რომელიც მოიცავს ბევრ ტექნიკას და სტილს. თავისი არსებობის ისტორიის მანძილზე მან გაიარა დიდი რიცხვიცვლილებები. დაემატა ახალი ტრადიციები და ჟანრები და დარჩა ორიგინალური იაპონური პრინციპები. იაპონიის გასაოცარ ისტორიასთან ერთად, ნახატი ასევე მზად არის წარმოადგინოს მრავალი უნიკალური და საინტერესო ფაქტი.
ძველი იაპონია
პირველი სტილები ჩნდება უძველესში ისტორიული პერიოდიქვეყნები, თუნდაც ძვ.წ. ე. მაშინ ხელოვნება საკმაოდ პრიმიტიული იყო. ჯერ 300 წ. ე., სხვადასხვა გეომეტრიული ფიგურები, რომლებიც შესრულდა ჭურჭელზე ჯოხებით. არქეოლოგების ასეთი აღმოჩენა, როგორც ბრინჯაოს ზარების ორნამენტი, გვიანდელი დროით თარიღდება.
ცოტა მოგვიანებით, უკვე 300 წ. ე., გამოჩნდება გამოქვაბულის ნახატები, რომლებიც ბევრად უფრო მრავალფეროვანია ვიდრე გეომეტრიული ნიმუშები. ეს უკვე სრულფასოვანი სურათებია სურათებით. ისინი საძვალეში აღმოაჩინეს და, სავარაუდოდ, ამ სამარხებში დაკრძალეს მათზე დახატული ადამიანები.
VII საუკუნეში ე. იაპონია იღებს მწერლობას, რომელიც მოდის ჩინეთიდან. დაახლოებით ამავე დროს იქიდან მოვიდა პირველი ნახატები. შემდეგ მხატვრობა ხელოვნების ცალკეულ სფეროდ გვევლინება.
ედო
ედო შორს არის პირველი და არა უკანასკნელი ნახატისაგან, მაგრამ კულტურაში ბევრი ახალი რამ შემოიტანა. უპირველეს ყოვლისა, ეს არის სიკაშკაშე და ფერადოვნება, რომელიც დაემატა ჩვეულებრივ ტექნიკას, რომელიც შესრულებულია შავი და ნაცრისფერი ტონები. ყველაზე გამოჩენილი მხატვარიეს სტილი ითვლება სოტასუს. Მან შექმნა კლასიკური ნახატები, მაგრამ მისი პერსონაჟები ძალიან ფერადი იყო. მოგვიანებით ის ბუნებაზე გადავიდა და მისი პეიზაჟების უმეტესობა მოოქროვილი ფონზე იყო დახატული.
მეორეც, ედოს პერიოდში გაჩნდა ეგზოტიკა, ნამბანის ჟანრი. გამოიყენებოდა თანამედროვე ევროპული და ჩინელი ტექნიკოსები, რომელიც გადაჯაჭვულია ტრადიციულ იაპონურ სტილებთან.
და მესამე, ჩნდება ნანგას სკოლა. მასში მხატვრები ჯერ მთლიანად ბაძავენ ან თუნდაც კოპირებენ ჩინელი ოსტატების ნამუშევრებს. შემდეგ ჩნდება ახალი ფილიალი, რომელსაც ბუნჯინგი ჰქვია.
მოდერნიზაციის პერიოდი
ედო პერიოდი მეიჯს უთმობს და ახლა იაპონური მხატვრობა იძულებულია ახალი ეტაპიგანვითარება. ამ დროს მსოფლიოში პოპულარული ხდებოდა ისეთი ჟანრები, როგორიცაა ვესტერნი და მსგავსი, ამიტომ ხელოვნების მოდერნიზაცია გახდა საერთო მდგომარეობა. თუმცა, იაპონიაში, ქვეყანაში, სადაც ყველა ადამიანი პატივს სცემს ტრადიციებს, მოცემული დროვითარება მნიშვნელოვნად განსხვავდებოდა სხვა ქვეყნებში ხდებოდა. აქ სასტიკი კონკურენციაა ევროპელ და ადგილობრივ ტექნიკოსებს შორის.
მთავრობა ამ ეტაპზე უპირატესობას ახალგაზრდა ხელოვანებს ანიჭებს, რომლებიც დასავლურ სტილში თავიანთი უნარების გაუმჯობესების დიდ დაპირებას იჩენენ. ამიტომ აგზავნიან მათ ევროპისა და ამერიკის სკოლებში.
მაგრამ ეს მხოლოდ პერიოდის დასაწყისში იყო. ფაქტია რომ ცნობილი კრიტიკოსებისაკმაოდ გააკრიტიკეს დასავლური ხელოვნება. ამ საკითხთან დაკავშირებით ბევრი აჟიოტაჟის თავიდან ასაცილებლად, ევროპული სტილებიდა ტექნიკის აკრძალვა დაიწყო გამოფენებზე, მათი ჩვენება შეწყდა, ისევე როგორც მათი პოპულარობა.
ევროპული სტილის გაჩენა
შემდეგი მოდის ტაიშოს პერიოდი. ამ დროს სამშობლოში ბრუნდებიან უცხოურ სკოლებში სასწავლებლად წასული ახალგაზრდა ხელოვანები. ბუნებრივია, მათ თან მოაქვთ იაპონური მხატვრობის ახალი სტილები, რომლებიც ძალიან ჰგავს ევროპულს. ჩნდება იმპრესიონიზმი და პოსტიმპრესიონიზმი.
ამ ეტაპზე ყალიბდება მრავალი სკოლა, რომლებშიც უძველეს იაპონური სტილები. მაგრამ დასავლური ტენდენციებისგან სრულად მოშორება შეუძლებელია. ამიტომ, ჩვენ უნდა გავაერთიანოთ რამდენიმე ტექნიკა, რათა მოვიწონოთ როგორც კლასიკის მოყვარულები, ასევე თანამედროვე ევროპული ფერწერის მოყვარულები.
ზოგიერთ სკოლას სახელმწიფო აფინანსებს, რის წყალობითაც მრავალი ეროვნული ტრადიციის შენარჩუნებაა შესაძლებელი. კერძო მესაკუთრეები იძულებულნი არიან მიჰყვნენ მომხმარებელთა მაგალითს, რომლებსაც სურდათ რაღაც ახალი; ისინი დაიღალნენ კლასიკისგან.
ნახატი მეორე მსოფლიო ომისგან
ომის დაწყების შემდეგ, იაპონური მხატვრობა გარკვეული დროით მოშორებული დარჩა მოვლენებისგან. იგი განვითარდა ცალკე და დამოუკიდებლად. მაგრამ ეს სამუდამოდ ვერ გაგრძელდებოდა.
დროთა განმავლობაში, როდესაც ქვეყანაში პოლიტიკური ვითარება უარესდება, მაღალი და პატივცემული მოღვაწეები ბევრ ხელოვანს იზიდავს. ზოგიერთმა მათგანმა პატრიოტული სტილით შექმნა ომის დასაწყისშიც კი დაიწყო. დანარჩენები ამ პროცესს მხოლოდ ხელისუფლების ბრძანებით იწყებენ.
შესაბამისად, იაპონურმა სახვითმა ხელოვნებამ ვერ განვითარდა განსაკუთრებით მეორე მსოფლიო ომის დროს. ამიტომ, ფერწერისთვის მას შეიძლება ეწოდოს სტაგნაცია.
