiem Rozumu i Oświecenia. Pierwszy europejski park pojawia się w Wersalu, gdzie idea lasu została wyrażona w najbardziej matematyczny sposób: lipowe aleje i kanały wydają się być rozciągnięte wzdłuż linijki, a drzewa przycięte na wzór figur stereometrycznych. Ubrany po raz pierwszy w barokowe mundury wojskowe duże skupienie płacą "wiertło" - geometryczną poprawność konstrukcji na placu apelowym.
Barokowy mężczyzna.
Człowiek baroku odrzuca naturalność, która utożsamiana jest z dzikością, arogancją, tyranią, brutalnością i ignorancją – wszystko to w dobie romantyzmu stanie się cnotą. Barokowa kobieta pielęgnuje bladość skóry, nosi nienaturalną, falbaniastą fryzurę, gorset i sztucznie przedłużoną spódnicę na fiszbinowym stelażu. Ona jest na obcasach.
A dżentelmen staje się ideałem mężczyzny w epoce baroku - od Anglików. łagodny: „miękki”, „delikatny”, „spokojny”. Początkowo wolał golić wąsy i brodę, perfumować się i nosić pudrowane peruki. Po co zmuszać, skoro teraz zabijają, pociągając za spust muszkietu. W epoce baroku naturalność jest synonimem brutalności, dzikości, wulgarności i ekstrawagancji. Dla filozofa Hobbesa stan natury charakteryzuje się anarchią i wojnami wszystkich ze wszystkimi.
Barok charakteryzuje się ideą uszlachetniania natury na podstawie rozumu. Potrzeba nie jest tolerowana, ale „dobrze jest ofiarować w miłych i uprzejmych słowach” (Młodzież, uczciwe zwierciadło, 1717). Według filozofa Spinozy popędy nie stanowią już treści grzechu, ale „samą istotę człowieka”. Dlatego apetyt kształtuje się wyśmienicie etykieta stołu(w epoce baroku pojawiły się widelce i serwetki); zainteresowanie płcią przeciwną - w uprzejmym flirtowaniu, kłótniach - w wyrafinowanym pojedynku.
Barok charakteryzuje się ideą śpiącego Boga - deizmem. Bóg nie jest pojmowany jako Zbawiciel, ale jako Wielki Architekt który stworzył świat jak zegarmistrz tworzy mechanizm. Stąd taka cecha barokowego światopoglądu jak mechanizm. Prawo zachowania energii, absolutność przestrzeni i czasu są gwarantowane przez słowo Boże. Jednak stwarzając świat, Bóg odpoczął od swoich prac i w żaden sposób nie ingeruje w sprawy Wszechświata. Nie ma sensu modlić się do takiego Boga - można się tylko od Niego uczyć. Dlatego prawdziwymi strażnikami Oświecenia nie są prorocy i kapłani, ale przyrodnicy. Isaac Newton odkrywa prawo powszechnego ciążenia i pisze fundamentalne dzieło „Zasady matematyczne filozofia naturalna(1689), a Carl Linnaeus systematyzuje biologię w The System of Nature (1735). Akademie Nauk i towarzystwa naukowe powstają wszędzie w europejskich stolicach.
Tak więc barok jest stylem europejskiej sztuki i architektury XVII i XVIII wieku. Barok charakteryzuje się kontrastem, napięciem, dynamizmem obrazów, afektacją, pragnieniem wielkości i splendoru, połączenia rzeczywistości i iluzji, fuzji sztuk; jednocześnie – tendencja do autonomizacji poszczególnych gatunków.
Podstawy ideowe stylu ukształtowały się w wyniku wstrząsu, jakim dla XVI wieku była reformacja i nauka Kopernika.
