Historia tańców XX wieku. Tańce historyczne i codzienne

Dwa taneczne światy na jednym schemacie: najmodniejsze tańce salonów i dyskotek oraz najśmielsze zjawiska choreograficzne od 100 lat

1900
Matchish

Matchish w wykonaniu Vernona i Irene Castle. 1915

To fragment niemego filmu bez tytułu, w którym znani aktorzy i tancerze amerykańscy Vernon i Irene Castle tańczą matchish. Muzyka nałożona na wideo to matchish zatytułowany „Dengoso” autorstwa brazylijskiego kompozytora Ernesto Nazaretha, nagrany w USA mniej więcej w tym samym czasie, w którym kręcono film.

Matchish (port. maxixe) urodził się w brazylijskiej prowincji pod koniec lat 60. XIX wieku. Partnerzy poruszali się szybkim, poślizgowym krokiem, co jakiś czas krążyli i przytulali się - a partner przyciskał do siebie plecy partnera. Jak na tamtą stateczną epokę taniec, oparty na afro-latynoskich rytmach, wydawał się ognisty, „lubieżny”. Na przełomie XIX i XX wieku matchish rozpowszechnił się w Rio de Janeiro, a w przededniu I wojny światowej utwór w rytmie matchish grały już wszystkie pianina mechaniczne w amerykańskich salonach i europejskich kawiarniach. Moda dotarła także do Rosji - pisał Władimir Majakowski:

A więc
Dziś
od rana
w duszy
hit matchish usta.
Chodziłem trzęsąc się
rozłożyć ręce,
i wszędzie na dachach tańczyły trąby,
a każde kolano rzuciło 44!

Prekursorzy tańca nowoczesnego

Loie Fuller wykonuje taniec serpentyn. 1902

Zwyczajowo rozpoczyna się historię tańca nowoczesnego od amerykańskiego tańca nowoczesnego. Poprzedziła ją jednak praca czterech niezależnych tancerzy, z których każdy przeszedł do historii jako zwiastun (prekursor) nowoczesności. Ich główny cel miał udowodnić, że choreografia może być poważną formą sztuki, a taniec to nie tylko widowisko. Najsłynniejsza z nich, Isadora Duncan, uważała, że ​​taniec powinien rozwijać się naturalnie, zgodnie z indywidualnością wykonawcy – wystarczy wsłuchać się w swoje ciało i jego impulsy. Stał się znany jako taniec swobodny. Jej starszy kolega Loi Fuller, który wymyślił dziesiątki sposobów na uczynienie światła i koloru ważną częścią choreografii, miał poważny wpływ na rozwój nie tylko tańca, ale także grafiki scenicznej. Ruth St. Denis otworzyła Denishawn w Stanach Zjednoczonych, pierwszą szkołę, w której systematycznie nauczano różne rodzaje ruchy, od baletu po jogę. Niemal wszyscy przyszli mistrzowie tańca nowoczesnego to absolwenci Denishawn. Ponadto jej uczniów chętnie zabierano na statystów do hollywoodzkich filmów, a niektórzy, jak Louise Brooks, zostali gwiazdami filmów niemych. Czwartym zwiastunem jest Maud Allan, której Salome była szokiem dla ówczesnej publiczności. Ogólnie o jej stylu wiadomo całkiem sporo, ówczesna prasa zwracała znacznie większą uwagę na te z nią związane. skandaliczne historie- np. gdy pozwała angielskiego polityka, który oskarżył ją o homoseksualizm i powiązania z niemieckimi szpiegami.

1910
Tango

Rudolph Valentino i Beatriz Dominguez tańczą tango w Czterech jeźdźcach apokalipsy Rexa Ingrama. 1921

Film jest niemy, a grająca tu muzyka to tango „La Cumparsita”, napisane w 1916 roku przez urugwajskiego kompozytora Gerardo Rodrigueza.

Tango narodziło się w robotniczych dzielnicach Buenos Aires; jednym z jej źródeł była habanera, kubański taniec ludowy. Tango szybko podbiło cały świat. Nie ostatnią rolę odegrało w tym połączenie namiętności i przemocy, co w pełni przejawiało się w „okrutnym” tangu, czyli apache tango, gdzie partner macho pochylał się i rzucał swoją panią, jakby chciał ją zabić. Przed I wojną światową tango było ujarzmiane i dopracowywane na mieszczańskich salonach, ale zachowało swój erotyzm, obraz ledwie powstrzymywanej żądzy, „płomienia w lodzie”.

Tangomania zawładnęła Europą tak bardzo, że papież wydał specjalną bullę zakazującą tanga. Niemniej sława tanga rosła, w niemałej mierze za sprawą kina niemego, w którym błyszczał piękny tanguero Rudolf Valentino.

Taniec ekspresjonistyczny

„Monument to the Dead” w reżyserii Mary Wigman. 1929

Równolegle z Ameryką taniec rozwijał się w Europie, ale według innego scenariusza. Kierunek, który powstał w Szwajcarii i Niemczech na początku XX wieku, nazywany jest tańcem ekspresjonistycznym (Ausdruckstanz) lub niemieckim modernem. Tancerze i choreografowie wraz z innymi filozofami i artystami szukali sposobów wyrażenia nowego postrzegania świata i nowych znaczeń poprzez ruch i interakcję z przestrzenią. Kompozytor Emile Jacques-Dal-Croze wymyślił rytm: na lekcjach solfeżu odkrył, że jego uczniowie lepiej uczą się materiału, jeśli poruszają się razem z muzyką, i zaczął rozwijać system, który koreluje rytm i ruch. Rudolf Laban przeanalizował ruch ciała w przestrzeni i wynalazł sposób zapisu tańca na papierze, który jest używany do dziś (nazywa się to labanotacją). Jego uczniowie, Mary Wigman (twórczyni rytuałów tanecznych typu „Dance Song” do słów Nietzschego) i Kurt Joss, rozwinęli taniec ekspresjonistyczny, nawiązujący do trudnej powojennej codzienności, tematyki śmierci, przemocy, rozpaczy.

1920
Fokstrot

Klip Foxtrot zmontowany przez historyka tańca Waltera Nelsona na podstawie materiałów archiwalnych z lat 20. i 30. XX wieku

Istnieje kilka wersji pochodzenia fokstrota. Według jednego z nich, wymyślił go reżyser wodewilu Charles Fox - i taniec nosi jego imię. Według innej wersji fokstrot (angielski fokstrot - „lisi krok”) odnosi się do grupy tak zwanych tańców zwierzęcych, które pojawiły się w Ameryce przed pierwszą wojną światową. Są to zabawne tańce w parach, które tańczą-wa-li do ragtime'u (muzyka Afroamerykanów z południowych stanów i środkowego zachodu), naśladując ruchy zwierząt i ptaków (były np. , „Uścisk królika”, „Niedźwiedź grizzly” itp.).

Sercem fokstrota jest prosty krok do przodu, do tyłu lub na boki. Dwa „długie” lub „wolne” kroki są zastępowane dwoma krótkimi i szybkimi. Dlatego fokstrot jest czasami uważany za połączenie powolnego jednoetapowego (jednoetapowego) z szybkim dwuetapowym (dwuetapowym).

W latach dwudziestych XX wieku fokstrot stał się popularny na całym świecie, przenosząc się do Europy i Rosji - na przykład poeta Andrei Bely na początku lat dwudziestych studiował fokstrota na lekcjach tańca w Berlinie.

Taniec nowoczesny

Aria on the G String autorstwa Augusta Wilhelmy'ego w choreografii Doris Humphrey. 1934

Wychodząc od twórczości prekursorów, twórcy nowoczesności poszukiwali tanecznego języka, w którym można by mówić nie tylko o uczuciach i zjawiskach przyrody, ale także o poważnych problemach, które nurtują autora i jemu współczesnych – o miłości, wojnie , niesprawiedliwość, impotencja.

Założycieli tańca nowoczesnego nazywani są czterema choreografami, tzw. wielką czwórką. Trzech z nich było absolwentami szkoły Ruth St. Denis „Denishown”, ale pod koniec lat 20. pracowali już na własną rękę. I bardzo udany. Najbardziej znaną z nich jest Marta Graham. Stworzyła własną technikę, która opiera się na zmianie kompresji i relaksacji („skurcz – rozluźnienie”), uwolnieniu ciała tancerki, otworzyła najbardziej utytułowaną grupę tańca współczesnego XX wieku i została autorką ponad sto produkcji. Druga, Doris Humphrey, opracowała technikę powrotu do zdrowia po upadku, opartą na zasadach grawitacji i naturalnej grawitacji ciała. Humphrey pracował z trzecim członkiem Wielkiej Czwórki, Charlesem Wademanem. Hanya Holm jest uczennicą Mary Wigman i jedyną Niemką w tej firmie; trafiła do Ameryki w 1931 roku, kiedy Wigman zaproponował jej kierowanie jej szkołą w Nowym Jorku.

1930
Lindy Hop

Lindy Hoppers Whitey'ego tańczą Lindy Hop w Take the Hit Johna Kleina. 1939

Lindy hop to najtrudniejsza forma swingu, a swing (z angielskiego swing - „swing”) - Nazwa zwyczajowa tańce do północnoamerykańskiego jazzu, który pojawił się w związku z pojawieniem się wielkich orkiestr jazzowych: ich gra była bardziej dźwięczna niż małych zespołów jazzowych, a tancerzy dosłownie „swing-wa-la”. To była taka orkiestra, która grała na przykład w Savoy Ballroom, tańczącym sercu Harlemu.

Lindy Hop to pierwszy taniec towarzyski z elementami akrobatycznymi. Podobnie jak inne tańce ragtime i jazz, szybko został zauważony przez producentów z Broadwayu i Hollywood. Powstały zespoły muzyków i tancerzy (jednym z najbardziej znanych jest Whitey's Lindy Hoppers), którzy występowali na scenie i grali w filmach. Tak więc urodzony w Harlemie Lindy Hop wyruszył w podróż po świecie.

Balet neoklasyczny

„Serenada” w wykonaniu New York City Ballet. Choreografia: George Balanchine, muzyka: Piotr Czajkowski

Balet klasyczny osiągnął apogeum w przedstawieniu Śpiącej królewny Mariusa Petipy w 1890 roku: nie można było już stworzyć czegoś większego i bardziej luksusowego. Nowy kierunek dla baletu klasycznego wyznaczył Michaił Fokin, zwracając się do małej formy i rezygnując z fabuły (jak w "Chopinianie" z 1907 roku). Następny krok zrobił Fedor Lopukhov ze swoją taneczną symfonią bez fabuły „The Greatness of the Universe”. W tym spektaklu wziął udział młody George Balanchivadze. Kilka lat później znalazł się na Zachodzie, za radą Diagilewa został Balanchine'em, a następnie w 1933 roku przeniósł się do Ameryki, gdzie stworzył kierunek, który ostatecznie stał się znany jako balet neoklasyczny. Jeśli jednak poczytasz badaczy europejskich, nazywają oni innego emigranta z Rosji Sowieckiej, Serge'a Lifara, ojca baletu neoklasycznego. Obaj operowali słownictwem baletu klasycznego, upraszczali kostiumy i scenografię, skłaniali się w stronę małych form i braku fabuły, więc być może nie jest tak ważne, który z nich był pierwszy, zwłaszcza że ich kariera w W tym samym czasie rozwijał się Zachód. Ważna jest jeszcze jedna rzecz: balet neoklasyczny to jeden z najpotężniejszych trendów XX wieku. Maurice Béjart i Roland Petit byli czasami wystawiani w tym stylu, ale William Forsyth i Wayne McGregor odegrali naprawdę poważną rolę w jego promocji w XXI wieku.

1940
Samba

Carmen Miranda wykonuje piosenkę „Kai Kai” w filmie Irvinga Cummingsa That Night in Rio. 1941
Brazylijskie rytmy nie raz podbijały świat: na początku XX wieku była to matchish, a na początku lat 40. była to samba.

Kultura muzyczno-taneczna byłych niewolników z Afryki Zachodniej w Brazylii została dość wcześnie zintegrowana z dominującą kulturą katolicką. W praktyce oznaczało to, że zachodnioafrykańskie bóstwa zostały zastąpione chrześcijańskimi świętymi, a procesje religijne zamieniły się w barwny wielokulturowy karnawał. Samba narodziła się z tradycyjnego rytuału, w którym ludzie (głównie kobiety) wpadali w trans, jakby opętani przez duchy. Taniec pojawił się po raz pierwszy w procesjach karnawałowych w 1917 roku i szybko stał się nieodzowną częścią uroczystości w Rio. Rywalizacja w tym tańcu odbywała się na specjalnych sambodromach wielkości dobrego stadionu. Taniec zyskał światową popularność dzięki śpiewaczce, aktorce i tancerce Carmen Mirandzie (1909-1955), którą nazywano „brazylijską bombą”. Urodzona w Portugalii, wcześnie przeniosła się do Brazylii, a od 1939 mieszkała w Stanach Zjednoczonych, występowała na Broadwayu i występowała w Hollywood. Filmy z jej udziałem, takie jak „Tamtej nocy w Rio” (1941), „Weekend w Hawanie” (1941) i „Zgromadzony cały gang” (1943), stały się ujściem dla ludzi w czasie wojny.

Samba jest tańczona do synkopowanego rytmu 4/4 z krokami do przodu i do tyłu oraz wahadłowymi, wahadłowymi ruchami.

Merce Cunninghama

„Camera Beach Birds” w wykonaniu Merce Cunningham Dance Company. Choreografia: Merce Cunningham, muzyka: John Cage, adaptacja wideo: Elliot Kaplan. 1993

Merce Cunningham jest często nazywany modernistą lub postmodernistą, ale raczej uciekał od jednego i inspirował drugiego, a sam pozostał odrębną postacią w historii tańca amerykańskiego.

Cunningham zaczął tańczyć z trupą Marthy Graham, ale po sześciu latach pracy znienawidził zarówno technikę Graham, jak i jej koncepcję ruchu – i już w latach 40. opuścił ją i stworzył własny zespół, w którym jego partnerem był kompozytor John Cage. W Cage Cunningham postawił zasadę losowości, czyli aleatoryki: na przykład w Cage kości wyznaczały kolejność okresów w utwór muzyczny, aw Canning-gem - kolejność scen tanecznych i który z wykonawców którą partię zatańczy. Zasada ta w pełni odpowiadała idei Cunninghama o potrzebie zniszczenia nawykowych wzorców, porzucenia naturalnych i wyuczonych ruchów. Pod koniec życia Cunningham zainteresował się technologią komputerową - zaczął tworzyć choreografię nie w sali, ale w programach Life Forms i DanceForms, a następnie zaproponował swoim artystom wcielenie jej na scenie.

Cunningham uważał, że na scenie wszystkie rodzaje sztuki powinny współistnieć na równych prawach, a nie być podporządkowane jednej rzeczy – tańcowi. Współpracował z artystami awangardowymi: Cage pisał muzykę, Warhol często wymyślał kostiumy, a Robert Rauschenberg tworzył scenografię. W tym samym czasie każdy pracował, nie wiedząc, co robi drugi. Wszyscy razem po raz pierwszy zebrali się już w obecności publiczności. Nawet artyści często dowiadywali się, jakie ruchy iw jakiej kolejności mają wykonać, dopiero na kilka minut przed premierą, a muzykę po raz pierwszy można było usłyszeć dopiero na scenie.

Początkowo trupa Cunninghama dawała jeden występ rocznie. Oczywiście nie przyniosło to wystarczającej ilości pieniędzy. Wtedy z pomocą przybyli przyjaciele i podobnie myślący ludzie - na przykład Rauschenberg mógł szybko zorganizować wystawę, sprzedać wszystkie obrazy i przekazać pieniądze na rozwój trupy.

