Monochromatická maľba Japonska je jedným z jedinečných fenoménov umenia východu. Venuje sa mu veľa prác a štúdií, no často je vnímaný ako veľmi podmienená vec a niekedy aj dekoratívna. Nie je to tak, duchovný svet japonského umelca je veľmi bohatý a nezáleží mu ani tak na estetickej, ale na duchovnej zložke. Umenie východu je syntézou vonkajšieho a vnútorného, explicitného a implicitného.
V tomto príspevku by som chcel venovať pozornosť nie histórii monochromatickej maľby, ale jej podstate. O tom sa bude diskutovať.
Obrazovka "Pine" Hasegawa Tohaku, 1593.
To, čo vidíme na monochromatických obrazoch, je výsledkom umelcovej interakcie s borovicovou triádou: papier, štetec, atrament. Preto, aby človek správne pochopil dielo, musí pochopiť samotného umelca a jeho postoj.
"Krajina" Sesshu, 1398
Papier pre japonského majstra to nie je len materiál po ruke, ktorý podriaďuje svojmu rozmaru, ale naopak, je to „brat“, preto sa podľa toho vyvinul aj postoj k nemu. Papier je súčasťou okolitej prírody, ku ktorej sa Japonci vždy správali s úctou a snažili sa ju nepodmaniť, ale pokojne s ňou koexistovať. Papier bol v minulosti strom, ktorý stál v určitej oblasti, určitý čas, „videla“ niečo okolo seba a ona si to všetko nechala. Japonský umelec tak vníma materiál. Často sa majstri pred začatím práce dlho pozerali Prázdny list(rozmýšľal) a až potom pristúpil k maľovaniu. Aj dnes si súčasní japonskí umelci, ktorí praktizujú Nihon-ga (tradičnú japonskú maľbu), starostlivo vyberajú papier. Kupujú ho na objednávku z papierní. Pre každého umelca určitej hrúbky, priepustnosti vlhkosti a textúry (mnohí umelci dokonca uzatvárajú dohodu s majiteľom továrne, že tento papier nepredajú iným umelcom) – preto je každý obraz vnímaný ako niečo jedinečné a živé.
"Čítanie v bambusovom háji" Shubun, 1446.
Keď už hovoríme o význame tohto materiálu, stojí za to spomenúť slávnych pamiatok Japonská literatúra ako Sei Shonagon „Notes at the Headboard“ a Murasaki Shikibu „Genji Monogotari“: v „Notes“ aj „Genji“ nájdete scény, keď si dvorania alebo milenci vymieňajú správy. Papier, na ktorom boli tieto správy napísané, bol vhodného ročného obdobia, odtieňa a spôsob písania textu zodpovedal jeho textúre.
"Murasaki Shikibu vo svätyni Ishiyama" Kyosen
Kefa- druhou zložkou je pokračovanie majstrovej ruky (opäť ide o prírodný materiál). Štetce sa preto vyrábali aj na objednávku, najčastejšie však samotným umelcom. Vybral chĺpky požadovanej dĺžky, zvolil veľkosť kefy a najpohodlnejšiu rukoväť. Majster píše iba vlastným štetcom a žiadnym iným. (Z osobnej skúsenosti: Bol som na majstrovskej triede čínskeho umelca Jiang Shiluna, publikum bolo požiadané, aby ukázalo, čo dokážu jeho študenti, ktorí boli prítomní na majstrovskej triede, a každý z nich, keď vzal do rúk majstrovský štetec, povedal, že nedopadlo by to tak, ako očakávali, keďže kefka nie je ich, nie sú na ňu zvyknutí a nevedia, ako ju správne používať).
Atramentová skica "Fuji" od Katsushika Hokusai
atrament je tretí dôležitý prvok. Maskara môže byť rôznych typov: po zaschnutí môže poskytnúť lesklý alebo matný efekt, môže byť zmiešaná so striebornými alebo okrovými odtieňmi, takže správna voľba maskary tiež nie je dôležitá.
Yamamoto Baitsu, koniec 18- XIX storočia.
Hlavným námetom monochromatickej maľby sú krajiny. Prečo nemajú farbu?
Dvojitá obrazovka "Pines", Hasegawa Tohaku
Po prvé, japonského umelca nezaujíma samotný predmet, ale vo svojej podstate určitá zložka, ktorá je spoločná všetkému živému a vedie k harmónii medzi človekom a prírodou. Preto je obraz vždy náznakom, je adresovaný našim pocitom a nie vízii. Podhodnotenie je stimulom pre dialóg, a teda prepojenie. V obraze sú dôležité čiary a škvrny – tvoria sa umelecký jazyk. Toto nie je sloboda majstra, ktorý tam, kde chcel, zanechal mastnú stopu a na inom mieste, naopak, zle kreslil - na obrázku má všetko svoj význam a význam a nenesie náhodná postava.
