Ludowa komedia dell’arte. Arlekin

KOMEDIA DEL ARTE(commedia dell "arte); inna nazwa to komedia masek, - improwizacja teatr uliczny włoski renesans, która powstała w połowie XVI w. i faktycznie utworzył pierwszy w historii profesjonalny teatr.

Wyszła Commedia dell’arte święta ulicy i karnawały. Jej bohaterowie są swego rodzaju społecznymi obrazami, w których kultywowane są nie indywidualne, ale typowe cechy. Nie było sztuk jako takich w commedia dell'arte, tylko wykres wykresu, scenariusz, który podczas występu był wypełniony żywymi replikami, które zmieniały się w zależności od składu publiczności. To właśnie ta improwizacyjna metoda pracy doprowadziła komików do profesjonalizmu - a przede wszystkim do rozwoju zespołu, zwiększona uwaga do partnera. W rzeczywistości, jeśli aktor nie śledzi uważnie uwag improwizacyjnych i linii zachowania partnera, nie będzie w stanie wpasować się w elastycznie zmieniający się kontekst spektaklu. Przedstawienia te były ulubioną rozrywką masowej, demokratycznej publiczności. Commedia dell'arte chłonęła doświadczenia teatru farsy, ale tutaj również parodiowano zwykłych bohaterów „uczonej komedii”. Pewna maska ​​była raz na zawsze przypisana danemu aktorowi, ale rola – mimo sztywnych ram typologicznych – w trakcie każdego spektaklu nieustannie się zmieniała i rozwijała.

Liczba masek, które pojawiły się w commedia dell'arte, jest niezwykle duża - ponad sto. Jednak większość z nich była raczej wariantami kilku podstawowych masek.

Commedia dell'arte miała dwa główne ośrodki - Wenecję i Neapol. Zgodnie z tym rozwinęły się dwie grupy masek. Północny (wenecki) składał się z Doctora, Pantalone, Brigelli i Harlequina; południowy (neapolitański) - Coviello, Pulcinella, Scaramuccia i Tartaglia. Styl wykonania weneckiej i neapolitańskiej commedia dell'arte również nieco się różnił: maski weneckie sprawdzały się głównie w gatunku satyry; Neapolitańczycy stosowali więcej sztuczek, grubiańskich żartów błazeńskich. Według grup funkcjonalnych maski można podzielić na następujące kategorie: osoby starsze ( obrazy satyryczne Pantalone, lekarz, Tartaglia, kapitan); służący (komediowe postacie zanni: Brighella, Arlekin, Coviello, Pulcinella i służąca z fanteski – Smeraldina, Francesca, Colombina); kochankowie (obrazy najbliższe bohaterom dramat literacki grane tylko przez młodych aktorów). W przeciwieństwie do starców i służących kochankowie nie nosili masek, byli bogato ubrani, odznaczali się niezwykłą plastycznością i dialektem toskańskim, w którym Petrarka pisał swoje sonety. To aktorzy grający role kochanków jako pierwsi porzucili improwizację i zaczęli spisywać teksty swoich postaci.

Najczęściej głównymi aktorami trupy (capo commico) byli autorzy scenariuszy. Pierwszy drukowany zbiór scenariuszy opublikował w 1611 roku aktor Flaminio Scala, który przewodził słynnej trupie Gelosi. Inne najbardziej znane zespoły to Confidenti i Fedeli.

Komedia włoska del arte dała początek całej konstelacji genialnych aktorów (z których wielu było pierwszymi teoretykami sztuki sceniczne): Isabella i Francesco Andreini, Giulio Pasquati, Bernardino Lombardy, Marc-Antonio Romagnesi, Nicolo Barbieri, Tristano Martinelli, Teresa, Catarina i Domenico Biancolelli, Tiberio Fiorilli i inni.Z końca XVI wieku. Zespoły zaczęły szeroko koncertować w Europie - we Francji, Hiszpanii, Anglii. Jej popularność osiągnęła szczyt. Jednak do połowy XVII w. commedia dell'arte zaczęła podupadać. Zaostrzenie polityki Kościoła wobec teatru w ogóle, a zwłaszcza wobec commedia dell'arte, doprowadziło do tego, że komicy osiedlali się na stałe w innych krajach. Na przykład w Paryżu, na bazie włoskiej trupy, otwarto teatr Comedie Italienne.

Weneckie maski. Maski z komedii dell'arte

Komedia del arte (po włosku la commedia dell „arte”), lub komedia masek - rodzaj włoskiego teatr ludowy, których spektakle powstawały metodą improwizacji, na podstawie scenariusza zawierającego zwięzły schemat fabularny spektaklu, z udziałem aktorów ubranych w maski. W różnych źródłach określany również jako la commedia a soggetto (teatr scenariuszy), la commedia all'improvviso (teatr improwizacji) lub la commedia degli zanni (komedia zanni).

Liczba masek w commedia dell'arte jest bardzo duża (w sumie jest ich ponad sto), ale większość z nich to postacie spokrewnione, różniące się jedynie imionami i drobnymi szczegółami. Główni bohaterowie komedii to dwa kwartety masek męskich, maska ​​Kapitana, a także postacie nie noszące masek, są to dziewczyny zanni i Kochankowie, a także wszystkie szlachetne damy i panowie.