1950
Rock'n'roll

Rock 'n' roll z utworu „Don't Knock the Rock” Freda F. Searsa. 1956

Po wojnie pojawiła się cała plejada muzyków grających coś w rodzaju przyspieszonego bluesa. Ale pierwszych nagrań nie nazywano jeszcze rock and rollem, lecz uważano za odmianę rytmu i bluesa, który w konserwatywnej Ameryce był silnie kojarzony z muzyką Afroamerykanów. Zgodnie z powszechnym przekonaniem, słowo „rock and roll” w tym znaczeniu zostało po raz pierwszy użyte przez prezentera radiowego Alana Frieda, aby wyemitować, w tym dla białej publiczności, piosenki Chucka Berry'ego, Little Richarda, Elvisa Presleya i Jerry'ego Lee Lewisa ( jak na ironię, w afroamerykańskim slangu „rock and roll” nazywano seksem).

Tańczyli do nowej muzyki, wykorzystując wszystkie ruchy tańców swingowych, ale bardziej energicznie iz rytmem jeszcze improwizacja. Hollywoodzkie filmy Rock Around the Clock, Don't Knock the Rock i The Girl Can't Help It (wszystkie wydane w 1956 roku) ostatecznie zmieniły powojenne pokolenie w pokolenie rock'n'rolla. Ani w Europie, ani w ZSRR nie mogli się oprzeć porywającym rytmom: nawet zespół Igora Moisejewa tańczył rock and rolla – jednak w formie parodii „mieszczańskich obyczajów” i pod ironicznym tytułem „Powrót do małpy”.

Maurice'a Bejarta i belgijskich choreografów

Święto wiosny w reżyserii Maurice'a Béjarta. 1959

Maurice Bejart to najważniejsza postać zarówno dla baletu, jak i tańca nowoczesnego. Pracował we Francji, Belgii i Szwajcarii, a mimo bliskości ZSRR współpracował z Mają Plisiecką, Jekateriną Maksimową i Władimirem Wasiljewem. W Belgii mieszkał przez 30 lat, począwszy od 1959 roku, kiedy zdesperowany w oczekiwaniu na uznanie i pomoc władz francuskich, Bejart przyjął zaproszenie dyrektora Theatre de la Monnaie do stworzenia zespołu baletowego w Brukseli. Jego pierwszą premierą w nowym miejscu było legendarne już Święto wiosny.

Można powiedzieć, że dzięki Maurice'owi Bejartowi taniec nowoczesny powstał w Belgii: w 1970 roku stworzył w Brukseli interdyscyplinarną szkołę choreografii Mudra, w której nauczano baletu klasycznego, muzyki, śpiewu, sztuk walki i aktorstwa. Jej absolwentka Anne Teresa de Kers-Maker stała się jedną z najsilniejszych współczesnych belgijskich choreografek, aw 1995 roku otworzyła kolejną kultową szkołę P.A.R.T.S. (Studia badawcze i szkoleniowe w zakresie sztuk widowiskowych). W częściach. kształcą także artystów „syntetycznych”, dodając do zestawu „Mudrę” repertuar choreografów XX wieku – od Williama Forsythe'a po Pinę Bausch.

Dziś Belgia jest jednym z centrów tańca nowoczesnego, którego zespoły i szkoły marzą o dostaniu się do artystów z całego świata. Jednocześnie nie ma belgijskiej szkoły tańca jako takiej – każdy choreograf ma swój własny styl. Na przykład Anne Teresa de Kersmaeker bada związek między muzyką a choreografią, a także geometryczne wzory tańca; Wim Vandekeybus przenosi taniec do filmu, będąc liderem w świecie tańca filmowego; Sidi Larbi Cherkaoui łączy w swoich pracach kultury Wschodu i Zachodu.

1960
Skręcać

T wista do „Let's Twist Again” w wykonaniu Chubby Checker

Twist zaczął tańczyć pod koniec lat 50., ale po tym, jak 19-letni Afroamerykanin Chubby Checker (prawdziwe nazwisko Ernest Evans) wykonał piosenkę „The Twist” z amerykańską estradą w 1960 r., Ameryka dosłownie oszalała (to zjawisko - chwilową i krótkotrwałą popularność tańca - nadano mu nawet miano tanecznego szaleństwa), a za nim cały świat. Trzy lata później Checker ugruntował swój sukces singlem „Let's Twist Again”.

Twist zakończył długą ewolucję tańców klubowych, które stopniowo przechodziły od tańca w bliskim kontakcie z partnerem do tańca indywidualnego. Nawet w rock and rollu para trzymała się za ręce (nawet jeśli dotykała się tylko opuszkami palców), aw skręcie partner nie jest już w zasadzie potrzebny. I co najważniejsze, taniec był niezwykle prosty do wykonania: podpierającą nogą trzeba wykonać ruch, jakby miażdżył niedopałek papierosa podeszwą; podczas gdy druga noga macha. Biodra są włączone w ruch, a ręce pracują tak, jakby pocierały plecy ręcznikiem po prysznicu. Między innymi ruchy te nie wymagają dużo miejsca: twist można zatańczyć we własnej sypialni lub w ciasnym klubie nocnym.

taniec postmodernistyczny

„Wodny silnik” Trishy Brown. 1978

W przeciwieństwie do wielu innych zjawisk w sztuce taniec postmodernistyczny ma swoją datę urodzenia. Jest 6 lipca 1962 roku, w dniu, w którym Kościół Baptystów Judson Memorial zorganizował „ koncert taneczny()”, w którym studenci klasy kompozycji Roberta Dunna pokazali swoje dzieła powstałe w ciągu dwóch lat zajęć. Nazywali siebie postmodernistami, wyrzekając się tym samym znienawidzonego tańca nowoczesnego, który ich zdaniem zamiast całkowicie z nich rezygnować, zastępował stare zasady nowymi. Słynny „No Manifesto”, napisany przez jedną z najwybitniejszych przedstawicielek tego nurtu, Yvonne Rainer, mówi o wyzwoleniu: nie trzeba tańczyć dla publiczności, nie trzeba się uczyć i umieć tańczyć, by wyrażaj swoje uczucia, nie musisz bawić się w księżniczki czy bohaterów, nie tańcz, by opowiadać historie. Żyj ze sobą, tu i teraz. Tańcz w parku, reaguj tańcem na to, co dzieje się wokół, eksperymentuj.

lata 70
Gwar

Klip „The Hustle” autorstwa Van McCoy. lata 70

Muzycznie styl tańca disco (z angielskiej płyty – „płyta winylowa”) ukształtowało się na przełomie lat 60. i 70., kiedy to zamiast zespołów jazzowych i rockowych grających muzykę na żywo, w klubach zaczęto grać winyle. Klub nocny w Paryżu, przy Rue Yuchette, w którym zgromadzono całą bibliotekę płyt, zaczęto nazywać „Disco”. Styl disco wchłonął wiele różnych wpływów: jazz, rhythm and blues, soul, gospel, latino, dzięki czemu każdy mógł znaleźć w nim coś dla siebie. Pokoleniu samotników, „jednostek zatomizowanych”, nie mogło się nie podobać fakt, że dyskotekę można tańczyć bez kontaktu fizycznego, a tancerz ma pełną swobodę działania. Muzycy, którzy stworzyli ten styl to Donna Summer, Gloria Gaynor, Van McCoy, Bee Gees.

Dyskotekowy przebój Van McCoya „The Hustle” dał początek tańcowi o tej samej nazwie (który jednak zwykle tańczy się w parach). Hustle zawiera rytmy latynoamerykańskie, a jego struktura rytmiczna jest podobna do dwuetapowych lub lindy-hopowych tańców, w których na każdy takt wykonuje się dwa kroki. Podstawową strukturę kroków uzupełniają ruchy improwizowane, co sprawia, że ​​każda tańcząca para jest wyjątkowa, niepodobna do żadnej innej.

Pina Bausch

Café Müller w reżyserii Piny Bausch. lata 80

Pina Bausch to prawdopodobnie najsłynniejsza choreografka XX wieku. Była uczennicą Kurta Jossa, a później solistką jego Folkwang Ballet. Tam zaczęła samodzielnie wymyślać dla siebie choreografię (według niej nie zamierzała zostać choreografką, ale chciała więcej tańczyć), a w 1969 roku została dyrektor artystyczny teatr. W 1973 roku została zaproszona do poprowadzenia trupy baletowej Opera w Wuppertalu, a wkrótce trupa podzieliła się na osobny zespół taneczny - Wuppertal Dance Theatre. Teatr tańca to gatunek wymyślony przez Kurta Jossa, który łączy balet, operę i dramat na scenie. W spektaklach Piny Bausch artystka potrafi tańczyć, a za chwilę chwycić za akordeon i zaśpiewać. Lub zapalić i zacząć mówić o swoim dzieciństwie. Pina często prosiła swoich artystów, aby zastanowili się nad czymś i pokazali swoją historię na następnej próbie. Z takich skrawków mogłaby ułożyć całe przedstawienie.

Teatr Tańca Piny Bausch zasłynął z baletu „Święto wiosny”, który wystawiła na samym początku istnienia zespołu (choreografowie przychodzą do niego zwykle dopiero u szczytu kariery). W jej wersji eksplorowane jest zderzenie człowieka ze społeczeństwem: w scenie poświęcenia Wybrana, w przeciwieństwie do wersji klasycznej, nie jest gotowa oddać życia w imię żyzności ziemi, lecz walczy do ostatniego o jej prawo głosu. Oczywiście widzowie nie mogli nie być pod wrażeniem jednego z rozwiązań scenograficznych: aktorzy Teatru Tańca tańczą dosłownie wysmarowani ziemią.

W 2011 roku Wim Wenders wydała film Pina, który uczynił ją najsłynniejszą choreografką tańca współczesnego.

lata 80
Hip hop

Afrika Bambaataa i The Soul Sonic Force z „Planet Rock”. 1982

W latach 70. DJ-e zaczęli nie tylko odtwarzać płyty na gramofonach, ale używać gramofonów do tworzenia muzyki (na przykład poprzez powtarzanie niektórych fragmentów muzycznych z płyt). W radiu grali DJ-e; zabrzmiała nowa, elektroniczna muzyka. W Nowym Jorku, w południowym Bronksie, powstał pierwszy styl hip-hopowy - breakdance, break. Ten atletyczny taniec łączył szybką pracę nóg z akrobatycznymi obrotami głowy, pleców i ramion. Towarzyszyły im przerywane, robotyczne ruchy zamrażania (z angielskiego freeze – „freeze-freeze”) i blokowania, a także płynniejsze ruchy pukania – jakby prąd elektryczny przepływał przez różne części ciała. Po b-boyach (Crazy Legs, Prince Ken Swift, Orko) pojawiły się b-girls (jedna z pierwszych pochodziła z Japonii, Masami).

W latach 80. wraz z popularnym rapem na parkiety wkroczyła tzw. stara szkoła hip-hopu – bardziej inkluzywna, z większym naciskiem na pracę nóg niż na akrobacje; pojawiają się nowe pas: robocop, królik roger, biegacz.

Nowy taniec francuski i nie-taniec

Zwiastowanie Angelin Preljocaj. 1996

We Francji taniec nowoczesny pojawił się bardzo późno: wpływ baletu klasycznego był zbyt silny. Do lat 70. taniec nieklasyczny uprawiano niemal potajemnie, na salach gimnastycznych, po głównej pracy. W 1968 roku strajki studenckie wstrząsnęły Europą, zmuszając ich do ponownego przemyślenia pewnych wartości w sztuce, a taniec nowoczesny mógł nagle wkroczyć na prawdziwą scenę. A w latach 80-90 we Francji rozpoczęła się tzw. decentralizacja tańca: w całym kraju powstały profesjonalne centra tańca, na czele których stanęli młodzi choreografowie: Dominique Bague, Angelin Preljocaj, Magy Marin, Joseph Naj i inni. Zadaniem tej polityki kulturalnej było zlikwidowanie podziału na sztukę prowincjonalną i metropolitalną, która uważana jest za bardziej profesjonalną.

Ponadto w latach 80. i 90. z nowego tańca francuskiego wyrósł inny kierunek, który często nazywany jest francuską analogią amerykańskiego postmodernizmu – tzw. non-dance (lub non-danse). Niemal wszyscy jego przedstawiciele (przede wszystkim Jerome Bel, Boris Sharmats, Xavier Le Roy) to uczniowie lub uczniowie uczniów twórców nowego tańca francuskiego, którzy mają doskonałe zaplecze choreograficzne, ale taniec nie jest już dla nich głównym środkiem ekspresja artystyczna: posuwają się coraz dalej, odchodzą od choreografii, wykorzystując w swoich występach i performansach aktorstwo dramatyczne i improwizację, śpiew i stand-up, projekcje wideo i grafikę komputerową.

lata 90
Lambada i macarena

„Lambada” w wykonaniu Kaomy. 1989

1989, kiedy runął mur berliński i zaczął pękać związek Radziecki, okazał się ubarwiony dźwiękami lambady w wykonaniu zespołu Kaoma. Ten taniec latynoamerykański jest bezpośrednim spadkobiercą matchish: to samo szybkie tempo, jakby nie bardziej erotyczne ruchy. Podobnie jak „brazylijskie tango”, lambada pochodzi z Rio. A jej melodia, jak melodia zapałki, została szybko zagrana do bólu.

Podobna historia wydarzyła się w połowie lat 90. z macareną. Najpierw hiszpański popowy duet Los del Río zaśpiewał piosenkę o dziewczynie o imieniu Macarena (Magdalena). Napisane w rytm muzyczny clave, typowym dla szaleńczej muzyki afro-kubańskiej, piosenka natychmiast zyskała popularność. I nie tylko piosenka: wideo zawierało prosty taniec z zestawem ruchów idealnie dopasowanych do wspólnego występu w ciasnej dyskotece.

Zramolały

„Deca Dance” w reżyserii Ohada Naharina. rok 2000

Batsheva Dance Company w Tel Awiwie została założona przez Martę Graham i baronową Batshevę de Rothschild jeszcze w 1964 roku, ale prawdziwym centrum tańca nowoczesnego stała się w latach 90., kiedy na jej czele stanął Ohad Naharin. Naharin jest prawdopodobnie najbardziej wpływowy współczesny choreograf, z którym marzą o współpracy zarówno tancerze baletowi, jak i współcześni tancerze, a jego twórczość pokazywana jest we wszystkich największych teatrach świata.

Ohad Naharin stworzył swój własny język choreograficzny o nazwie Gaga. Według samego choreografa edredon nie jest stylem choreografii, ale sposobem poruszania się. Gaga ćwiczy w sali bez luster (choć lustra są zwykle niezbędne w świecie tańca jako element samokontroli), osobom postronnym nie wolno ćwiczyć, a nauczyciel tańczy, łącząc się ze swoimi uczniami. Istnieją zajęcia „Gaga / Dancers” (Gaga / Dancers), w które zaangażowani są profesjonaliści, oraz „Gaga / People” (Gaga / People), na które można przyjść z dowolnym treningiem tanecznym. Zadaniem gagi jest poczuć swoje ciało, poczuć każdą cząsteczkę swojego ciała, być zarówno w swoim ciele, jak i poza nim, nie tracąc przy tym autoironii. Jest to obecnie jeden z najpopularniejszych nicków technicznych.

Koniec XIX - początek XX wieku to różnorodność zjawisk, stylów i nurtów kulturowych i artystycznych. Kultura afroamerykańska ma ogromny wpływ na sztukę światową, przede wszystkim za sprawą muzyki oraz nowych gatunków i trendów muzycznych, takich jak jazz, blues, ragtime. Na podstawie Nowa Muzyka i ruchy afrykańskie, pojawiają się nowe tańce i style taneczne - „Shimmy”, „Black Bottom”, „Charleston”, „Tu-step”, „kaykuok” i inne.