მარადიული სუიბოკუგა
იაპონური სუმი-ე ფერწერა, ან სუიბოკუგა, სიტყვასიტყვით ნიშნავს "მელნით მხატვრობას". ეს განსაზღვრავს სტილს და ტექნიკას ამ ხელოვნების. ის ჩინეთიდან მოვიდა, მაგრამ იაპონელებმა გადაწყვიტეს დაარქვეს მას საკუთარი. და თავდაპირველად ტექნიკას არ ჰქონდა რაიმე ესთეტიკური მხარე. მას იყენებდნენ ბერები თვითგანვითარებისთვის ზენის შესწავლისას. უფრო მეტიც, ისინი ჯერ ხატავდნენ ნახატებს და შემდეგ ავარჯიშებდნენ კონცენტრაციას მათი ნახვისას. ბერებს სჯეროდათ, რომ მკაცრი ხაზები, ბუნდოვანი ტონები და ჩრდილები - ყველაფერი რასაც მონოქრომული ჰქვია - ეხმარება გაუმჯობესებას.
იაპონური მელნით მხატვრობა, ნახატებისა და ტექნიკის მრავალფეროვნების მიუხედავად, არ არის ისეთი რთული, როგორც ერთი შეხედვით შეიძლება ჩანდეს. იგი დაფუძნებულია მხოლოდ 4 ნაკვეთზე:
- ქრიზანთემა.
- ორქიდეა.
- ქლიავის ტოტი.
- ბამბუკი.
ნაკვეთების მცირე რაოდენობა არ აჩქარებს ტექნიკის დაუფლებას. ზოგიერთი ოსტატი თვლის, რომ სწავლა გრძელდება მთელი ცხოვრება.
მიუხედავად იმისა, რომ სუმი-ე დიდი ხნის წინ გამოჩნდა, ის ყოველთვის მოთხოვნადია. უფრო მეტიც, დღეს ამ სკოლის ოსტატებს შეხვდებით არა მხოლოდ იაპონიაში, ის ფართოდ არის გავრცელებული მის საზღვრებს მიღმა.
თანამედროვე პერიოდი
მეორე მსოფლიო ომის დასრულების შემდეგ იაპონიაში ხელოვნება მხოლოდ აყვავდა მთავარი ქალაქები, სოფლის მცხოვრებლებსა და სოფლის მცხოვრებლებს საკმარისი წუხილი ჰქონდათ. უმეტესწილად, მხატვრები ცდილობდნენ თავი დაეღწიათ ომის დროს დანაკარგებისგან და ტილოზე გამოესახათ თანამედროვე ქალაქის ცხოვრება მთელი თავისი შემკულობითა და მახასიათებლებით. ევროპული და ამერიკული იდეები წარმატებით იქნა მიღებული, მაგრამ ეს მდგომარეობა დიდხანს არ გაგრძელებულა. ბევრმა ოსტატმა თანდათან დაიწყო მათგან დაშორება იაპონური სკოლებისკენ.
ყოველთვის მოდური დარჩა. ამიტომ, თანამედროვე იაპონური ფერწერა შეიძლება განსხვავდებოდეს მხოლოდ შესრულების ტექნიკით ან პროცესში გამოყენებული მასალებით. მაგრამ მხატვრების უმეტესობა კარგად ვერ აღიქვამს სხვადასხვა სიახლეებს.
შეუძლებელია არ ავღნიშნოთ მოდური თანამედროვე სუბკულტურები, როგორიცაა ანიმე და მსგავსი სტილი. ბევრი მხატვარი ცდილობს გააფუჭოს ზღვარი კლასიკასა და დღეს მოთხოვნადს შორის. უმეტესწილად, ეს მდგომარეობა განპირობებულია კომერციით. კლასიკა და ტრადიციული ჟანრებისინამდვილეში, ისინი არ ყიდულობენ, შესაბამისად, წამგებიანია მხატვრად მუშაობა საყვარელ ჟანრში, თქვენ უნდა მოერგოთ მოდას.
დასკვნა
უდავოა, იაპონური მხატვრობა სახვითი ხელოვნების საგანძურია. შესაძლოა, აღნიშნული ქვეყანა ერთადერთი იყო, რომელიც არ მიჰყვებოდა დასავლურ ტენდენციებს და არ ეგუებოდა მოდას. ახალი ტექნიკის გამოჩენის დროს მრავალი დარტყმის მიუხედავად, იაპონელმა მხატვრებმა მაინც შეძლეს დაცვა ეროვნული ტრადიციებიბევრ ჟანრში. ალბათ ამიტომაა, რომ კლასიკურ სტილში შესრულებულ ნახატებს დღეს ძალიან აფასებენ გამოფენებზე.
გამარჯობა, ძვირფასო მკითხველებო - ცოდნისა და სიმართლის მაძიებლებო!
იაპონელ მხატვრებს აქვთ უნიკალური სტილი, რომელიც დახვეწილია ოსტატების მთელი თაობის მიერ. დღეს ვისაუბრებთ იაპონური მხატვრობის ყველაზე თვალსაჩინო წარმომადგენლებზე და მათ ნახატებზე, უძველესი დროიდან თანამედროვეობამდე.
აბა, მოდით ჩავუღრმავდეთ ამომავალი მზის ქვეყნის ხელოვნებას.
ხელოვნების დაბადება
იაპონიაში მხატვრობის უძველესი ხელოვნება უპირველეს ყოვლისა ასოცირდება დამწერლობის თავისებურებებთან და ამიტომ აგებულია კალიგრაფიის საფუძვლებზე. პირველი ნიმუშები მოიცავს გათხრების დროს აღმოჩენილი ბრინჯაოს ზარების, ჭურჭლისა და საყოფაცხოვრებო ნივთების ფრაგმენტებს. ბევრი მათგანი შეღებილი იყო ბუნებრივი საღებავებით და კვლევები გვაძლევს საფუძველს ვიფიქროთ, რომ პროდუქტები დამზადდა 300 წელზე ადრე.
ხელოვნების განვითარების ახალი რაუნდი დაიწყო იაპონიაში ჩასვლით. ბუდისტური პანთეონის ღვთაებების გამოსახულებები, მასწავლებლისა და მისი მიმდევრების ცხოვრებიდან სცენები გამოყენებული იყო ემაკიმონოზე - სპეციალური ქაღალდის გრაგნილები.
სჭარბობს რელიგიური თემებიმხატვრობაში შეიძლება მივაკვლიოთ შუა საუკუნეების იაპონიაში, კერძოდ მე-10-მე-15 საუკუნეებში. იმ ეპოქის ხელოვანთა სახელები, სამწუხაროდ, დღემდე არ შემორჩენილა.
მე-15-მე-18 საუკუნეების პერიოდში იწყება ახალი დრო, რომელიც ხასიათდება განვითარებული მხატვრების გამოჩენით. ინდივიდუალური სტილი. მათ დანიშნეს ვექტორი შემდგომი განვითარებავიზუალური ხელოვნება.
წარსულის ნათელი წარმომადგენლები
დაძაბული Xubun (მე-15 საუკუნის დასაწყისი)
რათა გახდეს გამოჩენილი ოსტატი Xiubun-მა შეისწავლა ჩინეთის სიმღერის შემსრულებლების წერის ტექნიკა და მათი ნამუშევრები. შემდგომში იგი გახდა იაპონიაში მხატვრობის ერთ-ერთი ფუძემდებელი და სუმი-ე-ს შემქმნელი.
სუმი-ე - ხელოვნების სტილი, რომელიც დაფუძნებულია მელნით ნახატზე, რაც ნიშნავს ერთ ფერს.
ქსუბუნმა ბევრი რამ გააკეთა ახალი სტილიმხატვრულ წრეებში დამკვიდრდა, ხელოვნებას ასწავლიდა სხვა ნიჭიერებს, მათ შორის მომავალ ცნობილ მხატვრებს, მაგალითად სეშუს.
Ყველაზე პოპულარული ფერწერასიუბუნას ჰქვია "კითხვა ბამბუკის ჭალებში".