Męskie postacie
Północny (wenecki) kwartet masek:
- Pantalone (Manifico, Cassandro, Uberto), - Kupiec wenecki, wredny staruszek;
- Doktor (Doktor Balanzone, Doktor Graziano), - pseudonaukowiec doktor prawa; starzec;
- Brighella (Scapino, Buffetto), - pierwszy zanni, inteligentny sługa;
- Arlekin (Mezzetino, Truffaldino, Tabarino), - drugi zanni, głupi sługa;

Południowy (neapolitański) kwartet masek:
- Tartaglia, jąkający się sędzia;
- Scaramuccia, chełpliwy wojownik, tchórz;
- Coviello, pierwszy zanni, sprytny sługa;
- Pulcinella (Polishinel), drugi zanni, głupi sługa;

Kapitan to chełpliwy wojownik, tchórz, północny odpowiednik maski Scaramucciego;
- Pedrolino (Piero, Pajac), służący, jeden z zanni.
- Lelio (również Orazio, Lucio, Flavio itp.), młody kochanek;

postacie kobiece
- Isabella (również Luchinda, Vittoria itp.), Młoda zakochana; często bohaterka była nazywana imieniem aktorki, która grała tę rolę;
— Colombina, Fantesca, Fiametta, Smeraldina itd. są sługami.

ZANNI (Zanni) - Nazwa zwyczajowa sługa komediowy. Nazwa pochodzi od męskie imię Giovanni, który był tak popularny wśród zwyczajni ludzie, które stało się powszechnie znanym imieniem służącego. Posiadłość Zanni obejmuje takie postacie jak Harlequin, Brighella, Pierino, które pojawiły się później. Cechami charakterystycznymi bezimiennych zanni są nienasycony apetyt i ignorancja. Żyje wyłącznie dniem dzisiejszym i nie myśli o skomplikowanych sprawach. Zwykle oddany swojemu panu, ale nie lubi dyscypliny. W przedstawieniu wzięły udział co najmniej 2 takie postacie, z których jedna była głupia, a druga wręcz przeciwnie, wyróżniała się lisim umysłem i zręcznością. Byli po prostu ubrani - w bezkształtną lekką bluzę i spodnie, zwykle uszyte z worków po mące. Maska początkowo zakrywała całą twarz, więc aby porozumieć się z innymi bohaterami komedii zanni, konieczne było podniesienie jej dolnej części (co było niewygodne). Następnie maska ​​została uproszczona i zaczęła zakrywać tylko czoło, nos i policzki. charakterystyczna cecha maska ​​​​zanni to wydłużony nos, a jego długość jest wprost proporcjonalna do głupoty postaci.

ARLEKIN (Arlecchino) - zanni bogatego starca Pantalone. Kostium Arlekina wyróżnia się jasnością i różnorodnością: składa się z rombów w kolorach czerwonym, czarnym, niebieskim i zielonym. Taki wzór symbolizuje skrajną biedę Arlekina – jego ubranie składa się niejako z niezliczonej ilości źle dobranych łat. Postać ta nie umie czytać ani pisać, a z pochodzenia jest wieśniakiem, który opuścił zubożałą wioskę Bergamo, aby udać się do pracy do dobrze prosperującej Wenecji. Harlequin z natury jest akrobatą i klaunem, więc jego strój nie powinien krępować ruchów. Złośliwa osoba nosi ze sobą kij, którym często tłucze inne postacie.

Pomimo zamiłowania do oszustwa, Harlequin nie może być uważany za łajdaka - człowiek po prostu musi jakoś żyć. Nie jest szczególnie bystry i raczej żarłoczny (miłość do jedzenia bywa silniejsza niż zamiłowanie do Columbine, a głupota uniemożliwia realizację miłosnych planów Pantalone). Maska Harlequina była czarna, ze złowrogimi rysami (według jednej wersji samo słowo „Harlequin” pochodzi od imienia jednego z demonów „Piekła” Dantego - Alicino). Na głowie miał biały filcowy kapelusz, czasem z futrem lisa lub królika.
Inne nazwy: Bagattino, Trufaldino, Tabarrino, Tortellino, Gradelino, Polpettino, Nespolino, Bertoldino i tak dalej.

KOLOMBINA (Kolumbina) - sługa Kochanka (Inamorata). Pomaga swojej kochance w sprawach sercowych, zręcznie manipulując resztą bohaterów, którzy często nie są jej obojętni. Columbine wyróżnia się kokieterią, kobiecą wnikliwością, wdziękiem i wątpliwą cnotą. Ubrana jest, podobnie jak jej stały zalotnik Arlekin, w stylizowane kolorowe łaty, jak przystało na biedną dziewczynę z prowincji. Głowę Columbine zdobi biały kapelusz w kolorze fartucha. Nie ma maski, ale jej twarz jest mocno umalowana, jej oczy są szczególnie mocno narysowane.
Inne nazwy: Harlequin, Corallina, Ricciolina, Camilla, Lisette.