Wszystkie te tańce łączy lekkość, swoboda i, można powiedzieć, wygłupy. W oparciu o te tańce powstają następnie nowe kierunki i podgatunki taneczne. Na przykład pojawienie się niektórych rodzajów profesjonalnego tańca towarzyskiego - fokstrota, jive'a i quickstepu, jest ściśle związane z tańcami cakewalk, two-step, shimmy ( Koszulka dziecka) i Czarne dno (Czarne dno). Styl taneczny początku XX wieku można znaleźć w balecie „Złoty wiek” D. Szostakowicza, w operetce „Bajadera” I. Kalmana i innych przedstawieniach.

Stopniowo taniec jazzowy przybiera formy teatralne, co prowadzi do powstania nowego stylu – Broadway jazzu. Określenie Broadway jazz pochodzi od nazwy teatru znajdującego się przy ulicy o tej samej nazwie w Nowym Jorku. Broadway jazz występuje przede wszystkim w musicalach, ale można go również zobaczyć w kinie, w różnych przedstawieniach i przedstawieniach dramatycznych.

Choreograf i reżyser Bob Foss ma ogromny wpływ na rozwój broadwayowskiego jazzu. Jego filmy „Kabaret”, „Słodka dobroczynność”, „Cały ten jazz” i inne, a także tańce do nich, do dziś cieszą się dużym powodzeniem. Fabuła filmu-musicalu „Sweet Charity” powstała na podstawie filmu „Noce Cabirii” F. Felliniego. Bob Foss ujawnia postacie ludzi z Wyższe sfery, które nie są charakterystyczne świat duchowy- są blisko świata rzeczy i aktywa materialne. Idea ta jest przekazywana przez bardzo precyzyjne ruchy taneczne, które ujawniają osobowości bohaterów.

Na początku XX wieku ukształtował się także styl Art Nouveau i taniec swobodny. Pierwszą tancerką, która przeciwstawiła się surowym formom baletu klasycznego, była Amerykanka Isadora Duncan. Jej tańce odznaczały się swobodą, lekkością i miały elementy starożytnych greckich póz i gestów. Gordon Craig, angielski reżyser, napisał o niej: „Co tam było poza tym, nikt nigdy nie będzie w stanie ustalić. Była prekursorką. Cokolwiek robiła, wszystko odbywało się z wielką łatwością – a przynajmniej tak się wydawało. To właśnie nadawało jej wygląd siły. Wypuściła taniec w nasz świat w mocnym przekonaniu, że robi to świetnie i prawdziwie"

wolny taniec rozwinęła się również dzięki amerykańskiej tancerce Ruth St. Denis i jej mężowi, aktorowi i choreografowi Tedowi Shawnowi. Ruth Saint Denis występowała w egzotycznych kostiumach z luksusowymi dekoracjami, co czyniło jej koncerty bardziej widowiskowymi. Wśród jej przedstawień znalazł się balet „Radha” do muzyki L. Delibesa (1906), w którym wykorzystano motywy indyjskiego tańca świątynnego. Oto jak mówiła o tańcu: „Postrzegam taniec jako sposób komunikacji między duszą a duszą, poprzez wyrażanie wszystkiego, co jest bardzo głębokie, bardzo subtelne dla słów”. W 1915 roku Ruth St. Denis wraz z mężem Tedem Shawnem zorganizowała trupę Denishawn i szkołę tańca w Los Angeles. W tej szkole studiowało wiele czołowych postaci tańca nowoczesnego, w tym Martha Graham, Doris Humphrey i Charles Weidman.

Cechami charakterystycznymi tańca i stylu nowoczesnego jest odrzucenie prostych, klasycznych linii i form na rzecz bardziej naturalnych, „naturalnych”, a także zainteresowanie wszystkim, co nowe. Styl ten był popularny nie tylko w tańcu, ale także w malarstwie, rzeźbie, architekturze, a nawet w modzie i wystroju wnętrz. Cechy secesji można odnaleźć w twórczości G. Klimta, A. Muchy, L. Baksta, A. Benois, M. Vrubela itp. Artyści secesji czerpali inspiracje ze sztuki Japonii, starożytnego Egiptu i innych starożytnych cywilizacji .

XX wiek to okres rozkwitu baletu rosyjskiego. Balet Diagilewa „Rosyjskie pory roku” zrobił furorę w Paryżu i na całym świecie. To nie był zwykły balet, to wyjątkowe połączenie choreografii, muzyki, scenografii i umiejętności tancerzy. Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Vatslav Niżyński, Siergiej Lifar i inni błyszczeli w rosyjskich sezonach. Choreografowie Michaił Fokin, Leonid Myasin i inni rozkwitali w trupie rosyjskich sezonów. Powstały innowacyjne kostiumy i dekoracje Artyści Benois, Baksta, Sierowa, Picassa, a muzykę do baletów napisali Igor Strawiński, Eric Satie, Siergiej Prokofiew, Claude Debussy i inni.

„Rosyjskie pory roku” Picasso. Kostium do baletu „Przekrzywiony kapelusz”

Coco Chanel współpracowała także z trupą Diagilewa - tworzyła kostiumy do baletu Blue Express. Były to klasyczne dresy, swetry w paski i golfy, tuniki do tenisa. Oczywiście „rosyjskie sezony” były uosobieniem wszystkiego, co nowe, modne i postępowe, dlatego francuska publiczność oszalała z entuzjazmu i szoku.

Balet „Blue Express” Portret Diagilewa (artysta V. Serov)

Współpracował z Diagilewem i wybitnym choreografem XX wieku George'em Balanchine'em. Wystawił na rosyjskie sezony balety „Apollo Musagete” do muzyki Igora Strawińskiego i „ Syn marnotrawny do muzyki Siergieja Prokofiewa. Oba balety odniosły sukces, ale wkrótce George Balanchine opuścił „rosyjskie sezony” i udał się najpierw do Londynu i Kopenhagi, a później do USA. Wraz ze znanym artystą L. Kersteinem Balanchine tworzy amerykańską szkołę baletową, a następnie profesjonalny zespół, obecnie znany wszystkim jako New York City Ballet . Tutaj wystawił swoje słynne balety - "Serenade" do muzyki Czajkowskiego, "Concerto Baroque" do muzyki koncertu na dwoje skrzypiec Bacha, "Symphony in C" do muzyki. Symfonie Bizeta, „Brilliant Allegro” do muzyki. III koncert na fortepian Czajkowskiego, „Caracol” do muzyki. Mozarta, „Epizody” do muzyki. Webern i inni Balanchine wniósł ogromny wkład w rozwój tradycji tańca klasycznego w Ameryce. Jego balety to połączenie klasycznej choreografii z nową estetyką póz, schematów tanecznych i muzycznych akcentów. Balanchine stworzył nowy styl tańca „neoklasyczny”, który stał się bliski wielu choreografom - Jerome Robbinsowi, Aleksiejowi Ratmanskiemu, Benjaminowi Millepiedowi i innym.

Balanchine i jego trupa. Zdjęcie Duane'a Michelsa

Na rozwój baletu rosyjskiego (sowieckiego) w XX wieku duży wpływ wywarł choreograf i reżyser Rostisław Zacharow. Balety Zacharowa to kompletne dzieła dramatyczne, umiejętnie zbudowane pod względem reżyserskim. Na szczególną uwagę zasługuje balet „Fontanna Bakczysaraju” do muzyki Asafiewa w wykonaniu dwóch legendarnych baletnic – Galiny Ułanowej i Mai Plisieckiej. Balet kontrastuje władczość i pasję Zaremy (Plisetskaya) z delikatnością i duchowym wyrafinowaniem Marii (Ułanowa). Charakter tych dwóch przeciwieństw oddaje nie tylko gra aktorska, ale także wymyślone przez choreografa ruchy i pozy, a także porywająca muzyka Asafiewa.

Balet „Fontanna Bakczysaraju”

Galina Ułanowa i Maja Plisiecka

Wielki choreograf Jurij Grigorowicz pozostawił ogromny ślad w historii rosyjskiego baletu. Jego balety „Romeo i Julia”, „Spartakus”, „Legenda o miłości” i inne składają się na złotą kolekcję spektakli Teatru Bolszoj. Balety Grigorowicza charakteryzują się hartem ducha, rozmachem, heroizmem, co znajduje odzwierciedlenie w choreografii, scenografii i muzyce. Grigorowicz współpracował z artysta teatralny Simon Virsaladze, który zaprojektował wszystkie swoje balety. Grigorowicz zwraca większą uwagę na muzykę. W jego baletach przekazywana jest nie tylko treść fabuły, ale także treść muzyki. Ściśle współpracował z kompozytorami S. Prokofiewem, A. Mielichowem, A. Chaczaturianem, D. Szostakowiczem itp. W. Wansłow zauważa zadziwiającą jedność muzyki, choreografii i projektu artystycznego baletów Grigorowicza: Grigorowicz osiągnął niezwykle organiczną syntezę sztuki. Trudno wymienić inne kreacje sceniczne, w których muzyka, choreografia, plastyka, baletmistrz i umiejętności sceniczne łączyłyby się w tak niesamowity sposób, jakby wszystko pochodziło z jednego źródła i wylewało się od jednego twórcy, jakby na jednym oddechu. Pogłębianie syntezy sztuk - plastycznych, scenicznych, wszelkich innych - to też jeden z trendów kultura artystyczna XX wieku".

Ekaterina Maksimova i Vladimir Vasiliev, Maris Liepa, Natalya Bessmertnova i inni błyszczeli w baletach Grigorowicza, którzy stworzyli nowe obrazy i nowe postacie w balecie. V. Vanslov pisze o tym: „W przedstawieniach Grigorowicza nowy typ tancerz-aktor, który potrafi ucieleśnić głęboką dramaturgię i psychologiczną treść w złożonej partii tanecznej. To nie techniczna wirtuozeria poza obrazem i nie obraz poza ekspresją tańca, ale organiczne połączenie twórczości aktorskiej z rozwiniętym i bogatym tańcem charakteryzuje styl wykonawczy w baletach Grigorowicza.

Balet „Spartakus”

Szkic scenografii do baletu „Iwan Groźny”

Balety współczesnego rosyjskiego choreografa Borisa Ejfmana wyróżniają się skalą i głębią choreografii. Jego balety, stworzone na podstawie dzieł Tołstoja, Dostojewskiego, Czechowa i innych, to prawdziwe dzieła sztuki. Balety są przesiąknięte głęboką filozofią, a Ejfmana nazywa się „filozoficznym choreografem”. Wymyślone przez Ejfmana pozy choreograficzne można porównać z obrazami i rzeźbami wielkich artystów, a plastyczność ma swój niepowtarzalny styl, łącząc podstawy tańca klasycznego z nowoczesnymi trendami. Umiejętności techniczne tancerzy zadziwiają i zachwycają koneserów sztuki baletowej. „Ejfman nauczyciel (a jego zasługa jest nie mniejsza niż choreografa) wychował nowy typ uniwersalnego tancerza, który potrafi wszystko. Tancerze Ejfmana unoszą się w powietrzu, jakby pozbawieni grawitacji. Nie znają granic w posiadaniu swojego ciała. Poradzą sobie z najtrudniejszymi akrobacjami i najbardziej niewyobrażalnymi krokami. Taniec obejmuje nie tylko ręce i nogi, ale całe ciało. Baleriny Ejfmana są bez kości i zwiewne: w duetach owijają się wokół partnera jak pnącza; słynnie tańcząc charlestona, jak prawdziwi tancerze kabaretowi; stoją na pointach i ze spuszczonymi oczami unoszą się po scenie, jakby nigdy nie tańczyli niczego oprócz Jeziora Łabędziego ”- pisze Bella Yezerskaya.

Balet „Czerwona Giselle”. Choreograf B. Ejfman, na zdjęciu Wiera Arbuzowa (Zdjęcie: Nina Alovert)

Balet „Anna Karenina”

Ejfman zwraca szczególną uwagę na corps de ballet, jak pisze Bella Ezerskaya: „Ejfman stworzył corps de ballet rzadko spotykany pod względem synchronizmu, wyrazistości i wyrafinowania każdego ruchu. Statyści w jego spektaklach nabierają albo groteskowej ostrości, jak na przykład w scenie demonstracji rewolucyjnego plebsu w Czerwonej Giselle, albo rzeźbiarskiej wyrazistości, jak w Requiem Mozarta, albo klasycznej kompletności, jak w Czajkowskim. Uderzająca jest końcowa scena baletu Anny Kareniny, w której artyści za pomocą choreografii dokładnie przedstawili ruch pociągu, a także wyrafinowany i wyrafinowany smak choreografii, kostiumów i scenerii właściwych baletom Ejfmana.

Jeśli chodzi o balet zachodni, to tam o losach sztuki baletowej decydowali wybitni choreografowie: Jose Limon, John Cranko, Roland Petit, Maurice Bejart, Jiri Kilian, John Neumeier i inni. serca publiczności poprzez swoje produkcje i tworzenie własnego, niepowtarzalnego i zapadającego w pamięć stylu tanecznego, tworzonego na bazie muzyki klasycznej z dodatkiem współczesna choreografia.

Chciałbym zwrócić szczególną uwagę na twórczość Jiri Kiliana. W jego choreografii jest lekkość, precyzja póz i rysunków oraz niesamowita muzykalność. Jak napisał Rudolf Nureyev: „Jest Jiri Kilian, który, powiedziałbym, ma najbardziej„ złote ”uszy. Zamienia metafory w ruchy: Kilian słyszy muzykę i widzi ruchy”. Często jego prace są pełne humoru, figlarności i zręczności ruchów. Widać to w jego produkcjach „Sześć tańców”, „Symfonia D”, „Urodziny” itp. To wielka zaleta dla choreografa, bo humor jest potrzebny i potrzebny człowiekowi i sztuce. Jest miejsce na kreatywność i balet dla dzieci „Dziecko i magia” i na poważnie praca dramatyczna„Historia żołnierza” do złożonej muzyki Strawińskiego.

Balet „Dziecko i magia”

„Sześć tańców”

Koncepcje postmodernizmu, które powstały w drugiej połowie XX wieku, wywarły ogromny wpływ na sztukę tańca. Główną i jedyną wartością sztuki postmodernistycznej jest nieskrępowana swoboda autoekspresji artysty, wolność myśli i twórczości. Wszystko to było również charakterystyczne dla sztuki tańca, która wchłonęła podstawowe zasady postmodernizmu. Bez ograniczeń i wyraźnych granic sztuka postmodernistyczna dała początek wielu stylom i nowym nurtom w sztuce. W tańcach są to taniec współczesny, kontakt improwizacja, taniec hip-hop, taniec pop, fly law itp.

Taniec współczesny kojarzony jest z takimi nazwiskami jak Robert Dunn, Anna Halprin, Simon Forti, David Gordon, Trisha Brown, Steve Paxton, Deborah Hay, Lucinda Childs czy Meredith Monk i in. Teatr). Judson Church Theatre zgromadził grupę eksperymentalnych tancerzy, którzy występowali w Nowym Jorku w Judson Memorial Church w Greenwich Village, galerie sztuki muzea od 1962 r.

Nowe eksperymenty taneczne opierały się na zasadach improwizacji i nowoczesnej choreografii; byli pod wielkim wpływem kompozytora Johna Cage'a i choreografa Merce'a Cunninghama. John Cage lubił buddyzm zen i bronił zasady przypadku w procesie twórczym.

