Piotr Klas. Martwa natura z kieliszkiem wina i srebrną misą. 1630s

Otrzymałeś wykształcenie, ale pracujesz z zawodu? Twoja pierwsza praca jest ostatnią? Czy jesteś żonaty ze swoją pierwszą miłością? Czy mieszkasz w tym samym mieście, w którym się urodziłeś? W domu, który odziedziczyłeś? Czy jesz z tej samej usługi rodzinnej co twoi rodzice? Czy pijesz wino z tego samego starego kieliszka?

Współczesny człowiek odpowie na wszystkie te pytania - nie. Holender XVII wieku - tak. Nie byli tak otwarci na zmiany jak my. Prowadzili siedzący tryb życia, wierni swoim korzeniom, zobowiązaniom małżeńskim i sprawie, wbijali się w jeden punkt. Możesz sobie to wyobrazić współczesny artysta Pisałem i pisałem ten sam temat, tę samą fabułę, przez lata, dekady, całe życie! Człowiek z XVII wieku mógł. Wchodzić do tej samej rzeki setki razy. Osiąganie niesamowitych wyników.

Piotr Klas. Martwa natura z czaszką. 1628

Dwa słynny współczesny, honorowy mieszkaniec miasta Haarlem, Pieter Klas i Willem Klas Heda, przez całe życie pisali nie tylko te same martwe natury, pisali… ten sam kieliszek wina! Poza tym Khed miał syna, również artystę, i on, jak można się domyślić, również miał słabość do tego kieliszka. Niesamowite, prawda? To zupełnie inne postrzeganie czasu i wypełniania własnego życia.

Willem Claesz Heda. 1631

Zastanawiam się, jak to zrobili? Oto 30-letni Klas napisał swoją szklankę. Mijają dwa lata, mówi sobie - dlaczego nie napisać mi jeszcze raz mojego kieliszka? I tak co kilka lat! Szklanka jest po prawej, szklanka po lewej, szklanka stoi, szklanka leży. Kieliszek w towarzystwie dziczyzny, w towarzystwie ryb. Z plackiem, z owocami, z czaszką... Może to choroba psychiczna powszechna w XVII wieku? Rodzaj obsesji. A dzisiaj ludzkość została wyleczona... Albo wręcz przeciwnie, jesteśmy tak chorzy, że nie możemy się na niczym poważnie skupić...

Tak więc holenderskie martwe natury, przygody jednego kieliszka, podziwiają, piękniejsze od tych dyskretnych, niemal monochromatycznych arcydzieł, trudno znaleźć coś w historii malarstwa.

Willem Claesz Heda. 1632

Willem Claesz Heda. 1632

Piotr Klas. Martwa natura z ostrygami. 1633

Willem Claesz Heda. 1634

Willem Claesz Heda. 1634

Willem Claesz Heda. 1635

Willem Claesz Heda. 1643

Gerrit Willems Heda (syn). 1645

Piotr Klas. 1647

Willem Claesz Heda. 1648

Willem Claesz Heda. 1650s

Willem Claesz Heda. 1657

Piotr Klas. 1660

Pieter Klass „Śniadanie z szynką” 1647

Eksperci twierdzą, że każda martwa natura ma swoją własną ukryte znaczenie co było zrozumiałe dla współczesnych. I możemy tylko zgadywać, co i komu artysta chciał powiedzieć.

G Holenderska martwa natura z XVII wieku charakteryzuje się wąską specjalizacją Holenderscy mistrzowie w obrębie gatunku. Temat „Kwiaty i owoce” obejmuje z reguły różnorodne owady. „Trofea myśliwskie” to przede wszystkim trofea myśliwskie – martwe ptaki i zwierzyna łowna. „Śniadania” i „Desery”, a także wizerunki ryb – żywych i uśpionych, różnych ptaków – to tylko część najbardziej znane tematy martwe natury.

W całości, te pojedyncze działki charakteryzują bliskie zainteresowanie Holendrów działkami Życie codzienne oraz ich ulubione rozrywki i zamiłowanie do egzotyki dalekich krain (w kompozycjach pojawiają się dziwaczne muszle i owoce). Często w pracach z motywami „żywej” i „martwej” natury, symboliczne wydźwięki, łatwo zrozumiałe dla wykształconego widza XVII wieku.

Tak więc zestawienie poszczególnych przedmiotów mogło być wskazówką kruchości ziemskiej egzystencji: więdnące róże, kadzielnica, świeca, zegarek; lub związane z moralnie potępionymi nawykami: pochodnie, fajki; lub wskazywał na romans; pisanie, instrumenty muzyczne, piecyk. Nie ulega wątpliwości, że wymowa tych kompozycji jest znacznie szersza niż ich symboliczna treść.

Holenderskie martwe natury przyciągają przede wszystkim swoimi wyrazistość artystyczna kompletność, zdolność do ujawnienia uduchowionego życia obiektywnego świata.