"კითხვა ბამბუკის გროვში" დაძაბული Xubun
ჰასეგავა ტოჰაკუ (1539-1610)
ის გახდა საკუთარი თავის სახელობის სკოლის – ჰასეგავას შემქმნელი. თავიდან ის ცდილობდა კანოს სკოლის კანონებს მიჰყოლოდა, მაგრამ თანდათან მის ნამუშევრებში დაიწყო მისი ინდივიდუალური „ხელწერა“. Tohaku ხელმძღვანელობდა Sesshu გრაფიკით.
სამუშაოს საფუძველი იყო მარტივი, ლაკონური, მაგრამ რეალისტური პეიზაჟებიმარტივი სახელებით:
- "ფიჭვები";
- "ნეკერჩხალი";
- "ფიჭვი და აყვავებული მცენარეები."
ჰასეგავა ტოჰაკუს "ფიჭვები".
ძმები ოგატა კორინი (1658-1716) და ოგატა კენზანი (1663-1743)
ძმები მე-18 საუკუნის შესანიშნავი ხელოსნები იყვნენ. უფროსმა, ოგატა კორინმა, მთლიანად მიუძღვნა მხატვრობას და დააარსა რიმპას ჟანრი. ის გაურბოდა სტერეოტიპულ სურათებს, ამჯობინებდა იმპრესიონისტულ ჟანრს.
ოგატა კორინმა დახატა ბუნება ზოგადად და ყვავილები განსაკუთრებით ნათელი აბსტრაქციების სახით. მისი ფუნჯები ეკუთვნის ნახატებს:
- "ქლიავის ყვავილი წითელი და თეთრი";
- "მაცუშიმას ტალღები";
- "ქრიზანთემები".
ოგატა კორინის "მაცუშიმას ტალღები".
უმცროს ძმას, ოგატა კენზანს, ბევრი ფსევდონიმი ჰქონდა. მიუხედავად იმისა, რომ იგი მხატვრობით იყო დაკავებული, ის უფრო ცნობილი კერამიკოსი იყო.
ოგატა კენზანი დაეუფლა კერამიკის შექმნის ბევრ ტექნიკას. იგი გამოირჩეოდა არასტანდარტული მიდგომით, მაგალითად, კვადრატის სახით ქმნიდა ფირფიტებს.
საკუთარი მხატვრობა არ გამოირჩეოდა ბრწყინვალებით - ეს იყო მისი თავისებურებაც. მას უყვარდა გრაგნილის მსგავსი კალიგრაფიის ან პოეზიის ნაწყვეტების გამოყენება თავის ნივთებზე. ხანდახან ძმასთან ერთად მუშაობდნენ.
კაცუშიკა ჰოკუსაი (1760-1849)
მან შექმნა უკიიო-ე სტილში - ერთგვარი ხის კვეთა, სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, გრავიურა. მთელი თავისი კარიერის განმავლობაში მან 30-მდე სახელი შეცვალა. ცნობილი ნამუშევარი – « დიდი ტალღაკანაგავაში“, რისი წყალობითაც იგი ცნობილი გახდა სამშობლოს ფარგლებს გარეთ.
ჰოკუსაი კაცუშიკას "დიდი ტალღა კანაგავას მიღმა".
ჰოკუსაიმ განსაკუთრებით მძიმე შრომა დაიწყო 60 წლის შემდეგ, რამაც კარგი შედეგი მოიტანა. ვან გოგი, მონე და რენუარი იცნობდნენ მის შემოქმედებას და გარკვეულწილად მან გავლენა მოახდინა ევროპელი ოსტატების მუშაობაზე.
ანდო ჰიროშიგე (1791-1858)
Ერთ - ერთი უდიდესი მხატვრებიმე-19 საუკუნე. იგი დაიბადა, ცხოვრობდა და მოღვაწეობდა ედოში, განაგრძო ჰოკუსაის მოღვაწეობა და შთაგონებული იყო მისი ნამუშევრებით. ის, თუ როგორ ასახავდა ბუნებას, თითქმის ისეთივე შთამბეჭდავია, როგორც თავად ნამუშევრების რაოდენობა.
ედო - ყოფილი სახელიტოკიო.
აქ არის რამდენიმე ფიგურა მისი ნამუშევრის შესახებ, რომლებიც წარმოდგენილია ნახატების სერიით:
- 5,5 ათასი – ყველა გრავიურის რაოდენობა;
- „ედოს 100 ხედვა;
- „ფუჯის 36 ხედი“;
- "კისოკაიდოს 69 სადგური";
- "ტოკაიდოს 53 სადგური."
ანდო ჰიროშიგეს ნახატი
საინტერესოა, რომ გამოჩენილმა ვან გოგმა დახატა მისი გრავიურების რამდენიმე ეგზემპლარი.
თანამედროვეობა
ტაკაში მურაკამი
მხატვარი, მოქანდაკე, ტანსაცმლის დიზაინერი, მან სახელი უკვე მე-20 საუკუნის ბოლოს მოიპოვა. შემოქმედებაში ის ემორჩილება მოდის ტენდენციებიკლასიკური ელემენტებით და შთაგონებას იღებს ანიმე და მანგა მულტფილმებიდან.
ტაკაში მურაკამის ნახატი
ტაკაში მურაკამის ნამუშევრები განიხილება სუბკულტურად, მაგრამ ამავე დროს ისინი წარმოუდგენლად პოპულარულია. მაგალითად, 2008 წელს მისი ერთ-ერთი ნამუშევარი აუქციონზე 15 მილიონ დოლარად იყიდეს. ერთ დროს თანამედროვე შემოქმედი მოდის სახლებთან Marc Jacobs და Louis Vuitton-თან ერთად მუშაობდა.
მშვიდი აშიმა
წინა მხატვრის კოლეგა, ის ქმნის თანამედროვე სიურეალისტურ ნახატებს. ისინი ასახავს ქალაქების ხედებს, მეგაპოლისების ქუჩებს და არსებებს, თითქოს სხვა სამყაროდან - მოჩვენებები, ბოროტი სულები, უცხო გოგონები. ნახატების ფონზე ხშირად შეგიძლიათ შეამჩნიოთ ხელუხლებელი, ზოგჯერ შემაშინებელი ბუნებაც.
მისი ნახატები დიდ ზომებს აღწევს და იშვიათად შემოიფარგლება ქაღალდის მედიით. ისინი გადაეცემა ტყავის და პლასტმასის მასალებს.
2006 წელს, ბრიტანეთის დედაქალაქში გამოფენის ფარგლებში, ქალმა შექმნა 20-მდე თაღოვანი სტრუქტურა, რომლებიც ასახავდნენ სოფლისა და ქალაქის ბუნების სილამაზეს, დღე და ღამე. ერთმა მათგანმა მეტრო სადგური დაამშვენა.
ჰეი არაკავა
ახალგაზრდას არ შეიძლება ეწოდოს მხოლოდ მხატვარი ამ სიტყვის კლასიკური გაგებით - ის ქმნის 21-ე საუკუნის ხელოვნებაში ასე პოპულარულ ინსტალაციას. მისი გამოფენების თემები ნამდვილად იაპონურია და ეხება როგორც მეგობრულ ურთიერთობებს, ასევე მთელი გუნდის მუშაობას.
ჰეი არაკავა ხშირად მონაწილეობს სხვადასხვა ბიენალეში, მაგალითად ვენეციაში და გამოფენებს მუზეუმში. თანამედროვე ხელოვნებასამშობლოში დამსახურებულად იღებს სხვადასხვა ჯილდოებს.