Tej samej zasady bronił Merce Cunningham, uważając, że przy komponowaniu kompozycji pozwala to pozbyć się fabuły i stereotypowych rozstrzygnięć (choć brak fabuły w choreografii jest naszym zdaniem zaniedbaniem). Ale w tańcu współczesnym często ważny jest proces tworzenia tańców, a nie wynik. .

Judson współpracował także z teatrem artysta koncepcyjny Robert Morris: „W niedzielne wieczory spotykaliśmy się z małą grupą tancerzy, malarzy, muzyków i poetów i eksperymentowaliśmy z dźwiękiem, światłem, językiem i ruchem podczas warsztatów. To był mój pierwszy kontakt z badaniami związanymi z tańcem. przeniósł się do Nowego Jorku w 1961 roku, te studia były jeszcze świeże w mojej pamięci, więc otwarte spotkanie Judsona dotarło do mnie – choć nie pamiętam dokładnie, jak się z nimi związałem” (R. Morris).

Robert Morris, Lucinda Childs, Steve Paxton, Yvonne Reiner, Deborah High, Tony Holder, Sally Gross, Robert Rauschenberg, Judith Dunn i Josef Schlichter.

Ponadto powstały podobne grupy wyznające podobne zasady, takie jak Grand Union, Living Theatre, Open Theatre itp. Te stowarzyszenia również broniły idei przypadku, a często proces tworzenia tańców był ważniejszy niż wynik. Jednym z członków grupy był Steve Paxton, twórca stylu contact improvisation, którego idea polega na spontanicznym kontakcie ludzkich ciał.

Steve'a Paxtona

Jeśli chodzi o taniec hip-hopowy, wywodzi się on z biednych dzielnic Nowego Jorku pod koniec lat 60. Początkowo kultura i taniec hip-hopowy koncentrowały się na imprezach i relaksie (scratchowa muzyka jamajskich didżejów i recytatyw), później kultura hip-hopowa została przesiąknięta agresywnie wyzywającymi tekstami społecznego rapu, odzwierciedlającymi twardą rzeczywistość ( gangsterski rap lat 90.) i stopniowo przedostał się do mas, przechodząc do show-biznesu. Taniec hip-hopowy dzieli się odpowiednio na starą szkołę (stara szkoła hip-hopu) i nowy styl (nowa szkoła). Stara szkoła to popping, lock, breakdance, a nowa szkoła to bardziej komercyjny hip-hop z dodanymi różnymi stylami choreograficznymi - taniec jazzowy, taniec współczesny, taniec różnorodny itp. Hip-hop charakteryzuje się swobodą, rytmem, ruchami skierowanymi w dół, a także rozluźnieniem kolan i kołysaniem ciała, tzw. „kach”. Taniec hip-hopowy jest bardzo popularny w naszych czasach i można zobaczyć wszędzie - w różnych przedstawieniach, teledyskach, spektaklach itp. Oparty na skomplikowanych sztuczkach i akrobacjach, jest dość trudny do wykonania. Teraz najlepszymi tancerzami hip-hopu są taneczny duet Les Twins, można wymienić także francuskiego tancerza Dedsona i amerykańskiego piosenkarza Chrisa Browna.

oldschoolowy hip-hop

Kultura tańca XX - początku XXI wieku jest niezwykle bogata i różnorodna. Pod wpływem nowych nurtów muzycznych i nowych nurtów w sztuce taniec i choreografia wzbogaciły się o nowe style i nurty. Na przestrzeni stuleci zmieniało się postrzeganie, wizja i podejście do tańca i choreografii. Nadal żyje, rozwija się i tańcem klasycznym wzbogaca współczesne ruchy, przy jednoczesnym zachowaniu klasycznego stylu i fundamentu, jaki położyły stulecia historii. I to jest słuszne, ponieważ nadążanie za duchem czasu jest możliwe i konieczne, nie zapominając o swojej przeszłości.

Wniosek:

Sztuka choreografii jest wielopłaszczyznowa i niepowtarzalna. Choreografia przekazuje nam treść i pewne znaczenie nadane przez tancerza lub choreografa poprzez tajemniczy i enigmatyczny język ludzkiego ciała. Jak powiedziała Martha Graham: „Taniec jest sekretnym językiem duszy”, a „ciało mówi to, czego nie potrafią słowa”.

W trakcie badań prześledziliśmy, jak taniec zmieniał się na przestrzeni wieków, jakie cechy nabrał i jaką rolę pełnił w życiu ludzi. Każdy okres historii pozostawił swój niepowtarzalny i niepowtarzalny ślad w sztuce tańca. Taniec od zawsze łączył ludzi, służył jako sposób komunikacji między ludźmi, a także środek do wyrażania siebie i odnawiania energii. Choreograf Alla Rubina mówi o tym: „Taniec to wyrażanie siebie. Oznacza to, że osoba wyraża siebie, swoje myśli, swoje życie i rozumienie życia poprzez taniec. To jest wiedza o pięknie, samowiedza, która występuje zarówno u tych, którzy tańczą, jak i u tych, którzy patrzą… Tańcząc gromadzisz energię, odnawiasz się. Każdy ruch jest odnowieniem pola energetycznego. To funkcja czysto medyczna…”

Spektakl taneczny jest niemożliwy lub bardzo ubogi bez scenografii, kostiumów i muzyki. W całej historii taniec, a później balet, był ściśle związany z muzyką i sztukami wizualnymi. J.J.Nover zdefiniował ważne elementy spektaklu baletowego: „Scena jest, że tak powiem, płótnem, na którym choreograf rejestruje swoje myśli; przy odpowiednim doborze muzyki, scenografii i kostiumów nadaje obrazowi kolor, bo choreografem jest ten sam malarz. V. Vanslov pisze także o związkach muzyki i tańca: „Pojawienie się tańca nie byłoby możliwe, gdyby muzyka nie przyszła z pomocą plastyczności. Wzmacnia ekspresyjność plastyczności tańca i nadaje mu podłoże emocjonalne i rytmiczne. Wszystko to wskazuje, że choreografia jest syntetyczną formą sztuki, która łączy w sobie kilka form sztuki.

Sztuka tańca stale się wzbogaca i posuwa do przodu, wchłaniając wszystkie główne nastroje społeczne, a także odzwierciedlając ważne wydarzenia historyczne, społeczno-kulturowe i życie polityczne. Interesujące było dla mnie śledzenie rozwoju tańca, rozszyfrowywanie jego znaczenia i znaczenia na przestrzeni dziejów.

Spis wykorzystanej literatury:

1. Tuano Arbo „O tańcu i muzyce”

2. V. Vanslov „O muzyce i balecie”

3. Y. Bachrushin „Historia baletu rosyjskiego”

4. Vera Krasovskaya „Historia baletu zachodniego”

5. S. Chudekow „Historia tańca”

6. Taniec „Modern” http://www.ortodance.ru/dance/style_modern1

7. V. Vanslov „Balet Grigorowicza i problemy choreografii” http://bolshoi-theatr.com/articles/596/part-2/

8. Hip-hop http://vsip.mgopu.ru/data/2401.htm

9. Lucian „Traktat o tańcu”

10. Encyklopedia baletu http://www.krugosvet.ru/

Za tańce historyczne i codzienne uważa się te tańce minionych stuleci, które rozpowszechniły się daleko poza granicami swojej epoki i miejsca pochodzenia. Nazywa się je historycznymi, jako tańce z przeszłości, a także tańce, które przeszły do ​​historii.

Pojawienie się tańców wiąże się z procesami pracy, grami, starożytnymi rytuałami i świętami religijnymi. Każda miejscowość miała swoje własne cechy. Tańce domowe, które stały się historyczne, są przeróbką materiału do tańca ludowego i odzwierciedlają cechy określonej epoki lub środowiska. Charakterystyczne cechy kultury przejawiają się w konstrukcji i stylu tańca, w jego muzyce, strojach tancerzy, ich manierach itp.

Główne pozycje nóg w tańcach historycznych i codziennych to I-I i III-I, pośrednie - II-I i IV-I.

W XVI wieku. Włoscy i francuscy mistrzowie tańca, tworząc techniki taneczne, zwracali szczególną uwagę na styl wykonania i maniery tancerzy. Od wykonawcy wymagano ważnej postawy, powolnego, miarowego kroku, prymitywnego i wyszukanego wzajemnego powitania – ukłonów i dygnięć. Przestrzeganie wszystkich tych zasad, nie tylko w tańcu, ale także w życiu codziennym, uważane było za oznakę szlacheckiego pochodzenia i wysokiego statusu społecznego. Żywe i spontaniczne ruchy tańców ludowych były uważane za złe maniery.

Kostiumy również odpowiadały obrzędowi panującemu w społeczeństwie. Mężczyźni nosili kamizelki, peleryny (których nie należało zdejmować) oraz kapelusze, które zdejmowali, przestawiali i zakładali ponownie podczas tańca. Panie nosiły suknie z bardzo długimi trenami (do 5 metrów), z wieloma fałdami i wyszukanymi nakryciami głowy. Ogólny styl kostium był bujny i ciężki, wiązany i nie pozwalał na swobodę ruchów.

W minionych stuleciach jedną z głównych form rozrywki szlachty były bale i przebieranki w formie bali. Oczywiście tańce te były bardziej pokazem mody, pokazem bogactwa i szlachetności niż tańcem. Ale uroczysty charakter tych tańców, chęć różnorodności, nawet w ruchu kolumn po sali, wprowadzają do tańca różne skoki, skoki i kroki ślizgowe. Budziło się masowe zainteresowanie „znudzonej” szlachty tańcem jako formą rekreacji i rozrywki. Taniec jako estetycznie rozwinięta forma spędzania wolnego czasu jest obecnie koniecznością wyższe warstwy społeczeństwo. Cześć i chwała tym francuskim królom, którzy własnym przykładem i siłą, kalkulacją i bogactwem zdołali przekazać nam najlepsze tradycje estetyczne i etyczne „epoki szarmanckiej”.

Historia zna wspaniałe bale i maskarady za panowania Karola IX, Henryka III i IV, Ludwika XIII i XIV. Dział tańców ludowych i dworskich powstał już pod koniec XV wieku, najpierw we Włoszech, potem we Francji. Pojawiają się pierwsze traktaty o tańcach, podejmowane są próby opisu kroków i skoków. W XV-XVI wieku. modne basedance, branles, procesje z ukłonami i salutami.

W XVII-XVIII wieku. w tańcach arystokratów (menuet, szybki menuet, gawot) zanika naturalność ruchów (w tym czasie pojawiły się prawa ustawiania rąk i nóg, regulacja ruchów ciała - wszystko, co było zawarte w balecie klasycznym). Na balach XVII wieku. wyobrażenia o pięknie linii sprowadzono do zasad baletu - gracja na piłkach uznawana była za wywinięcie nóg, ręce musiały być zaokrąglone: ​​podniesione lub opuszczone, musiały być jednakowo zaokrąglone w łokciach, dłoń zebrana , kciuk umieszczono pod dłonią naprzeciw palca środkowego.

Na początku XIX wieku. popularność zyskują nowe tańce żywiołowe, lekkie i bardziej zrelaksowane (polonez, walc, ecossaise, kadryl, kotillon, polka, mazurek), które stają się ogólnoeuropejskimi tańcami towarzyskimi.

Wiele tańców, które pojawiły się w XX wieku. (Krakowyak, dwuetapowy, tango, walc bostoński, fokstrot, charleston, blues, rock and roll, rumba, samba, twist, salsa, mambo itp.) są nadal popularne.

Oto wybór historycznych tańców różnych narodów. Dla Twojej wygody tańce ułożone są w porządku alfabetycznym. Aleman

Taniec towarzyski - walc na trzy osoby w wykonaniu pana i dwóch pań. Rozmiar muzyczny 3/4 był popularny w XIX wieku. na balach rodzinnych. Ruchy składają się z lekkich kroków ślizgowych. Specjalne znaczenie ma wzór tańczących dłoni, zmieniających się z wdziękiem i płynnie.

Allemanda

Allemande - (z francuskiego allemande, litery - niemiecki), stary (z XVI w.) francuski taniec dworski pochodzenia niemieckiego, o spokojnym, umiarkowanym tempie, należy do bassedanów. Rozmiar muzyczny 4/4. To było w tym tańcu w XVIII wieku. ręce tancerzy po raz pierwszy uniosły się z ich zwykłej pozycji wzdłuż ciała. Ta swoboda rąk była charakterystyczną cechą allemande. Przygotowała główne pozycje gawota, w których ręce stają się jeszcze bardziej taneczne. Piłka

Bal - (z łac. ballare - do tańca i bal francuski), wielki wieczór taneczny. W Europie tradycja balów świeckich ukształtowała się w XIV wieku i wkrótce bale stały się integralną częścią uroczystości dworskich. W XV-XVII wieku. maniery, zasady zachowania i cała etykieta taneczna podlegały ścisłym regulacjom. W uroczystościach uczestniczyli specjalni mistrzowie balu, wskazujący kto ma otworzyć bal, kto iz kim ma tańczyć, obserwując zachowanie i ruch tancerzy. Odstępstwa od zasad były naganne.

W przed-Piotrowej Rusi tak zwane „tańce salonowe”, jak w Zachodnia Europa nie miał. Na wieżach wykonywano okrągłe tańce kobiet, a wśród ludu kwitły tańce. Ogólnie rzecz biorąc, stosunek do „tańca i hulanki” był ostrożny. Punkt zwrotny nastąpił za Piotra I, który starał się wprowadzić maksymalna ilość ludzi do osiągnięcia Cywilizacja europejska, zapragnął „nie tylko pożyczyć, adoptować, ale stworzyć swój własny, oryginalny, łączący pierwowzór z westernem”. Dzięki przemianom Piotra zniesiony został zakaz tańca w ramach świeckiej komunikacji. W tańcach brał udział sam Piotr, jego żona Ekaterina i córka Elżbieta, które według współczesnych tańczyły bardzo wdzięcznie.

W 1718 r. wydano dekret o wprowadzeniu zgromadzeń, czyli zebrań-balów. Główną rozrywką na apelach były tańce, w których brali udział także starsi. Kawalerzyści mogli zaprosić do tańca dowolną z obecnych pań, nie wolno było odmówić.

Zgodnie z nowym regulaminem zgromadzeń pietrowskich każdy właściciel domu szlacheckiego miał od czasu do czasu zrobić miejsce na tańce, gry i zabawy. Nieumiejętność tańca staje się haniebna, dlatego bojary wypisują sobie nauczycieli tańców i „świeckich uprzejmości”, których obowiązki były bardzo rozległe. Mistrz tańca miał uczyć tańców (menueta, poloneza, country dance, pavane, courant, anglaise) i jednocześnie uczyć dobrego tonu.

Pod koniec XVII - początek XVIII wieku. taka forma rozrywki jak bale wreszcie nabiera kształtu. Taniec jest przez wszystkich uznawany za bardzo przyjemną, nieodzowną rozrywkę. Bal staje się jednym z najważniejszych elementów życia społecznego. To miejsce spotkań i komunikacji. W końcu wizyty domowe nakładają sporo ograniczeń na zachowanie, a poza tym na wizytę na pewno potrzebne są jakieś sprawy służbowe. A na balach można się tak spotkać i będzie „porządnie”.

Spośród wszystkich możliwych rozrywek piłka okazuje się najbardziej popularna. Przecież spacer arystokraty nie daje okazji do komunikacji, bo z reguły odbywa się w powozie; polowanie jest również niewygodne, ponieważ. związane z jazdą konną. Teatr to doskonały wynalazek, tam wszystko jest możliwe – demonstrowanie toalet, prowadzenie rozmów w głębokich lożach, flirtowanie, flirtowanie, ale niestety to wszystko musi się odbywać poza głównym zajęciem – kontemplacją spektaklu. I tylko piłka pozwala choć trochę pokazać swoją zręczność i wdzięk, a także swobodnie „wyjść w świat”.