W przeciwieństwie do Flamandów, preferujących duże obrazy z obfitością wszelkiego rodzaju przedmiotów, malarze holenderscy ograniczają się do kilku obiektów kontemplacji, dążąc do ostatecznej jedności kompozycyjnej i kolorystycznej. Martwa natura („Stilleven” - co po niderlandzku oznacza „spokojne życie”) to osobliwa i dość popularna gałąź malarstwa holenderskiego.

Holenderska martwa natura z XVII wieku

Pieter Klass „Rura i kocioł” 1636

Balthasar van der Ast „Martwa natura z owocami”

Balthasar van der Ast „Talerz z owocami i muszlami” 1630

Melchior de Hondekuter „Ptaki w parku”

Bartholomeus van der Hels „Nowy rynek w Amsterdamie” 1666

Willem Klass Hedp „Śniadanie z krabem” 1648

Ferdinand Bol „Zła gra”

Abraham Mignon „Owoce”

Melchior de Hondekuter „Trofea myśliwskie”

Johannes Lemans „Polowanie na martwą naturę”

Martin Bullema de Stomme. „Martwa natura z pucharem Nautilusa”

Willem Heda. „Martwa natura z szynką”. 1656

Jana Brueghela Starszego. „Kwiaty w drewnianym wazonie”. 1606/07

Ambrosius Bosshart Starszy. „Bukiet kwiatów w niszy”. 1618

Balthasara van der Asta. „Koszyk kwiatów”. 1622

Hansa Bollongiera. „Martwa natura z kwiatami”. 1639

Mikołaj Gillis. „Nakryty stół”. 1611

Floris van Dijk. „Martwa natura z serem”. OK. 1615

Jacob van Huelsdonk. Martwa natura z karczochami, rzodkiewkami, szparagami, śliwkami i brzoskwiniami w koszu. 1608-1647

Klara Peters. „Stolik serwowany”. 1611

Willem Claesz Heda. „Martwa natura ze srebrnym dzbanem i ciastem”. 1645

Piotr Klas. „Martwa natura z solniczką”. OK. 1644

Gerrit Willems Heda. „Martwa natura z glinianym dzbanem”

Floris Gerrits van Schoten. Martwa natura z owocami, warzywami i sceną wieczerzy w Emaus. 1630

Cornelisa Delffa. „Martwa natura w kuchni” 1610-1620

Natalia MARKOWA,
kierownik działu grafiki Muzeum Puszkina im. A, S, Puszkin

Martwa natura w XVII-wiecznej Holandii

Można powiedzieć, że czas działał jak obiektyw aparatu: wraz ze zmianą ogniskowej zmieniała się skala obrazu, aż w kadrze pozostały tylko obiekty, a wnętrze i postacie zostały wypchnięte z obrazu. „Ramki” z martwą naturą można znaleźć na wielu obrazach Holenderscy artyści 16 wiek Łatwo sobie wyobrazić w formie niezależnego obrazu nakryty stół z „ portret rodzinny» Martin van Heemskerk (ok. 1530. Muzea Państwowe, Kassel) lub wazon z kwiatami z kompozycji Jana Brueghela Starszego. Sam Jan Brueghel zrobił coś takiego, pisząc na samym początku XVII wieku. pierwsze niezależne martwe natury kwiatowe. Pojawiły się one około 1600 roku – ten czas uważany jest za datę narodzin gatunku.

Martina van Hemskerka. Portret rodzinny. Fragment. OK. 1530. Muzea Państwowe, Kassel.

W tym momencie o va, aby go zdefiniować, jeszcze nie istniał. Termin „martwa natura” powstał we Francji w XVIII wieku. i dosłownie przetłumaczone oznacza „martwą naturę”, „martwą naturę” (naturę morte). W Holandii obrazy przedstawiające przedmioty nazywano „martwą naturą”, co można przetłumaczyć zarówno jako „martwa natura, model”, jak i „spokojne życie”, co znacznie dokładniej oddaje specyfikę holenderskiej martwej natury. Ale to ogólna koncepcja wszedł do użytku dopiero od 1650 roku i do tego czasu obrazy nazywano zgodnie z fabułą obrazu: b lumentopf - wazon z kwiatami, banketje - nakryty stół, fruytage - owoce, toebackje - martwe natury z akcesoriami do palenia, doodshoofd - obrazy przedstawiające czaszkę. Już z tego wyliczenia widać, jak wielka była różnorodność przedstawianych obiektów. Rzeczywiście, cały otaczający ich obiektywny świat zdawał się rozlewać na obrazy holenderskich artystów.

Abrahama van Beurena. Martwa natura z homarami. XVII w. Kunsthaus, Zurych

W sztuce oznaczało to rewolucję nie mniejszą niż ta, której dokonali Holendrzy w sferze gospodarczej i społecznej, uniezależniając się od władzy katolickiej Hiszpanii i tworząc pierwsze demokratyczne państwo. Podczas gdy ich współcześni we Włoszech, Francji, Hiszpanii koncentrowali się na tworzeniu ogromnych kompozycji religijnych na ołtarze kościelne, płótna i freski na tematy starożytnej mitologii do sal pałacowych, Holendrzy pisali małe obrazy z widokiem na zakątki rodzimego krajobrazu, tańce na wiejskim festynie czy domowy koncert w domu mieszczańskim, sceny w wiejskiej karczmie, na ulicy czy w randce, nakryte stoły przy śniadaniu lub deserze, czyli charakter „niski”, bezpretensjonalny, nieprzyćmiony antyczną czy renesansową tradycją poetycką, z wyjątkiem być może dla współczesnej poezji holenderskiej. Kontrast z resztą Europy był uderzający.