Po druhé, farba vždy nesie nejaký druh emocionálnej konotácie a je vnímaná rôznymi ľuďmi v rôznych stavoch odlišne, takže emocionálna neutralita umožňuje divákovi čo najprimeranejšie vstúpiť do dialógu, umiestniť ho na vnímanie, kontempláciu, myslenie.
Po tretie, ide o interakciu jin a jang, každý monochromatický obraz je harmonický z hľadiska pomeru atramentu a nedotknutej plochy papiera v ňom.
Prečo? väčšina z nich papierový priestor sa nepoužíva?
"Krajina" Syubun, polovica 15. storočia.
Po prvé, prázdnota priestoru ponorí diváka do obrazu; po druhé, obraz vzniká, akoby na chvíľu vyplával na povrch a chystal sa zaniknúť – to súvisí so svetonázorom a svetonázorom; po tretie, v tých oblastiach, kde nie je atrament, vystupuje do popredia textúra a odtieň papiera (nie je to vždy vidieť na reprodukciách, ale v skutočnosti ide vždy o interakciu dvoch materiálov - papiera a atramentu).
Sesshu, 1446
Prečo krajina?
"Kontemplácia vodopádu" Gayami, 1478
Podľa japonského svetonázoru je príroda dokonalejšia ako človek, preto sa musí od nej učiť, všemožne ju chrániť a nie ničiť ani si podriaďovať. Preto v mnohých krajinách môžete vidieť malé obrázky ľudí, ale vždy sú bezvýznamné, malé vo vzťahu k samotnej krajine alebo obrázky chát, ktoré zapadajú do priestoru okolo nich a nie sú vždy viditeľné - to všetko sú symboly svetonázor.
"Ročné obdobia: jeseň a zima" Sesshu. "Krajina" Sesshu, 1481
Na záver chcem povedať, že japonská monochromatická maľba nie je náhodne nastriekaný atrament, nie je to rozmar vnútorného ega umelca - je to celý systém obrazov a symbolov, je to úložisko filozofických myšlienok, a čo je najdôležitejšie, spôsob komunikácie a harmonizácie seba a okolitého sveta.
Tu sú, myslím, odpovede na hlavné otázky, ktoré má divák pri konfrontácii s monochromatickou japonskou maľbou. Dúfam, že vám pomôžu to čo najsprávnejšie pochopiť a vnímať, keď sa stretnete.
Japonská maľba je jednou z najkrajších na svete.
Japonská maľba je jednou z najstarších a úžasné výhľady tvorivosť. Ako každé iné, má svoju dlhú históriu, ktorú možno rozdeliť do niekoľkých období podľa techniky a vlastností. Všetkým obdobiam je spoločná príroda, ktorá dostala v obrazoch hlavné miesto. Na druhom mieste v obľúbenosti vo výtvarnom umení Japonska sú domáce scény zo života.
Yamato
Yamato(VI-VII storočia) - prvé obdobie japonského umenia, ktoré položilo základ pre písanie. Impulz pre rozvoj umenia dali úspechy Číny v oblasti náboženstva a písania. Japonsko sa ponáhľalo, aby sa dostalo na jeho úroveň, urobilo zmeny vo svojej štruktúre a vybudovalo všetko na podobu Číny. Pre rozvoj maľby sa do Japonska dostalo obrovské množstvo diel čínskych majstrov, ktoré inšpirovali Japoncov, ktorí sa odvážne ponáhľali vytvoriť podobné maľby.
Maľba v hrobke Takamatsuzuka
Toto obdobie pozostáva z dvoch detských období:
- Kofun- obdobie japonského umenia, zaberajúce prvú polovicu Yamato. Názov obdobia sa prekladá ako „obdobie mohyl“. V tých dňoch skutočne veľkú rolu priradené k mohylám, vytvárajúc ich všade.
- Asuka- druhá časť éry Yamato. Obdobie bolo pomenované podľa politického centra krajiny, ktoré v tých rokoch pôsobilo. Spája sa s príchodom budhizmu do Japonska a v budúcnosti aj s aktívnym rozvojom všetkých kultúrnych oblastí.
Nara
Budhizmus, ktorý pochádzal z Číny, sa v Japonsku aktívne šíril, čo prispelo k vzniku náboženských tém v umení. Japonskí umelci, unesení touto témou, maľovali steny chrámov, ktoré vytvorili vplyvné osobnosti. Dodnes sa v chráme Horyu-ji zachovali nástenné maľby z tej doby.
Azuchi-Momoyama
Toto obdobie je presným opakom jeho predchodcu. Z diel sa vytráca pochmúrnosť a monochrómia, nahrádzajú ich pestré farby a použitie zlata a striebra v obrazoch.
Cypress. Obrazovka. Kano Eitoku.