Reformy Piotra uczyniły życie społeczeństwa bardziej harmonijnym; nie trzeba było już ukrywać chęci do zabawy. W końcu piłka to nie tylko taniec, ale i gra – najpierw szachy Społeczeństwo rosyjskie bardzo lubię gry karciane. To rodzaj klubu, w którym możesz pogawędzić z przyjaciółmi; to także urząd matrymonialny, w którym decydowały losy najwybitniejszych dynastii Rosji. Komunikacja była nie mniej ważnym elementem balu niż taniec. Na balach zawierano znajomości, rozstrzygano kwestie służby i kariery, kształtowano opinię publiczną.

Taniec barokowy (XVIII w.) przejmuje rolę, jaką przyjął później sport: podtrzymywania kultury ciała na równi z kulturą ducha. Z epoki baroku odziedziczyliśmy balet - złożoną sztukę, regulowaną pięknem plastycznych linii, która wymagała specjalnego, długotrwałego treningu. W koniec XVIIIw- początek XIX wieku kultura tańca staje się najważniejszym elementem życie świeckie i bale - nieodzowny atrybut szlachetnego życia. Taniec był przedmiotem obowiązkowym w różnych placówkach oświatowych.

W tamtych czasach w oświeconej Europie taniec był wszędzie i to tak liczny, że można przypuszczać, że nie było w ogóle biznesu, tylko taniec o każdej porze dnia i nocy. Piłki różniły się oficjalnie – dworskie, publiczne, rodzinne. Dla dobra balu uszyli najmodniejsze stroje, zaprosili najsłynniejszych muzyków i zorganizowali wystawne kolacje, dzięki czemu przebudowali całą codzienność.

Dla osoby świeckiej tamtych czasów, a tym bardziej dla kobiety, nie do pomyślenia było nie tańczyć. „Umiejętność taneczna i talent choreograficzny były cenną cechą i sukcesem nie tylko na parkiecie, ale czasem na polu kariery serwisowej”. Bal był świetną rozrywką, ale wymagał ogromnej siły fizycznej i emocjonalnej. Na balu należało wyglądać nienagannie, panować nad każdym ruchem i słowem, a przy tym wyglądać naturalnie, przyjaźnie i wesoło. Nauka o komunikacji towarzyskiej wymagała wielu lat studiów. Dlatego kultura balowa wkraczała w życie człowieka już w dzieciństwie w postaci lekcji tańca i uczęszczania na dziecięce bale.

Ogromną rolę na balu powierzono kierownikowi, był to zaszczyt i odpowiedzialność: od niego zależało, czy bal zakończy się sukcesem. Kierownik starał się wykazać maksimum wyobraźni i wirtuozerii, aby urozmaicić figury taneczne i sprawić radość gościom. Miał „ożywiać społeczeństwo wesołością osobistą i usposobieniem ducha”. (1895) Do jego obowiązków należało dobieranie par, rozdzielanie miejsca na sali balowej oraz utrzymywanie porządku na sali.

Bal rozpoczął się polonezem, który w podniosłej funkcji pierwszego tańca zastąpił średniowiecznego menueta. Nie mogło obejść się bez mazurka, który stał się międzynarodowym tańcem towarzyskim. Walc stał się nieodzownym atrybutem i królem balów! Ileż rozkosznej swobody w płynnym ruchu! Walc stał się sposobem na wyzwolenie z konwenansów, które nadal stanowiły podstawę życia społecznego. W tym samym czasie pojawił się kolejny taniec, którego sukces przyćmił popularność wielu innych - polka. Bal zakończył się taneczną zabawą kotylionu, swego rodzaju finałowym występem wszystkich uczestników. Tańczyli wówczas kadryla i różne rodzaje tańców ludowych.

Bale i wieczory taneczne XIX wieku. znajdują odzwierciedlenie w wielu klasycznych dziełach literatury rosyjskiej, zwłaszcza w „Eugeniuszu Onieginie” A. S. Puszkina oraz „Wojnie i pokoju” L. N. Tołstoja.

Wieczór taneczny to nie tylko fruwające w tańcu panie i panowie, ale także sukienki z głębokim dekoltem, wachlarze, fraki, koźlęce rękawiczki, szale, maseczki, uśmiechy i łagodne spojrzenie, ukłon i pocałunek w rękę... przestrzeń taneczna była przeznaczona nie tylko do tańca, ale także do pokazu mody. Suknie balowe były używane nie więcej niż raz lub dwa i miały wyglądać „po najnowszej modzie”.

Pod koniec XIX wieku. wraz ze zmianami w życiu publicznym kultura balowa stopniowo zanika, bale dworskie odbywają się coraz rzadziej. Ostatnie bale i spotkania taneczne odbyły się w 1914 roku.

We wczesnych latach władza radziecka taniec towarzyski został uznany za filisterski i niezgodny z nową polityką kulturalną. Istniała tradycja sowieckich świąt masowych, z żywymi piramidami i paradami sportowymi. Miejsce wieczorów tanecznych w sferze wypoczynku stało się bardzo skromne. Powstały „radzieckie” tańce codzienne, a tańce popularne na świecie zostały zakazane jako „burżuazyjne”. Złożony schemat wielu tańców stał się prostszy i stał się zwykłym deptaniem w miejscu, które nie wymaga specjalnego treningu.

Jednak w kraje europejskie w Wyższe sfery zachowała się tradycja urządzania balów. W Związku Radzieckim sama idea takich balów wydawała się niemożliwa, ale nawet tutaj pamięć kulturowa dała o sobie znać: bale maturalne niezmiennie nazywano „balami absolwentów”.

Dziś kultura świeckich balów odradza się na nowo; wieczory taneczne, salony i bale cieszą się coraz większą popularnością. Tak jak poprzednio spotykają się, poznają i komunikują (można nawet przyjść do nich samemu). Tańce, które błyszczały w minionych stuleciach i historycznie wykonywane na balach, znów są interesujące i modne, w dużej mierze ze względu na swoją przystępność, „niewymagającą”, elegancję i piękno. taniec w sali balowej

Taniec towarzyski (salonowy, domowy) to taniec służący masowej zabawie, wykonywany przez parę lub dużą liczbę uczestników na wieczorach tanecznych (balach). Powstał w XIV wieku. we Włoszech w okresie rozkwitu tego kraju opracowano tam również zasady ówczesnego tańca towarzyskiego, system zapisu tańca. Bale we Florencji XV - XVI wiek. - przykład wspaniałości, barwności, pomysłowości. Następnie w XVI - XVII wieku. Francja staje się ustawodawcą tańca towarzyskiego, technika tańca staje się bardziej skomplikowana. Stworzony w latach 60. XVII wiek Paryska Akademia Tańca przez wiele lat regulowała styl i sposób wykonywania „choreografii balowej”. w XVII wieku taniec towarzyski rozprzestrzenił się w całej Europie.

Dominowały wówczas tańce „niskie” lub basedance (pavan, courant, allemande) – z ukłonami, dygami, salutami, często w formie procesji ze świecami i pochodniami, którym towarzyszył śpiew samych tancerzy. Stopniowo tańce ludowe przenikały na bale i odpowiednio dostosowywały się do sztywności i etykiety dworu i arystokracji.

We Francji barokowej modne było wykonywanie tańców scenicznych na balach, tj. najnowsze wiadomości z oper i baletów. (Możesz sobie wyobrazić średni poziom wyszkolenia choreograficznego ówczesnego społeczeństwa?) W XVIII - XIX wieku. Francja wyznaczała trendy dla całej Europy. Ówczesna rosyjska szlachta przyjęła modę paryską. Dotyczy to w pełni tańca, w którym pomagali zapraszani wówczas z Francji choreografowie, tancerze, nauczyciele, wychowawcy.

Modne tańce XVIII wieku (menuet, gawot) zbudowane są na płynnych i miękkich ruchach rąk i ciała, małych, pełnych gracji krokach. Pod koniec XVIII - początek XIX wieku. słynny menuet traci na popularności i jest raczej środkiem wychowania dobrych manier, kształtowania postawy, wdzięku i płynności ruchu. Prymitywne tańce minionych wieków wypierane są przez stylizowane tańce ludowe z Anglii, Niemiec, Austrii i innych krajów słowiańskich. Masowe ekossaise, kadryl, polonez, walc, polka, mazurek stają się ogólnoeuropejskimi tańcami towarzyskimi. Są bardziej żywe, wyluzowane i lekkie, mają szybsze tempo. Rozwój ruchów swobodnych, skokowych i obrotowych ułatwiła zmiana mody i lekkie stroje.

W drugiej połowie XVIIIw. taniec towarzyski jest mocno zakorzeniony w rosyjskim życiu iw XIX wieku. Rosja staje się jednym z największych ośrodków choreograficznych w Europie. Wiele tańców towarzyskich stworzonych za granicą znalazło swój drugi dom w Rosji.

Począwszy od czasów Piotrowych taniec był przedmiotem obowiązkowym we wszystkich publicznych i prywatnych szkołach wyższych i średnich, szkołach wojskowych i zagranicznych internatach. W Rosji nie tylko dobrze znane były wszystkie najnowsze i stare tańce towarzyskie, ale także potrafili je wykonywać w szlachetny sposób. Wynikało to z faktu, że nauczycielami tańca towarzyskiego byli najczęściej najwięksi mistrzowie rosyjskiej sceny baletowej, znani choreografowie i artyści (A. Głuszkowski, A. Nowicka, L. Stukolkin i wielu innych).

Chcąc wprowadzić różnorodność i nowość do programu wieczoru, mistrzowie tańca wymyślili formy mieszane, łączące ruchy najczęściej spotykanych tańców. Tak powstał polka-mazurek, walc-mazurek itp. Niektóre tańce narodowe - krakowiak, chardasz, tarantella - wykonywano na balach wyższych sfer poprzez "kultywację".

Po zniknięciu bali jako formy masowej rozrywki w XIX wieku, ich funkcję częściowo zastąpiły restauracje łączące kuchnię, parkiet taneczny i teatr.

Pod koniec XIX wieku. Taniec europejski jest wzbogacony kulturą afroamerykańską i latynoamerykańską. Ameryka – Nowy Świat, ucieleśniająca ideę wolności, tańczy rock and rolla, jazz, step, modern, tango, salsę, rumbę itp. Wpływy tańca afrykańskiego i latynoamerykańskiego obejmują cały XX wiek. Rozwija się taniec różnorodny.

W ostatnich dziesięcioleciach, wraz z rozwojem tańca na Zachodzie i posiadaniem wielu mistrzostw, taniec towarzyski przeszedł od życia arystokratycznego do sportu wyczynowego. I choć historycznie pojęcie „tańca towarzyskiego” łączy w sobie wiele tańców z różnych epok, to w ostatnich dziesięcioleciach, mówiąc o tańcu towarzyskim, zwykle mają na myśli tylko 10 tańców rywalizacyjnych, zgrupowanych w dwóch programach – zachodnioeuropejskim i latynoamerykańskim (odpowiednio: wolny walc , tango, walc wiedeński, fokstrot wolny, fokstrot szybki i samba, cha-cha-cha, rumba, paso doble, jive). Jak każda inna forma współzawodnictwa, taniec sportowy to bardzo trudne zadanie, które wymaga ogromnego poświęcenia. Są to poważne zajęcia fizyczne i lekcje indywidualne, spektakularne i skomplikowane wyuczone schematy, kostiumy i specjalne buty, które są genialne pod każdym względem, surowe sędziowanie i zdobywane punkty, aby przejść do następnej klasy.

Taniec towarzyski jest rodzajem umiejętności tanecznych i kaligrafii. Obecnie pochłonęli ogromną liczbę różnych rodzajów choreografii, od tańca ludowego po taniec nowoczesny.

Dziś tańce minionych wieków, historycznie wykonywane na świeckich balach, znów są interesujące i modne. Kultura balów znów jest popularna, a wyrażenie „taniec towarzyski” nabiera swojego pierwotnego znaczenia. Bassedance

Tak zwane „niskie” tańce dworskie, w których nie było podskoków, a nogi prawie nie unosiły się nad podłogę: pavane, chimes, allemande. W tańcach „wysokich” tancerze wirowali (volta) i skakali (galliard).

Bassedance są często określane jako tańce „chodzące”; ułożyły się niejako w małą kompozycję choreograficzną, w której tancerze pokazali się zgromadzonemu społeczeństwu i zademonstrowali swoje bogactwo, przepych strojów i szlachetność obyczajów. Kolumna dworzan płynnie przesuwała się po sali balowej, pochylając się w głębokich pokłonach.

Wśród basów najbardziej rozpowszechniony był branle ballroom: taniec masowy często kojarzony z momentami gry.

gałąź

Branle - (z fr. branler - ruch, huśtawka), stary taniec francuski, pierwotnie ludowy, okrągły, pojawił się w okresie renesansu. W różnych prowincjach wykształciły się charakterystyczne typy branli ludowych, których nazwa pochodzi od miejsca jego urodzenia lub cecha charakterystyczna (branla praczek, branle bretońska itp.) Branly były proste, podwójne, wesołe, imitacyjne.

Później ta chłopska postać przenika do sal feudalnych zamków i sali balowej, pojawia się branle dworskie. Wyróżniał się dużą liczbą ukłonów, miał większą płynność, zaokrąglone ruchy, ceremonię, podczas gdy w tańcu ludowym było więcej stuknięć. Bujne stroje dworskie nadawały tańcu sztywności.

Słowo „branble” charakteryzuje nie tylko rodzaj tańca, ale także jeden z jego ruchów - kołysanie się ciała. Prosta branle jest źródłem wielu późniejszych tańców salonowych. Mimo tanecznego ubóstwa ruchów branlowych (4 małe kroczki, ostatni stopą), połączenie kostiumów, muzyki, dostojnych manier sprawiło, że branle były niezwykle interesujące. W prowincji Poitou menuet stopniowo wyrastał z gałęzi. Walc - Boston

Walc - Boston (nazwa pochodzi od miasta Boston, USA) - popularny w latach 30. XX wiek Amerykański taniec w parach, prekursor późniejszego powolnego walca. Muzyka walca bostońskiego charakteryzuje się lirycznym brzmieniem, wyraźnym rytmem i naciskiem na pierwszą ćwiartkę muz. rozmiar 3/4.

Doskonałym przykładem walca bostońskiego jest balet The Red Poppy RM Gliere'a .

Walc – gawot

Taniec towarzyski, powstały w XX wieku, kiedy to połączone kompozycje cieszyły się dużym powodzeniem. Składa się z dwóch części: gawota i walca. Łuk jest łącznikiem. Muzy. rozmiar pierwszej części to 4/4, druga - 3/4. Występował na imprezach tanecznych i balach.

walc mazurkowy

Taniec towarzyski XIX wieku, podobnie jak polka-mazurek, tworzony według modnej wówczas zasady łączenia ruchów o różnym charakterze w jednym tańcu; pewna piosenka na 32 takty. Muzy. rozmiar 3/4. Składa się z dwóch części: mazurka i walca. Występował na imprezach tanecznych i balach. Węgierski taniec towarzyski

Taniec towarzyski oparty na ruchach stylizowanych węgierskich tańców ludowych, dostępny do masowego wykonania. Klarowność ruchu, powściągliwość i jednocześnie temperament, wiele osobliwych przejść, zmian tempa, uderzeń piętą i ogólnie figlarny charakter tańca sprawiają, że jest on przyjemny i kochany przez wielu.

stał się popularny w czas sowiecki, wykonywana jest na imprezach tanecznych do dziś.