იკენაგა იასუნარი
თანამედროვე მხატვარმა იკენაგა იასუნარიმ მოახერხა ორი ერთი შეხედვით შეუთავსებელი ნივთის შერწყმა: თანამედროვე გოგონების ცხოვრება პორტრეტულ ფორმაში და ტრადიციული ტექნიკაიაპონია უძველესი დროიდან მოდის. თავის ნამუშევრებში მხატვარი იყენებს სპეციალურ ფუნჯებს, ბუნებრივ პიგმენტურ საღებავებს, მელანს და ნახშირს. ჩვეულებრივი თეთრეულის ნაცვლად - თეთრეულის ქსოვილი.
იკენაგა იასუნარის ნახატი
გამოსახული ეპოქის კონტრასტის მსგავსი ტექნიკა და გარეგნობაჰეროინები ქმნიან შთაბეჭდილებას, თითქოს წარსულიდან დაგვიბრუნდნენ.
პოპულარული in Ბოლო დროსონლაინ საზოგადოებაში ნიანგის ცხოვრების სირთულეების შესახებ ნახატების სერია ასევე შექმნა იაპონელმა კარიკატურისტმა კეიგომ.
დასკვნა
ასე რომ, იაპონური მხატვრობა ჩვენს წელთაღრიცხვამდე III საუკუნეში დაიწყო და მას შემდეგ ბევრი რამ შეიცვალა. პირველი გამოსახულებები გამოიყენეს კერამიკაზე, შემდეგ ბუდისტურმა მოტივებმა დაიწყეს გაბატონება ხელოვნებაში, მაგრამ ავტორების სახელები დღემდე არ შემორჩენილა.
თანამედროვე ეპოქაში ფუნჯის ოსტატებმა უფრო და უფრო მეტი ინდივიდუალობა შეიძინეს, შექმნეს სხვადასხვა მიმართულებები, სკოლები. დღევანდელი სახვითი ხელოვნება არ შემოიფარგლება მხოლოდ ტრადიციული მხატვრობა- გამოიყენება ინსტალაციები, კარიკატურები, ხელოვნების ქანდაკებები და სპეციალური სტრუქტურები.
დიდი მადლობა ყურადღებისთვის, ძვირფასო მკითხველებო! ვიმედოვნებთ, რომ ჩვენი სტატია თქვენთვის სასარგებლო აღმოჩნდა და ისტორიები ცხოვრებისა და შემოქმედების შესახებ ყველაზე ნათელი წარმომადგენლებიხელოვნებამ საშუალება მოგვცა უკეთ გაგვეცნო ისინი.
რა თქმა უნდა, რთულია ერთ სტატიაში საუბარი ყველა ხელოვანზე ანტიკურ დროიდან დღემდე. ამიტომ, ეს იყოს პირველი ნაბიჯი იაპონური მხატვრობის გასაგებად.
და შემოგვიერთდით - გამოიწერეთ ბლოგი - ჩვენ ერთად შევისწავლით ბუდიზმს და აღმოსავლურ კულტურას!
Ხელოვნება და დიზაინი
2904
01.02.18 09:02
დღევანდელი ხელოვნების სცენაიაპონია ძალიან მრავალფეროვანი და პროვოკაციულია: უყურებს ქვეყნიდან ოსტატების მუშაობას Ამომავალი მზე, თქვენ გადაწყვეტთ, რომ სხვა პლანეტაზე მოხვედით! ინოვატორების სახლი, რომლებმაც შეცვალეს ინდუსტრიის ლანდშაფტი გლობალური მასშტაბით. წარმოგიდგენთ 10 თანამედროვე იაპონელი მხატვრის ჩამონათვალს და მათ შემოქმედებას - დან წარმოუდგენელი არსებებიტაკაში მურაკამი (რომელიც დღეს აღნიშნავს დაბადების დღეს) კუსამას ფერად სამყაროში.
ფუტურისტული სამყაროებიდან წერტილოვან თანავარსკვლავედებამდე: თანამედროვე იაპონელი მხატვრები
ტაკაში მურაკამი: ტრადიციონალისტი და კლასიკა
დავიწყოთ შემთხვევის გმირით! ტაკაში მურაკამი არის იაპონიის ერთ-ერთი ყველაზე გამორჩეული თანამედროვე მხატვარი, რომელიც მუშაობს ნახატებზე, ფართომასშტაბიან ქანდაკებებზე და მოდურ ტანსაცმელზე. მურაკამის სტილზე მანგასა და ანიმეს გავლენაა. ის არის მოძრაობის Superflat-ის დამფუძნებელი, რომელიც მხარს უჭერს იაპონურ მხატვრულ ტრადიციებს და ქვეყნის ომის შემდგომ კულტურას. მურაკამმა ბევრი თავისი თანამემამულე დააწინაურა და დღესაც შევხვდებით ზოგიერთ მათგანს. ტაკაში მურაკამის „სუბკულტურული“ ნამუშევრები წარმოდგენილია მოდისა და ხელოვნების ხელოვნების ბაზრებზე. მისი პროვოკაციული "ჩემი მარტოსული კოვბოი" (1998) გაიყიდა ნიუ-იორკში 2008 წელს Sotheby's-ში რეკორდულ 15,2 მილიონ დოლარად. მურაკამი თანამშრომლობდა მსოფლიოში ცნობილ ბრენდებთან Marc Jacobs, Louis Vuitton და Issey Miyake.
მშვიდად აშიმა და მისი სიურეალისტური სამყარო
ხელოვნების მწარმოებელი კომპანიის Kaikai Kiki-ისა და Superflat მოძრაობის წევრი (ორივე დაარსებული ტაკაში მურაკამის მიერ), ჩიჩო აშიმა ცნობილია თავისი ფანტასტიკური ქალაქური პეიზაჟებითა და უცნაური პოპ არსებებით. მხატვარი ქმნის დემონებით, მოჩვენებებით, ახალგაზრდა ლამაზმანებით დასახლებულ სურეალისტურ სიზმრებს, რომლებიც გამოსახულია უცნაური ბუნების ფონზე. მისი ნამუშევრები, როგორც წესი, ფართომასშტაბიანია და იბეჭდება ქაღალდზე, ტყავზე და პლასტმასზე. 2006 წელს ამ თანამედროვე იაპონელმა მხატვარმა მონაწილეობა მიიღო ლონდონის Art on the Underground-ში. მან შექმნა 17 ზედიზედ თაღი პლატფორმისთვის - ჯადოსნური პეიზაჟითანდათანობით გადაიზარდა დღიდან ღამემდე, ქალაქიდან სოფლად. ეს სასწაული აყვავდა მეტროსადგურ Gloucester Road-ზე.
ჩიჰარუ შიმა და გაუთავებელი ძაფები
კიდევ ერთი მხატვარი, ჩიჰარუ შიოტა, მუშაობს ფართომასშტაბიან ვიზუალურ ინსტალაციებზე კონკრეტული ღირშესანიშნაობებისთვის. იგი დაიბადა ოსაკაში, მაგრამ ახლა ცხოვრობს გერმანიაში - ბერლინში. მისი შემოქმედების ცენტრალური თემებია დავიწყება და მეხსიერება, ოცნებები და რეალობა, წარსული და აწმყო, ასევე შფოთვის დაპირისპირება. Ყველაზე ცნობილი ნამუშევრებიჩიჰარუ შიოტა - შავი ძაფის შეუღწევადი ქსელები, რომლებიც ფარავს ბევრ საყოფაცხოვრებო და პირად ობიექტს - როგორიცაა ძველი სკამები, Საქორწილო კაბა, დამწვარი ფორტეპიანო. 2014 წლის ზაფხულში, შიოტამ ერთიანად შეკრა ფეხსაცმელი და ჩექმები (რომლებიც 300-ზე მეტი იყო) წითელი ძაფის ძაფებით და დაკიდა კაუჭებზე. ჩიჰარუს პირველი გამოფენა გერმანიის დედაქალაქში 2016 წელს ბერლინის ხელოვნების კვირეულზე გაიმართა და სენსაცია გამოიწვია.