Meiji
V 19. storočí sa začalo delenie japonskej maľby na tradičné a európske štýly, ktoré medzi sebou energicky súperili. Počas tohto obdobia vypukli v Japonsku obrovské politické zmeny. Vplyv Európy v tých rokoch ovplyvnil takmer každý kút planéty a do každého štátu vniesol svoje vlastné črty. európsky štýl umenie bolo aktívne podporované úradmi, odmietajúc staré tradície. Ale čoskoro vzrušenie okolo Západná maľba rýchlo ustúpil a záujem o tradičné umenie sa prudko vrátil.
Vývoj japonskej maľby aktualizované: 15. septembra 2017 používateľom: Valentína
Japonská klasická maľba má dlhú a zaujímavý príbeh. Výtvarné umenie Japonska je zastúpené v rôzne štýly a žánre, z ktorých každý je jedinečný svojím vlastným spôsobom. Staroveké maľované figúrky a geometrické motívy nájdené na dotaku bronzových zvonoch a črepoch keramiky pochádzajú z roku 300 nášho letopočtu.
Budhistická orientácia umenia
V Japonsku bolo umenie nástennej maľby celkom dobre rozvinuté, v 6. storočí boli obzvlášť populárne obrazy na tému filozofie budhizmu. V tom čase sa v krajine stavali veľké chrámy a ich steny boli všade zdobené freskami namaľovanými podľa zápletiek budhistických mýtov a legiend. Staroveké vzorky nástenných malieb sa doteraz zachovali v chráme Horyuji pri japonskom meste Nara. Horyujiho fresky zobrazujú výjavy zo života Budhu a iných bohov. Umelecký štýl týchto fresiek je veľmi blízky obrazovej koncepcii populárnej v Číne počas dynastie Song.
Malebný štýl dynastie Tang získal mimoriadnu popularitu v polovici obdobia Nara. Fresky nájdené v hrobke Takamatsuzuka patria do tohto obdobia a sú datované približne do 7. storočia nášho letopočtu. Umelecká technika, ktorá sa formovala pod vplyvom dynastie Tang, následne vytvorila základ žánru kara-e maľby. Tento žáner si zachoval svoju popularitu až do objavenia sa prvých diel v štýle yamato-e. Väčšina fresiek a obrazových majstrovských diel sú od neznámych umelcov, dnes sú mnohé diela toho obdobia uložené v pokladnici Sesoin.
Rastúci vplyv nových budhistických škôl ako Tendai ovplyvnil široké náboženské zameranie japonského výtvarného umenia v 8. a 9. storočí. V 10. storočí, ktoré zaznamenalo osobitný pokrok Japonský budhizmus, žáner raigōzu, sa objavili „uvítacie obrazy“, ktoré znázorňovali príchod Budhu do Západného raja. Prvé príklady raigozu z roku 1053 možno vidieť v chráme Bedo-in, ktorý je zachovaný v meste Uji v prefektúre Kjóto.
Zmena štýlov
V polovici obdobia Heian nahradiť Čínsky štýl kara-e prichádza žáner yamato-e, ktorý sa na dlhú dobu stáva jedným z najobľúbenejších a najvyhľadávanejších žánrov japonskej maľby. Nový maliarsky štýl používa sa hlavne pri lakovaní skladacích zásten a posuvných dverí. Postupom času sa yamato-e presunulo k horizontálnym zvitkom emakimono. Umelci, ktorí pracovali v žánri emaki, sa snažili vo svojich dielach sprostredkovať všetku emocionalitu zvoleného sprisahania. Zvitok Genji monogatari pozostával z niekoľkých epizód spojených dohromady, umelci tej doby používali rýchle ťahy a jasné, výrazné farby.
E-maki je jedným z najstarších a najvýznamnejších príkladov otoko-e, maliarskeho žánru. mužské portréty. Ženské portréty zvýraznené v samostatný žáner onna-e. V skutočnosti medzi týmito žánrami, ako aj medzi mužmi a ženami, sú dosť výrazné rozdiely. Štýl onna-e je farebne zastúpený v dizajne Tale of Genji, kde sú hlavné motívy kresieb romantické zápletky, výjavy zo života na súde. Mužský štýl otoko-e je prevažne umelecký obraz historické bitky a iné dôležité udalosti v živote ríše.
Klasická japonská umelecká škola sa stala úrodnou pôdou pre rozvoj a propagáciu myšlienok. súčasné umenie Japonsko, ktoré jasne ukazuje vplyv popkultúry a anime. Jedným z najznámejších japonských umelcov súčasnosti je Takashi Murakami, ktorého tvorba sa venuje zobrazovaniu výjavov z japonského života v povojnovom období a konceptu maximálnej fúzie výtvarného umenia a mainstreamu.
Od známych japonských umelcov klasickej školy možno vymenovať nasledovné.
