Projekt artystyczny
"Tajniki instrumenty muzyczne»
Cel: wprowadzenie do instrumentów muzycznych
Zadania:
1) organizować zajęcia uczniów w celu studiowania historii pojawienia się instrumentów muzycznych, wierszy na ich temat;
2) słuchać utworów muzycznych wykonywanych przez uczniów filii Dziecięcej Szkoły Artystycznej oraz uczestników szkolnego studia wokalnego.
Prowadzona jest działalność badawcza w dziedzinie muzyki i historii.
Scena 1. Zapraszamy uczniów szkół ponadgimnazjalnych do przygotowania materiału na temat powstawania instrumentów muzycznych (gitara, lutnia, altówka, skrzypce, fortepian, domra) i zademonstrowania tego jako zajęć pozalekcyjnych dla uczniów klas 3-5.
etap. Planowanie. Studenci podzieleni są na 4 grupy.
Grupa 1 bada materiał literacki.
Grupa 2 bada informacje historyczne na temat pojawiania się narzędzi.
Uczniowie III grupy filii szkoły muzycznej wraz z nauczycielami uczą się utworów muzycznych (zadanie jest podane).
Członkowie grupy 4 szkolnego studia wokalnego uczą się piosenek.
Etap 3. Badania. Jest realizowany samodzielnie, zgodnie z przyjętym przez grupę planem. Każdy ma swoje zadanie.
Etap 4. Wyniki. Współpraca w celu połączenia otrzymanych informacji w jeden scenariusz, przygotowanie prezentacji.
Etap 5
Prowadzenie imprezy pozalekcyjnej „Sekrety instrumentów muzycznych” w ramach tygodnia tematycznego cyklu estetycznego dla uczniów gimnazjów.
Etap 6 Ocena wyników (pod uwagę brana jest aktywność każdego uczestnika, jakość i ilość wykorzystanych źródeł, kreatywność). Wnioski.
Postęp wydarzenia
prezenter (na tle cichej, delikatnej muzyki): Dzień dobry chłopaki!
Dzień dobry, drodzy goście!Slajd #1
Miło nam powitać Cię w świecie muzyki. Tak, tak, nie zdziw się, bo teraz jesteś w zajęcia muzyczne. To tutaj mieszkają Muzy - boginie patronki poezji, sztuki i nauki. To 9 sióstr. I ich przywódca przyrodni brat bóg słońca Apollo. Poznać ich:Slajd #2
Eutherpa - patronka pieśni lirycznej i wszelkich musicali
sztuka.
Melpomene to muza tragedii i sztuki teatralnej.
TERPSIKHORA - patronka tańców.
ERATO - muza poezja liryczna i piosenki weselne.
POLYHYMNIA - patronka hymnów i pieśni ku czci bogów i
bohaterowie.
Urania jest kochanką gwiazd i astronomii.
THALIA to muza komedii i humoru.
Clio jest patronką historii.
CALLIOPE - muza eposu - opowieść o wydarzeniach z przeszłości.
Czy nie chciałbyś teraz odwiedzić przeszłości i poznać tajniki instrumentów muzycznych, które są w tej klasie dzisiaj?
Jak myślisz, jakie instrumenty wymyśliłeś jako pierwsze: smyczki czy klawisze? (Smyczki).
Oskubany czy ukłoniony? (oskubane). A ich pierwowzorem był właśnie łuk, z którego polowali prymitywni ludzie. Więcej Orfeusza w Starożytna Grecja grał na lirze.Slajd #3 I na tym fragmencie (Starożytny Egipt. 3 tys. lat p.n.e.) przedstawiona jest cała scena muzyczna. Piramida Cheopsa, która stała się jednym z punktów odniesienia czasu historycznego, jeszcze nie powstała, a instrumenty przypominające gitarę już brzmiały, dzieląc radości i smutki ludzkiej egzystencji. Nasza pierwsza opowieść o gitarze. Opowie nam o tym muza historii Clio i muza epickiej Kaliope.
Takie instrumenty istnieją od tak dawna, że niemożliwe jest prześledzenie ich pochodzenia bez zagubienia się w czasie.
Podróżując po muzeach w Europie można znaleźć najstarsze wizerunki przodków gitary, datowane na 3-4 tysiąclecia p.n.e. Arabscy koczownicy beduińscy, którzy podbili Grecję i Persję w VII wieku naszej ery, zostali zniewoleni wysoka kultura te cywilizacje są częściowo spowodowane sztuką muzyczną. Rok później podbijają również Hiszpanię i przynoszą elementy Kultura Wschodu i przynieś gitarę. To właśnie w Hiszpanii gitara zyskała szczególną popularność i stała się symbolem całej sztuki muzycznej Hiszpanii. Elastyczne rytmy tańców hiszpańskich i smutne melodie – wszystko okazało się podporządkowane temu instrumentowi.
(klip wideo Taniec hiszpański)
Stopniowo gitara podbija jeden kraj po drugim. Stopniowo zmieniała się również konstrukcja samego instrumentu. W XVI wieku grali na gitarach z 4 podwójnymi strunami (chóry). To okazało się niewystarczające, dlatego gitarę chwilowo zastąpiono innym strunowy instrumentem muzycznym, lutnią (slajd nr 4) , który miał do dziesięciu chórów smyczkowych. Wiadomo, że dobrzy byli wybitni artyści renesansu – Caravaggio, Paolo Veronese, Tintoretto występy muzyków. Uznano naukę gry na lutni lub innym instrumencie „ dobry ton”. A np. Leonardo da Vinci grał na lutni własnego projektu, srebrnej, w kształcie końskiej głowy. Jednak instrument ten szybko stracił popularność, ponieważ był bardzo „kapryśny”. Pewien dziennikarz w XVIII wieku, jakby nie bez sarkazmu, napisał: „Lutnista, który dożył 80 lat, prawdopodobnie spędził 60 lat na strojeniu swojego instrumentu, a utrzymanie lutni było tak samo kosztowne, jak utrzymanie lutni. koń." Dlatego wkrótce lutnię zastępuje jej rywal - altówka - rodzaj hybrydy lutni i gitary. Kształt altówki był zbliżony do gitary, tylko duży, miał 5 chórów i jedną strunę. Altówka całkowicie wyparła gitarę, która „poszła do ludzi”, stała się instrumentem „ulicznym”, akompaniującym pieśni ludowe i taniec. Były też inne hybrydy, takie jak lira-gitara, harfa-lutnia (Slajd #5 ).
I gitara by odeszła, zapadła w niepamięć... Ale pulsujące życie jest fantastyczne w swoich zawiłościach i nieoczekiwanych wątkach... Gitara znów powstała! I właśnie dla jej „reanimacji” trzeba było dodać piątą strunę. I według legendy zrobił to nie muzyk, ale poeta Vicente Espinola, przyjaciel wielkiego Cervantesa i nauczyciel genialnego Lope de Vegi. W formie 5-strunowej gitara odzyskuje popularność. Nieco później jeden z najlepsi gitarzyści Hiszpania, Ruiz de Ribayazo znacznie ulepszył instrument, pozostawiając w nim jeden rząd strun, co uprościło jego strojenie i technikę gry, a Jacob August Otto, nadworny lutniarz i gitarzysta weimarskiej księżniczki Amelii, jako pierwszy dodał szósty do pięciu strun. Od połowy XVIII wieku taki instrument można było znaleźć w wielu krajach europejskich. Ten typ gitary został uznany za klasyczny.Slajd #6
Niestety, ze względu na stosunkowo słabe brzmienie, gitara nie została włączona do orkiestry, ale wiek XX tchnął nowe życie w sztukę gitarową. Po wielu wiekach gitara z instrumentu towarzyszącego staje się instrumentem solisty. W wielu krajach są wirtuozi gitarzyści występujący z programami solowymi.