PEDROLINO lub PIERINO (Pedrolino, Pierino) - jedna z postaci-sługa. Pedrolino ubrany jest w luźną białą tunikę z wielkimi guzikami i zbyt długimi rękawami, okrągły karbowany kołnierzyk wokół szyi i czapkę z wąską okrągłą koroną na głowie. Czasami ubrania miały duże kieszenie wypchane pamiątkami o romantycznym charakterze. Jego twarz jest zawsze mocno wybielona i pomalowana, więc nie ma potrzeby noszenia maski. Pomimo tego, że Pedrolino należy do plemienia Zanni, jego charakter diametralnie różni się od Harlequina czy Brighelli. Jest sentymentalny, kochliwy (choć cierpi głównie na soubrette), ufny i oddany właścicielowi. Biedak zwykle cierpi niespełniona miłość Colombina i przed kpinami innych komików, których organizacja umysłowa nie jest tak dobra.
Rolę Pierino w trupie często odgrywał młodszy syn, bo ten bohater musiał wyglądać młodo i świeżo.

BRIGELLA (Brigella) - Kolejny zanni, partner Harlequina. W wielu przypadkach Brigella jest self-made manem, który zaczynał bez grosza przy duszy, ale stopniowo odłożył trochę pieniędzy i zapewnił sobie dość wygodne życie. Często jest przedstawiany jako właściciel tawerny. Brigella jest wielkim miłośnikiem pieniędzy i kobieciarzem. To właśnie te dwie emocje – pierwotna żądza i chciwość – zastygły na jego zielonej półmasce. W niektórych produkcjach pojawia się jako służący, o bardziej okrutnym charakterze niż jego młodszy brat Arlekin. Brigella wie, jak zadowolić właściciela, ale jednocześnie jest w stanie go oszukać, nie bez korzyści dla siebie. Jest przebiegły, podstępny iw zależności od okoliczności może być każdym - żołnierzem, marynarzem, a nawet złodziejem.

Jego kostium to biały stanik i spodnie w tym samym kolorze, ozdobione poprzecznymi zielonymi paskami. Często nosi ze sobą gitarę, ponieważ ma skłonność do grania muzyki.

Maska Brighelli, choć była jedną z najbardziej lubianych przez zwykłych widzów, z reguły pozostawała na tle intrygi, brak aktywnej akcji rekompensowała duża liczba wstawianych trików i muzycznych przerywników. Obrazy bliskie Brighelli obecne są w komediach Lope de Vegi i Szekspira; to także Scapin, Mascaril i Sganarelle Moliera i Figara Beaumarchais.

KOCHANKI (zakochani) - stali bohaterowie commedia del arte, panowie Colombina, Harlequin i inni zanni. Zakochani wyglądają na oderwanych od życia, pompatycznych postaci. Jeśli się ruszają, to baletowo, nienaturalnie eksponując skarpetki. Dużo gestykulują i często patrzą w lustro. Główne cechy Kochanków to próżność, bolesne zwracanie uwagi na własny wygląd, nerwowość, zanurzenie w swoich uczuciach i kompletna nieudolność, którą aktywnie wykorzystują zanni. Nawet ich imiona brzmią górnolotnie (mężczyźni nazywali się zwykle Silvio, Fabrizio, Aurelio, Orazio, Ottavio, Lelio, Leandro lub Florindo, a kobiety Isabella, Flaminia, Vittoria, Silvia, Lavinia lub Ortensia).
Inamorati zawsze ubierała się zgodnie z najnowszą modą, przesadnie skrupulatna i inteligentna. Maski zostały zastąpione grubą warstwą makijażu, dzięki czemu role Izabeli i Lelio były dalekie od przystępności. młodzi aktorzy. Ponadto peruki, muchy i wszelkiego rodzaju biżuteria były nieodzownym dodatkiem ich toalety. Młodzi mężczyźni często przebierali się w piękne Mundur wojskowy. W trakcie akcji kostiumy Zakochanych mogły zmieniać się kilkakrotnie.

Pomimo tego, że intryga komedii zbudowana jest wokół miłości młodych, kochankowie zawsze pozostają w cieniu masek zanni, a ich miłość jest zawsze postrzegana z pewną dozą ironii.

ISABELLA (również Luchinda, Vittoria itp.), młody kochanek; często bohaterka była nazywana imieniem aktorki, która grała tę rolę

PULCINELLA (Pulcinella) - włoski odpowiednik rosyjskiej Pietruszki, angielski p. Punch i French Open. typowy przedstawiciel proletariat neapolitański ze wszystkimi jego charakterystycznymi cechami. Ciekawe, że Pulcinella jest obrazem niejednoznacznym, mógł być w sztuce zarówno głupi, jak i przebiegły, sługa, pan, tchórz i łobuz. Imię tej postaci jest tłumaczone z włoskiego jako „kurczak” i jest oczywiście związane z jego maską, której najbardziej rzucającym się w oczy elementem jest duży nos w kształcie dzioba. Kostium Pulcinelli składa się z długiej, workowatej białej bluzki przewiązanej w talii skórzanym paskiem, luźnych, bezkształtnych spodni oraz niezwykłego, podłużnego kapelusza. Często przedstawiano go jako garbusa. Na początku garb był ledwo zauważalny, potem zaczął się gwałtownie powiększać, równolegle rósł też brzuch. Zgięcie Pulcinelli symbolizuje jego lęk przed biciem (a w komedii bili go wszyscy, którzy stali wyżej na drabinie społecznej, czyli bardzo wielu).