ჰეი არაკავა: ყველგან, არსად
ჰეი არაკავა შთაგონებულია ცვლილების მდგომარეობებით, არასტაბილურობის პერიოდებით, რისკის ელემენტებით და მისი ინსტალაციები ხშირად სიმბოლოა მეგობრობისა და გუნდური მუშაობის თემებზე. თანამედროვე იაპონელი მხატვრის კრედო განისაზღვრება პერფორმატიული, განუსაზღვრელი "ყველგან, მაგრამ არსად". მისი შემოქმედება მოულოდნელ ადგილებში ჩნდება. 2013 წელს არაკავას ნამუშევრები გამოიფინა ვენეციის ბიენალეზე და იაპონური თანამედროვე ხელოვნების გამოფენაზე მორის ხელოვნების მუზეუმში (ტოკიო). ინსტალაცია Hawaiian Presence (2014) იყო ერთობლივი პროექტინიუ-იორკელ მხატვარ კარისა როდრიგესთან ერთად და მონაწილეობა მიიღო უიტნის ბიენალში. ასევე 2014 წელს, არაკავამ და მისმა ძმამ ტომუმ, რომლებიც ასრულებდნენ დუეტს, სახელად United Brothers, შესთავაზეს სტუმრებს Frieze London-ში თავიანთი „ნამუშევარი“ „This Soup Taste Ambivalent“ „რადიოაქტიური“ Fukushima daikon-ის ძირეული ბოსტნეულით.
კოკი ტანაკა: ურთიერთობები და გამეორებები
2015 წელს კოკი ტანაკა "წლის არტისტად" აღიარეს. ტანაკა იკვლევს კრეატიულობისა და წარმოსახვის საერთო გამოცდილებას, ხელს უწყობს პროექტის მონაწილეებს შორის გაცვლას და მხარს უჭერს თანამშრომლობის ახალ წესებს. მისი ინსტალაცია 2013 წლის ვენეციის ბიენალეზე იაპონიის პავილიონში შედგებოდა ობიექტების ვიდეოებისგან, რომლებიც სივრცეს აქცევდნენ მხატვრული გაცვლის პლატფორმად. კოკი ტანაკას ინსტალაციები (არ აგვერიოს მის სრულფასოვან მსახიობთან) ასახავს ობიექტებსა და მოქმედებებს შორის ურთიერთობას, მაგალითად, ვიდეო შეიცავს ჩვეულებრივი საგნებით შესრულებული მარტივი ჟესტების ჩანაწერებს (ბოსტნეულის დაჭრის დანა, ჭიქაში ლუდის ჩასხმა). , ქოლგის გახსნა). არაფერი მნიშვნელოვანი არ ხდება, მაგრამ აკვიატებული გამეორება და ყურადღება უმცირეს დეტალებამდედააფასოს მაყურებელი ამქვეყნიური.
მარიკო მორი და გამარტივებული ფორმები
კიდევ ერთი თანამედროვე იაპონელი მხატვარი, მარიკო მორი, მულტიმედია ობიექტებს „აგონებს“ ვიდეოებს, ფოტოებსა და საგნებს. მას ახასიათებს მინიმალისტური ფუტურისტული ხედვა და დახვეწილი სურეალისტური ფორმები. მორის ნამუშევრებში განმეორებადი თემაა შეჯვარება დასავლური ლეგენდათან დასავლური კულტურა. 2010 წელს მარიკომ დააარსა Fau Foundation, საგანმანათლებლო კულტურული არაკომერციული ორგანიზაცია, რისთვისაც მან შექმნა თავისი არტ-ინსტალაციების სერია ექვსი დასახლებული კონტინენტის პატივსაცემად. სულ ახლახან, ფონდის მუდმივი ინსტალაცია "ბეჭედი: ერთი ბუნება" რიო-დე-ჟანეიროს მახლობლად მდებარე თვალწარმტაცი ჩანჩქერის თავზე დაიდგა.
Ryoji Ikeda: ხმის და ვიდეოს სინთეზი
რიოჯი იკედა არის ახალი მედია მხატვარი და კომპოზიტორი, რომლის ნამუშევრები ძირითადად ეხება ჟღერადობას სხვადასხვა „ნედლი“ მდგომარეობებში, სინუსური ტალღებიდან დაწყებული, ადამიანის სმენის ზღვარზე არსებული სიხშირეების გამოყენებით. მისი იმერსიული ინსტალაციები მოიცავს კომპიუტერის მიერ გამომუშავებულ ბგერებს, რომლებიც ვიზუალურად გარდაიქმნება ვიდეო პროექციებად ან ციფრულ შაბლონებად. იკედას აუდიოვიზუალური ხელოვნება იყენებს მასშტაბს, შუქს, ჩრდილს, მოცულობას, ელექტრონულ ხმებს და რიტმს. მხატვრის ცნობილი სატესტო ობიექტი შედგება ხუთი პროექტორისგან, რომლებიც ანათებენ ტერიტორიას 28 მეტრი სიგრძისა და 8 მეტრი სიგანის. კონფიგურაცია აკონვერტებს მონაცემებს (ტექსტი, ხმები, ფოტოები და ფილმები) შტრიხკოდებად და ერთებისა და ნულების ორობით ნიმუშებად.
Tatsuo Miyajima და LED მრიცხველები
თანამედროვე იაპონელი მოქანდაკე და ინსტალაციის მხატვარი ტაცუო მიაჯიმა იყენებს თავის ხელოვნებაში ელექტრული სქემები, ვიდეო, კომპიუტერები და სხვა გაჯეტები. მიაჯიმას ძირითადი კონცეფციები შთაგონებულია ჰუმანისტური იდეებითა და ბუდისტური სწავლებებით. მის ინსტალაციაში LED მრიცხველები განუწყვეტლივ ანათებენ განმეორებით 1-დან 9-მდე, რაც სიმბოლოა მოგზაურობის ცხოვრებიდან სიკვდილამდე, მაგრამ თავიდან აიცილებს საბოლოოობას, რომელიც წარმოდგენილია 0-ით (ნული არასოდეს ჩანს ტაცუოს ნამუშევრებში). ბადეებში, კოშკებსა და დიაგრამებში გავრცელებული რიცხვები გამოხატავს მიაჯიმას ინტერესს უწყვეტობის, მარადისობის, კავშირის და დროისა და სივრცის ნაკადის იდეებით. ცოტა ხნის წინ მიაჯიმას „დროის ისარი“ აჩვენეს საინაუგურაციო გამოფენაზე „ნიუ-იორკში ხილული დაუმთავრებელი აზრები“.
ნარა იოშიმოტო და ბოროტი ბავშვები
ნარა იოშიმოტო ქმნის ბავშვებისა და ძაღლების ნახატებს, ქანდაკებებსა და ნახატებს - საგნებს, რომლებიც ასახავს ბავშვობის მოწყენილობისა და იმედგაცრუების გრძნობას და სასტიკ დამოუკიდებლობას, რომელიც ბუნებრივად მოდის პატარებისთვის. იოშიმოტოს შემოქმედების ესთეტიკა ტრადიციულს მოგვაგონებს წიგნის ილუსტრაციები, არის დაუღალავი დაძაბულობისა და არტისტის სიყვარული პანკ როკის ნაზავი. 2011 წელს პირველი პერსონალური გამოფენაიოშიმოტო სახელწოდებით "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", რომელიც მოიცავს თანამედროვე იაპონელი მხატვრის 20-წლიან კარიერას. ექსპონატი მჭიდროდ იყო დაკავშირებული მსოფლიოს ახალგაზრდულ სუბკულტურებთან, მათ გაუცხოებასთან და პროტესტთან.