Gawot

Gawot - (od francuskiego gawota), stary taniec francuski, pierwotnie ludowy, okrągły, dwudzielny, znany od XVI wieku. Muzy. rozmiar 4/4.

W XVIII wieku. odradza się, ale na bale przychodzi nie z wiejskich świąt, ale ze sceny, zaaranżowanej przez doświadczonego, profesjonalna ręka. Wraz z menuetem stał się ulubionym tańcem uroczym i manierym. Składał się z lekkich, małych kroków na pół palcach i bardzo wytwornych dygnięć. Wszystko to zostało połączone z wdzięcznymi, ale pretensjonalnymi pozami i miękkimi ruchami dłoni. Główny pas gawota – „krok węgierski” – polega na dwukrotnym przesunięciu stopy do IV pozycji powietrznej, do przodu lub do tyłu. Noga porusza się delikatnie i płynnie, wyprostowana, co wymaga specjalnego treningu.

Dzięki połączeniu doskonałej muzyki z oryginalną treścią taneczną gawot słusznie uważany jest za taniec historyczny. Malarstwo, poezja, rzeźba, próbując oddać ducha walecznego XVIII wieku, często zwracały się ku obrazowi tego szczególnego tańca.

Obecnie wykonywany jest na balach w ramach tańca kombinowanego walc-gawot. Galop

Galop - (z francuskiego galor), taniec towarzyski w szybkim tempie z gwałtownymi ruchami, a także muzyka do takiego tańca. Muzy. rozmiar 2/4. Galop pojawił się na Węgrzech w XVIII wieku, a rozpowszechnił się w latach 30. i 40. XX wieku. 19 wiek Galop często służy jako integralna część, często zakończenie tańca. Rozpoczęły i zakończyły ostatnią figurę kadryla. Stosowany w operach, operetkach i baletach. Postać jest bardzo dynamiczna, ruchy lekkie i poślizgowe, niezwykle proste i szybko się ich uczy, co tłumaczy jego znaczący sukces.

galarda

Starożytny włoski taniec renesansu, szybki, wesoły, muzyczny. rozmiar 3/4. Początkowo tańczono go w umiarkowanym tempie i zwykle wykonywano po pawanie. Galliard to jasny, żywy taniec z technicznie złożonymi skokami. W nim, bardziej niż w innych tańcach dworskich, zachowały się ruchy ludowe. Swoboda i żywiołowość, z jaką wykonywano taniec, nie wykluczała pewnego wyrafinowania, które należało zachować nawet przy szybkich obrotach. Artyści Galliarda mogli naprzemiennie, zmieniać i komplikować ruchy według własnego uznania, jakby rywalizowali ze sobą w zręczności.

Galliarda zawiera wiele ruchów, które przeszły w nowe formy taneczne. Jako odmianę popularnej galliardy znany jest taniec romański lub Five Pas.

Kadryl

Kwadryl - (z francuskiego kadryla - cztery), ludowy taniec masowy i towarzyski XIX wieku, mobilny, muzyczny. rozmiar 2/4, nawiązuje do tańców ludowych. Za miejsce narodzin tego tańca uważana jest Anglia, z której narodził się na początku XVIII wieku. dostał się do Francji. Kwadratowy taniec zawdzięcza swoje rozpowszechnienie i popularność Paryżowi. Francuzi zmienili taniec według własnych upodobań, nie zapominając o dodaniu słowa „francuski”. w latach 70. 19 wiek staje się modnym angielskim kadrylem Lancierem.

W tradycyjnym kadrylu brało udział 4 lub 8 par, które tworzyły czworobok – carre. Jeśli par było więcej, układano je w kilka kwadratów. (W średniowieczu kadryl był niewielkim oddziałem jeźdźców biorących udział w turnieju, rozmieszczonych z czterech stron miejsca przeznaczonego do pojedynku). Prawdopodobnie militarne pochodzenie kadryla tłumaczy jego popularność wśród oficerów na początku XIX wieku. Później ustawiły się dwie linie, a każda linia par tańczyła po kolei każdą figurę kadryla.

W kadrylu było 6 figur, obejmowały gońce, półpalce, galopy, przejścia. Figury kadryla wymagały wykonania żywego, pełnego wdzięku i elegancji. Prowadzący bal mógł według własnego uznania tworzyć różne formacje taneczne. Technika taneczna kadryla została doprowadzona do perfekcji, a ruchy perfekcyjnie wykończone.

Stary francuski kadryl był w centrum uwagi i podstawą każdego balu. W ciągu jednego wieczoru można go było wykonać kilka razy. Jakość występu była poważnym sprawdzianem dla tancerzy, wszystkie oczy publiczności podążały za kadrylem! Kwadryl miał również walor edukacyjny: uczył dobrych manier, umiejętności poruszania się muzycznie, wyraźnie i naturalnie.

W ciągu dwustu lat taniec przeszedł wiele zmian: figury stały się prostsze, pojawiły się zwykłe, codzienne kroki. Kwadryl przekształcił się w taniec relaksacyjny, nieodzowny wśród szybkich walców, galopów i polek.

Wśród ludzi taniec na kwadracie był przez dziesięciolecia modyfikowany, ulepszany i tworzony na nowo. Przyswoiła sobie oryginalne ruchy, rysunki, sposób wykonania, przejmując z tańca salonowego tylko niektóre cechy konstrukcji i nazwy. Rosjanie sprawili, że kadryl był zróżnicowany pod względem wzornictwa, wprowadzając do niego wiele figur rosyjskich tańców okrągłych i tańców. Quadrille wyróżnia się kwadratowym, liniowym, okrągłym. Występował na imprezach tanecznych i balach.

taniec ludowy

Counterdance to nazwa zbiorowa, łącząca ten sam typ tańców - kadryl, anglaise, ecosseuse, grossvater, lancer - zbudowanych wzdłuż kwadratu lub wzdłuż linii, gdzie stała naprzeciw siebie parzysta liczba par.

Po raz pierwszy pojawiły się w Anglii w XVII wieku. i stamtąd wszyscy pożyczali narody europejskie. „Country dance” – z angielskiego „country dance” – oznacza „taniec wiejski, country”. Podobnie jak wiele innych tańców, jego głównym źródłem są tańce ludowe. Ruchy tańca country zostały zbudowane na pas chasse, balance, pas de basque i stopniowo stawały się coraz bardziej skomplikowane. Liczba ich postaci sięgała kilkuset.

Sukces tańców ludowych tłumaczy się tym, że każdy mógł je wykonywać w tym samym czasie (gdyby tylko była parzysta liczba par), podczas gdy tańce dawne (pawana, menuet) wykonywała ograniczona liczba par. Tańce wiejskie w swoim typie i treści tanecznej były ciekawsze i żywsze niż wiele tańców ceremonialnych. Stąd wielki sukces tańców ludowych, które przez prawie dwa stulecia niezmiennie odbywały się na balach wszystkich krajów i wszystkich klas.

Kotylion

Kotylion - (od francuskiego kotylionu), taniec towarzyski pochodzenia francuskiego, znany od XVIII wieku, zyskał popularność w XIX wieku. Złożoność jego kompozycji i pojawienie się ogromnej liczby postaci należą do tego samego czasu. Ani jednej piłki w XIX wieku. nie obyło się bez kotylionu.

Kotylion wystąpił najpierw na zakończenie balu jako pożegnalny występ wszystkich uczestników w ich ulubionych tańcach, a następnie stał się centrum tanecznego wieczoru. Kotylion bardzo przypomina masową grę taneczną, prowadzoną przez jedną parę, która wyznaczała kolejność utworów.

Taniec obejmował ruchy walca, mazurka, polki. Czasami kotylion wykonywano między figurami kadryla.

Gospodarze balów wprowadzili do mody kotylon z dodatkami (różne przedmioty). Różnorodność tych przedmiotów i fantazja prowadzącego bal stworzyła wiele nowych figur, a raczej zabaw i zabaw z przedmiotami, połączonych z tańcami. Niektóre źródła wspominają o ponad 200 figurach kotylionów, na przykład „Krzesła”, „Kwiaty”, „Karty”, „Piramida”, „Tajemnicze ręce”, „Gra w motyle”, „Wzajemna przysługa” itp.

„Kotylion to król tańców, nieoceniony inspirator, bez którego bal nie jest balem, bez którego tancerze na próżno szukają tego, po co przyszli: różnorodności, wesołości, braku jakiejkolwiek techniki, dobrego żartu, nieoczekiwanych efektów” . To gra taneczna, w której działają nie tylko nogi, ale dowcip jest szczególnie wyrafinowany ”(Petrova M. Yu.„ Najnowszy podręcznik samokształcenia Petersburga dotyczący wszystkich tańców publicznych ”St. Petersburg, 1883).

Krakowiak

Polski lud, później taniec towarzyski, nazwany na cześć miasta Krakowa. Muzy. rozmiar 2/4, żywy, dumny taniec. Ruchy tańca są proste, ale energiczne, co wskazuje na jego ludowe pochodzenie. Początkowo tańczyli go tylko mężczyźni: „rycerz” i jego „giermek”. Potem zaczęli tańczyć w tandemie z panią: ona - płynnie i z gracją, on - ostrymi krokami. W Krakowiaku główne części są podobne do ruchów mazurka - z trzema naprzemiennymi stuknięciami całej stopy w podłogę; ponadto pierwszy i trzeci napływ powinny być silniejsze niż drugi.

Najsłynniejsza dziś kompozycja taneczna została zbudowana przez nauczyciela N.L. Gavlikovskiego i łączy w sobie charakterystyczne elementy tańca polskiego z walcem. Zgodnie z wielkością muzyczną część walca (druga) jest wykonywana nie w 3/4, jak w zwykłym walcu, ale w 2/4.

Występował na imprezach tanecznych i balach.

Kurant

Courante - (z francuskiego courante - bieg, płynący), francuski taniec towarzyski dworski, muzyka. rozmiar 3/4, należy do basów. W XVI i na początku XVII wieku, obok pawany, couranta była najbardziej ukochanym tańcem salonowym. Był to „powolny, ważny taniec, szlachetniejszy niż jakikolwiek inny taniec”. Wyróżniał się złożonymi, skomplikowanymi postaciami.

Dzwonek ma swoisty charakter, polegający na „wiecznym płynięciu do przodu”, co oznacza samo słowo „dzwonek”. Pod koniec XVIIw. został wyparty przez inne, mniej uroczyste i bardziej ruchliwe tańce.

Mazurek

Jest całkowicie Francuzem

Mógł mówić i pisać;

Z łatwością tańczył mazurka

I skłonił się swobodnie;

Czego chcesz więcej? Świat zdecydował

Że jest mądry i bardzo miły.

AS Puszkin

Mazurek - (od polskiego mazurka - nazwa mieszkańców Mazowsza) - szybki i zapalczywy taniec towarzyski.

Początki mazurka sięgają mazura polskiego tańca ludowego, który pojawił się w XVI wieku, wyróżniającego się pięknem i różnorodnością ruchów. W Europie mazurek staje się sławny na początku XIX wieku. (mistrzowie tańca nadali tańcowi ludowemu salonowy charakter) i jest najbardziej rozpowszechniony w Rosji. Nigdzie (poza Polską) mazurek nie był tańczony z taką błyskotliwością i kunsztem jak w Rosji. Jego nauka wymagała znacznie więcej czasu, cierpliwości i umiejętności niż nauka innych tańców.

rosyjski mazurek. Z francuskiej litografii z XIX wieku.

Wszystko w mazurku sprzyja obrazowi genialnego kawalerzysty: szczególna postawa i sprężysty krok oraz waleczność grzecznego dżentelmena. To od niego zależało pomyślne wykonanie tańca. Dobiera utwory i zmienia tempo. Mazurek to taniec dziarskich jeźdźców i ich delikatnych dam. Elementami partii męskiej były mocne uderzenia piętą (popędzanie konia), ostre machanie ręką nad głową (ciągnięcie wodzy), „kulawy krok” (przypomnienie kontuzji), natomiast panie miały lekką przebieżkę półpalce i ogólna demonstracja słabości i kruchości. Pani powinna umieć swobodnie latać po sali, umieć wychwycić ruchy i przejścia oferowane przez Pana. Podczas tańca mężczyźni uklękli przed panią na jedno kolano, jakby chcieli jej pomóc zejść z konia. Kawalerowie pysznili się przed swoimi damami, oczarowywali je i podbijali.

Przy okazji, opisując wykonanie mazurka, autorzy dzieła sztuki mowa o ostrogach – element wyposażenia jeźdźca. Nie było w zwyczaju pojawiać się na balu w butach z ostrogami (bo mogły uszkodzić strój damy). Ale ostrogi mają w sobie coś poetyckiego, a obraz dzielnych wojskowych, brzęczących ostrog, miał w sobie wiele romansu.

Figury tańca były różnorodne i liczne, a swobodna improwizacja ruchów sprawiała, że ​​taniec był jasny i ekscytujący. Mazurek zawsze był w centrum każdej uroczystości, czekano na niego, przygotowywano się do niego.

Po tym, jak mazurek na stałe „zapisał się” na salach balowych, mistrzowie tańca wymyślali coraz to nowe figury, a nawet rodzaje mazurków. Pojawił się walc-mazurek i kadryl-mazurek, połączono go z polką, użyto w kotylonie. W pas de trois mazurek stanowi całą część tańca. Jedna z figur mazurka - "Zazdravnaya" - została wykonana z kieliszkiem szampana w dłoni. Mazurek zwykle kończył pierwszą część balu.

Trudno powiedzieć, czy mazurek byłby dziś tak dobrze znany, gdyby nie szczególna rola, jaką w rozwoju jego formy muzycznej odegrał polski kompozytor Fryderyk Chopin. Napisał ponad 50 pięknych mazurków. To, co Chopin zrobił dla mazurka, można porównać tylko do roli Johanna Straussa w walcu.

Menuet

Menuet - (z menu francuskiego - mały) - stary francuski taniec ludowy. Muzy. rozmiar 3/4. Pojawił się w XVII wieku. z gałęzi ludowej, która składała się z małych kroków (pas menu). Ruchy Branla są stylizowane, upiększone; mierzone małe kroki są łączone z gładkimi przysiadami i prymitywnymi ukłonami. Królować Ludwik XIV i XV można nazwać prawdziwą erą menueta. W Rosji wykonywano go na zgromadzeniach Piotra I i na balach szlacheckich za Katarzyny II.

Ani jednego tańca z XVI - XVII wieku. nie cieszył się taką popularnością jak słynny menuet, który jest powszechnie uznanym przykładem sztuki tańca salonowego.

„Menuet jest tańcem królów i królem tańców” – tak nazwali go historycy sztuki tanecznej. Wierzono: „kto dobrze tańczy menueta, ten wszystko robi dobrze”.

W XVIII - początku XIX wieku. wielu nauczycieli tańca uważało, że aby wyprostować swoją postawę i rozwinąć wdzięczne maniery, trzeba to zrobić długi czas uczyć uczniów dokładnie menueta i nie spieszyć się z nauką nowych tańców, dopóki menuet nie zostanie wykonany bezbłędnie. Jeden z najwybitniejszych rosyjskich choreografów i pedagogów, A. P. Głuszkowski, powiedział, że menuet „uczy zręcznego kłaniania się, chodzenia prosto, wdzięcznego wyciągania ręki, a uczeń otrzymuje doskonałe ułożenie całego ciała”.

Główną cechą wykonania menueta jest ceremonialność, waleczność i powaga. Krok menueta - pas grave - jest bardzo płynny, każdy ruch następuje bez przerwy po poprzednim. Nie jest to łatwe do osiągnięcia. Ale nie wolno nam zapominać, że w tamtych czasach zwyczajem było długie studiowanie umiejętności tanecznych; jednego pokłonu menueta uczyli się przez miesiąc, minęły lata, zanim postanowili zatańczyć ten taniec na balu dworskim. Dłonie tancerzy były miękkie, plastyczne, rysując pozy menueta.