Pantalone (Pantalone) - jedna z najsłynniejszych masek weneckich. Pantalone to bogaty kupiec w podeszłym wieku, który nieustannie ciągnie się za niektórymi kobieca postać(zawsze zawodzi). Ten obraz ucieleśniał rosnącą siłę weneckiej burżuazji. Charakterystyczną cechą stroju Pantalone jest ogromny saper, symbolizujący jego wyimaginowaną męską moc. Zwykle starzec ubrany był w ciemnoczerwony kaftan i obcisłe spodnie tego samego koloru, czarny płaszcz z krótkimi rękawami i mały czarny kapelusz, jak fez. U pasa miał sztylet lub sakiewkę, a za buty służyły żółte tureckie buty z ostrymi, zakrzywionymi noskami. Ciemnobrązowa maska ​​miała wydatny haczykowaty nos, zmierzwione szare brwi i takie same wąsy (czasami także okulary). Broda Pantalone sterczała, czasami prawie dotykając czubka nosa, co nadawało profilowi ​​starca szczególnego komizmu. Często, zgodnie z fabułą, Pantalone chciał poślubić dziewczynę, w której był zakochany jego syn, i flirtował z Colombiną, służącą jego córki Isabelli.

KAPITAN (Il Capitano) - jedna z najstarszych postaci komedii dell'arte. Kapitan w komedii nigdy nie pochodzi z miasta, w którym toczy się akcja, ale zawsze pochodzi z daleka. Typ aroganckich i pozbawionych zasad wojowników - przechwałki i poszukiwacze przygód. W zależności od sytuacji politycznej mógł wyglądać jak Hiszpan lub Turek, choć początkowo ten wizerunek jest Włochem. W rezultacie zmienił się również jego charakter. różne okresy Kapitan mógłby być parodią różnych cechy narodowe. Jego głównymi cechami są agresywność, nieokiełznane kłamstwa na temat ich wyimaginowanych wyczynów, brak sumienia, chęć wzbogacenia się oraz chęć wystawienia się na dandysa i przystojniaka. Wszystko to znalazło odzwierciedlenie w jego kostiumie, który mógł być inny, ale zawsze wyróżniał się śmieszną pretensjonalnością i jasnością. W rzeczywistości jego strój zawsze był parodią wojskowego zawodu: kapelusz był ozdobiony piórami w jaskrawych kolorach, jego nogi były zakopane w wysokich butach z dużymi podwiązkami, kamizelka była uszyta z tkaniny w kontrastowym ukośnym pasku, a ogromny miecz zwisał z pasa. Maska Kapitana mogła być cielista lub ciemna, z długim wojowniczym nosem i groźnie sterczącymi sztywnymi wąsami. Jego celem było wskazanie kontrastu między prawdziwą (tchórzliwą i kłamliwą) naturą postaci a tym, za kogo się podaje.

DOKTOR (Il Dottore) - maska ​​zbliżona charakterem do Pantaloon, starszej postaci, zazwyczaj ojca jednego z Kochanków (Inamorati). Zewnętrzne cechy Doktora charakteryzowała otyłość (czasami ten bohater jest naprawdę ogromny), powolność na scenie i ważne maniery człowieka naukowca. Jest parodią absolwentów Uniwersytetu Bolońskiego, więc ciągle mówi pozornie znaczące, ale w rzeczywistości absurdalne zwroty łacińskie. Ma skłonność do obżarstwa i żartów pornograficznych, zwykle obraźliwych dla kobiet. On nie jest bogaty. Kostium Doktora składa się z czarnej sukni uniwersyteckiej do palców, czarnych butów, pończoch i bryczesów oraz czarnej akademickiej czapki. Ciemna maska ​​z siwymi, kępkami brwi z reguły zakrywała tylko czoło i nos. Policzki aktora pozostały otwarte - były mocno zarumienione, by pokazać zamiłowanie bohatera do alkoholu.
Zgodnie z fabułą Doktor często występował jako przyjaciel (lub rywal) Pantalone i właściciel Pedrolino.

Błazen (Błazen, Jolly) - reprezentowana w commedia dell'arte, to klasyczna maska. Błazen po raz pierwszy pojawił się we włoskim teatrze, a następnie stał się popularny w całej Europie. Kostium tej postaci wyróżnia się różnorodnością i wielokolorowością. Na głowie czapka z trzema „uszami”, do których przywiązane są dzwoneczki.

Scaramuccio (Scaramuccia) jest poszukiwaczem przygód i wojownikiem. W późniejszych komediach często zbiegał się z wizerunkiem Kapitana. Scaramuccio jest zwykle sługą jednej ze starszych postaci. Najczęściej jest ubrany na czarno i nosi czarną aksamitną maskę.

Tartaglia (po włosku: Tartaglia, jąkanie się) - maska ​​postaci z włoskiej komedii dell'arte. Reprezentuje południowy (lub neapolitański) kwartet masek wraz z Coviello, Scaramuccią i Pulcinellą. We Francji ta maska ​​\u200b\u200bnie zapuściła korzeni.
Maska Tartaglia pojawiła się w Neapolu ok. 1610 Jednymi z pierwszych jego interpretatorów byli aktorzy Ottavio Ferrarese i Beltrani da Verona.
Pochodzenie: Hiszpan, który nie mówi dobrze po włosku.
Zawód: urzędnik państwowy służba publiczna: może być sędzią, policjantem, aptekarzem, notariuszem, poborcą podatkowym itp.
Strój: stylizowany strój urzędowy, jednolity kapelusz na łysej głowie; duże okulary na nosie.
Zachowanie: Na ogół jest starym mężczyzną z grubym brzuchem; zawsze jąkający się, jego popisowym wyczynem jest walka z jąkaniem, która zmienia poważny monolog, na przykład w sądzie, w komiczny strumień przekleństw.
Największą popularność maska ​​osiąga w drugiej połowie XVII wieku. W XVIII wieku. w fiabach Carla Gozziego rolę tę odgrywali aktorzy Agostino Fiorilli i Antonio Sacchi, ale u Gozziego maska ​​ta nie ma już tak ograniczonego zakresu, w jego fiabie maskę tę może nosić np. minister (fiaba „Kruk”) i królewski syn („Miłość do trzech pomarańczy”).