Yayoi Kusama და სივრცე იზრდება უცნაურ ფორმებში
იაიოი კუსამას საოცარი შემოქმედებითი ბიოგრაფია შვიდი ათწლეული გრძელდება. ამ დროის განმავლობაში საოცარმა იაპონელმა ქალმა მოახერხა ფერწერის, გრაფიკის, კოლაჟის, ქანდაკების, კინოს, გრავიურის, გარემოს ხელოვნების, ინსტალაციის, ასევე ლიტერატურის, მოდის და ტანსაცმლის დიზაინის დარგების შესწავლა. კუსამამ შეიმუშავა დოტ ხელოვნების ძალიან გამორჩეული სტილი, რომელიც მის საფირმო ნიშნად იქცა. 88 წლის კუსამას ნამუშევრებში წარმოდგენილი ილუზორული ხილვები (როდესაც სამყარო გაფანტულივითაა დაფარული უცნაური ფორმები), არის ჰალუცინაციების შედეგი, რომელიც მას ბავშვობიდან განიცდიდა. ოთახები ფერადი წერტილებით და „უსასრულობის“ სარკეებით, რომლებიც ასახავს მათ მტევანებს, ცნობადია და არ შეიძლება მათი აღრევა სხვაგან.
აქვს ძალიან მდიდარი ისტორია; მისი ტრადიცია უზარმაზარია, იაპონიის უნიკალური პოზიციით მსოფლიოში დიდ გავლენას ახდენს იაპონელი მხატვრების დომინანტური სტილი და ტექნიკა. ცნობილი ფაქტიის, რომ იაპონია საკმაოდ იზოლირებული იყო მრავალი საუკუნის განმავლობაში, განპირობებულია არა მხოლოდ გეოგრაფიით, არამედ იაპონური კულტურული ტენდენციით იზოლაციისადმი დომინანტური ტენდენციით, რამაც აღნიშნა ქვეყნის ისტორია. არსებობის საუკუნეების განმავლობაში, რასაც შეიძლება ვუწოდოთ " იაპონური ცივილიზაციაკულტურა და ხელოვნება განცალკევებით განვითარდა დანარჩენ მსოფლიოში. და ეს კი შესამჩნევია იაპონური ფერწერის პრაქტიკაში. მაგალითად, ნიჰონგას ნახატები იაპონური ფერწერის პრაქტიკის მთავარ ნამუშევრებს შორისაა. იგი ეფუძნება ათას წელზე მეტ ტრადიციას და ნახატები ჩვეულებრივ იქმნება ფუნჯებით ან ვაშიზე (იაპონური ქაღალდი) ან ეგინაზე (აბრეშუმი).
თუმცა იაპონურ ხელოვნებასა და მხატვრობაზე უცხოური გავლენა მოახდინა მხატვრული პრაქტიკა. პირველი, ეს იყო ჩინური ხელოვნება მე -16 საუკუნეში და ჩინური ხელოვნებადა ჩინური ტრადიციახელოვნება, რომელმაც განსაკუთრებული გავლენა მოახდინა რამდენიმე ასპექტში. მე-17 საუკუნიდან იაპონურ ფერწერაზეც გავლენა იქონია დასავლური ტრადიციები. კერძოდ, ომამდელ პერიოდში, რომელიც გაგრძელდა 1868 წლიდან 1945 წლამდე, იაპონურ ფერწერაზე იმპრესიონიზმისა და ევროპული რომანტიზმის გავლენის ქვეშ იყო. ამავდროულად, ახალი ევროპული მხატვრული მოძრაობები ასევე განიცდიდა იაპონურ გავლენას მხატვრული ტექნიკა. ხელოვნების ისტორიაში ამ გავლენას „იაპონიზმს“ უწოდებენ და განსაკუთრებით მნიშვნელოვანია იმპრესიონისტებისთვის, კუბისტებისთვის და მოდერნიზმთან ასოცირებული მხატვრებისთვის.
გრძელი ამბავიიაპონური მხატვრობა შეიძლება ჩაითვალოს რამდენიმე ტრადიციის სინთეზად, რომელიც ქმნის აღიარებული იაპონური ესთეტიკის ნაწილებს. უპირველეს ყოვლისა, ბუდისტური ხელოვნება და ფერწერის მეთოდები, ასევე რელიგიური მხატვრობა, მნიშვნელოვანი კვალი დატოვა იაპონური ფერწერის ესთეტიკაზე; პეიზაჟების წყლის მელნით დახატვა ჩინური ლიტერატურული მხატვრობის ტრადიციით არის კიდევ ერთი მნიშვნელოვანი ელემენტი, რომელიც აღიარებულია ბევრ ცნობილ იაპონურ ნახატში; ცხოველებისა და მცენარეების, განსაკუთრებით ფრინველებისა და ყვავილების მხატვრობა ჩვეულებრივ ასოცირდება იაპონურ კომპოზიციებთან, ისევე როგორც პეიზაჟები და სცენები. Ყოველდღიური ცხოვრების. დაბოლოს, ფილოსოფიისა და კულტურის უძველესი იდეები სილამაზის შესახებ დიდი გავლენა იქონია იაპონურ მხატვრობაზე ძველი იაპონია. ვაბი, რაც ნიშნავს გარდამავალ და უხეში სილამაზეს, საბი (ბუნებრივი ქათმისა და დაბერების სილამაზე) და იუგენი (ღრმა მადლი და დახვეწილობა) განაგრძობენ გავლენას იდეალებზე იაპონური ფერწერის პრაქტიკაში.
და ბოლოს, თუ კონცენტრირდებით ათი ყველაზე ცნობილი იაპონური შედევრის არჩევაზე, უნდა აღვნიშნოთ ukiyo-e, რომელიც ხელოვნების ერთ-ერთი ყველაზე პოპულარული ჟანრია იაპონიაში, მიუხედავად იმისა, რომ იგი ეკუთვნის ბეჭდვას. იგი დომინირებდა იაპონურ ხელოვნებაში მე-17-მე-19 საუკუნეებში, ამ ჟანრის მხატვრები ქმნიდნენ ხეზე ჭრებს და ნახატებს ისეთი საგნების შესახებ, როგორიცაა ლამაზი გოგოები, კაბუკის მსახიობები და სუმოისტები, ასევე სცენები ისტორიიდან და ხალხური ზღაპრებიმოგზაურობის სცენები და პეიზაჟები, ფლორა და ფაუნა და ეროტიკაც კი.
სიის შედგენა ყოველთვის რთულია საუკეთესო ნახატებიმხატვრული ტრადიციებიდან. ბევრი საოცარი ნამუშევარი გამოირიცხება; თუმცა, ამ სიაში წარმოდგენილია ათი ყველაზე ცნობადი იაპონური ნახატი მსოფლიოში. ამ სტატიაში წარმოდგენილი იქნება მხოლოდ მე-19 საუკუნიდან დღემდე შექმნილი ნახატები.