Obrazy rzadko powstawały na zamówienie, ale najczęściej były swobodnie sprzedawane na targowiskach dla wszystkich i miały ozdabiać pokoje w domach mieszczan, a nawet mieszkańców wsi – tych bogatszych. Później, w XVIII w XIX wieku, kiedy życie w Holandii stało się trudniejsze i rzadsze, te rodzime kolekcje malarstwa były szeroko sprzedawane na aukcjach i chętnie nabywane w kolekcjach królewskich i arystokratycznych w całej Europie, skąd ostatecznie migrowały do główne muzea pokój. Kiedy w połowa dziewiętnastego w. artyści na całym świecie zwrócili się ku przedstawianiu otaczającej ich rzeczywistości, malarstw holenderskich mistrzów XVII wieku. służył jako wzór dla nich we wszystkich gatunkach.

Jana Venixa. Martwa natura z białym pawiem. 1692. Ermitaż państwowy, Petersburg

Cechą malarstwa holenderskiego była specjalizacja artystów według gatunku. W obrębie gatunku martwej natury istniał nawet podział na odrębne tematy, a różne miasta miały swoje ulubione rodzaje martwej natury, a jeśli malarzowi zdarzyło się przenieść do innego miasta, często radykalnie zmieniał swoją twórczość i zaczynał malować te odmiany gatunek, który był popularny w tym miejscu.

Haarlem stał się kolebką najbardziej charakterystycznego holenderskiego typu martwej natury – „śniadania”. Obrazy Pietera Claesza przedstawiają nakryty stół z naczyniami i naczyniami. Cynowy talerz, śledź lub szynka, bułka, kieliszek wina, zmięta serwetka, cytryna lub gałązka winogron, sztućce – oszczędny i precyzyjny dobór przedmiotów sprawia wrażenie zastawionego stołu dla jednej osoby. Na obecność człowieka wskazuje „malowniczy” nieład wprowadzony do układu rzeczy oraz atmosfera przytulnego wnętrza mieszkalnego, uzyskana dzięki przepuszczalności światła i powietrza otoczenia. Dominujący szaro-brązowy ton łączy przedmioty w jeden obraz, a sama martwa natura staje się odzwierciedleniem indywidualnych upodobań osoby, jej stylu życia.

W tym samym duchu co Klas pracował inny Harleman, Willem Heda. Kolorystyka jego obrazów jeszcze bardziej podporządkowana jest jedności tonalnej, dominuje w niej ton szaro-srebrny, wyznaczany przez wizerunek srebrnych lub cynowych naczyń. Z powodu tej kolorowej powściągliwości obrazy zaczęto nazywać „monochromatycznymi śniadaniami”.

Abrahama van Beurena. Śniadanie. XVII wiek. Muzeum Puszkina im. Puszkin, Moskwa

W Utrechcie rozwinęła się bujna i elegancka martwa natura z kwiatami. Jej głównymi przedstawicielami są Jan Davids de Heem, Justus van Huysum i jego syn Jan van Huysum, który słynie przede wszystkim ze skrupulatnego pisania i jasnej kolorystyki.

W Hadze, centrum przemysłu morskiego, Pieter de Putter i jego uczeń Abraham van Beyeren udoskonalili wizerunek ryb i innych mieszkańców morza; Uniwersytet Leiden stworzył i udoskonalił typ filozoficznej martwej natury „vanitas” (próżność marności). Na obrazach Harmena van Steenwijka i Jana Davidsza de Heema, z przedmiotami ucieleśniającymi ziemską chwałę i bogactwo (zbroje, książki, atrybuty sztuki, drogocenne przybory) lub przyjemności zmysłowe (kwiaty, owoce), czaszka lub klepsydra jako przypomnienie przemijania życia. Bardziej demokratyczna „kuchenna” martwa natura powstała w Rotterdamie w twórczości Florisa van Schotena i Francoisa Reykhalsa, a jego najlepsze osiągnięcia związane są z nazwiskami braci Cornelisa i Hermana Saftlevena.

W połowie stulecia temat skromnych „śniadań” przekształca się w pracach Willema van Aelsta, Uriana van Strecka, a zwłaszcza Willema Kalfa i Abrahama van Beyerena, w luksusowe „bankiety” i „desery”. Złocone kielichy, chińska porcelana i fajans z Delft, dywanowe obrusy, południowe owoce podkreślają zamiłowanie do elegancji i bogactwa, które ukształtowało się w holenderskim społeczeństwie w połowie stulecia. W związku z tym „monochromatyczne” śniadania wypierane są przez soczyste, barwnie nasycone, złoto-ciepłe barwy. Wpływ światłocienia Rembrandta sprawia, że ​​kolory na obrazach Kalfa jarzą się od wewnątrz, poetyzując obiektywny świat.