COVIELLO (włoski Coviello, francuski Covielle) - postać-maska ​​włoskiej commedia dell'arte, pierwszego zanni, południowa wersja Brighelli. Reprezentuje południowy (lub neapolitański) kwartet masek wraz z Tartaglia, Scaramuccia i Pulcinella.
Nazwa maski pochodzi od Iacoviello, neapolitańskiej wymowy imienia Giacomino, Yacoviello Giacometto - tak nazywał się jeden z twórców tej maski.
Pochodzenie: były chłop, pochodzący z Cava lub Acerra (starożytne miasta w pobliżu Neapolu), mówiący jasnym dialektem neapolitańskim.Zawód: służący.
Kostium: nosi obcisły garnitur, ale czasami może nosić proste pantalony i kamizelkę; często z mieczem i młotkiem za pasem; nosi kapelusz z piórami.
Maska: czerwona, z długim, przypominającym dziób nosem; często nosi okulary. Zachowanie: zawsze działa z przebiegłością, presją, sprytną inwencją, inteligencją; często się krzywi, tańczy i gra na mandolinie lub gitarze).
Powstała maska koniec XVI w. i był typowy dla południowych Włoch. Próba przesunięcia go na północ nie powiodła się bowiem. stracił uznanie i południowy temperament; zachowując tylko zewnętrzną formę, maska ​​​​stała się bezwstydna i obsceniczna. Jednak we Francji nastąpił nieoczekiwany rozwój, gdzie Molière zobaczył tę maskę i użył jej w swojej komedii „Kupiec w szlachcie”

Brak blisko ludzi dramaturgia zmusiła aktorów do przeróbek wątki literackie w scenariuszu iw toku akcji sami komponują tekst swoich ról, zachowując przy tym główny konflikt renesansowej komedii – walkę między starym stylem życia a nowymi młodymi siłami. Ale Miłość zatriumfowała nad wszystkim - w imię rozkoszy miłości budowano najbardziej przebiegłe intrygi, najśmielsze żarty, substytuty i przebrania.

Każda postać mówi własnym dialektem: Pantalone - po wenecku; Lekarz - po bolońsku (pierwszy uniwersytet prawniczy zbudowany w Bolonii) Kapitan - w języku neopolitańskim; Słudzy - w Bergamo; Kochankowie - po toskańsku: język literacki Włochy.
Maska w Komedii Del Arte miała podwójne znaczenie: po pierwsze była to akcesorium sceniczne, a po drugie maska ​​wyrażała pewien typ społeczny, z ustalonym raz na zawsze cechy psychiczne, niezmieniony wygląd i odpowiedni dialekt. Po wybraniu takiej maski aktor nie rozstał się z nią przez całe życie sceniczne.

TEATR ODRODZENIA - teatr europejski epoki historycznej późnego średniowiecza (XVI-XVII w.). Był to czas kształtowania się nowego ustroju społecznego, zastąpienia formacji społecznej feudalnej formacją kapitalistyczną. Renesans charakteryzował się nie tylko kształtowaniem się nowego światopoglądu humanistycznego, ale także wieloma wielkimi odkryciami i wynalazkami, a także gwałtownym przyspieszeniem rozwoju kultury i niemal wszystkich dziedzin sztuki.

Termin „renesans” lub „renesans” (francuski renesans - odrodzenie) został wprowadzony do kontekstu kulturowego przez Giorgio Vasariego. Termin ten odzwierciedlał główny nurt w sztuce tamtej epoki – orientację na klasyczne przykłady sztuki antycznej, która przez dziesięć wieków (po upadku Cesarstwa Rzymskiego w V wieku) była wręcz zakazana.

Jeśli w średniowieczu o dominującym światopoglądzie decyduje konflikt między duchowością a cielesnością, między Bogiem a diabłem, to w renesansie główną doktryną jest harmonia, wolność, wszechstronny rozwój osobowość. Średniowieczne ideały fanatycznej ascezy wypierane są przez ideały humanistyczne, w centrum których znajduje się obraz człowieka wolnego w myślach i uczuciach, pana swego losu, promieniującego radością pełnokrwistego życia.

Teatr renesansowy w różnych krajach Zachodnia Europa miał swoje indywidualne cechy mocno wpisany w społeczno-kulturowy aspekt rozwoju swojego kraju i ostro odróżniający go od renesansowego teatru innych krajów. Najciekawiej i najbardziej orientacyjnie teatr renesansowy rozwinął się w trzech krajach Europy Zachodniej, a główne kierunki rozwoju mają ze sobą bardzo niewiele wspólnego.