Napätý Shubun
Shubun pracoval na začiatku 15. storočia a veľa času venoval štúdiu diel čínskych majstrov éry dynastie Song, tento muž stál pri počiatkoch japonského fajn žáner. Shubun je považovaný za zakladateľa sumi-e, monochromatickej maľby tušom. Vynaložil veľa úsilia na popularizáciu nového žánru a zmenil ho na jeden z popredných trendov v japonskej maľbe. Shubunovými žiakmi boli mnohí umelci, ktorí sa neskôr preslávili, vrátane Sesshu a zakladateľa slávnej umeleckej školy Kano Masanobu. Shubunovi sa pripisuje veľa krajín, ale za jeho najznámejšie dielo sa tradične považuje Čítanie v bambusovom háji.
Ogata Korin (1658-1716)
Ogata Korin je jedným z najväčších umelcov v histórii japonského maliarstva, zakladateľom a jedným z najjasnejších predstaviteľov umeleckého štýlu rimpa. Korin sa vo svojich dielach odvážne vzdialil od tradičných stereotypov a vytvoril si svoje vlastné vlastný štýl, ktorej hlavnými charakteristikami boli malé formy a živý impresionizmus deja. Korin je známy najmä svojou zručnosťou v zobrazovaní prírody a práci s abstraktnými farebnými kompozíciami. „Slivkový kvet červený a biely“ je jedným z najznámejších diel Ogata Korina, známe sú aj jeho obrazy „Chryzantémy“, „Vlny Matsušimy“ a množstvo ďalších.
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Tohaku je zakladateľom japonskej umeleckej školy Hasegawa. Pre skoré obdobie Tohakuovu tvorbu charakterizuje vplyv slávnej školy japonskej maľby 
Kano, ale časom si umelec vytvoril svoj vlastný jedinečný štýl. V mnohom bola Tohakuova tvorba ovplyvnená tvorbou uznávaného majstra Sesshu, Hosegawa sa dokonca považoval za piateho pokračovateľa tohto veľkého majstra. Obraz Hasegawy Tohaku "Borovice" dostal svetová sláva, jeho diela „Javor“, „Borovice a kvitnúce rastliny" a ďalšie.
Kano Eitoku (1543-1590)
Školský štýl Kanō dominoval výtvarnému umeniu Japonska asi štyri storočia a Kanō Eitoku je možno jedným z najznámejších významných predstaviteľov túto umeleckú školu. Eitoku bol uprednostňovaný úradmi, záštita aristokratov a bohatých mecenášov nemohla prispieť k posilneniu jeho školy a popularite diel tohto nepochybne veľmi talentovaného umelca. Osempanelová posuvná obrazovka "Cypress", ktorú namaľoval Eitoku Kano, je skutočným majstrovským dielom a ukážkový príklad rozsah a sila štýlu Monoyama. Ostatné diela majstra vyzerajú nemenej zaujímavo, ako napríklad „Vtáky a stromy štyroch ročných období“, „Čínske levy“, „Pustovníci a víla“ a mnoho ďalších.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai - najväčší majster ukiyo-e (japonský drevoryt). Dielo Hokusai dostalo svetové uznanie, jeho sláva v iných krajinách nie je porovnateľná s popularitou väčšiny ázijských umelcov, jeho tvorba " Veľká vlna v Kanagawa“ sa stalo niečo ako vizitka Japonské výtvarné umenie na svetovej umeleckej scéne. Hokusai na svojej tvorivej ceste použil viac ako tridsať pseudonymov, po šesťdesiatke sa umelec venoval výlučne umeniu a práve tento čas je považovaný za najplodnejšie obdobie jeho tvorby. Hokusaiho dielo ovplyvnilo tvorbu západných impresionistických a postimpresionistických majstrov, vrátane diel Renoira, Moneta a van Gogha.
Má veľmi bohatá história; jeho tradícia je rozsiahla, pričom jedinečné postavenie Japonska vo svete do značnej miery ovplyvňuje dominantné štýly a techniky japonských umelcov. Známy fakt To, že Japonsko bolo po stáročia dosť izolované, je spôsobené nielen geografiou, ale aj dominantným japonským kultúrnym sklonom k izolácii, ktorý poznačil históriu krajiny. Počas storočí toho, čo by sme mohli nazvať „japonskou civilizáciou“, sa kultúra a umenie rozvíjali oddelene od tých vo zvyšku sveta. A to je dokonca viditeľné v praxi japonskej maľby. Napríklad obrazy Nihonga patria medzi stálice japonskej maliarskej praxe. Vychádza z viac ako tisícročnej tradície a obrazy sú zvyčajne vytvorené štetcami na vašom (japonský papier) alebo egíne (hodváb).
Japonské umenie a maľba však boli ovplyvnené zahraničnými umeleckých postupov. Najprv to bolo čínske umenie v 16. storočí a čínske maliarstvo a čínska tradícia umenie, ktoré bolo mimoriadne vplyvné vo viacerých aspektoch. Od 17. storočia japonská maľba bol tiež ovplyvnený západné tradície. Najmä v predvojnovom období, ktoré trvalo od roku 1868 do roku 1945, bola japonská maľba ovplyvnená impresionizmom a európskym romantizmom. Nové európske umelecké smery boli zároveň výrazne ovplyvnené aj japonským umeleckých techník. V dejinách umenia sa tento vplyv označuje ako „japonizmus“ a je významný najmä pre impresionistov, kubistov a umelcov spojených s modernizmom.