Prezenter: Później wynaleziono smyczek i kolejną opowieść o skrzypcach.Kaliopa: Skrzypce to instrument smyczkowy. Instrumenty smyczkowe znane są od bardzo dawna, ale wciąż są znacznie młodsze niż instrumenty szarpane. Można uznać, że ojczyzna instrumenty smyczkowe były Indie. A czas narodzin to pierwsze wieki naszej ery. Z Indii przybyli do Persów, Arabów, narodów północna Afryka, a stamtąd przez Półwysep Bałkański w VIII wieku do Europy.
Zmieniły się z czasem, urodziły nowy typ smyczkowy instrument strunowy - FIDEL (Slajd numer 7). Następnie dwie główne gałęzie europejskich instrumentów smyczkowych - altówka i skrzypce (Slajd #8 ).
Nieco wcześniej pojawiły się altówki. Zostały zbudowane w różnych rozmiarach i trzymały je podczas gry na różne sposoby (Slajd #9 ): między kolanami, jak nowoczesna wiolonczela, lub na kolanie. Niektóre typy skrzypiec zostały umieszczone na ławce i grano na nich stojąc. Ale była altówka, którą trzymano na ramieniu i służyła jako prototyp skrzypiec.
Przedstawiciele rodzin altowiolowych i skrzypcowych zajmowali w dawnych czasach różne „społeczne” pozycje. Altówka była instrumentem związanym z życiem środowisk arystokratycznych. Jej poprzednicy, a potem ona sama, zabrzmiały w kościołach, pałacach, zamkach, bogatych domach. Bardzo cichy, jakby stłumiony dźwięk altówki dobrze słychać było tylko w małym pomieszczeniu. Gra na nim połączona była z ówczesnymi ideami piękna, z całą wyrafinowaną atmosferą salonu XVII-XVIII wieku: pięknymi meblami, pięknymi obrazami, wspaniałymi ubraniami i poetyckim, wysublimowanym nastrojem pasjonatów sztuki.
Z skrzypcami było inaczej. Instrumenty z rodziny skrzypiec były dystrybuowane przede wszystkim wśród ludu. Skrzypce były ulubionym instrumentem wędrownych muzyków, którzy zabawiali lud na festynach, jarmarkach, weselach, w karczmach i karczmach. Opowiada o tym wiele dzieł malarskich i graficznych dawnych mistrzów (Slajd nr 10).
Posłuchaj „Walca” Fridy w wykonaniu zespołu młodszych skrzypków.
Szczególną rolę w losach skrzypiec odegrał nowy gatunek muzyczny OPERA, który narodził się na przełomie XVI i XVII wieku. Skrzypce w orkiestrze zajęły wiodące miejsce, ponieważ naturalnie łączyły się z innymi instrumentami, ze śpiewem wokalistów. Wraz z śpiewające głosy skrzypce często solowe, prowadząc ważne linie melodyczne. Ale altówka nie została zabrana do orkiestry, ponieważ jej dźwięk nie mógłby wypełnić dużej sali i zniknąłby w ogólnym brzmieniu orkiestry.
Począwszy od XVI wieku sam instrument przeszedł szereg zmian, dając nowe możliwości i perspektywy wykonawcy: wyraźniej określono jego wielkość, strukturę, położenie instrumentu podczas gry; zmienił się kształt łuku, dzięki czemu stał się lżejszy i bardziej mobilny.
Sztuka skrzypcowa przeżywa swój rozkwit we Włoszech: wspaniali kompozytorzy tworzą kompozycje na skrzypce (Antonio Vivaldi, Nicolo Paganini, Corelli), wspaniali rzemieślnicy tworzą niesamowite, magicznie brzmiące instrumenty: Amati, Guarneri, Stradivari. Nadal uważane są za niedoścignione, a tajemnica ich brzmienia wciąż owiana jest legendami.
„Romans” Baklanowa wykonuje Zhenya Shulyaeva
Prezenter: Zapewne zgodzisz się ze mną, że wszystkie narzędzia są dobre na swój sposób. Każdy ma swoją niepowtarzalną barwę (kolorystykę dźwięku), własne atrakcyjne cechy. Ale chyba żaden z nich nie może się równać z fortepianem. Jako solista jest numerem jeden. Jest niezastąpiony w zespole z głosem iz innymi instrumentami, jak już dziś widzieliście. Jak powstało to narzędzie i co odróżnia je od innych?
Najwcześniejszym przodkiem fortepianu jest MONOCHORD. Tak, ten sam monochord, który według legendy został wymyślony przez Pitagorasa (VI wiek pne) i wykorzystany do jego muzycznych eksperymentów teoretycznych i akustycznych. Wydawałoby się, że co jest wspólnego między prymitywnym jednostrunowym pudełkiem a fortepianem - złożonym instrumentem muzycznym z dziesiątkami strun, pedałów i klawiszy?
Klawiatura od dawna jest używana w instrumentach muzycznych. Chociaż trudno jest dokładnie określić, kiedy się pojawił. Istnieją dwie wersje wyjaśniające to. Pierwsza związana jest z ewolucją narządu(Slajd numer 11) . Prymitywne organy miały system nieporęcznych dźwigni, popychając je, które gracz wydobywał dźwięk. Uważa się, że z czasem chowane dźwignie zostały zastąpione pchaniem, czyli klawiszami. Początkowo były duże (ponad 30 cm długości i około 10 cm szerokości) i aby wydać dźwięk uderzano ich pięścią łokciami.
Według drugiej wersji klawiatura pojawiła się najpierw na instrumentach klawiszowych. Historycy, którzy badali pochodzenie, odkryli, że słowo to jest bliskie ortografii i brzmieniu tego, co szachy nazywano na Wschodzie. Wtedy założono, że prototypem klawiatury była szachownica. Cóż, może czarno-biała klawiatura naprawdę wywodzi się z naprzemiennych czarnych i białych kwadratów na szachownicy.
Istniały dwa główne typy instrumentów klawiszowych: klawikord i klawesyn. (slajd numer 12) Jednak pod koniec XVII wieku istniały dziesiątki klawiatur różniących się wyglądem, różnorodnością form i nazw. Pewien francuski podróżnik z tamtych czasów napisał: „Podróżując w kontynuacji ostatnie miesiące przez dziesiątki dużych i małych miast w Europie i wykazując wszelkie zainteresowanie instrumentami muzycznymi - zwyczajnymi i dziwacznymi - nie mogę nie zauważyć, jak barwna i różnorodna jest rodzina instrumentów, w których dźwięk wydobywany jest za pomocą klucza. I rzeczywiście, jakie narzędzia nie były wówczas powszechne! (slajd numer 13) Ogromne flugle w kształcie skrzydeł i małe, pudełkowe szpinety, stołowe dziewicze, piramidalne claviery, różne fisharmonie, na których dźwięk wydobywano z powietrza pompowanego miechem za pomocą dwóch pedałów nożnych(Slajd numer 14).
Sztuka klawikordu kwitła w Niemczech, a klawesyn i jego odmiany rozprzestrzeniły się na cały świat kraje europejskie. Dźwięk klawesynu – czysty, ostry, ostry – był znacznie mocniejszy niż dźwięk klawikordu. Jednak niezależnie od siły ciosu pozostał niezmieniony. Okazało się więc, że na każdym smyczkowym instrumencie smyczkowym wykonawca mógł z łatwością zwiększać i zmniejszać głośność, ale klawesynista nie miał do tego dostępu. Oczywiście ta sytuacja nie mogła zadowolić muzyków i klawiszowców, więc w różnych krajów W Europie trwało nieustanne poszukiwanie projektu nowego instrumentu klawiszowego, który miałby mocne, elastyczne, dynamicznie zmieniające się brzmienie.
Pierwszym, który rozwiązał ten problem, był Włoch Bartolomeo Cristofori. W 1709 wynalazł instrument klawiszowy, który nazwał „klawesynem o miękkim i głośnym brzmieniu”. To był fortepian. I wkrótce pomysł stworzenia fortepianu pojawił się w innych krajach europejskich. Oczywiście brzmienie pierwszych modeli było nieco dalekie od nowoczesności. Stopniowo, jak nowe narzędzie coraz bardziej się nią interesuje, kompozytorzy i wykonawcy. Pod koniec XVIII wieku fortepian całkowicie zastąpił klawesyn, stając się dzięki twórczości Haydna, Mozarta, Beethovena, a później Chopina, Schumanna, Liszta i wielu innych kompozytorów najpopularniejszym instrumentem muzycznym.