იაპონურ მხატვრობას ძალიან მდიდარი ისტორია აქვს. Საუკუნეების მანძილზე იაპონელი მხატვრებიშეიმუშავა დიდი რაოდენობა უნიკალური ტექნიკადა სტილები, რომლებიც იაპონიის ყველაზე ღირებული წვლილია ხელოვნების სამყაროში. ერთ-ერთი ასეთი ტექნიკაა სუმი-ე. Sumi-e სიტყვასიტყვით ნიშნავს "მელნით ნახატს" და აერთიანებს კალიგრაფიას და მელნით მხატვრობას, რათა შექმნას ფუნჯით დახატული კომპოზიციების იშვიათი სილამაზე. ეს სილამაზე პარადოქსულია - უძველესი, მაგრამ თანამედროვე, მარტივი, მაგრამ რთული, თამამი, მაგრამ დამორჩილებული, უდავოდ ასახავს ხელოვნების სულიერ საფუძველს ზენ ბუდიზმში. ბუდისტმა მღვდლებმა მეექვსე საუკუნეში ჩინეთიდან იაპონიაში შეიტანეს მყარი მელნის ბლოკები და ბამბუკის ფუნჯები და ბოლო 14 საუკუნის განმავლობაში იაპონიამ შეიმუშავა მელნის ფერწერის მდიდარი მემკვიდრეობა.
გადადით ქვემოთ და ნახეთ იაპონური ფერწერის 10 შედევრი
1. კაცუშიკა ჰოკუსაი "მეთევზის ცოლის ოცნება"
ერთ-ერთი ყველაზე ცნობადი იაპონური ნახატია "მეთევზის ცოლის ოცნება". იგი დაიწერა 1814 წელს ცნობილი მხატვარიჰოკუსაი. თუ დაიცავთ მკაცრ განმარტებებს, ეს გასაოცარი სამუშაოჰოკუსაი არ შეიძლება ჩაითვალოს ნახატად, რადგან ის არის უკიიო-ე ჟანრის ხის კვეთა წიგნიდან ახალგაზრდა ფიჭვები (Kinoe no Komatsu), რომელიც სამტომიანი შუნგას წიგნია. კომპოზიციაში გამოსახულია ახალგაზრდა ამა მყვინთავი, რომელიც სქესობრივად არის გადახლართული რვაფეხას წყვილთან. ამ სურათმა დიდი გავლენა მოახდინა მე-19 და მე-20 საუკუნეებში. მუშაობამ მეტი გავლენა მოახდინა გვიანდელი მხატვრებიროგორიცაა ფელისიენ როპსი, ოგიუსტ როდენი, ლუი აუკოკი, ფერნანდ ნოპფი და პაბლო პიკასო.
2. ტესაი ტომიოკა „აბე ნო ნაკამარო წერს ნოსტალგიურ ლექსს მთვარის ყურებისას“
ტესაი ტომიოკა ცნობილი იაპონელი მხატვრისა და კალიგრაფის ფსევდონიმია. იგი ითვლება ბუნჯინგის ტრადიციის ბოლო მთავარ მხატვრად და ერთ-ერთ პირველს ძირითადი მხატვრებინიჰონგას სტილი. ბუნინგა იყო იაპონური მხატვრობის სკოლა, რომელიც აყვავდა გვიან ედო ეპოქაში მხატვრებს შორის, რომლებიც თავს ლიტერატორებად ან ინტელექტუალად თვლიდნენ. თითოეულმა ამ მხატვარმა, მათ შორის ტესაიამ, შეიმუშავა საკუთარი საკუთარი სტილიდა ტექნოლოგია, მაგრამ ისინი ყველა დიდი გულშემატკივარი იყვნენ ჩინური ხელოვნებადა კულტურა.
3. Fujishima Takeji "მზის ამოსვლა აღმოსავლეთის ზღვაზე"
ფუჯიშიმა ტაკეჯი იყო იაპონელი მხატვარი, რომელიც ცნობილია რომანტიზმისა და იმპრესიონიზმის განვითარებაში იოგას (დასავლური სტილის) ხელოვნების მოძრაობაში. გვიანი XIX- მე-20 საუკუნის დასაწყისი. 1905 წელს იგი გაემგზავრა საფრანგეთში, სადაც მასზე გავლენა მოახდინა იმდროინდელმა ფრანგულმა მოძრაობებმა, განსაკუთრებით იმპრესიონიზმით, როგორც ეს ჩანს მის ნახატში „მზის ამოსვლის“ აღმოსავლეთის ზღვა“, რომელიც დაიწერა 1932 წელს.
4. კიტაგავა უტამარო „ქალის სახეების ათი ტიპი, მმართველი ლამაზმანების კოლექცია“
კიტაგავა უტამარო იყო გამოჩენილი იაპონელი მხატვარი, რომელიც დაიბადა 1753 წელს და გარდაიცვალა 1806 წელს. ის, რა თქმა უნდა, ყველაზე ცნობილია სერიით სახელწოდებით "ათი ტიპი ქალის სახეები. დომინანტური ლამაზმანების კრებული, კლასიკური პოეზიის დიდი სასიყვარულო თემები“ (ზოგჯერ უწოდებენ „შეყვარებულ ქალებს“, რომელიც შეიცავს ცალკეულ გრავიურებს „შიშველი სიყვარული“ და „გააზრებული სიყვარული“). ის არის ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი მხატვარი, რომელიც მიეკუთვნება ukiyo-e ხის ჭრის ჟანრს.
5. კავანაბე კიოსაი "ვეფხვი"
კავანაბე კიოსაი იყო ედო პერიოდის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი იაპონელი მხატვარი. მის ხელოვნებაზე გავლენა მოახდინა ტოჰაკუს, მე-16 საუკუნის კანოს სკოლის მხატვრის ნამუშევრებმა, რომელიც იყო თავისი დროის ერთადერთი მხატვარი, რომელმაც ეკრანები მთლიანად მელნით დახატა ოქროს ფხვნილის დელიკატურ ფონზე. მიუხედავად იმისა, რომ კიოსაი ცნობილია როგორც კარიკატურისტი, მან დაწერა ყველაზე მეტი ცნობილი ნახატებივ იაპონიის ისტორია მე -19 საუკუნის ხელოვნებასაუკუნეში. „ვეფხვი“ ერთ-ერთი იმ ნახატთაგანია, რომლის შესაქმნელად კიოსაიმ აკვარელი და მელანი გამოიყენა.
6. ჰიროში იოშიდა „ფუჯი კავაგუჩის ტბიდან“
ჰიროში იოშიდა ცნობილია, როგორც ერთ-ერთი ყველაზე დიდი ფიგურებიშინ-ჰანგას სტილი (შინ-ჰანგა არის მხატვრული მოძრაობა იაპონიაში მე-20 საუკუნის დასაწყისში, ტაიშოსა და შოუას პერიოდებში, რომელიც აღორძინდა. ტრადიციული ხელოვნებაუკიიო-ე, რომელმაც ფესვი გაიდგა ედოსა და მეიჯის პერიოდებში (XVII - XIX სს.)). ის სწავლობდა დასავლური ზეთის მხატვრობის ტრადიციას, რომელიც იაპონიიდან იყო მიღებული მეიჯის პერიოდში.
7. ტაკაში მურაკამი “727”
ტაკაში მურაკამი ალბათ ჩვენი დროის ყველაზე პოპულარული იაპონელი მხატვარია. მისი ნამუშევრები დიდ აუქციონებზე ასტრონომიულ ფასებში იყიდება და მისი ნამუშევრები უკვე შთააგონებს ხელოვანთა ახალ თაობას არა მხოლოდ იაპონიაში, არამედ მის ფარგლებს გარეთაც. მურაკამის ხელოვნება მოიცავს მედიუმების მთელ რიგს და, როგორც წესი, აღწერილია, როგორც სუპერბრტყელი. მისი ნამუშევარი ცნობილია ფერების გამოყენებით, იაპონური ტრადიციული და პოპულარული კულტურის მოტივებით. მისი ნახატების შინაარსს ხშირად აღწერენ, როგორც "საყვარელ", "ფსიქოდელიურ" ან "სატირულ".