Dlhý príbeh Japonskú maľbu možno vnímať ako syntézu niekoľkých tradícií, ktoré vytvárajú časti uznávaného Japonská estetika. V prvom rade budhistické umenie a maliarske metódy, ako aj náboženská maľba, zanechal výraznú stopu v estetike japonských malieb; maľba krajiniek vodným tušom v tradícii čínskej literárnej maľby je ďalším dôležitým prvkom uznávaným v mnohých slávnych japonských maľbách; maľovanie zvierat a rastlín, najmä vtákov a kvetov, je to, čo sa bežne spája s japonskými kompozíciami, rovnako ako krajiny a výjavy z Každodenný život. Napokon, staroveké predstavy o kráse z filozofie a kultúry mali veľký vplyv na japonskú maľbu. staroveké Japonsko. Wabi, čo znamená prechodná a drsná krása, sabi (krása prirodzenej patiny a starnutia) a yugen (hlboká pôvab a jemnosť) stále ovplyvňujú ideály v praxi japonskej maľby.
Na záver, ak sa zameriame na výber desiatich najznámejších japonských majstrovských diel, musíme spomenúť ukiyo-e, ktoré je v Japonsku jedným z najpopulárnejších umeleckých žánrov, aj keď patrí ku grafike. Dominoval v japonské umenie zo 17. - 19. storočia, pričom umelci patriaci do tohto žánru tvorili drevoryty a maľby s predmetmi ako napr. nádherné dievčatá, herci kabuki a zápasníci sumo, ako aj scény z histórie a ľudových rozprávok, cestovateľské scény a krajiny, flóra a fauna a dokonca aj erotika.
Zostaviť zoznam najlepších obrazov z umeleckých tradícií je vždy ťažké. Mnohé úžasné diela budú vylúčené; tento zoznam však obsahuje desať najuznávanejších japonských malieb na svete. Tento článok predstaví iba obrazy vytvorené od 19. storočia po súčasnosť.
Japonské maliarstvo má mimoriadne bohatú históriu. Po stáročia Japonskí umelci vyvinul veľké množstvo jedinečných techník a štýlov, ktoré sú najcennejším príspevkom Japonska do sveta umenia. Jednou z týchto techník je sumi-e. Sumi-e doslovne znamená „kresba tušom“, ktorá kombinuje kaligrafiu a maľbu tušom, aby vytvorila vzácnu krásu kompozícií maľovaných štetcom. Táto krása je paradoxná - starodávna, ale moderná, jednoduchá, ale zložitá, odvážna, no zároveň tlmená, nepochybne odráža duchovný základ umenia v zen budhizme. Budhistickí kňazi priniesli tvrdý atramentový blok a bambusovú kefu do Japonska z Číny v šiestom storočí a za posledných 14 storočí Japonsko vyvinulo bohaté dedičstvo atramentovej maľby.
Prejdite nadol a pozrite si 10 majstrovských diel japonskej maľby
1. Katsushika Hokusai "Sen rybárskej manželky"
Jedným z najznámejších japonských obrazov je Sen rybárskej manželky. Písal sa rok 1814 slávny umelec Hokusai. Podľa prísnych definícií toto skvelá práca Hokusai nemožno považovať za obraz, keďže ide o ukiyo-e drevorez z Young Pines (Kinoe no Komatsu), čo je trojzväzková šunga kniha. Kompozícia zobrazuje mladého ama potápača sexuálne prepleteného s párom chobotníc. Tento obraz bol veľmi vplyvný v 19. a 20. storočí. Práca ovplyvnila viac neskorých umelcov ako Felicien Rops, Auguste Rodin, Luis Ocock, Fernand Khnopf a Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro píše nostalgickú báseň pri sledovaní Mesiaca"
Tessai Tomioka je pseudonym slávneho japonského umelca a kaligrafa. Je považovaný za posledného významného umelca v tradícii bungjingu a jedného z prvých významných umelcov Nihonga štýl. Bunjinga bola škola japonskej maľby, ktorá prekvitala počas neskorého obdobia Edo medzi umelcami, ktorí sa považovali za literátov alebo intelektuálov. Každý z týchto umelcov, vrátane Tessaie, vyvinul svoj vlastný štýl a techniku, no všetci boli veľkými fanúšikmi čínskeho umenia a kultúry.