Willema Kalfa. Martwa natura z kielichem - łodzik i miska chińska porcelana. Muzeum Thyssen - Bornemisza, Madryt

Mistrzami obrazu „trofeów myśliwskich” i „ptaszków” byli Jan-Baptiste Veniks, jego syn Jan Veniks i Melchior de Hondekuter. Ten typ martwej natury rozpowszechnił się szczególnie w drugiej połowie - końcu wieku w związku z arystokratyzacją mieszczan: urządzaniem majątków i rozrywką łowiecką. malowanie dwa najnowsi artyści wykazuje wzrost dekoracyjności, koloru, chęć uzyskania efektów zewnętrznych.

Niesamowita zdolność holenderskich malarzy do przekazywania świat materialny w całym swoim bogactwie i różnorodności docenili go nie tylko współcześni, ale także Europejczycy w XVIII i XIX wieku, widzieli w martwych naturach przede wszystkim i dopiero to genialne mistrzostwo w przekazywaniu rzeczywistości. Jednak dla siebie holenderski XVII przez wieki te obrazy były pełne znaczeń, dawały pożywienie nie tylko oczom, ale i umysłowi. Obrazy weszły w dialog z odbiorcą, przekazując mu ważne prawdy moralne, przypominając o ułudzie ziemskich radości, daremności ludzkich aspiracji, kierując myśli ku refleksje filozoficzne o sensie życia człowieka.

Niezwykłe zjawisko w historii światowych sztuk pięknych miało miejsce w Północy Europa XVII wiek. Jest znany jako martwa natura holenderska i jest uważany za jeden ze szczytów malarstwa olejnego.

Znawcy i profesjonaliści mają mocne przekonanieże takiej liczby wspaniałych mistrzów, którzy posiadali najwyższą technikę i stworzyli tak wiele światowej klasy arcydzieł, mieszkając na niewielkim skrawku kontynentu europejskiego, nie widziano w historii sztuki.

Nowe znaczenie zawodu artysty

Szczególne znaczenie, jakie zawód artysty nabrał od tego czasu w Holandii początek XVII wieku, był wynikiem wyłonienia się po pierwszych antyfeudalnych rewolucjach zaczątków nowego ustroju burżuazyjnego, ukształtowania się klasy mieszczan miejskich i zamożnych chłopów. Dla malarzy byli to potencjalni klienci, którzy kształtowali modę na dzieła sztuki, sprawiając, że holenderskie martwe natury stały się poszukiwanym towarem na wschodzącym rynku.

W ziemie północne W Holandii najbardziej wpływową ideologią stały się reformistyczne nurty chrześcijaństwa, które powstały w walce z katolicyzmem. Między innymi ta okoliczność sprawiła, że ​​martwa natura holenderska stała się głównym gatunkiem całych warsztatów artystycznych.Duchowi przywódcy protestantyzmu, a zwłaszcza kalwini, zaprzeczali zbawczej wartości rzeźby i malarstwa o tematyce religijnej, wyrzucali nawet muzykę z kościół, co zmusiło malarzy do poszukiwania nowych tematów.

W sąsiedniej Flandrii, która pozostawała pod wpływem katolików, sztuka rozwijała się według innych praw, ale bliskość terytorialna spowodowała nieuniknione wzajemny wpływ. Uczeni - historycy sztuki - znajdują wiele rzeczy, które łączą Holendrów i Flamandzka martwa natura, zwracając uwagę na ich kardynalne różnice i unikalne cechy.

Martwa natura z wczesnymi kwiatami

„Czysty” gatunek martwej natury, który pojawił się w XVII wieku, bierze udział w Holandii specjalne formy a symboliczna nazwa „spokojne życie” – jeszcze równa. Pod wieloma względami holenderska martwa natura stała się odbiciem brutalna działalność Kompanii Wschodnioindyjskiej, która sprowadziła ze Wschodu luksusowe towary, których wcześniej nie widziano w Europie. Z Persji firma przywiozła pierwsze tulipany, które później stały się symbolem Holandii, a to właśnie kwiaty ukazane na obrazach stały się najpopularniejszą ozdobą budynków mieszkalnych, licznych biur, sklepów i banków.

Przeznaczenie mistrzowsko malowanych kompozycji kwiatowych było różnorodne. Ozdabiając domy i biura, podkreślały dobre samopoczucie ich właścicieli, a dla sprzedawców sadzonek kwiatów, cebulek tulipanów były tym, co dziś nazywa się wizualnym produktem reklamowym: plakatami i broszurami. Holenderska martwa natura z kwiatami jest więc przede wszystkim botanicznie dokładnym przedstawieniem kwiatów i owoców, jednocześnie wypełnionym wieloma symbolami i alegoriami. To najlepsze płótna całych warsztatów, na czele z Ambrosiusem Bosschaertem Starszym, Jakobem de Heinem Młodszym, Janem Baptistą van Fornenburgiem, Jacobem Woutersem Vosmarem i innymi.