Zasady sztuki renesansowej – w tym teatru – zostały ustanowione we Włoszech. Odwoływanie się do ideałów starożytności we włoskiej sztuce rozpoczęło się niemal kilka wieków wcześniej niż w pozostałej części Europy Zachodniej – najpierw w literaturze, potem w sztuki piękne(XIII wiek - Dante Alighieri; XIV wiek - Francesco Petrarka i Giovanni Boccaccio; XV w. - Michelangelo Buonarroti i Rafael Santi). Dla Włochów renesans był odrodzeniem ich własnych tradycji, własnego dziedzictwa kulturowego.

Jednak historia włoskiego renesansu teatralnego jest bardzo paradoksalna: włoski renesans ze swoimi niezrównanymi arcydziełami sztuk wizualnych - malarstwem, rzeźbą - nie wydał ani jednego dramatopisarza równego skalą Szekspirowi (Anglia), Lope de Vega czy Calderonowi (Hiszpania). Przyczyny tego paradoksu były szeroko badane w literaturze historii kultury i sztuki. Za główne uważa się dwa - pod wieloma względami wzajemnie powiązane.

Pierwsza wyjaśnia to zjawisko z punktu widzenia specyfiki teatru. Akcja teatralna zawsze opiera się na konflikcie – podstawowej sile napędowej dzieła teatralnego, zarówno sztuki, jak i spektaklu. Samo pojęcie konfliktu jest jednak sprzeczne z ideologicznymi ideałami harmonii, silnie wybrzmiewającymi we włoskiej literaturze i sztukach plastycznych.

Drugi powód opiera się na zasadach funkcjonowania społecznego. sztuka teatralna. Do jej rozkwitu potrzebna jest pewna idea jednocząca różne warstwy społeczne, samoświadomość narodowa, tzw. „szerokie pochodzenie ludowe”. Jednak w XIV-XV wieku. Włosi czuli się bardziej obywatelami poszczególnych miast niż całego kraju.

A jednak tutaj, właśnie we Włoszech, położono podwaliny nowego teatru humanistycznego: odżyły komedie, tragedie, pastorałki; powstała opera; powstały pierwsze gmachy teatralne; opracowano zasady profesjonalnego teatru scenicznego i kwadratowego oraz nadano impet teoretycznemu zrozumieniu kanonów dramatycznych.

Rozwój renesansowego teatru włoskiego przebiegał głównie w dwóch kierunkach: tzw. „komedia naukowa” – la commedia erudite (tragedia literacka można z pewnym naciągnięciem przypisać tę samą linię) oraz ludowy teatr improwizacyjny – Commedia dell'arte, który wywarł ogromny wpływ na rozwój całej światowej sztuki teatralnej.

Włoska „komedia naukowa”, do której stworzenia zwrócili się najwięksi pisarze i myśliciele XV-XVI wieku (Ludovico Ariosto, Niccolò Machiavelli, Pietro Aretino, Giordano Bruno), była głównie dogmatyczną przeróbką starożytnych wątków i była najprawdopodobniej przeznaczona dla zainteresowania naukowe wąskiego kręgu naukowców i oświeconych. Te same tendencje są charakterystyczne dla włoskiej tragedii renesansowej (Gian Giorgio Trissino, Giovanni Rucellan, Luigi Alamanca, Torquato Tasso i inni). Do końca XVI wieku rozwój komedii i tragedii włoskiego renesansu był prawie zakończony. Ale do tego czasu trzeci gatunek włoskiej dramaturgii, sielanka, urósł w siłę i zyskał wielką popularność.

Najbardziej uderzającą stroną włoskiego renesansu był wtedy i pozostaje improwizowany uliczny teatr masek - komedia dell’arte, który w zasadzie stworzył pierwszy profesjonalny teatr w historii.

Rozwojowi wszystkich gatunków teatru literackiego włoskiego renesansu towarzyszył punkt zwrotny w światowej architekturze teatralnej: rozwój i praktyczna realizacja specjalnych budynków teatralnych nowego typu, teatru „rangi” lub „poziomu”. Opierając się na zasadach architektury teatralnej Witruwiusza (I wpne), włoski architekt reformistyczny Sebastian Serlio w swojej książce O architekturze (1545) stworzył ogólną koncepcję konstrukcji teatralnej, w tym układu sceny i widowni jako harmonijnej całości . Zarysowuje również nowatorskie zasady sztuki teatralnej i zdobniczej, w tym tworzenie malowniczych scenografii z perspektywą. Poszukiwania Serlio w XVI–XVII wieku kontynuowali architekci Andrea Palladio, Vincenzo Scamozzi, Giovanni Battista Aleotti, Bernardo Buontaletti.

KOMEDIA DEL ARTE(commedia dell „arte); inna nazwa to komedia masek, improwizowany teatr uliczny włoskiego renesansu, który powstał w połowie XVI wieku i faktycznie stworzył pierwszy profesjonalny teatr w historii.