3. Fujishima Takeji „Východ slnka nad východným morom“
Fujishima Takeji bol japonský umelec známy svojou prácou na rozvoji romantizmu a impresionizmu v umeleckom hnutí jogy (západný štýl) z konca 19. a začiatku 20. storočia. V roku 1905 odcestoval do Francúzska, kde ho ovplyvnili vtedajšie francúzske hnutia, najmä impresionizmus, ako možno vidieť na jeho maľbe „Východ slnka nad Východné more“, ktorý bol napísaný v roku 1932.
4. Kitagawa Utamaro "Desať typov ženských tvárí, zbierka dominujúcich krás"
Kitagawa Utamaro bol významný japonský umelec, ktorý sa narodil v roku 1753 a zomrel v roku 1806. Najviac ho preslávila séria s názvom Desať typov ženské tváre. Zbierka vládnucich krások, námetov Veľká láska Klasická poézia“ (niekedy nazývaná „Zamilované ženy“, obsahujúca samostatné rytiny „Nahá láska“ a „Zamyslená láska“). Je jedným z najvýznamnejších umelcov žánru ukiyo-e woodcut.
5. Kawanabe Kyosai "Tiger"
Kawanabe Kyosai bol jedným z najznámejších japonských umelcov obdobia Edo. Jeho umenie bolo ovplyvnené Tohaku, maliarom Kano zo 16. storočia, ktorý ako jediný maliar svojej doby maľoval obrazovky celé atramentom na jemnom pozadí práškového zlata. Hoci je Kyosai známy ako karikaturista, napísal niektoré z nich slávne obrazy v japonskej histórii Umenie XIX storočí. "Tiger" je jedným z tých obrazov, ktoré Kyosai vytvoril akvarelom a atramentom.
6. Hiroshi Yoshida Fuji z jazera Kawaguchi
Hiroshi Yoshida je známy ako jeden z najviac veľké postavyštýl shin-hanga (shin-hanga je umelecké hnutie v Japonsku na začiatku 20. storočia, v období Taisho a Showa, ktoré oživili tradičné umenie ukiyo-e, ktoré sa udomácnilo v období Edo a Meidži (XVII - XIX storočia)). Bol vyškolený v tradícii západnej olejomaľby, ktorá bola prijatá v Japonsku počas obdobia Meiji.
7. Takashi Murakami "727"
Takashi Murakami je pravdepodobne najpopulárnejším japonským umelcom súčasnosti. Jeho dielo sa predáva za astronomické ceny za veľké aukcie, a kreativita už inšpiruje nové generácie umelcov nielen v Japonsku, ale aj v zahraničí. Murakamiho umenie zahŕňa celý rad médií a zvyčajne sa označuje ako superploché. Jeho práca je známa tým, že používa farby, zahŕňa motívy japonskej tradičnej a populárnej kultúry. Obsah jeho obrazov je často označovaný ako „roztomilý“, „psychedelický“ alebo „satirický“.
8. Yayoi Kusama "Tekvica"
Yaoi Kusama je tiež jedným z najznámejších japonských umelcov. Pracuje v rôznych médiách, vrátane maľby, koláže, scatovej sochy, performance, environmentálneho umenia a inštalácie, z ktorých väčšina demonštruje jej tematický záujem o psychedelické farby, opakovanie a vzor. Jeden z najviac slávny seriál tento veľký umelec je séria Pumpkin. Na pozadí siete je znázornená bodkovaná obyčajná tekvica v jasne žltej farbe. Všetky tieto prvky spolu tvoria vizuálny jazyk, ktorý je nezameniteľný pre umelcov štýl a bol vyvinutý a zdokonaľovaný v priebehu desaťročí starostlivej tvorby a reprodukcie.
9. Tenmyoya Hisashi "Japonský duch #14"
Tenmyoya Hisashi je súčasný japonský umelec, ktorý je známy svojimi neo-nihonga maľbami. Zúčastnil sa obrodenia stará tradícia Japonská maľba, ktorá je presným opakom modernej japonskej maľby. V roku 2000 vytvoril aj svoju nový štýl butouha, ktorý prejavuje pevný postoj k autorite umelecký systém prostredníctvom svojich obrazov. "Japonský duch č. 14" vznikol ako súčasť výtvarnej schémy "BASARA", interpretovanej v r. japonská kultúra ako rebelantské správanie nižšej aristokracie v období bojujúcich štátov s cieľom pripraviť úrady o možnosť dosiahnuť ideálny životný štýl obliekaním sa do pompéznych a luxusných šiat a konaním na základe slobodnej vôle, ktorá nevyhovovala ich spoločenskej vrstve.
10. Katsushika Hokusai "Veľká vlna z Kanagawy"
Nakoniec, The Great Wave off Kanagawa je pravdepodobne najznámejšia japonská maľba niekedy napísané. Toto je vlastne najznámejšie umelecké dielo vytvorené v Japonsku. Zobrazuje obrovské vlny ohrozujúce lode pri pobreží prefektúry Kanagawa. Aj keď sa niekedy mýlia s cunami, vlna, ako naznačuje názov obrázka, má s najväčšou pravdepodobnosťou jednoducho anomálnu veľká výška. Obraz je vyrobený v tradícii ukiyo-e.