Nakryte stoły i śniadania

Malarstwo w Holandii w XVII wieku nie mogło uciec przed wpływem nowego public relations i rozwoju gospodarczego. Holenderska martwa natura z XVII wieku opłacalny towar, i zorganizowano duże warsztaty do „produkcji” obrazów. Oprócz malarzy, wśród których pojawiła się ścisła specjalizacja i podział pracy, pracowali tam ci, którzy przygotowywali podstawy pod obrazy - deski lub płótna, zagruntowane, wykonane ramy itp. Ostra konkurencja, jak w każdej relacji rynkowej, doprowadziła do wzrostu w jakości martwych natur poziom bardzo wysoki.

Specjalizacja gatunkowa artystów przybrała także charakter geograficzny. kompozycja kwiatowa powstały w wielu holenderskich miastach - Utrecht, Delft, Haga, ale to Haarlem stał się centrum rozwoju martwych natur przedstawiających serwowane stoły, jedzenie i gotowe posiłki. Takie płótna mogą być zróżnicowane pod względem skali i charakteru, od złożonych i wielotematycznych po zwięzłe. Pojawiły się "Śniadania" - przedstawiające martwe natury holenderskich artystów różne etapy posiłki. Przedstawiają obecność osoby w postaci okruchów, ugryzionych bułek itp. Opowiedzieli ciekawe historie pełne aluzji i moralizatorskich symboli wspólnych dla ówczesnego malarstwa. Za szczególnie znaczące uważane są obrazy Nicholasa Gillisa, Florisa Gerritsa van Schotena, Clary Peters, Hansa Van Essena, Rulofa Kootsa i innych.

Tonalna martwa natura. Pieter Claesz i Willem Claesz Heda

Dla współczesnych symbole, którymi nasycona jest tradycyjna holenderska martwa natura, były istotne i zrozumiałe. Obrazy były podobne w treści do wielostronicowych książek i były za to szczególnie cenione. Ale istnieje koncepcja, która jest nie mniej imponująca zarówno dla współczesnych koneserów, jak i miłośników sztuki. Nazywa się to „tonalną martwą naturą”, a najważniejsze w nim są najwyższe umiejętności techniczne, zaskakująco wyrafinowana kolorystyka, niesamowita umiejętność przekazywania subtelnych niuansów oświetlenia.

Te cechy odpowiadają pod każdym względem płótnom dwóch czołowych mistrzów, których obrazy uważane są za najlepsze przykłady. tonalna martwa natura Opowiadanie: Pieter Claesz i Willem Claesz Head. Z niewielkiej liczby obiektów wybrali kompozycje pozbawione jasnych kolorów i szczególnej dekoracyjności, co nie przeszkodziło im w stworzeniu rzeczy o niesamowitej urodzie i wyrazistości, których wartość nie maleje z czasem.

Próżność

Temat przemijania życia, równości wobec śmierci króla i żebraka był bardzo popularny w literaturze i filozofii tego okresu przejściowego. A w malarstwie znalazła wyraz w obrazach przedstawiających sceny, których głównym elementem była czaszka. Gatunek ten nazwano vanitas - od łacińskiego „próżności marności”. Popularności martwych natur, podobnie jak traktatów filozoficznych, sprzyjał rozwój nauki i edukacji, której ośrodkiem był słynny w całej Europie uniwersytet w Leiden.

Vanitas zajmuje poważne miejsce w twórczości wielu ówczesnych mistrzów holenderskich: Jacoba de Geina Młodszego, Davida Geina, Harmena Stenwijka i innych. ważne sprawy istnienie.

Sztuczne obrazy

Od tamtej pory obrazy są najpopularniejszą ozdobą holenderskich wnętrz późne średniowiecze na które stać rosnącą populację miejską. Aby zainteresować kupujących, artyści uciekali się do różnych sztuczek. Jeśli pozwalały na to umiejętności, tworzyli „sztuczki” lub „trompe-l'oeil”, z francuskiego trompe-l „oeil - złudzenie optyczne. Chodziło o to, że typowa holenderska martwa natura to kwiaty i owoce, zepsuty ptak i ryby, czy przedmioty związane z nauką – książki, instrumenty optyczne itp. – zawierały zupełną iluzję rzeczywistości. Książka, która wysunęła się z przestrzeni obrazu i zaraz spadnie, mucha, która wylądowała na wazonie, który chcesz trzasnąć, to typowe wątki fałszywego obrazu.

Obrazy czołowych mistrzów martwej natury w stylu „tromple” - Gerarda Dou, Samuela van Hoogstratena i innych - często przedstawiają niszę wpuszczoną w ścianę z półkami, na których znajduje się wiele różnych rzeczy. Zręczność techniczna artysty w przekazywaniu faktur i płaszczyzn, światła i cienia była tak wielka, że ​​ręka sama sięgała po książkę lub szklankę.

Czas kwitnienia i czas zachodu słońca

W połowie XVII wieku główne odmiany martwej natury na obrazach mistrzów holenderskich osiągnęły swój szczyt. „Luksusowa” martwa natura staje się popularna, bo bogacenie się mieszczan rośnie, a bogate naczynia, szlachetne tkaniny i obfitość pożywienia nie wydają się obce we wnętrzach kamienicy czy bogatego wiejskiego majątku.