Bujne ubrania zobowiązywały do ​​powolnych ruchów. „Tancerzy było niewielu, bo menuet był tańcem wyrafinowanym; co minutę siadaj lub kłaniaj się, a potem ostrożnie; to nie wystarczy, zadbaj o swój ogon, aby nie został odcięty, i uważaj, aby sam nie wpaść w czyjś ogon i nie pomylić się. („Rosyjski posłaniec”, 1878)

Menueta nie tańczono po sali, jego układ zmieniał się w gładkie zaokrąglone linie w postaci liter S i Z, cyfr 2 i 8.

Wszyscy wybitni kompozytorzy używali menueta jako płodnego tematu dla swojej twórczości. Wybitni choreografowie stworzyli nowe menuet pas. Były „Menuet królewski”, „Menuet królowej”, „Menuet dworski”. W XVIII wieku wraz z przyspieszeniem tempa pojawił się szybki menuet.

Menueta pisali prawie wszyscy kompozytorzy muzyka instrumentalna w szczególności menuet otrzymał artystyczne przetwarzanie od Haydna, Mozarta, Beethovena. Spośród kompozytorów rosyjskich wybitne menuety napisali Glinka i Rubinstein. Sługus

Mignon - (z francuskiego mignonne - przyjemny), sparowany taniec towarzyski z końca XIX wieku, pewna kompozycja na 16 taktów, muzyka. rozmiar 3/4. Zbudowany jest na charakterystycznych ruchach walca, zbliżonych charakterem do walca figurowanego. Wprowadzony do użytku przez słynnego nauczyciela tańca N.G. Gawlikowski. Obejmuje ruchy: równowagę, tor i sługę walca (krok schodzenia i obrót walca). Wykonywane w miękki i spokojny sposób. pawana

Pavane - (z łac. ravo - paw), taniec towarzyski o majestatycznym i uroczystym charakterze, należy do bassedanów, wolnego tempa, muzyki. Rozmiar 2/4, jeden z najstarszych znanych nam tańców historycznych. Wraz z dzwonkiem rozpowszechnił się w Europie w XVI wieku. Pojawił się w Hiszpanii jako procesja paradna, trafił do Francji, gdzie pozostając wyłącznie dworskimi, zmienił się i skomplikował. Taniec miał pokazać społeczeństwu majestat tancerzy, wdzięk manier i ruchów, bogactwo strojów. Ruchy pavany są ruchami afiszującej się pavy. Przy muzyce pawan odbywały się różne uroczyste procesje.

Pavane był tańczony jednocześnie przez jedną lub dwie pary. Ścisły porządek naprzemiennych par zależał od pochodzenia i statusu społecznego tancerzy (najpierw król i królowa, potem inne osoby szlacheckie). Pawana cieszyła się dużą popularnością aż do połowy XVII wieku, kiedy to ustąpiła miejsca menuetowi.

padegras

Padegras - (z francuskiego pas de grase), taniec towarzyski w parze ze spokojnymi, pełnymi gracji ruchami, muzyką. rozmiar 4/4. Podobnie jak patrois, powstał w Rosji pod koniec XIX wieku. Rosyjscy choreografowie EM Ivanov i AP Bychkov. A „obce” nazwy tłumaczy fakt, że w XIX wieku francuska terminologia w kulturze tanecznej była równie tradycyjna i powszechnie akceptowana, jak łacina w medycynie i włoska w muzyce.

Taniec charakteryzuje się małymi krokami, przysiadami i stałymi pozycjami. Padegras jest popularny na imprezach tanecznych i balach. Padequatre

Padekatre - (z francuskiego pas de quatre), dość elegancki taniec towarzyski, który był jednym z najczęstszych na przełomie XIX i XX wieku. Udoskonalony i zaktualizowany, został oddany do użytku przez solistę Baletu Petersburskiego i słynnego nauczyciela tańca N. L. Gavlikovsky'ego. Spadekatre składa się z kroków ślizgowych i obrotu walca. Cechą upadkukatra jest wykonanie walca w metrum 4/4 (czyli szybciej). Taniec trwa 4 takty. Pierwszy i drugi takt składają się z czterech kroków, które nadały nazwę tańcowi. Taniec jest bardzo krótki, ale niezwykle elegancki i piękny. Pa-pianka

Należy do grupy klasycznych tańców towarzyskich, składających się z kroków tanecznych, ruchów lekkich, ślizgowych i póz. Występował na imprezach tanecznych i balach. padepatiner

Padepatiner - (z francuskiego patineur - taniec łyżwiarzy), sparowany taniec towarzyski o ustalonej kompozycji, umiarkowanie szybkie tempo, muzyka. rozmiar 2/4. Lekkie, ślizgowe kroki i taneczne pozy imitują ruchy łyżwiarzy. padespany

Padespan - (z francuskiego pas d`Espagne), sparowany taniec towarzyski o ustalonym składzie, umiarkowanie szybkie tempo, muzyka. rozmiar 3/4. Przez kilkadziesiąt lat, stworzony w 1898 roku przez artystę Teatru Bolszoj, rosyjskiego choreografa A. A. Carmana, padespan był jednym z najbardziej lubianych rosyjskich tańców. Zbudowany na prostych elementach tańca hiszpańskiego.

Występował na imprezach tanecznych i balach. pas de trois

Pas de Trois - (od francuskiego pas de trios - taniec na trzy osoby), w balecie klasycznym - taniec trzech wykonawców, a także taniec towarzyski o określonej kompozycji na 24 takty. Składa się z trzech części, różniących się charakterem i tempem: menueta, mazurka i walca. Muzy. rozmiar 3/4.

Podobnie jak padegras powstał w Rosji pod koniec XIX wieku. Rosyjscy choreografowie EM Ivanov i AP Bychkov. Taniec ten cieszył się zasłużonym powodzeniem, podobnie jak inne tańce, które kształciły dobre maniery, wdzięk, wdzięk i muzykalność.

Polonez

„Polonez” („polonez”) po francusku oznacza „polski”. Jest to polski uroczysty taniec-pochód, wywodzący się z ludowych tańców masowych - spacerów. Muzy. rozmiar 3/4. Zasłynął w XVI wieku. jako ceremonialny taniec dworski. W tamtych czasach był raczej „przedstawiany” niż tańczony. Przedstawione królowi damy dworu tworzyły procesję, której towarzyszyła majestatyczna muzyka; taka procesja stała się tradycją i zaczęła otwierać wszystkie uroczystości państwowe, a sama procesja przerodziła się w taniec. W Rosji nazywano to „chodzącą rozmową”, ponieważ podczas tańca wykonawcy mogli prowadzić rozmowę. W przeciwieństwie do większości tańców salonowych, 1. piętro. 18 wiek Polonez nie ustępował swojej pozycji w kolejnych epokach i na wszystkich balach zdecydowanie zajął miejsce pierwszego, „cesarskiego” tańca.

Tym tańcem właściciel domu otwierał każdy bal. Kawaler z pierwszej pary (z najbardziej uhonorowaną damą) był liderem i wyróżniał się wyjątkowo wyrafinowanymi ruchami. Pierwsza para ustawiała ruch, który powtarzała cała kolumna. Zaczynając w pałacu, taniec trwał „tysiącem kapryśnych zwrotów akcji” przez wszystkie mieszkania, w ogrodzie lub w odległych salonach, gdzie ruchy stawały się bardziej swobodne. Polonez „bynajmniej nie był bezsensownym spacerem, całe towarzystwo cieszyło się jego kontemplacją, widząc się tak pięknym, szlachetnym, wspaniałym, kurtuazyjnym. Taniec był nieustannym pokazem blasku, chwały, znaczenia”. (F.Lista)

Polonez powstał (charakterystyczny wyjątek!) po to, by zwrócić na siebie uwagę mężczyzny, podkreślić jego wytworny wygląd i dumną postawę. Nawet nazwa tańca w oryginale - Polski - jest rodzaju męskiego. W tamtych czasach wspaniałe tkaniny, biżuteria i jaskrawe kolory były tak samo powszechne wśród mężczyzn, jak i wśród kobiet. Specjalnej umiejętności wymagało zdejmowanie nakrycia głowy podczas poloneza, przekładanie go z ręki do ręki, dotykanie rękojeści szabli itp.

Początek poloneza wyznaczał ritornello. Krok taneczny jest miękki, pełen gracji i niezmienny (pomimo dziwactw i złożoności całej kompozycji), z głębokim, gładkim przysiadem w 3. ćwiartce każdego taktu. Złączone ręce pana i damy nie wzniosły się wysoko. Ciało tancerzy jest lekko zwrócone w stronę partnera, twarze partnerów również są zwrócone do siebie i ta pozycja jest utrzymywana przez cały taniec. Ciało powinno pozostać ściśle napięte, postawa dumna, kroki przeplatane płynnymi przysiadami i ukłonami. Wszystko odbywa się z poczuciem wielkiej wewnętrznej godności i taktu. W tańcu nie ma szybkich ani skomplikowanych ruchów, ale jednocześnie żaden taniec nie wymaga tak ścisłej koncentracji jak polonez. Tutaj wyraźnie widać najdrobniejszą niezdarność, najmniejszą niepewność w nogach, najdrobniejsze niedopasowanie. Przechodźcie ze szlachetnością, wdziękiem i prostotą, gdy patrzą na was ze wszystkich stron! ..

Po uroczystym otwarciu wieczoru przez gospodarza, każdy z gości miał prawo zająć miejsce u swojej damy i tym samym zostać szefem orszaku. Panie zmieniając panów tyle razy, ile pierwsza z nich zaprosiła nowych panów, szły w tym samym porządku, panowie następowali po sobie i zdarzało się, że ten, który był z przodu na początku tańca, mógł być ostatnim. Kawaler, który został szefem kolumny, próbował prześcignąć swojego poprzednika bezprecedensowymi liczbami, do czego zmusił.

Rolą poloneza było nie tylko zapoznanie się gości, ale także stworzenie pewnej atmosfery: „polski” pomógł wczuć się w taneczny wieczór, który wymagał wielkich umiejętności choreograficznych.

Uroczysty taniec arystokratycznych balów uwiecznił się także w muzyce; genialne polonezy Chopina, Glinki, Ogińskiego! Polonez występuje w operze Czajkowskiego „Eugeniusz Oniegin”, „Iwan Susanin” Glinki. W przeciwieństwie do innych tańców, których melodie są śpiewane, polonez zawsze był gatunkiem instrumentalnym.

Polka

Taniec staroczeski, a nie polski jak sama nazwa wskazuje. Muzy. rozmiar 2/4. Słowo „polka” pochodzi od słowa „pulka”, co w języku czeskim oznacza „pół”. Rzeczywiście, główny ruch tego wesołego tańca składa się z dwóch półkroków połączonych przedrostkiem.

Polka balowa narodziła się z czeskiego tańca ludowego i na wiele sposobów zachowała swoje cechy. Żadne wakacje w Czechach nie są kompletne bez żwawej i wesołej polki. W pierwszej połowie XIXw. Polkę przywiózł do Francji czeski choreograf Josef Neruda.

lata 40. XIX wieku. były czasem gwałtownego entuzjazmu dla Polski w całej Europie, w tym w Rosji. Jej sukces został przyćmiony nawet przez walca. „Wszystko – od ubrań po naczynia – zaczęto nazywać polką”. Wesołość, figlarność, lekkość, nietypowa dla tańców tamtych czasów, przyczyniły się do triumfalnego pochodu polki dookoła świata. Polka łączy uścisk walca z niesamowitą energią i witalnością. Jej naturą jest beztroska i lekkość. Nowy taniec wolno tańczyć spontanicznie i tylko dla przyjemności. Później pojawiły się niektóre odmiany tego tańca, jednak oryginalna polka przeżyła wszystkich swoich spadkobierców.

Jak wszystkie tańce towarzyskie stworzone na gruncie ludowym, polka dobrze przystosowała się do nowych warunków występów na sali tanecznej. Cały jej urok pozostaje niezmienny - w pogodnym rytmie, w szybkich i lekkich podskakujących ruchach i obrotach tańczących par. Polka wykorzystuje różne figury, które tancerze mogą zmieniać według własnego uznania.

Muzyka tego tańca została doceniona przez wielu kompozytorów. Motywy polki słychać w operach, symfoniach i utworach kameralnych. Johann Strauss-syn, niewątpliwy „król walców” został także „królem Polaków” (163 utwory). Czajkowski ma piękne polki, „Polka włoska” Rachmaninowa jest wyjątkowa.

Polka na stałe wpisała się w sztukę taneczną wielu ludów. Zmieniał się, nabierając narodowego posmaku, ale zawsze zachowywał połączenie ruchliwości i siły tańca męskiego z kokieteryjnym wdziękiem tańca kobiecego. Serbowie, Słowacy, Węgrzy, Polacy mają taniec ludowy polkę. Większość tańców bałtyckich opiera się na polce. Odegrało to również dużą rolę w rozprzestrzenianiu się polki towarzyskiej na całym świecie. Są niemieckie, fińskie, szwedzkie, a nawet brazylijskie polki.

Polka jest nadal popularna, tańczona na konkursach, balach, wieczorkach tanecznych.

Taniec towarzyski należy wykonać w parach. Takie tańce są dziś powszechnie określane jako znormalizowane tańce sportowe wykonywane na zawodach tanecznych i uroczystych imprezach. Dziś w świecie tańca istnieją dwie główne klasyfikacje, w sumie składające się z dziesięciu stylów tanecznych: programy europejskie i latynoamerykańskie. Przeczytaj więcej o tańcu poniżej.

Historia tańca towarzyskiego

Pochodzenie pojęcia „taniec towarzyski” pochodzi od łacińskiego słowa „ballare”, oznaczającego „tańczyć”. W przeszłości tańce takie były świeckie i przeznaczone tylko dla najwyższych osób, a tańce ludowe pozostały dla uboższych warstw ludności. Od tego czasu taki podział klasowy w tańcach oczywiście już nie istnieje, a wiele tańców towarzyskich to właściwie uszlachetnione tańce ludowe. W szczególności kultura ludów afrykańskich i latynoamerykańskich miała ogromny wpływ na współczesny taniec towarzyski.

To, co nazywamy tańcem towarzyskim, zależy również od epoki. W różnych okresach na balach prezentowano różne tańce, takie jak polonez, mazurek, menuet, polka, kadryl i inne, które dziś uznawane są za historyczne.

W latach dwudziestych XX wieku w Wielkiej Brytanii powstała Rada Tańca Towarzyskiego. Dzięki jego działaniom taniec towarzyski nabrał wówczas formatu zawodów i zaczął dzielić się na dwie grupy – na tańce sportowe i tzw. tańce towarzyskie. W programie znalazły się: walc, tango oraz wolne i szybkie odmiany fokstrota.

W latach 30. - 50. liczba tańców wzrosła: do programu weszły takie sparowane tańce latynoamerykańskie, jak rumba, samba, cha-cha-cha, paso doble i jive. Jednak w latach 60. taniec towarzyski przestał być zwykłą rozrywką, ponieważ wymagał pewnego trening techniczny i został wyparty przez nowy taniec zwany twistem, którego nie trzeba było tańczyć w parach.

Tańce programu europejskiego

W programie tańców europejskich, czyli standardu, znajdują się: wolny walc, tango, fokstrot, quickstep i walc wiedeński.