Od: ,
Umenie a dizajn
2702
01.02.18 09:02
Dnešný umeleckej scény Japonsko je veľmi rozmanité a provokatívne: vzhľadom na prácu majstrov z krajiny Vychádzajúce slnko Budete si myslieť, že ste pristáli na inej planéte! Je domovom inovátorov, ktorí zmenili prostredie tohto odvetvia v globálnom meradle. Predstavujeme vám zoznam 10 súčasných japonských umelcov a ich výtvory – od neuveriteľné stvorenia Takashi Murakami (ktorý dnes oslavuje narodeniny) do farebného vesmíru Kusama.
Od futuristických svetov po bodkované súhvezdia: súčasní japonskí umelci
Takashi Murakami: tradicionalista a klasik
Začnime hrdinom tejto príležitosti! Takashi Murakami je jedným z najznámejších japonských súčasných umelcov, ktorý pracuje na maľbách, veľkých sochách a móde. Murakamiho štýl je ovplyvnený mangou a anime. Je zakladateľom hnutia Superflat, ktoré podporuje japončinu umeleckých tradícií a povojnovej kultúry. Murakami povýšil mnohých svojich súčasníkov, s niektorými sa dnes zoznámime aj my. Na módnych a umeleckých trhoch sa prezentujú „subkultúrne“ diela Takashiho Murakamiho. Jeho provokatívny My Lonesome Cowboy (1998) sa v roku 2008 predal v New Yorku v Sotheby's za rekordných 15,2 milióna dolárov. Murakami spolupracoval so svetoznámymi značkami Marc Jacobs, Louis Vuitton a Issey Miyake.
Tycho Asima a jej neskutočný vesmír
Chiho Ashima, členka umeleckej produkčnej spoločnosti Kaikai Kiki a hnutia Superflat (obe založil Takashi Murakami), je známa svojimi fantastickými panorámami miest a podivnými popovými stvoreniami. Umelec vytvára surrealistické sny obývané démonmi, duchmi, mladými kráskami zobrazenými na pozadí cudzej prírody. Jej diela sú väčšinou veľkoplošné a tlačené na papier, kožu, plast. V roku 2006 tento moderný Japonský umelec zúčastnil Art on the Underground v Londýne. Pre platformu vytvorila 17 po sebe idúcich oblúkov - magická krajina postupne sa zmenil zo dňa na noc, z mesta na vidiek. Tento zázrak rozkvitol na stanici metra Gloucester Road.
Chiharu Shima a Infinite Threads
Ďalší umelec, Chiharu Shiota, pracuje na rozsiahlych vizuálnych inštaláciách pre konkrétne pamiatky. Narodila sa v Osake, no teraz žije v Nemecku – v Berlíne. Ústrednými témami jej tvorby sú zabudnutie a pamäť, sny a realita, minulosť a prítomnosť a tiež konfrontácia úzkosti. Najznámejšie diela Chiharu Shiota sú nepreniknuteľné siete čiernej nite, ktoré obklopujú mnohé každodenné a osobné predmety, ako sú staré stoličky, svadobné šaty, spálený klavír. V lete 2014 Shiota spojila viac ako 300 topánok a čižiem, ktoré jej darovali, niťami z červenej priadze a zavesila ich na háčiky. Prvá výstava Chiharu v nemeckom hlavnom meste sa konala počas Berlínskeho týždňa umenia v roku 2016 a vyvolala senzáciu.
Hej Arakawa: všade, nikde nie
Ei Arakawa je inšpirovaný stavmi zmien, obdobiami nestability, prvkami rizika a jeho inštalácie často symbolizujú témy priateľstva a tímovej práce. Krédo súčasného japonského umelca definuje performatívne neurčito „všade, ale nikde“. Jeho výtvory sa objavujú na nečakaných miestach. V roku 2013 bolo Arakawovo dielo vystavené na Bienále v Benátkach a na výstave súčasného japonského umenia v Mori Art Museum (Tokio). Inštalácia Hawaiian Presence (2014) bola spoločný projekt s newyorskou umelkyňou Carissou Rodriguez a zúčastnil sa na Whitney Biennale. Aj v roku 2014 Arakawa a jeho brat Tomu, vystupujúci ako duet s názvom United Brothers, ponúkli návštevníkom Frieze London svoje „dielo“ „The This Soup Taste Ambivalent“ s „rádioaktívnymi“ koreňmi fukušimského daikonu.