Fortepian w obecnej formie pojawił się dopiero na początku XIX wieku. Przeznaczony był do pomieszczenia, w którym potrzebny jest niewielki instrument i od którego nie jest wymagana pełnia brzmienia dużego fortepianu koncertowego. Cóż, fortepian – rodzaj pianina – jest naprawdę „królem” wszystkich instrumentów (slajd nr 15). I tak obok nas żyje dziś fortepian – instrument najbardziej wszechstronny, najczęściej pomagający nam odczuwać wielką radość obcowania z muzyką.(Slajd numer 16)
Słuchać kompozycja muzyczna w brzmieniu tego instrumentu.
Mechigan "Mniejsza scena". W wykonaniu Anny Galkiny.
Clio: Od czasów starożytnych na ziemi rosyjskiej mówi się, że wszystkim świątom towarzyszyła bałałajka i jej siostrzana domra. Ta tradycja została zachowana i sprowadza się do naszych dni. Tańce, piosenki, zabawy - wszystko połączyło się w jeden kolorowy obraz wesołego święta.
„Domrachka – śpiewa,
Bałałajka - brzdąkanie,
akordeon - nalewany -
Na wiosennej łące zaczyna się zabawa.
A brzdąkając, grając na tych instrumentach, Rosjanie zapomnieli o swoim ciężkim losie.
Najstarsza wzmianka o domrze w Rosji znajduje się w kronikach z epoki państwo kijowskie(1068) - za czasów książąt Olgi i Włodzimierza. (Starożytna Rosja). Początkowo domra była bardzo niedoskonała. Zrobili to ze specjalnie wyhodowanej odmiany dyni - Goryanki. Wewnątrz domra została wytłoczona drobnym kryształem, dzięki czemu brzmiała głośno i wyraźnie. Sznurki zostały wykonane z żył zwierzęcych. Domra była instrumentem publicznym. Kościół był zaniepokojony: „Czy muzyka zbytnio nie odciąga ludzi od Boga?” Na tych instrumentach grali bufoni - muzycy wędrowni. Wędrowali po rosyjskiej ziemi w hałaśliwym tłumie i kibicowali ludziom. Byli akrobaci, śpiewacy - harfiści, gawędziarze, linoskoczkowie, treserzy zwierząt. Bufony wyśmiewały bojarów i książąt swoim ostrym słowem za ich hipokryzję, i dlatego doszło do prześladowania bufonów. W 1551 roku jeden metropolita zwrócił się do cara Iwana 4: „Na miłość boską, carze, wyślij bufony do wapna, aby nie byli w twoim stanie, w przeciwnym razie nie będziesz zbawiony”. W 1648 roku inny car Aleksiej wydał dekret o całkowitej eksterminacji błaznów. Napisano: „A gdzie pojawiają się domry, pociągi nosem, psałterium i wszelkiego rodzaju demoniczne brzęczące naczynia, muszą zostać złamane, spalone, a niektóre - na wygnaniu”. Pięć wozów załadowanych do góry instrumentami muzycznymi wywieziono nad rzekę Moskwę i spalono. Ale od czasu do czasu, gdzieniegdzie, instrumenty te pojawiały się na nowo, ponieważ ludzie potrzebowali instrumentu i instrument odradzano albo w kształcie okrągłym, albo trójkątnym, złożonym z pięciu desek z trzema strunami. Nastąpiła stopniowa przemiana domry w bałałajkę. Tak więc w XVII wieku domra prawie całkowicie zniknęła z codziennego życia.
Trójkątny instrument nazwano balaboyka od słowa "balabolit" - puste wezwania. Na takim instrumencie grali w stajniach, w drzwiach chłopów - ubogich. Jeśli przejrzymy księgi historyczne, to mówi się, że pierwsza wzmianka o bałałajce pochodzi z 1715 roku. Pod Piotrem 1 był cała orkiestra instrumenty towarzyszące procesji
Prezenter: Tak więc nasza krótka podróż w historię instrumentów muzycznych dobiegła końca. Dziękuję wszystkim artystom za danie nam przyjemności słuchania muzyki na żywo, a tak naprawdę w naszym życiu zdarza się to tak rzadko. Chciałabym wierzyć, że jeszcze nie raz nas zadowolą i staną się prawdziwymi gwiazdami.
(Wykonanie utworu „Constellation of Talents” przez zespół wokalny.)
Do zobaczenia.
31.12.2015 16:19
Tradycyjnie instrumenty muzyczne są wykonane z materiałów o właściwościach rezonansowych. Wysoka jakość, starzone w środowisku naturalnym przez wiele lat, aby zachować właściwości akustyczne i stabilną konstrukcję. Drzewo rezonansowe jest zbierane wyłącznie w zimnych porach roku. Świerk i jodła mają wyjątkowe właściwości muzyczne.
Aby stworzyć talię w prawie każdym instrumencie muzycznym, bierze się świerk lub jodłę. Specjaliści ze szczególną starannością wybierają tzw. drewno rezonansowe. Pień drzewa nie powinien mieć wad i mieć równie szerokie słoje. Drewno schnie naturalnie przez dziesięć lat lub dłużej. W produkcji instrumentów muzycznych szczególne znaczenie mają właściwości rezonansowe gatunków drewna. W tym przypadku pień świerka, jodły kaukaskiej i cedru syberyjskiego jest bardziej odpowiedni niż inne, ponieważ ich moc promieniowania jest największa. Z tego powodu te rodzaje drewna są zawarte w GOST.
Jednym z niezbędnych wymagań przy tworzeniu instrumentów muzycznych jest wybór drewna. Najbardziej Zainteresowane Dla rzemieślników od wieków reprezentowane są rezonansowe gatunki świerków. Trudno było zdobyć surowce o wymaganej jakości, więc rzemieślnicy musieli samodzielnie pozyskiwać drewno do produkcji narzędzi.
Dość dawno temu znane stały się miejsca wzrostu świerków o niezbędnych właściwościach. Główny lutnik nurtu rosyjskiego XX wieku, E.F. Vitachek, zaznaczył w swoich pracach tereny, na których rósł świerk. W gatunku saskim i czeskim zjadano duże ilości żywicy, nie można jej użyć do wyrobu instrumentów najwyższej klasy... Świerk z Włoch i Tyrolu uważany był za najlepszy surowiec... Lutenowcy zamówili tyrolskie drewno z miasta Füssen, które leży między Bawarią a Tyrolem, oraz włoski widok z portu Fiume nad Adriatykiem.
W górach w pobliżu Fiume we Włoszech lasy praktycznie nie rosną. Dlatego możemy założyć, że świerk nie pochodził z Włoch, ale z Chorwacji lub Bośni. Istniał też dodatkowy teren, z którego świerk sprowadzano dla rzemieślników z Włoch - były to czarnomorskie miasta portowe - świerk z Rosji, Kaukazu i Karpat. Jak pisał Vitachek, odkąd pracował N. Amati, na zewnętrznych pokładach instrumentów częściej stosuje się świerk, który jest cięższy, gęstszy i bardziej chropowaty, podczas gdy klon przeciwnie, ma mniejszą gęstość. To bardzo dobre połączenie: dźwięk staje się jak dźwięk ludzki głos. Włoscy mistrzowie zawsze stosowali właśnie takie połączenie klonu i sierści.
Jednak świerk może mieć takie właściwości tylko wtedy, gdy rośnie na odpowiednim poziomie w stosunku do powierzchni morza, czyli w Alpach lub na Kaukazie. Odmiana rasy Picea orientalis, która rośnie na wyżynach Kaukazu i Azji Mniejszej na wysokości od jednego do dwóch i pół kilometra, jest podobna w swoich właściwościach do najlepszych gatunków świerków na wyżynach europejskich. Z reguły rośnie obok jodły kaukaskiej lub kaukaskiej (Abies nord-manniana), która również ma doskonałe właściwości akustyczne. Słynni rosyjscy lutnicy z początku XX wieku w większości wykorzystywali do tworzenia swoich instrumentów świerk z Kaukazu.