8. იაიოი კუსამა "გოგრა"
იაოი კუსამა ასევე ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი იაპონელი მხატვარია. ის ქმნის სხვადასხვა ტექნიკა, მათ შორის ფერწერა, კოლაჟი, სკულპტურა, პერფორმანსი, ეკოლოგიური ხელოვნება და ინსტალაცია, რომელთა უმეტესობა გამოხატავს მის თემატურ ინტერესს ფსიქოდელიური ფერების, განმეორებისა და ნიმუშის მიმართ. Ერთ - ერთი ყველაზე ცნობილი სერიალიეს დიდი მხატვარი არის სერია "გოგრა". პოლკა წერტილებით დაფარული ჩვეულებრივი გოგრა კაშკაშა ყვითელში წარმოდგენილია წმინდა ფონზე. ერთობლივად, ყველა ასეთი ელემენტი ქმნის ვიზუალურ ენას, რომელიც უდავოდ შეესაბამება მხატვრის სტილს და განვითარდა და დაიხვეწა ათწლეულების განმავლობაში მტკივნეული წარმოებისა და რეპროდუქციის განმავლობაში.
9. Tenmyoya Hisashi “იაპონური სული No14”
Tenmyoya Hisashi არის თანამედროვე იაპონელი მხატვარი, რომელიც ცნობილია თავისი ნეონიჰონგას ნახატებით. მან მონაწილეობა მიიღო აღორძინებაში ძველი ტრადიციაიაპონური ფერწერა, რომელიც სრულიად საპირისპიროა თანამედროვე იაპონური ფერწერისა. 2000 წელს მან ასევე შექმნა თავისი ახალი სტილი ბუტუჰა, რომელიც ასახავს ავტორიტეტისადმი მტკიცე დამოკიდებულებას მხატვრული სისტემამისი ნახატების მეშვეობით. „იაპონური სპირტი No14“-ის ფარგლებში შეიქმნა მხატვრული სქემა"BASARA", ინტერპრეტაცია in იაპონური კულტურაროგორც ქვედა არისტოკრატიის მეამბოხე ქცევა მეომარი სახელმწიფოების პერიოდში, რათა ჩამოერთვას ხელისუფლებას მიღწევის უნარი იდეალური სურათიცხოვრება, აყვავებულ და მდიდრულ სამოსში ჩაცმა და თავისუფალი ნების შესაბამისად მოქმედება სოციალური კლასი.
10. კაცუშიკა ჰოკუსაი "დიდი ტალღა კანაგავას მიღმა"
და ბოლოს, "დიდი ტალღა კანაგავას მიღმა" ალბათ ყველაზე ცნობადია იაპონური მხატვრობაოდესმე დაწერილი. ეს რეალურად ყველაზე მეტია ცნობილი ნამუშევარიიაპონიაში შექმნილი ხელოვნება. მასზე გამოსახულია უზარმაზარი ტალღები, რომლებიც ემუქრებიან ნავებს კანაგავას პრეფექტურის სანაპიროსთან. მიუხედავად იმისა, რომ ზოგჯერ ცუნამში ცდება, ტალღა, როგორც ნახატის სათაური გვთავაზობს, სავარაუდოდ უბრალოდ არანორმალურად მაღალია. ნახატი შესრულებულია უკიიო-ე ტრადიციით.
მდებარეობა:
მე-18 საუკუნის იაპონელმა მხატვარმა ჰოკუსაიმ თავბრუდამხვევი ნომერი შექმნა ნამუშევარი. ჰოკუსაი მუშაობდა სიბერემდე და უცვლელად ამტკიცებდა, რომ „ყველაფერი, რასაც აკეთებდა 70 წლამდე, არ იყო ღირებული და ყურადღების ღირსი“.
ალბათ ყველაზე ცნობილი იაპონელი მხატვარი მსოფლიოში, ის ყოველთვის გამოირჩეოდა თავისი თანამემამულეებისგან ყოველდღიური ცხოვრებისადმი ინტერესით. გლამურული გეიშების და გმირული სამურაების გამოსახვის ნაცვლად, ჰოკუსაი ხატავდა მუშებს, მეთევზეებს და ქალაქური ჟანრის სცენებს, რომლებიც ჯერ კიდევ არ იყო ინტერესის საგანი. იაპონური ხელოვნება. კომპოზიციისადმი ევროპული მიდგომაც გამოიჩინა.
აქ მოცემულია ძირითადი ტერმინების მოკლე სია, რომელიც დაგეხმარებათ ჰოკუსაის ნამუშევრებში ოდნავ ნავიგაციაში.
1 Ukiyo-e არის პრინტები და ნახატები, რომლებიც პოპულარულია იაპონიაში 1600-დან 1800-იან წლებამდე. მიმართულება სახვითი ხელოვნებისიაპონია, განვითარებული ედო პერიოდიდან. ეს ტერმინი მომდინარეობს სიტყვიდან "ukyo", რაც ნიშნავს "ცვალებადი სამყაროს". უიკიე არის მინიშნება მზარდი ვაჭრების კლასის ჰედონისტური სიხარულის შესახებ. ამ მიმართულებით ჰოკუსაი ყველაზე ცნობილი მხატვარია.
ჰოკუსაი მთელი ცხოვრების განმავლობაში იყენებდა მინიმუმ ოცდაათი ფსევდონიმს. იმისდა მიუხედავად, რომ ფსევდონიმების გამოყენება ჩვეულებრივი პრაქტიკა იყო იმდროინდელ იაპონელ მხატვრებს შორის, მან ფსევდონიმების რაოდენობით მნიშვნელოვნად გადააჭარბა სხვა მთავარ ავტორებს. ჰოკუსაის ფსევდონიმებს ხშირად იყენებენ მისი მუშაობის ეტაპების პერიოდიზაციისთვის.
2 ედო პერიოდი იაპონიის ისტორიაში 1603-დან 1868 წლამდე პერიოდია, როდესაც აღინიშნა ეკონომიკური ზრდა და ახალი ინტერესი ხელოვნებისა და კულტურის მიმართ.
3 შუნრო ჰოკუსაის პირველი მეტსახელია.
4 შუნგა სიტყვასიტყვით ნიშნავს "გაზაფხულის სურათს", ხოლო "გაზაფხული" არის იაპონური ჟარგონი სექსისთვის. ასე რომ, ეს არის გრავიურები ეროტიკული ბუნებით. ისინი შექმნეს ყველაზე პატივცემულმა მხატვრებმა, მათ შორის ჰოკუსაიმ.
5 სურიმონო. უახლესმა "სურიმონომ", როგორც ამ საბაჟო პრინტებს უწოდეს, დიდი წარმატება იყო. განსხვავებით ukiyo-e პრინტებისგან, რომლებიც განკუთვნილი იყო მასობრივი აუდიტორიისთვის, სურიმონო იშვიათად იყიდებოდა ფართო საზოგადოებაში.
6 მთა ფუჯი სიმეტრიული მთაა, რომელიც ყველაზე მაღალია იაპონიაში. წლების განმავლობაში მან შთააგონა მრავალი მხატვარი და პოეტი, მათ შორის ჰოკუსაი, რომელმაც გამოაქვეყნა ukiyo-e სერია ფუჯის მთის ოცდათექვსმეტი ხედები. ეს სერია მოიცავს ჰოკუსაის ყველაზე ცნობილ ანაბეჭდებს.
7 იაპონიზმი - ხანგრძლივი გავლენა, რომელიც ჰოკუსაიმ მოახდინა მომდევნო თაობებზე დასავლელი მხატვრები. იაპონიზმი შთაგონებული სტილია ნათელი ფერები ukiyo-e პრინტები, პერსპექტივის ნაკლებობა და კომპოზიციური ექსპერიმენტები.