Koki Tanaka: Vzťah a opakovanie
V roku 2015 bol Koki Tanaka vyhlásený za umelca roka. Tanaka skúma spoločnú skúsenosť kreativity a predstavivosti, podporuje výmenu medzi účastníkmi projektu a obhajuje nové pravidlá spolupráce. Jeho inštalácia v japonskom pavilóne na Bienále v Benátkach 2013 pozostávala z videí objektov, ktoré premieňali priestor na platformu pre výmenu umenia. Inštalácie Kokiho Tanaku (nezamieňať s hercom jeho úplného menovca) ilustrujú vzťah medzi objektmi a akciami, ako je video záznam jednoduchých gest vykonávaných obyčajnými predmetmi (krájanie zeleniny nožom, nalievanie piva do pohára, otváranie dáždnika) . Nič podstatné sa nedeje, no obsedantné opakovanie a pozornosť k najmenším detailom nútia diváka oceniť všednosť.
Mariko Mori a aerodynamické tvary
Ďalšia súčasná japonská umelkyňa Mariko Mori „čaruje“ multimediálnymi objektmi, kombinuje videá, fotografie, objekty. Má minimalistickú futuristickú víziu a uhladené, neskutočné formy. Opakujúcou sa témou v Moriho diele je juxtapozícia západnej legendy s západná kultúra. V roku 2010 Mariko založila nadáciu Fau, kultúrnu vzdelávaciu nezisková organizácia, pre ktorú vyrobila sériu svojich umeleckých inštalácií na počesť šiestich obývaných kontinentov. Najnovšie bola stála inštalácia nadácie The Ring: One with Nature vztýčená nad malebným vodopádom v Resende neďaleko Rio de Janeira.
Ryoji Ikeda: Syntéza zvuku a videa
Ryoji Ikeda je nový mediálny umelec a skladateľ, ktorého tvorba súvisí najmä so zvukom v rôznych „surových“ stavoch, od sínusových zvukov až po zvuky využívajúce frekvencie na hranici ľudského sluchu. Jeho dychberúce inštalácie zahŕňajú počítačom generované zvuky, ktoré sú vizuálne transformované do videoprojekcií alebo digitálnych predlôh. Audiovizuálne umelecké objekty Ikeda využívajú mierku, svetlo, tieň, hlasitosť, elektronické zvuky a rytmus. Umelcov známy testovací objekt pozostáva z piatich projektorov, ktoré osvetľujú plochu dlhú 28 metrov a širokú 8 metrov. Jednotka konvertuje dáta (text, zvuky, fotografie a filmy) na čiarový kód a binárne vzory núl a jednotiek.
Tatsuo Miyajima a LED počítadlá
Súčasný japonský sochár a inštalačný umelec Tatsuo Miyajima používa vo svojom umení elektrické obvody, video, počítače a iné pomôcky. Hlavné koncepty Mijadžimy sú inšpirované humanistickými myšlienkami a budhistickým učením. Počítadlá LED v jeho nastavení nepretržite blikajú v opakovaní od 1 do 9, čo symbolizuje cestu od života k smrti, ale vyhýba sa definitívnosti, ktorú predstavuje 0 (nula sa v Tatsuovej práci nikdy neobjavuje). Všadeprítomné čísla v mriežkach, vežiach a diagramoch vyjadrujú Miyajimov záujem o myšlienky kontinuity, večnosti, spojenia a plynutia času a priestoru. Nie je to tak dávno, čo bol objekt Miyajima Arrow of Time vystavený na úvodnej výstave „Incomplete Thoughts Visible in New York“.
Nara Yoshimoto a zlé deti
Nara Yoshimoto vytvára maľby, sochy a kresby detí a psov, námety, ktoré odrážajú detský zmysel pre nudu a frustráciu a divokú nezávislosť, ktorá je pre batoľatá prirodzená. Estetika Yoshimotovej práce pripomína tradičnú knižné ilustrácie, je zmesou nepokojného napätia a umelcovej lásky k punk rocku. V roku 2011 hostilo prvé múzeum ázijskej spoločnosti v New Yorku osobná výstava Yoshimoto s názvom "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool" pokrývajúci 20-ročnú kariéru súčasného japonského umelca. Exponáty boli úzko späté so svetovými subkultúrami mládeže, ich odcudzením a protestom.
Yayoi Kusama a priestor, ktorý rastie s exotickými formami
Úžasná tvorivá biografia Yayoi Kusama trvá sedem desaťročí. Za tento čas stihla úžasná Japonka vyštudovať odbory maľba, grafika, koláž, sochárstvo, kino, rytina, environmentálne umenie, inštalácia, ale aj literatúra, móda a odevný dizajn. Kusama vyvinula veľmi osobitý štýl bodkového umenia, ktorý sa stal jej obchodnou značkou. Iluzívne vízie prezentované v dielach 88-ročného Kusamu (keď sa zdá, že svet je pokrytý rozľahlými výstredné formy) je výsledkom halucinácií, ktoré zažívala od detstva. Miestnosti s farebnými bodkami a „nekonečnými“ zrkadlami odrážajúcimi ich nahromadenia sú rozpoznateľné, nemožno ich zameniť s ničím iným.