Commedia dell'arte wyłoniła się z ulicznych festiwali i karnawałów. Jej bohaterowie są swego rodzaju społecznymi obrazami, w których kultywowane są nie indywidualne, ale typowe cechy. W commedia dell'arte nie było sztuk jako takich, opracowywano jedynie schemat fabularny, scenariusz, który w trakcie przedstawienia wypełniały żywe repliki, zmieniające się w zależności od składu publiczności. To właśnie ta improwizacyjna metoda pracy doprowadziła komików do profesjonalizmu - a przede wszystkim do rozwoju zespołu, zwiększonej uwagi na partnera. W rzeczywistości, jeśli aktor nie śledzi uważnie uwag improwizacyjnych i linii zachowania partnera, nie będzie w stanie wpasować się w elastycznie zmieniający się kontekst spektaklu. Przedstawienia te były ulubioną rozrywką masowej, demokratycznej publiczności. Commedia dell'arte chłonęła doświadczenia teatru farsy, ale tutaj również parodiowano zwykłych bohaterów „uczonej komedii”. Pewna maska ​​była raz na zawsze przypisana danemu aktorowi, ale rola – mimo sztywnych ram typologicznych – w trakcie każdego spektaklu nieustannie się zmieniała i rozwijała.

Liczba masek, które pojawiły się w commedia dell'arte, jest niezwykle duża - ponad sto. Jednak większość z nich była raczej wariantami kilku podstawowych masek.

Commedia dell'arte miała dwa główne ośrodki - Wenecję i Neapol. Zgodnie z tym rozwinęły się dwie grupy masek. Północni (weneccy) to Doctor, Pantalone, Brigella i Harlequin; południowy (neapolitański) - Coviello, Pulcinella, Scaramuccia i Tartaglia. Styl wykonania weneckiej i neapolitańskiej commedia dell'arte również nieco się różnił: maski weneckie sprawdzały się głównie w gatunku satyry; Neapolitańczycy stosowali więcej sztuczek, grubiańskich żartów błazeńskich. Ze względu na grupy funkcjonalne maski można podzielić na następujące kategorie: osoby starsze (satyryczne wizerunki Pantalone, Doktora, Tartaglii, Kapitana); służący (komediowe postacie zanni: Brighella, Arlekin, Coviello, Pulcinella i służąca z fanteski – Smeraldina, Francesca, Colombina); kochankowie (obrazy najbliższe bohaterom dramatu literackiego, w których grali tylko młodzi aktorzy). W przeciwieństwie do starców i służących kochankowie nie nosili masek, byli bogato ubrani, odznaczali się niezwykłą plastycznością i dialektem toskańskim, w którym Petrarka pisał swoje sonety. To aktorzy grający role kochanków jako pierwsi porzucili improwizację i zaczęli spisywać teksty swoich postaci.

Najczęściej głównymi aktorami trupy (capo commico) byli autorzy scenariuszy. Pierwszy drukowany zbiór scenariuszy opublikował w 1611 roku aktor Flaminio Scala, który przewodził słynnej trupie Gelosi. Inne najbardziej znane zespoły to Confidenti i Fedeli.

Włoska commedia dell'arte wydała całą konstelację genialnych aktorów (z których wielu było pierwszymi teoretykami sztuki scenicznej): Isabella i Francesco Andreini, Giulio Pasquati, Bernardino Lombardy, Marc-Antonio Romagnesi, Nicolo Barbieri, Tristano Martinelli, Teresa, Catarina i Domenico Biancolelli, Tiberio Fiorilli i inni Z końca XVI wieku. Zespoły zaczęły szeroko koncertować w Europie - we Francji, Hiszpanii, Anglii. Jej popularność osiągnęła szczyt. Jednak do połowy XVII w. commedia dell'arte zaczęła podupadać. Zaostrzenie polityki Kościoła wobec teatru w ogóle, a zwłaszcza wobec commedia dell'arte, doprowadziło do tego, że komicy osiedlali się na stałe w innych krajach. Na przykład w Paryżu, na bazie włoskiej trupy, otwarto teatr Comedie Italienne.

Commedia dell'arte wywarła ogromny wpływ na rozwój światowej sztuki teatralnej. Jego echa są wyraźnie widoczne w dramaturgii Moliera, Goldoniego, Gozziego; w XX wieku - w pracy reżyserów V. Meyerholda,

Commedia dell'Arte to europejski teatr, który po raz pierwszy pojawił się we Włoszech w okresie renesansu.

Pojawienie się Commedia dell'Arte

W okresie renesansu we Włoszech zaczęły aktywnie powstawać szkoły zawodowych aktorów. Pojawiły się nowe scenariusze, które początkowo pisali sami mówcy. Tak narodziła się Commedia dell’Arte. Dokładne tłumaczenie tego terminu brzmi jak „teatr zawodowy”, ale później zaczęto go interpretować jako „komedia masek”.

Komedia Del Arte

Pierwsze wzmianki o Commedia dell'Arte zaczęły pojawiać się w połowie XVI wieku. Jej występy niemal natychmiast stały się ulubionym spektaklem publiczności. W teatrze panowała atmosfera nieokiełznanej zabawy, czemu sprzyjały wybryki i żarty aktorów, ich niedorzeczne wybryki, głupoty, sztuczki, numery muzyczne i inne elementy spektaklu.

Główne różnice między Komedią Del Arte a innymi przedstawieniami to: obecność masek, błazenada i improwizacja. Inne pomniejsze cechy to wielojęzyczność, duża liczba muzyka i piosenki, łatwość inscenizacji w dowolnym miejscu.

Ulubionym scenariuszem Commedia dell'Arte był romans. Zwykle fabuła kręciła się wokół dwojga kochanków, którzy próbują przeciwstawić się swoim głupim, starym rodzicom.