Rodzaje drewna używane do produkcji instrumentów muzycznych
Przy tworzeniu tanich narzędzi szarpanych możliwe jest wykorzystanie odpadów z zakładów obróbki drewna, belek i desek domów przeznaczonych do rozbiórki, części mebli i pojemników na odpady. Ale te materiały wymagają specjalnego suszenia i selekcji. Przy tworzeniu wysokiej jakości narzędzi wymagane jest użycie nietypowych gatunków drzew.
Świerk
Pokłady instrumentów i inne części wykonane są z rezonansowego świerku. Różne podgatunki świerka rosną prawie w całej Rosji. Świerk jest traktowany jako rezonans, głównie w centralnej części Rosji. Bardziej popularne i lepsze pod względem fizycznym i mechanicznym są jodły z północy Rosji. Jedną z najlepszych cech jest obecność małych słojów, dzięki którym drzewo jest elastyczne i nadaje się jako rezonator.
Drzewa rezonansowe są wybierane z głównej ilości przetworzonej tarcicy w magazynach leśnych. Te kłody trafiają do tartaków, gdzie są cięte na deski o grubości 16 mm. Aby pozyskać więcej drewna, kłody piłuje się w sześciu krokach.
Na drewnie na instrumenty muzyczne nie powinno być sęków, kieszeni z żywicą, zwisów i innych wad. Jest to surowe wymaganie jakościowe. Drewno świerkowe jest białe z lekko żółtym odcieniem, a wystawione na otwarte powietrze z czasem żółknie. Warstwowe struganie i skrobanie świerka odbywa się bez problemów z czystym i błyszczącym cięciem. Szlifowanie nadaje powierzchni drewna aksamitne wykończenie i lekko matowy połysk.
Jodła
Oprócz świerka, aby uzyskać drewno rezonansowe, można wziąć jodłę rosnącą na Kaukazie. Nie różni się zbytnio od świerka, zarówno zewnętrznie, jak i przy sprawdzaniu parametrów fizyko-mechanicznych.
Brzozowy
Lasy brzozowe stanowią dwie trzecie wszystkich lasów w Rosji. produkcja przemysłowa Wykorzystywana jest brzoza brodawkowata i brzoza omszona. Drewno brzozowe ma kolor biały, czasami ma żółtawy lub czerwonawy odcień i jest łatwe w obróbce. Podczas barwienia barwnik wchłania się równomiernie, a ton jest wyrównany. Jeśli drewno brzozowe jest równomiernie suszone i starzone przez wystarczający czas, można je wykorzystać do produkcji takich części instrumentów muzycznych, jak podstrunnice i klepki. Dodatkowo sklejka wykonana jest z brzozy, która służy do produkcji korpusów gitar. Narzędzia wykończone czystą lub malowaną okleiną brzozową.
Buk
Buk jest często używany do produkcji instrumentów muzycznych. Części gryfów, stojaków i korpusów harfy oraz inne części instrumentów szarpanych w przemyśle muzycznym wykonane są z drewna bukowego. Buk rośnie w południowo-wschodniej części Rosji. Kolor drewna bukowego jest różowawy z cętkowanym wzorem. Dobre właściwości rezonansowe buka sprawiają, że nadaje się on do wyrobu instrumentów. Drewno bukowe jest obrabiane i polerowane ręcznie. Po bejcowaniu na powierzchni pozostają paski, które są widoczne po wykończeniu bezbarwnym lakierem.
Grab
W celu naśladowania hebanu, do wyrobu szyj i korpusów używa się barwionego grabu. Również drewno grabowe ma solidną i trwałą strukturę. Grab rośnie na Półwyspie Krymskim iw górach Kaukazu. Drewno grabu jest białe z szarym odcieniem. Drewno jest dobrze heblowane, ale trudno je wypolerować.
Klon
Klon jest tak samo pożądany w tworzeniu drogich instrumentów muzycznych, jak świerk rezonansowy. Strunowe korpusy z drewna klonowego dają dobry dźwięk. Najszerzej stosowane są klony jawor i ostrokrzew. Gatunki te rosną na Półwyspie Krymskim, u podnóża Kaukazu i na Ukrainie. Drewno klonowe dobrze się wygina, a miazga drzewna ma znaczną gęstość i lepkość. Tekstura to paski o ciemnym kolorze na różowo-szarym tle. Nakładając lakier na klon jawor uzyskuje się piękną powierzchnię z masy perłowej. Jeśli barwienie zostanie wykonane prawidłowo, ta właściwość klonu zostanie wzmocniona.
Czerwone drzewo
Ta nazwa nosi kilka rodzajów drewna o różnych odcieniach czerwieni. Zasadniczo jest to nazwa mahoniu, który rośnie w Ameryce Środkowej. Ten rodzaj drewna jest również używany do produkcji szyjek, ponieważ ma dobre właściwości właściwości mechaniczne. Jeśli przetniesz pień i wykonasz przezroczyste wykończenie, będzie wyglądać bardzo pięknie, chociaż jest niewygodne w obróbce.
palisander
Oto kilka ras, które rosną w Ameryce Południowej. Drewno palisandrowe dobrze nadaje się do cięcia i polerowania, ale w tym przypadku konieczne jest wypełnienie porów i polerowanie. Podczas przetwarzania pojawia się specjalny słodkawy zapach. Palisander ma bardzo twarde i mocne włókna, barwę od fioletu do czekolady, używa się go do tworzenia instrumentów smyczkowych.
Heban
Rodzaj drzewa hebanowego rosnącego w południowych Indiach. Najlepsze gryfy i korpusy wykonane są z drewna hebanowego. Najwyższe właściwości mechaniczne drewna zapewniają narzędziom niezbędną wytrzymałość i twardość. Przy większym ciężarze gryfu przy użyciu drewna hebanowego środek ciężkości instrumentu przesuwa się w kierunku gryfu, co jest bardzo cenione przez profesjonalnych wykonawców. Hebanowy pancerz, gdy jest odpowiednio wypolerowany, unika podtekstów, gdy plektron zeskakuje ze sznurka. Hebanowe podstrunnice są odporne na ścieranie i zapewniają doskonałą przyczepność.
23.09.2013
Historia powstania Rosjan instrumenty ludowe idzie w odległą przeszłość. freski Katedra Zofii w Kijowie materiały ikonograficzne, miniatury rękopiśmiennych ksiąg, popularne druki świadczą o różnorodności instrumentów muzycznych naszych przodków. Odkryte przez archeologów starożytne instrumenty muzyczne są prawdziwym materialnym dowodem ich istnienia w Rosji. W niedalekiej przeszłości codzienne życie narodu rosyjskiego było nie do pomyślenia bez instrumentów muzycznych. Prawie wszyscy nasi przodkowie posiadali tajniki tworzenia prostych instrumentów dźwiękowych i przekazywali je z pokolenia na pokolenie. Znajomość tajników rzemiosła wpajana była od dzieciństwa, w zabawach, w pracy możliwej do wykonania dla dziecięcych rąk. Obserwując pracę starszych, nastolatkowie zdobywali pierwsze umiejętności tworzenia najprostszych instrumentów muzycznych. Czas minął. Więzy duchowe pokoleń zostały stopniowo zerwane, ich ciągłość została przerwana. Wraz ze zniknięciem ludowych instrumentów muzycznych, które niegdyś były wszechobecne w Rosji, masowe zapoznanie się z narodowymi kultura muzyczna.