Obrazy powiększają się, zadziwiają ilością różnych faktur. Jednocześnie autorzy szukają sposobów na zwiększenie rozrywki dla widza. Aby to zrobić, tradycyjna holenderska martwa natura - z owocami i kwiatami, trofeami myśliwskimi i naczyniami z różnych materiałów - jest uzupełniona egzotycznymi owadami lub małymi zwierzętami i ptakami. Oprócz tworzenia zwykłych alegorycznych skojarzeń, artysta często wprowadzał je po prostu dla pozytywnych emocji, aby zwiększyć atrakcyjność komercyjną fabuły.

Mistrzowie „luksusowej martwej natury” – Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reykhals, Willem Kalf – stali się zwiastunami nadchodzącego czasu, w którym ważna stała się wzmożona dekoracyjność, wywołująca imponujące wrażenie.

Koniec złotego wieku

Zmieniały się priorytety i moda, wpływ dogmatów religijnych na wybór tematów przez malarzy stopniowo odchodził w przeszłość, samo pojęcie złotego wieku, które malarstwo holenderskie. Martwa natura weszła do historii tej epoki jako jedna z najważniejszych i najbardziej imponujących kart.

Holenderska martwa natura z XVI–XVII w. – osobliwość gra intelektualna, w którym widz został poproszony o rozwikłanie pewnych znaków. To, co współcześni łatwo czytali dzisiaj, nie jest jasne dla wszystkich i nie zawsze.

Co oznaczają przedmioty przedstawione przez artystów?

Jan Kalwin (1509-1564, francuski teolog, reformator kościoła, założyciel kalwinizmu) nauczał, że codzienne rzeczy mają ukryte znaczenie i że za każdym obrazem powinna kryć się lekcja moralna. Przedstawione w martwej naturze przedmioty są niejednoznaczne: miały budujący, religijny lub inny wydźwięk. Na przykład ostrygi uważano za symbol erotyczny, co było oczywiste dla współczesnych: ostrygi rzekomo pobudzały potencję seksualną, a bogini miłości Wenus narodziła się z muszli. Z jednej strony ostrygi wskazywały na światowe pokusy, z drugiej otwarta muszla oznaczała duszę gotową do opuszczenia ciała, czyli obiecywała zbawienie. Oczywiście nie było ścisłych zasad czytania martwej natury, a widz odgadł dokładnie te symbole na płótnie, które chciał zobaczyć. Ponadto nie można zapominać, że każdy element był częścią kompozycji i mógł być odczytywany na różne sposoby – w zależności od kontekstu i ogólnego przesłania martwej natury.

Do XVIII wieku bukiet kwiatów z reguły symbolizował kruchość, ponieważ ziemskie radości są tak przemijające jak piękno kwiatu. Symbolika roślin jest szczególnie złożona i niejednoznaczna, a popularne w Europie w XVI-XVII w. księgi emblematów, w których alegorycznym ilustracjom i mottom towarzyszyły teksty objaśniające, pomogły uchwycić znaczenie. Kompozycje kwiatowe nie były łatwe do interpretacji: ten sam kwiat miał wiele znaczeń, czasem wprost przeciwnych. Na przykład narcyz wskazywał na narcyzm i jednocześnie był uważany za symbol Matki Bożej. W martwych naturach z reguły zachowywano oba znaczenia obrazu, a widz miał swobodę wyboru jednego z dwóch znaczeń lub ich połączenia.

Kompozycje kwiatowe często uzupełniano owocami, drobnymi przedmiotami, wizerunkami zwierząt. Obrazy te wyrażały główną ideę dzieła, podkreślając motyw przemijania, więdnięcia, grzeszności wszystkiego, co ziemskie i niezniszczalności cnót.

Jan Davids de Heem.
Kwiaty w wazonie.

Na obrazie Jana Davidsza de Heem u podstawy wazonu artysta przedstawił symbole kruchości: zwiędłe i połamane kwiaty, kruszące się płatki i zaschnięte strąki grochu. Oto ślimak - kojarzy się z duszą grzesznika. W centrum bukietu widzimy symbole skromności i czystości: polne kwiaty, fiołki i niezapominajki. Otaczają je tulipany, symbolizujące przemijające piękno i bezsensowne marnotrawstwo (uprawa tulipanów była w Holandii uważana za jedno z najbardziej próżnych zajęć, a do tego nie tania); bujne róże i maki, przywodzące na myśl kruchość życia. Kompozycję wieńczą dwa duże kwiaty, które posiadają wartość dodatnia. Niebieska tęczówka reprezentuje odpuszczenie grzechów i wskazuje na możliwość zbawienia przez cnotę. Czerwony mak, tradycyjnie kojarzony ze snem i śmiercią, zmienił swoją interpretację ze względu na swoje położenie w bukiecie: tutaj symbolizuje zadość czyniącą ofiarę Chrystusa.

Inne symbole zbawienia to kłoski chleba, a motyl siedzący na łodydze symbolizuje nieśmiertelną duszę.

Jana Baumana.
Kwiaty, owoce i małpa. Pierwsza połowa XVII wieku.

Obraz Jana Baumana „Kwiaty, owoce i małpa” jest dobrym przykładem semantycznego nawarstwienia i wieloznaczności martwej natury i znajdujących się na niej przedmiotów. Na pierwszy rzut oka połączenie roślin i zwierząt wydaje się przypadkowe. W rzeczywistości ta martwa natura przypomina również o przemijaniu życia i grzeszności ziemskiej egzystencji. Każdy przedstawiony obiekt przekazuje pewną ideę: ślimak i jaszczurka w tym przypadku wskazują na śmiertelność wszystkiego, co ziemskie; tulipan leżący obok miski z owocami symbolizuje szybkie więdnięcie; muszle rozrzucone na stole wskazują na stratę pieniędzy; a małpa z brzoskwinią wskazuje na grzech pierworodny i zepsucie. Z drugiej strony fruwający motyl i owoce: kiście winogron, jabłka, brzoskwinie i gruszki - mówią o nieśmiertelności duszy i zadość czyniącej ofierze Chrystusa. Na innym, alegorycznym poziomie przedstawione na obrazie owoce, owoce, kwiaty i zwierzęta reprezentują cztery żywioły: muszle i ślimaki - wodę; motyl - powietrze; owoce i kwiaty - ziemia; małpa jest ogniem.

Martwa natura w sklepie mięsnym

Petera Artsena.
Sklep mięsny, czyli kuchnia z ucieczką do Egiptu. 1551

Z ideą tradycyjnie kojarzony był wizerunek sklepu mięsnego życie fizyczne, personifikacja żywiołów ziemi, a także obżarstwo. Na obrazie Petera Aartsena

prawie całą przestrzeń zajmuje stół zastawiony jedzeniem. Widzimy wiele rodzajów mięsa: zabity drób i rozbite tusze, wątróbki i szynki, szynki i kiełbasy. Obrazy te symbolizują nieumiarkowanie, obżarstwo i przywiązanie do cielesnych przyjemności. Skupmy się teraz na tle. Po lewej stronie obrazu w otworze okiennym umieszczona jest ewangeliczna scena ucieczki do Egiptu, która ostro kontrastuje z martwą naturą na pierwszym planie. Dziewica Maryja podaje biednej dziewczynie ostatni kawałek chleba. Zwróć uwagę, że nad naczyniem znajduje się okno, na którym leżą na krzyż dwie ryby (symbol ukrzyżowania) - symbol chrześcijaństwa i Chrystusa. Po prawej w głębi tawerna. Wesołe towarzystwo siedzi przy stole przy ognisku, popijając i jedząc ostrygi, które, jak pamiętamy, kojarzą się z pożądaniem. Obok stołu wisi zmasakrowane zwłoki, wskazujące na nieuchronność śmierci i przemijalność ziemskich radości. Rzeźnik w czerwonej koszuli rozcieńcza wino wodą. Ta scena odzwierciedla główną ideę martwej natury i nawiązuje do przypowieści o syn marnotrawny. Scena w karczmie, jak i masarnia pełna jedzenia, mówi o próżnym, rozpustnym życiu, przywiązaniu do przyjemności ziemskich, przyjemnych dla ciała, ale zgubnych dla duszy. W scenie ucieczki do Egiptu bohaterowie są praktycznie odwróceni tyłem do widza: wnikają głębiej w obraz, oddalają się od masarni. To metafora ucieczki od rozpustnego życia pełnego zmysłowych uciech. Rezygnacja z nich jest jednym ze sposobów na ocalenie duszy.

Martwa natura w sklepie rybnym

Martwa natura z rybą jest alegorią żywiołu wody. Dzieła takie, podobnie jak jatki, często wchodziły w skład tzw. cyklu elementarnego i powstawały z reguły do ​​dekoracji pałacowych jadalni. Na pierwszym planie obrazu Fransa Snydersa „Sklep rybny” przedstawionych jest wiele ryb. Są tu okonie i jesiotry, karasie, sumy, łososie i inne owoce morza. Część już wycięta, część czeka na swoją kolej. Te wizerunki ryb nie mają żadnego podtekstu – śpiewają o bogactwie Flandrii.

Fransa Snydersa.
Sklep rybny. 1616

Obok chłopca widzimy kosz z prezentami, które otrzymał na Mikołajki. Wskazują na to przywiązane do kosza drewniane czerwone buty. Oprócz słodyczy, owoców i orzechów w koszyku znajdują się wędliny – jako namiastka wychowania z „marchewką i kijem”. Zawartość koszyka mówi o radościach i smutkach ludzkiego życia, które nieustannie się zastępują. Kobieta wyjaśnia dziecku, że posłuszne dzieci otrzymują prezenty, a złe dzieci otrzymują karę. Chłopiec cofnął się przerażony: pomyślał, że zamiast cukierków dostanie ciosy rózgami. Po prawej stronie widzimy otwór okienny, w którym widać plac miejski. Grupa dzieci stoi pod oknami i radośnie pozdrawia marionetkowego błazna na balkonie. Błazen jest nieodzownym atrybutem świąt ludowych.