Powolny walc

W XVII wieku walc był tańcem ludowym na wsiach austriackich i bawarskich, dopiero na początku XIX wieku był prezentowany na balach w Anglii. Wtedy uznano to za wulgarne, ponieważ był to pierwszy taniec towarzyski, w którym tancerz mógł tak blisko trzymać partnerkę. Od tego czasu walc zajął dużo czasu Różne formy, ale każdy z nich łączy niepowtarzalna elegancja i romantyczny nastrój.

Cechą walca jest metrum muzyczne w trzech kwartałach i wolne tempo (do trzydziestu uderzeń na minutę). Podstawowe figury możesz opanować samodzielnie w domu.

Tango to taniec towarzyski, który powstał w Argentynie pod koniec XIX wieku. Początkowo tango było częścią programu tańca latynoamerykańskiego, ale potem zostało przeniesione do standardowego programu europejskiego.

Być może, widząc tango przynajmniej raz, później każdy będzie w stanie rozpoznać ten taniec - tej asertywnej, namiętnej postawy nie można pomylić z niczym. Cechą tanga jest zamaszysty krok na całej stopie, co odróżnia je od klasycznego „flow” od pięty do palców.

Powolny Foxtrot

Foxtrot to stosunkowo prosty taniec towarzyski, który zapewnia początkującym doskonałą podstawę do dalszego rozwoju. Foxtrota można tańczyć w wolnym, średnim i szybkim tempie, dzięki czemu nawet początkujący mogą z wdziękiem poruszać się po parkiecie bez specjalnych umiejętności. Taniec jest dość łatwy do nauczenia się od podstaw.

Główną cechą fokstrota jest naprzemienność szybkich i wolnych rytmów, ale konieczna jest płynność i lekkość kroków, co powinno sprawiać wrażenie, że tancerze fruwają po sali.

Szybki krok

Quickstep pojawił się w latach dwudziestych XX wieku jako połączenie fokstrota i Charlestona. Zespoły muzyczne tamtych czasów grały muzykę zbyt szybką dla ruchów fokstrota, więc zostały zmodyfikowane w quickstep. Od tego czasu, w miarę rozwoju, ten taniec towarzyski stał się jeszcze bardziej dynamiczny, pozwalając tancerzom popisać się swoją techniką i atletyzmem.

Quickstep łączy w sobie wiele różnych elementów, takich jak podwozie, progresywne skręty i stopnie, by wymienić tylko kilka.

Walc wiedeński to jeden z najstarszych tańców towarzyskich, wykonywany w szybkim tempie, charakterystycznym dla pierwszych walców. Złoty wiek walca wiedeńskiego w Europie przypadł na początek XIX wieku, kiedy żył i tworzył słynny kompozytor Johann Strauss. Popularność tego walca rosła i spadała, ale nigdy nie wyszedł z mody.

Rozmiar walca wiedeńskiego jest taki sam jak walca wolnego, to trzy czwarte, a liczba uderzeń na sekundę jest dwa razy większa - sześćdziesiąt.

Tańce z programu latynoamerykańskiego

Następujące sportowe tańce towarzyskie zwykle reprezentują program tańca latynoamerykańskiego: cha-cha-cha, samba, rumba, jive i paso doble.

Samba

Ten taniec towarzyski jest uważany za narodowy taniec Brazylii. Świat zaczął odkrywać sambę od 1905 roku, ale ten taniec towarzyski stał się sensacją w USA dopiero w latach 40. za sprawą piosenkarki i gwiazdy filmowej Carmen Mirandy. Samba ma wiele odmian, na przykład samba tańczona w brazylijskich karnawałach i taniec towarzyski o tej samej nazwie to nie to samo.

Samba łączy w sobie wiele ruchów, które wyróżniają inne tańce latynoamerykańskie: są okrężne ruchy bioder i „sprężystych” nóg oraz mierzone obroty. Nauka nie jest jednak zbyt popularna: szybkie tempo występów i konieczność treningu fizycznego często pozbawiają początkujących tancerzy entuzjazmu.

Nazwa tego tańca nawiązuje do dźwięków, jakie tancerze wydają stopami, tańcząc w rytm marakasów. Taniec wyewoluował z rumby i tańca mambo. Mambo było szeroko rozpowszechnione w USA, ale jego szybka muzyka była bardzo trudna do tańca, więc kubański kompozytor Enrique Jorin zwolnił muzykę - i narodził się taniec cha-cha-cha.

Cechą cha-cha-cha jest tak zwany potrójny krok na dwa liczenia. Ta cecha uczyniła cha-cha-cha odrębnym tańcem, odróżniającym go od mambo, chociaż inne ruchy są dość podobne do tego stylu. Cha-cha-cha charakteryzuje się również minimalnymi ruchami po sali, w zasadzie ten taniec towarzyski wykonywany jest niemal w jednym miejscu.

Rumba ma dość bogatą historię – pojawiła się zarówno jako gatunek muzyczny, jak i styl taneczny z korzeniami w Afryce. Rumba to bardzo rytmiczny i złożony taniec, który zrodził wiele innych stylów tanecznych, w tym salsę.

Wcześniej ten taniec latynoamerykański był uważany za zbyt wulgarny ze względu na nieskrępowane ruchy. Do dziś nazywa się to tańcem miłości. Nastrój tańca może zmieniać się w trakcie jego wykonywania - od wyważonego do agresywnego. Styl wykonania przypomina style mambo i cha-cha-cha. Głównymi miarami rumby są QQS lub SQQ (od angielskiego S - „wolny” - „wolny” i Q - „szybki” - „szybki”).

„Paso doble” to po hiszpańsku „dwa kroki”, co określa jego marszowy charakter. To potężny i rytmiczny taniec, który charakteryzuje się prostymi plecami, spojrzeniem spod brwi i dramatycznymi pozami. Wśród wielu innych tańców latynoamerykańskich paso doble wyróżnia się tym, że w swoim pochodzeniu nie doszuka się afrykańskich korzeni.

Inspiracją do tego hiszpańskiego tańca ludowego były walki byków, w których mężczyzna niezmiennie przedstawiał poskramiacza matadora, a kobieta odgrywała rolę jego peleryny lub byka. Jednak podczas wykonywania paso doble na zawodach tanecznych partner nigdy nie przedstawia byka - tylko płaszcz. Ze względu na swoją stylizację i dużą liczbę zasad, ten taniec towarzyski praktycznie nie jest wykonywany poza zawodami tanecznymi.

jive

Jive narodził się w afroamerykańskich klubach na początku lat 40. Samo słowo „jive” oznacza „wprowadzającą w błąd gadaninę” – popularne określenie slangowe wśród ówczesnych Afroamerykanów. Wojsko USA sprowadziło taniec do Anglii podczas II wojny światowej. Tam jive został zaadaptowany do brytyjskiej muzyki pop i przybrał dzisiejszą formę.

Cechą charakterystyczną jive'a jest szybkie tempo tańca, dzięki któremu ruchy wychodzą sprężyste. Kolejną cechą jive'a są proste nogi. Możesz zatańczyć ten sportowy taniec towarzyski zarówno na 6, jak i na 8 taktów.

W latach trzydziestych i czterdziestych XIX wieku w ruchu romantycznym scena baletowa była pełna duchów natury, wróżek i sylfów. Kult baletnicy zastąpił kult tancerza, którego ostatnim i największym wyrazicielem był urodzony we Włoszech francuski tancerz Gaetin Vestris (1729–1808). Techniki tańca kobiet zostały znacznie ulepszone. Jeszcze bardziej skrócono długość spódnicy, wprowadzono również baletki, które umożliwiały taniec na palcach. Choreografowie nadal walczyli o bardziej wyraziste ruchy i podkreślenie indywidualnych cech swoich tancerzy.

Balet „La Sylphide” (1836) doskonale ukazywał główny temat baletu romantycznego – walkę między realny świat i świat duchowy. Temat ten został rozwinięty w Giselle (1841) i Ondine (1843). W tym czasie wyznaczały trendy Paryż i Londyn, a to właśnie w Londynie w 1845 roku odbyła się premiera „Pas de quatre” – produkcji badetowej, do której francuski choreograf Jules Perrot zaprosił cztery najwybitniejsze ówczesne baletnice występują w 4 aktach: Marie Taglioni (1804-84), Carlotta Grisi (1819-99), Fanny Cerrito (1817-1909) i Lucille Grand (1819-1907).

Potem balet romantyczny szybko podupadł, przynajmniej w tych miastach. Jednak w Kopenhadze rozwijał się nadal na początku lat 60. XIX wieku za sprawą choreografa Auguste'a Bournonville'a, którego repertuar przejął Królewski Balet Duński w drugiej połowie XX wieku. Ówczesna Rosja dzięki urodzonemu we Francji choreografowi Mariusowi Petipie (1819-1910) i jego rosyjskiemu asystentowi Lwowi Iwanowowi (1834-1901) stworzyła własną, znaną na całym świecie kulturę baletową. Początkowo rosyjskie tradycje teatralne były ściśle związane z Paryżem, ale stopniowo rozwinęły własną kulturę baletową. Najwspanialszą godzinę baletu klasycznego w carskiej Rosji osiągnięto w petersburskich produkcjach, takich jak Śpiąca królewna (1890), Dziadek do orzechów (1892) i Jezioro łabędzie (1895), do których muzykę skomponował Piotr Iljicz Czajkowski, a także jako "Rajmund" (1898) Aleksander Głazunow (1865-1936). Podczas gdy balet kwitł w Petersburgu i Moskwie, w Paryżu zanikał. Baletnice zaczęły pojawiać się nawet w rolach męskich, np. w Coppélia (1870).
W XIX wieku nastąpił również bezprecedensowy wzrost wpływów podróżniczych i międzykulturowych. To sprowadziło na zachodnią scenę wiele „egzotycznych” stylów tanecznych. Na wystawy w Paryżu przyjechały zespoły z Indii i Japonii, które wzbudziły żywe zainteresowanie tańcami ludowymi i etnicznymi. Baleriny Baletu Romantycznego objechały wszystkie europejskie miasta: od Mediolanu i Londynu po Moskwę. Austriacka tancerka Fanny Elssler odbyła dwuletnią podróż po obu Amerykach na początku lat czterdziestych XIX wieku. Wielcy choreografowie podróżowali także do wszystkich miast. Język tańca stał się realnym środkiem komunikacji międzynarodowej, ponieważ nie był zależny ani od kraju, ani od języka, jakim się w nim mówi.

Taniec w USA w XIX wieku

W XIX wieku ogromną popularność w Europie zyskały również inne rozrywki taneczne, które były bardziej „lekkie” niż balet klasyczny. W Paryżu kobiecy kankan był u szczytu mody. Jego szalona energia, arogancja i flirt na granicy faulu stały się prawdziwym objawieniem dla publiczności. Po 1844 roku taniec ten stał się elementem sal koncertowych, rewii i operetek. Gatunek ten został rozwinięty przez kompozytora operetki Jacquesa Offenbacha (1819–80) i barwnie przedstawiony przez malarza Henri de Toulouse-Lautreca (1864–1901).

W tym czasie w Londynie kwitły balety Alhambra i Imperial Ballet, które były głównie wystawiane balety klasyczne na różne tematy. Ale Ameryka dostarczyła najszerszej różnorodności tańców, w których po wojnie, na tle patriotycznej fali po wojnie o niepodległość, zaczęły masowo pojawiać się różne tańce o tematyce wolnościowej, a także tańce z epoki odrodziła się kolonizacja Ameryki.
Osobno należy wspomnieć o pokazach minstreli, ekstrawagancjach, burleskach i wodewilach, które stały się popularne w Ameryce w XIX-XX wieku. Reprezentowali fuzję szerokiej gamy tanecznych i teatralnych wpływów, zwłaszcza zaczerpniętych z czarnej kultury. Biali ludzie zaczęli tańczyć „czarne tańce”, malując twarze na czarno, a ciemnoskórzy mężczyźni wybielali twarze i tańczyli białe tańce. W spektakle teatralne zaczęły pojawiać się wszelkiego rodzaju tańce od baletów importowanych z Europy po zupełnie autentyczne tańce kobiet miejscowych Indian, którzy byli o krok od striptizu. Amerykańscy tancerze zaczęli cieszyć się dobrą opinią zarówno w Ameryce, jak iw Europie. Pierwsza była tancerka baletowa Augusta Maywood (1825–1876). amerykańska tancerka który zaczął występować w Operze Paryskiej.

W XIX wieku nastąpił również ogromny wzrost liczby publicznych sal tanecznych i innych instytucji związanych z tańcem w szybko rozwijających się miastach zachodnich Stanów Zjednoczonych. Tańce wiejskie rdzennych Amerykanów, bardzo szybkie dwuetapowe, wykonywano do marszów, a Cakewalk zaczął tu odradzać. Po raz pierwszy Europa znalazła coś nowego w Nowym Świecie, z czego mogła czerpać dla swojej sceny tanecznej. Również w tym czasie tempo tańców znacznie przyspieszyło, odzwierciedlając być może przyspieszenie tempa życia i wielkie przemiany społeczne stulecia.

Tańce początku XX wieku

W pierwszych latach XX wieku, przed wybuchem I wojny światowej, w rozwoju tańców wyraźnie zaznaczały się dwa nurty. Jakby w jakiś sposób uświadomiły sobie zbliżającą się katastrofę, zamożne społeczeństwa Europy i Ameryki oddawały się rozrywkom, z których jedną z głównych była taka szybki taniec jak walce i galopy. Równocześnie podejmowano próby wskrzeszenia średniowiecznych tańców, takich jak menuet, gawot i pawana, choć wypadły one raczej słabo. Jednak prawie nigdy nie było tak gorączkowego poszukiwania nowych form, tak radykalnej zmiany znaczeń, które wcześniej uważano za oczywiste, takiej fascynacji wśród młodzieży wszystkich krajów w poszczególnych kategoriach i nie tylko. dynamiczny sposóbżycie. Na wszystkie sztuki duży wpływ miało szybkie nagromadzenie odkryć w naukach fizycznych i społecznych, a także rosnąca świadomość problemów społecznych.

Podsumowując, był to niezwykle pracowity czas dla rozwoju tańca: nigdy wcześniej nie powstało tak wiele nowych pomysłów i tak wielu ludzi nie zainteresowało się tańcem. Balet został całkowicie odnowiony pod kierunkiem rosyjskiego impresario Siergieja Diagilewa (1872-1929). Balet zainspirował niektórych z najważniejszych kompozytorów i artystów tamtych czasów, stając się główną bazą dla większości prac w sztuce tańca. Zwolennicy innego ruchu „reformy tańca nowoczesnego”, wzorowanego na tańcach amerykańskiej baletnicy Isadory Duncan, zaczęli próbować odejść od konwencji, które obowiązywały w okresie baletu romantycznego.

Ten nowy nurt rozwijał się szczególnie intensywnie w Niemczech, gdzie jego ekspresjonistyczne formy nazwano Ausdruckstanz („taniec ekspresjonistyczny”). Taniec towarzyski został mocno zmodyfikowany ze świeżymi wpływami kultur południowoamerykańskich, kreolskich i afrykańskich. Po silnym wzroście popularności afroamerykańskiego jazzu, cały duch i styl taniec towarzyski zmieniły się radykalnie iw kolejnych dekadach stały się znacznie bardziej swobodne, spokojne i „intymne”.

Odrodziło się również zainteresowanie tańcami ludowymi, które były autoekspresją zwykli ludzie w minionych wiekach. Częściowo ułatwiały to specjalne stowarzyszenia tańca ludowego, a także różne ruchy młodzieżowe, które widziały, że tańce te mogą pomóc w kształtowaniu nowych uczuć społecznych. Tańce teatralne wszelkiego rodzaju, które powstały ze stylizowanych wielowiekowych tańców Wschodu, osiągnęły nowe wyżyny popularności.