Obecnie niestety nie pozostało już tak wielu rzemieślników, którzy zachowali tradycje tworzenia najprostszych instrumentów muzycznych. Ponadto tworzą swoje arcydzieła tylko na indywidualne zamówienia. Produkcja narzędzi na skalę przemysłową wiąże się ze znacznymi wydatki finansowe stąd ich wysoki koszt. Nie każdy może sobie dziś pozwolić na zakup instrumentu muzycznego. Dlatego w jednym artykule pojawiła się chęć zebrania materiałów, które pomogą każdemu wykonać ten lub inny instrument własnymi rękami. Wokół nas znajduje się duża ilość znanych nam materiałów pochodzenia roślinnego i zwierzęcego, na które czasem nie zwracamy uwagi. Każdy materiał zabrzmi, jeśli dotkną go zręczne ręce:
Z nieokreślonego kawałka gliny możesz zrobić gwizdek lub okarynę;
Kora brzozy, pobrana z pnia brzozy, zamieni się w duży róg z sygnałem dźwiękowym;
Plastikowa rurka nabierze dźwięku, jeśli zrobi się w niej gwizdek i dziury;
Z drewnianych klocków i płyt można wykonać wiele różnych instrumentów perkusyjnych.
Na podstawie publikacji o rosyjskich instrumentach ludowych i doświadczeniach różni ludzie w ich przygotowaniu stworzono rekomendacje, które mogą być przydatne w procesie pracy nad nimi.
* * *
Dla wielu ludów pochodzenie instrumentów muzycznych kojarzy się z bogami i panami burz, zamieć i wiatrów. Starożytni Grecy przypisywali wynalezienie liry Hermesowi: stworzył instrument, naciągając struny na skorupie żółwia. Jego syn, leśny demon i patron pasterzy, Pan był z pewnością przedstawiany z fletem złożonym z kilku pni trzcin (flet Pana).
W baśniach niemieckich często wspomina się dźwięk rogu, po fińsku - pięciostrunową harfę kantele. W rosyjskich baśniach wojownicy pojawiają się przy dźwiękach rogu i fajki, przeciwko którym żadna siła nie może się oprzeć; Cudowne gusli-samoguds same grają, same śpiewają piosenki, sprawiają, że tańczą bez odpoczynku. w języku ukraińskim i Białoruskie bajki nawet zwierzęta tańczyły przy dźwiękach dudu (dudu).
Historyk, folklorysta A.N. Afanasiev, autor dzieła „Poetyckie poglądy Słowian na naturę”, napisał, że różne dźwięki muzyczne, urodzone, gdy wiatr wieje w powietrzu, identyfikują „wyrażenia dla wiatru i muzyki”: od czasownika „do cios” przyszedł - duda , fajka, cios; Perski. dudu – dźwięk fletu; Niemiecki blasen - dmuchanie, przesiewanie, trąbka, granie na instrumencie dętym; sygnał dźwiękowy i harfa - od brzęczenia; brzęczenie - słowo używane przez Małorusów na określenie wiejącego wiatru; porównaj: dysza, sipovka od zasmarkanego, wąchanie (syk), chrypka, gwizdek - od gwizdka.
Dźwięki muzyki dętej powstają poprzez wdmuchiwanie powietrza do instrumentu. Oddech wiatru był postrzegany przez naszych przodków jako pochodzący z otwartych ust bogów. Fantazja starożytnych Słowian połączyła wycie burzy i świst wiatrów ze śpiewem i muzyką. Były więc legendy o śpiewaniu, tańcu, graniu na instrumentach muzycznych. Przedstawienia mityczne w połączeniu z muzyką uczyniły z nich święte i niezbędne akcesorium pogańskich obrzędów i świąt.
Bez względu na to, jak niedoskonałe były pierwsze instrumenty muzyczne, wymagały od muzyków umiejętności ich tworzenia i grania.
Przez wieki udoskonalanie instrumentów ludowych i dobór najlepszych sampli nie ustało. Instrumenty muzyczne przybrały nowe formy. Były konstruktywne rozwiązania ich wytwarzania, metody wydobywania dźwięków, techniki gry. Ludy słowiańskie były twórcami i strażnikami wartości muzycznych.
Starożytni Słowianie czcili swoich przodków i gloryfikowali Bogów. Gloryfikacja Bogów odbywała się przed świętymi boginiami w świątyniach lub pod otwarte niebo. Ceremonie ku czci Peruna (boga piorunów i błyskawic), Striboga (boga wiatrów), Światowida (boga słońca), Łady (bogini miłości) itp. towarzyszyły śpiewy, tańce, granie na instrumentach muzycznych i zakończyły się ze wspólną ucztą. Słowianie czcili nie tylko niewidzialne bóstwa, ale także ich siedliska: lasy, góry, rzeki i jeziora.
Według badaczy pieśni i sztuka instrumentalna tamtych lat rozwijały się w ścisłym związku. Możliwe, że rytualne śpiewy przyczyniły się do narodzin instrumentów wraz z ustanowieniem ich struktury muzycznej, ponieważ świątynne pieśni-modlitwy były wykonywane z akompaniamentem muzycznym.
Bizantyjski historyk Teofilakt Simokatta, arabski podróżnik Al-Masudi, arabski geograf Omar ibn Dast potwierdzają istnienie instrumentów muzycznych wśród starożytnych Słowian. Ostatni w jego „Książce drogocenne skarby"pisze:" Mają wszelkiego rodzaju lutnie, psalterię i fajki ..."
W Esejach o historii muzyki w Rosji od czasów starożytnych do końca XVIII wieku rosyjski muzykolog N. F. Findeisen zauważa: splendor, nie byliby w stanie wykonać własnych instrumentów muzycznych, zupełnie niezależnie od tego, czy w sąsiednich regionów.
Niewiele jest odniesień do starożytnej rosyjskiej kultury muzycznej.
Sztuka muzyczna Rusi Kijowskiej
Według badaczy na Rusi Kijowskiej znane były następujące instrumenty muzyczne:
Drewniane fajki i rogi (rogi wojskowe i myśliwskie);
Dzwonki, gliniane gwizdki (ceremonialne);
Flet Pan, składający się z kilku rurek trzcinowych o różnej długości połączonych razem (rytuał wiatru);
Gusli (ciąg);
Dysza i flet (instrumenty dęte o długości jardów);
W przygotowaniu artykułu wykorzystano materiały:
Jeśli chcesz zawsze na czas dowiadywać się o nowych publikacjach na stronie, zasubskrybuj
Nicolo Amati (włoski Nicolo Amati) (3 grudnia 1596 - 12 kwietnia 1684) - jeden z najbardziej znanych mistrzów rodziny Amati. Twórca wielu instrumentów smyczkowych, w tym wiolonczel. Nauczyciel tak znakomitych mistrzów stworzenia
instrumenty smyczkowe, takie jak Antonio Stradivari i Giuseppe Guarneri.
Biografia
Nicolò Amati urodził się 3 grudnia 1596 roku w Cremonie. Jego ojcem był Girolamo (Jeronimus) Amati, syn Andrei Amati, założyciela szkoły skrzypcowej. Podobnie jak cała jego rodzina mieszkał i pracował w Cremonie. Nicolo jest najbardziej słynny przedstawiciel rodziny.
Amati doprowadził do perfekcji typ skrzypiec opracowany przez swoich poprzedników. W niektórych wielkoformatowych skrzypcach (364-365 mm) tzw. Grand Amati wzmocnił brzmienie, zachowując miękkość i delikatność barwy. Dzięki elegancji formy jego instrumenty robią wrażenie bardziej monumentalne niż dzieła jego poprzedników. Lakier jest złocistożółty z lekko brązowym odcieniem, czasem czerwony. Świetne są również wiolonczele Nicolo Amatiego. Zachowało się bardzo niewiele skrzypiec i wiolonczeli, stworzonych przez najsłynniejszego z mistrzów rodu Amati – Nicolo – nieco ponad 20.
Jednym z jego uczniów był także jego syn Girolamo Amati II (1649-1740). Ale nie uzasadniał nadziei ojca, a pod nim słynna szkoła została zamknięta.
STRADIVARI, Stradivarius Antonio (ok. 1644-1737) - włoski lutnik, uczeń słynnego N. Amati. Od najmłodszych latlat do ostatnich dni życia Stradivari pracował w swoim warsztacie, kierując się chęcią doprowadzenia skrzypiec do najwyższa doskonałość. Zachowało się ponad 1000 instrumentów, wykonanych przez wielkiego mistrza i wyróżniających się elegancją formy i niezrównanymi walorami brzmieniowymi. Następcami Stradivariego byli mistrzowie C. Bergonzi (1683-1747) i J. Guarneri (1698-1744). Słynny lutnik I. A. Batov nazywany był „rosyjskim Stradivariusem”.
Iwan Andriejewicz Batow(1767 - 1841, Petersburg) - pierwszy słynny rosyjski mistrz instrumentów muzycznych.
Był poddanym hrabiego N. I. Szeremietiewa. Studiował w Moskwie u mistrza Władimira. Dla swojej orkiestry wykonał instrumenty muzyczne w posiadłości hrabiowskiej pod Moskwą. Od 1803 mieszkał w Petersburgu. Szeremietew życzył sobie, aby Batow nauczył się także nowego rzemiosła na tamte czasy - wytwarzania fortepianów. Batov nauczył się tego od Mistrza Gauka. Szeremietiew pozwalał mu przyjmować rozkazy tylko od muzyków. Według legendy Batov uczynił ze starej deski trumiennej bałałajkę skrzypka i bałałajkę księcia Potiomkina, za co hrabia A. G. Orłow zaoferował tysiąc rubli. Batov wielokrotnie naprawiał instrumenty dla muzyków dworu królewskiego. W 1822 r. otrzymał od D. N. Szeremietiewa gratis, jak głoszą przekazy, na wiolonczelę jego utworu. I. A. Batov osiągnął szczególne umiejętności w produkcji instrumentów strunowych - gitar, skrzypiec, wiolonczeli. Produkcja kontrabasów uważał za niewdzięczne zadanie, wykonał je tylko w warsztacie Władimira.
W ciągu swojego życia Batov stworzył 41 skrzypiec, 3 altówki, 6 wiolonczel i 10 gitar. Odrestaurowano wiele starych skrzypiec praca włoska. Batov zwracał szczególną uwagę na jakość drewna na narzędzia. Nie szczędził pieniędzy na jego zakup i często kupował za materiał stare drzwi i bramy.
Krasnoszczekow I. Ja.
Ivan Yakovlevich (30 I (10 II) 1798, wieś Znamenka Zaraisky koło Riazań - 19 (31) VII 1875, Moskwa) - rosyjski. instr. gospodarz.
Od 1810 studiował u M. Dubrovina w Moskwie, gdzie w 1824 otworzył własną. warsztat. Wyprodukowana premia. Gitary 7-strunowe oraz skrzypce. Na instrumentach jego twórczości grali prawie wszyscy wybitni Rosjanie. gitarzyści. Był zaprzyjaźniony z M.T. Wysockim, korzystał z jego rad. Instrumenty K., wyróżniające się miękką, srebrzystą barwą brzmienia i plastyki. dekoracja, wysoko ceniona. W 1872 roku gitara jego twórczości została nagrodzona złotym medalem w Moskwie. Politechniczny wystawa.
Siemion Iwanowicz Nalimow(1857-1916) - wybitny Vilgort mistrz strunowych rosyjskich instrumentów ludowych, który stworzył wspaniałe próbki bałałajek, domry i gusli o różnych rozmiarach i systemach i zyskał sławę jako "Komi Stradivari".
W 1886 roku S.I. Nalimov wykonał swoją pierwszą domrę, instrument muzyczny, który od dawna nie był używany.
Nalimov dał temu instrumentowi nowe życie. S. I. Nalimov wykonał ponad 250 instrumentów. Wykonane przez mistrza narzędzia zostały wysoko ocenione przez specjalistów i zostały nagrodzone brązowym medalem na wystawa światowa w Paryżu w 1900 i złoty medal na wystawie " Świat muzyki Petersburg w 1907 roku. Wybitny Mistrz do produkcji strunowych rosyjskich instrumentów ludowych, którzy stworzyli wspaniałe próbki bałałajek, domry i gusli o różnych rozmiarach i systemach. Współpracował z Wielką Rosyjską Orkiestrą V. V. Andreev w specjalnie dla niego wyposażonym warsztacie w majątku V. V. Andreev (wieś Maryino, obwód bezżecki, prowincja Twer).
„Technika robienia bałałajek i domra Siemion Iwanowiczu Nalimova była poza zasięgiem - to w związku z wyborem najlepszychmateriał sprawia, że każdy instrument uwalnia się z jego rąk - ideał doskonałości ”- napisał Nikołaj Privalov w artykule„ Balalaika Stradivarius ”. Oprócz doskonałych danych muzycznych i akustycznych, instrumenty Nalimov wyróżniają się rzadką elegancją w kształcie i pięknem zewnętrznego wykończenia. Oprócz etykiety wklejonej do koperty z nazwiskiem kapitana, datą i numer seryjny, wszystkie instrumenty Nalimowa mają specjalny znak w postaci herbu inkrustowanego kolorowym drewnem w prawym górnym rogu głowy. „Wielkoruska orkiestra nigdy nie zostałaby doprowadzona do obecnego poziomu doskonałości instrumentalnej, gdyby Andreev nie miał szczęścia spotkać się i zwerbować dla siebie S.I. Nalimova”. Wspólna praca Andreeva z Nalimovem i innymi mistrzami i muzykami doprowadziła do tego, że rosyjskie ludowe instrumenty muzyczne zyskały światową sławę.
http://slovari.yandex.ru
ARHUZEN Robert Iwanowicz(ur. 4 października 1844 w Petersburgu, zm. 20 stycznia 1920 w Moskwie), słynny rosyjski gitarzysta. Syn słynnego mistrza instrumentalnego I.F. Arhuzen, młodszy brat F.I. Arhuzen. Otrzymane edukacja domowa. Od czternastego roku życia uczył się sztuki robienia instrumentów muzycznych od swojego ojca. Pracował najpierw w Petersburgu, a od 1875 r. w Moskwie. Był jednym z najlepszych rosyjskich mistrzów gitary. Instrumenty jego twórczości, wyróżniające się siłą i różnorodnością brzmienia, pięknem barwy, elegancją wykończenia, były wysoko cenione i nagradzane na Ogólnorosyjskich Wystawach Przemysłowych w latach 1871, 1872 i 1882. Rozpoczął swoją działalność od produkcji niedrogich gitar - 25 rubli za sztukę i pod naciskiem V.A. Rusanova zaczęła je projektować bardzo wysokiej jakości, w związku z czym cena również wzrosła - do 200 rubli. Zaprojektowanie jednej gitary zajęło nawet miesiąc pracy. Najlepsza gitara R.I. Arhuzen uważany jest za dużą gitarę, podarowaną mu latem 1908 roku przez V.A. Rusanowa. Wśród najlepszych gitar tercowych znajduje się jedenastostrunowy instrument wyprodukowany w 1908 roku na zamówienie V.P. Maszkiewicz. Z rodziny gitarzystów największą sławę cieszył się Arkhuzenov.
ARKHUZEN Ivan (Johann) Fedorovich (ur. 1795, Kopenhaga, Dania, - zm. 21 lutego 1870, St. Petersburg, Rosja), jest znanym mistrzem instrumentalnym. Ojciec gitarzystów R.I. i F.I.Arkhuzenow. Od trzeciego roku życia do końca życia mieszkał w Petersburgu. W młodości pracował w fabryce narzędzi Brel. W 1818 r. otworzył własny warsztat produkujący harfy, gitary i fortepiany, w którym robił dobre, ale drogie instrumenty (gitary za 40 rubli i więcej). W 1856 roku jedna z gitar I.F. Arhuzen otrzymał II nagrodę (500 franków) za najlepszy instrument na Międzynarodowy Konkurs gitarzystów w Brukseli zorganizowanych przez N.P. Makarov (pierwsza nagroda otrzymała gitara austriackiego mistrza I. Scherzera).
ARKHUZEN Fedor Ivanovich - mistrz gitary, syn i uczeń I.F. Arhuzen, starszy brat R.I. Arhuzen. Po śmierci ojca pracował z bratem w Petersburgu, a po jego wyjeździe do Moskwy w 1875 r. pracował samodzielnie. Instrumenty F.I. Arhuzen wyróżnia solidna konstrukcja i czysta praca. Mistrz naśladował model Scherzera, ale wykonał gitary w bardzo dużej skali - 66,0 - 66,5 cm o długości ciała 46,5 - 48,0 cm, a także poszedł własną drogą, dokonując różnych eksperymentów. Świadczy o tym gitara jego twórczości z 1890 roku z czterema płytami rezonansowymi (górna, dwie dolne i jedna wewnątrz korpusu)
http://gitara-nsk.ru/
Mistrzowie gitary. Austria
* Scherzer, Johann Gottfried (Scherzer, Johann Gottfried). – Wiedeń.
Znany producent gitar. Podobno pochodził z Vogtland. Oprócz gitar projektował mandoliny i skrzypce. Bardzo kulturalny rzemieślnik, który wprowadził wiele innowacji (metalowy pręt wewnątrz korpusu, druga dolna płyta rezonansowa, ukryta mechanika z kości słoniowej itp.). Zaprojektowane gitary w trzech rozmiarach: kwarcowym, tercowym i dużym. Cały czas dążył do wzmocnienia brzmienia instrumentu iw związku z tym powiększał jego bryłę. Scherzer wprowadził do Austrii dziesięciostrunową gitarę Ferrari, zaprojektował gitarę harfową Petzvala, przechowywaną w kolekcji wiedeńskiego Towarzystwa Przyjaciół Muzyki, oraz na zamówienie MD Sokołowskiego gitarę siedemnastostrunową. Samodzielnie założył kilka eksperymentów dotyczących akustyki i wiele wniósł do fizyków i naukowców, chętnie realizując swoje pomysły. Mieszkał najpierw przy Gundstromstrasse 65, a następnie przy Margaretenstrasse 99.
F. Buek w swojej książce „Die Gitarre und ihre Meiser” tak pisze o Scherzerze:
„Johann Gottfried Scherzer /1834-1870/ wydaje się być uczniem Johanna Georga Staufera. Miał swój warsztat przy Gundsturmstrasse nr 65, a później przy Margaretenstrasse nr 99. Jego gitary słynęły z dużego formatu, czystego wykonania i mocnego brzmienia. Jako pierwszy wprowadził dodatkowe basy na sześciostrunowej gitarze, a także zastosował mechanikę zamiast drewnianych kołków stroikowych. Rosyjski gitarzysta wirtuoz Makarow, który znalazł i zamówił u niego wiele gitar w Wiedniu, nazwał go najlepszym producentem gitar w Niemczech i wolał jego instrumenty od wszystkich instrumentów tamtych czasów. Dlatego gitary Scherzer w dużych ilościach trafiły do Rosji i były używane głównie przez profesjonalnych gitarzystów i wirtuozów. Rosyjski gitarzysta wirtuoz Sokołowski posiadał gitarę Scherzer, podobnie jak jego zwolennicy Sołowjow i Lebiediew. W Brukseli na konkursie Makarowa Scherzer otrzymał pierwszą nagrodę za gitarę z trzema dodatkowymi basami. Wirtuoz gitarzysta Sokołowski zamówił dla Scherzera gitarę z piętnastoma basami. Kiedy instrument ten przekroczył granicę rosyjską, celnicy nie wiedzieli, jak go nazwać, ponieważ gitary o takim kształcie i objętości nie były znane. Ze względu na to, że tego instrumentu nie można było przypisać zwykłej gitarze, nadali mu nazwę „gitara harfowa” i uważali za przejście od harfy do gitary. Do pana Kerna z Monachijskiego Kwartetu Gitarowego należy również osobliwa gitara w kształcie gruszki o bardzo szerokim korpusie i długości skali 59 cm. Ten świetnie brzmiący i czysto wykonany instrument jest jedną z gitar solowych, które powstały w Wiedniu, zostały stworzone dla małych rączek, a później przebudowane przez producenta instrumentów Luxa i innych. Te gitary, które zawsze mają kształt gruszki, mają ten sam ton co gitara prim. Gitary Scherzera, podobnie jak koncertowe, wyszły z użycia. współcześni artyści, ponieważ charakter basu sprawia, że nie nadają się do gry solo, a gryf nie spełnia współczesnych wymagań. Jako instrument akompaniamentu te gitary są bardzo przydatne, jak świadczy o tym Sepp Summer.”
Ta notatka wymaga pewnych korekt, a mianowicie:
1.) Jeśli jako datę urodzenia Scherzera wskazano 1834, to jest to błąd, ponieważ nie może być tak, że pracował jako praktykant w wieku poniżej 16 lat u Staufera, który zmarł w 1850 roku. Makarov, który odnalazł Scherzera w 1852 roku .. nie nazywa go młodym mężczyzną.
2.) Wprowadzenie dodatkowych basów na gitarze sześciostrunowej przypisuje się włoskiemu mistrzowi i gitarzyście Giambattista Ferrari, który pracował w Modenie w latach 1853-1889, choć już L.Legnani w 1808 roku występował na koncertach na gitarze z dwoma dodatkowymi basy (6+2) . Ferrari jest uważany za wynalazcę gitary dziesięciostrunowej.
3.) Jeszcze przed Scherzerem, Stauferem i Panarmo używali rozdzielaczy mechanicznych.
4.) Gitara M.D. Sokołowskiego miała dwanaście, a nie piętnaście dodatkowych basów.
5.) Opinia Bueka o gitarach Scherzera jest oszałamiająca. Większość Najlepsze instrumenty tego mistrza trafiły do Rosji, a ich jakość może być niemożliwa do oceny po gitarach zachowanych w Austrii i Niemczech. Ale deklarowanie, że gitary Scherzer nie nadają się do występów solowych na koncertach „ze względu na ich basowy charakter” i „wąskość gryfu” jest nierozsądne, ponieważ dobierając basy o odpowiedniej grubości można osiągnąć ten sam dźwięk rdzenia i strun basowych , a szyję można rozszerzyć lub zmienić na szerszą. W końcu pozwolił na modernizację podstrunnicy swojej gitary tertz przez F. Schenka!
Amati wykonał skrzypce z drewna gruszy i zabezpieczył je własnym lakierem. Kilka słów o lakierze. Jedyne, co brzmi najlepiej, to to, że skrzypce są wykonane, a nie polakierowane. Wydłużona płyta rezonansowa skrzypiec wzdłuż kierunku słojów drewna z którego są wykonane zapewnia jednoczesne oddzielenie fali dźwiękowej od całego obrysu płyty rezonansowej. W końcu fale dźwiękowe rozchodzą się wzdłuż włókna szybciej niż w poprzek. Odchylenia kształtu skrzypiec od owalu oraz nacięcia w pudle rezonansowym zniekształcają falę dźwiękową, podbarwiając dźwięk alikwotami. Nielakierowane skrzypce brzmią świetnie, ale to nie trwa długo, ponieważ tlen w powietrzu utlenia włókna drewna, zamieniając je w pył. Dodatkowo takie skrzypce będą jak gąbka czerpać wilgoć z powietrza, co niekorzystnie wpłynie na brzmienie.
Z jakiego drewna wykonane są instrumenty muzyczne?
Od czasów starożytnych ludzie wytwarzali prymitywne drewniane instrumenty muzyczne. Różne grzechotki i bębny, fajki i różne instrumenty dźwiękowe używane do celów myśliwskich i rytualnych - np. zaklęciom magicznym, za pomocą których szamani przyzywali dobre duchy lub wypędzali złe duchy, często towarzyszyły różne efekty dźwiękowe.
Wraz z rozwojem cywilizacji powstała cała nauka - akustyka muzyczna, która bada cechy dźwięków muzycznych, tak jak je postrzegamy, oraz mechanizmy dźwięku instrumentów muzycznych. Prawie wszystkie przedmioty wytwarzające dźwięk mogą być używane jako instrumenty muzyczne, ale ludzkość ciężko pracowała, aby stworzyć szeroką gamę specjalnych urządzeń do wydobywania specjalnego dźwięku. Drewno było i pozostaje jednym z najważniejszych materiałów do produkcji instrumentów muzycznych. Gitara
oraz skrzypce, wiolonczelę i altówkę, instrumenty dęte- blaty na flet, obój, klarnet, fagot, fortepian i wiele innych instrumentów lub ich części wykonane są z różnych gatunków drewna. Sekret polega na tym, że drewno ma jeszcze jedną cenną jakość wśród swoich użyteczne właściwości, a mianowicie zdolność do rezonansu, czyli wzmacniania wibracji fal dźwiękowych. Są rasy, które mają podwyższone właściwości rezonansowe, a do takich ras należy znany świerk europejski, który rośnie w Europa Środkowa oraz w europejskiej Rosji. Inne drzewa iglaste również mają dobre właściwości rezonansowe: jodła, cedr. Drewno świerkowe i jodłowe jest używane w prawie wszystkich instrumentach muzycznych do produkcji płyt rezonansowych. Pozyskiwane w zimie drewno rezonansowe. Mistrzowie muzyki podchodzimy ze szczególną uwagą do wyboru drewna rezonansowego. Wybrane drzewo nie powinno mieć wad, a roczne warstwy powinny być tej samej szerokości.
Czy wiesz, że każda rasa ma też swój własny głos? Najbardziej dźwięczny i melodyjny jest świerk pospolity. Okazuje się, że właśnie dlatego Stradivari i Amati zrobili z niego swoje cudowne skrzypce. Aby to zrobić, wybrane drzewo zostało wycięte i pozostawione na winorośli na trzy lata. Stopniowo traciło wilgoć, drewno stawało się gęstsze i lżejsze. W rezultacie instrumenty muzyczne wykonane z takiego drewna otrzymały szczególną moc brzmienia. To prawda, trzeba było znaleźć i wybrać duża liczba drzewa, dokładnie te, które śpiewałyby lepiej niż inne. Mistrzom się to udało, a dowodem tego ostatniego jest to, że od prawie trzystu lat ich skrzypce urzekają słuchaczy swoimi „głosami”, potrafiącymi śpiewać, płakać, cierpieć i radować się.
Do dziś skrzypce i inne instrumenty strunowe- fortepiany, pianina - nadal są wykonane z drewna świerkowego. Żadne inne drzewo nie daje takiego rezonansu jak świerk. Wynika to z faktu, że drewno charakteryzuje się wyjątkowo równomiernym rozłożeniem włókien. Ponadto jest miękka, lekka, błyszcząca, łatwo kłuje, wytrzymała. To jedna z „Elkinowych” doskonałości.
Świerk ma również inne zalety. Zwróć uwagę, ile śniegu świerk trzyma na swoich gałęziach. Pod białym futrem czasami nie widać najbardziej zielonego piękna. Wąska korona nie zatrzymuje zbyt długo śniegu, jeśli jest w nadmiarze, to zsuwa się z drzewa. Szerokie gałęzie-łapy są elastyczne, sprężyste. Śnieg ugina łapę do ziemi, ale nie łamie. Jeśli jest dużo śniegu, łapa jest mocniej dociskana do pnia i śnieg zsuwa się z niego. Otrząsając się ze śniegu, świerk znów dumnie podnosi swoje gałęzie i cudownie obnosi się i ludzi. Ta struktura korony pozwoliła świerkowi idealnie przystosować się do życia w strefie umiarkowanej i stać się jednym z najpospolitszych drzew.
Gitara to wyjątkowy instrument muzyczny. W rękach profesjonalisty jest w stanie wytworzyć taką symfonię dźwięków, która sprawi, że słuchacz będzie płakał i śmiał się, radował i przeżywał w rytm wirtuozowskiej gry. Jednak nie wszystko w tym przypadku zależy od czynnika ludzkiego. Dobra gitara jest w stanie wyrazić całą paletę uczuć muzyka, zły instrument zrujnuje najwspanialsze granie. Brzmienie, jakie wydaje gitara, w dużej mierze zależy od rodzaju drewna, z którego jest wykonana. proces jest czasochłonny, a decydującą rolę odgrywa drzewo w narzędziu. Jeśli jest „martwy”, to w żaden sposób nie pomożesz tej gitarze – cokolwiek by to powiedzieć, nie uzyskasz z niej dobrego brzmienia. Gryf instrumentu wykonany jest najczęściej z klonu, podstrunnica również wykonana jest z klonu (jesion), palisandru (Rosewood) lub hebanu (Ebony). Z ciałem (talią) nie wszystko jest takie proste. Współczesny przemysł do produkcji gitar wykorzystuje wiele gatunków drewna od znanej olchy po egzotyczne” wronie oko”. Wynika to z faktu, że różne rodzaje drewna mają różne brzmienie. przez większość popularny widok Drewno do produkcji gitar to znana olcha (olcha). Z niego wykonana jest prawie cała linia instrumentów znanych firm gitarowych Fender, Jackson i Carvin. A inne firmy często nie boją się używać go w produkcji. Gitary wykonane z olchy mają dobrze zbalansowany czysty dźwięk z „soczystym” środkiem. Równie dobrze radzą sobie zarówno w solowych „cięciach”, jak i w heavy metalowych riffach. Moim zdaniem instrumenty takie, będąc swego rodzaju „złotym środkiem”, przeznaczone są dla gitarzystów, dla których nie ma stereotypów w graniu i myśleniu. Świerk (Jodła) jest używany głównie do produkcji półakustycznych gitar elektrycznych. Daje ciepły, gładki dźwięk. Jeśli masz zamiar grać muzyka jazzowa, wtedy takie narzędzie będzie dla Ciebie świetny wybór. Główną wadą gitar wykonanych ze świerku jest ich krewny wysoka cena. Bardzo dźwięczne gitary, idealne do grania partii solowych, wykonane są z klonu (klon) i jesionu (jesion). Instrumenty te mają zaakcentowany atak, brzmiący znacznie bardziej „szkliwi” niż jakikolwiek inny rodzaj drewna. Gitary klonowe i jesionowe wytwarzają dźwięk z wyraźnym wysokie częstotliwości. Te lasy są idealne do solówek i nie nadają się do rytmu. Jeśli więc marzysz o graniu muzyki a la Joe Satriani, to jesion i klon są idealnym materiałem na gitarę. Orzech jest dość szeroko stosowany w wysokiej klasy gitarach akustycznych. Większość ekskluzywnych instrumentów światowej sławy mistrzów jest wykonana z tego materiału. W produkcji gitar elektrycznych stosuje się go tylko na podstrunnice i okleinę korpusu. Z topoli (Topola) produkujemy gitary z tzw. kategorii „instrumenty studenckie”. Jak wiadomo drewno topoli jest bardzo miękkie, co negatywnie wpływa na jakość dźwięku. Najczęściej produkuje się z niego narzędzia o najniższej kategorii cenowej. Mahoń (Mahoń) jest używany do produkcji gitar do „ciężkich” stylów. Brzmienie takich instrumentów wyróżnia ciepły i soczysty środek, ma głębokie tony niskie i wygładzone wzloty. Gitary mahoniowe nie mają sobie równych pod względem jakości dźwięku na dole (lepiej brzmią tylko instrumenty wykonane z egzotycznego drzewa bubinga). Opisane powyżej rodzaje drewna są dalekie od pełnej listy materiałów używanych do produkcji gitar. To tylko najczęstsze. Istnieje wiele egzotycznych ras, takich jak Paduac, Koa czy ta sama bubinga, które są wykorzystywane do produkcji ekskluzywnych instrumentów.
Drewno oczywiście odgrywa ważną rolę w brzmieniu przyszłego instrumentu. Nie zapominajmy jednak, że to tylko drzewo. Tylko w rękach doświadczony rzemieślnik przybiera formę instrumentu, który może stać się przedłużeniem ciała i duszy muzyka.