Martwa natura z nakrytym stołem

W licznych wariacjach nakrycia stołu na płótnach holenderskich mistrzów widzimy chleb i placki, orzechy i cytryny, kiełbaski i szynki, homary i raki, potrawy z ostryg, ryby czy puste muszle. Możesz zrozumieć te martwe natury w zależności od zestawu obiektów.

Gerrit Willems Heda.
Szynka i sztućce. 1649

Na obrazie Gerrita Willemsa Hedy widzimy naczynie, dzbanek, wysoki szklany kielich i przewrócony wazon, garnek musztardy, szynkę, zmiętą serwetkę i cytrynę. To tradycyjny i ulubiony zestaw Khedy. Lokalizacja obiektów i ich dobór nie są przypadkowe. Srebrne sztućce symbolizują ziemskie bogactwa i ich daremność, szynka – cielesne przyjemności, atrakcyjne z wyglądu, a kwaśne wnętrze cytryny reprezentuje zdradę. Zgaszona świeca wskazuje na kruchość i przemijalność. ludzka egzystencja, bałagan na stole - do zniszczenia. Wysoki szklany „flet” (w XVII wieku służył jako miarka z oznaczeniami) jest kruchy, jak życie człowieka, a jednocześnie symbolizuje umiar i zdolność osoby do kontrolowania swoich impulsów. Ogólnie rzecz biorąc, w tej martwej naturze, podobnie jak w wielu innych „śniadaniach”, za pomocą przedmiotów rozgrywa się temat próżności marności i bezsensowności ziemskich przyjemności.

Piotr Klas.
Martwa natura z kociołkiem, śledziem, ostrygami i fajka. 1624

Większość przedmiotów przedstawionych na martwych naturach Pietera Claesza to symbole erotyczne. Ostrygi, fajka, wino odnoszą się do krótkich i wątpliwych przyjemności cielesnych. Ale to tylko jedna z wersji czytania martwej natury. Spójrzmy na te obrazy z innej perspektywy. Tak więc muszle są symbolami kruchości ciała; fajka, z której nie tylko palili, ale także dmuchali bańka, - symbol nagłej śmierci. Współczesny Claesowi, holenderski poeta Willem Godschalk van Vockenborch, w wierszu „Moja nadzieja to dym” napisał:

Jak widać, bycie jest jak palenie fajki,
A jaka jest różnica - naprawdę nie wiem:
Jeden to tylko bryza, drugi to tylko dym.

Temat przemijania ludzkiej egzystencji przeciwstawia się nieśmiertelności duszy, a oznaki ułomności okazują się nagle symbolami zbawienia. Chleb i kieliszek wina w tle kojarzą się z ciałem i krwią Jezusa i wskazują na sakrament sakramentu. Śledź - kolejny symbol Chrystusa - przypomina o poście i chude jedzenie. A otwarte muszle z ostrygami mogą zmienić swoje negatywne znaczenie na dokładnie przeciwne, oznaczające ludzka dusza oddzielone od ciała i gotowe do wejścia życie wieczne.

Różne poziomy interpretacji przedmiotów dyskretnie mówią widzowi, że człowiek zawsze ma swobodę wyboru między tym, co duchowe, a tym, co wieczne, a tym, co ziemskie, przemijające.

Vanitas, czyli „naukowiec” martwa natura

Gatunek tzw. „uczonych” martwych natur nazwano vanitas – po łacinie oznacza to „marność nad marnościami”, innymi słowy – „memento mori” („pamiętaj o śmierci”). To najbardziej intelektualny typ martwej natury, alegoria wieczności sztuki, kruchości ziemskiej chwały i ludzkiego życia.

Juriana van Strecka.
Próżność. 1670

Miecz i hełm z luksusowym pióropuszem na obrazie Juriana van Strecka wskazują na przemijanie ziemskiej chwały. Róg myśliwski symbolizuje bogactwo, którego nie można zabrać ze sobą do innego życia. W „naukowych” martwych naturach często pojawiają się wizerunki otwartych książek lub niedbale leżących papierów z napisami. Nie tylko zachęcają do myślenia o przedstawionych przedmiotach, ale także pozwalają używać ich zgodnie z ich przeznaczeniem: czytać otwarte strony lub wykonywać to, co jest napisane notatnik muzyczny muzyka. Van Streck naszkicował głowę chłopca i otwarta książka: To jest tragedia Sofoklesa „Electra”, przetłumaczona na język niderlandzki. Te obrazy wskazują, że sztuka jest wieczna. Ale strony książki są pogięte, a rysunek jest wgnieciony. Są to oznaki początku zniszczeń, sugerujące, że nawet sztuka nie będzie przydatna po śmierci. Czaszka również mówi o nieuchronności śmierci, ale owinięty wokół niej kłos chleba symbolizuje nadzieję na zmartwychwstanie i życie wieczne. W połowie XVII wieku czaszka spleciona z kłosem chleba lub wiecznie zielonym bluszczem stała się obowiązkowym tematem przedstawiania martwych natur w stylu vanitas.