Nie wszyscy aktorzy nosili maski, ale z reguły tylko starzy kochankowie i służący. Uważa się, że pochodzenie takich strojów wiąże się z tradycjami strojów karnawałowych. Pojawienie się masek stało się warunkiem powstania ról teatralnych.

Bohaterowie Commedia dell'Arte

Wszyscy bohaterowie byli zwykli typy społeczne ludzie. Zwykle w akcji brało udział dziesięciu bohaterów: dwóch starców, dwóch służących, dwie kochanki i dwie kochanki, służąca i kapitan.

Stary Pantalone był karykaturą kupcy weneccy. Był skąpy, ostrożny i podejrzliwy. Inny staruszek – Doktor – był parodią prawnika-naukowca z Bolonii. Był pedantem, gadułą i wyimaginowanym naukowcem. Pod koniec przedstawienia starzy ludzie zostali oszukani przez wszystkich.

Staruszek Pantalone

Słudzy Zanni byli najbardziej komicznymi postaciami w Commedia dell'Arte. Z reguły jeden z nich był mądry, a drugi głupi. To oni byli głównymi bohaterami, intrygując spektaklem i rozśmieszając publiczność. Publiczność zawsze była po ich stronie. Ich żarty i dowcipy miały charakter błazeński i nazywano je lazzi. Najpopularniejszymi zanni były Pulcinella i Harlequin.

Arlekin

Integralną częścią spektaklu była także pokojówka – Servette. Jej rolą było uwikłanie w intrygę i współudział miłosne afery jego kochanka.

Kochanki i Kochanki były doskonały obraz młodzież XVI w. Byli młodzi, piękni, wykształceni i inteligentni. Ale ich jedynym zajęciem była miłość.

Kapitan był wojskowym awanturnikiem, bandytą i gwałcicielem, którego głównymi cechami były tchórzostwo i chełpliwość.

Znaczenie Commedia dell'Arte

Tak więc Commedia dell'Arte reprezentowała całą epokę w życiu społeczeństwa. Wszystkie jej postacie były karykaturami najpospolitszych typów ludzi.

Później, w Commedia Del Arte, coraz mniej uwagi poświęcano fabule, a więcej pantomimie, numerom popowym. W ten sposób stał się żyznym gruntem dla powstania cyrku i wielu innych gatunków teatralnych.

Do tej pory Commedia dell'Arte była wzorem wysokiego profesjonalizmu aktorów, uderzając bogactwem technik scenicznych i wybitną grą sceniczną. Stała się inspiracją dla twórczości wszystkich najwięksi dramatopisarze nowy czas: Szekspir, Molier, Lope de Vega i inni.

Commedia dell'arte lub komedia masek to improwizowany teatr uliczny włoskiego renesansu, który powstał w połowie XVI wieku i faktycznie stworzył pierwszy profesjonalny teatr w historii.

Commedia dell'arte wyłoniła się z ulicznych festiwali i karnawałów. Jej bohaterowie są swego rodzaju społecznymi obrazami, w których kultywowane są nie indywidualne, ale typowe cechy. W commedia dell'arte nie było sztuk jako takich, opracowywano jedynie schemat fabularny, scenariusz, który w trakcie przedstawienia wypełniały żywe repliki, zmieniające się w zależności od składu publiczności. To właśnie ta improwizacyjna metoda pracy doprowadziła komików do profesjonalizmu - a przede wszystkim do rozwoju zespołu, zwiększonej uwagi na partnera.

W rzeczywistości, jeśli aktor nie śledzi uważnie uwag improwizacyjnych i linii zachowania partnera, nie będzie w stanie wpasować się w elastycznie zmieniający się kontekst spektaklu. Przedstawienia te były ulubioną rozrywką masowej, demokratycznej publiczności. Commedia dell'arte chłonęła doświadczenia teatru farsy, ale tutaj również parodiowano zwykłych bohaterów „uczonej komedii”.

Pewna maska ​​była raz na zawsze przypisana danemu aktorowi, ale rola – mimo sztywnych ram typologicznych – zmieniała się i rozwijała w nieskończoność w trakcie każdego przedstawienia. Liczba masek, które pojawiły się w commedia dell'arte, jest niezwykle duża - ponad sto. Jednak większość z nich była raczej wariantami kilku podstawowych masek.

Commedia dell'arte miała dwa główne ośrodki - Wenecję i Neapol. Zgodnie z tym rozwinęły się dwie grupy masek. Północni (weneccy) to Doctor, Pantalone, Brigella i Harlequin; południowy (neapolitański) - Coviello, Pulcinella, Scaramuccia i Tartaglia. Styl wykonania weneckiej i neapolitańskiej commedia dell'arte również nieco się różnił: maski weneckie sprawdzały się głównie w gatunku satyry; Neapolitańczycy stosowali więcej sztuczek, grubiańskich żartów błazeńskich.

Ze względu na grupy funkcjonalne maski można podzielić na następujące kategorie: osoby starsze (satyryczne wizerunki Pantalone, Doktora, Tartaglii, Kapitana); służący (komedia zanni bohaterowie: Brighella, Arlekin, Coviello, Pulcinella i fantazyjna pokojówka – Smeraldina, Francesca, Colombina); kochankowie (obrazy najbliższe bohaterom dramatu literackiego, w których grali tylko młodzi aktorzy).

Zapraszamy do obejrzenia kolorowej galerii postaci z włoskiej komedii dell'arte: