Mistyczne portrety dziewcząt. Obrazy mistyczne (16 zdjęć)

Prawie każde znaczące dzieło sztuki ma tajemnicę, „podwójne dno” lub sekretną historię, którą chcesz odkryć.

Muzyka na pośladkach

Hieronim Bosch, „Ogród” ziemskie przyjemności", 1500-1510.

Fragment części tryptyku

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia Najsłynniejsze dzieło holenderskiego artysty nie ustąpiło od czasu jego pojawienia się. NA prawy liść tryptyk zatytułowany „Muzyczne Piekło” przedstawia grzeszników torturowanych w podziemiach przy pomocy instrumenty muzyczne. Jeden z nich ma wytłoczone na pośladkach nuty. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na współczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”.

Naga Mona Lisa

Słynna „La Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nazywa się „Monna Vanna” i została namalowana przez mało znanego artystę Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których Salai ubrana w kobiecy strój służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Csontvary namalował obraz „ Stary rybak" Wydawać by się mogło, że w obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane jest prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane jest lewe ramię Starego Człowieka).

Czy był wieloryb?

Hendrik van Antonissen, Scena na brzegu.

Wydawałoby się, że zwyczajny krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i bezludne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale oglądali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba, i przepisał obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, „Obiad na trawie”, 1863.

Claude Monet, „Obiad na trawie”, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Monet zapożyczył nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Obiad na trawie” i napisał własny „Obiad na trawie”.

Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.

Kiedy Leonardo da Vinci napisał: „ Ostatnia Wieczerza„, przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich modeli. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć wzoru dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo namalował z niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandta”, Nocna Straż", 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” wisiał w różnych pokojach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się pojawiać na ciemnym tle, nazwano go „Nocną Strażą” i pod tą nazwą wszedł do skarbnicy sztuki światowej.

I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku odkryto, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie okazało się, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas akcji nie przekracza 14 godzin.

Przewrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

Obraz Henriego Matisse’a „Łódź” został wystawiony w nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1961 roku. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, „Autoportret z fajką”, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta ukazany jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości dotknięte było lewe ucho.

Obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że jego dotykające się niedźwiedzie nie wyjdą tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do swojego przyjaciela, artysty zwierząt Konstantina Savickiego.

Savitsky narysował prawdopodobnie najlepsze niedźwiedzie w historii Malarstwo rosyjskie, a Tretiakow nakazał zmyć swoje imię z płótna, ponieważ wszystko w obrazie „od koncepcji po wykonanie, wszystko mówi o sposobie malowania, o charakterystycznej dla Szyszkina metodzie twórczej”.

Niewinna historia „Gothica”

Granta Wooda”, amerykański gotyk", 1930.

Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii. Malarstwo amerykańskie. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom styl gotycki i postanowił sportretować te osoby, które jego zdaniem idealnie nadawałyby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Gala nie była jeszcze wówczas obecna w życiu artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem a siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego zachowania.

W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salvadora. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku ukazał się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do „Postać w oknie”. Istnieje wersja, w której Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae”, 1636 - 1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Na przykład filmowanie pokazało, że we wczesnej wersji pojawiła się twarz księżniczki romans u Zeusa była podobna do twarzy Saskii, żony malarza, zmarłej w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertje Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.

W maju 1888 roku Van Gogh nabył małą pracownię w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest gotowe i postanawia namalować Sypialnię Van Gogha w Arles. Dla artysty bardzo ważny był kolor i wygoda pomieszczenia: wszystko musiało przywoływać na myśl o relaksie. Jednocześnie obraz jest utrzymany w niepokojących żółtych odcieniach.

Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na odcienie zieleni i żółci.

Bezzębna doskonałość

Leonardo da Vinci, „Portret Lady Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.

Powszechnie panuje opinia, że ​​Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że ​​sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Studiując powiększone fotografie arcydzieła Borkowski odkrył także blizny wokół ust. „Uśmiecha się” właśnie z powodu tego, co ją spotkało – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.

Specjalizacja w kontroli twarzy

Paweł Fiedotow, „Swatanie majora”, 1848.

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnej publiczności. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad etykiety szlacheckiej: pojawił się bez wymaganych bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda została wieczorem zwolniona przez rodziców-kupców suknia balowa, mimo że jest dzień (wszystkie lampy w pomieszczeniu są zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego Liberty jest naga?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Wolność na barykadach”, 1830.

Zdaniem krytyka sztuki Etienne Julie Delacroix wzorował twarz kobiety na słynnej paryskiej rewolucjonistce – praczce Annie-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artysta przedstawił ją z nagimi piersiami. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: naga pierś pokazuje, że Liberty jako zwykły człowiek nie nosi gorsetu.

Kwadrat niekwadratowy

Kazimierz Malewicz, „Plac Czarnej Suprematyzmu”, 1915.

Tak naprawdę „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do ​​żadnego z pozostałych boków, ani do żadnego boku kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor to efekt zmieszania różnych barw, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.

Specjaliści z Galerii Trietiakowskiej odkryli autorski napis na słynnym obrazie Malewicza. Napis głosi: „Bitwa Czarnych w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do tytułu humorystycznego obrazka Francuski dziennikarz, pisarz i artysta Alphonse Allais „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini” późno w nocy", który był całkowicie czarnym prostokątem.

Melodramat austriackiej Mony Lisy

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdinada Blocha-Bauera. Cały Wiedeń omawiał burzliwy romans Adele ze słynną artystką. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić u Klimta portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zaczął na nią wymiotować.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, aby opiekunka mogła zobaczyć, jak słabną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno się ochłodzili. Adele Bloch-Bauer nigdy nie wiedziała, że ​​jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.

Najsłynniejszy obraz Gauguina ma jedną cechę charakterystyczną: „czyta się” go nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewy dolny róg).

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka pojechał do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego działalność zaczęła się poprawiać i rozpoczął się w jego pracy jaśniejszy okres.

112 przysłów na jednym obrazku

Pieter Bruegel Starszy, „Przysłowia holenderskie”, 1559

Pieter Bruegel Starszy przedstawił krainę zamieszkałą przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Obraz zawiera około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, np.: „płyń pod prąd”, „walenie głową o ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małą rybkę”.

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Subiektywność sztuki

Paul Gauguin, „Bretońska wioska pod śniegiem”, 1894

Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod nazwą „Wodospad Niagara”. Mężczyzna prowadzący aukcję przez przypadek powiesił obraz do góry nogami, bo zobaczył na nim wodospad.

Ukryty obraz

Pablo Picasso, „Niebieski pokój”, 1901

W 2008 roku promieniowanie podczerwone ujawniło, że pod Błękitnym Pokojem ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z muszką i opierającego głowę na dłoni. „Tak szybko, jak Picasso nowy pomysł, wziął pędzel i ucieleśnił go. Nie miał jednak możliwości zakupu nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – historyk sztuki Patricia Favero wyjaśnia możliwą przyczynę tego stanu rzeczy.

Niedostępne Marokańczycy

Zinaida Serebryakova, „Nago”, 1928

Kiedyś Zinaida Serebryakova otrzymała kusząca oferta- iść do twórcza podróż przedstawiać nagie postacie orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy – przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikomu wcześniej ani później nie udało się uchwycić zamknięcia orientalne kobiety nagi.

Spontaniczny wgląd

Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900

Przez długi czas Sierow nie potrafił namalować portretu cara. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ramiona... I wtedy dotarło do artysty - oto obraz! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest brany pod uwagę najlepszy obraz ostatni cesarz.

Kolejny dwójka

© Fedor Reshetnikov

Słynny obraz „Deuce Again” to dopiero druga część artystycznej trylogii.

Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Widać, że bogata rodzina ferie zimowe, radosny, doskonały uczeń.

Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z robotniczych przedmieść, szczyt roku szkolnego, przygnębiony idiota, który znów dostał złą ocenę. W lewym górnym rogu można zobaczyć obraz „Przybył na wakacje”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Chatka, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zmuszony jest siedzieć w czterech ścianach i tłoczyć się. W lewym górnym rogu widać obraz „Deuce Again”.

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844

W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i zaczęła patrzeć przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim ten sam epizod w pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michał Anioł, „Stworzenie Adama”, 1511

Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że ​​Michał Anioł rzeczywiście pozostawił pewne ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najbardziej znane prace. Wierzą, że prawa strona obrazu przedstawia ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A przyciągająca wzrok zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.

„Ostatnia wieczerza” Van Gogha

Vincent Van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że ​​obraz Van Gogha „Taras kawiarni nocą” zawiera zaszyfrowaną dedykację dla „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. Pośrodku obrazu stoi kelner z długimi włosami i białą tuniką przypominającą szaty Chrystusa, a wokół niego znajduje się dokładnie 12 osób odwiedzających kawiarnię. Baxter zwraca także uwagę na umieszczony bezpośrednio za kelnerem krzyż w kolorze białym.

Obraz pamięci Dali

Salvador Dali, „Trwałość pamięci”, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistyczne obrazy, które artysta następnie przeniósł na płótno. Zatem, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.

O czym Munch krzyczy?

Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.

Munch opowiadał o idei jednego z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem z dwoma przyjaciółmi ścieżką – słońce zachodziło – nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, wyczerpany, oparłem się o płot – patrzyłem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem drżący z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę.” Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, według której pomysł na „Krzyk” narodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy doszło do kilku potężnych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Po całym pomieszczeniu unosiły się ogromne ilości kurzu i popiołu na globus docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.

Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego zdjęcia główne zdjęcie. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, widać postać w tunice. Iwanow napisał to od Mikołaja Gogola. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad podczas procesu malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Rafael Santi, „Szkoła ateńska”, 1511.

Tworząc słynny fresk „Szkoła ateńska”, Rafael uwiecznił na obrazach swoich przyjaciół i znajomych starożytni filozofowie greccy. Jednym z nich był Michelangelo Buonarotti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.

Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Lustro pary Arnolfinich

Jan van Eyck, „Portret pary Arnolfinich”, 1434

W lustrze za parą Arnolfinich widać odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck był tutaj”. W ten sposób zazwyczaj zawierano umowy.

Jak wada zamieniła się w talent

Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że ​​artysta cierpiał na zez: na zdjęciach jego oczy patrzą prosto przed siebie. różne strony, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba sprawiła, że ​​artysta potrafi lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z obrazem dwuwymiarowym, właśnie ta wada Rembrandta może być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, „Narodziny Wenus”, 1482-1486.

Przed pojawieniem się Narodzin Wenus wizerunek nagiego kobiecego ciała w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym z europejskich malarzy, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są tego pewni pogańska bogini miłość symbolizuje na fresku obraz chrześcijański: jego pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła obrzęd chrztu.

Lutniarz czy lutnista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Lutnista”, 1596.

Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX w. historycy sztuki zgodzili się, że obraz przedstawia młodego mężczyznę (pozował mu prawdopodobnie znajomy Caravaggia, artysta Mario Minniti): na notatkach przed muzykiem widać nagranie basu wers madrygału Jakuba Arkadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta nie mogłaby dokonać takiego wyboru - po prostu ciężko jest jej w gardle. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w czasach Caravaggia uważana była za instrument męski.

Sztukę piękną zawsze uważano za ściśle związaną ze sferą mistyczną. Przecież każdy obraz jest energetycznym odciskiem oryginału, szczególnie jeśli chodzi o portrety. Uważa się, że są w stanie wpłynąć nie tylko na tych, od których są napisane, ale także na innych ludzi. Przykładów nie trzeba szukać daleko: przejdźmy do języka rosyjskiego obrazy z XIX wieku– początek XX wieku.

Mistycyzm portretu Marii Lopukhiny

Zachwycające piękności, które spoglądają na nas z obrazów wielkich malarzy, na zawsze takie pozostaną: młode, czarujące i pulchne. energia życiowa. Jednak prawdziwy los pięknych modelek nie zawsze jest tak godny pozazdroszczenia, jak mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. Bardzo łatwo to zobaczyć na przykładzie słynny portret Maria Lopukhina, namalowany przez Władimira Borowikowskiego.

Zaraz potem Maria Lopukhina, wywodząca się z rodziny hrabiowskiej Tołstoja własny ślub(miała 18 lat) pozowała Władimirowi Borowikowskiemu. Portret powstał na zamówienie jej męża. W chwili pisania tego tekstu Maria wyglądała po prostu wspaniale. Z jej twarzy promieniowało tyle uroku, duchowości i marzycielstwa... Nie było wątpliwości, że czarującą modelkę czekało długie i długie życie. szczęśliwe życie. Jest to fakt niezrozumiały, ale Maria zmarła na gruźlicę mając zaledwie 23 lata.

Znacznie później poeta Połoński napisał „Borovikovsky ocalił jej urodę…”. Jednak zaraz po śmierci młodej piękności nie wszyscy podzieliliby tę opinię. Przecież w Moskwie w tamtym czasie mówiono, że to nieszczęsny portret jest winien śmierci Marii Łopuchiny.

Zaczęli uciekać przed tym obrazem, jak przed duchem. Wierzyli, że jeśli młoda dama na nią spojrzy, wkrótce umrze. Według niektórych raportów tajemniczy portret zabił około dziesięciu dziewcząt w wieku małżeńskim. Mówiono, że ojciec Marii, słynny mistyk, po śmierci córki zwabił jej ducha do tego obrazu.

Jednak prawie sto lat później Paweł Tretiakow nie bał się i nabył ten wizualny obraz do własnej galerii. Potem obraz „uspokoił się”. Ale co to było – pusta plotka, dziwny zbieg okoliczności, a może za tajemniczym zjawiskiem kryje się coś więcej? Niestety, prawdopodobnie nigdy nie poznamy odpowiedzi na to pytanie.

Ilya Repin - burza z piorunami dla opiekunów?

Jest mało prawdopodobne, aby ktokolwiek twierdził, że Ilya Efimovich Repin jest jednym z najwybitniejszych rosyjskich malarzy. Ale jest jedna dziwna rzecz tragiczna okoliczność: wielu, którzy mieli zaszczyt być jego opiekunami, wkrótce zmarło. Są wśród nich Musorgski, Pisemski, Pirogow i włoski aktor Mercy d’Argenteau. Gdy tylko artysta podjął się portretu Fiodora Tyutczewa, on również zmarł. Oczywiście we wszystkich przypadkach istniały obiektywne przyczyny śmierci, ale tutaj są zbiegi okoliczności... Mówi się, że nawet potężni mężczyźni, którzy pozowali Repinowi do płótna „Przewoźnicy barek na Wołdze”, przedwcześnie oddali swoje dusze Bogu.

„Przewoźnicy barek na Wołdze”, 1870-1873

Jednak najbardziej przerażająca historia stało się z obrazem „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”, który w naszych czasach jest lepiej znany jako „Iwan Groźny zabija swojego syna”. Nawet zrównoważeni ludzie czuli się nieswojo, patrząc na płótno: scena morderstwa została namalowana zbyt realistycznie, na płótnie było za dużo krwi, która wydawała się realna.

Obraz wystawiony w Galerii Trietiakowskiej zrobił na zwiedzających dziwne wrażenie. Niektórzy płakali przed obrazem, inni popadali w odrętwienie, a jeszcze inni mieli ataki histerii. A młody malarz ikon Abram Balashov przeciął płótno nożem 16 stycznia 1913 roku. Został wysłany do szpitala psychiatrycznego, gdzie zmarł. Płótno zostało odnowione.

„Iwan Groźny zabija syna”, 1883-1885

Wiadomo, że Repin długo myślał, zanim wziął się za film o Iwanie Groźnym. I nie bez powodu. Artysta Myasojedow, z którego namalowano wizerunek cara, wkrótce w gniewie prawie zabił swojego młodego syna, zwanego także Iwanem, podobnie jak zamordowany carewicz. Wizerunek tego ostatniego wzorowano na pisarzu Wsiewołodzie Garszynie, który później oszalał i popełnił samobójstwo, rzucając się ze schodów...

Morderstwo, które nigdy nie miało miejsca

Historia, że ​​Iwan Groźny jest zabójcą synów, to tylko mit.

Uważa się, że Iwan Groźny zabił swojego syna w przypływie gniewu uderzeniem laski w świątynię. Różni badacze podają różne przyczyny: od kłótni domowej po tarcia polityczne. Tymczasem żadne ze źródeł nie podaje wprost, że książę i następca tronu został zabity przez własnego ojca!

„Kronikarz Piskarewski” podaje: „O godzinie 12 w nocy letniego listopada 7090 r., dnia 17... śmierć carewicza Jana Ioannowicza”. Nowogrodzka Czwarta Kronika podaje: „W tym samym roku (7090) carewicz Jan Ioannowicz odpoczywał w Jutrzni w Słobodzie”. Przyczyna śmierci nie została ogłoszona.
W latach 60. ubiegłego wieku otwarto groby Iwana Groźnego i jego syna. Na czaszce księcia nie stwierdzono uszkodzeń charakterystycznych dla urazu mózgu. Zatem nie było synobójstwa?! Skąd jednak wzięła się legenda o nim?

Antonio Possevino – przedstawiciel Watykanu w Rosji w czasach Iwana Groźnego i wielkich kłopotów

Jej autorem jest jezuicki mnich Antoni Possevino (Antonio Possevino), wysłany do Moskwy jako ambasador od papieża z propozycją poddania Cerkwi prawosławnej pod zwierzchnictwo Watykanu. Pomysł nie spotkał się z poparciem cara Rosji. Tymczasem Possevin rzekomo stał się naocznym świadkiem skandal rodzinny. Cesarz był zły na swoją ciężarną synową, żonę jego syna Iwana, za jej „nieprzyzwoity wygląd” - albo zapomniała założyć pasek, albo założyła tylko jedną koszulę, kiedy miała nosić cztery. W ferworze teść zaczął bić nieszczęsną kobietę laską. Książę stanął w obronie swojej żony: wcześniej jego ojciec wysłał już do klasztoru swoje dwie pierwsze żony, które nie mogły od niego począć. Jan Młodszy nie bezpodstawnie obawiał się, że straci trzecią – jej ojciec po prostu ją zabije. Rzucił się na kapłana i w przypływie przemocy uderzył laską i przebił skroń syna. Jednak poza Possevinem żadne źródło nie potwierdza tej wersji, chociaż później chętnie ją podchwycili inni historycy, Staden i Karamzin.

• Współcześni badacze sugerują, że jezuita stworzył legendę w odwecie za to, że musiał wrócić na dwór papieski „bez siorbania”.

Kiedy ekshumowano tkanka kostna Carewicza odnaleziono pozostałości trucizn. Może to wskazywać, że Jan Młodszy zmarł w wyniku otrucia (co w tamtych czasach nie było rzadkością), a nie w wyniku uderzenia twardym przedmiotem!

Niemniej jednak na obrazie Repina widzimy właśnie wersję synobójstwa. Jest to wykonane z tak niezwykłą prawdopodobieństwem, że nie można oprzeć się wrażeniu, że dokładnie to wydarzyło się w rzeczywistości. Stąd oczywiście „zabójcza” energia.

I znowu Repin się wyróżnił

Autoportret Repina

Kiedyś Repinowi zlecono stworzenie ogromnego monumentalnego obrazu „Uroczyste posiedzenie Rady Państwa”. Obraz ukończono pod koniec 1903 roku. A w 1905 roku wybuchła pierwsza rewolucja rosyjska, podczas której spadły głowy urzędników przedstawionych na płótnie. Niektórzy stracili stanowiska i tytuły, inni przypłacili to życiem: minister V.K. Plehwe i wielki książę Siergiej Aleksandrowicz, były generalny gubernator Moskwy, zostali zabici przez terrorystów.

W 1909 roku artysta namalował portret na zamówienie Dumy Miejskiej w Saratowie. Ledwo ukończył dzieło, gdy Stołypin został zastrzelony w Kijowie.

Kto wie – może gdyby Ilya Repin nie był tak utalentowany, tragedie nie miałyby miejsca. Już w XV wieku naukowiec, filozof, alchemik i mag Cornelius Agrippa z Nettesheim napisał: „Uważaj na pędzel malarza – jego portret może okazać się żywszy od oryginału”.

P. A. Stołypin. Portret autorstwa I. Repina (1910)

Mistyczny obraz „Obcy” Iwana Kramskoja

Obraz niesamowicie przeżył dwa okresy masowego zainteresowania sobą i całkowicie różne epoki. Po raz pierwszy – po napisaniu w 1883 roku – uznano ją za ucieleśnienie arystokracji i cieszyła się dużą popularnością wśród wyrafinowanej petersburskiej publiczności.

Nieoczekiwanie w drugiej połowie XX wieku nastąpił kolejny wzrost zainteresowania „Nieznanym”. Mieszkania ozdobiono reprodukcjami prac Kramskoja wyciętymi z czasopism, a egzemplarze „Nieznanego” były jednym z najpopularniejszych zamówień artystów wszystkich szczebli. To prawda, że ​​\u200b\u200bz jakiegoś powodu obraz był już znany pod nazwą „Stranger”, być może pod wpływem dzieła Bloka o tym samym tytule. Nawet cukierki „Stranger” zostały stworzone z obrazem Kramskoya na pudełku. Tym samym błędny tytuł dzieła wreszcie „ożył”.

Wieloletnie badania nad tym, „kogo przedstawia obraz Kramskoja”, nie przyniosły rezultatów. Według jednej wersji prototypem „symbolu arystokracji” była wieśniaczka o imieniu Matryona, która wyszła za mąż za szlachcica Bestużewa.

„Nieznajomy” Iwana Kramskoja to jedno z najbardziej tajemniczych arcydzieł malarstwa rosyjskiego.

Na pierwszy rzut oka w portrecie nie ma nic mistycznego: piękność jedzie otwartym powozem po Newskim Prospekcie.

Wielu uważało bohaterkę Kramskoja za arystokratkę, ale modną, ​​obszytą futrem i niebieską wstążki satynowe aksamitny płaszcz i stylowy beret w połączeniu z ołówkowymi brwiami, szminką na ustach i rumieńcem na policzkach wyróżniają ją jako damę ówczesnego półświatka. Nie prostytutka, ale najwyraźniej utrzymana kobieta jakiegoś szlachcica lub bogatego mężczyzny.

Jednak gdy zapytano artystę, czy ta kobieta istnieje w rzeczywistości, tylko uśmiechnął się i wzruszył ramionami. W każdym razie nikt nigdy nie widział oryginału.
Tymczasem Paweł Tretiakow odmówił zakupu portretu do swojej galerii - być może obawiał się przekonania, że ​​portrety piękności „wysysają siłę” z żywych ludzi.

Iwan Nikołajewicz Kramskoj

„Nieznajomy” zaczął podróżować na prywatne spotkania. I bardzo szybko zyskała rozgłos. Odeszła od niego żona pierwszego właściciela, dom drugiego spłonął, a trzeci zbankrutował. Wszystkie te nieszczęścia przypisywano fatalnemu obrazowi.

Sam Kramskoy nie uniknął klątwy. Niecały rok po powstaniu „Unknown” jeden po drugim zmarli jego dwaj synowie.

„Przeklęty” obraz poszedł za granicę. Mówią, że tam sprawiała właścicielom wszelkiego rodzaju kłopoty. W 1925 r. „Nieznajomy” powrócił do Rosji, a mimo to zajął swoje miejsce w Galerii Trietiakowskiej. Od tego czasu nie doszło do żadnych dalszych incydentów.

Może chodzi o to, że portret powinien od samego początku zająć należne mu miejsce?

Przekleństwa zabójczych obrazów

Związany z wieloma dziełami sztuki Mistyczne historie i zagadki. Co więcej, niektórzy eksperci uważają, że w tworzenie wielu obrazów zaangażowane są mroczne i tajne siły. Istnieją przesłanki do takiego stwierdzenia. Zbyt często niesamowite fakty i niewyjaśnione zdarzenia- pożary, śmierć, szaleństwo autorów...

Jednym z najbardziej znanych „przeklętych” obrazów jest „ Płacz chłopiec" - reprodukcja obrazu hiszpańskiego artysty Giovanniego Bragolina. Historia jego powstania jest następująca: artysta chciał namalować portret płaczącego dziecka i wziął do opieki swojego małego synka. Ponieważ jednak dziecko nie mogło płakać na zamówienie ojciec celowo doprowadził go do łez, rozpalając przed nim ogień przodem zapałki, artysta wiedział, że jego syn panicznie boi się ognia, ale sztuka była dla niego cenniejsza niż nerwy własnego dziecka , a on nadal z niego drwił.
Któregoś dnia, doprowadzone do histerii, dziecko nie mogło wytrzymać i krzyknęło zalewając się łzami: „Spal się!” Klątwa ta nie musiała długo czekać na spełnienie się – dwa tygodnie później chłopiec zmarł na zapalenie płuc, a wkrótce został spalony żywcem własny dom i jego ojciec... To jest tło. Obraz, a raczej jego reprodukcja, zyskała złowrogą sławę w 1985 roku w Anglii.
Stało się to dzięki serii dziwnych zbiegów okoliczności – w północnej Anglii zaczęły jeden po drugim dochodzić do pożarów budynków mieszkalnych. Były ofiary w ludziach. Niektóre ofiary wspominały, że z całego majątku ocalała cudem jedynie tania reprodukcja przedstawiająca płaczące dziecko. A takich doniesień było coraz więcej, aż w końcu jeden z inspektorów straży pożarnej ogłosił publicznie, że we wszystkich bez wyjątku spalonych domach odnaleziono „Płaczącego Chłopca” w stanie nienaruszonym.
Natychmiast gazety zalała fala listów donoszących o różnych wypadkach, ofiarach śmiertelnych i pożarach, które miały miejsce po zakupie tego obrazu przez właścicieli. Oczywiście „Płaczącego chłopca” od razu zaczęto uważać za przeklęty, historia jego powstania wyszła na jaw i obrosła plotkami i fikcją… W rezultacie jedna z gazet opublikowała oficjalne oświadczenie, że każdy, kto posiada tę reprodukcję, musi natychmiast się go pozbądź, a władze Odtąd zabrania się kupowania i trzymania go w domu.
Do dziś „Płaczący chłopiec” cieszy się sławą, zwłaszcza w północnej Anglii. Nawiasem mówiąc, oryginału jeszcze nie odnaleziono. To prawda, że ​​\u200b\u200bniektórzy wątpiący (szczególnie tutaj, w Rosji) celowo zawiesili ten portret na ścianie i wydaje się, że nikt nie został spalony. Jednak wciąż niewiele osób chce sprawdzić legendę w praktyce.

Założenie

Amerykańscy astronomowie rozwiązali zagadkę obrazu „Krzyk” norweskiego artysty Edvarda Muncha. Znaleźli odpowiedź na pytanie, które od dawna dręczyło historyków sztuki – dlaczego niebo na słynnym obrazie Muncha z 1893 roku ma tak dziwny i niepowtarzalny płomienny czerwony kolor.

Jak się okazało, kolorystyka obrazu nie jest bynajmniej wytworem wyobraźni, ale całkiem realistyczny obraz zachody słońca w Europie w tym okresie. Zupełnie nieoczekiwany kolor nabrały po erupcji wulkanu Krakatoa w Indonezji w sierpniu 1883 roku, kiedy do atmosfery planety wyrzucono ogromną ilość popiołu. Erupcja ta jest uważana za jedną z najpotężniejszych i najbardziej tragicznych w historii ludzkości.

Naukowcy z Uniwersytetu w Teksasie przeprowadzili szczegółową analizę pamiętników Muncha, materiałów dotyczących erupcji Krakatoa i przestudiowali doniesienia z norweskich gazet z 1883 roku. „Nasza podróż badawcza do Oslo osiągnęła punkt kulminacyjny, gdy odkryliśmy zakręt na drodze i zdaliśmy sobie sprawę, że jesteśmy dokładnie w tym samym miejscu, w którym 120 lat temu stał Munch” – powiedział kierownik badania Donald Olson, profesor fizyki i astronomii na uniwersytecie. Zdaliśmy sobie sprawę, że spoglądał na południowy zachód. Patrząc w tym kierunku, można było zobaczyć zachody słońca związane z erupcją Krakatau zimą 1883-84.
**********************
Holenderski artysta Pieter Bruegel Starszy malował Pokłon Trzech Króli przez dwa lata. „Skopiował” Dziewicę Maryję od swojego kuzyna. Była kobietą bezpłodną, ​​za co otrzymywała ciągłe ciosy ze strony męża. To ona, jak plotkował prosty średniowieczny Holender, „zainfekowała” obraz. „Mędrcy” czterokrotnie kupowani byli przez prywatnych kolekcjonerów. I za każdym razem powtarzała się ta sama historia: przez 10-12 lat w rodzinie nie urodziło się żadne dziecko...

Ostatecznie w 1637 roku obraz kupił architekt Jacob van Kampen. W tym czasie miał już troje dzieci, więc klątwa go szczególnie nie przestraszyła.

*******************

Prawdopodobnie najsłynniejszy kiepski obrazek w Internecie z następującą historią: Rysowała pewna uczennica (często wspomina się o Japonce). ten obrazek.

Jeśli spojrzysz na nią przez 5 minut z rzędu, dziewczyna się zmieni (jej oczy stają się czerwone, włosy stają się czarne, pojawiają się kły).
W rzeczywistości jasne jest, że obraz wyraźnie nie został narysowany ręcznie, jak twierdzi wiele osób. Chociaż nikt nie daje jasnych odpowiedzi na pytanie, jak pojawił się ten obraz.

**********************

8. Teraz wisi skromnie bez ramy w jednym ze sklepów w Winnicy. „Rain Woman” jest najdroższym ze wszystkich dzieł: kosztuje 500 dolarów. Według sprzedawców obraz był już trzykrotnie kupowany i zwracany. Klienci tłumaczą, że o niej marzą. I ktoś nawet mówi, że zna tę panią, ale nie pamięta gdzie. A każdy, kto kiedykolwiek spojrzał w jej białe oczy, na zawsze zapamięta uczucie deszczowego dnia, ciszy, niepokoju i strachu.

Eksponaty zostały skradzione z muzeum zlokalizowanego w pobliżu centralnego placu Tahrir, gdzie przez ostatnie trzy tygodnie miały miejsce masowe demonstracje przeciwko byłemu egipskiemu władcy Hosniemu Mubarakowi.

Rabusie przedostali się do muzeum 28 stycznia, wykorzystując chaos, jaki panował podczas masowych zamieszek, podaje AFP, cytując egipskiego Ministra Starożytności Zahi Hawassa.

Wśród skradzionych przedmiotów mających wartość kulturową znajduje się posąg młodego starożytnego egipskiego faraona Tutenchamona wykonany ze złoconego drewna oraz część innego posągu tego samego władcy.

Przeklęty skarb

Ponadto złodzieje ukradli wapienne rzeźby faraona Echnatona i jego żony Nefertiti, popiersie księżniczki Amarany, amulet w kształcie skarabeusza zawieszony na mumii oraz szereg innych przedmiotów kultury starożytnej.

W sprawie kradzieży wszczęto już sprawę karną, a lokalna policja przesłuchuje obecnie podejrzanych.

„Przedstawiciele egzekwowanie prawa a wojsko planuje przesłuchać przestępców, którzy są już w areszcie” – zapewnił Hawass.

Muzeum, założone w 1858 roku przez francuskiego egiptologa Auguste’a Mariette’a, przez trzy tygodnie po rozpoczęciu protestów było chronione przez ochotników wojskowych i cywilnych.

W budynku znajduje się około 100 tysięcy eksponatów, z których chyba najbardziej znanym jest rzekomo przeklęty skarb z grobowca Tutanchamona.

Zdjęcia pojawiły się ponownie.

Dodano po 42 minutach i 59 sekundach
Anna Achmatowa powiedziała kiedyś: „Kiedy człowiek umiera, jego portrety się zmieniają”. Malowniczy portret lub obraz to potężna struktura energetyczna. Malarz nie tylko maluje płótno na konkretny temat - przekazuje swoje uczucia, przemyślenia, światopogląd i co najważniejsze - nastrój, który tworzy energię artystycznego płótna. Nazywa się to także „katharsis”. Jeśli fabuła obrazu jest jawnie agresywna, powoduje to agresję u widza. Należy zauważyć, że obrazy i portrety niosą ze sobą inną energię. Czasami artysta, nie zdając sobie z tego sprawy, „ładuje” widza swoich obrazów katharsis, z którego sam zostaje uwolniony w procesie tworzenia płótna.

Wszyscy znają fakt wandalizmu związany z obrazem Ilji Repina „Iwan Groźny zabija syna”. Ale niewielu wie, że Repin przez długi czas nie był w stanie namalować „żywej” krwi sączącej się przez palce jego morderczego ojca. I wtedy artysta na własne oczy zobaczył to na twarzy kobiety, która wpadła pod powóz, pobiegł do domu i kilkoma pociągnięciami „ożywił” ją na płótnie.
Kiedy krew ludzi lub zwierząt wypływa z organizmu, w pierwszych minutach tego procesu emituje promieniowanie o szczególnej sile.
Upływ krwi i szalone spojrzenie zabójcy wpłynęły na psychikę ucznia Bałaszowa: w przypływie wściekłości podarł słynny obraz Repina. Przestępcę uznano później za niepoczytalnego. Poeta Maksymilian Wołoszyn w przemówieniu na rozprawie na temat tego zdarzenia oskarżył Repina o podświadome stawianie na agresję. To ona wstrząsnęła chorą i wrażliwą wyobraźnią Balashova. Wtedy nie słuchali Wołoszyna, zarzucając mu niepotwierdzenie jego teorii, ale historia powtórzyła się w latach 80. – tym razem z obrazem Rembrandta „Danae”. Został niemal doszczętnie zniszczony przez szalonego fanatyka z krajów bałtyckich używającego kwasu siarkowego.

Głoszący wolność twórczą Aleksander Benois, z przekonania kosmopolita, nagle ostro sprzeciwił się kosmopolityzmowi Malewicza, nazywając go „Czarnym kwadratem” ikoną ofiarowaną w miejsce Madonny. Malewicz obudził się sławny w 1915 roku, kiedy wystawił na wystawie „0,10” – „Czarny kwadrat” – ostatni obraz na świecie, jak sam go nazwał. Tu kończy się sztuka. Malewicz zmarł w 1935 roku na raka. Urnę z prochami złożono na otwartym polu w pobliżu daczy w Niemczinówce. Na grobie umieścili sześcian z czarnym kwadratem.

Dodano po 17 godzinach 50 minutach 27 sekundach
Michaił Aleksandrowicz Wrubel i jego demon

Po tym zdjęciu zaczęto o nim mówić na całym świecie. Z nieznanego studenta stał się artystą kultowym, ikoną swoich czasów.
Mówimy o Michaiłu Vrubelu. Zdecydował się na niezwykle buntowniczy i odważny czyn – podważył obowiązujący od lat zakaz nieportretowania Demona.
Uczynił Demona głównym bohaterem swoich obrazów, ale czekała go za to kara. Vrubel nie mógł sobie nawet wyobrazić, że klątwy się spełnią, a Demon przejmie świadomość swojego twórcy.
Moskiewska publiczność zobaczy obraz „Demon, który siedzi”, a następnego ranka Michaił Wrubel obudzi się sławny. A wiele lat później te same gazety, które go wychwalały, napiszą: „Demon zabija swojego autora”.
Jego obraz wisiał na wystawie, ale Demon był jakby nierozerwalnie związany z duszą artysty, a kiedy Vrubel próbował go rozbić i zniszczyć w sobie, znalazł się w dom wariatów, gdzie zmarł.
Ale czy to mistyczne połączenie z obrazem rzeczywiście istniało? Za co tak naprawdę zapłacił Michaił Wrubel?

Żaden z diabłów stworzonych wcześniej przez artystów nie miał żywego prototypu. I Demon Michaiła Vrubela tak, ponieważ został napisany za pomocą prawdziwa osoba, a także kobietę, którą kocha.
Rysując swojego Demona, artysta przyświecał konkretny cel – zemścić się na tej kobiecie. Jeden obraz uczynił Vrubela artystą światowej sławy.
Każdy uczeń zna dziś swojego Demona Akademia Sztuki. Mało kto jednak zdaje sobie sprawę, że obraz miał konkretny prototyp.
Była to kobieta z Kijowa, a spotkanie z nią uczyniło Vrubela genialnym artystą i głęboko nieszczęśliwym człowiekiem. Wrubel, gdy przybył do Kijowa, był, mówiąc w przenośni, nikim.
Był wczoraj studentem Akademii i bez przesady można powiedzieć, że wszyscy trzej punkty zwrotne jego charakter: jako człowieka, jako chorego i jako wielkiego artysty ukształtował się w Kijowie. Ta femme fatale i śmiertelna miłość, która rozbłysła w jego duszy do tej kobiety, odegrały w tym znaczącą rolę.

Niezwykłe szczęście sprowadziło do Kijowa nieznanego artystę Michaiła Vrubela. W 1860 roku w jednym z kościołów kijowskich miało miejsce cudowne zjawisko. W kościele św. Cyryla nagle ukazały się ludziom starożytne malowidła.
Ksiądz natrafił na te wyjątkowe freski przez przypadek. Podczas Wielkiego Nabożeństwa ze ściany odpadł kawałek tynku i wszyscy widzieli, że Anioł patrzył na trzodę. Następnie ksiądz usunął ze ściany kolejny kawałek tynku, a pod nim znajdowały się starożytne malowidła, które jak się okazało miały ponad 700 lat.
Te freski wymagały pilnej renowacji. Przecież wystawione na działanie powietrza unikalne obrazy mogą się zawalić. Jednak znalezienie mistrza od tego nie było takie proste.
Artyści jeden po drugim porzucali to dzieło. A głównym powodem była zła, bardzo zła reputacja Kościoła Cyryla.
Cerkiew Kirillovskaya znajdowała się na terenie szpitala psychiatrycznego. Zasadniczo ktokolwiek pracuje w tym kościele, będzie w rzeczywistości pracował w szpitalu psychiatrycznym.
Przez długi czas nie mogli znaleźć konserwatora kościoła Cyryla. Do czasu, gdy w Kijowie pojawił się nieznany student petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych Michaił Wrubel.
Skromny, szczupły młodzieniec w ciemnym garniturze, zaproszony przez słynnego krytyka sztuki Adriana Prachowa do renowacji tajemniczych malowideł znalezionych w kościele św. Cyryla. I nie mylił się. Vrubel znakomicie poradził sobie z zadaniem, ale zarówno Vrubel, jak i Prakhov będą musieli zapłacić zbyt wysoką cenę.
Słynny szpital Pawłowka, do którego od dawna przywożono i opuszczano ludzi chorych psychicznie, błogosławionych i świętych głupców. Kijowie zawsze unikali tego miejsca. W tamtych czasach osób chorych psychicznie nie uważano za chore. Zrównano ich z przestępcami i na zawsze wyrzucono ze społeczeństwa.
Było to miejsce za panowania Katarzyny II. Ale w XIX wieku psychiatria stała się przedmiotem badania naukowe. Lekarze rozpoczną badania pacjentów Pawłowki. Kiedy Vrubel tu przybył, straszne więzienie dla szaleńców zamieniło się już w szpital.
Ale jej zła reputacja pozostała równie straszna. Mieszkańcy Kijowa widzieli, jak pod nadzorem sanitariuszy po terenie Pawłowki spacerowali dziwni ludzie o szalonych i przerażających oczach. Skaczą, płaczą i śmieją się strasznie. Kiedy Vrubel po raz pierwszy wszedł na teren szpitala, uderzyły go oczy pacjentów. Przez wiele lat nie będzie mógł zapomnieć ich wyrazu i będzie go wielokrotnie reprodukował na płótnie.
Ale na początku Vrubel nie będzie zwracał uwagi na uprzedzenia. To dla niego fenomenalna szansa. Przecież jemu, studentowi czwartego roku, powierzono cenne freski, które miały już 700 lat. Już pierwszego dnia rozpoczyna prace renowacyjne, nawet nie odwiedzając mieszkania, które zaoferował mu Prahov, a jedynie prosi o przesłanie tam swoich rzeczy.
Sam Vrubel został zabrany do kościoła św. Cyryla. A kiedy Vrubel wspiął się na risztówkę, poczuł mistyczne drżenie - otworzył się przed nim inny świat: patrzyły na niego twarze świętych, których ludzie czcili 700 lat temu. Vrubel przerysowuje freski w album, szczegółowo opisując każdy rys twarzy, każdy fałd ubrania. Aby nie tracić czasu na jedzenie, zabiera ze sobą do risztowa dzbanek wody i kawałek chleba.

W pierwszych tygodniach pracy prawie w ogóle nie opuszcza kościoła św. Cyryla, a na innych reaguje jedynie wtedy, gdy podchodzą do deski kreślarskiej, aby dać artyście nowy ołówek lub wymieszać farby. Jednak pewnego dnia do kościoła przychodzi niezwykły gość – elegancko ubrana kobieta z zakrytą głową. Długo stoi poniżej i próbuje zwrócić na siebie uwagę. A gdy w końcu artysta odrywa się od pracy, władczo prosi go, aby zszedł na dół.
Zewnętrznie nie była piękna. Była niska i miała krępą sylwetkę, ale miała oszałamiające, ogromne oczy niewiarygodnej wielkości, co potwierdzają zachowane zdjęcia. A wyraz tych oczu, spojrzenie, kiedy na nie patrzyła, naprawdę potrafiły czarować i urzekać. Kobieta przedstawiła się jako żona klienta, Emilia Prakhova. Przyszła zaprosić mistrza na zwyczajny rodzinny obiad.
A Vrubel na zawsze zapamięta jej władczy ton i dumną postawę. Później napisze – jeszcze nie wiedział, że jednym zaproszeniem przyszła zmienić jego życie. Tego wieczoru skromny uczeń trafia do baśni. Faktem jest, że Vrubel dorastał w rodzinie surowego oficera, w której, jeśli doszło do przyjęcia towarzyskiego, zawsze odbywało się to zgodnie ze wszystkimi zasadami etykiety.
Dom Prachowów wydaje mu się miejscem fantastycznym, terytorium wolności. Tutaj wszystko było inne niż w rodzinie jego rodziców i do tego, do czego był przyzwyczajony jako dziecko. Była to rodzina bohemy, w której uczestniczyło wielu kreatywnych ludzi. Tym, co najbardziej uderzyło Vrubela, była sama gospodyni.
Emilia ma 32 lata i trójkę dzieci. Nie można jej nazwać piękną, ale Michaił Wrubel nigdy nie widział kobiety zachowującej się w ten sposób. Emilia Prahova swoimi manierami nie mieściła się w żadnych ramach tamtych czasów.
Od pierwszego spotkania wizerunek tej kobiety na zawsze pozostanie w wyobraźni Vrubela. I to właśnie ten obraz doprowadzi artystę do niesłychanej sławy i dożywotniego potępienia. Emilia była naturalna w swoich przejawach, a jej działania nie zawsze odpowiadały zasadom postępowania tamtego społeczeństwa i tamtych czasów.
Była ekscentryczną, ekstrawagancką kobietą, która z jednej strony znała kilka języków, a z drugiej mogła sobie pozwolić na wylanie dzbana wody na głowę gościa tylko dlatego, że nie spodobała jej się uwaga gościa.
Nic specjalnego: po prostu kontynuowała z nim rozmowę – dowcipną i swobodną. Ale po tej znajomości Vrubel stracił zainteresowanie pracą konserwatora. Święci i aniołowie Rusi Kijowskiej staną się wobec niego obojętni.
Za kilka dni skromny i wymagający mistrz zamieni się w skandalicznego dandysa, zacznie się wyzywająco ubierać i dziwnie zachowywać, a potem popełni czyn, za który zapłaci do końca życia.
Praktykanci i asystenci nie rozpoznają artysty. Coraz rzadziej pojawia się na risztowcach. Prahova wymyśla dla klienta wymówkę – musi pomyśleć o wizerunku Matki Boskiej, a sam przeliczyć zarobione pieniądze. Prakhov płaci Vrubelowi grosze - w końcu władze miasta nie przeznaczyły prawie nic na renowację fresków.

Ale Vrubela to nie obchodzi. Zostawi wszystkie pieniądze w sklepie odzieżowym i poprosi sprzedawcę, aby ofiarował mu koszulę wykonaną z najlepszego jedwabiu, pochodzącego z samego Paryża. Sprzedawca jest zaskoczony: mówią, dlaczego Vrubel potrzebuje tak drogiej koszuli, która lepiej pasuje do gubernatora, w sklepie jest wiele innych tańszych koszul;
Ale Vrubel upiera się sam, a wieczorem ubiera się jak prawdziwy dandys i jedzie do Prahovów. Emilia, zamiast docenić jego elegancję, niespodziewanie udziela artyście reprymendy za wydawanie dodatkowych pieniędzy. Vrubel ledwo dotrwa do końca obiadu, a potem jak kula wybiega za drzwi i ucieka.
Po tym incydencie Vrubel przez dwa dni nie pojawiał się w kościele Cyryla. A kiedy w końcu przychodzi do pracy, niesie w rękach paczkę. Na rogu oddaje paczkę żebrakowi i szybko rusza dalej. Kiedy żebrak rozpakowuje paczkę, widzi w niej piękną jedwabną koszulę. To była pierwsza dziwność Vrubela.
Dwadzieścia lat później, po jego śmierci, Prachowowie przypomną sobie cały szereg takich dziwactw i powiedzą, że choroba Vrubela już się zaczęła. Ale czy to naprawdę były pierwsze oznaki szaleństwa i choroby psychicznej, czy tylko emocje zakochanego mężczyzny?

Vrubel raz po raz próbuje zwrócić na siebie uwagę Prahovej. Pewnego dnia, przygotowując się do powrotu do domu po obiedzie, daje jej akwarelę. Ale Emilia nie przyjmuje prezentu. Tłumaczy, że to dla niej zbyt duży zaszczyt. Takie piękne rzeczy należą do muzeum.
Chciała pochwalić jego talent, ale Vrubel wybucha urazą. Rozdziera akwarelę na kawałki i rzuca ją pod nogi właściciela, a po kilku dniach wraca do Prahovów, tym razem z nosem pomalowanym zieloną farbą.
Kiedy sugerują mu, że niechcący się ubrudził, Vrubel w odpowiedzi tylko się śmieje i wyjaśnia, że ​​odtąd to nowa moda – kobiety noszą makijaż, a mężczyźni rysują nosy. Czerwony pasuje niektórym ludziom, zielony pasuje jemu. Dzieci śmieją się z żartu, a Emilia znów nie rozumie artysty. Karci go za dziecinne zabawy i żąda, aby natychmiast zmył farbę.
Vrubel posłusznie wykonuje polecenie, a następnie składa Emilii Prakhovej dziwną i nieoczekiwaną propozycję - prosi o pozwolenie na narysowanie jej na obrazie Święta Matka Boża- a ona się zgadza.
Zachowały się szkice, a na pierwszym z nich twarz Emilii Prakhowej jest całkowicie kompletna – oczy i nos są nadal ludzkie. Kolejny szkic, będący efektem poszukiwań, ukazuje kanoniczne wcielenie Najświętszej Maryi Panny. To prawda, że ​​​​oczy są jeszcze większe i mają inny wyraz.
A w ostatecznej wersji i na ikonie oczy są już o połowę mniejsze od twarzy i jest w nich melancholia. Vrubel rysuje szkice w dziwnym stanie - po naszkicowaniu w pośpiechu jednego rysunku, wymazuje go i szkicuje innym rysunkiem. Kolejny szkic pokazywany jest Emilii, a jeśli ma jakieś uwagi, rysuje go ponownie.
To była ich jedyna intymność. Tylko w ten sposób, przyciągając ją, mógł całkowicie zawładnąć tą kobietą. Szkice okazały się tak zmysłowe, że kiedy Adriyan Prakhov je zobaczył, nie mógł tego znieść. W obliczu Matki Bożej rozpoznaje twarz swojej żony. Vrubel pozwolił sobie na zbyt wiele i Prahov postanawia ukarać bezczelnego człowieka.
Ale nie może go po prostu wyrzucić, bo prace w kościele św. Cyryla nie zostały jeszcze zakończone, a następne jest malowanie katedry Włodzimierza. Vrubel jest kierownikiem prac renowacyjnych i ponosi za wszystko pełną odpowiedzialność. Dlatego Prakhov postanawia nie kłócić się z artystą, ale po prostu tymczasowo usunąć go z Emilii.
Musi zniknąć z ich domu, bo kto wie, jaka relacja wywiązała się między jego żoną a artystą podczas pracy nad szkicami. Dlatego Prahov je rozdziela. Pod pretekstem studiowania sztuki wielkich włoskich mistrzów i dokończenia prac nad ikonami kościoła św. Cyryla wysyła Vrubela do Wenecji.

Michaił Vrubel ciężko przeżywa rozstanie z Emilią. Nie pociesza go piękno Włoch, serce mu pęka.
Codziennie pisze listy do ukochanej i nie otrzymuje odpowiedzi. Swoją rozpaczliwą melancholię artysta może wyrazić jedynie w ikonie Najświętszej Bogurodzicy, nad którą pracuje na co dzień.
Porównując ikonę Najświętszej Bogurodzicy z wizerunkiem Emilii Prachowej na fotografii, gołym okiem widać, że jest to jedna i ta sama osoba. W rękach trzyma małego Chrystusa, który jak dwa groszki w strąku przypomina najmłodszą córkę Prahovów.

Legenda głosi, że podczas instalowania ikony w ikonostasie do kościoła św. Cyryla weszła kobieta. Chciała pomodlić się do Najświętszej Bogurodzicy, ale kiedy uklękła przed ikoną, nagle krzyknęła – z ikonostasu patrzyła na nią Emilia Prachowa. Lubię to? Czy naprawdę powinna modlić się za bliźniego?
Kiedy Adrian Prakhov zobaczył ikonę, zrozumiał wszystko – w Wenecji artysta nie zapomniał twarzy swojej żony. Nie dał się uwieść magicznym wizerunkom kanonicznych Madonn mistrzów renesansu, ale namalował Emilię.
W gniewie zleceniodawca renowacji kościoła św. Cyryla i pracodawca Vrubela, Adrian Prachow, zrywają z nim nową, zawartą już umowę na malowanie kolejnego kościoła - katedry św. Włodzimierza i przedstawiają mu opis „nierzetelnego artysta."
Zaraz potem rada artystyczna odrzuca wszystkie szkice Vrubela. W ciągu tygodnia artysta traci prawie wszystkie swoje zamówienia. Galerie odmawiają jego prac. A Vrubel zostaje bez środków do życia.

Ale to wszystko nie ma dla niego znaczenia. Najgorsze jest to, że Emilia nie chce go już widzieć. Vrubel nie mógł tego przeżyć. Współcześni wspominają: „To tak, jakby się wyrywał, pił bez końca, nocował w burdelach, gromadził wokół siebie ludzi dziwni ludzie- Cyganie, bezdomni, pijacy.
Pożycza ogromną sumę pięciu tysięcy rubli i urządza huczny bankiet, a gdy tłum pije z pieniędzy artysty, zamyka się w swoim pokoju i brutalnie kaleczy sobie ręce nożem. Bólem fizycznym chce zabić w sobie więcej silny ból- ból utraconej miłości.
Rano jego przyjaciele znajdują Vrubela w jego własnym mieszkaniu, zakrwawionego i nieprzytomnego. A kiedy go opamiętają, donoszą, że swoimi bankietami zaciągnął ogromne długi i pozywają go wierzyciele.
Przyjaciele starają się pomóc artyście. W jego mieszkaniu pozostał tylko jeden niesprzedany obraz – „Modlitwa o Kielich”. Współcześni nazywali ją genialnym dziełem. Aby chronić to zdjęcie przed niekontrolowany napad gniew artysty, przyjaciele znajdują kupca. Znany kijowski filantrop płaci artyście z góry 5 tysięcy rubli i chce odebrać obraz następnego dnia.
Kiedy jednak przyjeżdża następnego dnia, widzi: „Modlitwa o kielich” została zniszczona. Zamiast fabuły religijnej płótno przedstawia aktorkę cyrkową. Dzień wcześniej Vrubel zobaczył tę kobietę w cyrku i postanowił natychmiast ją namalować. Nie miał czystego płótna, więc zamalował nim sprzedany obraz.
Teraz, aby spłacić wierzycieli, genialny artysta zmuszony do wykonywania jakiejkolwiek brudnej roboty. Pracuje jako sprzątacz w tawernach i jako malarz na budowie. Wszystkie zarobione pieniądze wydaje na alkohol i prostytutki. Ale nawet to nie łagodzi jego bólu.
„Pociąłem się nożem. Rozumiesz? Kochałem kobietę – ona mnie nawet nie kochała, ale wiele rzeczy nie pozwalało jej mnie zrozumieć. Cierpiałem, a kiedy się skaleczyłem, cierpienie zmalało ”, z listów Vrubela. W końcu wyczerpany pan postanawia zemścić się na okrutnej kobiecie.
Kiedyś naśmiewał się z ludzi wierzących w mistyczną władzę obrazu nad jego pierwowzorem. A teraz postanawia użyć swojego daru jako broni i narysować Demona z twarzą Emilii Prakhovej.
Pierwszy Demon, którego widział tylko ojciec Vrubela i który podczas pracy nad tym obrazem zastał swojego syna w strasznie chorym, gorączkowym stanie, twierdził, że ten Demon był jak zmysłowa, zła kobieta. Demon okazał się tak straszny, że sam Vrubel przestraszył się swojego dzieła i zniszczył rysunek - podarł go na kawałki, ale było już za późno.
Vrubel złamał zakaz rysowania, opisywania i odgrywania diabła. Narysował Demona o rysach prawdziwej osoby i za to czekała go straszna kara.

Vrubel wyjechał do Moskwy w bolesnym stanie, ale zaskakująco spokojnym. Tutaj spotyka swoich byłych kolegów z klasy. Zorganizowali w mieście koło artystyczne. Patronuje mu Savva Mamontov, słynny moskiewski filantrop.
Mamontow usłyszał o freskach Kirilłowa i chętnie zgadza się wspierać artystę. Vrubelowi wydaje się, że wszystko, czego doświadczył, ma już za sobą. Z radością podejmuje się nowej pracy. Jednak po kilku miesiącach kijowski koszmar urojeniowy powraca do jego życia.
W Moskwie właśnie wtedy przygotowywano do publikacji rocznicową kolekcję Lermontowa i potrzebny był ilustrator. Vrubel zostaje zaproszony do zilustrowania wiersza „Demon”. Pierwszą rzeczą, jaką widzi artysta, jest jego kijowski rysunek i zakaz, który złamał. Tego błędu nie da się powtórzyć.
Potem miał szczęście, wydawało się, że kara go ominęła, ale drugi raz nie mógł podjąć takiego ryzyka. Ale tak naprawdę wybór został już dokonany. Vrubel odrzucił ofertę, ale obraz Demona zaczyna go prześladować. Artysta skarży się przyjaciołom – dręczy go ten sam niepokojący sen: każdej nocy otrząsa się piękny anioł smutnymi oczami.
Artysta próbuje sobie przypomnieć, gdzie widział te oczy. U Emilii Prahovej lub u szaleńców pod kościołem św. Cyryla. Savva Mamontov radzi mu: najłatwiejszym sposobem na pozbycie się snów jest narysowanie obrazu. Powinien zgodzić się z propozycją wydawców, aby zilustrować wiersz Lermontowa i przedstawić w nim Anioła ze swoich snów.
W ten sposób Vrubel stworzył obraz „Siedzący demon”. Obraz ten na zawsze zmienił pojęcie malarstwa. Demon będzie uważany za wzór do naśladowania przez najsłynniejszych artystów naszych czasów.

Minęło 25 lat i Vrubel ponownie znalazł się wśród szaleńców. Tylko raz patrzył na pacjentów spoza tej kraty, a teraz sam stał się jednym z nich. Vrubel przestaje rozpoznawać swoich bliskich i nawet nie pamięta, kim jest. Jest przenoszony z kliniki do kliniki. A w każdym z nich zostawia całe stosy rysunków. Te rysunki wcale nie przypominają rysunków szaleńca - wszystkie są lekkie i spokojne.
Po śmierci artysty lekarz leczący Vrubela zapisał w swoim pamiętniku: „Vrubel zmarł jako ciężko chory człowiek, ale jako artysta był głęboko zdrowy”. Jak to może być? Współcześni psychologowie twierdzą, że Vrubel był leczony swoimi rysunkami, w ten sposób powstrzymał chorobę. Intuicyjnie wymyślił to, co 30 lat po jego śmierci nazwano by arteterapią, czyli leczeniem sztuką.
Takie leczenie nie jest w stanie pokonać choroby, ale może znacznie spowolnić jej przebieg i rozwój. A niektórzy pacjenci rzeczywiście czują się lepiej na tyle, że wracają ze szpitala do domu praktycznie zdrowi. W czasach Vrubela arteterapia jeszcze nie istniała.
W klinice Vrubel nieustannie rysuje pejzaże za oknem, lekarzy, współlokatorów i dzieje się coś niesamowitego – Vrubelowi udaje się sprawić, że choroba ustąpi. Opuszcza szpital i udaje się tam, gdzie po raz pierwszy poznał swoją przyszłą żonę – do opery.
Podobnie jak w dniu, w którym się poznali, wystąpiła Natalya Zabela główna rola. Po występie Vrubel poszedł do garderoby swojej żony, wziął ją za ręce i podziękował. To było ostatni raz kiedy zobaczył swoją żonę. Kilka tygodni później Vrubel stracił wzrok.

Vrubel nigdy nie miał czasu dokończyć swojego ostatniego obrazu „Portret poety Bryusowa”.

Niewidomy i dotykiem próbuje wymazać część tła, aby je skorygować, ale przypadkowo wymazuje część postaci. Sanitariusze porwą wartościowy obraz dosłownie spod rąk autora, a potem pożałują swoich czynów: potem Vrubel już nigdy więcej nie sięgnie po pędzel.
Będzie żył w niewidomości kolejne cztery lata. Artysta nigdy się nie dowie: został wybrany na akademika sztuk pięknych zaocznie. Wystawy jego obrazów podróżują po całej Europie i zyskują światową sławę i uznanie. A w prasie pojawią się publikacje, że Demon zniszczył swojego autora.
Już ślepy Vrubel będzie próbował położyć kres mocy swojego Demona - popełnić samobójstwo. Ale zmarł na ostre zapalenie płuc. Demon Vrubela na tym nie poprzestał. Odebrał mu wzrok i umysł, a fatalnej miłości Emilię Prakhovą – rodzinę i spokój ducha.
Kiedy Vrubel zmarł, ją, wielką damę Kijowa, organizatorkę balów i wystawnych przyjęć, oskarżono o przynależność do szaleństwa geniusza. Emilia nie jest w stanie wytrzymać takiej presji. Opuści męża i przeniesie się na prowincję, gdzie zapomniana przez wszystkich i samotna umrze.

Holender Pieter Bruegel Starszy napisał „Pokłon Trzech Króli” w ciągu dwóch lat.

Wzorem Maryi Panny była jego kuzynka, bezpłodna kobieta, która za to była bita przez męża. To ona wywołała złą aurę obrazu. Płótno było czterokrotnie kupowane przez kolekcjonerów i od tego czasu przez 10-12 lat w rodzinach nie urodziło się żadne dziecko. W 1637 roku obraz kupił Jacob van Kampen. W tym czasie miał już trzech potomków, więc nie bał się klątwy.

******************************
Zły duch straconego przestępcy

Zły duch straconego przestępcy
Handlarze antykami zawsze mają mnóstwo obrazów niosących zabójczą energię. Jeden z nich kupiła kiedyś mieszkanka Londynu Dorothy Jenkins w antykwariacie w Fulham.
Był to portret młodej kobiety w czerwonej aksamitnej sukience. Płótno miało cztery stopy kwadratowe i nosiło widoczne ślady pożaru. Pod obrazem znajdował się krótki podpis – „Antoine”.

Obraz natychmiast przyniósł problemy w domu. Początkowo sama Dorota odczuwała ataki załamania nerwowego. Będąc mądrą osobą, zakładała, że ​​jej choroba ma jakiś związek z portretem wiszącym w jej pokoju. Aby w końcu się o to upewnić, Dorota zaprosiła swojego syna Edwarda, aby powiesił obraz na kilka dni w swoim pokoju. Rezultat był natychmiastowy:
Edward, spokojny, melancholijny młody człowiek, czasami miał wrażenie, że przetaczają się przez niego fale niekontrolowanego gniewu.
Dorota zwróciła się o radę do swojego przyjaciela, badacza zjawisk okultystycznych, Philipa Paula. Przyszedł na spotkanie ze słynną londyńską medium Anne Quigt. Paul nie przekazał jej wszystkich informacji dotyczących badanego problemu, a po prostu poprosił ją o „psychometryczne” zbadanie niektórych obiektów w jednej z dzielnic Londynu.
Razem z parapsychologami do domu Dorothy Jenkins przybyli zastępca redaktora naczelnego „Parapsychology News” Leslie Howard, trzech reporterów prasowych i fotograf, który miał uwiecznić cały proces badawczy.
Aby wyniki eksperymentu były bardziej obiektywne, Paul skierował medium bezpośrednio do dziwnego portretu, mówiąc, oczywiście nieszczerze, że prawdopodobnie najpierw chciałaby przyjrzeć się całkowicie „neutralnym” przedmiotom w tym domu. Jednak Anne Twigg natychmiast poczuła obok obrazu nieznośną grozę, wpadła w trans i zaczęła niewyraźnie opowiadać o jakichś pomieszanych wydarzeniach, wśród których były dźwięki muzyki i wizja krwi oraz opis jakiegoś wilgotnego, szczurzego -wypełniona cela więzienna, a także szubienica, młoda kobieta z rozwianymi włosami, kat i wielki tłum ludzi na placu miejskim.
Po eksperymencie Ann twierdziła, że ​​gdy tylko weszła do pokoju, zobaczyła jasny błysk światła przemieszczający się z miejsca na miejsce. Punktem, w którym wybuchła ta epidemia, był obraz Antoine’a. Okazało się, że obraz przedstawia portret kobiety, najprawdopodobniej szlacheckiego pochodzenia, która w odległym XVIII wieku, po oskarżeniu o jakąś straszliwą zbrodnię, została publicznie powieszona na rynku miejskim.
Jednak jej duch nie uspokoił się po śmierci i osiadł na zawsze w portrecie, negatywnie wpływając na zdrowie właścicieli obrazu. Naturalnie Dorothy Jenkins chciała jak najszybciej pozbyć się tego przeklętego portretu.
Od tak pochopnego kroku odradziła jej jednak Ann Twig. „Duch może się obrazić” – stwierdziło medium – „a konsekwencje tego będą nieprzewidywalne. Dlatego najbardziej neutralną opcją byłoby przeniesienie obrazu gdzieś na strych lub do szafy i pozostawienie go tam na zawsze”. Dorota właśnie to zrobiła i odtąd ani ona, ani jej syn Edward nie byli niepokojeni przez złego ducha.

**********************

Duchy oszalały.

Każdy, kto oglądał bajkę o Harrym Potterze, zapewne pamięta, jak duchy dawno zmarłych ludzi, stale żyjące na ich portretach, regularnie spacerowały po szkole dla młodych czarodziejów, a czasem nawet bez złośliwości płatały figle. Według dalekich od bajecznych pracowników muzeum podobne przypadki zdarzają się w prawdziwym życiu. Tak więc w 1996 roku w Muzeum Prado w Madrycie, na oczach oszołomionych turystów z Japonii, infantka zeszła z obrazu Velazqueza i... oddała mocz na podłogę! Potem oczywiście wróciła do obrazu.

A w Muzeum Orsay w Paryżu uroda Renoira przez dziesięć minut szokowała grupę uczniów i ich przewodnika, rozkładając nogi... Warto zauważyć, że w obu przypadkach duchy widzieli tylko ci, którzy znajdowali się w pobliżu obrazów wybryki. Reszta zwiedzających nie zauważyła niczego szczególnego.
...Jak donosiło ostatnio wiele mediów środki masowego przekazu, w jednym z muzeów w Nowym Jorku, tuż przed zamknięciem, kiedy w sali nie było już prawie ludzi, z zdjęcia nieznany artysta Pojawił się XIX-wieczny duch młody człowiek w stroju myśliwskim i... udusił stojącego obok niego gościa. Opiekunowie muzeum przybyli na miejsce zbrodni, gdy duch powrócił już na swoje miejsce na portrecie...

Moim zdaniem to już za dużo

Rosyjscy naukowcy, badając „widmowe” obrazy obrazów, doszli do wniosku, że „Dziewiąta fala” Aiwazowskiego i wiele innych słynnych obrazów również ma silną negatywną aurę. A podczas badania energii „Czarnego kwadratu” Kazimierza Malewicza jeden z naukowców… stracił przytomność. „To jedna wielka bryła ciemnej siły i energii, jakby malowali obraz w podziemnym świecie” – przyznał naukowiec, gdy ledwo udało mu się odzyskać przytomność. O obrazie Malewicza „Czarny kwadrat” mówiono już wcześniej i mówi się o nim także dzisiaj. I to nie tylko po to, by podnieść cenę. Do tej pory nikt nie wie, co oznaczał ten kwadrat i co Malewicz chciał nim wyrazić. „Czarny kwadrat” to „czarna dziura” w malarstwie, wysysająca pozytywną energię i wyrzucająca negatywną, co silnie oddziałuje na psychikę widza. Jednak dyskusje wokół „Czarnego kwadratu” nie cichną.

Mówiono, że artysta zaprzedał duszę diabłu – wszystkie osoby przedstawione na obrazach zmarły wkrótce po pozowaniu. Higginsowie byli pierwsi. Artysta nie udziela wywiadów i nie komentuje tragicznych losów swoich modelek. Co jakiś czas dzwoni do tej czy innej zamożnej osoby, której twarz często pojawia się w gazetach: „Wiesz, mam zamiar zrobić ci portret…” A śmiertelnie przestraszony milioner płaci porządną sumkę, żeby tego nie zrobił To...
*******************************
Istnieją również obrazy mistyczne: przedstawione na nich młode piękności, które zmarły po namalowaniu obrazów, mają pewną moc, która może skrócić życie właścicieli tych obrazów. Starzy kolekcjonerzy, obserwując przez długi czas życie obrazów, zauważyli, że obraz zdawał się oddziaływać na otaczającą przestrzeń i przenosić ukazane na nim wydarzenia w realne życie.

Aura tajemniczości ciągnie się niczym ślad za obrazami wielkiego rosyjskiego artysty Iwana Nikołajewicza Kramskoja (1837-1887). Słynny obraz „Nieznany” to portret prawdziwego życia śliczna kobieta. Portret swoim realizmem od kilkudziesięciu lat wywołuje u widzów ekscytację; lekko pogardliwe spojrzenie, lekki rumieniec na policzkach, lekko wygięte usta zdają się wyrażać jej niedostępność dla otaczających ją osób urzeczonych jej urodą. Wydaje się, że Newskim Prospektem powoli jedzie kobieta, otoczona ekscytującym zapachem mistycyzmu i tajemnicy.

Dzisiejsi krytycy i po prostu kontemplacyjni uważają, że przed nimi stoi typowa arystokratka po czubki paznokci, pewna siebie i swojej urody, ale widzowie, współcześni portretowanej kobiecie, od razu zdeterminowani jej strojem i makijażem spójrzmy prawdzie w oczy, że jest przedstawicielką tzw. pań półświata, czyli po prostu utrzymanką. Rozdaje ją połączenie dwóch modnych rzeczy na raz, co było niedopuszczalnym nadmiarem w ubiorze porządnej damy tamtych czasów. Oprócz ubioru kobietę zdradza także makijaż: rumieniec na policzkach, szminka na ustach i wyraźnie zarysowane brwi, co u pań z towarzystwa uznano za nieprzyzwoite.

Artystkę w tym czasie dosłownie bombardowano pytaniami: kim jest ta piękna nieznajoma, czy istnieje naprawdę, czy też jest wytworem wyobraźni artystki? Na co Kramskoj odpowiedział z uśmiechem: „Oczywiście, że jest prawdziwa, autentyczna, istniejąca na płótnie”. Duszący się z przytłaczających emocji widzowie dzielili się wrażeniami i chcieli w jakiś sposób zbliżyć się do rozwiązania zagadki jej urody.

Tylko jedna osoba nie zachwycała się obrazem piękna, wręcz przeciwnie, uważnie wpatrując się w pogardliwe spojrzenie nieznajomego, wykonał ostry skręt i nie oglądając się za siebie, opuścił salę, w której wisiał portret „Nieznajomego”. wystawiany. Tym człowiekiem był słynny kolekcjoner Paweł Michajłowicz Tretiakow. Artysta Kramskoj był bardzo urażony takim zachowaniem kolekcjonera i sprzedał swój obraz małemu kolekcjonerowi. A pan Tretiakow, mając za sobą gorzkie doświadczenia, wiedział, że portrety są piękne femme fatale nie przyniesie nic dobrego.

Wśród kolekcjonerów malarstwa panuje przekonanie, że piękno ukazane na obrazach znanych artystów zabiera ze sobą piękno witalność ludzie na nie patrzą, bo wiadomo, że obraz Leonarda nazywa się „La Gioconda”, a obrazy Tycjana i Botticellego z kobietami „obrazami wampirów”, a fanatyczni widzowie nieustannie próbują te obrazy zepsuć, pociąć, a nawet zniszczyć.

Obraz „Nieznany” również spotkał smutny los: najpierw trafił do nieznanego kolekcjonera, potem, jakby nie uspokojony, przez długi czas przechodził z rąk do rąk. Dochodząc do kolejnej wystawy, obraz wywołał mnóstwo plotek, że sprowadził już na swoich właścicieli wiele nieszczęść. Ale twórcy nieszczęsnego obrazu przydarzyło się naprawdę straszne wydarzenie: niecały rok po napisaniu „Nieznanego” zmarli dwaj synowie Kramskoja. Załamany artysta wyraża głębię tragedii, pisząc następujące arcydzieło: „ Nieukojony smutek: płótno przedstawia jego płaczącą żonę stojącą pośrodku pustego pokoju. Zdając sobie sprawę, że nikt nie chciałby kupić obrazu z tak szczerym wyrazem żalu, Kramskoy przekazuje go bezpłatnie Galeria Trietiakowska. Jednak pan Tretiakow, uchodzący za osobę porządną i sympatyczną, przekazał rodzinie artysty znaczną opłatę za obraz.

*****************************

Historia malarstwa opowiada historię losów siostrzenicy genialnego Włoski kompozytor N. Paccini, którego portret namalował w 1832 roku wspaniały artysta Karol Pawłowicz Bryulłow (1799-1852).

Obraz „Jeździec” przedstawia młodą Giovanninę Paccini z wdziękiem paradującą na koniu o cienkich nogach. W Rzymie mówiono, że młoda Giovannina miała szczęście, bo po śmierci wuja przyjęła ją bogata rosyjska hrabina Julia Samoilova, ale szczęście nie trwało długo – dziewczyna została stratowana przez konia.

W Kościele katolickim było to dozwolone malarstwo religijne, w ortodoksji uznano malarstwo ikonowe z jeszcze sztywniejszymi granicami obrazu.

W sztuce katolickiej punktem wyjścia do stworzenia wizerunku Matki Boskiej było często pojawienie się kobiety. Wyjątkiem nie była tutaj „Madonna Sykstyńska” Rafaela, w której rysach twarzy rozpoznać można nie tyle czczony przez chrześcijan wizerunek Matki Bożej, co ukazaną na płótnie Margaretę Luti (Luti, Lucci).

Prawie po raz pierwszy w historii Dzieła wizualne W okresie renesansu Matka Boża nie była przedstawiana w swojej boskiej postaci. Ujawnia się całkowita rozbieżność z ogólnie przyjętymi wizerunkami Madonny - podkreślona prostota pozy, sylwetki, twarzy, ubioru, fryzury, braku butów.

Wydaje się, że nawet papież Sykstus II, przedstawiony obok Madonny, u której stóp znajduje się papieska tiara, symbol mocy duchowej, oraz św. Barbara, ubrana znacznie elegancko i luksusowo niż Matka Boża, są nieco zaskoczeni jej ludzkim bezbronność, otwartość i całkowicie ziemski wygląd chłopskiej dziewczyny. Madonna Sykstyńska nie nosi korony królewskiej ani luksusowych ubrań, nie zasiada majestatycznie na tronie; nawet dziecinnie szeroko otwarte oczy Madonny zdają się kontrastować z mądrym spojrzeniem Dzieciątka Chrystus.

Gotowe płótno wywołało wiele kontrowersji w społeczności kościelnej, a klienci nie zgodzili się na jego przyjęcie. Madonna Sykstyńska„, uznając ten obraz za niemal heretycki. Z punktu widzenia księży katolickich taki obraz był z natury grzeszny, co oczywiście go nie umniejszało wartość artystyczna.

Informacje o Margaretha Luti, które przetrwały do ​​dziś, są bardzo skąpe i przypominają raczej legendy. Jej ojciec był piekarzem, który wraz z rodziną przeniósł się ze Sieny do Rzymu. A w Rzymie Rafael Santi poznał Margaretę. Podczas ich znajomości Margareta wyraziła zgodę na pozowanie artyście do stworzenia fresku „Kupid i Psyche”. Młodzi ludzie zakochali się w sobie, lecz jej ojciec był przeciwny ich spotkaniom. Następnie Rafał kupił Małgorzatę od piekarza, płacąc za swoją piękną ukochaną trzy tysiące złotych monet.

Przez dwanaście lat z rzędu (według innych źródeł – sześć lat) Rafał i Małgorzata mieszkali razem, towarzyszyła mu we wszystkich podróżach i była wzorem dla wielu obrazów wielkiego malarza, pomagając mu tworzyć wizerunki Madonn, świętych i mitycznych piękności. Współcześni podkreślali, że Rafael nie rozstał się z nią aż do śmierci i nie mógł pracować, gdyby jej nie było w pobliżu.

Opinie badaczy na temat biografii Margarety Luthi są całkowicie odmienne. Niektórzy twierdzą, że nie była wierna i często zwracała uwagę zarówno na odbiorców dzieł Rafaela, jak i jego uczniów. Jedna ze słynnych plotek głosi także, że Rafael zmarł w łóżku swojej niewiernej kochanki na zawał serca.

Inni, w tym Paweł Muratow, wskazują, że były one wzniosłe związek miłosny. Małżeństwo artysty z córką piekarza zostało zakazane przez Watykan i w nadziei, że Rafael zostanie nadwornym malarzem, zorganizował jego małżeństwo z siostrzenicą jednego z kardynałów, która została jednak przez Rafaela odrzucona. Wiadomo również, że łkająca Małgorzata została usunięta z pokoju umierającego Rafaela, gdy przybył do niego poseł papieski.

Niejasny jest także los Margarethy Luthi po śmierci jej kochanka i patronki. Złe języki twierdzą, że odziedziczyła po Rafaelu duża ilość pieniądze i została kurtyzaną znaną w całym Rzymie. Muratow twierdzi, że Margareta Luti opuściła klasztor, o czym świadczy odpowiedni wpis stwierdzający, że „wdowa po Rafaelu” została tonsurowaną zakonnicą.

Niemal następnego dnia po zakończeniu pracy nad ich portretami zmarli kompozytor Musorgski, chirurg Pirogow i polityk Stołypin. Pisarz Wsiewołod Garszin rzucił się ze schodów po tym, jak Repin namalował za ich pomocą szkic głowy księcia do obrazu „Iwan Groźny zabija swojego syna”. Prawie wszyscy przyjaciele, których przedstawił na innym słynnym płótnie „Kozacy piszący list do tureckiego sułtana”, zmarli z różnych powodów zaraz po pierwszej wystawie dzieła. Przestraszony artysta zamalował wizerunek własnego syna.

Od czasów starożytnych ludzie wierzyli w mistyczną moc obrazów. Wystarczy przypomnieć prymitywne plemiona i ich malowidła naskalne przedstawiające sceny udanego polowania: starożytni artyści, przedstawiając ofiarę przebitą włóczniami, starali się jasno pokazać duchom patronom, czego oczekują od nadchodzącego dnia.

Istnieje jednak wiele legend i opowieści mówiących o przeklętych obrazach, które przynoszą swoim właścicielom nieszczęście, a nawet śmierć.

„Demon pokonany” Vrubela

Michaił Aleksandrowicz Wrubel, jeden z najbardziej znany artysta Rosja wyróżniła się dwoma „przeklętymi” obrazami na raz. Pierwszy obraz, portret ukochanego syna Savvy, powstał na krótko przed śmiercią dziecka. Gorzka strata w rodzinie artysty nastąpiła nieoczekiwanie: Savva zachorował i nagle zmarł.

W tym samym okresie Michaił Aleksandrowicz namalował obraz „Pokonany demon”. Jej powstanie zbiegło się z poważnym pogorszeniem stanu zdrowia fizycznego i psychicznego artysty, w tym śmiercią jego małoletniego syna. Według wspomnień współczesnych nie mógł oderwać się od malowania obrazu, za każdym razem dodając coraz to nowe akcenty. Co więcej, pewnego dnia we śnie ukazał mu się Demon i zażądał, aby obraz nazwano ikoną, gdyż pięknemu pokonanemu złu należy oddawać cześć jak innym męczennikom.

Po wysłaniu obrazu na wystawę Vrubel podążył za nim i kontynuował wprowadzanie zmian w swoim dziele bezpośrednio w sali wystawowej. Zdając sobie sprawę, że popadł w obsesję, Vrubel zgodził się na leczenie w klinice psychiatrycznej. Jednak choroba artysty nie ustąpiła. Po ulepszeniu swojego stan umysłu i powrót do stare życie zaczął tracić wzrok i ostatnie lata życia spędził w całkowitej ciemności.

„Płaczący chłopiec” Giovanniego Bragolina

W 1985 roku w północnej Anglii doszło do serii pożarów. Niektóre ofiary twierdziły, że z całego ich majątku ocalała jedynie reprodukcja obrazu „Płaczący chłopiec” namalowanego przez Giovanniego Bragolinę, włoskiego artystę XX wieku. W Krótki czas Po całym kraju rozeszła się wieść, że obraz jest przeklęty. Doszło nawet do tego, że w jednej z drukowanych publikacji ukazała się informacja, że ​​wszyscy właściciele reprodukcji tego obrazu powinni się ich natychmiast pozbyć, ponadto władze zakazały pozyskiwania i przechowywania kopii obrazu.

Według legendy Bragolina wykorzystywał swojego syna jako opiekuna do tego obrazu, a dla uzyskania pożądanych emocji palił zapałki przed twarzą dziecka. Było to szczególnie okrutne, ponieważ artysta wiedział, że on mały syn doświadczenie panika, strach przed ogniem.

Na koniec wyczerpane dziecko krzyknęło do ojca: „Spal się!” i te słowa wkrótce się spełniły. Kilka tygodni później chłopiec zmarł na zapalenie płuc, a wkrótce spłonął dom, w którym znajdował się jego ojciec.

„Lilie wodne” Claude’a Moneta

Płótno „Lilie wodne” impresjonisty Claude'a Moneta jest również uważane za przeklęte: niemal natychmiast po ukończeniu obrazu w warsztacie artysty wybuchł pożar. „Lilie wodne” przetrwały.

Aby wyremontować swoją pracownię, Claude Monet sprzedał obraz właścicielowi jednego z kabaretów na Montmartrze. Niestety, krajobraz nie był ozdobą tego lokalu rozrywkowego na długo: w niecałe sześć miesięcy zamienił się w popiół. Czy coś przetrwało? Tak, tym razem ogień oszczędził „Lilie wodne”.

Następnie zdjęcie trafiło do jednego z paryskich mecenasów – Oscara Schmitza. A rok później jego dom doszczętnie spłonął: mówią, że ogień zaczął się w pokoju, na ścianie, w którym wisiał obraz. Nawiasem mówiąc, znowu przeżyła.

Podobne historie powtarzały się wielokrotnie, aż w 1955 roku „Lilie wodne” trafiły do ​​nowojorskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Zdjęcie nie cieszyło długo oczu zwiedzających. Trzy lata później drugie piętro, na którym wystawiono obraz, zostało poważnie zniszczone przez pożar. Tym razem w pożarze zginęło także nieszczęsne arcydzieło.

„Krzyk” Edvarda Muncha

Obraz „Krzyk” słynnego norweskiego artysty Edvarda Muncha to jedno z najbardziej rozpoznawalnych i cytowanych dzieł sztuki. Jego koszt szacuje się na dziesiątki milionów dolarów, ale wiele osób prawdopodobnie nie zdecydowałoby się na powieszenie go w swoim domu, nawet gdyby dostało go za darmo. Faktem jest, że z tym obrazem wiąże się wiele wypadków i zbiegów okoliczności, co skłania do refleksji nad klątwą, jaką niesie ze sobą ten obraz.

Wiele osób, których działalność w jakiś sposób była związana z obrazem, doświadczyło jego negatywnych skutków: najgłębszej depresji, nagła śmierć a zerwanie relacji z bliskimi to dopiero początek listy.

Znajdujący się w Muzeum w Oslo obraz nie wybaczył nikomu, kto w taki czy inny sposób naruszył jego bezpieczeństwo. Tak więc jeden z pracowników muzeum przypadkowo upuścił arcydzieło. Wkrótce zaczął mieć silne bóle głowy, które doprowadziły go do samobójstwa.

Inny pracownik muzeum również przypadkowo upuścił obraz, wieszając go na ścianie. Kilka dni później miał straszny wypadek samochodowy, doznał wstrząśnienia mózgu i poważnych złamań kończyn.

Jak wiadomo, eksponatów muzealnych nie można dotykać. Osoba naruszająca tę zasadę, która dotknęła palcami płótna, kilka dni później spłonęła żywcem w swoim domu.

Wideo - Przeklęte obrazy TOP 5

Dziś przesłano mi link do twórczości jednego artysty (w trakcie, który w dużym stopniu skorzystał z metod Salvadora-naszego-Dali).

Z czystej ciekawości poszłam poszukać, mimo że kierownictwo było nieprzyjazne dla wszystkich udających głupców. Zdjęcia budzą niepokój. Czyli w zasadzie to, co autor miał na myśli. A moje myśli popłynęły w kierunku mistycznym i tajemniczym (uwielbiam ten temat, tak). Przecież wiele obrazów (jak zresztą wiele dzieł muzycznych – jestem gotowa napisać o tym osobno) wywołuje dziwne uczucia lub (jeszcze lepiej) dziwne zdarzenia z tymi, którzy zostali na nich przedstawieni o nieuprzejmej godzinie lub kupieni /dostałem je przez przypadek/za dużo wpatrywałem się przez długi czas. Zanim zacząłem szukać informacji na ten temat, wiedziałem tylko o dwóch obrazach o „złej” reputacji, ale gdy już poszperałem, okazało się, że...

Obraz Claude’a Moneta „Lilie wodne”- jedno z arcydzieł kultury światowej. Zastanawiam się, czy sam artysta, malując obraz, myślał, że kilkadziesiąt lat później będzie miał tak złą sławę? Rzecz jednak w tym, że za zdjęciem kryje się cała smuga pożarów. Co więcej, pierwszy miał miejsce we własnym domu Moneta, dosłownie zaraz po zakończeniu pracy nad obrazem. Pożar w warsztacie, w którym znajdowały się „Lilie wodne”, został szybko ugaszony, a sam obraz nie uległ zniszczeniu.
Wkrótce właścicielami obrazu zostali właściciele lokalu rozrywkowego na Montmartre, a miesiąc później właściciele pakowali walizki, opuszczając spalony budynek kabaretu. Nawiasem mówiąc, w walizce znajdował się także sam obraz – jedna z kilku rzeczy, które wywieziono z objętego płomieniami budynku. Następnie obraz nabył Oscar Schmitz, filantrop mieszkający w Paryżu. Miał więcej szczęścia od poprzednich właścicieli - jego dom stał nietknięty przez cały rok... Rok później z domu pozostał już tylko popiół, a pożar, według naocznych świadków, wybuchł w tym samym pomieszczeniu, w którym wisiał obraz Moneta. Nawiasem mówiąc, płótno znów znalazło się wśród nielicznych rzeczy, które udało się uratować. I znów obraz trafił do nowego właściciela. Tym razem nie do jedynego właściciela, ale do muzeum – New York Museum sztuka współczesna. I ogień tego nie ominął - stało się to 4 miesiące później, tym razem płótno zostało dość poważnie zniszczone.

Kolejnym płótnem, które stale towarzyszy kłopotom, jest „Wenus z lustrem” Diego Velazqueza.

Pierwszy właściciel obrazu, hiszpański kupiec, zbankrutował, a jego handel podupadał z każdym dniem, aż większość jego towarów została przejęta przez piratów na morzu, a kilka kolejnych statków zatonęło. Sprzedając na aukcji wszystko, co miał, kupiec sprzedał także obraz. Nabył go inny Hiszpan, również kupiec, który był właścicielem bogatych magazynów w porcie. Ledwo przekazano pieniądze za płótno, gdy od nagłego uderzenia pioruna zapaliły się magazyny kupca. Właściciel był zrujnowany. I znowu jest aukcja, i znowu obraz zostaje sprzedany razem z innymi rzeczami, i znowu kupuje go zamożny Hiszpan... Trzy dni później został zadźgany nożem we własnym domu podczas napadu. Potem obraz długo nie mógł znaleźć nowego właściciela, jego reputacja została zbyt nadszarpnięta, a płótno podróżowało różne muzea, aż w jednym z nich psychicznie chory turysta z nożem rzucił się na zdjęcie i je zniszczył.

Nieszczęścia związane z różnymi obrazami są zupełnie inne. Na przykład wielu właścicieli „Pokłonu Trzech Króli” Pietera Bruegla Starszego pozbyło się obrazu, wierząc, że wiąże się on z niepłodnością w rodzinie.

Co ciekawe, kuzyn artysty, z którym malował to płótno, również cierpiał na bezpłodność, która zdawała się przekazywać za pośrednictwem obrazu rodzinom, w których było ono przechowywane. Dzieci nie pojawiały się nawet tam, gdzie kobiety wcześniej rodziły bez problemów.

Znana jest oczywiście sława sławnych „La Gioconda” Leonarda da Vinci oraz: obraz podobno wywiera niezrozumiałe wrażenie na tych, którzy patrzą na niego przez dłuższy czas.

Zauważył to XIX-wieczny pisarz Stendhal, który po długim podziwianiu płótna zemdlał. Opiekunowie Luwru zauważają, że takie omdlenia nie są rzadkością; zdarzają się zwiedzającym dość często, zwłaszcza przed portretem Mony Lisy. A sam da Vinci, według wspomnień swoich bliskich, miał jakby obsesję na punkcie obrazu, nieustannie próbując poprawiać szczegóły, przerysowywać itp. A podczas pracy często doświadczał załamań i popadał w depresję.

Tajemnicze zdarzenia przydarzyły się także tym, którzy niechcący „obrazili” słynny obraz Edvard Munch „Krzyk”.

Koszt tego obrazu sięga 70 milionów dolarów. I być może kolekcjonerzy byliby niezmiernie szczęśliwi, mając ten obraz w swojej prywatnej kolekcji: gdyby nie jedno: mówią, że obraz zdaje się mścić na wszystkich swoich przestępcach.

Na przykład pracownik muzeum, który przez przypadek upuścił płótno, przez długi czas cierpiał na nieznośne bóle głowy, co ostatecznie doprowadziło go do samobójstwa. Inny pracownik muzeum, który również upuścił obraz, kilka dni później znalazł się na oddziale intensywnej terapii po strasznym wypadku samochodowym: prawie wszystko było połamane – ręce, nogi, żebra, kości miednicy… Jeden z zwiedzających muzeum, który dotknął obrazu, obraz został wkrótce spalony żywcem w domu w czasie pożaru. Być może większość tego, co mówi się o tym obrazie, to fikcja, ale istnieją dziesiątki historii o ludziach, którzy w jakiś sposób zetknęli się z obrazem, a następnie poważnie zachorowali, popadli w ciężką depresję, a nawet umarli. Wiele osób kojarzy to oddziaływanie płótna z życiem samego artysty. Munch przeżył śmierć prawie wszystkich swoich bliskich: jego matka zmarła na gruźlicę – Munch miał 5 lat; jego ukochana siostra zmarła nagle, gdy miał 14 lat; wkrótce zmarł brat, a kolejna siostra zachorowała na schizofrenię. Sam artysta przeżył depresję i poważne załamania nerwowe.

W czasach Puszkina portret Marii Lopukhiny był jedną z głównych „horrorów”. Dziewczyna żyła krótko i nieszczęśliwie, a po namalowaniu portretu zmarła na gruźlicę. Jej ojciec Iwan Łopukhin był znanym mistykiem i mistrzem loży masońskiej. Dlatego rozeszły się pogłoski, że udało mu się zwabić ducha zmarła córka w ten portret. I że jeśli młode dziewczyny spojrzą na zdjęcie, wkrótce umrą. Według plotek salonowych portret Marii zniszczył co najmniej dziesięć szlachcianek w wieku zdatnym do zawarcia małżeństwa...

Pogłoski rozwiał filantrop Tretiakow, który w 1880 roku kupił portret do swojej galerii. Nie stwierdzono znaczącej śmiertelności wśród odwiedzających płci żeńskiej. Rozmowy ucichły. Ale osad pozostał!

Holenderski artysta Pieter Bruegel Starszy malował Pokłon Trzech Króli przez dwa lata. „Skopiował” Dziewicę Maryję od swojego kuzyna. Była kobietą bezpłodną, ​​za co otrzymywała ciągłe ciosy ze strony męża. To ona, jak plotkował prosty średniowieczny Holender, „zainfekowała” obraz. „Mędrcy” czterokrotnie kupowani byli przez prywatnych kolekcjonerów. I za każdym razem powtarzała się ta sama historia: przez 10-12 lat w rodzinie nie urodziło się żadne dziecko...
Ostatecznie w 1637 roku obraz kupił architekt Jacob van Kampen. W tym czasie miał już troje dzieci, więc klątwa go szczególnie nie przestraszyła.

Prawdopodobnie najsłynniejszy kiepski obrazek w Internecie z następującą historią: Pewna uczennica (często wspomina się Japonkę) narysowała ten obrazek przed podcięciem żył (wyrzuceniem się przez okno, zażyciem tabletek, powieszeniem się, utonięciem w wannie) . Jeśli spojrzysz na nią przez 5 minut z rzędu, dziewczyna się zmieni (jej oczy stają się czerwone, włosy stają się czarne, pojawiają się kły).
W rzeczywistości jasne jest, że obraz wyraźnie nie został narysowany ręcznie, jak twierdzi wiele osób. Chociaż nikt nie daje jasnych odpowiedzi na pytanie, jak pojawił się ten obraz.

Teraz wisi skromnie bez ramy w jednym ze sklepów w Winnicy. „Rain Woman” jest najdroższym ze wszystkich dzieł: kosztuje 500 dolarów. Według sprzedawców obraz był już trzykrotnie kupowany i zwracany. Klienci tłumaczą, że o niej marzą. I ktoś nawet mówi, że zna tę panią, ale nie pamięta gdzie. A każdy, kto kiedykolwiek spojrzał w jej białe oczy, na zawsze zapamięta uczucie deszczowego dnia, ciszy, niepokoju i strachu.
Skąd się to wzięło? niezwykły obraz, powiedziała jego autorka, winnicka artystka Swietłana Telets. „W 1996 roku ukończyłem Odessę uniwersytet artystyczny ich. Grekova” – wspomina Swietłana. „A sześć miesięcy przed narodzinami „Kobiety” zawsze wydawało mi się, że ktoś mnie ciągle obserwuje. Odgoniłem od siebie takie myśli i pewnego dnia, nawiasem mówiąc, wcale nie deszczowego, usiadłem przed czystym płótnem i myślałem, co narysować. I nagle wyraźnie zobaczyłem kontury kobiety, jej twarz, kolory, odcienie. W jednej chwili zauważyłem wszystkie szczegóły obrazu. Główną część napisałem szybko – skończyłem ją w około pięć godzin. Wydawało mi się, że ktoś prowadził moją rękę. A potem skończyłem rysować na kolejny miesiąc.
Po przybyciu do Winnicy Swietłana wystawiła obraz w miejscowej placówce salon artystyczny. Co jakiś czas podchodzili do niej koneserzy sztuki i dzielili się tymi samymi przemyśleniami, jakie ona sama towarzyszyła jej podczas swojej pracy.
„Ciekawie było obserwować” – mówi artysta – „jak subtelnie dana rzecz może urzeczywistnić myśl i zainspirować ją u innych ludzi”.
Kilka lat temu pojawił się pierwszy klient. Samotna bizneswoman długo chodziła po korytarzach, przyglądając się uważnie. Kupiwszy „Kobietę” powiesiłam ją w sypialni.
Dwa tygodnie później w mieszkaniu Swietłany zadzwonił nocny telefon: „Proszę ją odebrać. Nie mogę spać. Wygląda na to, że w mieszkaniu jest ktoś oprócz mnie. Nawet zdjąłem go ze ściany i schowałem za szafą, ale nadal nie mogę tego zrobić.
Potem pojawił się drugi kupujący. Wtedy młody człowiek kupił obraz. Ja też nie mogłam tego długo znieść. Sam przyniósł go artyście. I nawet nie wziął pieniędzy.

O reszcie – łącznie z moimi „ulubieńcami” – następnym razem.